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Il n'y a pas de raison que Ludwig soit moins doué que Mozart au même âge pense son père. Ses progrès en piano sont impressionnants, et Johann van Beethoven se fait fort d'obtenir un congé à la cour de Bonn pour faire entendre son fils dans les grandes cours européennes, comme Leopold Mozart l'avait fait quinze ans auparavant. L'expérience est de courte durée car la patience et la psychologie ne sont pas ses plus grandes vertus.

Johann a néanmoins la sagesse de confier l'éducation musicale de Ludwig à de bons formateurs. Christian Gottlob Neefe (1748-1798) est son troisième professeur, après son père Johann et l'ancien organiste de la cour de Bonn. Il est aussi directeur musical d'une troupe de théâtre. Il propose à Ludwig de devenir son assistant alors qu'il a 11 ans, ce qui lui permet de se familiariser avec le répertoire d'opéra et de théâtre. Il écrit dans une notice : Les grands virtuoses du clavier commencent à apparaître au XIX L'un d'eux Ce jeune génie mérite d'être soutenu et de pouvoir voyager. Il deviendra certainement un second WA Mozart, s'il continue comme il a commencé.perçoit le talent étonnant de Ludwig, le conseille adroitement et l'encourage à publier sa première œuvre, ne négligeant pas au passage de lui transmettre sa vision du rôle de l'artisteL'artiste doit être capable de transformer la vie des gens. dans la société. Un peu plus tard, le jeune homme de 17 ans, devenu altiste à l'orchestre de la cour, obtient une bourse exceptionnelle réservée aux meilleurs éléments, lui permettant de se perfectionner dans une ville de son choix. Ce ne peut être que Vienne. Il s'apprête à rencontrer enfin le plus grand compositeur vivant : Haydn. Les premiers jours passés dans la capitale sont prometteurs, Ludwig rencontre même Mozart, mais la maladie de sa mère le rappelle au bout de quinze jours à Bonn, pour assister finalement à son décès. Les années qui suivent voient s'affirmer l'un des plus grands virtuoses e siècle, au moment où les concerts publics se développent. Leur technique éblouissante permet d'attirer l'attention d'éventuels mécènes, justement au moment où les compositeurs sont de moins en moins attachés à un poste fixe. de son époque : Ludwig s'intègre avec facilité dans les milieux aisés et provoque l'émerveillement. Les salons de l'aristocratie ne se lassent pas de ce jeune homme qui improvise comme personne, prenant soin de truffer ses morceaux de formules injouables pour ne pas être copié par ses " ennemis mortels ".

Bonn, située sur la rive gauche du Rhin, est occupée par l'armée française deux ans après son départ : Beethoven ne peut donc y revenir et son congé devient un départ définitif. Seule VienneElle est le siège de la cour impériale, possédant son opéra et son orchestre. Elle abrite de nombreux orchestres privés appartenant à l'aristocratie, des associations de concerts, des éditeurs, des marchands de musique, des facteurs d'instruments. de toute façon peut permettre à son génie de se développer comme il convient. L'illustre professeur Haydn y contribue dans un premier temps. Leçon après leçon, Beethoven s'immerge dans le plus bel art classique, s'apprêtant à accomplir de cette manière la prophétie de ses amis de Bonn. La symphonie classique et l'écriture pour quatuor sont assimilées, ainsi que cette façon qu'a Haydn de pouvoir construire un développement de dix minutes à partir d'une simple cellule de quelques notes. Quelle n'est pas la surprise du maître Haydn, alors âgé de 60 ans, lorsqu'un an plus tard son élève de 26 ans refuse de l'accompagner dans son deuxième voyage triomphal à Londres ! Beethoven affirme ainsi son indépendance, comme il refuse par la suite d'ajouter " élève de Haydn " sur ses compositions : il est unique et ne saurait lier son destin à quiconque. Il continue toutefois à prendre des cours de composition avec Georg Altbrechtsberger (1736-1809), le remplaçant de Haydn, jusqu'au jour où il juge qu'aucun de ses contemporains désormais ne saurait lui apprendre quoi que ce soit.

Son prodigieux talent de pianiste, l'extrême originalité de ses compositions et son caractère fougueux assurent à Beethoven des amitiés durables, tant masculines que féminines. Princes et princesses se l'arrachent, les salons ne brillent que par sa présence, si bien qu'il finit par tirer profit de la situation, en fin calculateur : un prince viennois désirant passer à la postérité se doit de lui passer commande, ou de le rétribuer largement pour la dédicace d'une œuvre. Le carnet d'adresse ainsi rempli, Beethoven fait jouer la concurrence et il n'est pas rare qu'une C'est très fréquent. Par exemple, le Nouveau roi de Westphalie, royaume créé le 1 dédicace change de destinataire Concerto n° 4 op. 58 est à l'origine dédié à son ami Ignaz Gleichenstein, mais c'est finalement l'archiduc Rodolphe qui le reçoit, étant devenu un fort intéressant mécène entre temps. Gleichenstein est " dédommagé " avec la Sonate pour piano et violoncelle op. 69. au dernier moment au profit d'une personne plus fortunée, plus couronnée... ou plus séduisante. L'aboutissement de ces entreprises est imminent. Beethoven, très apprécié aussi en dehors de Vienne, fait mine de vouloir quitter la capitale pour offrir ses services à er décembre 1807 au lendemain du Traité de Tilsit., prenant soin d'organiser en 1808 un immense concert de ses œuvres afin de marquer les esprits. L'opération est payante : trois princes s'associent pour lui offrir à 39 ans une rente considérable lui permettant de composer sereinement jusqu'à la fin de ses jours. À condition toutefois qu'il reste à Vienne et que les Viennois aient la primeur de ses œuvres ! Jérôme Bonaparte

Prince au-dessus des princes, Beethoven affirme son indépendance à l'égard de ses mécènes lorsqu'il le juge nécessaire (à condition que d'autres prennent le relais). Par une nuit noire, il claque la porte du château du prince Lichnowsky dont l'aide matérielle lui avait été indispensable jusqu'alors, lui rappelant au passage son rôle insignifiant dans l'histoire par rapport à lui-même. La situation matérielle de Beethoven se fragilise quelques années plus tard : personne ne pouvait prévoir que certains parmi ses généreux donateurs feraient faillite en raison d'un contexte politique très défavorable. Ne se laissant pas abattre, il tâche de récupérer l'argent qui lui semble dû par l'entremise de ses amis.

Un début de surdité Beethoven devient complètement sourd à l'âge de 50 ans. apparaît à l'âge de 26 ans, dû certainement à une paresse de l'oreille, comme on le pense à l'époque : une simple cure devrait y remédier. Pourtant, une telle affection paraît bien peu compatible avec l'avenir d'un musicien qui veut être le plus grand de tous. Le caractère irascible de Beethoven en est affecté, mais curieusement tempéré à certains moments par de grands élans d'affection. Le célèbre " Testament d'Heiligenstadt " écrit lors d'un de ces moments où Beethoven pense mettre fin à ses jours, montre le personnage sous un jour touchant et troublant. Dès lors, les cures thermales n'opérant aucun miracle, Beethoven s'isole, ayant recours bientôt à de curieux cornets acoustiques et à des carnets de conversation. Il doit trouver en lui-même suffisamment de force pour résister à son sort.

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Ludwig Van Beethoven (1770-1827), pianiste virtuose et compositeur de génie, marque le début de la musique romantique à travers ses œuvres originales, audacieuses et passionnées.

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Comment ne pas fantasmer sur la personnalité de Mozart ? Enfant prodige, mort prématurément à 35 ans, frivole et capricieux... Le génie de la musique suscite encore aujourd'hui l'intérêt de nombreux chercheurs et la fascination du grand public. Saviez-vous que Mozart était franc-maçon, qu'il détestait la noblesse et qu'il n'était pas ennemi avec Salieri ?

A 6 ans, vous appreniez à lire, Mozart, lui, composait des menuets

Fils de Léopold Mozart, compositeur et professeur de musique, Mozart baigne dans la musique dès son enfance. Son génie est décelé très tôt : âgé de 3 ans à peine, le jeune Wolfgang a l'oreille absolue et probablement une mémoire eidétique qui lui permet de mémoriser un grand nombre de sons en très peu de temps. Avant d'apprendre à lire, compter ou écrire, Mozart sait déchiffrer une partition et la jouer parfaitement.

Sans surprise, le prodige de la musique se met à la composition à 6 ans. Il cherche "des notes qui s'aiment" et écrit ses premières oeuvres : cinq menuets, une sonate et un allegro en 1762. Entre ses 7 et 8 ans, Mozart compose plus d'une cinquantaine d'oeuvres. A 11 ans, il s'attaque à son premier opéra : Apollo et Hyacinthus, qu'il termine le 13 mai 1767.

Il entend le Miserere d'Allegri, trouve que c'est sympa, et retranscrit la partition à l'oreille

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Son père l'emmène en Italie quand il a 14 ans. Ils assistent aux matines du mercredi 11 avril de la Semaine Sainte à la chapelle Sixtine, unique occasion de pouvoir entendre le Miserere d' Allegri. Une oeuvre que le Vatican souhaite garder précieusement. A cette époque, seuls les choristes ont accès à la partition et toute tentative de retranscription est punie d'excommunication.

L'impertinent Mozart, charmé par ce chant céleste, réécrit l'oeuvre le soir-même et retourne à la chapelle le vendredi Saint pour peaufiner sa retranscription. Cette histoire, racontée dans de nombreuses lettres, fait des jaloux qui accusent Mozart d'avoir volé la partition...

Il détestait la noblesse

A Salzbourg, Mozart obtient très jeune le titre de maître de concert. Sous les ordres des princes-archevêques Schrattenbach puis Colloredo, il compose des oeuvres sacrées. Un rôle qui le prive de ses libertés créatrices. A 20 ans, il quitte Salzbourg pour trouver un autre poste, en vain. Contraint de retourner à Salzbourg récupérer son travail, Mozart n'en fait qu'à sa tête : il se comporte comme un enfant avec le prince-archevêque Colloredo qui le traite de voyou et de crétin.

Cette difficile collaboration s'explique par son mépris de la noblesse. Dans une lettre écrite en 1777, Mozart critique les mariages arrangés de la haute société : "Les nobles ne doivent pas se marier par goût ou par amour mais uniquement par intérêt, et en fonction de toutes sortes de considérations secondaires. Il ne siérait en outre pas du tout à ces haut personnages d'aimer de surcroît leur épouse, une fois qu'elle a fait son devoir et mis au monde un gros héritier mâle".

La flûte enchantée est un opéra maçonnique (oui, Mozart était franc-maçon)

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En 1773, Mozart découvre la franc-maçonnerie et, le 14 décembre 1784, se fait initier dans la loge de la Bienfaisance. Quand il compose la Flûte Enchantée en 1791, Mozart fréquente depuis plusieurs années ce milieu. Il y trouve une source d'inspiration. Le célèbre opéra est d'ailleurs appelé "opéra maçonnique" car il représente les étapes initiatiques des francs-maçons.

Quand il compose cette oeuvre, Mozart crée une double lecture : une pour le profane, inspiré du modèle allemand du Singspiel (sorte d'opéra-comique), l'autre pour l'initié, avec des symboles maçonniques tant dans la musique que dans les personnages et l'histoire.

Mozart était criblé de dettes

Si personne n'explique clairement l'origine de ces dettes, Mozart emprunte et dépense à tout va et sans limite. Il frôle même une condamnation judiciaire qui aurait pu le ruiner, mais surtout briser son orgueil.

Ses dettes, il les accumule auprès de ses proches et même auprès de ses élèves, comme avec le Prince Lichnowsky. Ce gentilhomme de la cour impériale autrichienne tente d'emmener Mozart devant le tribunal. En 1789, il attaque le jeune compositeur en justice pour récupérer son argent. L'histoire ne nous dira jamais comment Mozart s'est sorti de cette affaire mais il s'avère que tous ont passé sous silence cet épisode malheureux qui est tombé dans l'oubli.

On ne sait pas si le crâne de Mozart est vraiment celui de Mozart

En 1801, Joseph Rothmayer (qui aurait assisté à l'enterrement de Mozart une dizaine d'années auparavant) se rend sur la tombe de ce dernier et en ressort un crâne. Seulement, l'emplacement est flou. Mozart est enterré dans une fosse commune (chose courante à l'époque) du cimetière de Saint-Marx à Vienne, son corps repose au milieu de 16 autres cadavres.

La relique tombe entre les mains de l'anatomiste Joseph Hyrtl avant d'être léguée à la Fondation Mozarteum. Au XIXe siècle, les scientifiques s'arrachent les cheveux pour savoir si, oui ou non, ce crâne est bien celui du compositeur. Aujourd'hui encore, l'authenticité n'est pas prouvée. D'un côté, certains spécialistes affirment qu'il s'agit du crâne de Mozart, tandis que les test ADN effectués sur d'autres squelettes de la famille de Mozart prouvent le contraire...

Il appelait Haydn "Papa Haydn"

En 1784, Mozart rencontre Haydn. C'est le coup de foudre artistique. Les deux hommes s'admirent réciproquement et se lient d'une amitié sincère et unique dans l'histoire de la musique au point que Mozart rebaptise Haydn "Papa Haydn". "Lui seul a le secret de me faire rire et de me toucher au plus profond de mon âme", disait Mozart de ce père spirituel.

A la fin d'un concert donné par Mozart, Haydn s'approche de Léopold, le père du compositeur, et prédit : "Je vous le dis devant Dieu, en honnête homme, votre fils est le plus grand compositeur que je connaisse, en personne ou de nom, il a du goût, et en outre la plus grande science de la composition".

Non Mozart et Salieri n'étaient pas ennemis (ils ne s'aimaient pas trop, c'est différent)

Mozart s'est fait des ennemis. Dans les loges francs-maçonniques, au sein de la noblesse ou à cause de ses dettes, mais Salieri n'en faisait pas partie. Le musicien italien était juste un peu jaloux. Quand l'empereur commande à Salieri Cosi Fan Tutte, il est incapable de le composer. Mozart prend le relais et écrit l'oeuvre que l'on connaît aujourd'hui.

Se faire "doubler" de la sorte par un jeune compositeur qui, parfois, n'en fait qu'à sa tête, peut déplaire, mais jamais les deux hommes se sont livrés bataille. A l'enterrement de Mozart, une poignée de personnes assiste à la cérémonie parmi lesquelles : Salieri.

Il épouse Constanze sans le consentement de son père

Le 4 août 1782 dans la cathédrale Saint-Etienne de Vienne, Mozart épouse Constanze Weber. Son père l'apprend par courrier et n'accepte pas ce mariage. Il a peur pour son fils : un mariage peut l'éloigner de la musique.

A partir de ce jour, Léopold s'éloigne de Mozart. Géographiquement d'abord car il garde son poste à Salzbourg pendant que son fils s'installe définitivement à Vienne, et sentimentalement car il désapprouve ce choix. Le père et le fils ne se reverront que deux fois avant que Léopold ne meure en 1787.

Mozart est mort obèse

Déjà qu'il n'était pas bien grand (1 mètres 52), Mozart était aussi gros. On imagine un Mozart sur son lit de mort, tâchant d'écrire son Requiem, et c'est vrai. Devenu obèse vers la fin de sa vie, le compositeur est en effet contraint de rester au lit.

Parmi les 140 causes (établies par des spécialistes) de sa mort, deux restent cependant les plus plausibles : une mort par fièvre rhumatismale ou une insuffisance rénale. Des constats beaucoup moins épiques que la mort par empoisonnement, longtemps avancée au fil des siècles.

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Wolfgang Amadeus Mozart : 10 petites choses que vous ne savez (peut-être) pas sur le compositeur

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Wolfgang Amadeus Mozart est né le 27 janvier 1756 à Salzbourg. Enfant surdoué, et compositeur hors pair, le jeune prodige a fait naître bien des mythes autour de sa personne. Voici 10 (vraies) petites anecdotes sur le compositeur du Requiem, et d'opéras célèbres.

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Le Théâtre de Prague passe une commande à Mozart et Da Ponte pour un nouvel opéra au printemps 1787, après le triomphe des Noces de Figaro en décembre 1786. D'après les Mémoires de Da Ponte, c'est le librettiste qui aurait proposé pour cette commande un sujet basé sur le mythe de Don Juan. Ce choix peut s'expliquer par la tendance à adapter ce mythe à l'opéra au XVIIIe siècle (phénomène de mode qui avait par ailleurs démarré à Prague) notamment avec la création en 1786 à Venise du Don Giovanni tenorio de Giuseppe Gazzaniga, sur un livret de Giovanni Bertati.

Le dévoyé puni ou Don Giovanni ( Il dissoluto punito ossia Il Don Giovanni) est ainsi le deuxième opéra issu de la collaboration entre Mozart et Da Ponte, dont la création était initialement prévue le 14 octobre 1787 pour la visite de Marie-Thérèse d'Autriche et son époux Antoine Premier de Saxe. Une fois le livret achevé en juillet 1787, Mozart s'attela à la composition de l'ouvrage, mais ne put l'achever à temps. L'opéra fut alors remplacé par Les Noces de Figaro et sa création fut déplacée au 29 octobre.

Malgré la hâte dans laquelle se trouvait le compositeur pour terminer Don Giovanni, sa première représentation au Théâtre Nostitz de Prague reçut un accueil des plus enthousiastes. Don Giovanni est cependant loin d'avoir connu un succès unanime du vivant de Mozart, en particulier à Vienne où l'ouvrage se heurte aux réticences du public lors de sa reprise au Burgtheater le 7 mai 1788. En dépit des nombreux réajustements du compositeur, l'œuvre est jugée trop difficile pour les exécutants, chanteurs comme instrumentistes. Don Giovanni estdonné quatorze fois à Vienne, puis dans d'autres grandes villes européennes avant d'être reconnu comme un des chefs d'œuvre de Mozart au milieu du XIXe siècle et d'entrer définitivement au répertoire des grandes maisons d'opéra.

La construction du Théâtre Nostitz de Prague en 1783, ainsi que la notoriété de son orchestre, ne pouvaient qu'inciter Mozart à faire représenter ses ouvrages lyriques dans la capitale de Bohème, dont le rayonnement culturel ne faisait que croître dans l'Europe des Lumières. Au vu du premier succès rencontré à Prague dès 1783 avec L'enlèvement au Sérail, Mozart décide d'y effectuer plusieurs voyages, d'abord pour diriger ses propres œuvres, puis pour honorer les commandes passées par le Théâtre : le premier opéra composé pour la ville est Don Giovanni, suivi par La Clémence de Titus en 1791 pour le couronnement de Leopold II comme roi de Bohème. La Symphonie n° 38, écrite à Vienne, fut ainsi créée au cours du premier voyage de Mozart à Prague entre janvier et février 1787, séjour au cours duquel le compositeur dirigea en personne la vingt-deuxième représentation des Noces de Figaro.

La réception des opéras de Mozart montre une différence importante dans l'attente esthétique entre les publics de Vienne et de Prague : le compositeur avait déjà pu constater ce clivage pour Les Noces de Figaro, dont l'intrigue basée sur Le Mariage de Figaro de Beaumarchais avait provoqué les critiques de l'aristocratie viennoise. À l'inverse, l'opéra triomphe à Prague dès la première représentation par la Compagnie Pasquale Bondini en décembre 1786. Le succès croissant de ce premier opéra basé sur un livret de Da Ponte aboutira à la commande du Théâtre Nostitz du futur Don Giovanni. Conscient de la divergence de goûts entre ces publics, pourtant tous les deux aristocratiques, Mozart modifia Don Giovanni de manière significative pour la reprise au Burgtheater de Vienne. Outre l'ajout des airs de Don Ottavio (" Dalla sua pace " acte I), la version viennoise intervertit l'air " Il mio tesoro intanto " de Don Ottavio par l'air " Mi tradì quell'alma ingrata " de Donna Elvira et du duo entre Leporello et Zerlina " Per queste tue manine " à l'acte II. Le changement le plus important reste le remaniement intégral du Finale de l'acte II, dont plusieurs passages ont été supprimés pour une fin plus condensée et efficace sur le plan dramatique. Ainsi, la répétition des répliques " Parlo, ascolta! più tempo non ho " (Commandeur), " A torto di viltate tacciato mai sarò " de Don Giovanni, mais surtout la section " épilogue " où le spectateur apprend le sort des autres personnages, ont été supprimés. Une version alternative de " Resti dunque quel birbon " fut composée pour faire la transition avec la morale délivrée par tous les autres personnages (" Questo è il fin di chi fa mal "). La plupart des versions actuelles de Don Giovanni reposent sur la version viennoise du finale et incluent les numéros composés pour l'occasion, mais reprennent également le deuxième air de Don Ottavio supprimé de la version viennoise.

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Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart - À propos - Ôlyrix

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Le Théâtre de Prague passe une commande à Mozart et Da Ponte pour un nouvel opéra au printemps 1787, après le triomphe des Noces de Figaro en décembre 1786. D'après les Mémoires de Da Ponte, c'est le librettiste qui aurait proposé pour cette commande un sujet basé sur le mythe de Don Juan.

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Signé par le duo Mozart / Da Ponte (également librettiste des Noces de Figaro et de Cosi fan tutte), Don Giovanni est un dramma giocoso ("drame joyeux") qui mélange les genres : comique, pathétique, tragique, surnaturel... Difficile de classer cette oeuvre pleine d'ambiguïté, de bouffonnerie et de tragique, et qui mélange l'anecdote avec le drame métaphysique. Car derrière sa quête effrénée des femmes, c'est l'Église et l'ordre du monde que Don Giovanni raille et défie - au risque de finir damné.

Un chef d'oeuvre terminé à la hâte

C'est à Prague que Mozart compose son opéra. Il y mène alors une vie mondaine et pressée, qui ne lui laisse que peu de temps pour finir son oeuvre. Si bien que la veille de la première représentation, l'ouverture de l'opéra manque encore ! La nuit tombe et Mozart boit du punch avec Constance, sa femme, qui lui raconte des histoires. Comme un enfant, le compositeur s'endort. Elle n'ose le réveiller qu'à cinq heures du matin : interrompu dans son sommeil, Mozart s'attelle à l'écriture de l'ouverture. Deux heures plus tard, Mozart remet l'ouverture de son opéra aux copistes chargés de reproduire les partitions pour les musiciens de l'orchestre.

Bien qu'elle vienne au tout début de l'oeuvre, l'ouverture de l'opéra annonce la fin tragique de Don Giovanni. Jouée le soir même, elle surprend le public qui s'attend à un divertissement , or l'opéra commence comme une messe des morts !

Le Philharmonique de Vienne sous la direction de Herbert von Karajan dont les expressions du visage suffiront à vous glacer le sang

Don Juan, Don Giovanni, Dom Juan...

L'inventeur du personnage de Don Juan et de sa légende était un moine dramaturge de la très catholique Espagne des années 1630, Tirso de Molina, et ce n'est pas un hasard. Sous sa plume, le personnage incarne la révolte que suscite la morale chrétienne - qui met l'accent sur le péché de chair et la sacralité du mariage.

Le sujet est brûlant d'actualité. Les dramaturges, fascinés par l'ambiguïté du personnage, s'emparent tous de Don Juan. Molière s'y essaye en 1665 et en fait un cynique athée et rebelle dans Dom Juan ou le Festin de pierre. Côté musique, avant Mozart, deux autres musiciens reprennent le thème littéraire de Don Juan : Glück pour un ballet-pantomime en 1761 sur un livret tiré de Molière, et Gazzaniga dans un opéra créé - comme celui de Mozart - en 1787. Avec toutes ses sources qu'ils combinent habilement, Da Ponte et Mozart créent le chef d'oeuvre que l'on connaît, celui que Wagner nommera plus tard " l'opéra des opéras " : Don Giovanni.

Casanova dans l'ombre

C'est Lorenzo Da Ponte, le librettiste de Mozart, qui aurait proposé au compositeur ce sujet. L'histoire raconte que Casanova, alors de passage à Prague, participe aux travaux du librettiste, voire lui sert de modèle. Tous deux Vénitiens, Casanova et Da Ponte se connaissent bien. L'histoire est très plausible, d'autant qu'on a retrouvé dans ses manuscrits des propositions de variantes pour l'acte II de l'opéra.

Da Ponte tient la comparaison avec Casanova : bien qu'il soit prêtre, Da Ponte entretient quelques maîtresses, leur fait plusieurs enfants, et visite les bordels de Venise, ce qui lui vaut d'être condamné à l'exil. Il va chercher fortune à Vienne puis à Prague, et collabore avec Mozart sur ses opéras. Après la mort de Mozart, ce Don Juan en soutane devient épicier à Londres puis libraire à New York. Il finit sa vie à 89 ans, professeur d'italien à la prestigieuse université de Columbia : une fin bien plus heureuse que son héros d'opéra.

La mort d'un père

Don Giovanni s'ouvre sur le meurtre d'un père. L'histoire commence lorsque Donna Anna, la fille du Commandeur, est violentée par Don Giovanni. Le père de la jeune femme, réveillé par ses cris, sort et provoque en duel Don Giovanni, venu masqué. Mais le Commandeur meurt sous les coups de l'agresseur de sa fille. Ce duel est l'occasion d'un trio de voix d'hommes, chose rare dans l'opéra. Encore plus rare, Don Giovanni a une voix de basse et pas de ténor, comme c'est habituellement la règle pour tous les premiers rôles masculins - et encore plus pour les séducteurs. Vocalement, rien ne le distingue des deux autres basses : ni de Leporello son valet (alors que Don Giovanni ne cesse de lui rappeler leur différence de condition) ni du Commandeur, figure de l'autorité morale (alors que Don Giovanni est le débauché absolu).

Don Giovanni, loin de se repentir de son crime, invite deux fois le Commandeur à revenir d'entre les morts pour souper en sa compagnie. Alors que Don Giovanni festoie chez lui et se montre plus odieux que jamais avec son valet, le Commandeur répond à l'invitation et surgit d'entre les morts. Soudainement, l'opéra bascule dans le tragique et le surnaturel. Celui qui était un père venu défendre sa fille se transforme en un spectre terrifiant, en cette grande voix de basse venue des tréfonds de l'au-delà et accompagnée par un orchestre plus religieux que jamais pour entraîner Don Giovanni, hurlant de douleur, dans les flammes de l'Enfer.

La scène finale de Don Giovanni avec Kurt Moll dans le rôle du Commandeur

Les biographes et critiques n'ont pas manqué de noter que l'année de Don Giovanni (créé le 29 octobre 1787) était aussi l'année de la mort du père de Mozart, Léopold Mozart, le 28 mai. Ce père a été pour Mozart son premier professeur (il était lui aussi compositeur), son plus grand confident et son agent. Pourtant, le départ du fils de Salzbourg, sa ville natale en 1781 et son mariage avec Constance Weber ont signé la rupture entre les deux hommes. Pour Milos Forman, réalisateur d' Amadeus, cela ne fait aucun doute : le Commandeur et Don Giovanni sont des doubles de Léopold et de son fils - un fils qui rêve de liberté mais qui, par-delà la mort, reste sous l'influence d'un père tout puissant.

Humain, trop humain

Les personnages de Don Giovanni ne se réduisent pas à un seul archétype. Prenons Leporello, homme de main de Don Giovanni : bouffon ironique de la Commedia dell'Arte, conscience morale de Don Giovanni mais qui exhibe fièrement le nombre de conquêtes de son maître dans l'Air du catalogue (ci-dessous), valet jaloux de la grande vie des aristocrates... Leporello est tout cela à la fois.

" Mil e tre " : l'Air du catalogue où Leporello (Ferrucio Furlanetto) dresse à Donna Elvira la liste des conquêtes de son maître, classées par pays et par chevelure

L'autre personnage si réaliste et si multiple, c'est Donna Elvira. Don Giovanni l'a séduite et lui a promis le mariage, avant de la planter là, déshonorée. Déterminée à se venger, elle suit Don Giovanni à Séville, où Leporello lui fait la liste de toutes les conquêtes de son maître. Mais Donna Elvira fait la sourde oreille aux révélations du valet et refuse de voir la vraie nature de Don Giovanni, qu'elle continue malgré tout d'aimer aveuglément.

Don Giovanni, loin d'être pris de pitié, la piège une fois de plus. Il échange ses vêtements avec son valet Leporello, qui prend la place de son maître pour jouer la sérénade à Elvira. Don Giovanni et son valet ne font plus qu'un seul homme : Leporello agit, costumé en son maître, tandis que caché derrière, Don Giovanni chante, avant d'aller séduire la femme de chambre... Tout en dissonances et faux-semblants, les trois personnages chantent en trio, et leurs voix finissent superposées : Elvira tombe dans le piège et renonce à sa vengeance, Don Giovanni sort gagnant et Leporello n'en revient pas.

Vous les femmes

Prima la musica, poi le parole : d'abord la musique, ensuite les paroles. En d'autres mots, Mozart ordonne et Da Ponte obéit. La musique vient souvent contredire les paroles du livret et l'emporte toujours, au service du drame et de l'action. Par-delà le texte, elle exprime ainsi les tensions entre le coeur et la raison de Zerlina. Petite paysanne et nouvelle proie de Don Giovanni, elle tente de lui résister alors qu'il lui promet le mariage. Bien que leurs paroles disent deux attitudes très différente (la demande en mariage de Don Giovanni contre les doutes et réserves de Zerlina), la musique reste la même : "La ci darem la mano" ("Là, tu me donneras ta main") lui dit Don Giovanni. Zerlina répond "Vorrei e non vorrei" ("Je voudrais et puis non - mais si tu le veux"), mais en reprenant le même air que Don Giovanni... déjà elle lui a cédé.

Mariusz Kwiecień en Don Giovanni et Mojca Erdmann en Zerlina au Metropolitan Opera, 2011

Les femmes : voilà tout ce qui compte pour Don Giovanni. Blonde, brune, mariée, aristocrate, paysanne... Leur multitude ne l'effraie pas, pas plus que les convenances et la morale. Séducteur carnassier, il est un pygmalion quand il s'agit de conquérir une nouvelle femme : prêt à chanter à chacune le petit air adapté. La musique de Mozart ne cesse de le dire. Si pour séduire Zerlina, la paysanne, il entonne un pastiche de romance napolitaine ; pour Donna Elvira, la grande aristocrate, il se lance dans un registre grave et noble dans Ah taci, ingiusto core. Alors que les personnages d'opéra de Mozart ont souvent un air ou un motif musical qui les caractérise, Don Giovanni n'a pas d'identité musicale, à part celle d'être le maître de l'artificiel et de la mise en scène.

Le Don philosophe

La musique de Mozart, loin d'avoir parasité le mythe de Don Juan, a décuplé son aura. Nombre de philosophes se sont penchés avec grand intérêt sur Don Giovanni, notamment des psychanalystes comme Otto Rank, un disciple de Freud fasciné par ce héros qui se délecte de la mort d'un père et rit quand on lui annonce sa damnation éternelle. Mais c'est peut-être Søren Kierkegaard qui a le plus rendu hommage à l'oeuvre du 'divin' Mozart. Pour ce philosophe romantique danois, grand séducteur et théologien, l'opéra de Mozart a joué un rôle immense. Dans L'éros et la musique, il encense le compositeur de Don Giovanni, cet opéra qui l'aurait ramené à la vie, en faisant de lui un homme passionné : " Mozart immortel ! À toi je dois tout [...], Mozart qui, jusqu'ici, a empêché que tout s'effondrât à mes yeux dans un chaos sans bornes, dans un cruel néant "

Pour Kierkegaard, le héros de l'opéra de Mozart est plus qu'un personnage - c'est un résumé de l'homme tout entier, de son courage et de sa lâcheté, de sa grandeur et de ses vices.

" Écoutez Don Juan, je veux dire : si, en l'écoutant, vous ne pouvez avoir de lui une idée, vous n'en serez jamais capable. Écoutez le début de sa vie ; comme l'éclair jaillissant des sombres nuées d'orage, il surgit des profondeurs du sérieux, plus rapide que l'éclair, plus capricieux que lui, mais pourtant aussi sûr ; écoutez-le se précipiter dans la diversité de la vie et se heurter à ses solides remparts ; écoutez ces légers accents du violon au bal, l'appel de la joie, l'allégresse du plaisir, la solennelle félicité de la jouissance ; [...] écoutez la convoitise effrénée de la passion, le murmure de l'amour, le chuchotement de la tentation, le tourbillon de la séduction, le silence de l'instant - écoutez, écoutez, écoutez le Don Juan de Mozart "

Don Giovanni continue aujourd'hui de nous interpeller, et nombreuses sont les mises en scène qui placent l'action dans un contexte actuel. Car aujourd'hui comme hier, le personnage de Don Giovanni et ses aventures mettent fondamentalement en question nos idées modernes et occidentales de l'amour. À une époque où certains prônent l'amour libre, Don Giovanni le libertin n'a pas fini de faire parler de lui !

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Don Giovanni de Mozart : tout ce que vous avez toujours voulu savoir sur cette œuvre

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Créé en 1787 à Prague, Don Giovanni de Mozart est un chef d'oeuvre depuis sa création. Composé dans les dernières années de sa vie, Mozart signe là un de ses plus grands succès. Et Don Giovanni n'a pas fini de nous charmer...

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🎵 Bizet (Carmen) - Révisons Nos Classiques #12

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Opéra national de Paris, Paris, France - Google Arts & Culture

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The Paris Opera is one of the world's greatest opera and ballet houses. Founded more than three centuries ago by Louis XIV, it possesses two theatres, the ...

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Paris. Des toits aux sous-sols du palais Garnier... Dans la fourmilière de l'Opéra

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Georges Bizet (1838-1875) est mondialement connu pour son célèbre opéra Carmen. Pourtant, le compositeur a mis du temps à trouver son style et à obtenir, enfin, la reconnaissance du public.

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Écoutez tous les podcasts gratuitement en ligne. Dernières actualités et émissions de radio en replay sur Radio France. Tout savoir à propos de : Georges Bizet.

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" Drames sous la lumière du midi "

Pressé(e) ? Découvrez la biographie courte de Bizet

Enfance, études

Georges Bizet est né à Paris le 25 octobre 1838. Son père, coiffeur, enseigne également le chant, et sa mère est pianiste amateur. Cet entourage musicien permet à Georges d'entrer à neuf ans au Conservatoire de Paris, où il suit les cours de Marmontel. Il reçoit vite les prix de solfège, de piano ou encore de fugue. En tant que pianiste, il est admiré par Franz Liszt dès ses douze ans, car il déchiffre exceptionnellement bien.

À 17 ans, il compose sa Symphonie en ut majeur ( écouter la fin), pleine de fraîcheur et de vivacité : écrite à titre d'exercice, elle ne sera retrouvée et jouée pour la 1ère fois qu'en 1935 ! Fin 1856, Bizet compose et fait exécuter Le Docteur Miracle, pièce qui lui vaut le premier prix d'un concours organisé par Jacques Offenbach. À 19 ans, après une première participation, il remporte le Grand Prix de Rome, prestigieux tremplin vers une brillante carrière et dont la récompense est un séjour de 3 ans à la Villa Médicis.

Des débuts prometteurs

À son retour de Rome, il suscite la critique élogieuse d' Hector Berlioz (qui en profite pour ironiser sur le public parisien) : " M. Bizet, lauréat de l'Institut, a fait le voyage de Rome ; il en est revenu sans avoir oublié la musique... A son retour à Paris, il s'est bien vite acquis une réputation spéciale et fort rare, celle d'un incomparable lecteur de partitions. Son talent de pianiste est assez grand d'ailleurs pour que, dans ces réductions d'orchestre qu'il fait ainsi à première vue, aucune difficulté de mécanisme ne puisse l'arrêter. Depuis Liszt et Mendelssohn, on a vu peu de lecteurs de sa force. Mais, sans doute, on l'eût comme à l'ordinaire claquemuré dans cette spécialité [...] sans la subvention léguée au Théâtre-Lyrique qui donne courage à son directeur (pour monter des œuvres modernes). Il ne recule plus devant les dangers que la plupart des prix de Rome passent pour faire courir aux directeurs des institutions musicales. La représentation de ses Pêcheurs de perles ( écouter) fait le plus grand honneur à M. Bizet, qu'on sera forcé d'accepter comme compositeur, malgré son rare talent de pianiste lecteur. ( feuilleton du 3/10/1863)

Carrière

Malheureusement, malgré ces débuts prometteurs, il ne rencontrera jamais le succès escompté. Alors que ses œuvres sont aujourd'hui si populaires, il doit s'épuiser en travaux alimentaires (transcriptions pour les éditeurs et leçons de piano) : " Je travaille à me crever... ", " Je mène une existence insensée... ". En 1869, Bizet épouse Geneviève Halévy, fille de compositeur, qui est atteinte d'une certaine forme de folie, comme sa mère. Bizet se montre dévoué et aimant à leur égard.

En 1875, il répond à une commande de l' Opéra Comique pour " ...une petite chose facile et gaie, dans le goût de notre public avec, surtout, une fin heureuse ". Avec (écouter l' ouverture), c'est tout le contraire qu'il propose : la vie agitée d'une femme libre qui finit assassinée ! Avec ténacité, il impose le superbe livret de Meilhac et Halévy (les collaborateurs de Jacques Offenbach pour " La Belle Hélène "). Les répétitions se révèlent épuisantes : les chanteurs n'ont pas l'habitude de bouger ni de jouer leurs personnages avec naturel, les musiciens trouvent la partition trop difficile, le directeur juge l'histoire indécente : " ... assassinée par son amant ... Et ce au milieu de voleurs, de bohémiennes, de cigarières !... A l'Opéra Comique, le théâtre des familles !... le théâtre des entrevues de mariage !... Nous avons, tous les soirs, cinq ou six loges louées pour ces entrevues... Vous allez mettre notre public en fuite... c'est impossible ! (...) Je vous en prie, tâchez de ne pas la faire mourir. La mort à l'Opéra-Comique !... cela ne s'est jamais vu... entendez-vous, jamais ! ... Ne la faites-pas mourir ! ... Je vous en prie mon cher enfant... ".

La création est un désastre : musiciens et choristes médiocres, changements de décor trop lents... Malgré des passages très enlevés (écouter l'Air des contrebandiers), le public est scandalisé par cette histoire sulfureuse d'une femme sans attaches, sans religion, sans respect pour l'ordre établi, passant d'amant en amant, ayant pour seule morale et pour seules règles sa liberté et son bon plaisir. Bizet est bouleversé par cet échec et contracte une angine. Imprudemment, il se baigne dans l'eau glacée de la Seine...sa santé s'aggrave. Malade et très affaibli, il meurt à Bougival d'un infarctus le 3 juin 1875, un peu après la trentième représentation de Carmen ; il n'a que 36 ans !

Une habanera qui vient de loin

La célébrissime habanera " L'amour est un oiseau rebelle " () ne s'est pas imposée d'emblée à Bizet. Sur les mêmes paroles, il avait d'abord écrit une aria, que la créatrice du rôle, Célestine Galli-Marié, avait refusé de chanter. Il puisa alors son inspiration dans un recueil de chansons espagnoles datant de 1864 du compositeur basque espagnol Sebastián Iradier (également auteur de la célèbre " " : écouter sur youtube). C'est la habanera El Arreglito ( Le petit arrangement) qui retint son attention ( écouter sur youtube). Il pensait au départ que c'était une chanson folklorique, mais quand des amis lui apprirent que son compositeur était mort dix ans plus tôt, il ajouta à la partition de Carmen une note indiquant sa source.

Reconnaissance posthume

Après son décès, un ami compositeur, pour satisfaire le goût du public, abrège les scènes parlées de et les remplace par des récitatifs. L'opéra comique devient ainsi un opéra et commence sa carrière triomphale. Elle est l'une des œuvres du répertoire les plus jouées dans le monde !

De nos jours, malgré le manque de reconnaissance flagrant de son vivant, Bizet est considéré comme un des deux plus grands musiciens français de la fin du XIXème siècle avec Camille Saint-Saëns.

Nietzsche et Carmen (attention : section pour érudits)

À la fin de sa vie, Friedrich Nietzsche, grand admirateur de Richard Wagner, s'en éloigne car il en désapprouve les idées politiques. Pour des raisons essentiellement philosophiques, il rejette alors les flots de musique continue du trop romantique Wagner englué dans les brumes du Moyen Âge ou dans la sombre mythologie nordique. Il lui préfère désormais les formes nettes et lumineuses de la musique italienne ou française, notamment de la Carmen de Bizet. Il décrète qu'il faut " méditerranéiser la musique " et brûler Wagner car la musique est par essence une forme apollinienne.

Nietzsche ouvre son ouvrage Le Cas Wagner par une lettre de mai 1888. Il y loue Carmen, qu'il a écouté " pour la vingtième fois ", constatant que l'œuvre le rendait " plus philosophe, meilleur philosophe ". Il en livre un commentaire très personnel : " Cette musique de Bizet me paraît parfaite. Elle approche avec légèreté, avec souplesse, avec politesse. [...] Cette musique est cruelle, raffinée, fataliste : elle demeure quand même populaire. [...] Bizet me rend fécond. Le Beau me rend toujours fécond ". C'est peut-être l'un des plus vibrants compliments faits à l'œuvre de Bizet.

Ressources liées pour Georges Bizet

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Pressé(e) ? Découvrez la biographie courte de Bizet Georges Bizet est né à Paris le 25 octobre 1838. Son père, coiffeur, enseigne également le chant, et sa mère est pianiste amateur. Cet entourage musicien permet à Georges d'entrer à neuf ans au Conservatoire de Paris, où il suit les cours de Marmontel.

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Don Giovanni, opéra de Mozart, dessin de A. de Parys, Paris, Théâtre de l'Opéra Comique, 1896. Source : Gallica-BnF/Domaine public

Né en Italie au début du XVII e siècle, l'opéra est un genre qui ne cesse d'évoluer. Depuis L'Orfeo (1607) de Monteverdi (l'un des premiers opéras qui nous soient parvenus), qui cherche à renouer avec l'antique tragédie grecque à travers un texte intelligible alternativement énoncé par des solistes et des chœurs, l'opéra se décline progressivement sous plusieurs formes tandis qu'il est disséminé un peu partout en Europe. Au fil du siècle, l'évolution du genre tend vers une distinction entre les œuvres de caractère sérieux et celles de caractère comique. Au XVIII e siècle, on rencontre ainsi deux formes majeures de drame lyrique : l' opera seria et l' opera buffa.

Opera seria

Né vers 1690 d'une réforme initiée par l'Accademia dell'Arcadia prônant plus de vraisemblance dans les livrets, l' opera seria est brillamment illustré par les compositeurs de l'époque baroque tels que Haendel. À l'époque classique, il commence à décliner mais continue néanmoins d'être pratiqué jusqu'au XIX e siècle dans toute l'Europe (à l'exception de la France, longtemps fidèle à la tragédie en musique élaborée par Lully). C'est une œuvre noble et sérieuse qui obéit à quelques règles :

les livrets puisés dans l'histoire antique mettent en exergue la vertu et la morale ;

le valeureux héros évolue dans un cadre musical précis : une ouverture suivie de trois actes divisés en scènes ;

musicalement la partie chantée est répartie entre les récitatifs (une déclamation ponctuée par une basse continue - souvent le clavecin - ou l'orchestre) et les arias accompagnées par l'orchestre, qui mettent la voix en valeur par des prouesses techniques (bel canto).

La virtuosité vocale met en avant une nouvelle catégorie de chanteurs particulièrement appréciée en Italie : les castrats.

Opera buffa

Dans le même temps et dans un tout autre registre, Naples a donné naissance à un opéra " drôle ", l' opera buffa. Inspiré de la commedia dell'arte, il met en scène, dans des situations comiques, des personnages empruntés au milieu populaire ou la petite bourgeoisie. Le livret peut cependant contenir certaines parties plus sérieuses, visant à atténuer l'aspect caricatural de l'œuvre. Le thème de prédilection : l'amour contrarié. Loin d'être des héros, les personnages sont vaniteux, arrogants, et usent de la ruse pour arriver à leurs fins. À l'image de l' opera seria auquel il fait pendant, l' opera buffa gagne progressivement toute l'Europe, mais contrairement au genre sérieux, il rencontre davantage la faveur du public à l'époque classique, et culmine dans les œuvres de Mozart. En deux ou trois actes, il comporte de nombreux ensembles ainsi que des finales, à la fin de chaque acte, où tous les personnages se retrouvent sur scène. Musicalement, il fait la part belle aux chansons, ariettes et cavatines aux mélodies simples et naturelles, plutôt qu'au bel canto alambiqué.

L'expression opera buffa est en réalité peu utilisée par les compositeurs de l'époque, et l'on rencontre souvent les termes dramma giocoso, dramma comico, commedia per musica ou encore burlesca pour désigner ce type d'œuvre. Il participera à la naissance de nouveaux genres dans certains pays (l'opéra-comique en France, le singspiel en Allemagne).

Il Ciabattino ingentilito, opera buffa de Valentino Fioravanti, illustration tirée de la partition manuscrite. Source : Gallica-BnF/Domaine public

Tragédie lyrique

En France, les compositeurs se démarquent du modèle italien à travers le genre de la tragédie lyrique. Définie par Jean-Baptiste Lully et son librettiste Philippe Quinault (avec Cadmus et Hermione en 1673), elle est encore très appréciée jusqu'au milieu du XVIII e siècle (notamment avec les œuvres de Rameau), bien que de nouveaux genres lui fassent concurrence (opéra-comique, opéra-ballet...). La tragédie lyrique s'inspire de la tragédie classique illustrée par Corneille et Racine : sur des sujets empruntés à la mythologie ou l'histoire, les cinq actes sont précédés d'une ouverture et d'un prologue faisant l'éloge du roi. Le genre mêle musique (récitatifs déclamés suivant le rythme de la parole, airs, ensembles, chœurs) et danse (ballets).

Christoph Willibald Gluck, par E. Desmaisons. Photo : Jean-Marc Anglès. Source : Musée de la Musique - Cité de la Musique - Philharmonie de Paris

Alors que l'opéra de caractère sérieux s'épanouit dans les prouesses vocales et des machineries parfois excessives, le compositeur allemand Christoph Willibald von Gluck veut revenir à davantage de simplicité, aussi bien dans l'Forme privilégiée des airs dans l' opera seria italien que dans la tragédie lyrique française. Comme il l'explique dans la préface de son opéra Alceste (publiée en 1769), sa réforme consiste à ramener la musique à son véritable rôle, qui est de servir la poésie par son expression et de suivre le déroulement de l'intrigue sans interrompre l'action ni l'étouffer sous une prolifération d'ornements inutiles. Ce que l'on appelle aujourd'hui la réforme gluckiste commence déjà avec Orfeo ed Euridice créé à Vienne en 1762. C'en est fini de la prééminence de l'aria da capo opera seria, l'aria da capo est en trois parties ABA'. La partie A' est une reprise variée de A, dans laquelle le chanteur peut briller dans l'art de l'ornementation improvisée et dans les cadences virtuoses. et de la virtuosité gratuite, place à une virtuosité liée au drame. Le récitatif plus proche du chant est accompagné par l'orchestre. Les livrets considérés comme trop complexes mettent en scène désormais seulement deux protagonistes, selon le modèle antique.

Si les styles seria et buffa sont encore bien représentés, d'autres genres coexistent à Vienne :

Le singspiel se rapproche de l'opéra-comique français. C'est un mélange de jeu chanté et de dialogues en allemand. À seulement 12 ans, le jeune Mozart commence sa carrière de compositeur d'opéra avec un charmant singspiel, Bastien et Bastienne. C'est aussi en écrivant un singspiel, La Flûte enchantée, qu'il quitte la scène.

Parfois synonyme d'opera buffa, le dramma giocoso (" drame joyeux ") est une expression utilisée par Carlo Goldoni en 1748 pour désigner une forme d'opéra qui emprunte à la fois à l'opera seria et à l'opera buffa. À l'instar du premier, les personnages appartenant à la classe aisée ou à la noblesse s'expriment avec raffinement. Issus du second, les personnages comiques de classe plus modeste s'apostrophent souvent exagérément. Le livret, une critique sociale, a pour sujet une intrigue sentimentale qui se conclut joyeusement. Dans la production de Haydn, on compte cinq œuvres de ce genre, dont Le Monde de la lune. Don Giovanni de Mozart appartient également à cette catégorie.

Pistes pédagogiques

Écouter des opéras de Mozart et comparer les différents genres : La Clémence de Titus (opera seria), Les Noces de Figaro (opera buffa), Don Giovanni (dramma giocoso), La Flûte enchantée (singspiel)...

Lire la fiche thématique sur Mozart et l'opéra.

Lire la fiche thématique sur Gluck et l'opéra français.

Lire la fiche thématique sur l'opéra-comique.

Auteure : Sylvia Avrand-Margot

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Né en Italie au début du XVII e siècle, l'opéra est un genre qui ne cesse d'évoluer. Depuis L'Orfeo (1607) de Monteverdi (l'un des premiers opéras qui nous soient parvenus), qui cherche à renouer avec l'antique tragédie grecque à travers un texte intelligible alternativement énoncé par des solistes et des chœurs, l'opéra se décline progressivement sous plusieurs formes tandis qu'il est disséminé un peu partout en Europe.

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Pour la première fois dans l'histoire de l'opéra, Carmen de Bizet présente une histoire évoquant passion, violence et se terminant tragiquement. L'opéra choque le public à sa création en 1875.

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Informations générales

Description de l'Œuvre

Description Acte 1 Acte 2 Acte 3 Acte 4

En imaginant, dès l'ouverture, une musique dont la clarté éblouit et la puissance tragique étreint, Georges Bizet a paré la Carmen de Prosper Mérimée d'une robe étincelante et fatale. Les airs, duos, chœurs et danses de cet opéra-comique - fleur du romantisme français qui demeure aujourd'hui encore le plus joué au monde - sont non seulement très entêtants, mais ils vivifient un théâtre bouillonnant de vie, où l'amour et ses ravages naissent et meurent sous le ciel de Séville et de ses férias. Un parfum d'épices et de braise passe sur Carmen, un goût de passion impossible, dont on devine d'emblée qu'il se règlera par le sang. Depuis plus d'un siècle, l'opéra français a le visage de Carmen, victime et prédatrice, bohémienne et princesse aux pieds nus, femme libre et femme moderne.

Résumé de Carmen

En Espagne, à Séville. Arrêtée à la suite d'une querelle, Carmen, bohémienne au tempérament de feu, séduit le brigadier Don José, fiancé à Micaëla, et lui promet son amour s'il favorise son évasion. Don José libère Carmen, et se fait emprisonner à son tour. Il la retrouve deux mois plus tard parmi les contrebandiers. Pour elle, José se fait déserteur, et enchainé à sa passion dévorante pour Carmen, la poursuit de sa jalousie. La bohémienne finit par le repousser, et seule Micaëla parvient à ramener José au chevet de sa mère mourante. L'ultime rencontre entre Carmen et Don José se déroule devant les Arènes de Séville : alors qu'elle attend son nouvel amant, le torero Escamillo, José tente, dans une ultime confrontation, de convaincre Carmen de revenir auprès de lui. Désespéré, Don José supplie, implore, menace, mais elle, brave, refuse net : il la poignarde, avant de confesser son crime devant la foule.

Acte 1

A Séville, devant la caserne des dragons d'Alcala, le brigadier Don José, fiancé à la jeune Micaëla, est apostrophé par la bohémienne Carmen qui lui jette une fleur après avoir entonné la Habanera :

Extrait : " L'amour est un oiseau rebelle "

A la suite d'une bagarre entre cigarières, Carmen a été arrêtée, et c'est Don José qui est chargé de la surveiller. La séductrice achève d'enjôler le brigadier et lui promet l'amour s'il la laisse s'évader. Envouté par Carmen, Don José la libère, et se fait emprisonner pour cela -sachant qu'il la retrouvera.

Acte 2

Deux mois passent. Dans la taverne de Lilas Pastia, repaire des contrebandiers, Carmen attend Don José, désormais libre, mais le toréador Escamillo, plein de morgue, entend à son tour briller auprès d'elle.

" Votre toast, je peux vous la rendre "

Don José est tiraillé entre son sens du devoir et l'amour irrépressible qu'il éprouve pour Carmen. Cette dernière entame pour lui une danse fiévreuse, puis le raille, arguant qu'elle ne l'aime pas. Don José tombe à ses pieds et lui avoue sa passion.

" La fleur que tu m'avais jetée "

Acte 3

Don José a définitivement rejoint les bandits, seule façon de rester près de Carmen, envers qui il se montre de plus en plus possessif. Carmen sait la menace qui pèse sur elle, tant la jalousie de Don José l'étouffe et l'écrase. Micaëla elle-même s'est lancée à la recherche de Don José.

" Je dis que rien ne m'épouvante "

Acte 4

Carmen a rompu avec Don José et flirte désormais avec Escamillo. Mais elle sent combien son destin est lié à la passion dévastatrice de Don José. Il est là d'ailleurs, qui guette son ancienne maîtresse. Hagard depuis qu'elle l'a quitté, Don José presse Carmen, la supplie, mais la bohémienne, avide de liberté, ne veut rien entendre : plutôt mourir que céder ! Furieux de la voir sourde à ses cris, Don José est comme fou. Il la menace une dernière fois, puis la frappe en plein cœur. " C'est moi qui l'ai tuée, ma Carmen adorée... ", lâche-t il en se laissant arrêter.

C'est une bien triste nouvelle qui frappe le monde lyrique : la cantatrice américaine Maria Ewing s'est éteinte ce 9 janvier 2022 à Détroit, à l'âge de 71 ans. D'abord mezzo-soprano, elle finit pa...

À Toulouse, une Carmen sans Marie-Nicole

Laurent Vilarem

publié le 28 janvier 2022

Une Carmen comme on en rêve à l'Opéra national du Rhin

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publié le 03 décembre 2021

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Carmen (Œuvre - Georges Bizet/Henri Meilhac)

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Informations générales Description Acte 1 Acte 2 Acte 3 Acte 4 En imaginant, dès l'ouverture, une musique dont la clarté éblouit et la puissance tragique étreint, Georges Bizet a paré la Carmen de Prosper Mérimée d'une robe étincelante et fatale.

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Dessine-moi Carmen | 1 minute pour comprendre l'intrigue