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Destaco esta otra pieza de la obra de Richter porque resalta el tema de la guerra y dado que, en lo personal, me inclino a que así debió sonar la guerra en la cabeza de Septimus: Sonar a desolación.

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Reseña del trabajo de Richter realizada por Kevin Lozano, periodista de Pitchfork

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Reseña del trabajo de Richter realizada por Kevin Lozano, periodista de Pitchfork

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Quise dejar esta reseña crítica sobre la obra de Richter porque creo que sirve de ayuda para poder profundizar en sus intensiones y la forma en que el compositor alemán entendió las novelas de Virginia Woolf

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Two years ago, the choreographer Wayne McGregor premiered "Woolf Works," a narrative dance piece based on three Virginia Woolf novels ( Mrs. Dalloway, Orlando, and The Waves) at the Royal Opera House. He enlisted Max Richter to pen an original score for over two-hour, three-act affair. The production, by and large, was polarizing, eliciting high praise and violent rebuke. The New York Times singled out Richter's score, which "frequently veer[ed] into cinematic manipulativeness." It is hard not to read this an indictment of Richter, but in reality, it highlights how his score is able to stand apart from the piece it belongs to. Now available for the first time, a slightly truncated version of Richter's score proves something he has been talking about quite a bit in the later years of his career: that his work is unified by an obsession with storytelling.

The score opens up with "Word," the first movement in the first act (inspired by Mrs. Dalloway). The piece is composed of a chorus of bells, gongs, and sampled human bustling (the bell of Parliament's Elizabeth Tower, traffic in Gordon Square). Seconds later, through the haze, the only known recording of Virginia Woolf's voice plays. She reads a portion of the essay part of a BBC broadcast called "Words Fail Me," waxing poetic on the ghostly nature of the English language ("Words, English words, are full of echoes, of memories, of associations") and the impossible negotiation between private meaning and public discourse in prose writing. It is a stunning way to open the score, and gives credence to Richter's invisible hand shaping the narrative of the dance.

After the introduction, the next three pieces cleave closer to convention. Apparently, much like Dalloway, the sounds are supposed to evoke the novel's revolutionary focus on the "texture of the ordinary day," and here, Richter takes that to mean something closer to rote string arrangements, where dips and dives are telegraphed like a routine ballroom dance. Some of it is quite beautiful, foregrounding his graceful piano playing. "War Anthem," in particular, is quite similar to some of his earlier work, like "On the Nature of Daylight," epic scale and all.

The more adventurous side of Richter is made more apparent in the dance's second act, based on Orlando, Woolf's most personal work. Inspired by the novel's transformational conceit, (it tells a fictional biography of a 16th-century male poet who turns into a woman, and lives till the present day) he turned to the "La Folia," a Portuguese folk dance so wild and noisy that it was associated with madness. Richter's singular ability to meld electronics into classical arrangements breathes life into this idea, and on pieces like the "The Explorers" or "Modular Astronomy," he deploys electronics that are both silken and pointedly mechanical. He uses glitches, hiccups, and washes of noise to elevate pockets of lonely strings and keystrokes to heights of anachronistic beauty. Other works like "Entropy" recall the squeamish grace of Oneohtrix Point Never.

The score concludes with the sounds of waves lapping in the middle of the ocean, and Gillian Anderson's voice floats into focus, giving dramatic reading of Woolf's suicide letter to her husband Leonard. After almost 40 minutes of instrumental music, the introduction of an august British voice is startling. For a second, it can feel too on-the-nose (of course the section about The Waves has waves), and maybe even manipulative to use the letter to elicit an emotional response. But, as Anderson's voice dissolves into the oceanic strings, the next 21 minutes build to a plaintive, melancholy peak. Richter said that his 8-hour piece was a much easier work than Woolf Works, and it shows; he was asked to make a musical world for three vastly different novels, united by an almost private language of symbols and themes. His goal with the score was to "evoke the experience of jumping between languages" in order to mimic what Woolf so often does in her writing. Like McGregor, he set an impossible bar, and even if he doesn't clear it, the fall leads to something arresting nonetheless.

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Max Richter: Three Worlds: Music From Woolf Works

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Two years ago, the choreographer Wayne McGregor premiered "Woolf Works," a narrative dance piece based on three Virginia Woolf novels ( Mrs. Dalloway, Orlando, and The Waves) at the Royal Opera House. He enlisted Max Richter to pen an original score for over two-hour, three-act affair.

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En una entrevista para Europa Press, Max Richter afirmó que ve muchas similitudes entre nuestra época y la de la 1941, año en que Virginia Woolf se suicidó. "El discurso político es deprimente y se escuchan ecos del siglo pasado que precedieron a la II Guerra Mundial, lo que es complicado de entender. Son tiempos difíciles y un reto para todos", comentó el músico alemán en una entrevista con Europa Press -según recogió el diario La Vanguardia (2017)-.

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Así sonarían tres novelas de Virginia Woolf

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Así sonarían tres novelas de Virginia Woolf

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El compositor alemán Max Richter publicó en 2017 su disco Three worlds: music from Woolf works, en el que musicalizo tres obras de danza creadas, a su vez, siguiendo tres novelas de Virginia Woolf: La Señora Dalloway, Orlando y Las Olas.
Destaco como un dato curioso que el trabajo de Richter abre con la pieza llamada Words, que incluye la única grabación de la voz de Virginia Woolf.

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Max Richter - Three Worlds: Music From Woolf Works (Full Album) 2017

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Así sonaría Clarissa Dalloway en su jardín

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Así sonaría Clarissa Dalloway en su jardín

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Quiero destacar la primera pieza del álbum, donde Richter intenta reflejar la manera en que sonaría la propia Clarissa Dalloway estando en su jardín.

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Max Richter - Mrs Dalloway, In the Garden

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Canon literario y su influencia en las escuelas

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Canon literario y su influencia en las escuelas

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Este pequeño artículo de Pedro Cerrillo Torremocha (2013) aborda los efectos que tiene, dentro de las lecturas  escolares, el canon literario impuesto desde el academicismo.
Creo que pone en cuestión una situación que debiese ser pertinente para el quehacer docente de Lengua y Literatura. Ante todo, siento que es relevante pensando en que, tal como afirma Cerrillo (2013), "uno de los objetivos básicos de la lectura debe ser el placer de leer, ampliando nuestro conocimiento del mundo". Y es que dicho objetivo ha de ser, al menos para mí, el principal dentro de la formación escolar.

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En este texto de Ching-fang Tseng sostiene que Clarissa Dalloway se apropia del concepto de flaneur.
No profundizo más sobre el artículo porque, a mi parecer, resulta más enriquecedor leerlo.

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La relación de la música surrealista con la literatura.

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La relación de la música surrealista con la literatura.

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Schaeffer, según indica él mismo, recibió una carta luego del estreno de esta pieza en la radio. En la misiva se describía su música como la "escuchada, por ellos solos, por Poe y Lautréamont, y Raymond Roussel" (1952, p. 30). Se destaca la mención del último autor porque fue inspirador del movimiento surrealista y del OuLiPo.
Igualmente es posible destacar la influencia que el compositor francés le dio al futurismo literario y al Manifiesto de Música Futurista (1910), texto escrito por el compositor Francesco Balilla Pratella y encargado por Filipo Tommaso Marinetti -fundador del futurismo en Italia-.

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Schaeffer manipuló sonidos pregrabados de cacerolas y un par de voces humanas para lograr su yuxtaposición.
Cabe agregar que este trabajo forma parte de "Cinco estudios de ruidos" (1948), donde el mismo Schaeffer construyó otros trabajos con el sonido de trenes, un torniquete, música orquestal y un piano.
La foto, por cierto, corresponde al compositor francés.

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Max Paddison, musicólogo, define la música surrealista como la que “yuxtapone fragmentos de sonidos históricamente devaluados en una forma de montaje que les permite arrojar nuevos significados dentro de una nueva unidad estética" (1993, p. 90).

En el fondo, se trata de la manipulación y edición de sonidos pregrabados a través de cuatro variables, las únicas disponibles en la época:
1) Corte y montaje de porciones de sonido.

2) Variación de la velocidad de la grabación.

3) Inversión de la pista de sonido.

4) Combinación de distintos sonidos.

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El surrealismo musical por Pierre Schaeffer

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El surrealismo musical por Pierre Schaeffer

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Esta pieza fue realizada por Pierre Schaeffer, ingeniero en telecomunicaciones y compositor francés, en 1948.

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Cesar Vallejo y sus reflexiones sobre el surrealismo.

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Cesar Vallejo y sus reflexiones sobre el surrealismo.

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El artículo recoge las reflexiones que escribió el autor peruano en Autopsia del superrealismo (1933), texto donde exponía su postura ante el movimiento surrealista.
Lo interesante, a mi parecer, de este artículo es que profundiza los postulados de Vallejo contra los de Breton. Se genera una especie de pelea de boxeo donde, incluso, se recoge la siguiente sentencia del poeta peruano: "La revolución de Breton se limita a un plano aristocratizado". Un golpe de nocaut, desde mi pensar, al escritor de Nadja.

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Por ello, si bien la protesta surrealista por el estado actual, -para la época de eclosión del movimiento y para el momento actuales para Vallejo compatible con la concepción marxista, la negación y el amor por el pasado, se enfrentan al concepto de evolución progresiva y creciente de la Historia.

A pesar de lo integral que se autocalifica la "revolución surrealista", -recordemos los consejos de Breton para vivir una vida surrealista contenidos en el Primer manifiesto, bajo el título de "Secrets de l'Art Magique Surréaliste"-, ésta no llega a volcarse a la calle: Larrea le adjudica una actitud nervaliana en el sentido de dejar la vida a " expensas de la vía publica".

Por su parte, el mismo Breton en carta a su hija le revela que la razón para haberse abstenido de combatir en la Guerra Civil Española, estuvo dada por el amor que le tenía a ella, recién nacida: " amaba en ti a los hijos de los milicianos de España".

Por ello, Vallejo en su crítica, señala: " Para ser consecuente con lo que los surrealistas llamaban espíritu crítico y revolucionario de este movimiento, había que saltar al medio de la calle y hacerse cargo, entro otros, del problema político y económico de nuestra época".

En Breton, la acción se queda en una actitud simbólica a la vez que pasiva e individualista. Mientras señala que encarna en su hija a los hijos de esos milicianos que luchan contra el fascismo en España, no se expone en lo personal para el logro de una igual felicidad en esos otros padres.

Para Vallejo, la revolución de Breton se limita a un plano aristocratizado. Para ello recuerda que Breton anuncia, en el Segundo manifiesto, el triunfo del surrealismo por haber logrado " suscitar, desde el punto de vista moral e intelectual, una revolución de conciencia".

Por el contrario, para Vallejo, la única revolución imprescindible es la proletaria, que a su vez revolucionará todos los ordenes de la sociedad: "... el rol de los escritores no está en suscitar crisis morales o intelectuales más o menos graves, es decir, en hacer revoluci6n por arriba, sino al contrario, hacerlas por abajo".

Dentro del mismo espíritu de crítica a la no integración social de la "revolución surrealista", pero en relación con las creaciones artísticas de sus partidarios, Vallejo considera que se quedan en meros " juegos de salón relativos a la escritura automática, a la moral, a la religión, a la política". Como juegos de salón, se sus traen a la clase que debe realizar la revolución, es decir, al proletariado. La palabra " salón" hace además al círculo cerrado que se aleja de la calle, de la colectividad. Además son sólo juegos cerebrales, ajenos a la realidad.

En su artículo " Literatura a Puerta Cerrada", Vallejo habla del literato de gabinete como un producto de la realidad burguesa. En su afán por conservar el patrimonio de la familia, éste se convierte en portador de los valores e intereses de la burguesía.

Desde el punto de vista estético, la crítica de Vallejo al surrealismo se centra en el " automatismo". Supone que se ha sustituido la " alquimia comparativa y estática", que es la poesía tradicional, por la "f armacia aproximativa y dinámica de lo que se llama rappoprt" en el surrealismo.

Por eso, para Vallejo el surrealismo se limita a una " receta" extraída de los pensamientos de Apollinaire, que no alcanza a la sensibilidad humana. A partir de ello, Vallejo se atiene a lo que hay de mecánico y prefabricado en la idea de " automatismo".
Por ello, en otro texto, conjura a los surrealistas:

" Hacedores de imágenes, devolved las palabras a los hombres". Porque para Vallejo, y en su concepto de una "poesía nueva", debe haber una asimilación, por parte del artista, de los materiales vitales. Lo esencial para él no está en el logro de un nuevo "rapport", de una nueva imagen, sino en la incorporación de ese ritmo a la sensibilidad del poeta.

De acuerdo a lo que hemos venido viendo sobre la crítica que hace Vallejo al surrealismo, estaríamos dispuestos a aceptar ciertas críticas realizadas a Vallejo por su extremado celo en la defensa de los criterios marxistas de la época. Sin embargo, no creemos que sea totalmente así.

Para el poeta, un artista es político en cuanto hombre, pero en cuanto creador, su función es la de "despertar en el hombre la aptitud de engendrar y aflorar a su piel nuevas inquietudes y emociones cívicas". Pero su actitud debe estar lejos de toda acción dirigida y de toda intención didáctica. Para Vallejo no es aceptable la concepción de una "literatura proletaria", en tanto que esa formulación se corresponde con una delimitación política del arte que lo lleva a ser un medio utilizable por un determinado Estado para plasmarse. Por ello, lo sublevaba la idea de encerrar al escritor dentro de las limitaciones espirituales que conllevan las ideas político-sociales ligados a la maquinaria estatal.. "El artista es libérrimo" y por eso no acepta que se le imponga ninguna consigna.

Si bien la función política de la literatura existe, en tanto que la obra del artista está intrínsicamente ligada a su vida, el creador como tal no puede controlar, prever o calcular las consecuencias políticas contenidas potencialmente en sus realizaciones.

Existen distancias inquebrantables entre el pensamiento de Vallejo y el surrealismo. Si bien se observa en este movimiento la experiencia de lo colectivo, (la obra de arte puede ser el producto de la actividad de varias personas, por ejemplo, en 'el cadáver exquisito'), el círculo de acción se reduce al grupo de los ya iniciados. Podría llegarse a sostener que en realidad, las diferentes personalidades logran reunirse en una sola, si nos atenemos al producto final de esa acción. La obra surrealista no se plantea una dirección hacia el gran público, ni mucho menos acepta tener una intencionalidad social.

En cambio, la obra de Vallejo parte de la vida sencilla, de la mesa hogareña junto al fuego, del dolor del frío, el hambre y la enfermedad; de la lucha contra la injusticia, y la desigualdad. La tragedia española, con su desigual enfrentamiento, lleva a Vallejo a algunas de sus mejores creaciones poéticas, cargadas de un profundo mensaje humano, donde lo político circunstancial no ahoga el torrente del creador.
El punto de partida de Vallejo es la realidad, el hombre de todos los días, esa aparentemente destructiva cotidianeidad en la cual debe sumergirse cada día ese ser humano gris y cargado de problemas.

En cambio para el surrealismo la búsqueda debe estar centrada en la creación de otra realidad, una que se aleje y se sustraiga de la cotidianeidad. Un nuevo orden que se producirá a mitad de camino entra el sueño y la realidad existente.

En su Segundo Manifiesto, Breton señala: " Todo induce a creer que existe cierto punto en el espíritu desde donde la vida y la muerte, lo real y lo imaginario, el pasado y el futuro, lo trasmisible y lo intrasmisible, lo alto y lo bajo, dejan de percibirse contradictoriamente. En vano se buscaría a la actividad surrealista otro móvil que la esperanza de determinar ese punto".

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Una opinión crítica latinoamericana sobre el surrealismo: César Vallejo, por Álvaro Barros-Lémez

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Por ello, si bien la protesta surrealista por el estado actual, -para la época de eclosión del movimiento y para el momento actuales para Vallejo compatible con la concepción marxista, la negación y el amor por el pasado, se enfrentan al concepto de evolución progresiva y creciente de la Historia.

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Realizado con recortes de la Revista Caras y un recetario gastronómico del supermercado Líder.

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Debussy, en definitiva, rayaba mucho con Verlaine.

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Debussy, en definitiva, rayaba mucho con Verlaine.

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Estas seis piezas fueron compuestas por Debussy en 1887, mientras estaba estudiando en Roma y era un lector empedernido de la poesía de Verlaine.

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Claude Debussy - Ariettes oubliées (1887)

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Pensándolo bien, quizás es más obsesión que mero gusto. 

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Pensándolo bien, quizás es más obsesión que mero gusto. 

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En 1891, el compositor publicó otras tres piezas basadas en la poesía de Verlaine.

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El gusto de Debussy es más que superficial...

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El gusto de Debussy es más que superficial...

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El compositor también realizó una adaptación musical de seis poemas de las Fêtes galantes de Verlaine. Estas seis piezas musicales fueron publicadas en dos libros de partituras distintos. El primero (1892) incluía las versiones de los poemas En sourdine, Fantoches y una primera versión de Clair de lune. El segundo libro (1904) contenía Les Ingénus, Le Faune y Coloque sentimental.

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El razonamiento de Becker (2012) se justifica en que el mismo Debussy escribió en 1911 que "los músicos que no entienden el verso no deberían ponerle música. Sólo pueden estropearlos”, para luego exponer que Robert Schumann -compositor alemán- nunca había entendido nada de la poesía de Henri Heine.

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Debussy y los aspectos formales de la poesía de Baudelaire. 

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Debussy y los aspectos formales de la poesía de Baudelaire. 

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Según Samuel Becker (2012), el compositor incorporó a su música los aspectos formales y estilísticos de la poesía de Baudelaire, como apóstrofes, antítesis, metáforas, prosodia y sonoridades léxicas para dar a entender su comprensión literaria.

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El compositor francés estudió piano con Antoinette-Flore Mauté de Fleurville, suegra de Paul Verlaine y que, además, fue estudiante de Chopin.
Si bien no existe correspondencia conocida entre el compositor y el poeta, desde la musicología afirman que deben haberse conocido cuando el mismo Debussy era un niño.

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El gusto de Debussy por la poesía de Verlaine.

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El gusto de Debussy por la poesía de Verlaine.

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El compositor francés escribió Clair de lune -probablemente su obra más famosa- basandose en un poema de Verlaine del mismo nombre. Esta pieza se enmarca como tercer movimiento de su Suite bergamasque (escrita en 1890, pero publicada en 1905), un conjunto de danzas para piano inspiradas en las Fêtes galantes del mismo poeta.
Dejo la pieza en su versión para guitarra porque, en lo personal, me gusta más.

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Claude Debussy y su gusto por la poesía de Baudelaire y Verlaine.

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Claude Debussy y su gusto por la poesía de Baudelaire y Verlaine.

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La foto corresponde al mismo compositor francés.

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El compositor francés publicó en 1890 estas adaptaciones musicales de poemas extraídos de Las Flores del Mal.

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Claude Debussy - 5 Poèmes de Baudelaire [w/ score]

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Pieza de Miklós Rózsa (1907 - 1995), compositor húngaro de música cinematográfica, perteneciente al soundtrack de la película Madame Bovary de 1949.

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Miklos Rozsa - Emma's Discontent - (Madame Bovary, 1949)

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Párrafo de cierre de "Palabras a los maestros"

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Párrafo de cierre de "Palabras a los maestros"

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Pequeño fragmento que se encuentra en el texto y que, desde mi parecer, es sumamente necesario de leer para comprender mejor el quehacer docente.

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Entre los minutos 4:40 y 7:07 del vídeo realizado por Outis Lee se expone una comparación entre dos diferentes traducciones del capítulo final de la primera parte de Madame Bovary.

Aunque me detengo en un fragmento, cabe decir que el registro completo resulta bastante ilustrador.

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Se cierran las bibliotecas para siempre... ¿qué libro me llevo por última vez?

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Se cierran las bibliotecas para siempre... ¿qué libro me llevo por última vez?

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Escogería llevarme el libro Magisterio y niño de Gabriela Mistral. Lo haría porque creo que hace falta leer más a Gabriela desde su pensamiento pedagógico.

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Soy de la generación que ha crecido y se ha formado con el Internet, las redes sociales y los memes.

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Soy de la generación que ha visto los primeros efectos del cambio climático y la crisis de los sistemas políticos contemporáneos.