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EASIEST Envelope Junk Journal TUTORIAL - Step-by-step

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10 minutes documentary

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See an Apocalyptic World Envisioned in Miniature | Short Film Showcase

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Nix + Gerber, the duo of Lori Nix and Kathleen Gerber, are miniature diorama artists who have collaborated for 14 years. They specialize in creating post-mankind settings, where buildings are crumbling and "nature takes back some of the spaces."

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How to Make a Paper Gift Bag with Handles || Christmas Crafts Ideas Homemade || Craftastic

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How To Make Strong News paper Bag Without Glue And Scissors. How To Make Newspaper Basket.

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How to make a Paper bag out of old newspaper

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Using newspaper

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How to Make a Paper Bag with Newspaper – Paper Bag Making Tutorial (Very Easy)

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Beautiful paper crafts - bags etc

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Newspaper crafts are popular for both kids and adults. A newspaper is cheap, readily available, and an accessible medium to use. Also, newspaper crafts are environmentally friendly. Many people like to recycle paper rather than throw it away into a landfill. Newspaper crafting is perfect for those that love to make things and are passionate about eco-friendly practices.

Most people associate paper mache with newspaper crafting, but you can make much more from recycled papers. It's possible to create wall decor, furniture and even clothing from newspapers. We've rounded up our favorite crafts constructed from recycled newspapers that will surely amaze you.

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25 Creative Ways to Craft With Newspaper

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Newspaper crafts are popular for both kids and adults. A newspaper is cheap, readily available, and an accessible medium to use. Also, newspaper crafts are environmentally friendly. Many people like to recycle paper rather than throw it away into a landfill. Newspaper crafting is perfect for those that love to make things and are passionate about eco-friendly practices.

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12 GIFTS P3: RAG BOOKS (Make Stitched Notebook Without Using Glue) | DinLife

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Hygge

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Finding Hygge in Denmark: Is this the answer to a happy Christmas?

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Life is good _ video clip

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Heartwarming Grandmother - What is Important in Life - Faroe Islands

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Thaumatrope and other paper toys

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Did you know it was national stationery week? I had no idea! Paperchase have made this animation in celebration. I thought I would share it because lots of people have emailed me over the years asking where I get my...

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Did you know it was national stationery week? I had no idea! Paperchase have made this animation in celebration. I thought I would share it because lots of people have emailed me over the years asking where I get my...

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Mini-scrolls and mini-books

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Miniature Scrolls & Spell Books - Halloween paper/fabric Tutorial

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Beautiful mini-books

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Arundhati Roy

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Sarah Chiche

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THE ONLY DREAM WORTH HAVING : “The only dream worth having is to dream that you will live while you are alive, and die only when you are dead. To love, to be loved. To never forget your own insignificance. To never get used to the unspeakable violence and vulgar disparity of the life around you. To seek joy in the saddest places. To pursue beauty to its lair. To never simplify what is complicated or complicate what is simple. To respect strength, never power.
Above all to watch. To try and understand. To never look away. And never, never to forget.” - Arundhati Roy

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REVELATION - Apocalypse, en français. En anglais on révèle et se réjouit des merveilles à venir... - Revelation brings hope for the future - espoir pour le futur.

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Master Eckhart, 'Le grain de Sénevé'

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Camille Flammarion, expose dans l’un de ses livres (La fin du monde) sa conception de l’univers : « Nous vivons dans l’infini sans nous en douter. La main qui tient la plume avec laquelle j’écris est composée d’éléments éternels et indestructibles, et les atomes qui la constituent, existaient déjà dans la nébuleuse solaire dont notre planète est sortie, et au-delà des siècles, ils existeront toujours. Vos poitrines respirent, vos cerveaux pensent, avec des matériaux et des forces qui agissaient déjà il y a des millions d’années, et qui agiront sans fin. Et le petit globule que nous habitons est au fond de l’infini – non point au centre d’un univers borné – , au fond de l’infini, aussi bien que l’étoile la plus lointaine que le télescope puisse découvrir.»

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Le Livre de Taliesin contient une collection de quelques-uns des plus anciens poèmes en gallois, beaucoup d'entre eux attribués au poète Taliesin, qui était actif vers la fin du sixième siècle et chantait les louanges de Urien Rheged et de son fils Owain ab Urien...

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Description

Le Livre de Taliesin contient une collection de quelques-uns des plus anciens poèmes en gallois, beaucoup d'entre eux attribués au poète Taliesin, qui était actif vers la fin du sixième siècle et chantait les louanges de Urien Rheged et de son fils Owain ab Urien. D'autres poèmes reflètent le type de culture avec lequel le poète fut associé, découlant en partie de textes latins et en partie de la tradition galloise d'origine. Ce manuscrit conserve les textes de poèmes célèbres tels que "Armes Prydein Fawr", "Preiddeu Annwfn"(qui se réfèrent à Arthur et à ses guerriers voguant à travers la mer pour conquérir une lance et un chaudron), des élégies de Cunedda et Dylan Eil Ton, ainsi que la première mention dans toutes les langues occidentales vernaculaires des exploits d'Hercule et d'Alexandre le Grand. Le manuscrit est incomplet, ayant perdu un certain nombre de ses feuilles d'origine, y compris la première page. Le Livre de Taliesin a été copié par un seul scribe, probablement à Glamorgan, et est désigné Peniarth MS 2 par la Bibliothèque nationale du Pays de Galles. La collection de manuscrits Peniarth a été créée par Robert Vaughan (environ 1592-1667), qui a acquis de nombreux manuscrits importants en langue galloise pour sa bibliothèque à Hengwrt, Meirioneth. La collection a été transférée à la Bibliothèque Peniarth, Meirioneth, en 1859, et de là à la nouvelle bibliothèque nationale en 1909.

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Le Livre de Taliesin contient une collection de quelques-uns des plus anciens poèmes en gallois, beaucoup d'entre eux attribués au poète Taliesin, qui était actif vers la fin du sixième siècle et chantait les louanges de Urien Rheged et de son fils Owain ab Urien.

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Enter The Magic World of Books - Diorama

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Wonder.land, Manchester show, music by Damon Albarn

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Wonder.land, Manchester show, music by Damon Albarn

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Sarah Corbett runs the Craftivist Collective. She is the author of the forthcoming book, 'How to be a Craftivist: the art of gentle protest'.She took a break from making the final tweaks to her book to chat with me. I started by asking her whether she feels that the world of activism has an issue around imagination. Could it be more imaginative than it is today?

"There's some really creative activism going on. But there's also some really lazy activism. Lazy in the sense of going down the same old formula of, "Here's an issue, let's do a petition, let's speak to MPs, and ask them to speak to the Minister on this issue, and we'll sign people's letter and that's us done." So I think like any sector there's people thinking outside the box but there's also sadly more people who are doing what they've always done and stick to a formula, because as human beings it's very tempting to stick to a formula even when we know deep down that it doesn't always work.
What is Craftivism?
Craftivism was coined in 2003 by Betsy Greer. I always say Craftivism is like punk music, Rob, you know. Under that punk umbrella label you've got the Talking Heads, the Ramones, the Sex Pistols and the Clash, and they all sound completely different but they're all under that banner. So you could say Craftivism is anything that links craft with activism.

Some Craftivists do fund-raising and awareness-raising and donate as well, but I would challenge to say whether that's activism or whether that's a different form of charity work. For me Craftivism should focus on activism as the priority and where it's useful your tool is crafts in terms of handicraft, so always using your hands not machines. It's such a broad label for lots of things, so my approach to Craftivism is 'gentle protest'. You're protesting against something but you always focus on what you want in the world, a positive vision of the world, and you're using craft as a tool to do gentle protest which is careful, considerate and compassionate activism, hopefully.
How have you see any effects on the imagination and the curiosity of people that get involved? Have you seen the impact it has in that kind of a way?
Yeah, I'm really strict with my Craftivism that it is about curiosity and it is about questioning. So whether people do my little kits on their own, in Shetland in the middle of nowhere, or whether they're in a big group of seventy people doing a workshop, or I did a skype workshop in Ghent in Belgium recently - but wherever they are and however they're doing it, on their own or in a group, all of my projects, I'm really quite strict on saying it's also about looking at your thoughts.

So once your hands know what they're doing, and all my craft is repetitive hand action, so whether it's writing and reflecting on the words that you're writing, or whether it's craft stitching, or back stitching, once you're doing the repetitive hand action and your hands sort of know what to do, and your mind then starts wandering off thinking about, "What am I going to eat for tea? Or I've got this work to do..." then I have little 'Crafterthought' questions for people to think through. Like critical thinking, so using the time of working with your hands to think.

It's about using that comforting space, and comforting action, to ask yourself quite big, sometimes uncomfortable questions, like, "Where am I part of the solution for this question? Where am I part of the problem of this issue?" If you're making a gift for a powerholder, which some of projects are, it'll say, "With this gift, if you were a power holder, what are the barriers that you think might be in place that are stopping you from helping with this harmful or unjust issue?" So it really challenges you to think and be pragmatic.

As well as on this issue, we're asking a company to change a particular practice, but what else can we do on the issue of climate change? So the questions are to get people to be curious. To say, "Okay, what can I do in my local area? What can I do in my workplace, what can I do on a bigger scale with family or globally online?" It's opening a lot of questions but they're quite clear questions. They're not too broad that overwhelm people but they're not too narrow that they stop people being curious.

A lot of activism actually stops curiosity because the messaging is, "Do this, or don't do that". So you just go, "Oh, okay". And it doesn't say, "Well, why are we doing this and is there anything else we can do?" And this particular action we need to do right at this moment because of this law being passed, or these world leaders are meeting somewhere so we need to do a very specific thing on the street, but what else should we be doing because this is a big issue?

I make sure that curiosity is quite a big part of Craftivism. Psychologically people take ownership of what they decided for themselves much more than if they've been told to do something. Because we're quite stubborn, human beings, aren't we? If we're told to do something, even if we agree with it, we're less likely to really take ownership of it in the future, whereas if we feel like we've figured out the answer but we've been led along and nurtured to find out more about an issue, then we're more likely to engage more deeply.
We use our hands much less. We were talking before about we use our thumbs but the rest of our hands are a bit of a mystery really. Why is that a problem? And what do you see people discovering or learning or uncovering when they find they're using their hands again?
One of the quick things I notice in people, and often people say it as well, is even if someone does one stitch or makes one little object with their hands, you can see it in people. And they say, "Oh my word, I've made this."

It's not always the creativity element but a big thing for me is confidence, that people feel empowered. They've done something, and they can do something because it's physical and in front of them. They suddenly get this confidence to be like, "Ah, I did that." Especially people who don't feel creative. I get a lot of people that are burnt out activists, or who might not see themselves as creative take part in my craftivism projects. But they're more likely to come to a craft activism thing than art activism.

Art's a bit intimidating for a lot of my audience, whereas craft there's still a structure. So you don't have to be that creative but you can put your own stamp on it like pick different colours. So it's a really safe space I think for people who are a bit nervous. A blank page is a scary thing for a lot of people. For craft you tend to get a grid system, a template to do. So as soon as people do something, and pick a colour, and do a few stitches, that confidence suddenly makes people think, "I can do this. Well what else could I do?" Or, "I've actually made something."

Much of our activism is so difficult to measure and to see tangible difference, sometimes you don't see it for decades, sometimes you never see it, sometimes power holders say that your campaign made no difference at all, when it might have made but they just don't want to tell you that. So whereas with a lot of activism it's really hard to see you're making a difference, just by physically making something, people feel more empowered. That stepping stone up helps people feel in a safer space to then ask themselves things maybe that they might not have asked before.
The part of the brain where dementia happens is also the same part of the brain where imagination comes from. There's some really interesting stuff about dementia and using your hands, and learning skills and crafts, as a way of countering dementia... You mentioned before that it's something people can do on their own as well, but what do you see as being the particular value of getting people together with other people to do it? In a time where people have less and less conversations and less to do with each other, is there something important in Craftivism about enabling conversation and conviviality and so on?
There's a lot of clinicians and neuroscientists who talk about how handicrafts, using your hands, helps with anxiety issues, helps with depression, helps with feeling empowered, helps you feel valued. There's a lot around it stopping self-harm because you're using your hands in a positive way rather than sitting worrying about something.

You can still worry about global issues, which is what I focus on, but because you're using your hands in a positive way and not just sitting doing nothing, it helps you reflect on the negative but also in a space where you're creating something positive. It's a really good way for people to grapple with big issues without them feeling overwhelmed or depressed.

Yeah, early stage dementia. I did a project with Falmouth University called the Wellmaking project which added on to a lot of work they did on dementia, with anxiety, with chronic pain. Betsan Corkhill did lots around handicrafts helping chronic pain, but the dementia is early stage dementia. So the case study that I remember was a guy who'd only ever worked on big printing press machines. So very physical - every day you're in front of this big printing press and you're constantly using your hands to make sure it works. A bit like a letter press. I think he did both.

He was put in front of one and he was asked, "What's this?" He said, "I don't know", but his hands suddenly knew where to go. So because his hands knew what to do - our hand memory lasts longer than our brain memory; muscle memory in our hands lasts longer - it then triggered his brain to go, "Hang on a minute. My hands know what to do. What is this? Oh yeah, a printing press." So late stage dementia it's much harder for those hand actions to make a difference, but early it makes a big difference.

I always make sure that people know they can do it on their own or in a group. A lot of people I work with are shy or introverted, or both, or quite anxious. So they might not be the most comfortable with the set-up of a workshop, and there's only one of me Rob so I can't go everywhere to help people out. So you can do it on your own.
What have you seen as being the impacts on the curiosity of the people who encounter it?
The strength of doing it on your own is if you do it well, you use that time to reflect on the Crafterthought questions that are in the kit that are specific to the project, and messages to reflect on while you're stitching, or writing and doing the paper craft. But in a group what adds to that is the power of the lack of eye contact: Its gold-dust!

Apart from things like knitting where you can often do it without looking - you still have to count and sometimes look down - but the work that I do, you do need to look at what you're doing. Not the whole time, but most of it because you're stitching words. So one, you're not going to stitch a message you don't agree with, whether you're putting out into the world or just keeping it for yourself as a physical reminder.

But you also have to look down a lot, so if you're in a group of people, because you can look down, you can listen to people without giving them eye contact, which is much less aggressive than staring at people in an activism meeting where you're sitting there with your water or your notes, and it can be getting tense. Especially for shy people. Whereas there's no awkward silence when you're crafting and discussing big issues because people have to look down regularly.

It's not a big deal if you're silent. It slows people down. The repetitive action is very meditative so it helps you feel much calmer, so you're more likely to reflect on what someone's said and then respond rather than if it's in a meeting where you're all looking at each other and you're like, "I've got to react right now. I've got to nod, or I've got to say I disagree." So that's what I think is brilliant with craft.

With activism, activism meetings can be quite intense and quite full on. Often it's certain people that talk and others don't. Often we don't discuss our disagreements because it's quite scary and intimidating, whereas when you're crafting it slows us down. It calms us down. We can listen to each other without having to respond straightaway.

You're not seen as lazy or disengaged if you don't speak up, because you can just listen and keep stitching. So for some people who don't want to respond straight away, that's fine. And for other people that talk a lot, they tend to notice that they're the one talking a lot so often they'll open a space so more people can talk . And it also just means in any conflict resolution, you know if you say to someone, "Oh, I'm not sure I agree with you on that", if you do it without eye contact, and you're sitting next to someone, side by side, doing the same activity, there's equality in the room. You're much more likely to have a discussion around what you disagree than a conflict and challenging each other, or ignoring the disagreement.
If you had run for Prime Minister in the recent election and you had run on a platform of 'Make Britain Imaginative Again'Any last thoughts on imagination? , what would you do? What would you do in your first 100 days if your aim was to try and enable the population to be as imaginative as it could possibly be?
Some of the Craftivism we do is then put out in the world like street art, or guerrilla marketing. I again have a strategy where it's small and beautiful rather than big and brash. That is to make people curious, so it's not preaching at people. It's provoking thought and conversation, on and off line, and hopefully action. So one thing we do are these little mini fashion statements which are paper craft little scrolls you write in your neatest and prettiest handwriting and wrap up in cute ribbon and then you 'shop drop' them. So instead of shoplifting, you're shop dropping. You drop them into clothes in fast fashion stores, quite unethical fashion shops where it's cheap, and it doesn't last long, it often goes to landfill, sometimes not paying workers very well and when it goes to landfill, not good for the environment, all of that stuff.

But the messages you write, there's three to pick from, and the messages are not telling people what to think, and they're not judging people. They're saying all of our clothes have a story. What's the story of this item of clothing? Is it a joyful one, or is it a torturous one? And then it just has @Fash_Rev at the bottom so people can google that, realise that that's a Fashion Revolution amazing organisation and find out more.

But because it's small, and people find it, rather than it being pressed on them, where they have to then make a response straight away, it means that people are much more curious. And they're anonymous. So with that example, people will find it in a shop pocket if they're trying it on, in a dressing room, or if they've bought it and take it away, and it's all lower case. The fonts are very curly and non-threatening, and the ribbon is very beautiful. Very luxurious colours which makes our brain think that they're expensive colours so it's turquoises and purples and yellows rather than bright red which is quite an aggressive colour.
It's like putting nothing into a Google search and expecting it to come up with something.
And you have to untie the ribbon. So that interaction, and again, using our hands. Whoever finds it, to know what the message is, they have to open up. They have to participate with that object, and unravel it, and read something that someone's spent a long time writing beautifully and neatly on textured paper with an embossed stamped pair of scissors on. Every single element of the process and the product has been well thought out to be as effective as possible in terms of engaging people through intrigue and encourage curiosity in them about the unjust system you want them to campaign against. This is why I've written a long book! Every single element means that people are excited about it.

They feel like they decided to open it, so therefore they're naturally more open minded, and hopefully more open-hearted to read that message. And because it's not telling them what to think, and it's not negative, it's not really positive. It's not this positive affirmation stuff of 'You're brilliant, you're beautiful', which is quite passive I think, and not always helpful. You know, if Putin finds a little object saying 'You're wonderful', is that helpful? I'm not so sure. So it's getting people to be curious and find out for themselves, but it is trying to try and direct them in a way.

Fashion Revolution is a brilliant organisation. Or it might be to a different organisation. You're not overwhelming them with something awful where they're like, "I don't know what to do about that". You're giving them a bit of a supported journey but without telling them to do it. All of my work is about planting those seeds so people aren't overwhelmed, or even disempowered if you don't give them enough information, or if you just shock them with something like a fact or a statement that's shocking and people don't know what to do with it. But it's not telling them exactly what to do. And that's a constant tension I think.

What I'd love to do is ask people what world do you want to live in? I was helping one woman recently who said she's in a very divided community and they're just disagreeing with each other and every meeting they have is really negative and tense and how can she make it more peaceful and more of a cohesive and safe space? I was talking to her about well instead of focusing on all the bad stuff going on, why don't we all have a discussion about, "Okay, what do we want the world to look like? What do we want our community to look like? What do we want the country to look like?" And go into all the detail and all the imagination of, "Well maybe I want flying cars." Maybe the person over that side of the room doesn't want any cars at all. Maybe the little kid in the room wants everyone to only wear yellow. You know, really just be fun but visual, and come up with crazy things, but have this exciting vision that you can all add to and discuss. You can disagree with each other but you've all got this positive vision of what you want in the world and then how do we get there.

Once we've got a vision in our head our brain starts trying to figure out how to get there anyway. I think that's really lovely. So instead of everyone being told, "Well this is what we need, what we should be doing. This is an awful thing in the world so we're going to fix it with this issue", all you then do is look at all the awful things, and you look at all the cracks. Then you're looking down and it's all depressing.

I'd love as Prime Minister to say to everyone, "What's your vision for our communities, local, national, and how you can help create that?" In a really lovely way, not in a judgemental, "How are you going to create that?" but in a, "Isn't this exciting? What gifts and talents and context are you in that you could help, and what contacts, and what fun ideas have you had that maybe have been niggling in your head that you want to tinker around with?" Just get those conversations started. Because everyone has an imagination. We just often don't get asked to use it.

My worry with anything creative is we can scare people off by making it too broad. So if someone puts a blank page in front of you, for a lot of us, that's really scary. For some people it's amazing, they see that and they want to be creative. You know, our world, nature, has an order, and when we mess it up, it tells us, and it has earthquakes and it has hurricanes. I think it's the same with our creativity.

You could be really creative and not do anything. Or you could go okay, "I've got these wacky ideas but where could it actually sit and where could it be helpful?" With a lot of creative stuff we can go really blue sky thinking and then not get anything done. Or we could make it so broad that people who don't feel that they're the creative one in the group or family and it brings them back to their hang-up they have like it's only a certain type of people that can be creative. I think we need to make sure that our creativity is accessible and supportive for people, and not too big that it overwhelms people, but not too narrow that it stifles people. Does that make sense?

I remember I did a talk for Norwegian Crafts which is like the Craft Council in Norway. They came to London for some big conference and I did a talk and a workshop with them. What was amazing was this one Professor of Design in Oslo. Very cool grey hair and a black polo neck, you know. He spoke to me in the break, and he was like, "I don't understand. Norway's got so much money and anything our students want, we can give it to them. We have a whole new design school but the students are coming up with really boring stuff. It's not creative, it's not innovative, and I don't know what to do." And I remember saying to him, a bit like what you said, "Well where's the constraints? Give them a brief."

Think about some of the most creative people. It's often people who have really strict constraints. So they might not have enough money to buy stuff, so they make amazing things out of coat hangers, or come up with really amazing things because they don't have much time or resources or they only have a skill in one area so they come up with a whole new way of doing a skill because they haven't been taught how to do it. So I totally agree that I think we need to be aware that to put barriers in place can be a really good thing, and can make for creativity. Yeah, not giving a blank canvas - I just think that's not helpful.

And it actually disempowers people which is exactly what we don't want. So if you say to people, "You can make anything", well people are less likely to make anything because it's so big. It's too overwhelming. And also, if they don't come up with an idea, they might leap to, 'I'm really bad at this. I'm not creative. I can't do it. I'm never going to a creative activity again. I'm never going to start questioning things because I can't do it. I can't come up with ideas." We're actually stopping people rather than encouraging people if we make it too big, too broad.

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Sarah Corbett on Craftivism and the imagination

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It's such a broad label for lots of things, so my approach to Craftivism is 'gentle protest'. You're protesting against something but you always focus on what you want in the world, a positive vision of the world, and you're using craft as a tool to do gentle protest which is careful, considerate and compassionate activism, hopefully.

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Qu'est-ce que le Kintsugi : définition | Esprit Kintsugi, le portail du Kintsugi

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Découvrez ici l'art du Kintsugi : histoire, symbolique, technique... Le Kintsugi (ou Kintsukuroi) est un art japonais complexe qui embellit les objets cassés : les cicatrices sont soulignées d'or pur et l'objet devient plus précieux ! C'est une métaphore souvent utilisée dans le domaine du développement personnel.

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Ever heard of hygge? See what this special Danish word means!

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Come along and visit the art gallery, The Whitworth Shop, Café, Park and grounds. Opening times are Tuesday to Sunday, 10am-5pm and Thursdays until 9pm. We are closed on Mondays, including Bank Holiday Mondays.

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Les délices de Tokyo - Extrait "Vous êtes libres"

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Make a miniature book

Created by Shelagh McCarthy

These tiny books shown below measure 57mm high and 47mm wide - around the same length as a mouse's tail! They were part of the Infant's Library created more than 200 years ago.

Why are The Infant's Library books so small?

These books were designed to help children learn by reading to their dolls. The series starts with the alphabet and ends with books about animals, flowers, birds, games, outdoor scenes, objects and a (very!) Short History of England.

A small book for a small person

The very first work author Charlotte Brontë created was a miniature book containing a short story written for her baby sister Anne. Written and stitched together when Charlotte was just 12 years old, it was one of many tiny handmade books made by Charlotte and her siblings. The later books were made for and about the children's toy soldiers.

Books for a dolls' house

The book shown below is from the library of Queen Mary's Dolls' House. The little royal house has a garage with cars, baths with silver taps that really work, there's even real wine in tiny bottles in the cellar, and a gramophone with very small records that play the National Anthem. The dolls' house library contains nearly 600 books, handwritten by famous writers such as the author of Winnie-the-Pooh, A A Milne, and James Barrie, who wrote Peter Pan.

Take a look at these brilliant miniature books made by some of your favourite authors, from Jacqueline Wilson to Philip Ardagh, Axel Scheffler and Katherine Rundell.

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Make a miniature book | The British Library

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Make a miniature book Created by Shelagh McCarthy These tiny books shown below measure 57mm high and 47mm wide - around the same length as a mouse's tail! They were part of the Infant's Library created more than 200 years ago. These books were designed to help children learn by reading to their dolls.

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Create a miniature book nook complete with cosy armchair, lamp and pile of books. A great addition for your book shelf or as a display piece. Limited places - bookings are essential. There is a materials list for this activity. Find out more about this session on Eventbrite https://www.eventbrite.com.au/e/make-your-own-book-diorama-burnie-library-tickets-116561290959

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a book of ready to make tiny books by  Daniela Jaglenka Terrazzini

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a book of ready to make tiny books by  Daniela Jaglenka Terrazzini

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NEED HELP? CALL 01234 889027

NO QUIBBLE 30-DAY RETURNS

Is the dollhouse missing a very important room? My Miniature Library is a kit to make a complete collection of tiny books that can actually be read. Stories range from illustrated fairytales to well-loved nonsense rhymes and books of butterflies, birds and flowers. There are even blank books for you to write your own mini masterpiece.

Included is everything you'll need to make a little library of beautifully illustrated books. The books are simple to make - just cut, fold and glue. The kit comes with a miniature bookshelf to press out and make, and easy-to-follow, fully illustrated instructions. Plus the box transforms into a beautiful library scene.

About the Author - Daniela Jaglenka Terrazzini moved to London from Italy in 1999 to study photography at The London College of Printing. Her exquisite, detailed work is characterised by a contemporary take on classic styles, and she has produced work for Penguin, Chronicle, The Guardian, Macmillan Books, Marks & Spencer and many more.

Not suitable for children under 3 years. Manufacturer recommends for children aged 6 years + (but adult assistance may be needed at this age). Wonderful gift choice for children who enjoy precise, focused craft projects.

Product dimensions: 307 x 218 mm. Not suitable for children under 36 months.

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My Miniature Library - 30 Tiny Books to Make, Read and Treasure.

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NEED HELP? CALL 01234 889027 NO QUIBBLE 30-DAY RETURNS Is the dollhouse missing a very important room? My Miniature Library is a kit to make a complete collection of tiny books that can actually be read. Stories range from illustrated fairytales to well-loved nonsense rhymes and books of butterflies, birds and flowers.

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What Is A Miniature Book?

In the United States, a miniature book is usually considered to be one which is no more than three inches in height, width, or thickness. Some aficionados collect slightly larger books while others specialize in even smaller sizes. Outside of the United States, books up to four inches are often considered miniature.

The miniature book has a long and exceptional history, but why? That answer will vary with every collector, bookmaker and tiny tome affiliate you ask. Some consider Sumerian clay tablets, with cuneiform writing, dated to as early as 2500 BC to be the first miniature books. Others say they originated in the Middle Ages.

It's said that the earliest miniature books were produced primarily for convenience; large proclamations transcribed into miniature for ease of storage; miniature bibles for monks to carry tucked in their pockets; miniature books of etiquette for young Victorian ladies to discreetly reference for proper conduct. Queen Mary made them very popular when, in 1922, 200 miniature books were produced for display in the library of her miniature doll house.

The reason for collecting miniature books is rarely to read them, although with magnification, you could. Some forms of miniature books require exceptional skill in all aspects of book production. Craft miniature books need only satisfy the maker. Whether its the amazing workmanship or its delicately threaded page signatures, there is an undeniable feeling of enchantment that comes when you hold a miniature book.

The Miniature Book Society (MBS)

See "What's New". Get information about workshops and calls for entries, look here.

Check out our Calendar for upcoming events, look here.

For information about our annual members meeting, the MBS Grand Conclave, look here.

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In the United States, a miniature book is usually considered to be one which is no more than three inches in height, width, or thickness. Some aficionados collect slightly larger books while others specialize in even smaller sizes. Outside of the United States, books up to four inches are often considered miniature.

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Bienvenue chez l'Ail des ours. Une maison d'édition de poésie pas comme les autres. Chaque année, abonnez-vous et recevez, chez vous, six recueils inédits.
Les titres de cette année :
n°1 - Marilyse Leroux - Nés arbres / Illustrateur Thierry Tufigo (janvier 2020)

n°2 - Adeline Baldacchino - De l'étoffe dont on fait les nuages / Illustratrice Danielle Péan Le Roux (mars 2020)

n°3 - Roselyne Sibille - Une prairie de poèmes suivi de Les langages infinis /Illustrateur Renaud Allirand (mai 2020)

n°4 - Estelle Fenzy - Le chant de la femme source / Illustratrice Colette Reydet (juillet 2020)

n°5 - Philippe Mathy (à paraître septembre 2020)
n°6 - Jacques Robinet (à paraître novembre 2020)
Commander un recueil

Chaque recueil est également disponible à l'unité, au prix de 7,50 €, frais de ports compris.

Pour envoyer votre manuscrit

Veuillez adresser celui-ci
Sous fichier format Words à l'adresse suivante : aildesours02@orange.fr
et
Sous format dactylographié et imprimé sur papier à l'adresse suivante : Editions L'Ail des ours, 24 rue Marcel Gavelle, 02200 Mercin et Vaux
si possible accompagné d'un synopsis et d'un CV.
Les manuscrits non retenus ne seront retournés que s'ils sont accompagnés d'une enveloppe timbrée pour retour.
Vous serez recontacté dans un délai de deux mois environ.

Remerciements

à Stéphane Bataillon pour la création du site.

à Xureli pour la création du logo.

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Bienvenue chez l'Ail des ours. Une maison d'édition de poésie pas comme les autres. Chaque année, abonnez-vous et recevez, chez vous, six recueils inédits.

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Here is my inspiration. Aren't they cute!

These little play books were included with some toy Calico Critters that Lu got. She was just as smitten with the miniature books as she was with the Critters. The books were a piece of accordion folded paper and a sticker cover that held the book together. So simple!

While Lu was at school I made her a few to decorate when she got home. You could easily decorate and then assemble. It is up to you. I kept the books small but big enough for her to write a letter or draw a picture on each page.

Supplies: Paper, scissors or paper trimmer, and sticker paper (the above is Staple brand)

Optional supplies: Markers, Stickers, Glue (in case you don't have sticker paper) and ribbon (to create a tie)

An easy way to do this is to fold the strip in half and then fold one of the halves in half and so on. You want to make sure you end up with either end page facing out.

Cut sticker paper to size of book and fold.

Option: lay a ribbon across sticker paper and then place book on sticker paper. Do one side at a time and make sure it is lined up. If you are not great at this, try making sticker paper bigger than pages and then trim once attached.

They are so easy to make! You can use pretty scrap booking paper if you want to get fancy.

I have a feeling Lu will be "writing" a ton of books for her dolls and stuffed animals in the near future. Good thing because I think we are going to get more snow here on the East Coast.

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Here is my inspiration. Aren't they cute! These little play books were included with some toy Calico Critters that Lu got. She was just as smitten with the miniature books as she was with the Critters. The books were a piece of accordion folded paper and a sticker cover that held the book together.

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Commissaire de l'exposition : Frère Marc Chauveau

du mardi au dimanche de 14h à 18h30 et sur rendez-vous

visites guidées pour les groupes sur demande

Cette exposition est l'occasion de découvrir quelques tapisseries de Le Corbusier qui s'inscrivent dans la diversité des créations des années 1960 à nos jours. Deux grands courants présentés ici témoignent de cette période charnière pour l'art textile :

- celui des tapisseries issues des commandes passées par les Manufactures nationales aux artistes de renom de la seconde moitié du XXe siècle.

- celui de la Nouvelle Tapisserie, apparu au cours des années 1960, qui se caractérise par le renouvellement des techniques, des formes et des matériaux. Les tapisseries deviennent sculpturales avec une liberté de tissage qui s'émancipe des techniques traditionnelles. De bidimensionelles, elles deviennent tridimensionnelles et s'affranchissent du mur.

Exposition organisée en partenariat avec :

- Le Mobilier national - Manufactures des Gobelins et de Beauvais

- Le Musée Jean-Lurçat et de la tapisserie contemporaine d'Angers

- La Fondation Le Corbusier, Paris

- La Fondation Gandur pour l'Art, Genève

Les conditions d'organisation de cet événement seront soumises aux normes sanitaires en vigueur à cette date

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Couvent Sainte-Marie de La Tourette - Le Corbusier - 1959

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Commissaire de l'exposition : Frère Marc Chauveau du mardi au dimanche de 14h à 18h30 et sur rendez-vous visites guidées pour les groupes sur demande Cette exposition est l'occasion de découvrir quelques tapisseries de Le Corbusier qui s'inscrivent dans la diversité des créations des années 1960 à nos jours.

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Toy theatres (or 'juvenile drama') were hugely popular in the 19th Century, and were collected by adults and children. Every successful production staged in London's West End theatres would be reproduced in miniature

Using the kit below you can assemble and decorate your own toy theatre as shown, originally published by Pollock's toy company in the 19th century.

The kit includes a paper model to cut out and colour, complete with characters and scenery from the pantomime 'Cinderella', alongside instructions to help you assemble your theatre.

There's also an original toy theatre script of 'Cinderella' for your characters to perform! Click on the links to download the three documents:

Toy theatre instructions (.pdf, 157.0 KB)

Toy theatre model (.pdf, 3.1 MB)

Cinderella script for toy theatre (.pdf, 140.2 KB)

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Toy theatres (or 'juvenile drama') were hugely popular in the 19th Century, and were collected by adults and children. Every successful production staged in London's West End theatres would be reproduced in miniature Using the kit below you can assemble and decorate your own toy theatre as shown, originally published by Pollock's toy company in the 19th century.

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petits livres à partir d'un programme en ligne

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petits livres à partir d'un programme en ligne

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The internet has officially discovered book nooks, AKA bookshelf inserts fashioned as portals to tiny imaginary worlds. BBC News and most recently Buzzfeed found out about the niche hobby, sending book lovers, miniature collectors and pretty much anyone with a penchant for quirky stuff on a wild internet goose chase. Because the fact is - getting your hands on one of these things is kind of a problem.

They started making waves in small online creative communities and craft blogs, gaining traction on Reddit. The niche art form now has its own dedicated space on the social platform, where crafts hobbyists post their homemade attempts. Harry Potter-inspired miniature alleyways and cozy candlelit scenes behind dollhouse doors are sandwiched between books - and we can't get enough of it. Literally. The community of book nook makers is so small, it can hardly keep up with the sudden interest...

Creating book nooks is clearly labour intensive. They get made in someone's garage at the weekends. It's a passion project. And passion projects can't be easily mass-produced. One hobbyist explained in the Reddit forum how building a book nook helped her get through a difficult time:
"It was kind of nice spending hours frustrating over the problems of how to carve out a massive damaged dictionary that our library had discarded. It kept my hands and mind busy :). I visited friends to borrow their saws, scavenged stores for all the little bits to furnish the inside. It defiantly kept me from wallowing in my grief. I have two little ones and it remained a secret from them while I worked on it. When I finally set it up they thought squirrels had crawled down from our chimney in the library and gnawed the room out of the books."
While the supply might not be there yet, the demand certainly is. Comments like "Take my money!" and "I need this! Where can I get one?" flood in beneath posts of handmade book nooks that quickly gain viral status on the net. The few independent creators willing to produce and sell them are still figuring it out.

"It was an amazing and overwhelming experience. We were flooded with order requests and support from everyone," writes Khai Van, a Philadelphia-based designer whose cozy Japan old-town book nook went viral in December 2019. "Unfortunately our Etsy store was quickly sold out ... We had to scramble [...] to let everyone start pre-ordering...We are also looking to expand our manufacturing capability to ship them faster to everyone."

Khai's start-up design studio Techarge has now raised over $120,000 worth of pre-orders through Kickstarter in under 30 days. The Japan diorama sells for $169 and the Harry Potter wizard alley goes for $189.

As far as we have found, a grand total of three hobbyists are doing their best to produce them commercially, which seems disproportionate to the amount of talented miniature hobbyists out there on the net, selling miniature furniture and dollhouse creations on Etsy. Not everyone is a dollhouse collector, but we'd argue the book nook business already has a considerable mainstream customer-base in waiting.

Another creator is trying to keep up with demand with his whimsical medieval book nooks on Etsy

So while we wait for Etsy's miniaturist community to catch on - if you're any good with DIY - I think we've found your next project. Here's a handy community forum on getting started with some how-to guides, tips and tricks.

Book nook by Miniature Deco r Design

We'll live you with a few more "first attempt" book nooks to inspire a DIY deep dive...

Hobbit hole... book nook attempt #2 from r/guidebooknook

I made a booknook for a Christmas gift, my inspiration was Blade Runner. It's larger than ones we have see, it's 11″ x 6″. from r/booknooks

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Miniature Book Nooks Belong on Every Bookshelf, It's Just a Matter of Time

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The internet has officially discovered book nooks, AKA bookshelf inserts fashioned as portals to tiny imaginary worlds. BBC News and most recently Buzzfeed found out about the niche hobby, sending book lovers, miniature collectors and pretty much anyone with a penchant for quirky stuff on a wild int

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Grayson Perry's The Vanity of Small Differences 

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Grayson Perry's The Vanity of Small Differences 

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Grayson Perry's The Vanity of Small Differences

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Artist page for Grayson Perry (born 1960)

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Dossiers pédagogiques
Parcours exposition

Louise BourGeois

5 mars 2008 - 2 juin 2008, Galerie 2, niveau 6

Louise Bourgeois en 1990,
derrière sa sculpture en marbreEye to Eye, 1970
Photo Raimon Ramis

Une exposition événement
De l'image à la sculpture
Le rôle du dessin
Femme-maison, 1946-1947
Quarantania I, 1947-1953
Fillette (Sweeter Versio n), 1968-1969

La métamorphose comme principe de l'œuvre
L'ambiguïté des matériaux, des formes, du sens
Janus fleuri, 1968
Cumul I, 1968
Untitled, Sans titre, 1996
The Reticent Childs, 2003

La mémoire, source et sujet de création
Sculpter l'espace du psychisme
Precious liquids, 1992
Cell (Choisy), 1990-1993
Red Room (Parents), 1994
Spider, 1997
Bibliographie sélective Plans de l'exposition Autour de l'exposition
Une exposition ÉvÉnement

Née en France en 1911 et vivant à New York depuis 1938, Louise Bourgeois est une des artistes majeures de la seconde moitié du 20e siècle et du début du 21e. Traversant le Surréalisme, l'Expressionnisme abstrait, le Minimalisme, son œuvre, oscillant entre géométrie abstraite et réalité organique, échappe à toute classification artistique.

Basée sur la mémoire, l'émotion, la réactivation des souvenirs d'enfance, elle obéit à une logique subjective, usant de tous les matériaux et de toutes les formes. Le langage personnel et entièrement autobiographique de Louise Bourgeois rejoint les pratiques les plus contemporaines, et exerce son influence sur de nombreux artistes.

Organisée par le Centre Pompidou, Musée national d'art moderne en collaboration avec la Tate Modern de Londres, cette exposition événement rassemble plus de deux cents œuvres - dessins, peintures, sculptures, installations, gravures, objets - réalisées entre 1940 et 2007. Présentée dans trois espaces, elle commence dès le Forum avec une araignée géante en bronze et acier, jamais montrée en Europe. En Galerie 2, un parcours chronologique permet de découvrir les œuvres majeures avec un regard particulier sur les dix dernières années de création de cette artiste âgée de quatre-vingt-seize ans et qui ne cesse de renouveler son langage artistique. La Galerie d'art graphique propose " Tendres compulsions ", une exposition plus intime, conçue à la manière d'un cabinet de curiosités et réunissant dessins, gravures et sculptures de petit format pour rendre compte de la permanence de certains thèmes et de la diversité des techniques et matériaux employés.

Ce dossier, conçu à l'attention des enseignants, propose d'interroger l'œuvre de Louise Bourgeois à partir de trois moments forts de sa création :
- de l'image : peinte, gravée, dessinée, à la sculpture,
- la métamorphose comme principe essentiel de l'œuvre,
- la mémoire, source et sujet de création, sculpter l'espace du psychisme.

De l'image À la sculpture

Sculpteur, Louise Bourgeois garde néanmoins son attachement à l'image, peinte, gravée, dessinée, par laquelle elle a commencé. Le dessin sera pour elle une pratique constante, une sorte de carnet intime où elle note ses " pensées plumes " comme elle les appelle, idées visuelles qu'elle attrape au vol en les fixant sur les supports les plus variés. Ces idées visuelles peuvent donner ou non naissance à des sculptures. Par le dessin elle décante ses souvenirs complexes et les images du passé qui émergent à la conscience suscitées par des émotions intenses. L'art et la vie étant pour elle indissociables, on peut comprendre l'importance du dessin si on se réfère à l'enfance de l'artiste.

Louise Bourgeois passe son enfance à Choisy-le-Roi où ses parents tiennent un atelier de restauration de tapisseries anciennes. À partir de onze ans, Louise est associée au travail de dessin des motifs. Le fil qui restaure sera métaphoriquement assimilé au trait dans le dessin. Comme le souligne Marie-Laure Bernadac, dans son ouvrage : Louise Bourgeois, La création contemporaine (Flammarion, 2006, première édition, 1995), les premiers dessins automatiques sont associés aux scènes primitives de l'enfance, naissance, maternité. Moins immédiate, la peinture n'en est pas pour autant une des expressions privilégiées de l'artiste jusqu'à la fin des années quarante.

Au début des années trente, Louise Bourgeois fréquente l'Ecole des beaux-arts et diverses académies, parmi lesquelles la Grande Chaumière, elle a comme professeur Fernand Léger qui décèle sa vocation de sculpteur. " La peinture n'existe pas pour moi ", affirme l'artiste, se disant plutôt attirée par " l'aspect physique de la sculpture " qui, seule, lui permet l'abréaction des affects que recherche sa démarche artistique, la libération et le dépassement de la peur par la mise en forme de l'affect.
En 1938, elle rencontre l'historien d'art Robert Goldwater qu'elle épouse et part vivre aux Etats-Unis. Lors de sa première exposition personnelle en 1945 à New York elle présente douze peintures. En 1947 apparaît dans le dessin et la peinture un des thèmes majeurs de son œuvre : la femme-maison.
Femme-maison, 1946-1947
Huile et encre sur toile de lin, 91,50 x 35,50 cm
Collection particulière
Photo Rafael Lobato
Quarantania I, 1947-1953
Bois peint en blanc avec du bleu et du noir, 206,40 x 69,10 x 68,60 cm
The Museum of Modern Art, New York. Gift of Ruth Stephan Franklin, 1970
© Estate of Peter Moore / VAGA, NYC / DACS, Londres

Qu'il s'agisse d'une série de peintures et de dessins réalisés vers la fin des années 1940, des sculptures en marbre des années 1980, ou des grandes installations des années 1990, les Cells, le thème de la femme-maison est omniprésent chez Louise Bourgeois.
Dans ces peintures qui doivent aux surréalistes le goût de la rencontre entre des éléments incongrus, le corps de la femme se termine par différentes sortes de maisons.

Dans cette toile rigoureusement verticale, le corps féminin, sans bras, porte sur les épaules une maison grise à colonnes. La rigidité grise de la maison contraste avec le rose vif du corps féminin où le sexe souligné évoque une fleur. Du toit de la maison, comme un nuage de fumée, sort une sorte de nasse qui fait penser à la chevelure féminine à laquelle l'artiste, qui en possédait une splendide, était très attachée. " La chevelure est omniprésente dans les premiers dessins et peintures de Louise Bourgeois. Luxuriante, sensuelle, voire auto-érotique, elle est peut-être la seule substance irréfutablement féminine de son univers ", écrit Robert Storr, dans " Géométries intimes : l'œuvre et la vie de Louise Bourgeois " (in Art Press, n°175, déc. 1992). Couleurs chaudes et froides, lignes droites et courbes, géométrie et éléments organiques coexistent dans ces images qui sortent d'une combinatoire étrange et personnelle. Marie-Laure Bernadac voit dans " ce mélange de géométrique et d'organique, de rigidité et de malléabilité, d'architecture et de viscéralité, (...) la métaphore de sa structure psychique " (in Louise Bourgeois, op.cit. p.64). Une structure psychique faite de contrastes.

Au-delà d'une revendication féministe dénonçant le poids écrasant de la maison dans la vie d'une femme au foyer, comme pourraient le faire penser les titres, il s'agit d'un noyau immense d'inspiration. La maison est le contenant idéal de tous les souvenirs et en particulier de ceux de l'enfance. Maison d'enfance où elle avait vécu une vie familiale très mouvementée, à cause d'un père volage, trompant souvent sa mère avec d'autres femmes et de manière encore plus douloureuse, pour l'artiste, avec sa jeune surveillante anglaise : Sadie.

Ce n'est qu'en 1947 que Louise Bourgeois aborde la sculpture avec des figures totémiques en bois. Ces figures, qu'elle appellera plus tard " personnages ", sont des entités qui lui permettent " d'exorciser le mal du pays " qu'elle avait eu en quittant la France et des personnes de sa famille.
Plaçant toujours au centre de son art la vie affective, Louise Bourgeois souligne : " Au départ, mon travail c'est la peur de la chute. Par la suite c'est devenu l'art de la chute. Comment tomber sans se faire mal. Puis l'art d'être ici, en ce lieu. "[1] De cette peur de tomber qu'elle avait eu en 1940, enceinte de son premier enfant, elle fera un thème essentiel de son art. Tous les " personnages " de 1947-49 ont en commun, selon l'artiste, " la fragilité de la verticalité (...) qui représente l'effet surhumain pour se tenir debout ". Les monolithes qu'elle crée en ces années existent en interrelation directe les uns sur les autres. Un champ spatial et psychologique d'attraction et de répulsion les ordonne. Louise Bourgeois conçoit dès les débuts la sculpture comme relation avec l'environnement et les œuvres entre elles. Sans socles, les personnages étaient conçus pour être enfoncés dans le sol comme des totems. Les contraintes de sa galerie l'obligèrent à les poser sur un socle.

Quarantania I est composée de cinq figures qui proviennent des " totems " qu'elle avait montrés séparément lors de sa première exposition à la Peridot Gallery de New York en 1949. Au centre, Woman with Packages (Femme avec des paquets), entourée de plusieurs femmes-navettes. La navette, instrument de travail de ses parents dans leur atelier de restauration de tapisseries d'Aubusson, est un élément formel et affectif qui renvoie à l'enfance de l'artiste. En équilibre précaire sur la pointe qui la fige au socle, chaque figure féminine semble ici néanmoins soutenir l'autre et trouver une forme d'équilibre et d'harmonie. Chaque membre du groupe conserve son indépendance, respectueux du territoire de ceux qui l'entourent, tandis qu'ensemble ils protègent la figure centrale. Comme l'écrit Robert Storr : " Forte de leur prévenance et incapable de basculer hors du cercle de ses pairs, la protagoniste archétypale de Louise Bourgeois, la femme en équilibre précaire et lourdement chargée, semble pour une fois vraiment à l'abri de ce qu'elle redoute par-dessus tout " (in Art Press, n° 175, art. cit.).

Très hautes et minces, ses silhouettes en bois que Bourgeois sculpte affirment la verticalité. Sans têtes et sans bras, elles sont réalisées en bois de séquoia, que l'artiste travaille à la lame de rasoir. Elles sont aussi peintes en blanc, couleur virginale pour l'artiste, et en bleu clair. " La couleur est plus forte que le langage. C'est une communication subliminale. Le bleu représente la paix, la méditation, l'évasion (...) Le blanc signifie le retour à la case départ (...) ", note l'artiste.

Louise Bourgeois, Fillette (Sweeter Version), 1968-1969
Latex sur plâtre (œuvre suspendue), 60 x 27 x 20 cm
Collection privée

Dès les débuts des années 1960, Louise Bourgeois quitte la verticalité et la rigidité du bois et travaille avec des matériaux souples. La liquidité du plâtre l'attire ainsi que le latex qui lui inspirera des œuvres biomorphiques ou ayant pour sujet le refuge, le nid. C'est aussi la période d'un grand nombre de travaux impliquant des fragments du corps, souvent des parties sexuelles.
Janus fleuri, 1968
Bronze, patine dorée, pièce suspendue, 25,7 x 31,7 x 21,3 cm
Collection de l'artiste
Photo Christopher Burke
Jouant sur le contraste ironique entre le titre et l'œuvre, Fillette représente un pénis. L'artiste se fait photographier par Robert Mapplethorpe en train de bercer la sculpture et de regarder d'un œil malin le spectateur. Fillette est ainsi devenue l'emblème de son œuvre, une œuvre qui veut garder floues les frontières entre les identités et les choses.
La forme du pénis revient souvent dans sa création, elle est surdéterminée de sens. Ce sens est d'abord érotique, puisque à la base de tout il y a, pour l'artiste, la pulsion sexuelle et sa sublimation dans l'art. Mais dans son regard malicieux, l'artiste-fillette-espiègle s'identifie au phallus qu'elle porte dans les bras, et qu'elle incite à lire, toujours avec ironie, en termes féminins. En effet si l'œuvre a la forme évidente d'un pénis, elle n'en est pas moins une sorte de personnage gauche, avec une couverture qui le protège, féminin, enfantin et masculin à la fois. L'ambivalence féminin-masculin, se retrouve aussi dans le choix des matériaux, le plâtre dur et le latex souple qui le recouvre.

Fillette porte dans sa partie haute un crochet par lequel elle devait être suspendue au plafond. La vision en contre-plongée des deux boules renvoie bien évidemment aux testicules, mais pourrait aussi renvoyer aux seins, souvent assimilés chez Bourgeois à des formes sphériques.
En 1966 elle avait réalisé une œuvre qui pourrait être considérée comme le pendant de Fillette, il s'agit de Regard, masse ovale en latex et tissu évoquant le sexe féminin avec une fente au milieu représentant à la fois " l'intérieur des lèvres " et la commissure des paupières. L'œil et le sexe féminin se trouvent reliés par l'artiste, contrairement à Freud qui assimile le regard au phallus et la peur de perdre la vue à l'angoisse de castration.
Cumul I, 1969
Marbre blanc sur un socle en bois, 51 x 127 x 122 cm
Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, Paris
Les fragments du corps, seins, pénis, qui reviennent sans cesse dans l'œuvre de Bourgeois, ont tous, selon la critique d'art Rosalind Krauss, le statut " d'objets partiels " tels que la psychanalyste Mélanie Klein en a défini le concept. " Il s'agit principalement de parties du corps réelles ou fantasmées (sein, fèces, pénis) et de leurs équivalents symboliques. Même une personne peut s'identifier ou être identifiée à un objet partiel. " (Cf. à ce sujet la rubrique " Objet partiel ", in Vocabulaire de la psychanalyse, de Jean Laplanche et J.-B. Pontalis, Puf, 1967). En 1934, Mélanie Klein introduit la notion de " clivage dans l'objet " et de " bon et mauvais objet ". Les différentes phases de la psychogenèse de Klein axée autour des verbes agresser, détruire, reconstruire, réparer l'objet libidinal, sont celles de l'acte créateur chez Bourgeois, qui est très proche de la psychanalyse.[2]

[1] Les citations de l'artiste renvoient au catalogue de l'exposition qui s'organise selon la forme d'un glossaire qui puise ses entrées dans les archives de Louise Bourgeois. L'artiste écrit son journal à partir de l'âge de douze ans. Elle y raconte sa vie, ses rencontres, ses réflexions sur son art et sur sa vie intime. S'exprimant alternativement en français ou en anglais, sa pensée est claire et son style incisif. Les dernières années se caractérisent par des textes poétiques, où domine le souvenir d'enfance avec des allitérations, assonances et autres effets prosodiques.

[2] Outre l'article de Julia Kristeva, sémiologue et psychanalyste, " Du " petit pois " à la runaway girl ", le catalogue de l'exposition présente aussi l'article de Mignon Nixon : " Reconstruire le passé : Louise Bourgeois et la psychanalyse ", entièrement consacré à la relation de l'artiste à la psychanalyse.

La mÉtamorphose comme principe de l'œuvre

L'ambiguÏté des matÉriaux, des formes, du sens

La métamorphose est un des principes essentiels de l'œuvre de Louise Bourgeois, elle intervient à plusieurs niveaux : au sein même d'une sculpture, et dans l'interaction de celle-ci avec d'autres éléments qui en modifient la perception formelle et le sens. En effet, l'enchaînement, l'articulation sont chez elle des procédés originaux de métamorphose.
The Reticent Child, 2003
Installation de 6 éléments en tissu, marbre, acier inoxydable et aluminium, 182,8 x 284,4 x 91,4 cm
Collection de l'artiste
Photo Christopher Burke
C'est tout d'abord l'ambiguïté plastique propre à l'œuvre qui permettra la transformation, le passage d'une forme à l'autre et d'un sens à l'autre. " En perpétuelle métamorphose, les formes de Louise Bourgeois inventorient les permutations apparemment inépuisables des oppositions sexuelles (...) ", souligne R. Storr (in Art Press, n°175, art. cit.) en accentuant la connotation souvent érotique de son travail. Si Fillette était pénis et petite fille à la fois, le pénis affaissé de Sleep (1967) souligne la féminité des hommes, par l'analogie formelle que l'œuvre entretient avec les seins de la femme.

Dans la même année que Fillette, Louise Bourgeois réalise d'autres œuvres suspendues qui sont des parties du corps humain à consonance sexuelle. Il s'agit d'une série de quatre sculptures de forme phallique, au titre évocateur de Janus parmi lesquelles Janus fleuri. Comme l'indique la référence à l'antique divinité latine, Janus, était le dieu à double visage, l'un tourné vers le passé et l'autre vers le futur, divinité des portes(janua), celles de son temple étaient fermées en temps de paix et ouvertes en temps de guerre. Tout s'ouvre ou se ferme selon sa volonté. C'est le côté bipolaire qui fascine l'artiste dans le choix du titre. " Janus fait référence à la polarité qui nous habite (...) la polarité dont je fais référence est une pulsion vers la violence extrême et la révolte (...) et le retrait ", écrit l'artiste qui y voit aussi " un double masque facial, deux seins, deux genoux ".

L'œuvre, en bronze, représente deux pénis flasques réunis par un élément central à la limite de l'informe qui évoque la fente et la toison féminine. C'est cet élément de jonction, dont la matière exubérante se répand sans limites précises sur les deux autres parties au fini impeccable, qui distingue l'œuvre au sein de la série, l'adjectif " fleuri " renvoyant par métaphore visuelle au sexe féminin comme efflorescence. Masculin et féminin se trouvent encore une fois réunis dans cette œuvre aux deux visages où, par un ultérieur glissement formel, le pénis se fait sein.

Quant aux modalités de sa présentation suspendue, elle traduit pour l'artiste " la passivité ", tandis que " sa masse inférieure exprime la résistance et la dureté. Elle est peut-être un autoportrait - un parmi tant d'autres ", note-t-elle. Dépassant les limites et les identités des choses, Janus fleuri serait aussi un autoportrait de l'artiste, " ce défaiseur de tout narcissisme comme de toute identité imaginaire y compris sexuelle ", comme le définit Julia Kristeva dans Pouvoir de l'horreur, essai sur l'abjection (Seuil, 1980, p.246).

Les années soixante sont pour Louise Bourgeois des années de maturité où elle expérimente diverses formes et matériaux. Le plâtre, le latex, le caoutchouc, le bronze, le marbre se succèdent. Après son séjour en Italie à Pietrasanta où elle se rend pour travailler le marbre, elle l'utilisera fréquemment. Ce matériau résistant donne l'illusion de la douceur de la peau.

Dans Cumul I, plus rien ne semble tenir en place et chaque forme vouée au changement perpétuel. Cumul fait partie d'une série qui fait référence au nuage, élément changeant par excellence, et plus précisément aux nuages ronds appelés Cumulus. " Ce sont des nuages, une formation de nuages. Moi je n'y vois pas de formes sexuelles ", affirme-t-elle. Le point de départ de ces formes est la sculpture en forme de phallus flasque, Sleep II de 1967.
Precious Liquids , 1992
Bois de cèdre, fer, eau, verre, albâtre, tissu, coussins brodés, vêtement, 427 x 442 cm
Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, Paris
Ici, l'effervescence de formes rondes et blanches semble sortir d' un voile aux nombreux plis, drapé baroque renvoyant au Bernin (1598-1680), le grand sculpteur baroque qui avait impressionné l'artiste. Au-delà de la référence usuelle aux seins ou au sexe masculin, certaines de ces formes rondes semblent évoquer la tête d'une religieuse dont le visage émergerait - tel celui de Sainte-Thérèse dans la sculpture du Bernin à Rome ( La Transverbération de Sainte-Thérèse, 1652, Eglise Sainte-Marie de la Victoire) - d'un voile qui se perd en de multiples plis.

Ce même drapé se trouve aussi dans Femme-maison (1983), œuvre en marbre blanc, qui est encore, comme le souligne Marie-Laure Bernadac, inspirée du Bernin. Cumul I annonce aussi la grande et impressionnante installation en latex : The Destruction of the Father, de 1974.

Untitled, Sans titre, 1996
Vêtements, bronze, os, caoutchouc et acier,
300,40 x 208,3 x 195,6 cm
Collection de l'artiste
Photo Allan Finkelman
Cell (Choisy), 1990-1993
Marbre rose, métal et verre, 306 x 170,20 x 241 cm
Ydessa Hendeles Art Foundation, Toronto
Photo Peter Bellamy
La métamorphose ne se limite pas chez Bourgeois à une classique migration du sens qui suit la forme. Elle repose aussi, comme on a dit, sur un procédé essentiel à son travail, l'enchaînement, l'articulation de différents éléments entre eux se nouant, comme les parties d'une longue phrase visuelle, pour produire un sens nouveau et inattendu. Ce procédé ne vise pas, comme chez les surréalistes, l'étonnement, la surprise du spectateur, il est au service de l'inconscient de l'artiste qui met en forme ses peurs et ses affects les plus anciens et les plus refoulés. L'art devient, dans cette perspective, une catharsis, une abréaction des affects au sens psychanalytique du terme et, comme c'est écrit dans la partie supérieure de Precious liquids : " L'Art est une garantie de santé mentale ".
" Etant donné que les peurs du passé étaient liées à des peurs physiques, elles ressurgissent dans le corps. Pour moi la sculpture est le corps. Mon corps est la sculpture ", affirme-t-elle. Ainsi, s'intéressant de près au corps, l'artiste n'a pas manqué, au cours des années 90, de s'attaquer au vêtement qui le recouvre en le protégeant. C'est ce qu'elle fait dans une série d'œuvres qui mettent en scène le vêtement et plus spécialement, ses anciens vêtements, derniers objets d'un passé à questionner toujours.
Red Room (Parents), 1994
Détail. Technique mixte, 247,6 x 426,7 x 424,2 cm
Collection particulière
Photo Peter Bellamy
Sans titre est l'association d'une robe noire avec des perles et de la lingerie intime ayant appartenu à l'artiste. Ces éléments sont suspendus à une structure verticale en acier, rappel des porte-bobines de fils qui servaient à la restauration des tapisseries dans l'atelier de ses parents à Choisy-le-Roi. L'immense porte-bobine polymorphe revient, en effet, sans cesse dans son travail et constituera avec les bobines et la navette, une œuvre : In Respite, 1993.
Ici, il est comme une sorte d'arbre, où s'accrochent d'inquiétants porte-manteaux en os de bœuf assurant la suspension des habits. Le vêtement léger, d'une couleur claire, en soie ou en satin, épouse directement les ossements lourds. Le corps ancien qui les endossait a disparu et ce qui devrait rester caché se montre : le squelette, faisant surface derrière la peau et la chair qui s'effacent. Ces matériaux insolites s'opposent ou s'accordent et par là même se révèlent : la légèreté des satins contraste avec l'os massif rongé par le temps et renvoyant à la mort, la structure métallique inaltérable semble soutenir la pérennité du souvenir.
L'enchaînement des différentes parties de l'œuvre procède ainsi par métonymie (l'os pour le corps humain) et par métaphore (la clavicule pour le porte-manteau et le métal pour le souvenir). Ainsi orchestrés et rythmés dans l'air à différentes hauteurs, les vêtements instaurent une étrange danse macabre.

Les derniers travaux de Louise Bourgeois renvoient en général à la famille, aux relations mère-enfant, père-enfant, et à des scènes à forte charge érotique, souvent des accouplements entre adultes perçus par le regard de l'enfant comme un agrégat protéiforme de corps qui s'ébattent dans un lit, ainsi pour Seven in Bed de 2001.

The Reticent Child s'inspire de la relation avec son fils Alain. L'œuvre, qui fait notamment allusion au premier traumatisme de la vie, celui de la naissance, a été réalisée pour le Sigmund Freud Museum de Vienne. Il s'agit d'une installation qui s'étend horizontalement et qui se présente comme une maquette de théâtre.
La grossesse, la naissance, l'enfance et l'adolescence de son fils y sont représentées. Le tissu et le marbre sont les deux matériaux utilisés pour réaliser ici les figures. Cinq figurines sont en tissu de laine rose et la sixième, couchée sur un lit, est en marbre couleur peau. Disposés sur une table métallique au-dessus de laquelle est fixé un grand miroir convexe, les six personnages se reflètent dans la glace. La métamorphose est amenée de manière spectaculaire par le miroir déformant qui, selon le point de vue où se trouve le spectateur, modifie la perception des formes, redoublant le caractère inquiétant de ces figures assemblées dans une scène qui rappelle celle du rêve.

Ombres du passé, présences énigmatiques, figures surdéterminées de sens se succèdent tout le long de cette installation qui soulève le problème de comment représenter le temps dans l'œuvre plastique. Le choix de l'horizontale pour signifier la succession des événements a ici quelque chose qui, malgré l'aspect résolument contemporain de l'installation, fait penser à la peinture ancienne, au célèbre Tribut (vers 1427) de Masaccio où trois temps de la narration biblique sont représentés sur la même fresque. Masaccio et ses peintures de la chapelle Brancacci à Florence reviennent encore dans le geste du jeune homme à l'extrémité de l'œuvre, qui baisse la tête en se cachant les yeux, geste qui n'est pas sans rappeler celui d'Adam dans Adam et Ève après la chute (vers 1427).

Le regard se porte sur l'enfant dont le marbre rend la peau diaphane, enfant réservé nous dit le titre. Couché sur son lit en position fœtale il semble ne plus vouloir le quitter. Mais peut-être aussi, comme dans le processus du rêve analysé par Freud, le véritable sujet n'est pas celui qui se montre comme tel, il est à chercher ailleurs, ici, dans l'orchestration des personnages tout au long de l'installation qui s'apparente à une narration. Le sujet c'est le temps et son déploiement dans la scène, dans une polyphonie des formes et des matières, de clair-obscur et de couleur. Le véritable sujet de l'œuvre c'est l'ensemble inextricable qu'est l'œuvre elle-même, ce plateau où se donne à voir la représentation de la vie.

- Voir Masaccio, Le Tribut de Saint-Pierre, 1427, chapelle Brancacci
- Voir Masaccio, Adam et Ève après la chute, vers 1427, chapelle Brancacci

La mÉmoire, source et sujet de la crÉation

sculpter l'espace du psychisme

Toute œuvre d'art sollicite en même temps la pensée, l'imagination, l'affect, interpellant à plusieurs niveaux le spectateur. " Les arts du dessin sont muets, ils n'ont que le corps pour représenter les âmes, ils agissent sur l'imagination par les sens, la poésie sur les sens par l'imagination " écrivait déjà Stendhal en 1817 dans son Histoire de la peinture en Italie, soulignant une différence essentielle entre les effets produits par la peinture et par la poésie. Il en va autrement quand l'émotion, la mémoire, l'affect sont le sujet même de l'œuvre. C'est le cas de Louise Bourgeois qui se mesure sans cesse à la mise en forme de ce qui n'est pas de l'ordre de la forme et à rendre visible ce qui échappe au visible et à ses modalités.

Quand le sujet de l'œuvre d'art devient l'émotion elle-même, l'émotion vécue par l'artiste, en tant qu'expérience liée à l'inconscient, tout est à réinventer, de manière on ne peut plus singulière. C'est ce que l'artiste a fait, traversant les différents courants de l'art du 20e siècle, Surréalisme, Minimalisme, Art informel, pour les dépasser, les devancer, suivant au fond l'impératif plastique que lui dictait sa vie réelle et fantasmatique, vécue d'abord et revécue ensuite, questionnée sans cesse dans la création.
L'espace de l'œuvre devient particulier, un espace du psychisme, avec sa logique qui emprunte à l'inconscient ses procédés de condensation, déplacement, surdétermination. C'est ainsi qu'il faut entendre les œuvres monumentales des années 90, les Cells, Cellules, à la fois ouvertes et fermées, qui se donnent à voir comme une traversée d'un espace du dedans.

Dans les années 90, à quatre-vingts ans, Louise Bourgeois se consacre à la réalisation de ces chambres magiques, que sont les Cells. Elle y rassemble des objets qui lui sont très proches et qu'elle investit d'une grande charge émotionnelle. Les Cells sont les lieux où elle déroule la trame de ses souvenirs et de ses affects.

Liquides précieux est une imposante installation cylindrique où le spectateur est invité à entrer. Il s'agit d'un espace sombre et clos, composé d'un réservoir cylindrique d'eau en bois de cèdre, tel qu'on peut en voir sur les toits new-yorkais, et destiné à recueillir les " liquides précieux ".
Ces liquides sont ceux que le corps humain produit quand il est soumis à des émotions comme la peur, la joie, le plaisir, la souffrance. Sang, lait, sperme, larmes sont donc des liquides précieux pour l'artiste qui en orchestre la mise en espace.
Au centre de l'étrange tonneau se trouve un lit ancien en fer entouré de montants qui soutiennent des ballons en verre, tenus de décanter, à travers des tuyaux qui les relient à une flaque d'eau au centre du lit, le liquide qui s'évapore et qui retombera ensuite après sa condensation.

En face, un immense manteau masculin surplombe l'espace, enfermant en son sein un petit vêtement d'enfant avec l'inscription " Merci-Mercy ". De l'autre côté figurent deux boules en caoutchouc et une sculpture ancienne en marbre. L'installation est une œuvre complexe, surdéterminée de sens. Le spectateur est interpellé par cet espace déserté de toute présence humaine et qui pourtant en porte les traces, ce lieu où s'inscrit l'absence, le temps qui passe dans la vétusté du lit et du manteau, la mort peut-être. La curieuse alchimie des liquides et la construction mentale que l'artiste y rattache font de l'espace de l'œuvre un espace du psychisme.

En effet, Louise Bourgeois s'explique quant à la signification des objets y figurant. Le manteau renvoie au père, figure de la répression, le petit habit à la petite fille qu'elle a été, et la dynamique des fluides serait liée aux humeurs de la peur face au père. On est au cœur du " complexe de castration " qui renvoie, selon Freud, au manque central de pénis chez la petite fille et à la différence sexuelle. L'artiste l'a bien évidemment dépassé mais l'œuvre, dans la mise en scène du fantasme, en est sous-tendue.

Le mot cellule renvoie chez Louise Bourgeois à la plus petite unité biologique qui nous constitue et aussi à la maison, le refuge, la famille. Et il n'y a de maison que de l'enfance, premier réceptacle de la vie, et des premières marques du psychisme. Elle réalisera deux séries de Cells, les unes consacrées aux sens, les autres liées à l'enfance et à la mémoire. " Les Cells représentent différents types de douleur : physique, émotionnelle et psychologique, mentale et intellectuelle... Chaque Cell a trait à une peur. La peur est une douleur... Chaque Cell traite du plaisir du voyeur, le frisson du regardeur et celui d'être regardé ", affirme-t-elle.

Jouant de plus en plus de la polyphonie des matériaux, Louise Bourgeois les exploite maintenant tous : verre, bois, métal, marbre, tissu. Chaque matériau garde son histoire et se présente dans son opacité ou transparence, dans sa pesanteur ou légèreté, son côté lisse ou rugueux.
Avec Cell (Choisy), l'artiste commence une série de grandes cages, où la grille est un élément essentiel. Elle permet de voir à travers et évoque aussi l'idée de captivité. Il s'agit ici de la maison de son enfance, lieu de tous ses souvenirs à Choisy-le-Roi. La maison est au centre de l'installation. En marbre rose, elle pourrait donc être sereine mais, au-dessus, la lame immense d'une guillotine la menace. Allusion à la France et à son histoire et à l'artiste elle-même dans ce que la psychanalyste Marthe Robert, suivant Freud, appellerait " le roman familial du névrosé " (Marthe Robert, Roman des origines et origines du roman, Gallimard, 1977). Pour la psychanalyse chaque individu crée, à partir des éléments réels de son enfance, un mythe individuel où réalité et fantasmes se mêlent. Ceci est particulièrement parlant au sujet de Louise Bourgeois qui n'a pas arrêté de puiser dans son histoire familiale la matière de ses œuvres.

La guillotine montre " que les gens se guillotinent à l'intérieur d'une famille. Le passé est également guillotiné par le présent ", déclare l'artiste. Avec l'âge qui avance, le souvenir devient de plus en plus présent, puisant en profondeur dans la " préhistoire " individuelle. La sculpture seule, le travail en volume, physique et tangible, permet pour l'artiste de traverser le passé en lui enlevant le côté mortifère et pénible. Comme conjurés, les fantômes du passé sont là, dans cette maison temple du souvenir revécu et mis en forme dans l'art. Le présent " guillotine " le passé, car l'art le rappelle sur la scène une dernière fois pour passer outre.

Remontant de plus en plus loin dans le passé et avec une liberté de plus en plus assumée, Louise Bourgeois touche, avec les deux installations parallèles : Red Room (Parents) et Red Room (Childs), au " noyau " de l'inconscient, réserve inépuisable de fantasmes, et au lieu interdit par excellence, celui de la chambre parentale, lié à ce que Freud appelle la " scène primitive " (Urszene), celle du rapport sexuel entre les parents. Tel qu'il peut être regardé ou fantasmé, cet acte est selon Freud toujours interprété par l'enfant comme un acte de violence, voire de viol de la part du père à l'égard de la mère.

La couleur dominante est ici le rouge, un rouge sang qui couvre le lit, les portes sont en bois sombre et proviennent d'anciennes loges de théâtre. L'association du rouge (couleur de la passion pour l'artiste) et du noir donne à ces chambres un côté tragique au sens fort de tragédie grecque. On y entend les échos du mythe d'Œdipe et le lien inextricable entre Eros et Thanatos. Passion et violence, angoisse et mystère y dominent.
L'ambivalence est néanmoins comme toujours à l'œuvre. Si le mot " je t'aime ", écrit en rouge dans le coussin, ainsi que le petit train d'enfant et l'instrument de musique posés sur le lit évoquent la paix et la sérénité du ménage, pourtant un curieux doigt en caoutchouc piqué d'une épingle qui sort du lit ainsi qu'une espèce de vessie rouge qui pend sur le même lit troublent l'ensemble. Fil, bobines, aiguilles, épingles, rappellent la couture et la profession maternelle, et le doigt piqué n'est pas sans évoquer la jeune princesse de la fable de Perrault, La belle au bois dormant qui, s'étant piqué le doigt avec un fuseau, restera endormie cent ans en attendant le prince qui la délivrera du sortilège.
Du point de vue de l'histoire de l'art, ce détail rappelle un tableau de Max Ernst, Œdipus rex de 1922, où le doigt piqué renvoie à la figure d'Œdipe qui s'aveugle en se crevant les yeux après avoir découvert qu'il a tué son père et couché avec sa mère. De ce mythe fondateur de l'inconscient humain selon Freud, Louise Bourgeois en donne ici sa version.

Un miroir ovale posé dans l'installation rappelle le lit et redouble la sensation de l'espace, un espace désormais inhabité, où les êtres, contrairement au miroir de la chambre nuptiale dans le célèbre tableau de Van Eyck : Les époux Arnolfini (1434), ne se reflètent plus. L'énorme navette rose, allusion ultérieure au métier à tisser parental, renvoie par son échelle à la vision de l'enfant selon laquelle les objets semblent géants. Elle instaure aussi un subtil jeu formel et chromatique avec les deux bulles en verre rouge et bleu et rompt, avec ironie, le tragique contraste en rouge et noir qui domine la pièce où plane la dimension de l'interdit.

Voir Max Ernst, Œdipus rex, 1922
Voir Jan van Eyck, Les Époux Arnolfini, 1434

Spider, 1997
Acier, tapisserie, bois, verre, tissu, argent, or et os, 445 x 666 x 518 cm
Collection particulière. Courtesy Cheim & Read, New York

Les années 90 voient aussi l'apparition d'une nouvelle figure qui deviendra obsédante dans le travail de l'artiste, celle d' une immense araignée qu'elle identifie à sa mère. Si, avec le père, homme immature et volage, l'artiste a toujours eu une relation ambiguë, allant jusqu'au rejet, sa mère, rationnelle et rassurante, est pour Louise une amie. Elle la perdra à vingt et un ans. Quelques jours après, devant son père qui ne semblait pas prendre au sérieux le désespoir de sa fille, elle se jeta dans la Bièvre, il la sauvera à la nage.

La série d'Araignées consacrée à sa mère est, comme d'habitude, accompagnée de dessins et de textes. L'écriture prolonge chez l'artiste le travail du trait, du trait comme fil qui se fera trame, trame textuelle, qu'elle a alimentée depuis son plus jeune âge. Précise, lucide et poétique à la fois, l'écriture de Louise Bourgeois rend compte de tous les thèmes et obsessions caractéristiques de son travail, sans pour cela porter atteinte au caractère poignant de l'œuvre plastique qui prend toujours le spectateur de surprise. Dessin, écriture et sculpture sont pour elle des pratiques intimement associées.
Sur un dessin elle a écrit : " L'Amie (l'araignée, pourquoi l'araignée ?). Parce que ma meilleure amie était ma mère et qu'elle était aussi intelligente, patiente, propre et utile, raisonnable, indispensable, qu'une araignée. Elle pouvait se défendre elle-même " (cité par Marie-Laure Bernadac, in Louise Bourgeois, op. cit. p.149). L'araignée qui tisse sa toile est associée à la mère et à son travail de réparation de tapisseries. Elle associe aussi son propre travail à une toile d'émotions et de souvenirs qu'elle tisse et détisse et retisse, telle Pénélope, tout au long d'une vie. L'artiste appelle une de ses œuvres de 1999-2000 du titre très parlant : I do, I undo, I redo, Je fais, je défais, je refais, titre qui révèle le fonctionnement psychique et créateur de Louise Bourgeois.

Si faire renvoie à l'acte de l'artiste, défaire et refaire suivent une logique qui, selon la psychanalyse, et en particulier Mélanie Klein, renvoie aux pulsions agressives du nourrisson face à l'objet maternel. Défaire serait détruire la mauvaise-mère qui n'est pas aimante, refaire serait éprouver la phase dépressive liée à la culpabilité et la dépasser par la réparation. L'artiste explique la dynamique de son travail très souvent en termes proches des théories de Mélanie Klein (cf. Louise Bourgeois, Destruction du père, reconstruction du père. Ecrits et entretiens, 1923-1997, édition française, Lelong éditeurs, 2000, p.390). " Le travail artistique agit comme une réparation, une restauration au sens propre comme figuré ", écrit à ce sujet Marie-Laure Bernadac (in Louise Bourgeois, op. cit. p.163).

Comme toujours néanmoins, l'araignée énorme que Louise Bourgeois réalise depuis 1994 sous différentes formes et mises en scène, reste une figure ambivalente. Si pour l'artiste elle est bénéfique, elle n'ignore pas qu'elle peut assumer le rôle d'un objet phobique et devenir métaphore de la femme qui attend dans sa toile les victimes masculines prises au piège pour les dévorer. Le thème mythologique des Trois Parques qui filent le destin, ou d'Arachné, jeune fille grecque experte en l'art du tissage et transformée par Athéna qui en est jalouse en araignée, se rattachent au caractère symbolique de la représentation de l'insecte. Bourgeois en donne plusieurs versions dont certaines terrifiantes.

Avec Spider de 1997, elle met en scène à la fois l'araignée et son ouvrage. En effet cette version s'accompagne d'une cellule en forme cylindrique grillagée, à l'intérieur de laquelle on perçoit des fragments de tapisserie ancienne. La lumière jaunâtre qui illumine cette scène nocturne n'a rien de rassurant.

Devant ces immenses présences qui incarnent, malgré la dimension positive qui les rattache à la mère, des peurs enfantines et inconscientes, l'œuvre d'art a ici son rôle premier chez Bourgeois de rejouer les peurs pour les exorciser et de transformer l'angoisse en plaisir.
Empruntant la montée qui, à Rome, l'amenait à la contemplation dans l'église de Saint Pierre aux Liens du Moïse (1513-16), célèbre statue en marbre de Michel-Ange, Freud subit la forte impression de l'œuvre et s'en questionne. Les raisons du plaisir mêlé de trouble qu'il éprouve devant cette œuvre, viendrait du fait que Moïse, malgré le calme apparent qui semble l'envahir, garde néanmoins les traces d'une " fureur maîtrisée ", écrit-il. Rappelant la colère de Moïse devant son peuple en train d'adorer le veau d'or, par certains détails qui demeurent, l'œuvre nous fait en même temps jubiler du moment où " la tempête passée, le calme est rétabli " (cf. Sigmund Freud, " Le Moïse de Michel-Ange ", 1914, in Essais de Psychanalyse appliquée, Gallimard, 1933).

Comme Freud devant Michel-Ange, Louise Bourgeois appelle aussi son spectateur à revivre les anciennes peurs liées aux fureurs des figures parentales et, grâce à la sublimation artistique, à jouir de la transformation de l'angoisse ancienne en présent plaisir esthétique. Son œuvre, s'intéressant à ces moments émotifs qui constituent la trame de l'esthétique entendue au sens large de science qui s'intéresse aux qualités de notre sensibilité, touche à ce que Freud appelle Das Unheimliche, L'Inquiétante étrangeté.
C'est dans le domaine de l'œuvre d'art que la psychanalyse étudie les effets de l'inquiétante étrangeté. Certaines œuvres d'art s'éloignent des catégories rassurantes du beau et soulèvent les sentiments " d'effroi, de peur, d'angoisse " souligne Freud. L'esthétique " s'occupe plus volontiers des sentiments positifs, beaux, sublimes, attrayants, de leurs conditions et des effets qui les éveillent que des sentiments contraires, repoussants ou pénibles " poursuit-il, mais remarque pourtant que ces deux expériences contraires relèvent du domaine de l'esthétique. ( L'Inquiétante étrangeté, 1919, in Essais de Psychanalyse appliquée, op.cit.).
Le travail de Louise Bourgeois est au cœur de ces questions qui touchent à l'œuvre d'art en tant qu'elle véhicule beauté rassurante, trouble bouleversant, ou les deux à la fois, remettant en cause de manière radicale les théories classiques sur l'art. En arts plastiques comme en philosophie, son œuvre sera exemplaire dans l'illustration du statut de l'œuvre d'art et des effets qu'elle suscite.

Bibliographie sÉlective

Textes de Louise Bourgeois

- Destruction du père, reconstruction du père. Ecrits et entretiens, 1923-1997, édition française, Lelong éditeurs, 2000
- " Freud's Toys ", Artforum, New York, avril 1992
- " A project by Louise Bourgeois : Childs Abuse ", Artforum, New York, déc.1982

- Camille Morineau (dir.), elles@centrepompidou, éditions Centre Pompidou, 2009
- Louise Bourgeois, catalogue de l'exposition, collaboration entre la Tate Modern et le Musée national d'art moderne, Centre Pompidou, édition française, 2008, sous la direction de Marie-Laure Bernadac et Jonas Storsve
- Marie-Laure Bernadac et Hans-Ulrich Obrist, Destruction du père / Reconstruction du père, Daniel Lelong éditeur, 2000- Marie Laure Bernadac, Louise Bourgeois, La création contemporaine, Flammarion, 2006 / première édition, 1995
- Jacqueline Caux, Tissée, tendue au fil des jours, la toile de l'œuvre de Louise Bourgeois, Seuil,
- Robert Storr, Paulo Herkenhoff et Allan Schwartzman, Louise Bourgeois, Phaidon Press Limited, Londres, 2003 / édition française, 2004
- Marie-Laure Bernadac, Louise Bourgeois Pensées-Plumes, catalogue d'exposition, éditions du Centre Georges Pompidou, Paris, 1995
- Louise Bourgeois : Sculptures, environnements, dessins, 1938-1995, catalogue d'exposition, Musée d'art moderne de la Ville de Paris, édition de la Tempête, Paris, 1995, sous la direction de Suzanne Pagé et Béatrice Parent.

LIENS SUR LE SITE DU CENTRE POMPIDOU

- Art Press, n°175, décembre 1992
-Oxford Art Journal, vol. 22, numéro 2, 1999

Plans de l'exposition

- Galerie 2, niveau 6
- Musée, Galerie d'art graphique, niveau 4
- Forum du Centre, niveau 0
- Jardins des Tuileries

Autour de l'exposition

Visites commentées
Le samedi à 15h30.

Conférence Un dimanche, une œuvre
Precious Liquids, avec Elisabeth Lebovici et Marie-Laure Bernadac.
Dimanche 13 avril à 11h30, Petite salle, niveau -1

Colloque Louise Bourgeois
Avec Mieke Bal, Jean Frémon, Gérard Wacjman et les commissaires de l'exposition : Marie-Laure Bernadac, Jonas Storsve et, pour la Tate Modern, Frances Morris
Mercredi 16 avril, 15h-18h30, Petite salle, niveau -1

Promenade urbaine
Louise Bourgeois et Choisy-le-Roi
Samedi 31 mai, 14h-18h.
> Inscription par courriel sur promenadesurbaines@yahoo.fr

Cinéma
Films de Brigitte Cornand sur Louise Bourgeois
Chère Louise, 1995, 50' ; C'est le murmure de l'eau qui chante, 2002, 92' ; La Rivière gentille, 2007, 1h40.
Lundi 5 mai, Cinéma 1, 18h-22h
Jeudi 22 mai, Cinéma 2, 18h-22h
Vendredi 30 mai, Cinéma 2, 18h-22h

Visiteurs handicapés
Samedi 12 avril
Ecouter voir. Visite pour les aveugles et malvoyants. A 11h.
Visite en langue des signes à 14h30 et Visite en lecture labiale à 11h pour les sourds et malentendants.
> Réservation sur le site Public handicapé

Programme pour les groupes, enseignants et formateurs
Visite de l'exposition (de la maternelle au lycée), parcours scénographie pour les lycées professionnels.
Rendez-vous pour les enseignants et formateurs : présentation de l'exposition le mercredi 12 mars à 14h30 ou 18h.
> Sur réservation.

Pour consulter les autres dossiers sur les expositions, les collections du Musée national d'art moderne, les spectacles, l'architecture du Centre Pompidou
En français
En anglais

Contacts
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© Centre Pompidou, Direction de l'action éducative et des publics, mars 2008
Texte : Margherita LEONI-FIGINI, professeur relais de l'Education nationale à la DAEP
Pour les œuvres de Louise Bourgeois : Adagp, Paris, 2010
Maquette: Michel Fernandez
Mise à jour : Florence Thireau, 2010
Dossier en ligne sur www.centrepompidou.fr/education/ rubrique 'Dossiers pédagogiques'
Coordination : Marie-José Rodriguez, responsable éditoriale des dossiers pédagogiques

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Dossiers pédagogiques Parcours exposition Louise BourGeois 5 mars 2008 - 2 juin 2008, Galerie 2, niveau 6 Louise Bourgeois en 1990, derrière sa sculpture en marbreEye to Eye, 1970 Photo Raimon Ramis Une exposition événement De l'image à la sculpture Le rôle du dessin Femme-maison, 1946-1947 Quarantania I, 1947-1953 Fillette

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En bref

Connue essentiellement pour ses monumentales Nanas, Niki de Saint Phalle (1930-2002) a laissé derrière elle une œuvre protéiforme faite de tableaux-performances, de sculptures féministes ou encore de films psychanalytiques. L'artiste, qui appartient au groupe des Nouveaux Réalistes, n'a cessé de puiser ses influences dans les réalisations d'artistes tels qu'Antoni Gaudí, Jackson Pollock ou le Facteur Cheval, avant d'inspirer à son tour toute une génération de créateurs. Autodidacte, Niki de Saint Phalle a placé sa vie et ses idées personnelles au cœur de son art, livrant une œuvre engagée et féministe.

Elle a dit

" J'ai eu la chance de rencontrer l'art parce que j'avais, sur le plan psychique, tout ce qu'il faut pour devenir terroriste. Au lieu de cela j'ai utilisé le fusil pour la bonne cause, celle de l'art. "

Sa vie

" Enfant de la Dépression ", Catherine Marie-Agnès Fal de Saint Phalle est née le 29 octobre 1930 à Neuilly-sur-Seine, un an après le départ précipité de sa famille des États-Unis. Ruiné par le krach boursier de 1929, son père dut, en effet, renoncer à la banque new-yorkaise Saint Phalle & Co. dont il était propriétaire. Renommée " Niki " par sa mère à l'âge de 4 ans, la petite fille passe les premières années de sa vie au domicile de ses grands-parents dans la Nièvre, avant de rejoindre ses parents, réinstallés aux États-Unis, à Greenwich. Là-bas, elle est élevée par une nourrice qu'elle surnomme " Nana ".

L'année de ses 11 ans, elle est violée par son père. Traumatisée par cet acte dont elle ne guérira jamais vraiment, Niki de Saint Phalle explique plus tard avoir trouvé dans l'art une sorte de thérapie qui " calmait le chaos qui agitait [son] âme et fournissait une structure organique à [sa] vie [...] ".

Elle travaille un temps comme mannequin pour Vogue et Life Magazine, puis se marie, à l'âge de 18 ans, avec l'écrivain Harry Mathews. La jeune femme, pourtant issue d'une vieille lignée d'aristocrates français, a un tempérament de révoltée : elle refuse le puritanisme religieux et se dresse contre le maccarthysme. Un an après son mariage, elle donne naissance à une fille, Laura, et déménage à Paris.

L'année 1953 marque un tournant : souffrant d'une grave dépression, Niki de Saint Phalle est hospitalisée à Nice. Peignant et dessinant beaucoup lors de son rétablissement, la jeune femme décide dès lors de se consacrer pleinement à l'art. En 1955, elle donne naissance à son second enfant, Philip, puis part à Madrid et Barcelone où elle découvre le travail de l'architecte Antoni Gaudí. L'année suivante, elle rencontre l'artiste suisse Jean Tinguely à Paris. Par son entremise, elle rejoint le groupe des Nouveaux Réalistes, fondé dans les années 1960 par Yves Klein et Pierre Restany. Leur travail, qui consiste en un " recyclage poétique du réel urbain, industriel et publicitaire ", influence celui de Niki de Saint Phalle.

Après avoir quitté son premier mari en 1960, l'artiste s'installe avec Jean Tinguely, avec qui elle partage un atelier parisien. Elle réalise l'année suivante ses premières séries de Tirs, qui scandalisent et lui apportent une reconnaissance internationale. Lors de cette peinture-performance, l'artiste vise avec une carabine des poches remplies de couleurs qui éclatent alors sur un panneau de plâtre, parfois agrémenté d'objets ou sculpté. Elle affirme alors tirer " sur la société et ses injustices ".

Engagée politiquement, féministe, Niki de Saint Phalle n'a de cesse d'intégrer des épisodes de sa propre vie au sein de ses œuvres. Expliquant avoir été élevée " pour le marché du mariage " et refusant de ressembler, un jour, à sa mère, elle commence à créer ses célèbres Nanas en papiers collés et résine dès 1964. Ces femmes monumentales sont " libérées du mariage et du masochisme ", explique la sculptrice. " Elles sont elles-mêmes, elles n'ont pas besoin de mecs, elles sont libres, elles sont joyeuses ".

En 1971, Niki de Saint Phalle épouse Jean Tinguely. Elle travaille sur des projets d'installations monumentales comme le Jardin des Tarots en Italie ou la Fontaine Stravinski à Paris. Elle réalise également des films, dont Daddy en 1972. Elle reste engagée tout au long de sa vie : lorsque le virus du SIDA se répand, elle crée d'immenses phallus colorés, comme une incitation à utiliser des préservatifs, elle dénonce également les violences faites aux Noirs aux États-Unis, ainsi que la domination patriarcale. À la mort de Jean Tinguely en 1991, elle se bat pour que son œuvre soit reconnue et participe à la réalisation du musée Tinguely de Bâle. Elle meurt en 2002 à San Diego (États-Unis), à l'âge de 71 ans.

À lire aussi : Niki de Saint Phalle à la galerie Vallois en 100 secondes chrono

Ses œuvres clés
Tir, 1961
Présenté pour la première fois au public lors de l'exposition " Feu à volonté " à la galerie J en 1961, le tableau Tir fait partie d'une longue série d'œuvres réalisées à la carabine. Niki de Saint Phalle, habituée à manipuler les armes et visant telle une tireuse d'élite, ouvre le feu sur un tableau enduit de plâtre et de divers objets, sur lesquels des poches remplies de couleurs sont disposées. Lorsqu'elles se retrouvent percées par les balles, les poches délivrent la couleur, qui dégouline alors sur le tableau tels des " drippings " de Jackson Pollock. Tirer est alors une façon pour l'artiste d'exorciser ses maux et ceux de la société, et de " tuer " symboliquement tout ce avec quoi elle était en désaccord.
My Heart belongs to Black Rosy, 1965
Révoltée par les violences faites aux Noirs, Niki de Saint Phalle a rapidement donné sa voix aux minorités raciales. L'œuvre My Heart belongs to Black Rosyest très probablement une référence à Rosa Parks, figure emblématique de la lutte contre la ségrégation raciale qui, en 1955, refusa de céder sa place à un Blanc dans un bus en Alabama. Faite de papiers collés et de résine, cette immense Nana aux larges épaules et aux vêtements bigarrés n'est pas la première à avoir la peau noire dans l'œuvre de la sculptrice, qui plaçait sur le même plan la situation des femmes et celle des populations noires américaines.
Daddy, 1972-1973
Les vidéos de Niki de Saint Phalle sont, encore aujourd'hui, peu connues du grand public. Elle crée le film expérimental Daddy en collaboration avec le réalisateur Peter Whitehead, connu pour avoir documenté la contre-culture à Londres et à New York dans les années 1960. Fondé sur sa propre relation à la figure paternelle, Daddy est une sorte de règlement de compte psychanalytique. L'artiste y exprime ses sentiments ambigus à l'égard de son père, entre violence et perversion sexuelle, haine et amour.
Jardin des Tarots, 1979-1993
Niki de Saint Phalle se consacre pendant près de 20 ans à la création du Jardin des Tarots, situé à Capalbio, en Italie. Aidée de Jean Tinguely, qui a construit les structures des différents monuments du jardin, l'artiste fonde son œuvre monumentale sur les 22 arcanes majeures du tarot. On y trouve la figure du Magicien, de la Grande Papesse ou du Pendu. L'ensemble des constructions, dont certaines sont habitables, sont recouvertes de mosaïques réalisées avec des fragments de miroirs ou de céramique. L'œuvre, inaugurée en 1998, n'est pas sans rappeler celle d'Antoni Gaudí, que Niki de Saint Phalle appréciait beaucoup.

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Connue essentiellement pour ses monumentales Nanas, Niki de Saint Phalle (1930-2002) a laissé derrière elle une œuvre protéiforme faite de tableaux-performances, de sculptures féministes ou encore de films psychanalytiques.

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Born in 1963, London
Lives and works in London

SOLO EXHIBITIONS

2017
The Memory of your Touch, Xavier Hufkens, Brussels
The Line - One Artist Per Time, Dio Horia, Mikonos

2016
New Monotypes, Carolina Nitsch Contemporary Art, New York

2015
Nudes.Blue, Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg

2014
New editions., Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg
The Last Great Adventure is You, White Cube, London, UK

2013
Angel without You | Knight Exhibition Series, ICA Miami

2011
Love is What You Want, Hayward Gallery, London
Do Not Abandon Me, Hauser & Wirth, London (with Louise Bourgeois)

2010
Praying To A Different God, Amanda Love Art, Sydney
Walking With Tears, Royal Academy of Art, London
Why Be Afraid?, Galleria Lorcan O'Neil, Rome

2009
Only God Knows I'm Good, Lehmann Maupin, New York
Tracey Emin: Those Who Suffer Love , White Cube, London
Tracey Emin 20 Years, Kunstmuseum Bern, Bern

2008
Tracey Emin 20 Years, Centro de Arte Contemporáneo, Málaga
Liverpool Cathedral Commission, Liverpool
Tracey Emin: 20 Years, Scottish National Gallery of Modern Art, Edinburgh

2007
Tracey Emin: You Left Me Breathing, Gagosian Gallery, Beverly Hills, CA.
Tracey Emin: Borrowed Light, British Pavillion, 52nd International Biennale di Venezia

2006
More Flow, Galleria Lorcan O'Neill, Rome

2005
I Can Feel Your Smile, Lehmann Maupin, New York
When I Think About Sex..., White Cube, London
Death Mask, National Portrait Gallery, London

2004
Tracey Istanbulda, Platform Garanti Contemporary Art Center, Istanbul
Tracey Emin, BP British Art Displays, Tate Britain, London
I'll Wait For You In Heaven, Galleria Lorcan O'Neill, Rome
Can't See Past My Own Eyes, Sketch, London
Fear, War And The Scream, Roslyn Oxley, Sydney and City Gallery, Wellington

2003
Menphis, Counter Gallery, London
Tracey Emin, Art Gallery of New South Wales, Sydney

2002
This is Another Place, Modern Art Oxford, Oxford
Ten Years. Tracey Emin, Stedelijk Museum, Amsterdam
I Think it's in my head, Lehmann Maupin, New York
Tracey Emin Showreel, The Genesis Cinema, London
Tracey Emin, Haus der Kunst, Munich

2001
Tracey Emin You forgot to kiss my soul, White Cube, London

2000
Love is a Strange Thing, Fig.1, London
What Do You Know About Love, Carlier/Gebauer, Berlin

1999
Tracey Emin Every Part of Me's Bleeding, Lehmann Maupin, New York

1998
Sobasex (My Cunt is Wet with Fear), Sagacho Exhibition Space, Tokyo
Cunt Vernacular, Carlier Gebauer, Berlin
I Need Art Like I Need God, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen
Tracey Emin, Galerie Philippe Rizzo, Paris

1997
Solo Exhibition, Moo Gallery, Helsinki
I Need Art Like I Need God, South London Gallery, London
Istanbul Biennial, Pera Palace Hotel, Turkey

1996
It's not me that's crying, it's my soul, Galerie Mot & Van den Boogaard, Brussels
Exorcism of the Last Painting I Ever Made, Galleri Andreas Brändström, Stockholm
Solo Exhibition, Habitat, London

1995
Tracey Emin Museum, 221 Waterloo Road, London SE1 (closed 1998)

1994
Art Cologne, Sponsored Artist, Jay Jopling/White Cube, Cologne
Exploration of the Soul - Journey Across America, Readings at the following locations: Rena Bransten, San Francisco; Regen Projects, Los Angeles; Museum of Contemporary Art, San Diego; David Klein Gallery, Detroit; Mattress Factory, Pittsburgh; Sandra Gering Gallery, New York and White Columns, New York

1993
My Major Retrospective, Jay Jopling/White Cube, London
From Army to Armani, Analix Gallery, Geneva (with Sarah Lucas)
The Shop, 103 Bethnal Green Road, London (with Sarah Lucas)

GROUP EXHIBITIONS

2019
MOMART Christmas Cards, Alpha 137 Gallery
Valentine for Mr./Ms. Wonderful: Unforgettable Fine Art Gifts, Alpha 137 Gallery
Collectible Artist Books: "I have always thought of Paradise as a kind of library" - Jorge Luis Borges, Alpha 137 Gallery
The Female Emperor, Alpha 137 Gallery
Works for $2,500 & under, Alpha 137 Gallery, New York
Artists Skates, Plates & Design Objects, Alpha 137 Gallery
Small Sculptures Big Artists, Alpha 137 Gallery

2018
Christmas Exhibition and Carols, Tanya Baxter Contemporary, London
Staff Favorites II, Alpha 137 Gallery, New York
Staff Favorites I, Alpha 137 Gallery, New York
Autumn Contemporary - Gstaad, Switzerland, Maddox Gallery, Gstaad
Contemporary Magic : A Tarot Deck Art Project, ART CAPSUL, New York
Remembering Tomorrow: Artworks and Archives, White Cube, Hong Kong
Rare, Collectible and Historic Modern & Contemporary Art Posters, Alpha 137 Gallery
Summer Contemporary - Westbourne Grove, Maddox Gallery, London
A Time Capsule, Parkett, Zurich
Made in Britain (Figurative), Fairhead Fine Art Limited
Pop Art, MLTPL
Hang-Up Collections Spring Edition 2018, Hang-Up Gallery, London
The Art of Money, Alpha 137 Gallery
Gifts of Love for Lovers of Art, Alpha 137 Gallery
Dedicated by the Artist, Alpha 137 Gallery
BRIT ART, Rhodes, London
Winter Exhibition: Post-War Meets Today, Robert Fontaine Gallery

2017
IN FACT, Elgiz Museum, Istanbul
Christmas Exhibition, Tanya Baxter Contemporary, London
Reasons to be cheerful!, Robert Eagle Fine Art, London
Recent Acquisitions, Faurschou Foundation, Nordhavn
WORD UP, EHC Fine Art
Rare Art Historical Ephemera from our private collection, Alpha 137 Gallery
Proof of Life, Neues Museum Weserburg Bremen, Bremen, Germany

2016
Festive Christmas Exhibition, Tanya Baxter Contemporary, Hong Kong
Christmas Exhibition, Tanya Baxter Contemporary, London
britARTnia, Opera Gallery, London
Frieze Collector's Preview, Tanya Baxter Contemporary, London
ICON, Candida Stevens Gallery, Chichester, West Sussex
Inaugural Exhibition | TRUST ME IF YOU CAN'T, SABSAY, Copenhagen
GLASSFEVER - Contemporary Art in Glass, Fondazione Berengo, Dordrecht
Post Revolution Meets Post-War Contemporary, Tanya Baxter Contemporary, Hong Kong

2015
Summer Exhibition 2015, Royal Academy of Arts, London
Summer-Accrochage 2015, Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg
Accrochage - Spring Group Show 2015, Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg

2014
Readykeulous by Ridykeulous: This is What Liberation Feels Like™, ICA Philadelphia, Philadelphia

2013
The Art of Chess, NextLevel Galerie, Paris

2012
Together we connect, Anima Gallery, Doh

2011
Saatchi Gallery In Adelade: British Art Now, Art Gallery Of South Australia, Australia
Crossing Centuries, ASC Gallery, London
Text/Video/Female: Art After 60's, PKM Gallery, Seoul
Watercolour, Tate Britain, London
The Shape We're In (Camden), 176 Zabludowicz, London
Moving Portraits, De La Warr Pavillon, Bexhill-on-Sea

2010
The Body in Women's Art Now, New Hall Art Collection, Cambridge
Contemporary Magic: A Tarot Deck Art Project, The National Arts Club, New York
Make Room, New Art Gallery, Walsall
No New Thing Under the Sun, Royal Academy of Arts, London
Move: Choreographing You, Hayward Gallery, London
House of the Noble Man, Zabludowicz Collection, London
Just Love Me, MUDAM, Luxembourg
Do Not Abandon Me, Carolina Nitsch Project Space, New York
Cream, KIASMA, Helsinki
The Body in Women's Art Now, Rollo Contemporary Art, London
Kupferstichkabinett: Between Thought and Action, White Cube, London
The Tell-Tale Heart (Part 2), James Cohan Gallery, New York
Emporte-moi/Sweep me off my feet , Musée d'Art Contemporain du Val de Marne, Vitry en Seine
Naked, Jensen Art Gallery, Auckland
I Love You, Aarhus Kunstmuseum, Aarhus
Peeping Tom, Vegas Gallery, London
Desire, Blanton Museum of Art, Texas
Mat Collishaw, Tracey Emin & Paula Rego: At the Foundling, Foundling Museum, London, Foundling Museum, London
Sur le Dandysme Aujourd'hui, Centro Galego de Arte Contemporanea, Santiago de Compostela

2009
Earth: Art of A Changing World GSK Contemporary, Royal Academy of Art, London
Performa 09 Biennial, New York
In Stitches, Lelia Taghinia-Milani Heller Gallery, New York
Cocker Spaniel and Other Tools for International Understanding, Kunsthalle zu Kiel, Kiel
Coeur de Femme, Galerie Sophie Scheidecker, Paris
A Room of Her Own, McClain Gallery, Texas
Pop Life, Tate Modern, London
Emporte-moi/Sweep me off my feet , Musée National des Beaux-Arts de Québec, Québec
Collecting Lines: Selected Works from the Geoff & Vicki Ainsworth Collection , Maitland Regional Art Gallery, New South Wales
Once Upon a Time...Artists and Storytelling, Courtauld Institute of Art, Somerset House, London
Eat Me, Drink Me , Goss-Michael Foundation Collection, Dallas.
Making of Art, Schirn Kunsthalle, Frankfurt
The Kaleidoscopic Eye. Thyssen-Bornemisza Art Contemporary Collection, Mori Art Museum, Tokyo
Inspired , Mitchell Library, Glasgow
Silent Writings, Louis Vuitton Espace, Paris
'With You I Want to Live: An Exhibition of Paintings, Sculpture, and Photographs from the Collections of Gordon Locksley & George T. Shea and Francie Bishop Good & David Horvitz', Museum of Art, Fort Lauderdale, Florida
Being British, Stephen Lawrence Gallery, London
HARD/Soft, National Arts Club, New York, NY
Talk Dirty to Me, Larissa Goldston Gallery, NY
JEFFMUTE, Musee d'Art Moderne et Contemporain / MAMCO, Geneva
Tracey Emin, Guy Limone, DeAnna Maganias, Jorge Pardo, Angelo Plessas, Rebecca Camhi Gallery, Athens
Swingtime: Freestyle, Charlotte Fogh Contemporary, Aarhus

2008
Creative Cities, (piece from Fourth Plinth), Kunstmuseet Køge Skitsesamling, Denmark
ShContemporary 2008 The Asia Pacific Art Fair, Shanghai
Folkestone Triennial: Tales of Time and Space, Folkestone, Kent.
Summer Exhibition 2008, (Curator) Royal Academy of Arts, London
You Dig The Tunnel, I'll Hide The Soil, White Cube Hoxton Square and Shoreditch Town Hall, London.
Love, Touring show: National Gallery, London; Laing Art Gallery, Newcastle and Bristol's Museums, Galleries & Archives
Five Portraits, De Hallen, Haarlem, Netherlands
Drawn from the Collection: 400 Years of British Drawing, Tate Britain, London
Coriander Plus (curated by Sir Peter Blake), Intercontinental Park Lane, London
Fourth Plinth, National Gallery, London

2007
True Romance, Kunsthalle Wien, Vienna
Summer Exhibition 2007, Royal Academy of Arts, London
The Naked Portrait, Scottish National Gallery, Edinburgh
Lights, Camera Action: Artists' Films for the Cinema, Whitney Museum of American Art, Whitney
Mima Collection: Selected Works, Middlesbrough Institute of Modern Art, Middlesbrough

2006
Aftershock: Contemporary British Art 1990-2006, Guangdong Museum of Art, Guangzhou; Capital Museum, Beijing
Touch My Shadows, Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw
In the darkest hour there may be light: Works from Damien Hirst's murderme collection, Serpentine Gallery, London
I'm Sorry, Pilar Parra & Romero Galeria de Arte, Madrid
Hot/Cold - Summer Loving, Zacheta National Gallery of Art, Warsaw
Motion on Paper, Ben Brown Fine Arts, London
Summer Exhibition 2006, Royal Academy, London
The Other Side #2 - Radical Pursuits: Delights in the subversive and sublime, Tony Shalfrezi Gallery, New York
Youth of Today, Schirn Kunsthalle, Frankfurt
The Devil of the Fireplace, Claudia Gian-Ferrari, La Triennale di Milano
Drawing Inspiration, Abbot Hall Art Gallery, Kendal
For All Audiences, Sala Rekalde, Bilbao
You'll Never Know. Drawing and Random Interference, Harris Museum and Art Gallery, Preston; Glynn Vivian Gallery, Swansea; The Lowry, Salford; New Art Gallery, Walsall; Tullie Mouse Museum and Art Gallery, Carlisle
LOVE!, Ferragamo Gallery, New York

2005
Women's Film Festival, ICA, London
IMAGINE A WORLD..., Bargehouse, London
Looking at Words. The Formal Presence of Text in Modern and Contemporary Works on Paper, Andrea Rosen Gallery, New York
Sketch in Motion: A Group Exhibition of Artists' Animation, Sketch, London
The Wonderful Fund On Tour, Le Musée de Marrakech, Marrakech
Video II: Allegory, NRW-Furum Kultur und Wirtschaft, Dusseldorf
Super!: First Triennial for Contemporary Art, Fashion and Design, Z33, Hasselt
Realit;)t. 30 Videoarbeiten aus der Sammlung Goetz in München. Von Olaf Breuning bis Sam Taylor-Wood, Seedamm Kulturzentrum, Pfaffikon
Summer Exhibition 2005, Royal Academy of Arts, London
Body: New Art from the UK, Vancouver Art Gallery, Vancouver
Kiss the Frog! The Art of Transformation, National Museum of Art, Oslo
Identity and Nomadism, Palazzo delle Papesse, Siena
25. Twenty-five Years of the Deutsche Bank Collection, Deutsche Guggenheim, Berlin
Revelation. Reflecting British Art in the Arts Council Collection, Laing Art Gallery, Newcastle and The Lowry, Manchester
Death Mask by Tracey Emin, National Portrait Gallery, London
God Is Bored Of Us II, FMCG, London
Enchante Chãteau, MAMCO, Geneva
Munch Revisited, Henie Onstad Kunstcenter, Oslo
On Love, Museum Het Domein, Sittard
'Bock mit Inhalt' - Summer Exhibition, Stedelijk Museum, Amsterdam
London Calling. Y[oung] B[ritish] A[rtists] Criss-Crossed, Galleri Kaare Berntsen, Oslo
Vivisección, Dibujo Contemporáneo, Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City
Mé-tissages, MIAT, Museum voor Industriële Archeologie en Textiel, Ghent
Top Spot, Berlin Film Festival, Berlin
Critic's Choice, FACT, Liverpool

2004
The Christmas Exhibition 2004, Edinburgh Printmakers, Edinburgh
Fonetography, AOP Gallery, London
1st International Biennial of Contemporary Art of Sevilla, Monastry of the Cartuja of Sanat Maria de las Cuevas, Seville
Printers Inc.: Recent British Prints, Manchester Art Gallery, Manchester; Brewhouse Theatre; Arts Centre, Taunton and Park Gallery, Falkirk
Seven Sins, Museo d'Arte Moderna e Contemporanea, Bolzano
Einleuchten, Museum der Moderne, Salzburg
Summer Exhibition, Royal Academy of Arts, London
The Other Flower Show, Victoria & Albert Museum, London
Stranger Than Fiction, Leeds Art Gallery, Leeds; Tulie House, Carlisle; Ferens Art Gallery, Hull; Nottingham Castle, Nottingham; Brighton Museum and Art Gallery, Brighton
La Collection d'Art Contemporain d'Agnes B, Les Abattoirs, Toulouse
Tracey Emin and David Hockney Drawings, Museo de Bellas Artes, Santiago
Tracey Emin, Gillian Wearing and Dick Matena, Frans Hals Museum, Haarlem
See It...Read It, Draíocht, Dublin
Secrets of the '90s, Museum voor Moderne Kunst Arnhem, Arnhem
Social Strategies. Redefining Social Realism, Schick Art Gallery, Skidmore College, New York

2003
Social Strategies. Redefining Social Realism, The Richard E. Peeler Art Center, DePauw University, Greencastle (Indiana); University Art Museum, University of California, Santa Barbara; University Galleries, Illinois State University,Normal (Illinois); Schick Art Gallery, Skidmore College, New York, The Newcomb Art Gallery, Tulane University, New Orleans and University Art Museum, Santa Barbara
Tracey Emin, Luigi Ontani, Kiki Smith, Cerith Wyn Evans,Galleria Lorcan O'Neill, Rome
Flexible 4: Identities, Whitworth Art Gallery, Manchester; Nederlands Textielmuseum, Tilburg, Kunsthalle Brandts Klaedefabrik, Odense and Landesgalerie Linz am Oberösterreichischen Landesmusem, Linz
Happiness: A Survival Guide for Art and Life, Mori Art Museum, Tokyo
Fast Forward - Media Art, ZKM, Karlsruhe
FRESH: Contemporary British Artists in Print, Edinburgh Printmakers, Edinburgh
Just Love Me; Post-Feministic Art of the 1990s, Bergen Art Museum, Bergen
A Bigger Splash: British Art from Tate 1960-2003, OCA & ITO, São Paulo
Game Over, Grimm Rosenfeld, Munich
Independence, South London Gallery, London
The Happy Couple, Cartwright Hall Art Gallery, Bradford
Il racconto del filo, Museo di Arte Moderna, Trento
Europe Exists, Macedonian Museum of Contemporary Art, Thessaloniki
Let's See the Nature in You, Pepperton Gallery, London
Tactics of the Ego, Stiftung Wilhelm Lehmbruck Museum, Duisburg
Micro/Macro, The Budapest Kunsthalle, Budapest
Words from the Arts Council Collection, The Harris Museum and Art Gallery, Preston
The Map Is Not The Territory III, James Hockey Gallery, Farnham and The Surrey Institute of Art & Design, Franham
En Route, De Hallen, Haarlem

2002
Face Off, Kettle's Yard, Cambridge
Rapture: Art's Seduction by Fashion Since 1970, Barbican Art Gallery, London
The Ink Jetty, Neon Gallery, London
Shine, St Pancras Chambers, London
The Glory of God: New Religious Art, St. Peter's Church, Liverpool
Disturb, 1st Public School of Hydra, Hydra
Die Wohltat der Kunst: PostFeministische Positionen der neunziger Jahre aus der Sammlung
Goetz, Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden
Fusion Cuisine, Deste Foundation, Centre for Contemporary Art, Athens
Public Affairs. Von Beuys bis Zittel: Das Offentliche in der Kunst, Kunsthaus, Zurich
New Religious Art 1992-2002, Henry Peacock Gallery, London
Landscape, Saatchi Gallery, London
The Rowan Collection. Contemporary British & Irish Art, Irish Museum of Modern Art, Dublin

2001
Trans Sexual Express, Centro de Arte de Santa Monica, Barcelona; Palacio Municipal de Exposiciones, Corunna and Mucsarnok, Budapest
For the Love of Dog, Pump House Gallery, London
Printers Inc., The Gallery, Stratford-upon-Avon
Read-Only Memory, Mead Gallery, Warwick Arts Centre, University of Warwick, Coventry
Televisions, Kunsthalle Wien, Vienna
Video Project Space, Anthony Wilkinson Gallery, London
In Formation, Percy Miller Gallery, London
For the love of dog, Pump House Gallery, London
At Sea, Tate Liverpool, Liverpool
Tattoo Show, Modern Art Inc., London
Summer Exhibition, Royal Academy of Arts, London
Freestyle. Werke Aus der Sammlung Boros, Museum Morsbroich, Leverkusen
Century City, Tate Modern, London
Insider Trading: Profit Without Honour, Mandeville Hotel, London
London Nomad, Beit Zeinab Khatoun, a seminar on Contemporary Curatorial Practice at the American University Cairo Biennale, Cairo

2000
Peter Blake: About Collage, Tate Gallery, London
Nurture and Desire, Hayward Gallery, London
Sex and the British: Slap & Tickle - A perspective on the sexual content of British Art since the 1960s, Gallerie Thaddaeus Ropac, Salzburg and Gallerie Thaddaeus Ropac, Paris
Gut Aufgelegt, Kunsthaus, Hamburg
Drawings, Sommer Contemporary Art, Tel Aviv
Drawings, Taché-Lévy Gallery, Brussels
Potent Present. Selections from the Vicki and Kent Logan Collection, Logan Galleries, California College of Arts and Crafts, San Francisco
ManMoMa. A Thick Bloke Kicking a Dog to Death, The International 3 Summer Fête, Fairfield, Manchester
From Face to Face. Mimics - Gestures - Emotions, Städtisches Museum Leverkusen Schloß Morsbroich, Leverkusen
Out There, White Cube, London
Art in Sacred Spaces, St. Mary's Church
The British Art Show 5, The Scottish National gallery of Modern Art, Edinburgh (National Touring Exhibitions)
Diary, Cornerhouse, Manchester, (Toured to Firstsite, Colchester)

1999
Hundstage, Gesellschaft für Aktuelle Kunst, Bremen
Imagen em Movimento. Moving Image, Chiva [S]ynergies Art, São Paulo
Art Lovers, The Liverpool Biennial of Contemporary Art, Compton House, Liverpool
Turner Prize, Tate Gallery, London
Now It's My Turn to Scream. Works by Contemporary British Artists from the Logan Collection, Haines Gallery, San Francisco
Self Evident, Vaknin Schwartz, Atlanta
Temple of Diana, The Blue Gallery, London
Sweetie, The British School at Rome, Rome
Video Festival, Riccione TTV, Riccione

1998
Printers Inc.: Recent British Prints, Hayward Gallery, London; Edinburgh College of Art, Edinburgh; Rhyl Library, Museum and Art Centre, Rhyl; The Gallery, Stratford-Upon-Avon; Bury Art Gallery & Museum, Bury; Manchester Art Gallery, Manchester; Brewhouse Theatre, Arts Centre, Taunton and Park Gallery, Falkirk
10 SupaStore Supastars, SupaStore at Tomato, London
Made in London. An exhibition of works by London based artists made in the 1990s, Museu da Electricidade, Lisboa
Pandaemonium, London Electronic Arts Gallery, London
UK Maximum Diversity, Galerie Krinzinger, Benger Fabrik Bregenz, Bregenz
The Colony Room 50th Anniversary Art Exhibition, A22 Projects, London
Hidden Desires And Images, Art Dynamics, Tayayo Lida, Tokyo
Emotion. Young British and American Art from the Goetz Collection, Deichtorhallen, Hamburg
Personal Effects, Spacex Gallery, Exeter and Angel Row Gallery, Nottingham
Loose Threads, Serpentine Gallery, London
Life is a Bitch, De Appel, Amsterdam
La Biennale de Montreal: Dream Catchers, Centre International D'Art Contemporain de Montreal, Montreal
Sam Taylor-Wood, Tracey Emin, Gillian Wearing, Marc Quinn, Galerija Dante Marino Cettina, Umag
Live and Let Die Apex Art C.P., New York
Beach Life, Upper Street, London (one day event)
Real Life, Galleria S.A.L.E.S., Rome
The Human Factor, Achenbach Kunsthandel, Düsseldorf
English Rose in Japan, Ginza Art Space Shiseido, Tokyo
Art from the UK: Angela Bulloch, Willie Doherty, Tracey Emin, Sarah Lucas, Sam Taylor-Wood, Sammlung Goetz, Munich

1997
Ca-Ca Poo-Poo, Kölnischer Kunstverein, Cologne
History. Image-based work in Britain in the late 20th Century, The Ferens Art Gallery, Kingston Upon Hull (and UK tour)
Craft, Richard Salmon, London
Real Art for Real Women, ICA, London
Absolute Secret, Royal College of Art, London
Private Face. Urban Space, Old Gasworks, Athens and Rethymnon Centre for Contemporary Art, Rethymnon
Kunst..Arbeit, 1st Presentation of the Bnks Collection, Südwest LB, Stuttgart
Tales from the City, Stills Gallery, Edinburgh
Sensation, Royal Academy of Arts, London and Hamburger Bahnhof, Berlin, 1998-99 between the devil and the deep (blue) sea, MUU Gallery, Helsinki
Package Holiday, Hydra Workshops, Hydra
Time Out, Kunsthalle Nürnberg, Nuremberg
Summer Love, Fotouhi Cramer Gallery, New York
Urban Legends, Staatliche Kunsthalle, Baden-Baden
Dissolution, Laurent Delaye Gallery, London
Such is Life, (Video programme), Serpentine Gallery Bookshop, London and Palais des Beaux Arts, Brussels
Hypermnesiac Fabulations, The Power Plant, Toronto
Slight, Norwich Gallery, Norwich and Collective Gallery, Edinburgh

1996
Full House, Kunstmuseum Wolfsburg, Wolfsburg
Sad, Gasworks, London
Life/Live, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, Paris and Centro de Exposições do Centro Cultural de Belém, Lisbon
The Aggression of Beauty, Galerie Arndt & Partner, Berlin
Yerself is Steam, 85 Charlotte St., London
A Grapefruit in the World Park, Transmission Gallery, Glasgow
Other Men's Flowers, Aurel Scheibler, Cologne and The British School at Rome, Rome
Faustrecht der Freiheit (Volkmann Collection), Kunstsammlung Gera, Berlin and Neues Museum Weserburg, Bremen
Co-operators, Southampton City Art Gallery, Southampton
Loosy, Galerie Philippe Rizzo, Paris

1995
Brilliant: New Art from London, Walker Art Centre, Minneapolis and Contemporary Arts Museum, Houston
Brill: Works on Paper by Brilliant Artists, Montgomery Glasgow Fine Art, Minneapolis
Mysterium Alltag, Kampnagel, Hamburg
Minky Manky, South London Gallery, London and Arnolfini, Bristol
Art for Aids, Gallerie Nicoli Walner, Copenhagen
I Confess, Nikolaj Contemporary Art Centre, Copenhagen
Whistling Women, Chelsea Room, Royal Festival Hall, London
The Friendly Village, Milwaukee Institute of Art and Design, Milwaukee
Other Men's Flowers, IceBox, Athens

1994
Gramercy Park Hotel, Art Fair, New York
Karaoke & Football, Portikus, Frankfurt
Other Men's Flowers, Joshua Compston/London Portfolio 33 Coronet Street, London

1993
Hotel Carlton Palace Chambre 763, Hotel Carlton Palace, Paris

1992
The Phone Box, Various venues, London and Liverpool

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Born in 1963, London Lives and works in London 2017 The Memory of your Touch, Xavier Hufkens, Brussels The Line - One Artist Per Time, Dio Horia, Mikonos 2016 New Monotypes, Carolina Nitsch Contemporary Art, New York 2015 Nudes.Blue, Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg 2014 New editions., Galerie Fluegel-Roncak, Nuremberg The Last

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Ce film court (15 minutes) présentant les rencontres internationales de jeunes à Taizé peut être un bon outil pour préparer un groupe de jeunes à venir à Taizé.

Des DVDs en English, Deutsch, Français, Italiano, Castellano, Svenska, Nederlands, Polski, Hrvatski, Lietuviškai, sont disponibles. Voir Livres, CD et DVD pour avoir des informations.

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Ce film court (15 minutes) présentant les rencontres internationales de jeunes à Taizé peut être un bon outil pour préparer un groupe de jeunes à venir à Taizé. Des DVDs en English, Deutsch, Français, Italiano, Castellano, Svenska, Nederlands, Polski, Hrvatski, Lietuviškai, sont disponibles. Voir Livres, CD et DVD pour avoir des informations.

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Serendib, Serendip, Arabic Sarandīb, name for the island of Sri Lanka (Ceylon), Persian fairy tale, “The Three Princes of Serendip,” Horace Walpole created SERENDIPITY

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Serendib, Serendip, Arabic Sarandīb, name for the island of Sri Lanka (Ceylon), Persian fairy tale, “The Three Princes of Serendip,” Horace Walpole created SERENDIPITY

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Serendib, also spelled Serendip, Arabic Sarandīb, name for the island of Sri Lanka (Ceylon). The name, Arabic in origin, was recorded in use at least as early as ad 361 and for a time gained considerable currency in the West. It is best known to speakers of English through the word serendipity, invented in the 18th century by the English man of letters Horace Walpole on the inspiration of a Persian fairy tale, "The Three Princes of Serendip," whose heroes often made discoveries by chance.

The name Serendib is a corruption of the Sanskrit compound Siṃhaladvīpa ("Dwelling-Place-of-Lions Island"). The Arabs are thought to have borrowed the name from Indians with whom they traded.

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Serendib, name for the island of Sri Lanka (Ceylon). The name, Arabic in origin, was recorded in use at least as early as ad 361 and for a time gained considerable currency in the West.

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It came to pass that three princes from Ceylon were journeying in a strange land, and they came upon a man seeking a lost camel. The princes had never seen the animal. But they asked the owner: was this camel blind in one eye? Was it missing a tooth? Was it lame? Astoundingly, yes, all this was true. The princes also surmised that the missing camel was laden with butter on one side and honey on the other, that it was being ridden by a woman and that, moreover, the woman was pregnant.

Possessing such astonishingly precise knowledge, the princes were accused of having stolen the creature, but they pointed out that they had merely observed the road, noticing the uneven eating of the grass on either side, the places where chewed food seemed to emerge from a gap in the animal's mouth, the uneven patterns of footprints, the signs of awkward mounting and dismounting, the differing accumulations of ants and flies.

From this folk tale, as this remarkable book demonstrates, a mighty concept has grown. For Ceylon's ancient name was Serendip, and the tale itself -- ''The Three Princes of Serendip'' -- made its way on a wave of Orientalist fashion into the hands of the British man of letters Horace Walpole. In 1754 Walpole, after reading this ''silly fairy tale,'' as he called it , wrote to a friend that it had caused him to invent a ''very expressive word'': serendipity.

Walpole used the word to refer to the way the princes accidentally made discoveries of things they had not been seeking. But what did this invented word refer to? The tale celebrates the Sherlockian cleverness of the princes, but Walpole focused on something incidental, almost irrelevant: for him serendipity referred to the way the princes accidentally made discoveries of things they had not been seeking; serendipity was, he wrote, ''accidental sagacity.''

And so serendipity began its life -- a saga of misunderstandings, neglect, resurrection, distortion, celebration and controversy, all of which is chronicled with heroic enterprise and humble wit in ''The Travels and Adventures of Serendipity.'' The book's academic subtitle, ''A Study in Sociological Semantics and the Sociology of Science,'' warns that this is no casual romp. In fact its primary author, Robert K. Merton, who died last year, was a central figure in American sociology. His classic 1965 book, ''On the Shoulders of Giants,'' traced the history of Newton's famous phrase just as this one traces the fate of serendipity. Elinor Barber, who died in 1999, was a historian and research associate at Columbia University.

This book has also had a history as haphazard as serendipity's. Merton claimed that his very enterprise was an example of serendipity: he stumbled on the word while browsing in the Oxford English Dictionary. He introduced it into social science through his examination of the ''unintended consequences'' of social planning. But this book was completed in 1958, put aside ''for a while,'' according to Merton, and never published.

It finally appeared in Italian in 2002. And now it has returned to its original form. In an afterword written just before his death, Merton calls it a ''time capsule.''

As time capsules go, though, its currency is considerable. The history remains intact, and the intellectual trajectory outlined by Merton has, if anything, continued with even greater force.

For 79 years after its coinage the word lay dormant. Then in the early 19th century serendipity shared Walpole's reputation. Hazlitt wrote of Walpole, ''The smaller the object and the less its importance, the higher did his estimation and his praise of it ascend.'' Serendipity, with its suggestion of inadvertence, was simply another Walpolean oddity.

But by the end of the 19th century it found a home in what Merton calls ''the often rather precious atmosphere of pedantry and literary erudition.'' What better word could define the collector's triumphs, in which accidentally found objects are discovered to have extraordinary value?

Then during the 20th century serendipity came into its own in discussions about science. Accidental discovery came to be seen not as incidental to science but as essential. Roentgen accidentally discovered X-rays by seeing their effects on photographic plates. Alexander Fleming accidentally discovered penicillin by noticing the effects of a mold on bacterial cultures.

By the 1950's research labs and pharmaceutical companies were exploring how to leave room for serendipitous discovery. Merton suggests that the concept became knit into controversies about how science advances, about how it should be organized and even about its social status. James L. Shulman, in a new introduction, argues that this book actually anticipated the kinds of debates that later raged, about whether science is a systematic quest for truth or a socially constructed practice driven by fashion and finance.

Now serendipity reigns triumphant, at least in the popular imagination. Mr. Shulman points out that the word is now found in the names of ''cruise lines, software companies, scholarships, bookstores, marketing firms, a ranch in Australia and a nudist camp outside of Atlanta, Ga.'' Merton, in his afterword, notes that in a recent London poll asking for favorite words in English, serendipity came in first (Jesus and money tied for 10th place). Merton points out that dictionaries have begun to treat serendipity as a ''personal disposition of the discoverer,'' as a gift, a talent. Serendipity becomes a talent for bigging lucky -- the psychological trump card of a democratic public suspicious of higher, more elite claims.

This is probably not what Merton was expecting when he began. But the notion may be put back on track by returning to its origins. The princes make their deductions by noticing anomalies, things that require explanation: the oddly eaten grass or awkward tracks in the dirt. Accident spurs insight. But in exploring strange terrain, aren't all sensations accidents awaiting examination? This is how knowledge itself is gained. So perhaps serendipity is not the exception, but the process itself. With understanding, over time, the accidental -- like the word serendipity itself -- is transformed into the essential. Luck has nothing to do with it.

THE TRAVELS AND ADVENTURES OF SERENDIPITY

A Study in Sociological Semantics and the Sociology of Science

By Robert K. Merton and Elinor Barber

Princeton University Press. 313 pp. $29.95

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SHELF LIFE; Serendipitous History Of the Gift of a Word (Published 2004)

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It came to pass that three princes from Ceylon were journeying in a strange land, and they came upon a man seeking a lost camel. The princes had never seen the animal. But they asked the owner: was this camel blind in one eye? Was it missing a tooth?

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First Words

Credit... Illustration by Javier Jaén

Most newly stylish coinages carry with them some evidence of grammatical trauma. Consider "affluencer," "selfie," "impactful." Notes of cynicism and cutesiness come through. But every now and then a bright exception to this dispiriting routine appears. A rookie word makes its big-league debut, a stadium of pedants prepares to peg it with tomatoes and - nothing. A halfhearted heckle. The new word looks only passably pathetic. Maddeningly, it has heft.

"Mindfulness" may be that hefty word now, one that can't readily be dismissed as trivia or propaganda. Yes, it's current among jaw-grinding Fortune 500 executives who take sleeping pills and have "leadership coaches," as well as with the moneyed earnest, who shop at Whole Foods, where Mindful magazine is on the newsstand alongside glossies about woodworking and the environment. It looks like nothing more than the noun form of "mindful" - the proper attitude toward the London subway's gaps - but "mindfulness" has more exotic origins. In the late 19th century, the heyday of both the British Empire and Victorian Orientalism, a British magistrate in Galle, Ceylon (now Sri Lanka), with the formidable name of Thomas William Rhys Davids, found himself charged with adjudicating Buddhist ecclesiastical disputes. He set out to learn Pali, a Middle Indo-Aryan tongue and the liturgical language of Theravada, an early branch of Buddhism. In 1881, he thus pulled out "mindfulness" - a synonym for "attention" from 1530 - as an approximate translation of the Buddhist concept of sati.

The translation was indeed rough. Sati, which Buddhists consider the first of seven factors of enlightenment, means, more nearly, "memory of the present," which didn't track in tense-preoccupied English. "Mindfulness" stuck - but may have saddled the subtle sati with false-note connotations of Victorian caution, or even obedience. ("Mind your manners!")

"Mindfulness" finally became an American brand, however, a hundred years later, when the be-here-now, Eastern-inflected explorations of the '60s came to dovetail with self-improvement regimes. In the 1970s, Jon Kabat-Zinn, a molecular biologist in New England and a longtime meditator in the Zen Buddhist tradition, saw in Rhys Davids's word a chance to scrub meditation of its religious origins. Kabat-Zinn believed that many of the secular people who could most benefit from meditation were being turned off by the whiffs of reincarnation and other religious esoterica that clung to it. So he devised a new and pleasing definition of "mindfulness," one that now makes no mention of enlightenment: "The awareness that arises through paying attention on purpose in the present moment, and non-judgmentally."

Under cover of this innocuous word, Buddhist meditation nosed its way into a secular audience bent on personal growth and even success strategies. The idea that people might overcome psychological and physiological shortcomings with self-induced comforting thoughts had already taken hold by other names: positive thinking, the recovery movement, self-help. In her scathing 1992 critique of this idea, "I'm Dysfunctional, You're Dysfunctional," Wendy Kaminer might have been describing the dissemination of mindfulness as a kind of shorthand for betterment when she talked about how to write a self-help book: "Package platitudes about positive thinking, prayer or affirmation therapy as surefire, scientific techniques."

In the years that followed, Kabat-Zinn published a series of books on mindfulness that indeed played like erudite self-help, notably, in 1994, "Wherever You Go, There You Are: Mindfulness Meditation in Everyday Life." Current books by Kabat-Zinn and scores of others now drop the word "meditation" altogether and propose mindfulness as the pharmakon for a heterogeneous deck of modern infirmities. Recent volumes in the same genre include "Mindful Work," "The Mindful Way Through Depression," "Mindful Birthing," "Mindful Movements," "The Mindful Child," "The Mindful Teen," two books called "Mindful Eating," and "The Mindful Way Through Stress." In these books, mindfulness has come to comprise a dizzying range of meanings for popular audiences. It's an intimately attentive frame of mind. It's a relaxed-alert frame of mind. It's equanimity. It's a form of the rigorous Buddhist meditation called vipassana ("insight"), or a form of another kind of Buddhist meditation known as anapanasmrti ("awareness of the breath"). It's M.B.S.R. therapy (mindfulness-based stress reduction). It's just kind of stopping to smell the roses. And last, it's a lifestyle trend, a social movement and - as a Time magazine cover had it last year - a revolution.

If it's a revolution, it's not a grass-roots one. Although mindfulness teachers regularly offer the practice in disenfranchised communities in the United States and abroad, the powerful have really made mindfulness their own, exacting from the delicate idea concrete promises of longer lives and greater productivity. In January, during the World Economic Forum in Davos, Switzerland, Kabat-Zinn led executives and 1 percenters in a mindfulness meditation meant to promote general well-being. Many in pinstripes and conference lanyards also took time away from panels on Bitcoin and cybersecurity to communally breathe, and to attend a packed session called The Human Brain: Deconstructing Mindfulness, led by Thomas R. Insel, the director of the National Institute of Mental Health.

"There's a mindfulness-training program that's very logical and very calm, quiet, and we've started the process with this team," announced Phil Jackson, the president of the New York Knicks, last year. When Amar'e Stoudemire, a power forward then with the team, was asked whether he thought mindfulness training would help him, he replied: "It will definitely help, for sure. It just keeps you focused on the task at hand. It keeps you in tune."

Mindfulness as "keeping in tune" has a nice ring to it. But it's "focused on the task at hand" that appeals to managers, like Jackson, who are conscious of performance goals. Might workplace mindfulness - in the cubicle or on the court - be just another way to keep employees undistracted and to get them to work harder for nothing but airy rewards? In this context of performance enhancement, "mindfulness" seems perilously close to doggerel from the same playbook that brought us corny affirmations, inner children and vision boards.

Maybe the word "mindfulness" is like the Prius emblem, a badge of enlightened and self-satisfied consumerism, and of success and achievement. If so, not deploying mindfulness - taking pills or naps for anxiety, say, or going out to church or cocktails - makes you look sort of backward or classless. Like driving a Hummer.

As usual with modish and ideologically freighted words, this one has also come to inform high-minded prescriptions for raising children. Evidently they're no longer expected to mind their manners; we are expected instead to mind their emotional states. Recently, Hanna Rosin, in Slate, argued that mindful parenting might be a Trojan horse: Though the mindful mother claims to stay open-minded about her child's every action and communication, she ends up being hospitable to only the kid's hippie, peacenik side - the side she comes to prefer.

In Rosin's example, a mother supposedly mindful of her son's capacity for violence nonetheless doesn't rest until he gives a peaceable, sympathetic explanation for it - that he was hurt and overreacted. "I was mad, and he had it coming," which might be the lad's own truth, doesn't fly. The mother's "mindful attention," rather than representing freedom from judgment, puts a thumb on the scale.

It's profoundly tempting to dismiss as cant any word current with Davos, the N.B.A. and the motherhood guilt complex. Mindful fracking: Could that be next? Putting a neuroscience halo around a byword for both uppers ("productivity") and downers ("relaxation") - to ensure a more compliant work force and a more prosperous C-suite - also seems twisted. No one word, however shiny, however intriguingly Eastern, however bolstered by science, can ever fix the human condition. And that's what commercial mindfulness may have lost from the most rigorous Buddhist tenets it replaced: the implication that suffering cannot be escaped but must be faced. Of that shift in meaning - in the Westernization of sati - we should be especially mindful.

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The Muddied Meaning of 'Mindfulness' (Published 2015)

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First Words Most newly stylish coinages carry with them some evidence of grammatical trauma. Consider "affluencer," "selfie," "impactful." Notes of cynicism and cutesiness come through. But every now and then a bright exception to this dispiriting routine appears. A rookie word makes its big-league debut, a stadium of pedants prepares to peg it with tomatoes and - nothing.

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figure de proue - leading light / figurehead

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figure de proue - leading light / figurehead

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OULIPO, ouvroir de littérature potentielle

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OULIPO, ouvroir de littérature potentielle

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'We are such stuff    As dreams are made on, and our little lifeIs rounded with a sleep.' William Shakespeare, The Tempest, Prospero, Act IV, Scene 1

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'We are such stuff    As dreams are made on, and our little lifeIs rounded with a sleep.' William Shakespeare, The Tempest, Prospero, Act IV, Scene 1