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Años 16-15 a.C
El teatro propiamente romano no se desarrolló hasta el siglo III a.C. Aunque la producción teatral se asocia en principio con festivales religiosos, la naturaleza espiritual de estos acontecimientos se perdió pronto; al incrementarse el número de festivales, el teatro se convirtió en un entretenimiento. Por eso, no es de extrañar que la forma más popular fuera la comedia. El gran periodo de creación dramática romano empezó en el siglo II a.C. y estuvo dominado por las comedias de PLAUTO y TERE

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Siglo V- VI a.C
El teatro nació en Atenas, Grecia, entre los siglos V y VI a.C. Allí, los atenienses celebraban los ritos en honor a Dionisio, dios del vino y de la vegetación. Estas primitivas ceremonias rituales irían luego evolucionando hacia el teatro, constituyendo uno de los grandes logros culturales de los griegos. Lo cierto es que este nuevo arte estuvo tan estrechamente asociado a la civilización griega que cada una de las ciudades y colonias más importantes contó con un teatro.

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Siglo V - III a.C
Las cuatro formas teatrales del drama griego eran la tragedia, el drama satírico, la comedia y el mimo. Mientras que las dos primeras estaban consideradas las más civilizadas, acordes con un espectador adulto, las dos últimas se asociaban con lo primitivo, y por tanto eran más apropiadas para un público infantil. Los actores, todos hombres, iban vestidos con la ropa al uso pero portaban máscaras que permitían la visibilidad y ayudaban al espectador a reconocer la característica del personaje.

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Siglo X
El teatro español, como el europeo, surge vinculado al culto religioso. La misa, celebración litúrgica central en la religión cristiana, es en sí misma un ‘drama’, una representación de la muerte y resurrección de Cristo. Serán los clérigos los que, en su afán didáctico por explicar los misteriosde la fe a los fieles mayoritariamente incultos y analfabetos, creen los primeros diálogos teatrales: los tropos, con los que escenificaban algunos episodios relevantes de la Biblia.

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Siglo XIV
Es quizá el más complejo de Oriente. Sus dos géneros más conocidos son el teatro nô y el kabuki. Nô, el teatro clásico japonés es estilizado; la síntesis de danza-música-teatro extremadamente controlada intenta evocar un ánimo particular a través del relato de un hecho o historia. Está muy relacionado con el budismo Zen. El apogeo del nô tuvo lugar en el siglo XV. El kabuki data del siglo XVI y es más popular en estilo y contenido. Otros géneros
Hereda varios siglos de bailes rituales y espectáculos de entretenimiento variados, se caracteriza por un repertorio profundamente arraigado en la literatura y por una fuerte tendencia hacia la estilización y la búsqueda de esteticismo.

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Edad media
En el siglo XVI se producen cambios fundamentales para la evolución del teatro posterior. La consolidación de los centros urbanos, al igual que propició la aparición de géneros literarios nuevos (como el de la novela picaresca), amplió y afianzó un nuevo público teatral. Se incorpora un nuevo público urbano distinto a la nobleza o a la iglesia, como potenciales mecenas del dramaturgo, que iba a condicionar la aparición de las primeras compañías de actores profesionales y estaba llamado a convertirse, especialmente a partir de la aparición de los primeros teatros comerciales, en una especie de nuevo mecenas de un tipo de dramaturgo también más profesional.

El teatro durante la Edad Media fue, fundamentalmente, un teatro religioso, destinado a transmitir las enseñanzas de la Iglesia a una mayoría de la población que era analfabeta.

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Siglo XVI
La Reforma protestante puso fin al teatro religioso a mediados del siglo XVI, y un nuevo y dinámico teatro profano ocupó su lugar. Aunque los autos y los ciclos con su simplicidad parezcan estar muy lejos de los dramas de Shakespeare y Molière, los temas de la baja edad media sobre la lucha de la humanidad y las adversidades, el giro hacia temas más laicos y preocupaciones más temporales y la reaparición de lo cómico y lo grotesco contribuyeron a la nueva forma de hacer teatro.

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A finales del siglo XVI era popular en Francia un tipo de comedia similar a la farsa. Este fenómeno dificulta el establecimiento total del drama renacentista. En aquel tiempo no existían en París edificios expresamente dedicados al teatro; se utilizaban con ese propósito recintos destinados al juegode pelota. La fuerte influencia italiana en Francia llevó a popularizar representaciones que fueron denominados ballets. Molière está considerado como el gran dramaturgo francés.

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TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN

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TEATRO ISABELINO INGLÉS Y DE LA RESTAURACIÓN

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El teatro renacentista inglés se desarrolló durante el reinado de Isabel I a finales del siglo XVI. En aquel tiempo, se escribían tragedias academicistas de carácter neoclásico que se representaban en las universidades; sin embargo, la mayoría de los poetas isabelinos tendían a ignorar el neoclasicismo o, en el mejor de los casos, lo usaban de forma selectiva. A diferencia del teatro continental (creado con el objetivo de ser presentado ante un público de elite).

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Siglo de oro: Barroco
Las obras del teatro Barroco eran obras que mezclaban tragedia y comedia y auto sacramentales. Las obras más representadas eran las comedias que, según los autores del Barroco, eran obras teatrales en las que se mezclaba lo trágico con lo cómico.

El espacio: Las representaciones teatrales de esta época se efectuaban en sitios abiertos, plazas o corrales fijos: los corrales de comedias. Comenzaban alrededor de las dos de la tarde y duraban hasta el anochecer.

En las obras dramáticas del Barroco se repiten con más frecuencia tres tipos de personajes:

• El galán, hombre apuesto y valeroso, portador de valores nobles como la valentía, hidalguía, audacia...

• La dama, de singular belleza, noble y con altos sentimientos amorosos.

• El gracioso, criado del galán, consejero de su amo y amante del buen comer.

Un personaje importante que reinvento el teatro en barroco fue Lope de Vega, abordó todos los géneros de su tiempo y en todos fue excepcional, aunque destacó especialmente como dramaturgo..

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Neoclasicismo
El teatro el teatro neoclásico fue una manifestación literaria del siglo XVIII que funcionó como una síntesis de los ideales de la Ilustración. En la sociedad del siglo XVIII, existían dos maneras de comunicarse con las masas: a través del púlpito o a través del teatro. En consecuencia, se puede afirmar que los principios neoclásicos se sirvieron del teatro para alcanzar una recepción mayoritaria, ya que el teatro era el género artístico y literario más accesible. Una de las características principales del teatro neoclásico es que sus producciones tenían que ser moralizantes y educativas. El teatro neoclásico se preocupó por respetar tres unidades particulares, siendo estas: la unidad de tiempo, la unidad de lugar y la unidad de acción. Temática burguesa Aunque el teatro neoclásico buscaba educar a los ciudadanos de todas las clases sociales, su temática siempre abordaba problemas cotidianos de las realidades burguesas.

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Romanticismo
El teatro romántico se desarrolló en Europa en las primeras décadas del siglo XIX, y fue parte de un movimiento artístico que se rebeló contra las formas neo-clasicista, el teatro romántico valoraba la subjetividad del genio, elevaba las emociones fuertes por encima de la restricción racional y, a menudo, buscaba encarnar los conflictos universales dentro de las figuras individuales.

Romanticismo, el autor que conjuga teoría y práctica teatral, adelantándose al resto de Europa, es el alemán Goethe. Este autor no sólo escribió obras que forman parte ya de la literatura universal, como Fausto, el mito del hombre que vende su alma al diablo, sino que también reflexionó sobre el hecho teatral, en su novela “Wilhelm Meister”, donde sigue la trayectoria y el aprendizaje de un muchacho que se va a dedicar vocacionalmente al teatro.

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1810
El movimiento expresionista tuvo su apogeo en las dos primeras décadas del siglo XX, principalmente en Alemania. Exploraba los aspectos más violentos y grotescos de la mente humana, creando un mundo de pesadilla sobre el escenario. Desde un punto de vista escénico, el expresionismo se caracteriza por la distorsión, la exageración y por un uso sugerente de la luz y la sombra.

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Realismo y naturalismo
El Realismo en teatro presenta un lenguaje cotidiano y familiar y sus personajes no sólo hablan en forma natural, sino que poseen una psicología de seres comunes; sus acciones se asemejan todo cuanto se pueda a las acciones de la gente real. Representadas sobre el escenario tienen que convencer al público de que la acción que desarrollan podría darse en la vida.

El Naturalismo, como tendencia literaria, implica otros principios más complicados, basados en teoría científicas que aparecen en aquella época, y afecta más a los temas y al tratamiento de personajes y acciones. Considera el Naturalismo que los seres humanos están gobernados por leyes de la herencia y por influencia del medio; de un modo inexorable están condicionados sin remisión; cada hombre o mujer es lo que es debido a su herencia biológica y al medio en que se desenvuelve.

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1850
Se tienen pocas y vagas nociones de cómo pudieron haber sido las manifestaciones escénicas de los pueblos precolombinos, pues la mayor parte de éstas consistían en rituales religiosos. Existe, sin embargo, un único texto dramático maya, descubierto en 1850, el Rabinal-Achi, que narra el combate de dos guerreros legendarios que se enfrentan a muerte en una batalla ceremonial. Su representación depende de distintos elementos espectaculares como el vestuario, la música, la danza y la expresión corporal.

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Generación del 98
Los autores de la Generación del 98 se ocuparon del teatro de su época para modernizarlo y actualizarlo. Autores como Unamuno, Azorín, especialmente, Valle Inclán, y otros aledaños al 98 propusieron, con diferente fortuna, un teatro diferente al que triunfaba en las tablas de aquellos años:

•la comedia burguesa

•el teatro poético de Marquina

•sainetes y astracanes

La intención fue modernizar la escena española para situarla en la línea del teatro renovador europeo de las primeras décadas del siglo XX.

El objetivo preferente de un texto dramático es llevarlo a escena.

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Generación del 27
Renovación del teatro cómico, tres son las facetas que debemos destacar en la creación dramática de la generación: de una parte, una depuración del teatro poético; de otra, la incorporación de las formas de vanguardia; y, en fin, el propósito de acercar el teatro al pueblo. Las tres facetas, por lo demás, confluyen en ciertos casos. Así, compañías como "La Barraca" de Lorca o "Teatro del Pueblo", dirigida por Casona, llevan por las tierras de España un repertorio variado, en el que, junto a los clásicos, figuran títulos de un teatro estéticamente nuevo.

El teatro de García Lorca es el de mayor importancia en castellano en el siglo xx (Junto con el de Valle Inclán).

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1939-1975
Antonio Buero Vallejo y Alfonso Sastre marcan dos hitos históricos en el teatro social y político de la posguerra española. Movidos por su instinto de rebelión, muestran su disconformidad con el sistema vigente a través de sus escritos.

El teatro realista toma de la realidad los temas de sus obras. La injusticia social, la explotación del hombre, las condiciones de vida de la gente trabajadora, la miseria, etc. Los personajes son siempre víctimas de una sociedad que manifiesta su poder por medio de la burocracia, la superstición religiosa o el automatismo.

Frente al lenguaje pulcro y cuidado de la comedia oficial aparece el lenguaje barriobajero, directo, sin eufemismos; frente a la paz y final feliz de la comedia rosa encontramos la violencia y la frustración como constante, con la intención de dar testimonio de lo que la vida ofrece y denunciar y protestar ante las injusticias sociales.

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2020
las obras teatrales que han surgido en estos últimos años y que son consecuencia de la renovación del lenguaje escénico que supusieron propuestas como las de Peter Brook, Pina Bausch, el teatro pobre de Grotowski o el teatro de la crueldad de Artaud. La escena española no ha sido inmune a estas nuevas tendencias y, en los últimos años, estamos asistiendo a un florecimiento de nuevas iniciativas y montajes que arriesgan, que inventan y que llenan las salas.
Le permite expresar a través de la interpretación de historias reales o ficticias emociones, miedos, sensaciones, dudas, inquietudes y a través de ellas apelar a un público que se siente más o menos cercano a esas realidades y que puede identificarse con ellas.