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Le novità particolarmente note dell'espressionismo non si trovano solo nei temi rilevanti della società moderna in cui gli autori hanno vissuto, ma stanno anche nel linguaggio da loro utilizzato. La letteratura espressionistica è vista come quella del grido e della deformazione. In questa chiave si deve andare a esaminare il linguaggio espressionista. Nel 1902, Benedetto Croce ha pubblicato un libro intitolato Estetica come scienza dell'espressione e linguistica generale, il quale diventa un punto di riferimento fondamentale per la linguistica e in particolare fornisce una prematura valutazione dell'espressionismo. Il libro di Croce coincide in termini cronologici con il movimento degli espressionisti di Dresda che si dedicano maggiormente alle arti figurative. Questi artisti fondano la ‘Die Brücke' puntando sull'uso del colore per «esprimersi con forza» come Van Gogh aveva sottolineato. L'espressionista diventa autentico quando decide di trasmettere il proprio sentire nella libertà della lingua. Tuttavia, la libertà non vuol dire rinunciare del tutto alla grammatica ma sta piuttosto nella verità e indiscutibilità della parola ‘scelta'.

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L'espressionismo è in letteratura un'avanguardia che prende le sue mosse in Germania negli anni dieci del Novecento e si protrae fino alla prima metà del Novecento.
l carattere essenziale di questa tradizione risulta essere la forza e la vivacità espressiva con cui gli autori portano in scena le problematiche più varie della psicologia umana in un periodo storico di grande rilievo e di crisi profonda. Una di queste è sicuramente il rapporto padre figlio, il conflitto generazionale vissuto in prima persona dagli autori e riflesso nelle loro opere con colori e pennellate tipicamente espressioniste: forti, mostruose, al limite dell'ignoto. Perché non si tratta di semplici romanzi d'autore: sono opere introspettive, che nascondono dietro le parole i segreti dell'inconscio e la lotta contro i desideri repressi. È la crisi del Super Io freudiano e la supremazia dell'inconscio. Perché è lì che risiede l'essenza dell'uomo.

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Camminavo lungo la strada con due amici quando il sole tramontò, il cielo si tinse all'improvviso di rosso sangue, mi fermai, mi appoggiai stanco morto a un recinto, sul fiordo nerazzurro e sulla città c'erano sangue e lingue di fuoco. I miei amici continuavano a camminare e io tremavo ancora di paura e sentivo che un grande urlo infinito pervadeva la natura.

(Tratto dal diario di E. Munch)

Questo quadro è uno dei più famosi dell'espressionismo nordico. Tale capolavoro è stato realizzato nel 1893 su cartone con olio, tempera e pastello ed è parte di una serie di opere denominate "Il Fregio della Vita", in cui Munch ha esplorato i temi di vita, amore, paura, morte e malinconia. Come per altre opere, Munch, ne ha dipinte più versioni tra cui una esposta alla Galleria Nazionale di Oslo ed una al Museo Munch della stessa città.

L'immagine del Grido è diventata un luogo dell'immaginario collettivo: dilaga in infiniti gadget pubblicitari, dal cinema alle magliette, dalle copertine dei libri agli striscioni contro la guerra. È diventata una sorta di figura apotropaica che accompagna l'uomo nella sua quotidianità con l'intento di esorcizzare le paure e i fantasmi più reconditi.

In quest'opera la pittura, per la prima volta, trova i mezzi per esprimere nel suo emergere l'immagine della catastrofe interiore, per descrivere il collasso del mondo interno e della realtà in tutto il suo impeto emotivo. Munch riesce a far il grido, lo costruisce nelle sue linee di forza, nel potere di deformazione degli oggetti e nella fissità dello sguardo che si perde in quella che è l'esperienza del panico. Munch riesce anche a trasmettere dell'urlo che si percepisce in modo violento e irresistibile. In quest'opera non è solo l'uomo ad urlare, ma tutta la natura si anima di un grido vuoto ma allo stesso tempo tangibile. La figura umana, le forme, gli oggetti e i colori tutti gridano esprimendo la stessa emozione. Sappiamo che i colori esercitano sui processi associativi degli impulsi simili a quelli degli affetti nella vita quotidiana e qui il rosso, con tutte le sue sfumature, predomina. Sembra che nel rosso del tramonto sia stato proiettato violentemente tutto il dolore che la mente non ha saputo contenere lasciando supporre il prevalere di una risposta colore puro, esattamente uno shock al rosso, per parlare in termini Rorschachiani. Un indice, questo, di profondi disturbi nella sfera affettiva, aggressiva e sessuale, che tradisce la possibilità di violente tempeste emotive, aspetti certo non estranei alla vita di Munch. Considerando che quest'opera è assolutamente autobiografica, l'interpretazione psicoanalitica potrebbe essere che forse quella sera (pochi mesi dopo la morte del padre e con il dolore ancora bruciante) Munch, ispirato dalla natura, non vide solo un tramonto rosso sangue, ma il fantasma stesso della madre morta, che insieme a quello della sorella, teneva nascosti in una tomba psichica, magicamente inghiottiti, per non vederne la perdita troppo dolorosa. Per questo l'uomo che grida ha gli occhi spalancati, gli occhi di colui che hanno visto ciò che non avrebbero voluto vedere mai; la visione di quei fantasmi, ingoiati, espulsi dentro di sé, nascosti in una cripta.

Nel dipingere quest'opera, Munch, sembra quindi smentire clamorosamente il giudizio di Schopenhauer, che riteneva impossibile la riproduzione del grido nelle arti figurative. Munch in alcune pagine del suo diario scrive: "...Ho letto i testi dei filosofi della Scandinavia e ho sentito parlare delle teorie sulla psiche umana sviluppate dal dottor Freud, a Vienna. Io avverto un profondo senso di malessere, che non saprei descrivere a parole, ma che invece so benissimo dipingere". Egli infatti scrive: "I miei quadri sono i miei diari" tanto che il Fregio della vita finisce per sostituire gli appunti autobiografici.

Avvicinarsi al Grido è una esperienza affascinante e complessa allo stesso tempo; l'accostarsi ad esso può coinvolgere, esaltare o turbare. In esso è condensato tutto il rapporto angoscioso che l'artista avverte nei confronti della vita e attraverso la sua opera riesce a dar voce a un urlo che in molti provano durante il corso della propria vita infatti, indubbia è la sua capacità di trasmettere sensazioni universali. Qui è ben rappresentata tutta l'angoscia che si racchiude in uno spirito tormentato che vuole esplodere in un grido liberatorio pur non essendoci alcun elemento che possa far supporre in una conseguente liberazione consolatoria. L'urlo di questo quadro è una intensa esplosione di energia psichica, un insieme di follia, malattia e morte infatti Munch scrive: "...soltanto un pazzo avrebbe potuto dipingerlo".

Edvard Munch è il pittore dell'angoscia. Tale stato psichico caratterizza un po' tutta la sua esistenza a causa di una vita tormentata da perdite e dolore: la madre muore mentre è ancora bambino e, adolescente, assiste alla morte della giovane sorella, logorata dalla tubercolosi. Questi episodi segnano la sua vita e condizionano la sua sensibilità fino ad influenzare i suoi quadri. Il Grido ne è l'esempio eclatante: qui rappresenta un'esperienza reale di una sera d'estate del 1893, pochi mesi dopo la morte del padre. L'arte di Munch nasce quindi come autoritratto dell'inferno interiore, come immagine di un interno lacerato, frammentato, da perdite non ricomponibili nel lutto e da traumi troppo difficili da elaborare. Munch stesso scrive: "La mia pittura è in realtà un esame di coscienza e un tentativo di comprendere i miei rapporti con l'esistenza. È dunque una forma di egoismo, ma spero sempre di riuscire, grazie ad essa, ad aiutare gli altri a vedere chiaro". Si può ritenere dunque che l'autore intenda l'opera come interpretazione e la pittura come autoanalisi e cura dell'anima. Essa, in fondo risponde all'unico vero bisogno dell'artista: quello di ricomporre il proprio mondo interno, di ricreare i propri oggetti d'amore lacerati, distrutti e perduti. Il noto legame tra autobiografia e arte, in Munch, è allora qualcosa di più di una ricostruzione per immagini, la sua opera non è semplice rappresentazione di un evento, uno stato d'animo o un conflitto, piuttosto è disvelamento e messa in forma della complessa trama di forze che agitano la vita. Si potrebbe anche dire che l'opera di Munch è la trasformazione in pittura delle passioni elementari e quindi interpretazione della vicenda umana.

Lo stile di Munch è legato all'esigenza di esprimere contenuti emotivi, la sua innovazione stilistica è proprio la necessità espressiva interiore, e la sua tensione pitturale concreta organizza e controlla la vicenda emotiva nella costante ricerca di nuovi rapporti con lo spazio e l'immagine. In questa corrispondenza tra interno ed esterno, tra fantasma ed opera, sta forse il segreto dello stile di Munch, fatto di scarti improvvisi, recuperi, incertezze. Esso non è mai completamente aderente agli stilemi dell'epoca, né mai completamente indifferente. Il suo stile resta insieme naturalista, impressionista, simbolista, espressionista e niente di tutto ciò. Come ha dichiarato Schmidt-Rottluff: "Munch resta un fenomeno unico".

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L'angoscia dipinta da Edvard Munch: l' Urlo.

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Camminavo lungo la strada con due amici quando il sole tramontò, il cielo si tinse all'improvviso di rosso sangue, mi fermai, mi appoggiai stanco morto a un recinto, sul fiordo nerazzurro e sulla città c'erano sangue e lingue di fuoco.

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Differenze tra Impressionismo e Espressionis

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Differenze tra Impressionismo e Espressionis

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L'Espressionismo è una corrente artistica, ricca di contenuti sociali e drammatici, che nasce attorno al 1905 in Francia con i Fauves, (le Belve) ed in Germania con il gruppo Die Brücke.

L'Espressionismo non riguarda solo le arti figurative, ma anche letteratura, musica, teatro, scenografia ed architettura.

In pittura l'Espressionismo è una evoluzione dell' Impressionismo e le differenze tra i due movimenti sono sostanziali e profonde, ma non di natura tecnica di esecuzione.

L'Impressionismo è legato alla realtà esteriore cogliendone gli effetti luministici e coloristici che rendono piacevole e interessante uno sguardo sul mondo esterno.

Invece l' Espressionismo, rifiuta il concetto di una pittura tesa al piacere del senso della vista, spostando la visione dall'occhio all' interiorità più profonda dell'animo umano.

L'Impressionismo ha un atteggiamento positivo nei confronti della vita, rappresentando il bello e la gioia di vivere, mentre l'atteggiamento dell'Espressionismo è invece profondamente drammatico espresso attraverso la violenza cromatica e la deformazione caricaturale.

Nascita dell'Espressionismo
Da un punto di vista stilistico, la pittura espressionista nasce soprattutto dalle tele di Vincent Van Gogh e da quelle di Paul Gauguin, che sottolineano le loro esperienze emozionali e spirituali della vita, con colori forti e pennellate violente.

Anche se l'Espressionismo si propone come il contrario dell'Impressionismo, entrambi sono movimenti "realisti" che impongono al pittore il rispetto della realtà.

Il termine Espressionismo appare nel 1911 in un saggio pubblicato nella rivista "Der Sturm" e viene utilizzato per definire la pittura dei "Fauves" in Francia e dei componenti del gruppo "Die Brücke" in Germania.

Espressionismo in Francia
Per i pittori espressionisti Fauves, il colore è il vero protagonista dell'immagine e deve essere usato con pennellate grosse e ben evidenti.

Nei dipinti dei Fauves non ci sono gradazioni di colore e sfumature per creare le ombre ed il volume, ma tinte fortemente contrastanti.

L'Espressionismo, nei Fauves, si ispira all'arte primitiva, ritenuta più vera, spontanea ed istintiva, ma non ha un programma ben definito.

Del gruppo dei Fauves fece parte anche Georges Braque, che in seguito si dedicherà con Pablo Picasso alla ricerca cubista.

Hanri Matisse
Il pittore, scultore ed incisore francese Hanri Matisse, è uno dei maggiori esponenti della corrente Espressionista distinguendosi per la sua originale ricerca espressiva.

Proveniente da esperienze artistiche di natura Impressionista, dall'inizio del 1900 la sua tendenza alla sperimentazione lo porta, dalla ricerca del senso del movimento, all'utilizzo di tinte forti.

Per Matisse uno dei compiti della pittura è quello di esprimere e condividere la serenità cosa che l'artista ottiene attraverso la "semplificazione delle idee e delle forme".

Espressionismo di Munch
Il pittore più espressionista fra gli espressionisti è certamente Eduard Munch, dalla personalità artistica ispirata, oppresso dalla convinzione che sull'umanità pesi un destino tragico e ineluttabile.

L'artista quando guarda dentro di sé trova l'angoscia, se guarda dentro gli altri vede la bruttura mascherata dall'ipocrisia borghese.

L'urlo è il più celebre quadro di Munch ed, in assoluto, uno dei più famosi dell' espressionismo nordico.

In esso è condensato tutto il rapporto angoscioso che l'artista Munch avverte nei confronti della vita.

Lo spunto del quadro l'urlo lo troviamo descritto nel suo diario:

"Camminavo lungo la strada con due amici quando il sole tramontò, il cielo si tinse all'improvviso di rosso sangue, mi fermai, mi appoggiai stanco morto a un recinto sul fiordo nerazzurro e sulla città c'erano sangue e lingue di fuoco.

I miei amici continuavano a camminare e io tremavo ancora di paura e sentivo che un grande urlo infinito pervadeva la natura."

Espressionismo Tedesco
L'Espressionismo tedesco, raccolto nel gruppo"Die Brücke" (Il Ponte), costituito a Dresda nel 1905 e sciolto a Berlino nel 1911, utilizza l'immagine come forma di denuncia politica e sociale ed i soggetti prediletti sono gli emarginati e la gente comune.

Fra i principali esponenti dell'Espressionismo tedesco sono i pittori Ernst Kirchner, Erich Heckel, Emil Nolde, che elaborano in forme originali, le influenze avute dal loro ambiente artistico romanico e gotico.

I colori densi, che sembrano incrostati sulla tela, danno una spiacevole sensazione che si lega alla bruttezza ed al degrado umano.

Die Brücke recupera l'arte dei primitivi, riutilizzando le tecniche ed i materiali della tradizione popolare tedesca.

Kirchner, si mette in evidenza come il maggior esponente del gruppo e si considera un rivoluzionario come Otto Dix e George Grosz, che esprimono la loro protesta contro la società che sta preparando la Seconda Guerra Mondiale.

Anche due artisti austriaci, Oscar Kokoschka e Egon Schiele, contribuiscono allo sviluppo del movimento espressionista; le opere della corrente hanno un tale impatto emotivo da rappresentare un pericolo per il regime nazista che obbliga alcuni pittori espressionisti a smettere di dipingere o ad emigrare negli Stati Uniti.

Corrente Espressionista-Bruno Cassinari - Il Limone

L'Espressionismo in Italia
In Italia non si sviluppò un gruppo che si richiamasse specificatamente all'Espressionismo, ma alcuni pittori vennero assimilati alla corrente Espressionista li componenti alla Scuola Romana e il gruppo Corrente del 1938.

I pittori della Scuola Romana, Gino Bonichi detto Scipione, Renato Marino Mazzacurati e Corrado Cagli. erano legati da amicizia, sintonia di intenti culturali e da una singolare coesione pittorica.

Tutti loro, rivolgendosi all'espressionismo europeo, si pongono in contrapposizione formale e poetica con una pittura solida, ordinata del cosiddetto " Ritorno all'ordine" degli anni '20, dai richiami formali neoclassici che stava conquistando la sensibilità italiana del primo dopoguerra.

Del gruppo Corrente, che rappresenta la generazione di giovani artisti che accusa i pittori italiani delle generazioni precedenti di essersi staccati dalla vita reale, fanno parte Renato Guttuso, Aligi Sassu, Giuseppe Migneco, Ernesto Treccanie Bruno Cassinari.

Il movimento artistico attivo a Milano fra il 1938 e il 1943 rifiutava sia il classicismo di Novecento con i suoi connotati celebrativi, che l'intellettualismo dell' Arte Astratta, proponendo un taglio più realistico alla rappresentazione pittorica.

La prima mostra del gruppo si tenne al Palazzo della Permanente di Milano nel 1939.
Differenze tra Impressionismo e Espressionismo
E' facile fare confusione tra i due termini, vediamo in poche parole di darne una definizione.

L' Impressionismo è un movimento pittorico che deriva direttamente dal realismo e che si interessa soprattutto della rappresentazione della realtà quotidiana, senza occuparsi di problemi politici ed ideologici, ma solo dei lati gradevoli della società del tempo.

L'artista impressionista si focalizza sull'interazione tra la luce e l'occhio; dipinge ciò che vede.

Quindi in un certo senso potremmo dire che è più " fotografico"

L' Espressionismo, invece è un movimento artistico in cui prevale la deformazione di alcuni aspetti della realtà, così da accentuarne i valori emozionali ed espressivi; esso coinvolse anche la letteratura, la musica ed il teatro.

L'Espressionismo è caratterizzato dalla manifestazione diretta, tramite il segno e il colore, dell'esperienza emozionale e spirituale della realtà, così come la sperimenta l'artista. Dipinge ciò che sente.

Quindi possiamo dire che è una tecnica più " spirituale".

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L'Espressionismo è una corrente artistica, ricca di contenuti sociali e drammatici, che nasce attorno al 1905 in Francia con i Fauves, (le Belve) ed in Germania con il gruppo Die Brücke. L'Espressionismo non riguarda solo le arti figurative, ma anche letteratura, musica, teatro, scenografia ed architettura.

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L'Espressionismo è una corrente artistica che nasce e si sviluppa nella prima metà del '900.
Il termine non è stato inventato dagli artisti della corrente stessa ma dalla critica tedesca per indicare questo movimento innovatore caratterizzato dall'esasperazione del lato oggettivo affidandosi a quello emotivo.
In questo senso l'Espressionismo si qualifica come il contrario dell 'Impressionismo che filtra i dati provenienti dall'esterno con una percezione trasformandoli in luce e colore.
Caratteristica principale dell 'Espressionismo è quindi l'esasperata soggettività guidata dallo stato d'animo e trasportando il messaggio di questo su tela.

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Camminavo lungo la strada con due amici

quando il sole tramontò

il cielo si tinse all’improvviso di rosso sangue

mi fermai, mi appoggiai stanco morto a un recinto

sul fiordo nerazzurro e sulla città c’erano sangue e lingue di fuoco

i miei amici continuavano a camminare e io tremavo ancora di paura

e sentivo che un grande urlo infinito pervadeva la natura.

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L’urlo di questo quadro è una intesa esplosione di energia psichica. È tutta l’angoscia che si racchiude in uno spirito tormentato che vuole esplodere in un grido liberatorio. Ma nel quadro non c’è alcun elemento che induca a credere alla liberazione consolatoria. L’urlo rimane solo un grido sordo che non può essere avvertito dagli altri ma rappresenta tutto il dolore che vorrebbe uscire da noi, senza mai riuscirci. E così l’urlo diviene solo un modo per guardare dentro di sé, ritrovandovi angoscia e disperazione.

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L'urlo, o anche Il grido, è un celebre dipinto di Edvard Munch (titolo originale in norvegese: Skrik). Realizzato nel 1893 su cartone con olio, tempera e pastello, come per altre opere del pittore espressionista è stato dipinto in più versioni, quattro in totale. In alcune composizioni poetiche l'interprete dell'espressionismo nietzschiano racconta l'origine del celeberrimo dipinto: una passeggiata con amici portò in evidenza il dolore atroce di ogni segmento di vita di fronte alla natura matrigna. E quel volto contorto che deforma il mondo con un suono deflagrante conferma la posizione dell'uomo senza Dio: un'immensa sofferenza che diventa grido di sconfitta al cospetto del nulla, del nulla che avvolge, che torce le forme, che comprime la psiche dell'uomo, trasformando il suo volto, comprimendo il teschio fino ad evidenziarlo drammaticamente sulla pelle. Munch cerca di frapporre tra il nulla e sé, le proprie mani, come se il silenzio immane di una natura matrigna penetrasse insopportabilmente negli orecchi. Munch è un esponente di vertice dell'espressionismo. La realtà viene da lui potenziata. E questo potenziamento del sentire e del rappresentare il mondo - attraverso forme sgradevoli, rispetto alla più diffusa concezione del bello - costituirà una linea portante del Novecento, sotto il profilo artistico.

Sapete perché è subito consolatorio tornare su Edvard Munch? Perché, essendo uno dei sofferenti più esposti, dona un senso alle nostre sofferenze, le abbraccia, le soffoca, ci grida sopra e noi gridiamo con lui. Anche in questo consiste la coralità e l'universalità del suo urlo, del nostro urlo.

Munch scrisse e dipinse L'urlo. Fu aggredito da voci, atterrito da colori che si rompevano nella mente: e li raccontò con le parole, prima di affidarsi alla tela. In trenta righe, tra poesia e prosa - le ritroviamo nel volume Edvard Munch, Frammenti sull'arte, Abscondita, 154 pagine, 19 euro -, registra l'attacco profono.
Scrive: "Una sera camminavo / lungo un viottolo in collina / nei pressi di Kristiania / con due compagni. Era / il periodo in cui la vita / aveva ridotto a brandelli / la mia anima. / Il sole calava, si era / immerso fiammeggiando / sotto l'orizzonte. / Sembrava / una spada infuocata / di sangue che tagliasse / la volta celeste. / Il cielo era di / sangue sezionato / in strisce di fuoco, / le pareti rocciose infondevano / un blu profondo / al fiordo scolorandolo / in azzurro freddo, giallo e / rosso. / Esplodeva / il rosso sanguinante lungo / il sentiero e il corrimano, / mentre i miei amici assumevano / un pallore luminescente. / Ho avvertito / un grande urlo, / ho udito, / realmente, un grande / urlo, i colori della / natura mandavano in pezzi / le sue linee, / le linee e i colori / risuonavano vibrando, / queste oscillazioni della vita / non solo costringevano / i miei occhi a oscillare, / ma imprimevano altrettante / oscillazioni alle orecchie, / perché io realmente ho udito / quell'urlo - e poi ho dipinto / il quadro L'urlo".

La stessa scena fu descritta da Munch anche con alcune righe scritte sul diario , mentre era malato a Nizza, nell'Ospedale di San Caterina di Osvaldo:
" Camminavo lungo la strada con due amici quando il sole tramontò, il cielo si tinse all'improvviso di rosso sangue. Mi fermai, mi appoggiai stanco morto ad una palizzata. Sul fiordo nero-azzurro e sulla città c'erano sangue e lingue di fuoco. I miei amici continuavano a camminare e io tremavo ancora di paura... e sentivo che un grande urlo infinito pervadeva la natura".

La narrazione è in parte shakespeariana e in parte da prefazione all'Inferno dantesco, il confronto è con le visioni dei martiri, con le apparizioni dei beati. Del resto, Edvard Munch (1863-1944) appartiene alla schiera sterminata dei martiri e dei beati della follia, ipotizzando per un'estrema ragione della che la follia sia una forma di santità e divenga, in ogni secolo, uno strumento d'arte.

Ispirazione purissima e soffertissima e molto condivisa nella storia della pittura, al punto di pensare che si debba frequentare il pianeta della follia e del patimento per esprimere, più che la bellezza, un'estetica del pensiero da conservare come memoria e patrimonio. Di nuovo, si conferma l'aiuto di Munch allorché indica l'appartenenza a un destino comune, alla condivisione di un lembo del sudario.

Munch nasce coi nervi fragili, con morti vicine, malattie che lo rendono orfano. Gli rimane l'eredità di un'arte anch'essa da possedere nell'angoscia. E si tiene l'esclusiva dell'uomo di cultura, del vero uomo di cultura, il quale si convince a espiare, solitariamente e rumorosamente, la sua stessa solitudine. L'urlo rompe l'accerchiamento e diminuisce lo spavento del nemico.

Solo, Edvard Munch, riporta l'indignazione con la propria terra, malata di distrazione nei suoi confronti. E' un'altra particella di urlo. Sentite: "Un giovane pittore tedesco, Macke, caduto in guerra, mi ha scritto: 'Noi ti portiamo avanti sulle nostre spalle'. Qui in Norvegia nessuno mi porta sulle sue spalle. Mi stritolano tra scudi". Fotocopiate questa sorta di ballata di Munch e donatela ad un artista bravo, vicino di casa. Vedrete, sarà sollevato, convinto di non essere sotto il tiro del mondo. Si rasserenerà. Almeno per qualche giorno, prima di tornare a credere che i suoi non lo porteranno avanti sulle loro spalle.

Appena dopo, in un'altra "ballata", Munch prende in prestito il destino amaro di Raffaello: a differenza di Hogarth, che dipingendo immoralità "è morto serenamente in seno alla famiglia", Raffaello, "il pittore della beltà e della purezza, morì di sifilide (così riteneva Munch, ma questo particolare non corrisponde alla realtà, ndr)... L'artista è un giglio gettato". Forse all'artista puro è riservata una sorte più crudele?
Di Edvard Munch, tra i molti frammenti esistenziali oscurati, va segnalata la relazione con Mathilde Tulla Larsen, bella e viziata, padrona di una vita più che libera e ricca. Lei, innamoratissima, lui abbastanza stanco di una storia che gli accresceva la psiconevrosi.

Un bel giorno, Tulla, per poter recuperare l'amore di Edvard, diede incarico di annunciare la propria morte, si fece trovare composta in una bara e quando lo vide si alzò trionfante: "Sapevo che saresti venuto", disse.
A quel punto saltò fuori un revolver e partì uno sparo. Diverse le versioni. I nervi di Munch si ritrassero ulteriormente così come l'orgoglio, abbattuto pure dalla relazione di Tulla con un pittore impressionista.

Un pittore che sentiva il mondo - e l'arte - come una realtà serenamente agli antipodi rispetto al Nostro. La rabbia gli procurerà la forza creativa per la creazione di un portfolio litografico intitolato Alpha e Omega. Le descrizioni poetiche che accompagnano le diciotto litografie, legate alle concezioni di Kierkegaard, Schopenhauer e Nietzsche, ironizzano sul rapporto tra i sessi e alleggeriscono la pressione di Tulla sul cuore e soprattutto sul cervello dell'artista norvegese.

Perchè Munch urla, nel dipinto, assumendo in sé la funzione d' immagine specchiante della civiltà occidentale? Il suo grido di dolore non è quello che si conosceva, fino a quel momento, nell'arte. Statue e dipinti rappresentavano il grido della Madonna di fronte a Cristo morto, la disperazione e l'urlo dei Giganti travolti dalle pietre dell'Olimpo (Giulio Romano, Palazzo Te), il dolore fisico delle anime dell'inferno. Il dolore era suscitato da un evento ben preciso. L'urlo di Munch è invece suscitato da nulla e dal Nulla. E' il grido dell'uomo moderno che la filosofia positivista e il darwinismo hanno collocato in una dimensione puramente materiale, biologica, animale, destinato all'oscurità di una morte senza consolazione.

Il panico si sviluppa pertanto non per una causa di dolore diretta, tangibile, ma per il perdersi d'ogni Senso dell'esistenza, per secoli dominata da una precisa idea del trascendente. L'uomo ridotto a una solitudine senza conforto viene schiacciato dal peso di un mondo deformato, all'interno del quale egli non conta più nulla. Ogni reazione positiva pare impossibile poichè la vita appare come una semplice condanna. Resta la disperazione esistenziale. Se in precedenza il pensiero negativo di Schopenauer trovava, nell'arte la pace, inglobata nella contemplazione estetica del nulla stesso - come avvenne in Leopardi - ora nemmeno l'arte è motivo di ordinata consolazione. Kafka asseconda, con l'estetica dell' espressione caricata, l'orrore e l'opera non svolge alcuna azione consolatoria, ma scava nella disperazione stessa, fino a emanare in direzione dello spettatore una luce apocalittica, quella dei bagliori sinistri che avvolgono il nero profondo del Nulla. Negli anni successivi alla realizzazione dell"Urlo, Kafka portava ai vertici della letteratura novecentesca quel nichilismo, quella morte di Dio, quell'assurdo che spingono un'umanità senza una guida in labirinti, in castelli d'incubo, in processi incomprensibili; ciò che manca è la figura del Padre buono - che è Dio -, del quale è rimasto solo un gigantesco calco. Cioè la presenza costante di un'assenza, causata da un vuoto incolmabile, da un'orfanità senza consolazione.

Sotto il profilo medico, si può rilevare una stretta connessione tra l'Urlo di Munch e un forte attacco di panico, con ansia, giramenti di testa, dolore e senso di vuoto e di angoscia avvertito nella regione toracica, fotofobia, deformazione della realtà, amplificazione insopportabile di ogni rumore. Alcuni pazienti che soffrono di attacchi di panico e di ansia affermano che il sole basso all'orizzonte, il cielo striato di arancione e il contrasto con zone cromaticamente fredde - come il mare del fiordo o la pianura che imbrunisce - provocano un senso acuto di malinconia, che si trasforma in quel senso di vuoto e caduta che precede il caos e il malore.
L'ORIGINE DEL PAESAGGIO ROSSO-ARANCIONE

Munch, come abbiamo visto, storicizzò il momento terribile che gli strappò l'urlo e che fu base dell'omonima opera della quale ci siamo ampiamente occupati, anche attraverso le dichiarazioni autobiografiche del pittore. Nell'aprile 2017, altre interessanti novità, a livello di studio, coinvolgono il contesto paesaggistico e atmosferico, cioè quell'ondulata nube rosso-arancione che vibra sinistramente nel quadro. La novità è costituita dal fatto che sono stati presentati gli esiti di uno studio che spiega, al di là della distorsione espressionista - cioè della potenziata percezione soggettiva - ciò che avvenne in quei minuti, in moto oggettivo, nel cielo. Quella luce delle nubi potrebbe infatti aver contribuito ad accrescere l'angoscia del maestro. "Queste" nuages ​​nacrés " si formano nei paesi del nord, a livello di troposfera. E' un fenomeno raro - ha detto Helene Muri, dell'Università di Oslo, alla Conferenza dell'Unione Europea dedicata alle geo-scienze - Si formano durante l'inverno - come dicevamo - nella troposfera, a temperature comprese tra i -80 -85 e i -60. E' necessaria la presenza di umidità. Allora ecco piccoli cristalli di ghiaccio, che riflettono la luce del sole che tramonta". Un rosso-arancione intenso, quasi spaventoso.
Quello che vediamo nell'Urlo

LA RIPRESA DELL'URLO DA PARTE DI FRANCIS BACON

QUANDO L'URLO ERA GENERATO DA UN DOLORE REALE O ERA UN GRIDO DI GUERRA

LE ORIGINI DELLO STILE E DEI DIPINTI DI MUNCH
TRA STORIA PERSONALE, FILOSOFIA E SCIENZA
Come abbiamo notato in precedenza, l'Urlo di Munch si configura come reazione violenta alla violenta azione della natura, che imprigiona l'uomo per poi condurlo alla morte. E' un dolore interno, non causato da un lutto o da una reazione fisica. E' un lacerante dolore esistenziale, che viene esteso all'intera umanità. L'osservazione delle opere in cui appare l'urlo, nel passato, ci consente di comprendere compiutamente questo concetto.

Anche se il tracciato biografico non deve assumere un valore di connotazione assoluta delle opere di un artista, non va dimenticata, nel delinineare l'esistenza di Munch (1863-1944) un'immane sofferenza infantile, provocata dalla tubercolosi dalla quale è colpito, come i suoi familiari, che muoiono a causa di questa malattia. Accanto ai devastanti effetti della Tbc su un bambino - Munch ricorderà, nei diari, un'angoscia costante e la presenza di sangue che usciva dalla bocca - modula uno stile, prima simbolista, poi apertamente espressionista, grazie allo studio e all'esame di artisti e autori che lavorano attorno al pensiero negativo e alla morte di Dio.
Se pertanto l'espressione artistica potesse essere ridotta a una sorta di formula chimica, potremmo dire che in Munch è orientata da:

Forte sofferenza fisica e psichica, con percezione costante di persecuzioni messe in atto da parte di galleristi e colleghi, legata all'isolamento. Devastanti attacco di panico.
Allontanamento da ogni forma consolatoria e dall'impressionismo, abbracciato agli inizi della carriera perché ritenuta una modalità superficiale di dipingere. Allontanamento da ogni forma decorativa dell'arte, che tende a portare una sensazione di benessere allo spettatore.
Ricerca di una dimensione simbolista del dipinto, che non colga tanto l'epidermide della realtà, ma il suo respiro profondo.
Scoperta del pensiero di Nietzsche, letto come assoluta solitudine dell'uomo di fronte all'universo e acquisizione di alcuni concetti della psicanalisi freudiana, che trasformano il concetto di anima in psiche, dominata dall'intreccio di formule ossessive
Lettura e incontro con il drammaturgo Ibsen, che esamina l'assoluta impossibilità dell'uomo di sottrarsi alle tare genetiche, che sono il vero elemento di predestinazione.
Osservazione del tormento e della deformazione dei quadri di Van Gogh, da lui considerato un genio assoluto e l'autentico padre dell'espressionismo.
Percezione delle scoperte scientifiche sulla diffusione delle onde radio, che percuotono la materia senza essere viste; onde che egli dice di aver visto per la prima volta, attraverso le intuizioni rispetto al dominio della linea curva, nello Jugendstil, cioè il Liberty austriaco-tedesco. Movimenti che egli percepisce non più come eleganza e flessuosità, ma come flagellazione dei corpi, da parte di un'energia invisibile e ostile

In sintesi: Edvard Munch è un esponente della cultura nordica, di derivazione tedesca, basata sul pensiero negativo, come evoluzione e conferma delle opere di Schopenhauer, i cui esiti nichilisti sono accresciuti dalla ricerca scientifica, dalle analisi di Nietzsche sulla decadenza, dalla psicanalisi, dall'interpretazione degli studi darwiniani sull'evoluzione, dai drammi di Ibsen e dall'esempio tormentato della pittura di Van Gogh. All'uomo non resta che gridare, ma senza che possa ottenere nulla, il proprio dolore, di fronte a una natura indifferente e leopardianamente matrigna.

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Munch - "Così ho sentito l'urlo". Storia, genesi e analisi del quadro - Stile Arte

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In alcune composizioni poetiche l'interprete dell'espressionismo nietzschiano racconta l'origine del celeberrimo dipinto: una passeggiata con amici portò in evidenza il dolore atroce di ogni segmento di vita di fronte alla natura matrigna.

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L’uomo è rappresentato in maniera molto visionaria. Ha un aspetto sinuoso e molle. Più che ad un corpo, fa pensare ad uno spirito. La testa è completamente calva come un teschio ricoperto da una pelle mummificata. Gli occhi hanno uno sguardo allucinato e terrorizzato. Il naso è quasi assente, mentre la bocca si apre in uno spasmo innaturale. L’ovale della bocca è il vero centro compositivo del quadro. Da esso le onde sonore del grido mettono in movimento tutto il quadro: agitano sia il corpo dell’uomo sia le onde che definiscono il paesaggio e il cielo.
Restano diritti solo il ponte e le sagome dei due uomini sullo sfondo. Sono sordi ed impassibili all’urlo che proviene dall’anima dell’uomo. Sono gli amici del pittore, incuranti della sua angoscia, a testimonianza della falsità dei rapporti umani.

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Lo spunto è quindi decisamente autobiografico. L’uomo in primo piano che urla è l’artista stesso. Tuttavia, al di là della sua relativa occasionalità, il quadro ha una indubbia capacità di trasmettere sensazioni universali. E ciò soprattutto per il suo crudo stile pittorico.
Il quadro presenta, in primo piano, l’uomo che urla. Lo taglia in diagonale il parapetto del ponte visto in fuga verso sinistra. Sulla destra vi è invece un innaturale paesaggio, desolato e poco accogliente. In alto il cielo è striato di un rosso molto drammatico.