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El tema que escogí para trabajar en el diario es “la mujer”, con el cual me gustaría averiguar por medio de obras artísticas  como ha cambiado el papel de la mujer a través de la historia, que función cumplía la mujer en la sociedad, como era vista por el hombre, como ha cambiado la forma de retratar a las mujeres a través del tiempo, y más específicamente como ha cambiado la anatomía al momento de plasmar la figura femenina en una obra, que rasgos físicos son los que más destacaban, como ha cambiado el vestuario, que objetos acompañaban a la mujer y por qué estaban ahí, Además, me interesa reconocer en qué momento de la historia las mujeres empezaron a ser reconocidas como artistas, que tipo de contenido realizaban en sus obras, y qué diferencias hay entre el hombre y la mujer al momento de plasmar una figura femenina en sus obras.

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Ficha técnica:

Venus de laussel
Piedra caliza
25.000 A.C aprox.
Descubierta en 1991
46 cm de altura con 36 de grosor
Museo de Aquitania – Burdeos (Francia)

Criterio: características formales
La venus de laussel es un bajorrelieve que esta tallado en piedra caliza; en la obra se observa un gran relieve que representa el cuerpo de una mujer embarazada, ya que su vientre es bastante grande, además se ven muy pronunciados los senos los cuales son grandes y caen en dirección del vientre, sus caderas son muy voluptuosas; el brazo derecho esta alzado y sostiene en su mano un cuerno, la mano izquierda reposa sobre el vientre de la mujer, talvez como símbolo de maternidad, y además, se alcanzan a observar unas líneas que representan los dedos de la mano; además, cabe recalcar que los brazos son muy pequeños y desproporcionados, a comparación del resto del cuerpo. Otros detalles que se perciben el en cuerpo de la mujer es el ombligo y la vulva. No hay una representación clara del rostro de la mujer, aunque si se puede percibir una silueta que nos da la idea de que esta de perfil en dirección del cuerno que sostiene en su mano, como si lo estuviese mirando. Otro detalle de la obra es que la figura de la mujer no tiene pies, lo que nos da la idea de que no era importante para el artista tallarlos, ya que no es un rasgo femenino. La función de la obra no es muy clara debido a las dimensiones son muy grandes y no podría ser llevada fácilmente en la mano, pero si, se puede ver el simbolismo de la fertilidad, por lo cual podía ser utilizada en rituales o para ser un tributo a la mujer. La temática de la obra es la fertilidad esto debido a la pronunciación de rasgos femeninos como los senos, vientre y vulva, que son partes del cuerpo que ayudan en el proceso de fertilidad y maternidad. Además, esto nos dice que en esta época la mujer era vista como fuente de fertilidad.

Referencias:
“venus de laussel” musee-aquitaine-bordeaux. Acceso el día 1 de febrero de 2021. http://www.musee-aquitaine-bordeaux.fr/es/venus-de-laussel

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Ficha técnica:

Busto de cleopatra
Piedra de granito
69 - 30 A.C
Descubierta en 1910
63,5 cm de alto con 33,3 cm de ancho
Museo real de Ontario (Canadá)

Referencias:
"galleries africa egypt" Royal Ontarion museum. Acceso el dia 9 de febrero del 2021.
https://www.rom.on.ca/en/exhibitions-galleries/galleries/world-cultures/galleries-africa-egypt

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Ficha técnica:

La reina de la noche
Arcilla
1800-1700 A.C
Llego a Inglaterra en 1924 (No se sabe la fecha de descubrimiento)
49,5 cm de alto y 37 cm de ancho
Museo británico (Londres)

Características formales:
La reina de la noche es un altorrelieve que esta tallado y modelado en arcilla, en la obra se observa el cuerpo de una mujer desnuda, ya que podemos observar una vulva y senos bien pronunciados y definidos, además todas sus extremidades y partes está bien proporcionadas para el tamaño de su cuerpo; en su cabeza se puede ver que tiene una corona o tocado mesopotámico, lo que nos habla de que era un personaje importante. Las facciones de su cara están bien definidas y representadas, tiene unos ojos muy grandes y redondos, sus cejas son arqueadas y están unidas. Podemos observar que sus brazos están alzados y sus palmas están en dirección del frente, tanto las palmas como los brazos están en la misma posición y con altura al cuello; sus manos sostienen una vara y un aro, Además la posición en la que se encuentran sus palmas parece símbolo de divinidad y poder. Otro aspecto que podemos observar son los accesorios que tiene, como el collar que cuelga en su cuello y los brazaletes que tiene en ambos brazos. En su espalda podemos observar que tiene unas alas grandes y que le llegan hasta su espalda baja y glúteos; la representación de los pies de la mujer son las garras de un ave. La mujer esta parada encima de dos leones, lo que hace representación y símbolo de poder, en ambos lados se observan que hay dos aves que acompañan a la mujer, y estas parecen ser unas lechuzas. La función de este altorrelieve no es muy clara, pero la forma en que representan a la mujer nos habla de que posiblemente era utilizada para ser puesta en un altar, ya que los símbolos de poder y divinidad que encontramos en ella como la corona, los accesorios, su posición de estar encima de los leones y su representación de mitad mujer y mitad animal, nos hacen pensar en la divinidad y posiblemente es una diosa.

Referencias:
“la reina de la noche” los ojos de hipatia. Acceso el día 9 de febrero del 2021. https://losojosdehipatia.com.es/cultura/arte-2/la-reina-de-la-noche/

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Ficha técnica:

Diosa de las serpientes
Loza vidriada
1.600 A.C
Descubierta en 1903
29,5 cm de altura
Museo arquologico de Heraklion (Creta)

Referencias:
"the rom minoan goddess" Royal Ontarion museum. Acceso el dia 9 de febrero del 2021. https://www.rom.on.ca/en/blog/the-rom-minoan-goddess-the-minoan-relations#

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Ficha técnica:
Busto de dama romana
Mármol blanco
100- 110
62 cm de alto, 43 cm de ancho, 29 cm de fondo y pesa 37,4 kg
Museo del prado (España)

Características formales:

El Busto de dama romana, esta esculpido y tallado en mármol blanco, en la obra se observa desde la cabeza hasta el pecho de una mujer mayor en edad, ya que sus labios no están tan bien definidos y están caídos hacia abajo, su rostro también esta un poco caído y su mentón no está bien pronunciado, debido a la flacidez de su piel por su edad. La expresión de la mujer es un muy seria y da la sensación de que esta malhumorada. El cabello de la mujer es rizado y está representado por círculos que van aumentando su tamaño desde su frente hasta arriba, este cabello se ve bastante postizo y da la sensación de que fuera una peluca rizada, o algún peinado muy extravagante; el cuello de la mujer es esbelto y largo, lo que da un toque muy femenino. El vestuario de la mujer es una túnica la cual tiene cada uno de los pliegues muy bien detallados, en la parte derecha de la túnica se alcanza a ver la silueta del seno derecho de la mujer, esto debido el gran detalle que tiene la túnica en esta parte, que da la sensación de trasparencia y de que la tela era delgada. La función de esta obra la podemos determinar por sus dimensiones y peso, como esta es demasiado pesada y algo grande, podemos decir que no podía ser trasportada fácilmente, por lo que tenía que estar estática y ser utilizada como decoración de el interior de la casa, o probablemente también era para recordar o conmemorar a esta mujer.

Referencias:

“Busto de dama romana”, Museo del prado.es, Acceso el dia 23 de febrero del 2021, https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/busto-de-dama-romana/1f72cd38-41be-4bff-9754-c7f2e0dae3d1

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Ficha técnica:
Curación de la hemorroísa
Fresco sobre pared
Siglo IV D.C
Catacumbas de san Pedro y Marcelino (Roma)

Características formales

La Curación de la hemorroísa, es una pintura al fresco que está en una de las paredes de las catacumbas De San Pedro y Marcelino, en esta pintura se representa a una mujer que está de rodillas y vestida con una túnica larga, la mano derecha de la mujer está estirada como si fuese a tocar la túnica del personaje de al lado, la expresión de la cara la mujer no se puede apreciar muy bien, ya que no está muy bien detallada y apenas se pueden ver sus ojos grandes qué son algo desproporcionados para el tamaño de su rostro, al igual su mano y brazo derecho tampoco están tan bien detallados y no se pueden apreciar los dedos de la mano. La figura que está al lado de la mujer es un hombre que vendría siendo Jesús, el cual está de pie con una postura en contra-posto, la cabeza de Jesús estaba inclinada mirando hacia abajo dónde está la mujer; el brazo izquierdo de Jesús está girado y en dirección de la mujer como si la fuese a tocar. Al igual que la mujer Jesús también está vestido con una túnica, la cual le cubre hasta la mitad de las pantorrillas. Esta imagen representa el milagro de la curación de la hemorroisa como nos lo indica el título y también lo podemos deducir por la postura en que se encuentra la mujer tratando de tocar a Jesús para que se cumpla el milagro y la sane. Esta pintura no está tan bien detallada, ya que podemos ver que los trazos son muy fuertes y no son tan realistas. Además, algunas de las partes del cuerpo y rostro son desproporcionales como lo vimos con los ojos y las manos. La función de esta pintura es muy clara, ya que sabemos que estas pinturas eran utilizadas para decorar y acompañar las catacumbas.

Referencias:
"Curación de la hemorroísa", Wiki Curación de la hemorroísa. Acceso el dia 2 de marzo del 2021. https://es.wikipedia.org/wiki/Curaci%C3%B3n_de_la_hemorro%C3%ADsa#:~:text=Se%20conoce%20como%20curaci%C3%B3n%20de,su%20tiempo%20se%20consideraba%20vergonzante. (Imagen).

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Ficha tecnica
Maestá – (Escena central del anverso)
Temple sobre madera
Autor: Duccio
1308 – 1311 D.C
2.13 m por 3.96 m
Museo dell´Opera metropolitana (Italia)

Características formales

La maestá es un retablo pintado con pintura al temple, en él se representan varias escenas de la pasión de Cristo (reverso), Ángeles, Santos y demás (anverso). Pero solo lo analizaremos a detalle la escena central del anverso, que es la representación de la Virgen sentada en un trono alzando a el niño Jesús ; en esta escena podemos ver representada a la Virgen María qué alza con sus brazos y piernas al Niño Jesús, su mano izquierda está cargando delicadamente al Niño Jesús y con su mano derecha lo acaricia suavemente, la cabeza de la Virgen María está inclinada sutilmente y con la mirada perdida, la expresión del rostro de la Virgen es muy Serena y tranquila El vestuario que tiene la virgen es una túnica azul oscura que le cubre toda su cabeza hasta los pies. Por otra parte, el Niño Jesús está cubierto con una túnica Rosada y sentado en las piernas de la Virgen María, su mano izquierda está sosteniendo una parte de su túnica y su mano derecha esta reposada suavemente en su pecho, la mirada del niño Jesús da la sensación de que nos estuviera mirando fijamente y su expresión facial es muy tranquila y neutra. Además, la cabeza del Niño Jesús está acompañada de una aureola como símbolo de luz y santidad. Alrededor del trono en dónde está la Virgen María y el niño Jesús se ven muchas figuras que hacen referencia a Santos, Ángeles, sacerdotes y demás, que están mirando fijamente a la Virgen María y el Niño Jesús, sus miradas parecen ser símbolo de admiración y homenaje. La posible función de este retablo es que era utilizado como altar de iglesias, ya que su tamaño es bastante grande y además es muy simbólico, ya que hace honor a la Virgen María, la pasión de Cristo y el Niño Jesús.

Referencias:
" Catedral de la Siena museo de la opera ", opera duomo siena it. Acceso el dia 2 de marzo del 2021. https://operaduomo.siena.it/it/luoghi/museo/

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Ficha técnica:
Virgen de Vladimir
Tempera sobre madera
Siglo XII
Galería Tretiakov (Moscú)

Características formales:

La Virgen de Vladimir es un retablo de madera pintado con tempera, en la obra se observa la representación de la virgen maría que esta alzando con sus brazos a el Niño Jesús. La virgen María esta vestida con una túnica azul oscura que tiene decoraciones doradas en los bordes de la capucha y mangas, la túnica le cubre toda su cabello y parte de la frente llegando casi hasta sus cejas. La mirada de la virgen da la sensación de que nos esta mirando fijamente, la expresión del rostro es muy neutra y seria, los ojos de la virgen son muy grandes y algo desproporcionados para el tamaño del rostro de la virgen. La mano derecha de la virgen está acariciando suavemente a el Niño Jesús y con la mano izquierda lo alza y recuesta en su pecho. El niño Jesús esta recostando su cara contra la de la virgen María, y la esta mirando tiernamente. El cuello del niño Jesús es demasiado grande y se ve desproporcionado a comparación del tamaño del rostro y el cuerpo, la mano derecha del niño esta reposada en el pecho, cerca de la clavícula de la virgen; la mano izquierda del niño Jesús está rodeando y abrazando el cuello de la virgen María. El Niño Jesús está vestido con una túnica dorada que tiene una cinta negra amarrada en la cintura, la expresión del rostro del niño Jesús es muy tierna e inocente. La función de este retablo muy posiblemente era para decorar y representar la figura materna de la virgen María.

Referencias:

“Obra Virgen de Vladimir”, Arte historia. Acceso el dia 08 de marzo del 2021.
https://www.artehistoria.com/es/obra/virgen-de-vladimir

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Ficha técnica:
Altar de santa María de Mosoll
Pintura al temple sobre madera
Siglo XIII
Adquirido en 1906
99 cm de alto x 1,67 m de acho, con 7 cm de grosor
Museo nacional de arte de Cataluña – España

Características formales:

El Altar de santa María de Mosoll, es un retablo de matera pintado con pintura al temple, el cual mide 99 cm de alto por 1,67 m de ancho con un grosor de 7 cm. El retablo está decorado con un borde metálico el cual tiene un labrado con figuras geométricas y patrones. Luego en el centro se ve una división de cuatro compartimientos, la división también está hecha con el mismo labrado metálico que estaba en el borde de la pieza. El fondo de todos los compartimientos es rojo, y en cada uno de ellos hay tres columnas que son similares a los de los edificios, estas columnas dividen en tres los compartimientos; estas columnas también están hechas con metal y están decoradas con un labrado. En los compartimientos se ven varias escenas religiosas, como por ejemplo en la parte superior se puede ver a los tres Reyes Magos, los cuales están cabalgando en sus caballos como si estuvieran de camino a visitar al Niño Jesús, los Reyes tienen en su cabeza sus coronas las cuales también están hechas con un labrado metálico, y arriba de cada uno de los Reyes está escrito su nombre con letras blancas. Otra escena religiosa que podemos y es la dormición de María acompañada con tres apóstoles, esta escena está ubicada en la parte inferior del retablo. Además, en los otros compartimientos se pueden observar varios personajes religiosos como son el Ángel Gabriel, José y entre otros.  Otro aspecto que podemos observar en el retablo es que siempre se utilizan los mismos colores para los vestuarios de los personajes, los cuales son el azul oscuro el naranja y el verde oscuro. La posible función de este altar era para decorar algún espacio de las iglesias edificios religiosos.

Referencias:
"colleccio frontal de altar de-mosoll", museu nacional cat. Acceso el dia 23 de marzo del 2021. https://www.museunacional.cat/es/colleccio/frontal-de-altar-de-mosoll/anonim-catalunya-taller-de-la-seu-durgell-del-1200/015788-000

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Ficha técnica:

Adán
Óleo sobre taba
1507
Autor: Alberto Durero
209 cm de alto x 81 cm de ancho
Museo del prado – Madrid

Ficha técnica:
Eva
Óleo sobre taba
1507
Autor: Alberto Durero
209 cm de alto x  80 cm de ancho
Museo del prado – Madrid

Características formales:

“Adán y Eva” son dos pinturas realizadas con óleo sobre tabla, las cuales miden 209 cm de alto con 80 cm de ancho. Estas pinturas representan a los personajes de la Biblia Adán y Eva. En la obra “Eva”, se ve la representación de esta, la cual esta desnuda, su cabello es mono, ondulado y bastante largo y casi llega a sus rodillas. Su rostro es redondo, sus ojos son cafés y grandes pero muy bien proporcionados para el tamaño de su rostro, sus cachetes están ruborizados y sus labios tienen un tono rojizo y anaranjado. La expresión de su rostro es muy serena y sus ojos están mirando hacia la derecha.  El cuello de Eva es algo grueso y corto, sus hombros están caídos. Su mano derecha sostiene una manzana roja, que se la entrega la serpiente que están enrollada en el árbol (El árbol del bien y el mal) que esta junto a Eva. Como ya sabemos la manzana representa el fruto prohibido. Con su otra mano sostiene una rama del árbol, la cual tapa sus genitales, esta rama tiene un cartel amarrado, el cual tiene una frase, el año de la obra y la firma del artista Durero. La postura del cuerpo de Eva es bastante relajada y natural. En el suelo se ven unas rocas muy pequeñas y algo de musco o pasto cerca del árbol. El cuadro “Adán”, es una representación de este personaje religioso. Adán tiene un rostro cuadrado y bastante varonil, tiene las mandíbulas muy marcadas, sus ojos son de color café claro, su nariz es recta y su cabello es crespo, rubio y le llega a los hombros. El cuello de Adán también es grueso y corto, sus hombros son anchos y tiene marcados los músculos de los brazos. La mano derecha de Adán sostiene una manzana roja (fruto prohibido), que es igual a la que tiene Eva, las hojas de la rama que sostiene la manzana tapan sus genitales. La postura del cuerpo es algo rígida y no es tan natural como la de Eva. Ambas obras son la representación del libro génesis de la biblia, más específicamente la escena del fruto prohibido que esta en el árbol del bien y mal. Ambos cuadros tienen una excelente representación del cuerpo y anatomía humana.

Referencias:

“Colección obra de arte Eva” Mueso del prado. Acceso el dia 20 de abril del 2021

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/eva/930c0fdf-fcfc-47df-b216-e375f5719084?searchid=694e7998-9f2b-b9be-3558-aaa8f0eb9429

“Colección obra de arte Adán” Museo del prado. Acceso el dia 20 de abril del 2021

https://www.museodelprado.es/coleccion/obra-de-arte/adan/25804757-ea25-4aba-903b-eaced6859754?searchid=694e7998-9f2b-b9be-3558-aaa8f0eb9429

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Ficha técnica:
Las grandes bañistas
Óleo sobre lienzo
1884 – 1887
Autor: Pierre Auguste Renoir
Museo de arte de filadelfia

Características formales:

Las grandes bañistas es un cuadro elaborado por el artista Auguste Renoir, está pintado con óleo sobre lienzo y mide 117,8 cm de alto con 170,5 cm de alto. En esta obra se observan un grupo de cinco mujeres que están totalmente desnudas; dos de ellas están sentadas en el pasto de la orilla del rio y las otras tres se están bañando en el rio. Las mujeres que están sentadas en el pasto parecen estar arropándose o secándose con unas toallas o sábanas; la mujer de pelo negro y recogido tiene su torso girado y pareciera estar dándonos la espalda, aunque nos deja ver el perfil de su rostro, esta mujer tiene su mano derecha levantada al igual que sus piernas, y esta posición nos hace pensar que se defendiendo de forma juguetona de su compañera que está en el río y parece que la va a mojar. La otra mujer que está sentada está arropándose con una sábana o toalla amarilla, su cabello es Rubio y lo tiene suelto y está mirando a la mujer de cabello negro que está junto a ella. La mujer que parece que va a mojar a una de sus compañeras, tiene el cabello castaño claro y tiene una trenza, está dándonos la espalda por lo cual se pueden ver sus glúteos y sus manos están en el agua. En la parte de atrás podemos observar a otras dos mujeres que están bañándose en el río una de ellas está de espaldas y parece estar sujetándose o soltándose su cabello; la otra mujer está más hundida en el río, ya que solo se le ven la cabeza y los hombros. Podemos observar claramente que las dos mujeres del fondo no están tan bien detalladas como las tres mujeres que están en primer plano, un ejemplo de ello es el rostro de la mujer del fondo que está bastante desfigurado y parece ser una mancha. El fondo del cuadro está formado por un paisaje, este tampoco está bien detallado, y parece que el conjunto de varias manchas y pinceladas construyen un parque o bosque; con esto nos damos cuenta de que el foco de atención de este cuadro son las tres primeras mujeres. Está obra nos demuestra una gran evolución frente al desnudo femenino, ya que anteriormente los únicos desnudos que veíamos eran los de las Venus o diosas, que estaban puestas de manera idealizada y con posturas nos tan relajadas y naturales, a diferencia de esta obra que nos muestra mujeres muy normales y de la vida cotidiana, las cuales tienen posturas más naturales y que representan los movimientos de la escena.

Referencias:

“collection object 59196” Museo de arte de Philadelphia. Acceso el dia 17 de mayo del 2021. https://www.philamuseum.org/collection/object/59196

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Ficha técnica:
Le violon d’ Ingres
Técnica: Gelatinobromuro de plata sobre papel
1924
Emmanuel Radnitzky (Man Ray)
24,9 cm de alto X 19,4 cm de ancho

Contexto:

Le violon d’ Ingres es una fotografía realizada en 1924 por el fotógrafo Emmanuel Radnitzky (más conocido como Man Ray). En esta época la fotografía no era considerada arte, sino mas bien como un articulo de la ciencia. Esta fotografía es una reinterpretación de la pintura “la bañista de Valpinçon” realizada por el pintor Dominique Ingres, quien también era violinista (de ahí el nombre de la fotografía). La mujer que se observa en la fotografía es Kiki Montparnasse, quién era la amante y musa de Man Ray. El fotógrafo Man Ray intervino esta fotografía dibujando las aberturas de un violín, esa intervención la realizó con tinta China, la cual hizo que esta fotografía tuviera un nivel artístico superior, ya que con esto Man Ray demostró que la fotografía también podría ser un mecanismo y técnica de expresión artística. Además, la yuxtaposición que hay entre el violín y la mujer nos demuestra algo inesperado y surrealista. Esta esa intervención también nos demuestra una metáfora visual entre el violín y la similitud que hay con la silueta de la mujer. Por otra parte, el nombre de esta obra representar un juego de palabras, ya que Man Ray utiliza el nombre de Ingres para referirse a su pasatiempo por el violín, dejándonos la idea de que su pasatiempo era la fotografía y su amante Kiki, lo cual hace que posiblemente esta obra era un cumplido y gesto de amor para su pareja Kiki. El tema de esta foto es la sexualidad y el placer, y se pude interpretar que la mujer es un instrumento que se toca y da placer.

Referencias:

“Colección obra Violon d Ingres”. Museo reina Sofia. Acceso el dia 25 de mayo del 2021.

https://www.museoreinasofia.es/coleccion/obra/violon-dingres-violin-ingres

“fotografías interesantes le violon d Ingres”.  Educación taller lumiere.  Acceso el dia 25 de mayo del 2021. https://edu.tallerlumiere.com/fotografias-interesantes/le-violon-dingres-1924/

“Obras el violín de Ingres”. Historia Arte. Acceso el dia 25 de mayo del 2021. https://historia-arte.com/obras/el-violin-de-ingres-de-man-ray

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Ficha tecnica:
Prière de toucher (toque por favor)
1947
Artistas: Marcel Duchamp y Enrico Donati
23,5 x 20,5 cm
Libro con collage de gomaespuma, pigmento, terciopelo y cartón adherido a funda removible

Contexto:

Prière de toucher (toque por favor), fue la portada diseñada por Marcel Duchamp en compañía del pintor italiano Enrico Donati; esta portada fue diseñada para el catálogo de la Exposition Internationale du Surréalisme, la cual como nos  dice soft sculpture (2009), fue la primera exposición surrealista de la posguerra que se realizaban en Europa. Duchamp y Donati trabajaron juntos para el diseño y producción de la portada, DonatI compró alrededor de 999 pechos postizos de goma que luego fueron pintados por él y Duchamp para que estas parecían naturales y reales; según soft sculpture (2009), Maria Martins amante de Duchamp, fue la que el modelo para esta obra. Por otra parte, duchan elevó la tensión sexual de la obra colocando una etiqueta la cual decía en forma de broma “Prière de toucher ” (nombre de la obra), esta etiqueta tenía como función hacer que el espectador tuviera la oportunidad de interactuar y experimentar con la obra. Además “Un año después de la conclusión de la exposición, se informó a la Galerie Maeght de que el Procureur Général de la Confederación había confiscado una copia del catálogo, que se envió por correo postal a Ginebra, no por su contenido, sino porque se descubrió que su portada era inmoral” Soft Sculpture (2009), lo cual nos dice que el humor de Duchamp genero controversia aun después de un año de la producción de esta obra.

Referencias:

“Exhibition softsculpture”, Soft sculpture nga gov. Acceso el dia 01 de julio del 2021.

https://nga.gov.au/exhibition/softsculpture/Default.cfm?IRN=189001&BioArtistIRN=8663&MnuID=3&ViewID=2

“Collection object 89754”, Philia Museum org. Acceso el dia 01 de junio del 2021. https://www.philamuseum.org/collection/object/89754

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Ensayo visual: El papel de la mujer en el Arte

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Ensayo visual: El papel de la mujer en el Arte

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En el ensayo visual se evidencian cuatro clasificaciones que salen de la mente del hombre, ya que las obras que se analizaron eran casi todas y en su mayoría de hombres, por lo cual pude identificar cuatro categorías o mejor dicho cuatro formas en que los hombres ven y representan a las mujeres. La primera es la idea que tiene la iglesia (Institución la cual gran parte está formada por hombres) de la figura femenina, la cual se divide en dos, la primera es la de santa, madre y Virgen, o, por otro lado, la figura de pecadora e incitadora del mal (Eva). La segunda, son las figuras que no atraen a los hombres, y estas son la mujer como fuente de fertilidad y maternidad; o la vejez, que es un momento en que la mujer no es tenida en cuenta o no atrae a los hombres. La tercera, es la sexual, en donde el hombre representa los rasgos y partes del cuerpo femenino que le atraen. La última, es la idealización que crean los hombres en la mujer, en donde representan diosas, figuras femeninas perfectas y algo irreales. Con todo esto nos damos cuenta de que a través de la historia la participación de la mujer en arte ha sido muy limitada, ya que la mujer en el arte cumple con el rol de musa e inspiración para temas sexuales, maternales o religiosos. De igual forma la mujer fue considerada como “Artista” hasta el siglo XVI, en donde igualmente eran muy pocas las mujeres reconocidas o que podían desarrollar estas actividades. Sin embargo, más adelante las mujeres empiezan a tener una mayor partición en el arte y esto ha ido mejorando con el tiempo.