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Vidéos de danse sur le thème de l'Afrique.

Danse traditionnelle éthiopienne

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Tahaman

" Les danses traditionnelles sont les véritables points d'appui de l'inspiration. "
Georges Momboye

Danse régénératrice et dialogue jubilatoire entre rythmes africains traditionnels et culture urbaine, " Tahaman " retrace l'histoire de la danse hip-hop, en remontant jusqu'à l'une de ses sources africaines, le Bolowi, dans traditionnelle du nord de la Côte d'Ivoire pratiquée à l'origine par les jeunes gens chargés de protéger les champs de riz des oiseaux prédateurs.
Virtuosité des danseurs, rythmes obsédants des percussions, cette pièce est une histoire de rencontres, fière de ses sources, éclatante dans l'osmose entre hip hop et style traditionnel
Le travail du rythme est ici la véritable source d'inspiration de Georges Momboye, chorégraphe pour qui la danse africaine contemporaine s'inscrit dans une réelle continuité avec ses propres racines.

Dernière mise à jour : avril 2010

Momboye, Georges

D'origine ivoirienne, formé à la danse classique, jazz et modern jazz, Georges Momboye débute sa carrière d'interprète en intégrant des compagnies traditionnelles telles que Les Guirivoires, l'Ensemble Koteba ou le Ballet national de Côte d'Ivoire. Rapidement à l'étroit dans l'interprétation traditionnelle, il aspire à d'autres expériences chorégraphiques qu'il poursuit en France, aux Etats-Unis et au Canada auprès d'artistes tels qu'Alvin Ailey, Brigitte Matuizi, Rick Odums, Elsa Wolliaston et Gisèle Houri.

En 1992, il décide de s'installer en France et de créer la compagnie Yankady, " liberté de création " en malinké, rebaptisée compagnie Georges Momboye en 1996. L'objectif résolument affiché de cette compagnie est de diffuser une expression artistique représentative de l'Afrique contemporaine qu'il définit comme la " jeune danse africaine ". Son répertoire entremêle ainsi technique contemporaine, africaines et hip-hop parmi lesquelles deux relectures des Ballets russes ( Prélude à l'après-midi d'un faune et Le Sacre du printemps) commandités par la Biennale du Val-de-Marne et des créations jeune public ( Clair de lune). Artiste reconnu à l'échelle internationale, il dispense son enseignement en Europe, aux Etats-Unis, en Asie et en Amérique latine à travers des stages. Il fonde à Paris en 1998, le Centre de danses pluri-africaines et des cultures du monde, également désigné Centre Momboye, avec le soutien du conseil international de danse de l'Unesco, qui constitue autant un lieu de référence dans la découverte des danses issues du continent africain, qu'un lieu de confrontation et d'échanges.

En savoir plus :

Ressource électronique de la médiathèque du Centre national de la danse
http://mediatheque.cnd.fr/spip.php?page=mediatheque-numerique-ressource&id=PHO00003890

Site internet de la compagnie
Compagnie Georges Momboye

Centre national de la danse, Réalisation

Depuis 2001, le Centre national de la danse (CND) réalise des captations de ses programmations de spectacle et de pédagogie et crée des ressources à partir de ces représentations filmées (interviews, conférences dansées, rencontres avec des artistes, démonstrations, grandes leçons, colloques spécialisés, montages thématiques, etc.).

Tahaman

Chorégraphie : Georges Momboye

Interprétation : Aboubakar Bébalé, Bilé Ernest N'Draman, Ange Koué, Gérard

Musique live : Emile Djozié, Nicaise Lai Loh, Patrice

Lumières : François-Eric Valentin

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" Les danses traditionnelles sont les véritables points d'appui de l'inspiration. " Georges Momboye Danse régénératrice et dialogue jubilatoire entre rythmes africains traditionnels et culture urbaine, " Tahaman " retrace l'histoire de la danse hip-hop, en remontant jusqu'à l'une de ses sources africaines, le Bolowi, dans traditionnelle du nord de la Côte d'Ivoire pratiquée à l'origine par les jeunes gens chargés de protéger les champs de riz des oiseaux prédateurs.

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - Elsa Wolliaston danse Salomé ou la parabole du désir chorégraphié par le japonais Hideyuki Yano - Ina.fr

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Quelques images de la danseuse Elsa Wolliaston dans le spectacle Salomé ou la parabole du désir chorégraphié en 1985 par le japonais Hideyuki Yano. Des phrases de l'une et de l'autre articulent les images filmées de la pièce.

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Regarder waxtaan de Germaine Acogny dans le théma danse et percussions

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Discover

Throughout human history, percussion instruments have accompanied our music,rituals, and dance.

In the West, in the early 20th century, growing awareness of non-European music also generated more interest in rhythm and gave a new dimension to compositions for percussion.

The foundations of this new music can be seen in particular in the works of Stravinsky, Debussy, Bartók and Varèse. For example, in the instrumentation of Stravinsky's Rite of Spring, the percussion section takes centre stage.

With Ionisation by Varèse in 1930, the first piece exclusively for percussion, the possibility of a repertoire solely for percussion was born, a repertoire that would continue to blossom with composers like Carlos Chávez and John Cage. The latter's artistic collaboration with the choreographer Merce Cunningham marked an important chapter in the history of dance.

Description

Chum, Ku Shinmyung - La Chang Mu dance company
In Korea, the creativity of the ChangMu Dance Company is founded on their complete mastery of all aspects of Korean traditional dance, including shamanic, Buddhist and folk dances, social dances and the dances of the court.

This show offers us captivating choreography searching for modernity and freedom, drawing its original strength from a deeply rooted folk tradition. The music, played on traditional, mostly percussion instruments, is based on traditional melodies and rhythms, while very liberally borrowing from a rich repertoire of folk dances.
Kathak - Birju Maharaj
In Kathak, Birju Maharaj immerses us in the delicate art of the eponymous Indian dance.

He uses his extreme personal dexterity to demonstrate the dazzling facets of this traditional, precise dance with its fascinating steps. The play is of nuances and contrasts, and the musical quality of the gestures are a true delight, while the rich and complex rhythmic exchanges between Maharaj and his tabla player are exhilarating and show a rare precision.
Gnosis - Akram Khan
With Gnosis, with a more contemporary approach, the suggestive dance of Akram Khan allows us to see and hear all the subtlety of music played on the sarod, a plucked string instrument, cello and snare drum.

With his ability to bring music and dance to life, Khan confirms his status as a complete artist and a choreographer with a rare narrative vision.
Waxtaan - Germaine Acogny
On the stage, eight African dancers are accompanied by live music from five percussionists from the Ecole des Sables playing djembes, doum-doums and other small percussion instruments. Sometimes the dancers also participate in the musical discourse by tapping on a table to create polyrhythms, or by using their own bodies as percussion instruments.

They give a virtuoso demonstration of the riches of a repertoire that extends through Mali, Guinea, Burkina Faso, the Ivory Coast, Benin, Congo and Senegal. So many countries, so many rhythms, styles and choreographic identities participate in this search for origin, without nostalgia or attachment to the past because: "it's the moment of looking back in order to be able to look forward" says the Franco-Senegalese choreographer Germaine Acogny who gives the piece a political dimension.
Solombra - Miguel Angel Berna
Miguel Angel Berna wants to express his folkloric heritage in innovative ways.

For Solombra, the choreographer works with singers and musicians who play several percussion instruments including traditional castanets and the wooden drum called the "cajón". The show is the expression of his liberal and personal vision of the fusion of the Aragonese folklore with flamenco and contemporary dance, based on a musical concept clearly rooted in the foundations of a cultural past, but also very innovative with its exotic and charming influences from Arab, Jewish and Christian music, skillfully arranged.
Aphasiadisiac - Les Ballets C. de la B.
The musical universe of Aphasiadisiac of Ballets C. de la B. explores many and varied influences, combining the energy of Slavic melodies with the rhythms of bossa nova. A hugely effective soundtrack that mixes pop, classical and traditional Czech music, supports it.

All the performers participate in the music and the live drums create an incredible electric atmosphere on the stage. Here drums and percussion impose rhythms, create suspense, provoke powerful energetic impulses and sometimes even play a direct part in the theatrical situations that develop among the dancers.

The visual impact and the unusual use of these percussion instruments also gives them a scenic role and a spectacular dimension, in particular when one of the musician-dancers climbs the wall to reach his drum which is suspended vertically in the stage set.
Echoa - Arcosm
Echoa also exploits performers' versatility and brings together dancers and percussionists in the same physical and musical ensemble. On the stage, the presence of many percussion instruments constitutes the principal element of the stage, and creates the image of the space where the action takes place.

Here all is dance, all is music. The contact, the hands placed on one another, the feet on the ground, the portés and even the breathing of the performers contribute to the piece's great rhythmic score. The musicians' gestures become the choreography to the point of completely freeing them from their instruments that makes us forget the rigour of the very precise timing - an invitation to "see the music and hear the dance" as Balanchine so eloquently put it.
Barroco - Association Woo
Barroco is in constant evolution, and appears as onomatopoeia, a whistle, a rhythmic refrain. Two dancers "switch" between the symmetrical and the asymmetrical, contradictory or mutually supportive movements, keeping the spectator in suspense throughout the piece.

In reality, this duet is actually a trio, created by the dancers with the musician, weaving a time-space link that is in constant movement. The drummer-guitarist carries the beat, the tempo, the time that we cannot stop but which is always present, which sometimes tears us apart but which also brings us together. The accents, the variations and the nuances of the musical interplay nourish the dance and have a permanent influence on it.

Here, the rhythm defines the relationship to time, to the space between two sounds, an interval, a suspension. It drags, leaves a trace and pushes forwards, allowing fluctuations and giving free rein to the sensual, the suspended, to initiative or to the chaotic.

In more depth

Discographie
OHANA, Maurice (1913-1992). Quatre Études chorégraphiques (18'), Ballet pour ensemble de six percussionnistes, CD Schott (Mayence), 1955.

Author

Camille Rocailleux étudie le piano, l'écriture musicale et les percussions classiques de 1984 à 1999 et obtient le 1er Prix du Conservatoire National Supérieur de Musique de Lyon. Depuis 1997, il se produit au sein de formations diverses telles que l'Orchestre National de Lyon, l'Opéra National de Lyon, l'Orchestre National de Toulouse ou l'Ensemble Odyssée. En 2000, il fonde la Cie Arcosm avec Thomas Guerry, avec qui il crée des pièces musicales et chorégraphiées. Par ailleurs, il reçoit de nombreuses commandes de compositions pour le théâtre, le cinéma et la télévision, pour des formations instrumentales, il évolue dans le milieu de la chanson française et internationale aux côtés d'artistes tels que Daphné, Benjamin Biolay, Camille, Caroline Rose... Aujourd'hui il approfondit son exploration du théâtre musical, imaginant des croisements atypiques entre des formes d'expressions très variées telles que les percussions corporelles, chant lyrique, growl death metal, human beat-box etc.

Credits

Excerpts selection
Camille Rocailleux
Texts and discography
Camille Rocailleux
Production
Maison de la Danse
The Parcours "Dances and percussion" was made possible by the support of the General Secretariat of the Ministry for Culture and Communication - Department for the Coordination of Cultural Policy and Innovation (SCPCI)

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Film consacré à  la danseuse chorégraphe Irène Tassembedo

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Film consacré à  la danseuse chorégraphe Irène Tassembedo

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Cours de danse avec Germaine Acogny

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Un peu d'histoire, je vous propose de regarder ces 8 chorégraphes femmes qui ont été très importantes dans l'histoire de la danse. Elles sont classées chronologiquement, ainsi vous pourrez avoir des repères dans le temps.

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Un peu d'histoire, je vous propose de regarder ces 8 chorégraphes femmes qui ont été très importantes dans l'histoire de la danse. Elles sont classées chronologiquement, ainsi vous pourrez avoir des repères dans le temps.

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https://bachtrack.com/fr_FR/playlist-8-femmes-choregraphes-qui-ont-revolutionne-la-danse-novembre-2020

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Interview de Seydou Bora et je vous propose de lire son parcours de danseur et chorégraphe.

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - Seydou Boro évoque son identité artistique d'artiste africain à propos du spectacle Figninto l'oeil troué , créé en 1997 - Ina.fr

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Au micro de Philippe Lefait, le chorégraphe Seydou Boro, créateur avec Salia Sanou de la compagnie Salia Ni Seydou, revient sur les termes de danse contemporaine africaine à propos de son spectacle Figninto, l'oeil troué dont quelques images sont présentées.

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Une autre grande personnalité de la danse Africaine, toutes les vidéos sont très intéressantes en particulier le dernier solo sur sa recherche de l'harmonie entre le masculin et le féminin en relation avec la dimension du sacré.

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James Carlès est chercheur et chorégraphe. Il travaille depuis 30 ans sur le patrimoine de la diaspora africaine en occident, du XIXe siècle à nos jours. La question posée dans son travail est celle de la légitimation territoriale de ces populations diasporiques africaines, leur propre enracinement et le positionnement par rapport au regard de l'autre. Ce travail alimente un procédé de reconstruction de l'histoire de l'art chorégraphique de l'Afrique et sa diaspora.

James Carlès est, en parralèle de son travail de chercheur, un danseur soliste et un performeur hors pair. Il a été interprète et collaborateur artistique pour de nombreux " ensemble musicaux " allant du Baroque, à la musique contemporaine, en passant par le Jazz ; mais également pour des chorégraphes tels que Carolyn Carlson, Robyn Orlin, Mark Tompkins, Heddy Maalem ou Ali Moini.

Le travail de James Carlès peut être vus par différents prismes.

Premièrement, par le prisme d'une méthodologie scientifique - il associe des chercheurs qui participent et observent la démarche artistique. Cette démarche met à jour des modalités techniques de corps ou de pensées, ainsi que des outils conceptuels qui permettent d'autres façons de penser le monde contemporain.

Ses projets relèvent également d'une dimension participative, d'un réel questionnement sur les circulations entre les écritures "scéniques", d'une réflexion sur l'exil et le déracinement comme sources d'enrichissements possibles.

Artiste associé à l'Astrada-Jazz In Marciac de 2012 à 2014, chercheur associé au laboratoire LLA Créatis de l'université Jean-Jaurès de Toulouse, James Carlès est particulièrement investit dans des projets patrimoniaux pour la diversité et la diffusion de la culture chorégraphique.

Les langages du corps : James Carles at TEDxToulouse

En 2015, James Carlès coproduit le webdoc " Danses noires " sur Numeridanse. Il y évoque l'origine des danses urbaines actuelles. De l'Afrique aux États-Unis en passant par l'Europe, il souligne leur caractère inter et transculturel (tel que disaient Katherine Dunham et Pearl Primus) et met en perspective leur dimension sociale et politique. De nombreuses vidéos, photos, dessins et ressources complémentaires accompagnent cette interview.

Le festival " Danses et continents noirs ", créé par James Carles il y a 20 ans et qui a rallié depuis de nombreux partenaires dont le Consortium Universitaire euro-philosophie (Allemagne, Belgique, Portugal, Espagne, Autriche, Brésil, Colombie..) constitue le moyen de diffusion et de médiation de ce travail de recherche. Le festival en tant que concept culturel sur les savoirs issus de l'Afrique et sa diaspora enrichit notre réflexion sur le monde contemporain.

James Carlès crée donc sa compagnie en 1989. En 1999, le Festival "Danse à Toulouse" qui deviendra en 2007 le festival " Danses et Continents Noirs " fait son apparition, vitrine de cette démarche atypique de valorisation des danses sociales.

Le projet évolue au fil des années pour devenir aujourd'hui le Centre Chorégraphique James Carlès. Celui-ci regroupe désormais à la fois l'école de danse et le centre de formation professionnelle, mais aussi la compagnie James Carlès Danse & Co, le festival international " Danses et continents noirs ", ainsi que des temps de résidence pédagogique avec des artistes.

Le travail de James Carlès au sein du Centre chorégraphique se crée aujourd'hui autour de deux méthodes originales et inédites : le R.E.S.E.T. et la JC DANSE.
La première permet de rééquilibrer le corps à travers une préparation physique, énergétique et métaphysique. En utilisant les énergies du corps comme bouclier immunitaire, elle aide à faire face aux troubles physiques et psychologiques de notre quotidien. La seconde prépare le danseur et l'aide à construire sa technique, son interprétation et sa créativité, ainsi que le développement de son écriture chorégraphique.

Utilisées toutes deux depuis plus de 20 ans à titre personnel, puis enseignées depuis plusieurs années au Centre Chorégraphique James Carlès, ces méthodes sont devenues des pratiques corporelles clé pour les élèves et les danseurs.

La volonté du chorégraphe au sein de cette structure s'affirme :
- S'affranchir des catégorisations esthétiques existantes en affirmant une identité " contemporaine " à racines multiples ; c'est à dire une identité dynamique qui se nourrit pleinement de différentes traditions artistiques.
- Être attentif aux liens qui existent entre les " circulations corporelles " et les " circulations scéniques ", ainsi que les cultures sociales qui les sous tendent.
- Construire et accompagner des artistes et pédagogues maîtres de leur parole (ou celle de l'autre).
- Offrir un meilleur maillage de collaboration avec des artistes et structures culturelles du territoire ou internationales.

Tout cela pour créer des conditions qui permettent d'offrir les meilleures opportunités professionnelles possibles aux étudiants en danse de toutes les générations.

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Carlos