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Publié par le Centre National de la Danse

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Interview des deux comédiennes du spectacle et de la metteuse en scène - à lire dans Mouvement

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S'il y a bien une chose qui agace Gisèle Vienne, c'est qu'on accuse ses mises en scène d'être violentes. Non pas que les pièces qu'elle créé depuis 20 ans fassent l'éloge du pacifisme. Simplement, une fois qu'on a posé ce mot, on n'a encore rien dit. À fortiori dans un moment où, par un étrange tour de passe-passe, ceux qui dénoncent les dominations sont plus volontiers taxés d'hystériques, de collabos ou de sécessionnistes que ceux qui les exercent. Qui décide de ce qui est violent ou pas ? Et quelles voix force-t-on au silence en les reléguant du côté du cri, donc de l'inentendable ? De la rave party ( Crowd, 2017) aux confessions d'un serial killer ( Jerk, 2008), à la lisière du théâtre, des arts visuels, de la danse et de la marionnette, les créations de Gisèle Vienne ne cessent d'être hantées par ces questions. Les formes qu'elle imagine déconstruisent les fausses évidences, interrogent nos perceptions. Ruth Vega Fernandez et Adèle Haenel ne pouvaient que se retrouver dans cette recherche. L'exigence de parler, quand tout pousse à se taire, Adèle Haenel - plus connue pour ses rôles au cinéma - en a fait un combat artistique et politique. Dans cette conversation, le mot-joker n'a jamais été prononcé. Mais il est assurément question de révolte, de joie, d'intelligence et de vie. De ces forces lumineuses que l'on perçoit aussi dans la violence, si on prend le temps de la considérer dans ses aspérités.

Gisèle Vienne : " Certains de nos collègues parlent d'un " théâtre de texte " et d'un " théâtre sans texte ". C'est absurde en réalité. Mais justifié par une hiérarchisation des perceptions qui me semble très grave d'un point de vue culturel et politique... On classe souvent mon travail dans le champ du théâtre sans texte ou dans celui de la chorégraphie. Visiblement, on ne veut pas - ou l'on n'arrive pas à - voir et entendre tous les textes qui se déploient dans mon travail. Je travaille depuis 18 ans avec l'auteur Dennis Cooper. Son écriture, dans le cadre de nos créations, n'a été que très rarement commentée, sauf peut-être pour Jerk (2008). Parce qu'il y avait plus de texte ? Trois mots, prononcés en une heure, peuvent être plus important qu'une heure de parole. Quels sont les textes que l'on écoute, lit et commente ? Qu'en est-il de notre capacité à lire les matières, les images et les corps ? Tout ce qui se passe et se lit en dehors du texte audible ? Il y a différentes strates de paroles : ce qui est audible, ce qui est formulé, ce qui l'est moins mais reste audible, tous les textes non audibles que portent les corps, les sons - dont le silence -, le mouvement et les images. Il me semble absolument essentiel de travailler sur des formes qui nous permettent de développer notre écoute et notre compréhension du sensible. Il s'agit aussi de laisser la parole aux corps et aux émotions. De penser le développement de notre intelligence en prenant en considération celle du corps, ainsi que son rapport subversif à l'autorité et aux jeux de domination issus de la norme, dont il peut souffrir. De comprendre davantage le rapport autoritaire qui peut exister entre le système cognitif-rationnel et le physique. En désamorçant ce rapport d'autorité, c'est à travers ces dialogues avec le corps et les émotions que nous pouvons développer nos connaissances.

Gisèle Vienne : " Le silence est le sujet de toutes les pièces. Si l'on s'intéresse à la parole, l'un des enjeux centraux est de s'intéresser au silence. C'est amputer l'écoute que de ne pas écouter le silence, ce qu'il y a en-dessous, au-dessus des textes audibles, ce qui va résonner derrière. Je ne suis pas née avec cette idée, il s'agit d'un processus de déconstruction culturel que je traverse en permanence, et de manière très forte, à travers l'expérience de la création. Mais effectivement, comment développer - dans le travail artistique et dans le partage avec les spectateurs - notre acuité à lire ce qui n'est pas donné culturellement à lire ou ce qui est dénigré dans la hiérarchie des perceptions ? Ces choses que l'on ne va pas regarder, ou beaucoup moins, voire même que l'on va critiquer en disant qu'elles " brouillent " la pureté de l'écoute de ce qu'il faut regarder et écouter. La question du silence rejoint aussi celle du mouvement : pourquoi bouge-t-on, pourquoi ne bouge-t-on pas, et de quelle manière ?

Dans L'Étang, vous donnez vie à plusieurs personnages avec vos corps, Ruth et Adèle, mais aussi par le truchement de poupées qui sont sur scène. Comment avez-vous abordé le jeu ?

L'Étang raconte l'histoire d'un adolescent qui teste l'amour de sa mère en simulant un suicide. Cette histoire résonne fortement aujourd'hui, en rappelant que le foyer est loin d'être un endroit de sécurité pour tout le monde.

Gisèle Vienne : " C'était très curieux de travailler cette pièce pendant le premier confinement. L'Étang, c'est bien une boîte blanche dans laquelle les personnages sont enfermés. La pièce met en scène toute la manière dont le système sociétal est imprimé dans notre chair, à travers la structure des rapports déjà créée dans la famille ; le modèle intime qui fait que cela va s'ancrer dans notre éducation sensible et affective. Je ne l'ai conscientisé que progressivement, mais la structure de la famille - avec un papa, une maman et des enfants - je ne l'ai jamais vue autrement que dysfonctionnelle. On sait très bien que les violences conjugales, l'inceste et les viols ne sont pas l'exception et font partie d'un système. Mais même sans ces faits-là, même dans sa banalité, la structure familiale reste violente. Demander à tout le monde de rester chez soi en supposant que la maison est un havre de paix et d'équilibre, c'est faire rentrer dans les sphères privées ce qu'on ne veut pas voir dans les sphères publiques. Il y a des gens à qui on a envie de dire : " Sortez de chez vous, partez loin ! "
Propos recueillis par Aïnhoa Jean-Calmettes & Jean-Roch de Logivière Photographies : Karen Paulina Biswell, pour Mouvement
> L'Étang de Gisèle Vienne, du 4 au 12 mai au Théâtre Vidy Lausanne

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Histoire de non-dits et de violences familiales, L’Étang, mise en scène par Gisèle Vienne, résonne étonnement en cette période trouble. Répétée pendant le premier confinement, cette pièce, dont la première a été retardée encore et encore, sera enfin jouée au Théâtre Vidy-Lausanne du 4 au 12 mai, à la faveur de la réouverture de lieux culturels suisses.

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Page Wikipédia de Robert Walser, auteur du texte Der Teich

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Page Wikipédia de Robert Walser, auteur du texte Der Teich

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Robert Walser, né le à Bienne ( Suisse) et mort le à Herisau (Suisse), est un écrivain et poète suisse de langue allemande.

Walser est né en 1878 dans la ville bilingue de Bienne, dans le canton de Berne. Il est l'avant-dernier des huit enfants d'Adolf Walser, relieur et commerçant (1833-1914) et d'Elisabeth " Elisa " Marti (1839-1894). En 1892, en raison du lent déclin des affaires paternelles et en dépit de ses bons résultats scolaires, Walser quitte l'école et accomplit un apprentissage de commis à la Banque cantonale bernoise. En 1895, à dix-sept ans, il quitte le domicile familial. Il séjourne et travaille à Bâle, puis à Stuttgart. Passionné par le métier d'acteur, il s'essaie sans succès au théâtre. De 1896 à 1905, il mène une vie nomade . Il vit principalement à Zurich, prenant des emplois alimentaires qu'il quitte dès qu'il a suffisamment d'argent pour se consacrer à la création poétique. Walser exercera de nombreux métiers (secrétaire, employé de banque, homme à tout faire), qui lui inspireront certains de ses plus grands textes.

Ses premiers poèmes paraissent dans le supplément dominical du journal Der Bund en 1898. À la suite de cette publication, Walser, grâce à Franz Blei, entre en contact avec les milieux d'avant-garde de Munich autour de la revue Die Insel. Il y publie des poèmes et de brefs drames en vers qu'il nomme des " ". Ainsi paraissent Poètes en 1900, Blanche-Neige et Cendrillon en 1901, et Les Garçons en 1902. C'est aux éditions Insel, à Leipzig, que sort son premier livre en 1904 - Les Rédactions de Fritz Kocher ( Fritz Kochers Aufsätze). L'ouvrage, malgré un accueil critique favorable, est un échec commercial.

En 1905, Walser s'établit à Berlin, où il loge chez son frère aîné Karl Walser, peintre et décorateur de théâtre, qui illustrera plusieurs de ses livres. En septembre 1905, Walser fréquente une école de domestique, puis s'engage d'octobre à décembre comme laquais au château de Dembrau (Haute-Silésie). De retour à Berlin, grâce aux relations de Karl, il se fait en quelques mois un nom dans les milieux artistiques d'avant-garde. Il sera brièvement secrétaire de la Sécession berlinoise. Entre 1907 et 1909, il rédige et publie trois romans chez le prestigieux éditeur Bruno Cassirer : Les Enfants Tanner ( Geschwister Tanner) en 1907, L' Homme à tout faire ( Der Gehülfe) en 1908 et L'Institut Benjamenta ( Jakob von Gunten) en 1909. Un recueil des poèmes de jeunesse paraît, également en 1909. Il place régulièrement ses textes dans les revues berlinoises les plus réputées, comme Die Schaubühne, die Neue Rundschau, ou encore Die Zukunft fondée et dirigée par Maximilian Harden. Walser a rassemblé un grand nombre de ces proses dans deux recueils parus en 1913 et 1914: Rédactions ( Aufsätze) et Histoires ( Geschichten). Quelques-uns des plus grands écrivains de l'époque, Christian Morgenstern, Max Brod, Kurt Tucholsky Robert Musil et, plus tard, Walter Benjamin, saluent cette oeuvre. Le jeune Franz Kafka se dit fasciné, impressionné. Entre 1910 et 1912, les publications se raréfient, Walser se détourne de ses fréquentations et de la vie littéraire, et travaille comme secrétaire auprès de sa logeuse.

Walser fuit Berlin pour s'installer à Bienne en 1913. Les raisons de son retour en Suisse sont mystérieuses. Il l'explique par son besoin de calme et de sérénité pour écrire. En réalité, il semble avoir traversé une période de dépression. Pendant les sept années biennoises, Walser publiera 9 livres, essentiellement des recueils de proses brèves ou de nouvelles - Histoires ( Geschichten) en 1914, Vie de poète ( Poetenleben) en 1917, La Promenade ( Der Spaziergang, intégré au recueil Seeland en 1920). En 1921, Robert Walser s'installe à Berne. Même s'il vit en marge de la société en général et de la vie littéraire en particulier, les années 1924 à 1933 comptent parmi les plus fécondes de l'écrivain. De Berlin à Prague et Zurich, des centaines de ses petites proses, poèmes et scènes dialoguées paraissent sous forme de feuilleton dans la plupart des grands journaux du monde germanophone, notamment le Berliner Tageblatt et la . Durant ces années d'intense productivité, il développe une méthode d'écriture en deux temps, les " microgrammes ". Un dernier recueil de proses, La Rose ( Die Rose), paraît en 1925. La grande masse des textes de Walser reste éparpillée, et ne sera rassemblée qu'après la mort de l'écrivain.

En 1929, Walser entre dans la clinique psychiatrique de la Waldau, à Berne, où il poursuit son travail de " feuilletoniste ". Il cessera d'écrire en 1933, après avoir été transféré contre son gré dans la clinique psychiatrique d' Herisau dans le demi-canton d' Appenzell Rhodes-Extérieures où il séjournera jusqu'au jour de Noël 1956 où, quittant la clinique pour une promenade dans la neige, il marchera jusqu'à l'épuisement et la mort. Son ami Carl Seelig a rendu compte des conversations menées avec l'écrivain pendant ces années de silence dans ses Promenades avec Robert Walser.

La prose de Walser se caractérise par des descriptions précises, fines et aériennes de situations banales. Walser donne l'impression de ne faire qu'effleurer les situations et les personnages qu'il décrit, et pourtant, cette superficialité ne donne jamais un goût d'inachevé. Dans la nouvelle du même nom, Walser emploie la métaphore de la " vitrine " pour décrire son œuvre :

" Une fois de plus, je n'ai fait là qu'esquisser ; en réalité, je devrais me sentir tenu d'en faire davantage. "

Walser est l'écrivain des choses petites, délicates et belles. Le fait de ce qui est petit caractérise également sa technique d'écriture des années 1920 : Walser esquissait ses textes au crayon, sur de simples bouts de papier, d'une écriture minuscule, avant de recopier à la plume ceux qu'il destinait à la publication. On mit longtemps après sa mort à se rendre compte que l'écriture microscopique de ce " Territoire du crayon " était déchiffrable et renfermait de très nombreux textes inédits, véritables œuvres - voire chefs-d'œuvre - littéraires. C'est ainsi, sous forme de " microgramme " (ainsi appelle-t-on ces textes), qu'est écrit son grand roman publié à titre posthume, Le Brigand.

Les manuscrits de Robert Walser ont déménagé de Zurich à Berne, et sont aujourd'hui sauvegardés au sein des Archives littéraires suisses, à la Bibliothèque nationale. Au cœur de la vieille ville, le Centre Robert Walser est ouvert aux chercheurs et au public.

Une autre traduction, plus ampoulée et moins proche de l'esprit biennois si caractéristique de Robert Walser, est parue ensuite chez Gallimard sous le titre Der Gehülfe, 1908 - première traduction par Walter Weideli aux éditions L'Âge d'Homme sous le titre L'Homme à tout faire Le Commis.

L'Institut Benjamenta (Jakob von Gunten, 1909), traduit par Marthe Robert, Grasset, 1960

Au bureau. Poèmes de 1909, Zoé, 2010 (Gedichte, 1909)

Petits textes poétiques (Kleine Dichtungen, 1914), Gallimard

La Promenade (Der Spaziergang, 1917), Gallimard, 1987

Petite Prose, Zoé, 2010 (Kleine Prosa, 1917)

Vie de poète, Zoé, 2006 (Poetenleben, 1917)

Le Brigand (Der Räuber, 1925, publié 1972), traduit par Jean Launay, Gallimard, 1994.

Sur quelques-uns et sur lui-même (recueil de textes extraits de diverses revues et publications, 1902-1932, Gallimard, 1994)

Félix (publié 1986), Zoé, 1997

Rêveries et autres petites proses (extraits de Kleine Dichtungen et Traümen)

L'Enfant du bonheur et autres proses pour Berlin, Zoé, 2015

L'Institut Benjamenta, mis en scène par Bérangère Vantusso (Compagnie trois six trente, Lille, 2016).

Le Projet RW (adapté de la nouvelle La Promenade), créé par le Collectif Quatre Ailes en 2008 et tourné jusqu'en 2012

Adaptations musicales

Schneewittchen (Blanche-Neige), opéra de Heinz Holliger (1997-1998), livret de Heinz Holliger

Bibliographie

Robert Walser, 1987, Éditions L'Âge d'Homme / pro helvetia, collection dossiers pro helvetia

Le Vagabond immobile (Robert Walser), Marie-Louise Audiberti, 1996, Éditions Gallimard

Robert Walser, Catherine Sauvat, 2002, Éditions du Rocher

Robert Walser : Danser dans les marges, Peter Utz, 2001, Éditions Zoé, traduction de l'ouvrage paru en 1998 aux Éditions Suhrkamp

Robert Walser, mai 2003, Europe, revue littéraire mensuelle

Liens externes

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Robert Walser, né le à Bienne ( Suisse) et mort le à Herisau (Suisse), est un écrivain et poète suisse de langue allemande. Walser est né en 1878 dans la ville bilingue de Bienne, dans le canton de Berne. Il est l'avant-dernier des huit enfants d'Adolf Walser, relieur et commerçant (1833-1914) et d'Elisabeth " Elisa " Marti (1839-1894).

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Réalisée par Canopé (2020)

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Exposition IT'S ALIVE d'Estelle Hanania, inspirée de l'oeuvre de Giselle Vienne

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Exposition IT'S ALIVE d'Estelle Hanania, inspirée de l'oeuvre de Giselle Vienne

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À découvrir dans le hall du Manège

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Limited edition
Limited edition with hand made color print, unframed, 18 x 24 cm, signed and numbered.
Available during the preorder period only, until Dec. 3rd, 2019.

Estelle Hanania
IT'S ALIVE! A travers l'œuvre de Gisèle Vienne
192 pp.
thread-swened hardcover
blind debossing on front and back cover with foilblocked typography on spin
4 colors offset
Format: 215 x 270 mm
Print run: 1000 copies
Language: French / English
Rennes, December 2019
ISBN: 978-2-36582-019-6
45€ / ORDER - COMMANDER
BOOKLAUNCHES
- December 3rd, 2019 at Yvon Lambert, 14 rue des Filles du Calvaire 75003 Paris
- December 6th, 2019 at CND Nanterre Amandiers, 7 Avenue Pablo Picasso, 92000 Nanterre
- December 7th, 2019 at CND Nanterre Amandiers, 7 Avenue Pablo Picasso, 92000 Nanterre

ABOUT IT'S ALIVE! à travers l'oeuvre de Gisèle Vienne, the new book from French photographer Estelle Hanania, gathers over ten years of collaboration and archives revolving around the artistic universe of Gisèle Vienne.
A subjective monography on the choreographer's work, the present book makes for one of Estelle Hanania's densest cluster of images to date, arraying a collection of photographs that spans from 2008 to 2019.
For Estelle Hanania, whose work has previously been featured twice by Shelter Press, the human body has proven to be a limitless source of inspiration. Her ability at capturing the essence of Gisèle Vienne's vision, through her acute visual understanding of bodies and objects, as well as her knack for building natural bridges between Gisèle's performances and the whole of her photographic endeavour, make this new publication a much essential milestone in Estelle's career.
Shaking up the foundations of the classic live-performance book as we know it, It's Alive! offers a singular take on the work of Gisèle Vienne, inviting the reader to look from beyond the stage's borders, taking a step back and shifting perspectives, allowing to envision the whole of Vienne's body of work under a fresh new light; the heart of the book deploying in truly free and sensible fashion, while eschewing the chronological, and/or thematic approach usually associated with such efforts.
An ambitious photographic project in full resonnance with Shelter Press' aspirations, it is with particular emotion that we welcome this title, reference SP100, to the fold - a number bound to establish as a landmark issuing in our catalogue.

A PROPOS IT'S ALIVE! à travers l'œuvre de Gisèle Vienne, nouveau livre de la photographe française Estelle Hanania, regroupe dix années de collaboration et de documentation autour du travail de Gisèle Vienne.
Monographie subjective dédiée à l'œuvre de la chorégraphe, le livre propose l'un des corpus d'images les plus dense d'Estelle Hanania, présentant un ensemble de photographies réalisées entre 2008 et 2019.
Pour Estelle Hanania, dont le travail a déjà fait l'objet de deux ouvrages publiés par Shelter Press, le corps humain est une source d'inspiration sans limite. Son habileté à capturer l'essence du travail de Gisèle Vienne, par son regard unique sur les corps et les objets, mais aussi en créant des ponts naturels entre ces spectacles et l'ensemble du son travail photographique, fait de ce nouvel ouvrage un élément majeur dans sa carrière.
Bousculant les canons du livre de spectacle vivant, It's Alive! pose un regard singulier sur le travail de Gisèle Vienne, invitant le lecteur à regarder hors du plateau, à se positionner à une distance nouvelle, mais aussi à envisager l'ensemble de l'œuvre de la chorégraphe sous un jour nouveau, le contenu du livre se déployant de façon sensible et libre, se détachant d'une approche chronologique ou thématique propre à ce type d'ouvrage.
Livre de photographie ambitieux et en complète résonance avec le catalogue de Shelter Press, c'est avec une émotion non dissumulée que ce titre, portant le numéro de référence SP100, s'inscrit comme un jalon essentiel de notre catalogue.

Photographs: Estelle Hanania
Texts: Pierre Dourthe, Estelle Hanania, Gisèle Vienne
Translation: John Doherty
Design: Bartolomé Sanson and Estelle Hanania

Publié avec le soutien à l'édition du Centre national des arts plastiques

ESTELLE HANANIA Estelle Hanania's photographs quite brilliantly meld the real and imaginary-the extraordinary and the incidental-to create contemporary visual folklore. While attending the School of Fine Arts in Paris, Estelle Hanania experimented with photography and honed her skills as a freelance art director. A month after receiving her degree, Hanania was awarded the 2006 Hyères Festival's photography prize.
Hanania has created remarkable publications since 2009, beginning with a self-published zine that marks her ongoing collaboration with performance artist Christophe Brunnquell, and Parking Lot Hydra (Decathlon, 2009). Myriorama (Gottlund Verlag, 2010), A Propos De Gisèle (in collaboration with choreographer Gisèle Vienne, JSBJ, 2011), and Dondoro (Kaugummi, 2011), are each distinct experiences of Hanania's encounters and collaborations. Her most recent books; Glacial Jubilé (2013), Eternelle Idole (book and vinyl by Stephen O'Malley, 2015), and Happy Purim (2015) are all published with Shelter Press. In addition to her book-making, Hanania has exhibited her work internationally for the past ten years. For Estelle Hanania, the human form is an endless source of inspiration. Her capacity for balancing instinct, observation, improvisation and precision makes her images uniquely theatrical and unforgettable.
Hanania's photographs have appeared in publications including AnOther Magazine, Garage, Luncheon, M le Magazine du Monde, Mémoire Universelle, POP, T: The New York Times Style Magazine, American Vogue, and British Vogue. She has been commissioned by fashion brands including Dior, Gucci, Lemaire, and Nina Ricci.

Les photographies d'Estelle Hanania mêlent subtilement le réel et l'imaginaire - l'extraordinaire et le prosaique - pour créer son propose folklore visuel. Etudiante à l'école des Beaux Arts de Paris, Estelle Hanania expérimente alors le tirage argentique grand format tout en travaillant comme directrice artistique free lance. En 2006, un mois après avoir obtenu son diplôme, Hanania reçoit le grand prix du festival de photographie de Hyères .
Depuis 2009, la photographe a produit plusieurs publications allant d'un fanzine auto-publié qui marqua le début de sa collaboration avec l'artiste Christophe Brunnquell, à Parking Lot Hydra (Decathlon, 2009). Myriorama (Gottlund Verlag, 2010), et Dondoro (Kaugummi, 2011), toutes ces publications témoignent des rencontres et collaborations successives d'Hanania. Ses livres plus récents; Glacial Jubilé (2013), Eternelle Idole (livre et vinyl de Stephen O'Malley, 2015), et Happy Purim (2015) sont tous publiés chez l'éditeur indépendant Shelter Press. En parallèle à ses publications, Estelle Hanania expose internationalement depuis ces 10 dernières années. Pour la photographe, le corps humain est une source infinie d'inspiration. Sa capacité à allier instinct, observation, improvisation et précision rendent ces images théâtrales et marquantes.
Estelle Hanania collabore régulièrement avec la presse, notamment pour des publications telles qu' AnOther Magazine, T: The New York Times Style Magazine, American Vogue, Luncheon, M le Magazine du Monde, Mémoire Universelle, POP, entre autres. Des marques de mode telles que Dior, Lemaire, et Nina Ricci ont également collaboré avec la photographe. Son dernier livre " It's Alive! A travers l'oeuvre de Gisèle Vienne " publié à nouveau chez Shelter Press rassemble dix ans de collaboration avec la chorégraphe Gisèle Vienne.

GISELE VIENNE Gisèle Vienne was born in 1976. She is a franco-austrian artist, choreographer and director. After graduating in Philosophy, she studied at the puppeteering school Ecole Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette. She works regularly with, among other, the writers Dennis Cooper, the musicians Peter Rehberg and Stephen O'Malley, and the light designer Patrick Riou.
Since the company was founded in 1999, 14 shows have been created. She has choreographed and directed, in collaboration with the writer Dennis Cooper, I Apologize (2004) and Une belle enfant blonde / A young, beautiful blond girl (2005), Kindertotenlieder (2007) and Jerk, a radioplay in the framework of the "Atelier de Création Radiophonique" of France Culture (June 2007), the play Jerk (2008), Eternelle Idole (2009) with an ice skater and an actor, This is how you will disappear (2010), LAST SPRING: A Prequel (2011), Showroomdummies #3 rewriting of the piece created in 2001 with Etienne Bideau-Rey that is now part of the CCN-Ballet de Lorraine repertoire, The Pyre (2013), The Ventriloquists Convention (2015) in collaboration with Puppentheater Halle and Crowd (2017). Since 2005, she has been frequently exhibiting her photographs and installations.
Gisèle Vienne, Dennis Cooper, Peter Rehberg and Jonathan Capdevielle published an audio book in 2 versions French and English: JERK / Through Their Tears (publisher DIS VOIR). She has published a book 40 PORTRAITS 2003-2008, in collaboration with Dennis Cooper and Pierre Dourthe (publisher P.O.L). Currently she is working on a show based on Robert Walser short story Der Teich.

Née en 1976, Gisèle Vienne est une artiste, chorégraphe et metteure en scène franco-autrichienne. Après des études de philosophie et de musique, elle se forme à l'Ecole Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette. Elle travaille depuis régulièrement avec, entre autres collaborateurs, l'écrivain Dennis Cooper, les musiciens Peter Rehberg et Stephen O'Malley et l'éclairagiste Patrick Riou.
Créée en 1999, la compagnie compte aujourd'hui 14 pièces à son répertoire. Les premières pièces ont été créées en collaboration avec Etienne Bideau-Rey, Spendid's (2000), Showroomdummies (2001) qui a par la suite été réécrite en 2009 et est entrée au répertoire du CCN-Ballet de Lorraine en 2013, Stéréotypie (2003) et Tranen Veinzen (2004). Dix pièces mises en scène par Gisèle Vienne tournent régulièrement en Europe et dans le monde : I Apologize (2004), Une belle enfant blonde / A young beautiful blonde girl (2005), Kindertotenlieder (2007), Jerk, un radiodrame (2007) dans le cadre de l'atelier de création radiophonique de France Culture, sa version scénique Jerk (2008), Eternelle Idole (2009), pièce pour une patineuse et un comédien, This is how you will disappear (2010), LAST SPRING : A Prequel, installation pour une poupée robotisée (2011), The Pyre (2013), The Ventriloquists Convention (2015) créé en collaboration avec le Puppentheater Halle et Crowd (2017).
Depuis 2005, Gisèle Vienne expose régulièrement ses photographies et installations. Elle a publié un livre + CD Jerk / Through Their Tears en collaboration avec Dennis Cooper, Peter Rehberg et Jonathan Capdevielle aux Editions DISVOIR en 2011 et un livre 40 Portraits 2003-2008, en collaboration avec Dennis Cooper et Pierre Dourthe, aux Editions P.O.L en février 2012.
Gisèle Vienne prépare actuellement une mise en scène du texte de Robert Walser l'Etang.

Posted in Books

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Estelle Hanania 'IT'S ALIVE! A travers l'œuvre de Gisèle Vienne' (SP100)

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Limited edition Limited edition with hand made color print, unframed, 18 x 24 cm, signed and numbered. Available during the preorder period only, until Dec. 3rd, 2019. Estelle Hanania IT'S ALIVE! A travers l'œuvre de Gisèle Vienne 192 pp.

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À lire dans Panorama de la danse contemporaine de Rosita Boisseau

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"Gisèle Vienne, mauvais esprits" À lire dans Libération

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Un jour, en sortant d'une pièce de Gisèle Vienne, une journaliste est venue trouver le père de l'artiste en lui demandant ce qu'il pensait du fait que sa fille montre de telles horreurs à longueur de spectacles. C'est vrai quoi, que s'est-il donc passé à la fin des années 70, dans les montagnes grenobloises, pour que la petite Gisèle devienne plus tard cette artiste fascinée par les histoires de ventriloques violeurs d'enfants, copine avec le pape du queercore Dennis Cooper ou la grande prêtresse SM Catherine Robbe-Grillet ? A quel niveau a-t-il déconné pour que cette jeune étudiante en philosophie, qui aurait "adoré être traductrice", finisse par mettre son inoffensive formation de marionnettiste au profit de récits horrifiques, où rôdent les psychopathes camés, les poupées flippantes et les pervers sexuels ?

C'est typiquement le genre de sous-entendus psychologisant à deux balles que Gisèle Vienne balaye d'un grand revers de rire juvénile. Elle sait pourtant qu'elle n'a pas fini d'en entendre, elle qui, à 41 ans, "tourne" actuellement sa chorégraphie Crowd, hantée par les fantômes des free parties,et prépare une mini-série pour Arte, avec Dennis Cooper au scénario. Gisèle Vienne n'a plus 16 ans, ce qui veut dire qu'elle n'a pas la coquetterie de surjouer la transgressive, ni de survendre le storytelling familial. Mais puisqu'on insiste... Elle rit beaucoup, donc. Les fausses pistes, par exemple, ça l'amuse. Son apparence sage en est une : "C'est vrai qu'il n'y a pas beaucoup de cohérence entre ce que je suis et ce à quoi je ressemble." A mieux la regarder, pourtant, on distingue en elle plusieurs genres et plusieurs âges : visage d'enfant, rictus d'ado déglingue, voix de vieille dame. Mais rien à voir avec l'excentricité de son ami plasticien Jean-Luc Verna, tatoué jusqu'aux dents, ou l'attirail dark de son conjoint depuis dix ans, le musicien américain Stephen O'Malley. " Le fait de paraître physiquement si présentable, c'est une autre forme de subversion, s'enthousiasme-t-elle. Un travestissement social !"

Autre fausse piste, sa situation conjugale : "Je joue le jeu social, je suis pacsée, mais je ne comprends pas l'hétérosexualité, ni l'homosexualité d'ailleurs. Pour moi, le désir est protéiforme." Enfin, fausse piste ultime, celle de "l'enfance traumatique" dont elle rit, encore, en famille. Revenons donc à l'anecdote : son père, sur le travail macabre et borderline de sa fille, son père "trop mignon, a juste répondu : "Ce sera toujours moins pire que ce que montre ma femme !" Parce que ma mère, une plasticienne autrichienne, est quelqu'un de très... de très, très indiscipliné. Vous voyez Jean-Luc Verna ? Eh bien, ils s'aiment beaucoup." Donc d'un côté une mère qui accroche sur les murs de la maison familiale ses œuvres "d'une violence extraordinaire, avec des sexualités complètement tarées", qui développe "une fascination rigolote" pour les punks ou les travs. Et en contraste, un père "aux superbes manières, un intellectuel extrêmement bien élevé, qui parle un français magnifique", devenu professeur d'économie après avoir été diplomate communiste au début des années 60. Cette "liberté de fantasmes", cette "extravagance de l'imagination", elle la retrouvera plus tard, à Paris, auprès du couple Robbe-Grillet, qui tous deux l'ont "énormément nourrie". "Je fréquente des gens absolument adorables mais qui ont des pensées abominables ! s'enthousiasme-t-elle. Et il n'y a rien de plus jubilatoire, pour moi, que de voir ou de penser des choses transgressives qu'on ne ferait pas dans la vie."

On rencontrait aussi Gisèle Vienne pour ça. Parce qu'à la suite du scandale Weinstein, les œuvres soupçonnées d'alimenter une "culture du viol" sont aujourd'hui pointées du doigt. Et qu'on était très curieuse de connaître les impressions d'une artiste qui, déjà toute jeune femme (elle commence la mise en scène à 23 ans) revendiquait le droit aux fantasmes tordus jusqu'à susciter d'étranges commentaires : "Ils sont minoritaires mais on a pu me dire que je représentais un imaginaire d'homme et, qu'en tant que femme, j'étais victime de cet imaginaire." Dans un essai de 2009, le psychanalyste Serge Tisseron regrettait que l'art ait laissé le soin à la publicité de commercialiser "ces désirs qui nous font honte". Gisèle Vienne : "Aujourd'hui, quand on tue 260 personnes dans un roman, on ne dit pas que l'auteur est "criminel". Mais quand on viole une femme ou quand on touche un enfant dans une fiction, c'est "inaudible". Tout le monde a des pensées inconvenantes, des curiosités perverses. Les interdire ou les ignorer me semble bien la pire des choses à faire. On vit dans un rapport très moral à la mauvaise pensée, c'est un héritage très catho, hein... Alors qu'il faudrait réfléchir aux façons d'épanouir ce qui nous anime sans mettre en péril la communauté."

Et c'est fou, maintenant qu'elle y pense, à quel point sa pièce Jerk (2008), carnage de viols et de meurtres en marionnettes, a suscité des réactions différentes en France, au Japon, ou aux Etats-Unis, "où les spectateurs avaient du mal à le regarder comme une fiction". Côté violence, c'est sa pièce la plus spectaculaire. Les autres sont quasi toutes hantées par les paysages brumeux dans lesquels elle a grandi, entre scène alternative grenobloise, underground genevois et défonce en Forêt-Noire : "Les ados de 15, 16 ans, là-bas, où j'ai fait une partie de mon collège, étaient vraiment trash. Mes pièces portent ce décalage entre des sensations de nature extraordinaire, le grand air frais, les pins... et une culture adolescente complètement déglinguequi s'explose la tête." Dans sa dernière chorégraphie, Crowd, ce sont les traces de ses années lycées qui ressurgissent. Elle les passe à Berlin au début des années 90, entre binge watching de pièces de théâtre de sept heures et découverte de lieux de clubbing fabuleux. Presque des fêtes païennes. Et c'est bien le déficit de rituels laïques qu'elle entend évoquer dans cette rave-party esthétisée qu'est Crowd, avec quinze danseurs en sweat à capuche et le set electro de Peter Rehberg. La question la préoccupe beaucoup, elle qui n'est pas croyante mais se dit toujours partante pour dialoguer avec les cathos, même ceux d'extrême droite dont elle compte quelques membres dans sa famille. Où et comment recréer un rapport à la spiritualité dans une société matérialiste ? En lisant Georges Bataille peut-être, mais aussi Albert Hofmann, l'inventeur du LSD, ou en étudiant ces communautés musicales alternatives, punk, techno, qu'elle a beaucoup fréquentées. Aujourd'hui, dit-elle, "le travail est vraiment ma drogue". Pas beaucoup de distractions. "Ah si ! La semaine dernière, en tournée, on est sorti en club avec les danseurs. Elle était vraiment pourrie, cette fête. C'était bien !"
photo Julien Mignot
1976 Naissance à Charleville-Mézières (Ardennes).

2005 Une belle enfant blonde, coécrit avec Catherine Robbe-Grillet et Dennis Cooper.

7-16 décembre 2017 Crowd au Théâtre Nanterre-Amandiers, avec le Festival d'Automne à Paris. Res. 01 46 14 70 00

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Un jour, en sortant d'une pièce de Gisèle Vienne, une journaliste est venue trouver le père de l'artiste en lui demandant ce qu'il pensait du fait que sa fille montre de telles horreurs à longueur de spectacles.

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"Giselle vienne et ses poupées cruelles" à lire dans Le Monde

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Lisse, douce, souriante. 36 ans, aucun maquillage. Dans sa petite cape bleu marine, Gisèle Vienne ressemble à une image. Jeune femme apparemment très sage, elle parle sur le même ton calme, n'élude aucune question, mais en adoucit les angles. Loin des rituels macabres et violemment beaux qu'elle imagine. Toujours en tournée, cette "tantôt chorégraphe, tantôt metteuse en scène, tantôt marionnettiste, et les trois à la fois", se pose dans un café, comme si elle avait la vie devant elle. A peine une soirée en réalité, avant de repartir le lendemain matin dans le sillage de son camion rempli de poupées.

Une quarantaine de ses mannequins - des adolescentes grandeur nature habillées en collégiennes - se serrent sur les bancs de l'espace 315 au Centre Pompidou, à Paris. Ils sont les invités d'honneur du Nouveau Festival, vitrine pluridisciplinaire de la création qui se déroule jusqu'au 12 mars. C'est la première fois depuis le début de sa carrière en 2000 que Gisèle Vienne expose les vedettes de ses spectacles.

Le titre de cette installation : Teenage Hallucination. En face de cette étrange classe d'élèves immobiles, elle a accroché leurs portraits photographiés par ses soins. "Je mets tellement de moi dans ces poupées que si jamais elles disparaissaient dans un incendie ou un accident, il me restera toujours leurs photos, dit-elle l'air de rien. Je suis très angoissée à cette idée. Elles sont une partie de ma vie."

Gisèle Vienne joue à la poupée depuis son enfance. A 10 ans, elle les fabriquait dans de la pâte à fibre, les habillait en punk ou en pop star. Aujourd'hui, l'ancienne étudiante en philosophie, diplômée de l'Institut international de la marionnette de Charleville-Mézières - elle a largement contribué à remettre la marionnette sur le devant de la scène depuis dix ans - consacre des heures à modeler les têtes de ses mannequins.

Elle aime aussi les peindre - cinq à huit couches de couleurs sur les visages curieusement roses, griffés ou meurtris -, les coiffer et les maquiller. Paupières baissées toujours. "Les poupées font plus vivantes comme ça, précise-t-elle. Je ne les manipule quasiment jamais. Leur présence suffit généralement à semer le trouble. Je m'amuse beaucoup à les concevoir, même si j'ai un rapport très détaché avec elles. C'est en les fabriquant que peu à peu se révèlent un caractère, un personnage, une histoire."

Et quelles histoires ! Les lolitas de Gisèle Vienne ont les bas souvent tachés de sang. Objets de transfert et de fantasmes extrêmes, elles servent la cause de ses spectacles hypnotiques et terrifiants, sophistiqués toujours, imaginés en complicité avec l'écrivain américain Dennis Cooper. Jouets sexuels au milieu de cercueils en bois dans I Apologize (2004) ; leurres décoratifs pour cérémonie SM, dirigée par la maîtresse Catherine Robbe-Grillet pour Une belle enfant blonde (2005) ; figurantes pour l'enterrement d'un jeune homme dans Kindertotenlieder (2007), les jolies poupées ont beaucoup vécu.

L'adolescence, l'identité, l'érotisme et la cruauté prennent chez Vienne et Cooper un tour sans issue. "Exprimer sur scène des sentiments inavouables", tel est le but de Gisèle Vienne. "Je sais que je travaille sur des expériences limites, morbides, mais je ressens la nécessité de mettre en scène la mort, l'horreur, la violence, ces choses qui provoquent une excitation trouble." Elle ajoute : "Dennis écrit sur ce qui lui fait peur."

Elle évoque une enfance dorée et tranquille. Pas de drames sauf "ceux, classiques, que tout adolescent traverse". Peu d'argent mais un "confort intellectuel et artistique". Livres, expositions, spectacles, musique. Elle joue de la harpe depuis l'âge de 6 ans. Son prénom, elle le tient de sa mère, Dorothea Vienne-Pollak, autrichienne et peintre. Son nom, de son père, français et professeur d'allemand.

A Berlin, où elle a vécu à l'âge de 17 ans, elle file au théâtre dès qu'elle peut, dans les clubs de musique techno aussi. Les installations des plasticiens Christian Boltanski et Annette Messager la fascinent. "Les marionnettes font le lien entre le théâtre et les arts plastiques, dit-elle. Je dois beaucoup à ma mère. C'est d'elle que je tiens mon goût pour le travestissement et le maquillage. J'ai toujours adoré me déguiser, porter des perruques. Avec moi, c'est plutôt Halloween tous les jours, mais c'est drôle tout de même."

Eh oui, Gisèle Vienne s'amuse. "Si je ne riais pas en racontant des choses aussi atroces que celles que je mets en scène, ce serait terrible, s'exclame-t-elle. Je travaille de façon très ludique avec mes partenaires, sinon on se ferait mal." Pleine de sollicitude, elle veille sur le comédien et marionnettiste Jonathan Capdevielle, rencontré lors de leurs études à Charleville-Mézières. Il a interprété tous ses spectacles depuis 2004, dont Jerk (2008), solo pour une chaise et cinq marionnettes dans lequel il livre un sidérant numéro d'acteur ventriloque et bruiteur.

C'est encore l'ami Cooper qui tient la plume. Il a romancé un fait divers : dans les années 1970, au Texas, un tueur en série assassina plus d'une vingtaine de garçons avec l'aide de deux adolescents. Capdevielle, qui adore les films d'horreur, endosse tous les personnages, les vivants et les morts, le bourreau et les victimes. Un exploit qui file une méchante chair de poule. Jonathan Capdevielle a interprété Jerk deux cents fois ; Gisèle Vienne a assisté à cent cinquante représentations. Lorsque Jonathan n'a pas envie de jouer, elle annule le spectacle. "On a plein de choses à faire ensemble, je ne veux pas qu'il s'abîme, confie-t-elle. Il faut savoir conserver une distance saine avec ce rôle."

Jonathan Capdevielle et Gisèle Vienne avaient 30 ans lorsqu'ils ont commencé à penser à Jerk. Ils en ont 36 aujourd'hui. Sous le capuchon du sweat-shirt de l'adolescence, ils vieillissent sans prendre une ride, rêvent de mettre en scène une maison hantée. Jonathan jouera Jerk aux côtés des poupées de Giselle.

Gisèle Vienne et Dennis Cooper, "Teenage Hallucination" ; "Jerk", avec Jonathan Capdevielle. Nouveau Festival. Espace 315, jusqu'au 12 mars. Centre Pompidou, Paris 4 e. Jusqu'au 12 mars. Entrée libre. Certains spectacles sont interdits aux moins de 12 ans. Tél. : 01-44-78-12-33. Sur le Web : centrepompidou.fr et www.g-v.fr.

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Lisse, douce, souriante. 36 ans, aucun maquillage. Dans sa petite cape bleu marine, Gisèle Vienne ressemble à une image. Jeune femme apparemment très sage, elle parle sur le même ton calme, n'élude aucune question, mais en adoucit les angles. Loin des rituels macabres et violemment beaux qu'elle imagine.

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Entretien vidéo de Giselle Vienne autour de sa dernière création, Crowd (2017)

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Entretien vidéo de Giselle Vienne autour de sa dernière création, Crowd (2017)

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À découvrir sur le site internet de l'artiste

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Page Wikipédia de Ruth Vega Fernandez, actrice dans la pièce avec Adèle Haenel

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Page Wikipédia de Ruth Vega Fernandez, actrice dans la pièce avec Adèle Haenel

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Ruth Vega Fernandez en 2014.

Ruth Vega Fernandez, née le aux Îles Canaries ( Espagne), est une actrice suédoise.

Après des études à l'Ensatt sous la direction de Christophe Perton, Philippe Delaigue et Enzo Corman, elle rejoint la troupe du TNP (Théâtre national populaire) où elle travaille sous la direction de Christian Schiaretti pendant trois ans. Par la suite elle part pour la Suède où elle tient des premiers rôles au théâtre ainsi qu'au cinéma. Depuis elle partage son temps entre les deux pays.

Télévision

2007 : How Soon Is Now? (mini série) : Rebecka Söderström

2015 : Gentlemen & Gangsters (mini série) : Maud

Notes et références

https://my51blog.skyrock.com/3112391647-Ruth-Vega-Fernandez-Kyss-Mig.html

Sur les autres projets Wikimedia :

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Ruth Vega Fernandez en 2014. Ruth Vega Fernandez, née le aux Îles Canaries ( Espagne), est une actrice suédoise. Après des études à l'Ensatt sous la direction de Christophe Perton, Philippe Delaigue et Enzo Corman, elle rejoint la troupe du TNP (Théâtre national populaire) où elle travaille sous la direction de Christian Schiaretti pendant trois ans.

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Sa carrière et ses engagements

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Morceau de SUNN O))), par Stephen O Malley, qui crée la musique du spectacle

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Morceau de SUNN O))), par Stephen O Malley, qui crée la musique du spectacle

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Une histoire des arts de la marionnette 

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Une histoire des arts de la marionnette 

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Découvrir l'histoire de la marionnette grâce à ce dossier mêlant texte et vidéos

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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L'irrésistible extension d'un art populaire

Au milieu du XXe siècle, les artisans marionnettistes traditionnels, formés pour la plupart par transmission familiale, croisent un nouveau courant de manipulateurs dont la pratique est envisagée sous l'angle profondément différent de la recherche artistique, créant alors les prémices de la marionnette contemporaine. Ce courant est principalement issu des membres de la troupe des Marionnettes à la française, créée par le metteur en scène Gaston Baty (André Blin, Alain Recoing, Claude-André Messin, Maurice Garrel, Jean-Loup Temporal), et de celle des Comédiens routiers (Yves Joly, Georges Tournaire, Hubert Gignoux...). Les nouveaux venus à une profession librement choisie combattent pour l'obtention d'un vrai statut social et prennent peu à peu le pas sur les anciens. En 1956, Yves Joly devient le président du tout récent Syndicat national des arts de la marionnette et de l'animation. Leurs désirs sont vite partagés ou soutenus par un autre groupe, fédéré autour de l'amateurisme par Jacques Félix et les Petits comédiens de chiffon de Charleville-Mézières.

Les cabarets parisiens

À l'exception du Studio des Champs-Élysées qui reçoit les textes de Molière, Lorca, Cocteau, Courteline, joués par les marionnettes d'Hubert Gignoux - avant que celui-ci ne retourne au théâtre d'acteurs - et les grands spectacles de marionnettes à fils de Jacques Chesnais, la volonté de non-conformisme trouve son lieu d'expression dans les cabarets littéraires parisiens nouvellement créés.

Les marionnettistes y rencontrent un public d'adultes, avides de détente et de surprises, à travers des spectacles essentiellement visuels qui doivent constituer des ruptures entre deux prestations de poètes ou de chanteurs. Dès 1946, La Rose rouge présente les numéros à mains nues ou gantées d'Yves Joly qui remporte le premier prix du Concours des Jeunes Compagnies en 1948. À partir de 1951, Pierre Prévert programme pendant sept ans Georges Lafaye à La Fontaine des Quatre-Saisons. Celui-ci remporte un triomphe avec John et Masha, rencontre amoureuse, éclairée par un seul projecteur, d'un chapeau haut-de-forme et d'un boa en plumes. Lafaye vient d'inventer le castelet de lumière du théâtre noir.

L'Écluse accueille en 1951 la Compagnie des trois (Alain Recoing, Claude-André Messin, Maurice Garrel) et ses parodies de romans policiers, puis les Marottes d'André Tahon, la compagnie d'Yves Joly, Mathilde et Paul Dougnac, les Tournaire (Georges Tournaire et Henri Gouge) et, dans les années 60, les autruches de Philippe Genty ou les saynètes comiques de Jean-Paul Hubert.

On retrouve certains artistes dans d'autres cabarets : l'Échelle de Jacob, la Galerie 55, À l'Échanson où André Tahon reste trois ans, le Lapin agile... Il s'agit de capter en quelques minutes l'attention d'un public attablé, de maintenir un rythme très soutenu, d'être efficace et surprenant avec des moyens simples : plus de castelet à monter (Jean-Paul Hubert porte son " théâtricule " à la chinoise sur les épaules), parfois une " bande " symbolique, plus de décors, plus de poupées raffinées, un cadre noir et des matériaux en mouvement, des objets utilitaires détournés, des mains, des rais de lumière. Dans un espace scénique réduit à peu de mètres carrés se déploie déjà toute l'inventivité formelle et technique de la marionnette à venir. Mais, financièrement exsangues, les cabarets ferment leurs portes au cours des années 1960.

Un nouveau public

Alors que le Théâtre des Nations s'est ouvert aux marionnettes lors de la saison 1959, alors que la télévision appelle des marionnettistes à s'y manifester (Marcel Temporal dès 1950, puis Frédéric O'Brady, ainsi que Robert Desarthis, suivi d'Alain Recoing et toute son équipe avec Martin-Martine), les conditions de vie des praticiens de plus en plus nombreux restent très précaires au sein d'une activité menée pour l'essentiel, pendant une décennie, dans un cadre atypique sur le plan artistique : le milieu scolaire. Les fourches caudines des commissions pédagogiques, à la recherche d'un répertoire de qualité prenant en compte les récents acquis psychologiques dans la conception de l'enfant, vont néanmoins mettre la barre haute sur le fond et sur la forme, ce qui permettra aux marionnettistes d'être principalement choisis dans les programmes pour jeune public lorsque les centres culturels et les théâtres de la décentralisation s'en préoccuperont - les Maisons des jeunes et de la culture (MJC) furent des pionnières en la matière.

De nouvelles équipes font ainsi leurs preuves : les Monestier, les Roche qui renouvellent l'utilisation des ombres en couleurs, les Bazilier, Pascal Sanvic et Jacky Beffroy, la compagnie de Raymond Poirson à Metz... Lorsque les troupes arrivent sur les grandes scènes théâtrales, des nécessités s'imposent : tenir compte de l'éloignement des spectateurs, agrandir les scénographies, modifier les échelles des figures, tirer parti des potentiels sonores et lumineux... Les marionnettistes s'intègrent au monde du spectacle officiel.

Pendant ce temps, l'année 1961 voit la création du premier Festival international des théâtres de marionnettes à Charleville-Mézières, organisé par Jacques Félix avec le soutien du Syndicat.

Dix ans plus tard, une nouvelle génération est en activité, venue des arts plastiques ou du théâtre, prête d'emblée à poursuivre les recherches scénographiques et dramaturgiques qui traversent l'ensemble des arts de la scène. Très vite, la mobilité des artistes favorisée par la prolifération des festivals (création des Giboulées de Strasbourg en 1977, de la Biennale de Cergy-Pontoise en 1979, de la Biennale des jeunes compagnies de Caen et des Semaines de la Marionnette à Paris en 1981...), ou les rencontres internationales provoquent un brassage des esthétiques, des cultures, et favorisent la découverte des créateurs par un panel étendu de programmateurs. La marionnette entre dans les théâtres nationaux, les spectacles de Philippe Genty attirent un très grand public et les Guignols d'Alain Duverne s'installent à la télévision. Cet élargissement constant de l'audience appuie la longue requête des artistes à obtenir de l'État la mise en place d'une formation continue des praticiens et une formation initiale des postulants. Jacques Félix y ajoutant toute son énergie, la ville de Charleville-Mézières accueille l'Institut International de la Marionnette en 1981 et l'École Supérieure Nationale des Arts de la Marionnette en 1987.

Des techniques multiples

Les troupes connaissent alors une augmentation exponentielle. Les techniques les plus diverses sont utilisées ou adaptées. Elles sont originaires de l'étranger comme les bunrakus japonais : compagnies Houdart-Heuclin, François Lazaro, Nada Théâtre, Ches Panses vertes ; ou la gaine chinoise : Théâtre sans toit, et Théâtre du Chemin creux.

Ce peut être des techniques anciennes rénovées, comme l'ombre : compagnie Jean-Pierre Lescot, Amoros et Augustin ; le théâtre de papier : Papierthéâtre, Théâtre de l'Arc-en-terre ; la tringle ; la gaine lyonnaise : Théâtre aux mains nues, le Fust, Cirkub'U ; les marionnettes habitées : compagnie Hubert Jappelle, Houdart-Heuclin.

Ce sont aussi des techniques inventées, comme la marionnette sur table : Flash Marionnettes, Arketal. C'est enfin des manipulations spécifiques à la déclinaison infinie de nouveaux matériaux et machines : compagnie Philippe Genty, GarinTrousseboeuf, La Licorne, Médiane...

On attribue à des troupes françaises, dans les années 1980, la paternité du théâtre d'objets largement répandu depuis lors : Manarf, le Vélo théâtre, le Théâtre de Cuisine, Turak. Des structures deviennent programmatrices privilégiées. Tout d'abord le TJP à Strasbourg, le Théâtre Massalia à Marseille, le Théâtre de la Marionnette à Paris, puis divers théâtres missionnés.

Une dramaturgie en phase avec l'époque

En 1993, les actions fédératives des amateurs (UNIMA France) et des professionnels (CNM) sont réunies au sein de l'Association nationale des théâtres de marionnettes et arts associés (THEMAA). L'un des principaux axes de travail des artistes est alors la mise en évidence de la corrélation étroite entre le traitement que les auteurs dramatiques contemporains font subir à la langue et l'art vivant du montage et du démontage qu'est la marionnette. À cela, s'ajoute l'aspiration légitime à dialoguer avec leur époque.

Par le passé, de premières collaborations entre marionnettistes et dramaturges avaient eu lieu entre Alain Recoing et son fils Éloi, entre Monique Créteur et l'écrivain Victor Haïm, entre la compagnie Houdart-Heuclin et Gérard Lépinois, mais cette fois le terrain d'échanges entre manipulation de la matière et manipulation des mots s'est considérablement étendu.

Beaucoup d'auteurs ont conscience du nouveau champ qui leur est offert. Les nouvelles compagnies ne se montrent plus rétives au véhicule du sens et s'aventurent avec l'aide de leurs aînés sur les voies exigeantes d'une vraie dramaturgie théâtrale.

Un horizon élargi

De profonds changements de perspectives ont marqué la fin du XXe siècle et le début du suivant. Les marionnettistes ne se spécialisent plus dans l'utilisation d'une technique mais choisissent celle qui leur convient pour le propos du moment, quitte à montrer des mélanges ou des inventions à un public qui n'est plus désarçonné. Le travail spécifique de l'interprète - le terme a remplacé celui de manipulateur - est mis en valeur. Souvent " à vue " des spectateurs, il est formé comme un acteur à qui l'on demande d'intégrer les notions de distanciation (au sens de Diderot) ou de délégation à un objet de certaines fonctions du personnage, en plus d'une recherche d'excellence en manipulation. Les marionnettistes s'initient au langage de la vidéo, de la danse, de la musique et l'intègrent à leurs compositions...

Cette polyvalence suscite de plus en plus l'intérêt des metteurs en scène de théâtre ou des réalisateurs de films qui élargissent ainsi les débouchés des artistes et commencent à faire appel aux marionnettistes dans la formation des acteurs ou dans leurs spectacles mêmes, au théâtre comme au cinéma. Les vocabulaires des autres arts sont empruntés par les marionnettistes mais, réciproquement, les autres arts s'inspirent parfois des codes visuels et dramaturgiques de la marionnette et la convoquent de plus en plus sur leurs propres scènes.

Pour en savoir plus

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - Une histoire des arts de la marionnette - Ina.fr

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Au milieu du XXe siècle, les artisans marionnettistes traditionnels, formés pour la plupart par transmission familiale, croisent un nouveau courant de manipulateurs dont la pratique est envisagée sous l'angle profondément différent de la recherche artistique.

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Même ouvrage - A.M Quéruel

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Portail des arts de la marionnette

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Les masques de corps

Cette vidéo montre une marionnettiste manipulant des masques de corps, dans le cadre d'un travail avec Claire Heggen et Margareta Niculescu. Les masques de corps sont fixés à une partie du corps (coude, pied, genou, fesse, etc) et ils sont manipulés par celle-ci.
Cliquez ici pour plus découvrir la notice de la vidéo.

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Institut International de la Marionnette (IIM)

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Portail des Arts de la Marionnette - Le Lab

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Centre de documentation spécialisé dans le domaine des arts de la marionnette.