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mostarda
papel Cansol 300gr.
máscara folhas de louro e espinheira santa
4 horas exposição

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experimento transformar impressão preto e branco em papel transparente

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pimenta caiena
papel Canson 200gr
impressão preto e branca umedecida com vaselina
exposição 4horas

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açafrão da terra
papel Canson 300gr
folhas de louro
exposição 6 horas

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spirulina
papel Canson 300gr
impressão preto e branco umedecida com vaselina
exposição 7horas

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poupa de açaí médio
papel Canson 300gr
folhas de louro
exposição 7hs

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In 2018, I participated in the Philadelphia Artist Collective artist residency program at the historic Woodland Cemetery in Philadelphia. The Woodlands is a 54-acre cemetery that began as a botanical garden in the 18th century. During my residency, I created field studies using cyanotypes to understand the site's ecology and created a body of Anthotypes using plant pigments from flower petals, berries, weeds, and nuts found in and around the Woodland Cemetery. This work, entitled The Island That Likes To Be Visited, was exhibited on-site at the historic Hamilton Mansion at the conclusion of the residency.

During the exhibition, three completed works and three works in the process of being exposed were shown together. This juxtaposition created the ability to observe the constant cycle of growth and decay as each print became anew each day. Through this ephemeral process, visitors experience the tensions between time, memory, and loss as each artwork recedes further from sight and the ability to reconstruct them becomes intangible.

An anthotype is a botanical printing process I use to explore the intersection of art, ecology, history, and time. Using this process I seek to make site-specific revealing what our environments can tell us about our past, present, and future.

*An Anthotype is a print that is created by exposing plant pigments to sunlight. To produce an anthotype, a photographic positive, or object, is placed on top of paper saturated with plant dye, and then laid in the sun. With time, sunlight bleaches away any areas on the paper that are not concealed. This process can take anywhere from a few days to a few months. Over time an anthotype will continue to fade until no image is present.

In 2018, I participated in the Philadelphia Artist Collective artist residency program at the historic Woodland Cemetery in Philadelphia. The Woodlands is a 54-acre cemetery that began as a botanical garden in the 18th century. During my residency, I created field studies using cyanotypes to understand the site's ecology and created a body of Anthotypes using plant pigments from flower petals, berries, weeds, and nuts found in and around the Woodland Cemetery. This work, entitled The Island That Likes To Be Visited, was exhibited on-site at the historic Hamilton Mansion at the conclusion of the residency.

During the exhibition, three completed works and three works in the process of being exposed were shown together. This juxtaposition created the ability to observe the constant cycle of growth and decay as each print became anew each day. Through this ephemeral process, visitors experience the tensions between time, memory, and loss as each artwork recedes further from sight and the ability to reconstruct them becomes intangible.

* Pokeberry, goldenrod, crepe myrtle, and black walnut were harvested, and their pigments were used for the prints in the exhibition.

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An Anthotype is a print that is created by exposing plant pigments to sunlight. To produce an anthotype, a photographic positive, or object, is placed on top of paper saturated with plant dye, and then laid in the sun. With time, sunlight bleaches away any areas on the paper that are not concealed.

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experimento com impressão em acetato e impressão preto e branco umedecida com óleo infantil Johnson incolor

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1ª imagem
poupa de açaí médio
papel Canson 300gr
impressão em acetato
exposição 12 horas
2ª imagem
agrião
papel Canson 300gr
impressão preto e branco umedecida com óleo infantil Johnson incolor
exposição 12 horas

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Mary Kocol is an art photographer and Massachusetts Master Gardener working with anthotypes and solargraphs.

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 REBECCHI, Giovanna Pires de Castro. GUIA DO FOTÓGRAFO EXPERIMENTAL Uma introdução à fotografia alternativa.

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 REBECCHI, Giovanna Pires de Castro. GUIA DO FOTÓGRAFO EXPERIMENTAL Uma introdução à fotografia alternativa.

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Rosemary Horn is a New Zealand photographer making nature prints using environmentally friendly processes such as Anthotypes and Photosynthesis.
From: Nelson, New Zealand.
Shows: Anthotypes and Photosynthesis.

Rosemary Horn is from New Zealand and currently living in Nelson, New Zealand. She completed a degree in design majoring in Photography at Massey University in Wellington, New Zealand. Textiles is also an area of significant interest which also informs her work.

During her studies there was opportunity to experiment with alternative processes which led to the body of work shown here. Using alternative processes and approaches to making photographic work sometimes means unpredictable results, and this makes creating work exciting. When you do not know what the final outcome will be you consider each step along the way, every choice becomes a conscious decision and not based on a predetermined notion.

During her final year at university Rosemary completed a research project, she wanted to address her concerns for the environment through the photographic medium. Rosemary felt a change was needed towards using less processed materials and a simplified printing process. The digital environment allows such an ease of creating images and this proliferation produces less and less meaning. Adapting to a slower process alters your use and perception enabling picture making to be very deliberate.

"I enjoy disrupting the precision of the photographic medium."

Using leaves is a favourite material. Each leaf is fragile, the images are not fixed so still respond to light and they are dry and brittle so require careful handling. These qualities emphasize the fragility of the world we live in while the process of making the prints brings you in direct contact with the processes of nature.

Artists are in a position to communicate ecological concerns that highlight the issues but also demonstrate how to change practices and attitudes. It is each persons responsibility to consider how they impact upon the environment, by altering our processes we can effect change from within our personal and professional practice, as well as creatively expressing our opinions.
More about Rosemary Horn:

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Rosemary Horn is a New Zealand photographer making nature prints using environmentally friendly processes such as Anthotypes and Photosynthesis. From: Nelson, New Zealand. Shows: Anthotypes and Photosynthesis. Rosemary Horn is from New Zealand and currently living in Nelson, New Zealand. She completed a degree in design majoring in Photography at Massey University in Wellington, New Zealand.

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GOULART, Tharciana. Capítulo Imagens em Transição – p. 65 - 95. in Antotipia: [entre] imagens transitórias.

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GOULART, Tharciana. Capítulo Imagens em Transição – p. 65 - 95. in Antotipia: [entre] imagens transitórias.

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Daiara Hori Figueroa Sampaio - Duhigô, do povo indígena Tukano - Yé'pá Mahsã. Artista, ativista, educadora e comunicadora. Direitos Humanos, Arte Indígena Contemporânea, Indígena Brasil.

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BANIWA, Denilson. Perfomance Pajé-Onça Hackeando a 33ª Bienal de Artes de São Paulo

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BANIWA, Denilson. Perfomance Pajé-Onça Hackeando a 33ª Bienal de Artes de São Paulo

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Perfomance Pajé-Onça Hackeando a 33ª Bienal de Artes de São Paulo
HD vídeo, 16:9, cor, som, 15min , 17 nov. 2018

"É essa violência da arte que o pajé-onça, entidade criada pelo artista Denilson Baniwa, também nos fez ver em sua ação em frente à "entrada" da mostra, diante de uma gigantesca fotografia etnográfica de indígenas Selk'nam ao lado de um painel onde se lia "antes tudo era um" - como de hábito, remissão das culturas indígenas a um passado mítico, ahistórico, anterior inclusive à tragédia "do estado fundador da linguagem" (Borges, 2018). Em sua ação, o pajé-onça desfolha o livro Breve história da arte, enquanto provoca e questiona o público da 33ª Bienal de São Paulo e a própria instituição da arte:

Breve história da arte.
Tão breve, mas tão breve, que não vejo a arte indígena.
Tão breve que não tem indígena nessa história da arte.
Mas eu vejo índios nas referências, vejo índios e suas culturas roubadas.
Breve história da arte. Roubo. Roubo. Roubo.
Isso e o índio?
Aquilo é o índio?
É assim que querem os índios?
Presos no passado, sem direito ao futuro?
Nos roubam a imagem, nos roubam o tempo e nos roubam a arte.
Breve história da arte.
Roubo, roubo, roubo, roubo, roubo, roubo, roubo.
Arte branca.
Roubo, roubo.
Os índios não pertencem só ao passado.
Eles não têm que estar presos a imagens que brancos construíram para os índios.
Estamos livres, livres, livres.
Apesar do roubo, da violência e da história da arte.
Chega de ter branco pegando arte indígena e transformando em simulacros!
(Baniwa, 2018a).

O pajé-onça adverte-nos das violências sofridas por aquelxs que não pertencem aos códigos epistemocráticos da arte moderna ocidental: o roubo colonial, o roubo epistêmico, o saque produzido pela arte. Para os indígenas - como para o povo Selk'nam, que sofreu genocídio -, o "abismo perpétuo entre existência e significado" (Borges, 2018) não é, como também pontuava Charlotte no romance de Goethe, uma metáfora, mas a dimensão abismática de suas existências, perpetuamente mantidas em estado de não significação, de invisibilidade, de inaudibilidade e indizibilidade.
A intervenção de Denilson Baniwa em torno da representação etnográfica de indígenas (que não foram convocados a se autorepresentar na Bienal) aponta não apenas para mais uma violência epistêmica contra esses povos e sua radical diversidade cultural e cosmológica [fig.3]. De modo insurgente e crítico, ela inseriu, no Pavilhão do Ibirapuera, uma das muitas vozes deliberadamente escamoteadas pelo projeto curatorial da 33ª Bienal de São Paulo em seu desejo de ir além dos discursos identitários. O pajé-onça rompe a atmosfera silenciosa e disciplinada de Afinidades afetivas com seus questionamentos, buscando produzir fricção e debate onde só o "compartilhamento de experiências" estava autorizado e forçar uma visada social das práticas da arte onde reinava o mito burguês do sujeito e de sua relação individual com a obra Ao fazê-lo, o artista Baniwa inscreve-se historicamente no ponto em que se esgotara o pensamento de Mário Pedrosa, o qual havia percebido a radical inflexão política e social da arte que já em 1966 se fazia evidente: O artista ocidental tentou sobreviver (...) arrimando-se em si mesmo, na autonomia do seu próprio ser, sugando inspirações de fontes culturais estranhas, em nome do absoluto dos valores plásticos, independentes de padrões culturais originários, alheios às significações simbólicas ou míticas nativas. Enquanto essa experiência histórica - estética - cultural pôde ser explorada pelos artistas individuais de modo fecundo, a arte moderna encheu toda a nossa época com obras de autêntico valor. (...) Agora, tudo o indica, a experiência foi consumada. (...) No fundo, uma vez esgotados os poderes de sublimação dos puros valores plásticos, eles reagem ao condicionamento do mercado, como aves que prenunciam novos ventos a soprarem em outras direções. Num desespero de suprema objetividade a que se entregam, negam a arte, começam a nos propor, consciente ou inconscientemente, outra coisa, sobretudo uma atitude nova (...). É um fenômeno cultural e mesmo sociologicamente inteiramente novo. Já não estamos dentro dos parâmetros do que se chamou de arte moderna. Chamei a isso de arte pós-moderna, para especificar a diferença (Pedrosa, 1966: 356-357)".

- DINIZ, C. Questionar para reafirmar - reflexões sobre o "rolezinho" curatorial e político da 33ª Bienal de São Paulo. MODOS. Revista de História da Arte. Campinas, v. 3, n.1, p.250-265, jan. 2019. Disponível em: ˂https://www.publionline.iar.unicamp.br/index.php/mod/article/
view/4088˃; DOI: https://doi.org/10.24978/mod.v3i1.4088.

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Pajé-Onça: Hackeando a 33ª Bienal de Artes de São Paulo

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Perfomance Pajé-Onça Hackeando a 33ª Bienal de Artes de São PauloHD vídeo, 16:9, cor, som, 15min , 17 nov.

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ESBELL, Jaider. Makunaima, o meu avô em mim!

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ESBELL, Jaider. Makunaima, o meu avô em mim!

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LUNA, Gloria Alejandra Guarnizo, FLORES, Maria Bernardete Ramos, MELO, Sabrina Fernandes. Arte indígena contemporânea: decolonialidade e reantropofagia.

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LUNA, Gloria Alejandra Guarnizo, FLORES, Maria Bernardete Ramos, MELO, Sabrina Fernandes. Arte indígena contemporânea: decolonialidade e reantropofagia.

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Daiara Tukano, Denilson Baniwa, Gustavo Caboco e Marília Librandi: nem modernista, nem anti-modernista, a Arte Indígena Contemporânea (e cosmopolítica) na vanguarda de um Brasil que jamais foi moderno

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Daiara Tukano, Denilson Baniwa, Gustavo Caboco e Marília Librandi: nem modernista, nem anti-modernista, a Arte Indígena Contemporânea (e cosmopolítica) na vanguarda de um Brasil que jamais foi moderno

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Nem modernista nem anti-modernista a Arte Indígena Contemporânea (e cosmopolítica) na vanguarda de um Brasil que jamais foi moderno

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ESBELL, Jaider - entrevista. Na sociedade indígena, todos são artistas.

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ESBELL, Jaider - entrevista. Na sociedade indígena, todos são artistas.