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Ambrosía, Antoni Tàpin, 1989. Técnica mixta sobre lienzo. 250 x 601 cm. Museo Guggenheim Bilbao, Bilbao, España.

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Primer diseño del castillo a pequeña escala

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Primer diseño del castillo a pequeña escala

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No diré censura otra vez, pero ya saben 

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No diré censura otra vez, pero ya saben 

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Mientras visitaba el segundo piso, donde a mi parecer estaban las obras más llamativas en cuanto a la variedad de colores que se presentaban, me encontré con una obra que a simple vista no tiene mucho que decir, pero que gracias a su descripción pude enterarme de la misión del artista al crear esta obra. Esta obra se titula ''Ambrosía'' del artista catalán Antoni Tàpies. Utilizando el Tachisme, una variedad del estilo de pintura abstracto que se manejaba en Europa, que significa en francés ´´mancha'', hace un énfasis en los residuos que dejan los seres humanos y de los cuales pueden brotar belleza distinta a la que se encuentra en los estigmas; esta fue la invitación de Antoni. La obra cuenta con líneas orgánicas verticales, horizontales, diagonales y curvas, las cuales son predominantemente ce alto grosor, con un enfoque fuerte, de color oscuro. En la esquina derecha superior se puede ver la palabra ''Ambrosia'' en un color claro, palabra que se ve subordinada por el trazo grueso de color negro en el que se encuentra.  Se perciben una gran cantidad de líneas implícitas a lo largo de lo que parece una gran pared. Cuenta con tonalidades blancas, negras y grisáceas, estas últimas son las que ayudan a evidenciar una apariencia de desgaste, que al estar encima de las grietas genera una percepción de que allí pasó el ser humano con el fin de hacerlo polvo. Se puede decir que la obra no es una sola unidad, sino que esta se divide en dos partes que crean la pared. La obra cuenta con alta iluminación, con el fin de que se puedan ver las imperfecciones de la misma. Sin duda alguna, su forma en general es de forma orgánica, la cual es asimétrica, donde se puede ver que hay un mayor énfasis en los trazos gruesos, mientras que los rastros del paso humano pasan a subordinarse de este primero. Por último, me gustaría recalcar el título, pues este hace referencia al néctar de los dioses griegos, que al consumirlo se volvería inmortal. Lo curioso es que Tàpin afirmaba que sus obras tenían este poder de perdurabilidad a lo largo del tiempo, de alguna forma no se equivocó, pues heme aquí analizando su obra con la mayor admiración posible. Me encantó esta obra por el estilo de composición, me asombra cuanta verdad se puede plasmar en un ''mini'' mural.

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Mientras visitaba el segundo piso, donde a mi parecer estaban las obras más llamativas en cuanto a la variedad de colores que se presentaban, me encontré con una obra que a simple vista no tiene mucho que decir, pero que gracias a su descripción pude enterarme de la misión del artista al crear esta obra. Esta obra se titula ''Ambrosía'' del artista catalán Antoni Tàpies. Utilizando el Tachisme, una variedad del estilo de pintura abstracto que se manejaba en Europa, que significa en francés ´´mancha'', hace un énfasis en los residuos que dejan los seres humanos y de los cuales pueden brotar belleza distinta a la que se encuentra en los estigmas; esta fue la invitación de Antoni. La obra cuenta con líneas orgánicas verticales, horizontales, diagonales y curvas, las cuales son predominantemente ce alto grosor, con un enfoque fuerte, de color oscuro. En la esquina derecha superior se puede ver la palabra ''Ambrosia'' en un color claro, palabra que se ve subordinada por el trazo grueso de color negro en el que se encuentra.  Se perciben una gran cantidad de líneas implícitas a lo largo de lo que parece una gran pared. Cuenta con tonalidades blancas, negras y grisáceas, estas últimas son las que ayudan a evidenciar una apariencia de desgaste, que al estar encima de las grietas genera una percepción de que allí pasó el ser humano con el fin de hacerlo polvo. Se puede decir que la obra no es una sola unidad, sino que esta se divide en dos partes que crean la pared. La obra cuenta con alta iluminación, con el fin de que se puedan ver las imperfecciones de la misma. Sin duda alguna, su forma en general es de forma orgánica, la cual es asimétrica, donde se puede ver que hay un mayor énfasis en los trazos gruesos, mientras que los rastros del paso humano pasan a subordinarse de este primero. Por último, me gustaría recalcar el título, pues este hace referencia al néctar de los dioses griegos, que al consumirlo se volvería inmortal. Lo curioso es que Tàpin afirmaba que sus obras tenían este poder de perdurabilidad a lo largo del tiempo, de alguna forma no se equivocó, pues heme aquí analizando su obra con la mayor admiración posible. Me encantó esta obra por el estilo de composición, me asombra cuanta verdad se puede plasmar en un ''mini'' mural.

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Mi experiencia en este museo definitivamente fue mágica,  la arquitectura exterior de la edificación, la cual me sorprendió por su imponente presencia con un diseño metálico de ondas que está acompañado de distintas obras como ''El gran árbol y el ojo'' de Anish Kapoor y ''Tulipanes'' de Jeff Koons. Debo decir que este es de los museos más sofisticados en términos de infraestructura, es una delicia caminar dentro de estas instalaciones, destaco los pasillos en la altura, las vigas en cercanía al panorama y la gran entrada de luz en toda la puerta principal. Del mismo modo, es muy llamativo el hecho de que gran parte de sus obras sean a gran escala, como son estas grandes figuras de hierro patinable creadas por Richard Serra en conmemoración a la persistencia del arte en la memoria. Aunque me encanta la estética del lugar, debo decir que no fue agradable que muchas de los stands no estuvieran disponibles a través de la aplicación, lo cual me dejó en parte con un mal sabor de boca. En su mayoría los tonos grises, cafés y blancos abarcan la mayoría de los muros que conforman este museo lo cual genera un ambiente de sobriedad a lo largo del recorrido, me gusta eso. En general, mi recorrido estuvo bien a pesar de que lo empecé hace más de 15 días y lo termine hasta hoy.

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Mi experiencia en este museo definitivamente fue mágica,  la arquitectura exterior de la edificación, la cual me sorprendió por su imponente presencia con un diseño metálico de ondas que está acompañado de distintas obras como ''El gran árbol y el ojo'' de Anish Kapoor y ''Tulipanes'' de Jeff Koons. Debo decir que este es de los museos más sofisticados en términos de infraestructura, es una delicia caminar dentro de estas instalaciones, destaco los pasillos en la altura, las vigas en cercanía al panorama y la gran entrada de luz en toda la puerta principal. Del mismo modo, es muy llamativo el hecho de que gran parte de sus obras sean a gran escala, como son estas grandes figuras de hierro patinable creadas por Richard Serra en conmemoración a la persistencia del arte en la memoria. Aunque me encanta la estética del lugar, debo decir que no fue agradable que muchas de los stands no estuvieran disponibles a través de la aplicación, lo cual me dejó en parte con un mal sabor de boca. En su mayoría los tonos grises, cafés y blancos abarcan la mayoría de los muros que conforman este museo lo cual genera un ambiente de sobriedad a lo largo del recorrido, me gusta eso. En general, mi recorrido estuvo bien a pesar de que lo empecé hace más de 15 días y lo termine hasta hoy.

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Entrada el 3 de mayo del 2021 por medio de Google arts and culture. Continuada el 19 de mayo del 2021.

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Ubicado en la provincia de Vizcaya, en Bilbao, el museo de Guggenheim cuenta con un diseño llamativo, creado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry. Este museo que alberga arte contemporáneo fue fundado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de España. El museo está vinculado en franquicia con la Fundación Solomon R. Guggenheim, creada por el coleccionista de arte y filántropo americano del mismo nombre en promoción al arte moderno.

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Ubicado en la provincia de Vizcaya, en Bilbao, el museo de Guggenheim cuenta con un diseño llamativo, creado por el arquitecto canadiense Frank O. Gehry. Este museo que alberga arte contemporáneo fue fundado el 18 de octubre de 1997 por el rey Juan Carlos I de España. El museo está vinculado en franquicia con la Fundación Solomon R. Guggenheim, creada por el coleccionista de arte y filántropo americano del mismo nombre en promoción al arte moderno.

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Retrato de mi padre, Frida Kahlo, 1951. Óleo sobre fibra dura. 60.5 x 46.6 cm. Museo Frida Kahlo, Coyoacán, Ciudad de México, México.

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Aquella obra en la escalera entre la cocina y el estudio.

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Aquella obra en la escalera entre la cocina y el estudio.

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Al revisar los diferentes retratos, pinturas y fotografías de Frida me topé con un retrato que ella le hizo a su padre, y el detonante de que escogiera esta obra fue el mensaje en letra roja que se encuentra en la parte inferior del recuadro, en donde escribe una breve dedicatoria y descripción de lo que era su padre de ascendencia húngara-alemana. La obra cuenta con líneas predominantemente orgánicas  en el contorno del hombre y la funda negra, a  excepción de las que se perciben en la cámara antigua, en el mueble que sostiene esta misma y en el cuello de la camisa, que genera en estos tres objetos figuras de tipo geométricas, a la medida. Se encuentra que hace un gran uso de las sombras, especialmente reflejadas en el abrigo del hombre, exactamente en los dobleces que genera la contracción de las mangas. Se puede ver que la luz va desde la derecha a la izquierda de la obra al evidenciar el color del mueble de madera. Hay una clara predominancia de matices cálidos con la presencia de amarillo tanto en la pared con pincelazos negros como en la cámara antigua. Hay presencia de caféses en el cabello y el el traje, blancos en los ojos, camisa y en el lente de la cámara. Se cuenta con el color primario rojo en la corbata y con el color secundario verde en la pupila de los ojos. Sin duda alguna hay un énfasis en el retrato del hombre que es casi simétrico, con una escala normal, donde se subordina la cámara del hombre, lo cual genere que no haya un equilibrio del todo sumado a que en el costado derecho se cuente con una pared con circunvoluciones en gris. Aún así, siento que la obra es una unidad con ligeros cambios de variedad. Me llevo de la composición la mirada del hombre y su fragmento de historia percibida por su hija, donde las imágenes en compañía de unas pocas palabras crean un ambiente específico, un contexto para poder imaginar todo lo que la persona vivió para llegar a ese punto, me encantó la obra, no es broma jajaja.

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Al revisar los diferentes retratos, pinturas y fotografías de Frida me topé con un retrato que ella le hizo a su padre, y el detonante de que escogiera esta obra fue el mensaje en letra roja que se encuentra en la parte inferior del recuadro, en donde escribe una breve dedicatoria y descripción de lo que era su padre de ascendencia húngara-alemana. La obra cuenta con líneas predominantemente orgánicas  en el contorno del hombre y la funda negra, a  excepción de las que se perciben en la cámara antigua, en el mueble que sostiene esta misma y en el cuello de la camisa, que genera en estos tres objetos figuras de tipo geométricas, a la medida. Se encuentra que hace un gran uso de las sombras, especialmente reflejadas en el abrigo del hombre, exactamente en los dobleces que genera la contracción de las mangas. Se puede ver que la luz va desde la derecha a la izquierda de la obra al evidenciar el color del mueble de madera. Hay una clara predominancia de matices cálidos con la presencia de amarillo tanto en la pared con pincelazos negros como en la cámara antigua. Hay presencia de caféses en el cabello y el el traje, blancos en los ojos, camisa y en el lente de la cámara. Se cuenta con el color primario rojo en la corbata y con el color secundario verde en la pupila de los ojos. Sin duda alguna hay un énfasis en el retrato del hombre que es casi simétrico, con una escala normal, donde se subordina la cámara del hombre, lo cual genere que no haya un equilibrio del todo sumado a que en el costado derecho se cuente con una pared con circunvoluciones en gris. Aún así, siento que la obra es una unidad con ligeros cambios de variedad. Me llevo de la composición la mirada del hombre y su fragmento de historia percibida por su hija, donde las imágenes en compañía de unas pocas palabras crean un ambiente específico, un contexto para poder imaginar todo lo que la persona vivió para llegar a ese punto, me encantó la obra, no es broma jajaja.

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Mi experiencia en las entrañas de Frida fue algo íntimo, inusual en una visita de arte, como si estuviese visitando personalmente su hogar, y a la vez me invitara a tomarme un café mientras me muestra algunas de sus obras. Sentí la cercanía de la cultura, quizás por esto mismo sentí que estaba en casa de mis abuelos, donde los colores vivos (los arreglos amarillos y verdes, en contraste con las paredes blancas y azules, al igual que el piso naranja de baldosas desgastadas pero pulidas) salen a relucir aunque sus cuerpos estén desgastados. Debo decir que fue un poco extraño llegar a visitar el museo en su totalidad (o eso creo que logré hacer), puesto que solo pude acceder a una parte de la Casa Azul por medio de la ruleta inferior de la página que te enseña las obras. En el patio no podía sacarme de la cabeza la idea de que se contara con un espacio al aire libre tan grande y a su vez privado, llegué a sentir envidia por no contar con un lugar así. Pude encontrar que tiene un gran gusto por las esculturas pre colombinas, pues encontré muchas de ellas en este lugar y en su estudio, encima de lo que parece ser una estantería de libros. Es de mi admiración que dejaran abierto incluso las recámaras en las que descansaban, siento que es un factor sumamente íntimo, y quizás por ello, no solo en esa parte de la casa sino en la cocina también, apareciera la indicación de no usar el teléfono, no tocar y no tomar fotos, esto como muestra de respeto por el lugar que se visita y lo que debió significar para ella este lugar de vida. La zona de fotografía de Frida fue la que más me gustó por lo original, lo transparente, al igual que la cocina, particularmente por los arreglos de los pájaros y nombres por medio de estas pepitas en las paredes.

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Mi experiencia en las entrañas de Frida fue algo íntimo, inusual en una visita de arte, como si estuviese visitando personalmente su hogar, y a la vez me invitara a tomarme un café mientras me muestra algunas de sus obras. Sentí la cercanía de la cultura, quizás por esto mismo sentí que estaba en casa de mis abuelos, donde los colores vivos (los arreglos amarillos y verdes, en contraste con las paredes blancas y azules, al igual que el piso naranja de baldosas desgastadas pero pulidas) salen a relucir aunque sus cuerpos estén desgastados. Debo decir que fue un poco extraño llegar a visitar el museo en su totalidad (o eso creo que logré hacer), puesto que solo pude acceder a una parte de la Casa Azul por medio de la ruleta inferior de la página que te enseña las obras. En el patio no podía sacarme de la cabeza la idea de que se contara con un espacio al aire libre tan grande y a su vez privado, llegué a sentir envidia por no contar con un lugar así. Pude encontrar que tiene un gran gusto por las esculturas pre colombinas, pues encontré muchas de ellas en este lugar y en su estudio, encima de lo que parece ser una estantería de libros. Es de mi admiración que dejaran abierto incluso las recámaras en las que descansaban, siento que es un factor sumamente íntimo, y quizás por ello, no solo en esa parte de la casa sino en la cocina también, apareciera la indicación de no usar el teléfono, no tocar y no tomar fotos, esto como muestra de respeto por el lugar que se visita y lo que debió significar para ella este lugar de vida. La zona de fotografía de Frida fue la que más me gustó por lo original, lo transparente, al igual que la cocina, particularmente por los arreglos de los pájaros y nombres por medio de estas pepitas en las paredes.

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Localizado en uno de los barrios más antiguos de la Ciudad de México, en el centro de Coyoacán, el Museo Frida Kahlo, también conocido como la Casa  Azul, es una casa museo en honor al mundo de Frida Kahlo, el lugar en el cual vivió la mayor parte de su vida. Allí se exponen pinturas, esculturas, fotografías y demás tanto de Frida como del artista y también su expareja Diego Rivera. Se inauguró en julio de 1958, en ella han pasado gente importante en la historia como el revolucionario ruso León Trotsky y el fundador y principal exponente del surrealismo, André Bretón.

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Localizado en uno de los barrios más antiguos de la Ciudad de México, en el centro de Coyoacán, el Museo Frida Kahlo, también conocido como la Casa  Azul, es una casa museo en honor al mundo de Frida Kahlo, el lugar en el cual vivió la mayor parte de su vida. Allí se exponen pinturas, esculturas, fotografías y demás tanto de Frida como del artista y también su expareja Diego Rivera. Se inauguró en julio de 1958, en ella han pasado gente importante en la historia como el revolucionario ruso León Trotsky y el fundador y principal exponente del surrealismo, André Bretón.

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Entrada el 28 de abril del 2021 por medio de Google arts and culture.

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Casas de campo con techo de paja en Cordeville, Vincent van Gogh, Junio, 1890. Óleo sobre lienzo. 73 x 92 cm. Musée d'Orsay, París, Francia.

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Las parejas aparentemente bailando, hermoso.

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Las parejas aparentemente bailando, hermoso.

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La otra estatua del piso 5 en la esquina opuesta de la primera

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La otra estatua del piso 5 en la esquina opuesta de la primera

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Precisamente, me encontraba en el piso en conmemoración a van Gogh y me fijé en la pintura a mano derecha del conocido autorretrato que él pintó, era una pintura de un paisaje divino, la cual casi dejo botada puesto que no veía con claridad el nombre. Después de unos cuantos minutos tratando de descifrar el nombre, cumplí mi cometido. La obra se llama ´´Casas con techos de paja de Cordeville en Auvers-sur-Oise´´, pintada por Vincent van Gogh en el año 1890, semanas antes de que falleciera a causa de un disparo con arma de fuego, que por cierto, al parecer se subastó en un promedio entre 40.000 y 60.000 euros. La página del museo brinda una pequeña contextualización de la obra que fue de gran ayuda para analizar la obra. Esta cuenta con líneas gruesas verticales, horizontales y onduladas curvas principalmente. La casa se puede encontrar como figura orgánica que está siendo distorsionada en conjunto a la huerta y al jardín. Me atrevo a decir que hay un énfasis en la primera casa, y de esta se subordina la casa de la derecha, la huerta y el cielo, sin embargo, percibo paralelamente una uniformidad clara al encontrar matices primarios azules de diferentes tonalidades y secundarios de color verde claro y oscuro, al igual que un naranja (que está poco saturado) que se complementan, estos acompañados de un gran blanco en el cielo que hace de nubes. Las figuras que se desprenden del concepto de los árboles y los ladrillos que acompañan la huerta parecen que fueran a salir del lugar en el que están, como si fueran fluidos en vez de algo sólido que va hacia el cielo, me gustó mucho la obra por los matices más fríos, me gustó mucho el cuadro.

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Precisamente, me encontraba en el piso en conmemoración a van Gogh y me fijé en la pintura a mano derecha del conocido autorretrato que él pintó, era una pintura de un paisaje divino, la cual casi dejo botada puesto que no veía con claridad el nombre. Después de unos cuantos minutos tratando de descifrar el nombre, cumplí mi cometido. La obra se llama ´´Casas con techos de paja de Cordeville en Auvers-sur-Oise´´, pintada por Vincent van Gogh en el año 1890, semanas antes de que falleciera a causa de un disparo con arma de fuego, que por cierto, al parecer se subastó en un promedio entre 40.000 y 60.000 euros. La página del museo brinda una pequeña contextualización de la obra que fue de gran ayuda para analizar la obra. Esta cuenta con líneas gruesas verticales, horizontales y onduladas curvas principalmente. La casa se puede encontrar como figura orgánica que está siendo distorsionada en conjunto a la huerta y al jardín. Me atrevo a decir que hay un énfasis en la primera casa, y de esta se subordina la casa de la derecha, la huerta y el cielo, sin embargo, percibo paralelamente una uniformidad clara al encontrar matices primarios azules de diferentes tonalidades y secundarios de color verde claro y oscuro, al igual que un naranja (que está poco saturado) que se complementan, estos acompañados de un gran blanco en el cielo que hace de nubes. Las figuras que se desprenden del concepto de los árboles y los ladrillos que acompañan la huerta parecen que fueran a salir del lugar en el que están, como si fueran fluidos en vez de algo sólido que va hacia el cielo, me gustó mucho la obra por los matices más fríos, me gustó mucho el cuadro.

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Me gustó mucho el paso por el Museo de Orsay, en el primer piso o la base sentí una gran presencia de majestuosidad al contar con un infraestructura gigante a lo largo del pasillo principal, que acompañada de la gran colección de estatuas ( que a su vez se ubican en bases con un diseño arquitectónico llamativo) hace que el espacio se vuelva mágico. El piso brillante se me hizo familiar al de mi casa, por un momento me sentí en mi lugar seguro e único al tocar este piso que es frío y acogedor a la vez. En el segundo piso pude encontrar una gran cantidad de obras de Vincent van Gogh, incluso percibí un gran letrero con su nombre. Estas obras venían acompañadas de unos marcos con un fin elegante, sofisticado, como con un aire de realeza. Sentí que el matiz azul en estas paredes hacían un gran contraste con las obras de van Gogh, pues sus obras son dicotómicas en términos de colores,   me di cuenta que el hombre hizo varios retratos, incluyendo el suyo. Sin embargo, en el piso 5 también encontré obras a su nombre, lo cual no entendí a la perfección.  A su vez, en este piso vi una cantidad de pinturas que se colocaban una a la otra , esto generó que mi vista se saturara de color. Percibí un ambiente similar que en el Rijksmuseum, quizás por las paredes, un gris neutro que le da mayor énfasis a las obras de arte. En este piso curiosamente me llamó la atención la presencia de dos estatuas en cada extremo del pasillo y también la entrada de luz angelical que caía sobre un banco para sentarse de cristal. Evidencié dos obras gigante de dos parejas aparentemente bailando las cuales se me hicieron sumamente bellas.

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Me gustó mucho el paso por el Museo de Orsay, en el primer piso o la base sentí una gran presencia de majestuosidad al contar con un infraestructura gigante a lo largo del pasillo principal, que acompañada de la gran colección de estatuas ( que a su vez se ubican en bases con un diseño arquitectónico llamativo) hace que el espacio se vuelva mágico. El piso brillante se me hizo familiar al de mi casa, por un momento me sentí en mi lugar seguro e único al tocar este piso que es frío y acogedor a la vez. En el segundo piso pude encontrar una gran cantidad de obras de Vincent van Gogh, incluso percibí un gran letrero con su nombre. Estas obras venían acompañadas de unos marcos con un fin elegante, sofisticado, como con un aire de realeza. Sentí que el matiz azul en estas paredes hacían un gran contraste con las obras de van Gogh, pues sus obras son dicotómicas en términos de colores,   me di cuenta que el hombre hizo varios retratos, incluyendo el suyo. Sin embargo, en el piso 5 también encontré obras a su nombre, lo cual no entendí a la perfección.  A su vez, en este piso vi una cantidad de pinturas que se colocaban una a la otra , esto generó que mi vista se saturara de color. Percibí un ambiente similar que en el Rijksmuseum, quizás por las paredes, un gris neutro que le da mayor énfasis a las obras de arte. En este piso curiosamente me llamó la atención la presencia de dos estatuas en cada extremo del pasillo y también la entrada de luz angelical que caía sobre un banco para sentarse de cristal. Evidencié dos obras gigante de dos parejas aparentemente bailando las cuales se me hicieron sumamente bellas.

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Ubicada en París, el Museo de Orsay es un espacio dedicado a las obras plásticas del siglo XIX, que a su vez contienen fotografía, arquitectura y cine. Este museo es la continuación del Museo del Louvre, por lo que cuenta con muchas de estas obras que le pertenecieron en un principio al ya mencionado. El Museo de Orsay conserva y expone la mayor colección de pinturas impresionistas y post impresionistas en el mundo. Fue inaugurado en el año 1986.

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Ubicada en París, el Museo de Orsay es un espacio dedicado a las obras plásticas del siglo XIX, que a su vez contienen fotografía, arquitectura y cine. Este museo es la continuación del Museo del Louvre, por lo que cuenta con muchas de estas obras que le pertenecieron en un principio al ya mencionado. El Museo de Orsay conserva y expone la mayor colección de pinturas impresionistas y post impresionistas en el mundo. Fue inaugurado en el año 1986.

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Entrada el 27 de abril del 2021 por medio de Google arts and culture.

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Autorretraro, Vincent van Gogh, 1889. Óleo sobre lienzo. 65 x 54 cm. Musée d'Orsay, París, Francia.

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La ronda de noche, Rembrandt Harmenszoon van Rijin, 1642. Óleo sobre lienzo. 3'59 x 4'38 m. Rijksmuseum, Ámsterdam, Países bajos.

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En el transcurso de recorrido me topé con una sección que tenía como detalle un tipo de alfombra en el piso. Al llegar a esta sección percibí en su mayoría obras con un estilo sombrío, pero donde también se encontraban obras con colores más vivos. Lo peculiar de esta zona cerrada fue el camuflaje de una puerta y una compuerta que se dividía en dos (anexo foto),  las cuales pasan por desapercibido si uno solo se enfoca en las obras. Luego de esta pequeña observación, procedí a ver las obras que se encontraban en ese lugar, y me quedé con una obra titulada Oude Tuin der Weeën o traducido del neerlandés gracias al estimado traductor de Google ''Viejo jardín de los infortunios'', del pintor de origen indonesio Jan Toorop,  que tenía un estilo intermedio entre Simbolismo y Modernismo, quien realizó esta obra alrededor del año 1889 - 1890. La obra es (lo que creo yo) un bosquejo trazado a través de la técnica de clarooscuro con partes dibujadas con sfumato. Hay una gran presencia de líneas verticales trazadas de forma borrosa, hay líneas fuertes tanto horizontales, verticales y curvas que generan el contorno de las cosas. A partir de estas líneas se generan formas orgánicas. La luz se genera a partir de la ausencia de trazos, mientras la oscuridad es el relleno de estos mismo. Se encuentra un claro espacio ilusorio, el cual a mi forma de ver no hay un enfoque claro en la obra, y por ende tampoco una subordinación. Si bien hay una clara dualidad entre la luz y oscuridad, pues la descripción de la obra habla acerca de la transición de la vida y la muerte que contiene una fuente de lágrimas(anexo captura de pantalla de la traducción completa), es equilibrada la forma en que el autor plasma esta dualidad sin que el uno le quite protagonismo al otro, y personalmente, me gusta mucho este tipo de obras con esta mezcla de negros y blancos amarillosos, cual antigua y desgastado.

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En el transcurso de recorrido me topé con una sección que tenía como detalle un tipo de alfombra en el piso. Al llegar a esta sección percibí en su mayoría obras con un estilo sombrío, pero donde también se encontraban obras con colores más vivos. Lo peculiar de esta zona cerrada fue el camuflaje de una puerta y una compuerta que se dividía en dos (anexo foto),  las cuales pasan por desapercibido si uno solo se enfoca en las obras. Luego de esta pequeña observación, procedí a ver las obras que se encontraban en ese lugar, y me quedé con una obra titulada Oude Tuin der Weeën o traducido del neerlandés gracias al estimado traductor de Google ''Viejo jardín de los infortunios'', del pintor de origen indonesio Jan Toorop,  que tenía un estilo intermedio entre Simbolismo y Modernismo, quien realizó esta obra alrededor del año 1889 - 1890. La obra es (lo que creo yo) un bosquejo trazado a través de la técnica de clarooscuro con partes dibujadas con sfumato. Hay una gran presencia de líneas verticales trazadas de forma borrosa, hay líneas fuertes tanto horizontales, verticales y curvas que generan el contorno de las cosas. A partir de estas líneas se generan formas orgánicas. La luz se genera a partir de la ausencia de trazos, mientras la oscuridad es el relleno de estos mismo. Se encuentra un claro espacio ilusorio, el cual a mi forma de ver no hay un enfoque claro en la obra, y por ende tampoco una subordinación. Si bien hay una clara dualidad entre la luz y oscuridad, pues la descripción de la obra habla acerca de la transición de la vida y la muerte que contiene una fuente de lágrimas(anexo captura de pantalla de la traducción completa), es equilibrada la forma en que el autor plasma esta dualidad sin que el uno le quite protagonismo al otro, y personalmente, me gusta mucho este tipo de obras con esta mezcla de negros y blancos amarillosos, cual antigua y desgastado.

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Mi paso por el museo fue ameno, el ambiente que se percibe a través de las paredes con colores poco saturados y de la iluminación me genera tranquilidad, me hace sentir que los pisos son fríos por la madera, y lo que genera el equilibro son las obras de arte al brindarle calidez al lugar. Se me hizo curiosa la forma en que los marcos de las pinturas del primer piso tuvieran un diseño similar, con un relieve que dan ganas de tocarlo (anexo foto). Me gustó a su vez el diseño de las luces que enfocan las pinturas y las esculturas y mini estatuas, en el caso de la Virgen María y otros cuerpos. Hablando de esto, fue sorprendente encontrarse con varios exponentes de las diferentes creencias alrededor del mundo, como lo es el Buda y la Virgen María. Por otro lado, no sé por qué, pero tuve problemas al acceder al piso 2 y 3, por alguna extraña razón.

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Mi paso por el museo fue ameno, el ambiente que se percibe a través de las paredes con colores poco saturados y de la iluminación me genera tranquilidad, me hace sentir que los pisos son fríos por la madera, y lo que genera el equilibro son las obras de arte al brindarle calidez al lugar. Se me hizo curiosa la forma en que los marcos de las pinturas del primer piso tuvieran un diseño similar, con un relieve que dan ganas de tocarlo (anexo foto). Me gustó a su vez el diseño de las luces que enfocan las pinturas y las esculturas y mini estatuas, en el caso de la Virgen María y otros cuerpos. Hablando de esto, fue sorprendente encontrarse con varios exponentes de las diferentes creencias alrededor del mundo, como lo es el Buda y la Virgen María. Por otro lado, no sé por qué, pero tuve problemas al acceder al piso 2 y 3, por alguna extraña razón.

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También conocido como el Museo Nacional de Ámsterdam, el Rijksmuseum se encuentra en la capital del país, este cuenta con la colección más grande de pinturas del Siglo de Oro neerlandés, al igual que una gran colección de arte egipcio y asiático. Aún así, el principal atractivo de este museo es la colección de 22 piezas del pintor neerlandés Rembrandt.

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También conocido como el Museo Nacional de Ámsterdam, el Rijksmuseum se encuentra en la capital del país, este cuenta con la colección más grande de pinturas del Siglo de Oro neerlandés, al igual que una gran colección de arte egipcio y asiático. Aún así, el principal atractivo de este museo es la colección de 22 piezas del pintor neerlandés Rembrandt.