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La perte (de soi, de l'origine ?)
La fuite

A voir ensemble.
Yves Bonnefoy, L'arrière-pays (éditions Skira, collection Les sentiers de la création).

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https://www.canva.com/design/DAE4CTDyTeA/wPf4Tt54EF_HRXGdmucR_w/view?utm_content=DAE4CTDyTeA&utm_campaign=designshare&utm_medium=link&utm_source=publishsharelink

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Check out this design designed by MARIAM HAMIEH.

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Zineb Sedira, exposition au Jeu de Paume, 2020 - TB

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Zineb Sedira, exposition au Jeu de Paume, 2020 - TB

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Du 15 octobre 2019 au 19 janvier 2020, le Jeu de Paume présente l'exposition " Zineb Sedira. L'espace d'un instant ".

L'exposition couvre une période allant de 1998 à aujourd'hui et montre des formes aussi diverses que la vidéo, le film, l'installation et la photographie. Les œuvres choisies témoignent de l'intérêt de l'artiste pour les histoires orales, leur collecte, leur enregistrement et leur transmission, mais elles révèlent aussi son intérêt profond pour l'histoire postcoloniale et pour les problèmes liés à la destruction écologique globale due à la surproduction et à la circulation universelle des personnes et des biens.

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Du 15 octobre 2019 au 19 janvier 2020, le Jeu de Paume présente l'exposition " Zineb Sedira. L'espace d'un instant ". L'exposition couvre une période allant de 1998 à aujourd'hui et montre des formes aussi diverses que la vidéo, le film, l'installation et la photographie.

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Mastère Spécialisé Architecture et Scénographie

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Mastère Spécialisé Architecture et Scénographie

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https://www.paris-belleville.archi.fr/formations/specialisations/mastere-architecture-et-scenographie/

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La formation mastère spécialisé® Architecture et Scénographies est proposé par l'Ensa de Paris-Belleville en partenariat avec l'Ecole Camondo et soutenu par de nombreux partenaires publics et privés. Elle délivre un diplôme labellisé par la Conférence des Grandes Écoles (CGE).

objectifs

Proposer une formation originale et polyvalente ouverte sur les domaines variés relevant de la scénographie (architecture éphémère, lieux d'exposition, évènementiel, spectacles vivants...).

Former des "chefs de projet en architecture éphémère" : scénographie de spectacles, d'expositions, d'espaces publics, de salons et d'évènements.

Préparer ses étudiant(e)s à penser l'architecture éphémère dans son contexte, vis-à-vis d'un public, d'une œuvre, d'une narration.

Consulter les modalités de candidature

La formation est soutenue par de nombreux partenaires professionnels susceptibles d'accueillir les étudiant(e)s pour leur mise en situation professionnelle (MSP) d'une durée de 4 à 6 mois :

la Philharmonie de Paris,

ARTER

l'Opéra national de Paris,

le Musée des arts décoratifs,

la Cité de l'architecture et du patrimoine,

le Centquatre,

le Comité d'organisation des Jeux Olympiques 2024,

Bureau Betak,

la Monnaie de Paris,

le Pavillon de l'Arsenal,

la Gaîté lyrique,

la Maison de la culture de Seine-Saint-Denis,

la Réunion des musées nationaux Grand Palais,

la Nouvelle scène nationale de Cergy-Pontoise...

En ce qui concerne les cours magistraux et les TD, la formation est attentive à dispenser de manière équilibrée :
des enseignements d'ordre technique :

maîtrise des ambiances : éclairage, matériaux du second œuvre, intégration des lots techniques, acoustique...

maîtrise des techniques de mise en œuvre spécifiques : stratégies de montage, démontage et réemploi...

maîtrise de la réglementation : sécurité des biens et des personnes, gestion de la foule...

maîtrise des problématiques d'exposition et de conservation : muséologie, signalétique, interfaces numériques...

des enseignements d'ordre théorique liés :

au théâtre : histoire et évolutions récentes du rapport scène/salle, spécificité d'une approche spatiale liée à la narration...

au musée : repères historiques, politiques innovantes vis-à-vis des publics, évolutions contemporaines des typologies et nouvelles manières d'exposer, problématiques spécifiques liées à la conservation...

à l'architecture commerciale : repères historiques, archétypes, évolutions contemporaines des lieux de vente, impacts urbains, dématérialisation...

aux fêtes publiques : histoire des grandes scénographies urbaines, expositions universelles, commémorations, aspects politiques et symboliques, problématiques liées à la gestion des flux...

En ce qui concerne les exercices de projet, la pédagogie est attentive à ce qu'ils répondent à un certain réalisme de la commande d'une part mais aussi d'ouvrir à des réflexions fondamentales et prospectives d'autre part, ainsi qu'au croisement des disciplines. Les exercices de projet sont systématiquement encadrés par deux enseignants professionnels. Des intervenants ponctuels spécialistes du domaine viendront apporter des éclairages spécifiques.

La formation est composée de :

1/ de janvier à juillet :

1 semaine inaugurale en janvier : enseignements et visites

3 modules (enseignements le vendredi et projet le samedi) d'une durée de :
- 7 semaines : Scénographie d'évènementiel
- 7 semaines : Scénographie des lieux d'exposition
- 7 semaines : Scénographie pour le spectacle

2 workshops d'une semaine centrés sur des aspects techniques :
- lumière artificielle
- projet échelle 1

Attention : Le programme et les modalités d'enseignement sont susceptibles de modification selon l'évolution de la situation sanitaire.

2/ de juillet à mars de l'année suivante (jury):

1 mise en situation professionnelle de 4 à 6 mois

suivie de la soutenance d'une thèse professionnelle (jury).

La formation, d'une durée de 15 mois (de janvier à mars de l'année suivante), dispensera de manière équilibrée des enseignements d'ordre technique et d'ordre théorique et des exercices de projet pour un total de 375 heures et 75 ECTS.

- Savoir-faire du projet :

Nicolas André, Enseignant de l'Énsa-PB/Architecte, Responsable pédagogique

Nadia Lauro, Scénographe

Philippe Prost, Enseignant de l'Énsa-PB/Architecte

Marina Khemis, scénographe

Paul Marchesseau, Enseignant de l'École Camondo/Designer

Alphonse Sarthout, Architecte

- Savoir-faire théoriques :

Jean Dominique Secondi, président de la Gaité Lyrique/responsable du Pôle Culture à la Société du Grand Paris

Alexis Markovics, enseignant de l'École Camondo/Chercheur, responsable pédagogique

Cloé Pitiot, conservatrice au Musée des Arts décoratifs

Laure Fernandez, enseignante de l'École Camondo/chercheure

Yann Rocher, enseignant/Architecte

- Savoir-faire techniques :

Martin Malte, designer graphique/plasticien

Mathilde Camoin, designer scénographe/conceptrice lumière

Pier Schneider, architecte/plasticien

Marina Wainer, artiste/designer/enseignante

Martin Monchicourt, responsable de l'atelier bois à l'Énsa-PB/plasticien

Antoine Charon, enseignant de l'École Camondo/designer sonore

Teïva Bodereau, enseignant de l'Énsa-PB/ingénieur/architecte

Florence Bertin, conservatrice au Musée des Arts décoratifs...

Au cœur du dispositif de formation, l'expérience en entreprise constitue un point incontournable du mastère spécialisé®.
Les étudiant(es) doivent réaliser une mission professionnelle de 4 à 6 mois (en stage, CDD ou CDI).
Les enseignements théoriques se terminant en juillet, la MSP peut être réalisée de juillet à fin décembre à temps plein.
Pour les étudiants non engagés dans la vie professionnelle, la mission en entreprise pourra débuter dès le mois de mars à temps partiel.
Chaque étudiant est guidé par un enseignant responsable du suivi pédagogique de la mise en situation professionnelle et de la thèse professionnelle.
L'étudiant doit rédiger sa thèse professionnelle en s'appuyant sur la mission réalisée en entreprise, sous la direction de l'enseignant responsable spécialisé dans la thématique choisie.
Elle donne lieu à une soutenance devant jury (30 ECTS).

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mastère spécialisé® architecture et scénographies - spécialisations - ENSA-PB

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La formation mastère spécialisé® Architecture et Scénographies est proposé par l'Ensa de Paris-Belleville en partenariat avec l'Ecole Camondo et soutenu par de nombreux partenaires publics et privés. Elle délivre un diplôme labellisé par la Conférence des Grandes Écoles (CGE). Proposer une formation originale et polyvalente ouverte sur les domaines variés relevant de la scénographie (architecture éphémère, lieux d'exposition, évènementiel, spectacles vivants...).

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https://www.ngv.vic.gov.au/essay/the-multiple-worlds-of-cindy-shermans-history-portraits-2/

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The Multiple Worlds of Cindy Sherman’s History Portraits | NGV

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It does not seem unlikely to me that there is a total book on some shelf of the universe; I pray to the unknown gods that a man – just one, even though it were thousands of years ago! – may have examined and read it. If honor and wisdom and happiness are not for me, let them be for others. Let heave…

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la femme au fleurs - Planche 20 (à faire)

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la femme au fleurs - Planche 20 (à faire)

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... plantée ...

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... le modèle (moi-même)...

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Ces photographies ont été prises par un homme (mon ami) après avoir eu la permission d'habiller et déshabiller le corps de la femme (moi-même). Il s'agit, ici, que l'auteur des images puisse exprimer son point de vue sur l'intimité du corps féminin convoquant sa perception sur un instant de désir.

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https://www.univ-paris8.fr/-Licence-Arts-plastiques-599-

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Licence Arts plastiques - Université Paris 8

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Domaine : Arts Mention : Arts plastiques

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Ecole des Arts Décoratifs (age max 25 ans :( )

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Ecole des Arts Décoratifs (age max 25 ans :( )

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https://www.ensad.fr/admissions/concours/conditions-concourir

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Pour l'année scolaire 2024-2025, une à deux résidences sont proposées aux étudiant·es de l'École des Arts Décoratifs (toute spécialisation confondue) ayant obtenu leur diplôme en 2024.

Whole Web Catalog est un projet pédagogique collectif et annuel, mené par les enseignant.es Elsa Aupetit et Benoît Montigné, avec les étudiant*es de 3e année du secteur Design Graphique de l'École des arts Décoratifs. Il s'attache à cataloguer la diversité des approches et des pratiques interactives et numériques contemporaines à partir de la rencontre entre étudiant·es et professionnel·les.

15 alumnis, 15 editeurs et 15 expositions à retrouver sur le parcours des DDays.
1 soirée d'ouverture sur le thème du "JEU est un autre" à l'Ecole des Arts Décoratifs.

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Pour l'année scolaire 2024-2025, une à deux résidences sont proposées aux étudiant·es de l'École des Arts Décoratifs (toute spécialisation confondue) ayant obtenu leur diplôme en 2024. Whole Web Catalog est un projet pédagogique collectif et annuel, mené par les enseignant.es Elsa Aupetit et Benoît Montigné, avec les étudiant*es de 3e année du secteur Design Graphique de l'École des arts Décoratifs.

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https://arts.pantheonsorbonne.fr/ecole-arts-sorbonne

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L'École des Arts de la Sorbonne (EAS) - Unité de Formations et de Recherche des Arts Plastiques et Sciences de l'Art (UFR 04) de l'Université de Paris 1 Panthéon - Sorbonne - enseigne l'art à travers ses enjeux les plus contemporains, par la pratique , mais aussi l'analyse des œuvres et leur médiation.

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... des traces, créant paradoxalement un nouvel espace défini. En fabriquant .... verticaux déterminant les espaces intérieurs, un ordre se créé. Une fois ces éléments retirés, la sculpture détruite, un second espace advient, déterminant un nouvel ordre.

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attention légende = feutre et mine et crayon graphite sur papier, dim. ... x ... cm

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légende = gouache (sans majuscule) et 21 x 15 cm

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légende = Croquis d'après modèle vivant, mine de plomb, feutre fins, et collage sur papier, 42 x 30 cm

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Tatiana Trouvé, walks and all Walks, 2015 (08.11 PJJ ref en supp)

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Tatiana Trouvé, walks and all Walks, 2015 (08.11 PJJ ref en supp)

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https://www.sculpturenature.com/se-promener-a-central-park-tatiana-trouve/

Tatiana Trouvé, walks and all Walks, 2015 - Broderie sur toile de lin, fils colorés, encre, papier.
> Pour votre travail sur la carte mental de Beyrouth.

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Marion Potoczny, journal d'un exil, 2015 (colle du 08.11 PJJ)

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Marion Potoczny, journal d'un exil, 2015 (colle du 08.11 PJJ)

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lien vers la vidéo
https://vimeo.com/195536006

Pour la question de l'exil, de l'ici et de l'ailleurs, de l'attente et des attentes.
Sur la perte de soi, de son identité et parfois de son humanité.

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Taysir Batniji, Disruptions, 2015-2017 (Colle du 08.11 PJJ)

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Taysir Batniji, Disruptions, 2015-2017 (Colle du 08.11 PJJ)

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Série de 80 captures d’écran, tirages jet d’encre sur papier Canson Archive satin RC, 24 × 16 cm chaque

Sur la question de l'ici et de l'ailleurs, de l'exil, se sentir entre deux mondes et deux temporalités

Taysir Batniji, Disruptions
série de quatre-vingts captures d’écran de conversation vidéo sur WhatsApp
entre Taysir Batniji, sa mère et différents membres de sa famille restés à Gaza. Les images exposées gardent trace de ces conversations, souvent figées et interrompues par une mauvaise
connexion Internet. Pixelisées et fragmentaires, elles deviennent le miroir de l’expérience personnelle de Taysir Batniji. Arrachées au flux des conversations vidéo, ces images témoignent de la violence que constituent la distance et la précarité générées par le conflit israélo-palestinien.

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Photographier l’exil: «Donner forme à une image est un geste éthique» un moment "d'entre deux", article RFI, 2018 (08.11 PJJ ref en supp)

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Photographier l’exil: «Donner forme à une image est un geste éthique» un moment "d'entre deux", article RFI, 2018 (08.11 PJJ ref en supp)

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Le philosophe et historien de l'art Georges Didi-Huberman était au centre d'une rencontre organisée le 30 mai autour de l'exposition " Photographier l'exil ", accueillie jusqu'au 15 juin à l'École des Hautes études en sciences sociales (EHESS Paris). À deux pas des installations signées par des photographes et vidéastes appartenant pour l'essentiel au collectif VOST, il a échangé avec le commissaire de l'exposition, William Gaye, et avec la photographe Françoise Beauguion. Quand la recherche scientifique se pare d'un visage humaniste.

La rencontre " Penser, représenter, vivre l'exil "autour des installations sur les exilés qui cherchent refuge dans l'Union européenne intervient " dans une conjoncture tout à fait particulière ", estime Claude Calame, directeur d'études à l'EHESS. D'abord, le vote à l'Assemblée en avril d'une loi Asile Immigration " qui sous prétexte d'accélérer le processus d'accueil des réfugiés, s'inscrit dans une logique de tri et d'exclusion ". Une loid'ailleurs à l'œuvre ce jour-là avec " l' ordre d'expulsion des immigrés regroupés le long du canal Saint-Denis et Saint-Martin ". Parallèlement, des Etats généraux des migrations (EGM) se sont tenus à Montreuil : près de 500 collectifs ou associations actives auprès des exilés, dont la Cimade, le Gisti et le VOST. L'enquête qu'ils ont menée auprès des instituts de recherche et de l'enseignement supérieur montre qu'en matière de migration, " la recherche ne peut pas être coupée de l'action ". C'est dans cet esprit que la section EHESS de la Ligue des Droits de l'Homme (LDH) présente cette exposition. Et le débat entre chercheurs, photographes, écrivains dont voici les grandes lignes.

1. Georges Didi-Huberman" L'imago est une question de dignité" , philosophe et historien de l'art (EHESS)
Son métier est d'analyser la forme. Il se dit touché par " l'urgence et la violence des actualités rapportées ". Il exprime aussi sa " gêne du fait qu'on demande aux gens de raconter leur vie à répétition ". Avant de parler de Human flow, le film de Ai Weiwei sur les réfugiés qui l'a si " profondément mis en colère " [cette superproduction réalisée dans 23 pays est censée appeler à plus d'humanité face à l'horreur des guerres et des catastrophes],l'essayiste met en garde contre les écueils de la représentation.

" Comment donner forme à notre expérience ? J'ai peur qu'on fasse trop confiance aux artistes ", dit-il, leurs préférant les documentaristes qui " documentent et donnent forme. Donner forme, c'est former une image. Former une image, c'est avoir de l'imagination, ce qui est la première faculté politique selon Hannah Arendt. Il faut interroger les formes pour ce qu'elles sont capables ou pas de nous montrer, insiste-t-il. Donner forme àune image est un geste éthique. " Et de citer en la matière les écrits de philosophes comme Hegel et Kant, Benjamin et Adorno...

Hannah Arendt se méfiait des gestes de bienveillance qui " dépolitisent le malheur. "
" Au moment-même où nous sommes sauvés, nous sommes humiliés ", écrit-elle.
" Au moment-même où nous sommes aidés, nous sommes rabaissés. "
(Nos réfugiés, 1943)

" Toutes ces opérations formelles, cadrer, choisir un grain, une lumière, monter évidemment, sont des opérations éthiques. Un documentariste qui décide de se pencher sur la question des migrants-réfugiés-exilés a la faculté de regarder ou de couper ici ou là. De plus, quand de grands documentaristes comme Wang Farocki se penchent vers quelqu'un, c'est pour lui rendre quelque chose. Et non pas pour lui prendre. "

Comparer le film " complexe " de Ai Weiwei, ce grand artiste chinois qui vend une œuvre d'art à 2 millions de dollars, aux installations de l'EHESS, " c'est comme si deux mondes incommensurables devaient se rencontrer. (...) Il est très important de voir comment une caméra, un appareil de photo se situent par rapport à ce qui est filmé ou photographié. Regarder en surplomb n'est pas regarder à égalité ", dit-il, résumant l'analyse qu'il a publiée dans la revue Esprit.

Exemple ? Quand Ai Weiwei interroge un réfugié à son arrivée sur une île grecque, il se tient au-dessus de lui et dit : " Your name? " " From where? " " Exactement comme le flic ", note Didi-Huberman.Il rappelle qu'à l'origine du mot image, imago en latin était un concept juridique de la République romaine. Son seul objet était " la dignité républicaine ". Il ajoute que Pline [l'Ancien] faisait une distinction totale entre imago et ars. " L'imago, c'est une question de dignité. Donc, faire une image, cela devrait être de rendre à celui dont on fait l'image quelque chose de sa dignité. "

2. Françoise Beauguion, photographe (collectif VOST)

" Photographier l'exil : un acte difficile, parfois même impossible "

Human flow ne l'a pas mise en colère. La place de l'artiste dans le film est plutôt " entre-deux. Il est là, mais pas tout le temps. Il y a de très belles images de drones. On y parle de l'exil dans le monde entier ce qui ouvre le champ français ou européen, notamment avec ces images fortes des camps de Jordanie ". Au fond, elle apprécie que " les artistes se mettent en scène pour délivrer un message positif. Peut-être aussi pour eux évidemment... "

Sur le rôle du photographe, de l'auteur, du journaliste," on a tous des positions différentes dans Photographier l'exil ". Dans son cas, la difficulté tient au fait qu'elle est allée à la rencontre de ces gens, justement, elle aussi, dans un moment " d'entre deux " - un terme qu'elle affectionne particulièrement. Ils étaient déjà partis de leur pays mais pas encore arrivés à destination. Et c'est ce " moment de transition géographique mais aussi identitaire " qui l'intéressait. " J'étais surprise du fait qu'ils s'étaient un peu oubliés, de cette disparition d'eux-mêmes. "

Une errance qui lui est familière en tant que photographe et qu'elle partage peut-être avec eux à titre personnel. À Lampedusa, Lesbos, au nord du Maroc à Melilla où elle évolue, elle ne force pas les gens qui n'en ont pas envie à être photographiés. " On prend le temps de connaître la personne. Parfois, cela se passe très vite. On fait juste une photo et c'est fini. D'autres fois, je passe une semaine avec eux et jamais je ne les photographie. "
3. William Gaye, Commissaire et co-scénographe de l'exposition avec Mathieu Rosier
" La difficulté, c'est de trouver la distance. On va à leur rencontre. On essaie de témoigner, de rendre compte. Quelle est la limite au fait de s'intéresser aux autres, entre cette curiosité et le fait d'avoir publié ses écrits et ses photos et de les exposer dans des lieux magnifiques comme ici ? Nous cherchons ", dit simplement la photographe qui raconte l'histoire de cette exposition évolutive, créée il y a deux ans aux Rencontres d'Arles et qui, depuis, a grandi et tourne un peu partout, de " Visa pour l'image " au bar " Le 61 " à Paris " où se rencontrent journalistes et photojournalistes qui échangent leurs expériences ".

Elle tourne aussi des vidéos avec son téléphone portable, qui met " moins de barrières que l'appareil photo ". Quand l'écriture lui paraît plus proche de ce qu'elle ressent, elle utilise les mots car " il s'agit plus d'une affaire de ressenti que de construction par avance de ce qu'elle voudrait trouver. Cette fois, je ne montre même plus d'images mais un texte censé être publié dans une revue . Agrandi sur un mur, il n'a pas pour but forcément d'être lu en entier. " La raison ? " L'espace, très lumineux ".

Photographe, il collabore avec le VOST sans en faire partie. Après chaque exposition, le collectif valide la pertinence de sa formulation. Explication : " Il trouve une nouvelle forme en fonction des espaces. Et les matériaux sont constamment remis en mouvement et participent à cette idée de déplacement, d'exil. " Il fait remarquer que nommer cette exposition " Photographier l'exil ", " c'était partir d'un paradoxe que l'outil que nous utilisons est dans l'impossibilité technique d'embrasser un si vaste mouvement ".

Le choix s'est arrêté sur sept projets " parfois réalisés à plusieurs mains et situés dans des temporalités et des traversées de géographies différentes, explique-t-il. Certains ont parcouru la route des Balkans et recueilli des récits d'exils. D'autres ont collecté de la mémoire dans la région occitane ou fait des ateliers avec des enfants immigrés dans la région de Perpignan, travaillant à la fois sur les fantasmes et les imaginaires. " Des cartographies aussi. Avec Guillaume Moreau, William Gaye pour sa part a observé Calais " dans un état statique " d'octobre 2014 à novembre 2017 : " Des choses en mouvement qui disparaissent ". Ils présentent un portrait de Sadir (quadriptyque), des objets sous vitrine et une planche contact, un négatif déterré.

Au final, " des extraits de rencontres, des croisements dans une forme relativement incomplète. Avec beaucoup, beaucoup (trop) d'espace, d'interrogations ". Pour laisser le spectateur travailler. " Peu d'éléments factuels, vous ne savez pas forcément où ils ont été pris. Malgré tout, ils entrent sans doute en résonnance. Cet ensemble est un tout que l'on doit assembler, très différent de l'iconographie que l'on trouve dans les médias. Ce ne sont pas des travaux de commande. Ou plutôt ce sont des commandes qu'on se passe à nous-mêmes et qui nous laissent une forme de liberté. Et du coup, la responsabilité de leur forme. "

Les images présentées ne vont pas à l'encontre du travail des photojournalistes [comme les voit Gilles Saussier : " dans la perpétuation de leur propre histoire canonique au prétexte des grands événements de l'actualité "]. " Dans ce travail de composition, précise William Gaye, nous avons fait le choix, à l'instar de Philippe Bazin, d'éviter que des photographies donnent à voir des êtres vivants dans des conditions dégradées et dégradantes pour eux. Et par métaphore, des êtres dans l'impossibilité de se construire en sujets dignes et beaux. "

Les exposants s'inscrivent dans la démarche de photographes documentaires et entendent " porter une attitude critique et constructive sur le monde dans lequel ils vivent. Cela suppose la mise en place de dispositifs de prises de vue, de choix d'appareils, de cadres. On peut aussi récolter des objets... " Gaye se risque encore à comparer leurs méthodologies et leurs pratiques de terrain à celles des chercheurs en sciences humaines. Et questionne la pertinence de faire cohabiter ces deux registres...

Enfin, William Gaye parle de son expérience calaisienne avec Guillaume Moreau. Les deux compagnons sont partis main dans la main avec un même outil, une chambre photographique. " Un dispositif relativement lent. Et chacun deux approches différentes. Première règle du jeu, nous irions régulièrement, tous les deux mois. Cela nous mettrait forcément en dehors des actualités brûlantes, et donc cela nous ferait rater des choses. Mais on serait aussi là pendant que les choses poussent ", ajoute-t-il.

" Un des axes de notre travail, Leaving in the Jungle, leaving comme quitter, était de voir comment on fait pour habiter dans un endroit qu'on a envie de quitter. Ce qui fait que l'essentiel de nos images se sont focalisées sur l'habitat. Avec un principe : demander aux gens s'ils ont envie ou non d'être dans le cadre. Résultat : 90 % des images sont vides d'habitants, ce qui crée quelque chose d'ambigu, d'un peu étrange. " Du fait de la particularité de l'appareil utilisé, " tout le monde pouvait venir voir sur le dépoli. Hors cadre. On suscitait l'expertise de ceux qui vivent là. On avait besoin de savoir tout ça ".

William raconte tout sourire comment le portrait de Sadir a été pris en novembre 2014 dans la jungle afghane, alors que la nouvelle jungle n'était pas encore créée. " Après un très bon thé, il nous a fait la visite de son camp. Je ressentais quelque chose de très ambigus, que je ne connaissais pas encore. Comment résister à la pulsion scopique, à une photogénie de la misère ? [Comment choisir la tente la plus dégueulasse à prendre en photo ?] En discutant avec le sujet, une forme est née : un panoramique inversé. Je lui ai proposé de se mettre dans le cadre. " Faire le tour de toi. Simplement quatre images. Et tu vas rester figé. " Mais Sabir s'est tourné à chaque fois, nous fixant. Il était en train de faire avec nous... Il a dit : " Cela fait 5 000 kilomètres que je marche. " Et cela faisait écho à ce que vous, Georges Didi-Huberman, avez écrit dans Le passé quoi qu'il en coûte (avec Niki Giannari, Ed. de Minuit, 2017) : " Traverser les obstacles dressés contre la plus élémentaire liberté, c'est se mettre en mouvement pour tourner le dos à la mort. "

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Photographier l'exil: "Donner forme à une image est un geste éthique"

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Le philosophe et historien de l'art Georges Didi-Huberman était au centre d'une rencontre organisée le 30 mai autour de l'exposition " Photographier l'exil ", accueillie jusqu'au 15 juin à l'École des Hautes études en sciences sociales (EHESS Paris).

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Taysir Batniji, ID Project, 1993-2020. 18 tirages numériques sur papier format A4,plaque de marbre gravée. (PJJ ref en supp)

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Taysir Batniji, ID Project, 1993-2020. 18 tirages numériques sur papier format A4,plaque de marbre gravée. (PJJ ref en supp)

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Taysir Batniji est né à Gaza le 14 décembre 1966. Quelques mois plus tard, la guerre des Six-Jours (1967) éclate. Israël occupe Gaza et la Cisjordanie : dès lors, les habitants de ces territoires se retrouvent dans une situation paradoxale puisqu’il n’y a plus d’État palestinien officiel et qu’ils dépendent administrativement d’Israël. ID Project découle de ces problématiques. Un épisode vécu par Taysir Batniji à l’aéroport de Rome en 1993. Dans l’attente pour le contrôle des passeports, il remarque sur son laissez-passer (le document de voyage valable un an qui était alors délivré par l’administration militaire israélienne) le mot undefined (indéterminé), inscrit en face de la case « nationalité ». Cette anecdote devient le point de départ d’une prise de conscience de sa propre identité. ID Project est une œuvre ready-made composée de fac-similés de documents administratifs, qui témoigne de l’itinéraire administratif de l’artiste jusqu’à sa naturalisation française.

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https://www.letemps.ch/culture/georg-baselitz-un-artiste-lassaut-feminisme

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Georg Baselitz, un artiste à l’assaut du féminisme

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Déclarations sexistes, sculptures polémiques, Georg Baselitz est un vrai aimant à scandale. A l’heure où la Fondation Beyeler et le Kunstmuseum de Bâle lui consacrent une exposition, retour sur le rapport de l’artiste allemand au féminisme, un peu plus complexe qu’il n’y paraît

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https://leseumcollectif.wordpress.com/2017/09/26/pourquoi-ny-a-t-il-pas-eu-de-grands-artistes-femmes/

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Quand j'étais petite je lisais beaucoup la bande dessinée " Boule et Bill ". Il y a une planche qui m'avait marquée, j'y ai repensé souvent depuis : celle où Boule fait un devoir pour l'école et doit citer " des noms de femmes illustres ". Il râle à voix haute en disant que c'est difficile, sa mère passe par là et le contredit en citant des noms de " grandes femmes " : des scientifiques, des politiques. Là dessus, le père s'en mêle à son tour, et fait remarquer que des femmes illustres dans ces domaines là, il y en a sans doute, mais en art et en musique classique, alors là, on ne peut nier l'évidence, les femmes sont inexistantes. Voici comment se termine l'épisode(1) :

La bande dessinée essaie ici de donner raison à la mère de Boule, mais en réalité, cette conclusion est extrêmement violente : elle défend l'idée que certes il n'existe pas de " femmes artistes ", mais qu'en revanche, les femmes ont eu l'immense mérite de donner la vie aux grands " hommes artistes " (qui, semble-t-il, n'ont pas de père). Les femmes ne sont peut-être pas artistes, mais elles sont mères, et cela suffit bien. Nous voilà sauvées. Ouf.

Apparemment anodine, voire même apparemment féministe, cette idée est en réalité un poncif misogyne répandu, au service d'une négation de la capacité créatrice des femmes. Les femmes ne peuvent pas créer, parce qu'elles n'en ressentent pas le besoin : leur acte créateur suprême réside dans la maternité, le grand projet artistique de leur vie. Dans une interview télévisée, l'ineffable Léo Ferré clamait ainsi que " l'intelligence des femmes, c'est dans les ovaires ", ceci expliquant selon lui l'absence de " grands génies " féminins.

Pointer le ridicule de cette idée ne résout cependant pas le devoir à la maison de Boule. N'est-ce pas au fond l'évidente vérité ? Qui pourrait citer une compositrice de musique classique, une peintre ou une sculpteuse d'une importance comparable à de grandes figures comme Rembrandt ou Michel-Ange ?

En 1971, l'historienne de l'art féministe Linda Nochlin rédigeait un célèbre article qui traitait enfin frontalement cette question, intitulé sans détour : " Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes " (2) ? Répondre à cette question en tentant, de façon érudite, de dresser une liste de " grands artistes femmes " pour prouver que si, il y en a eu, c'est selon elle tacitement renforcer les implications négatives de cette question, et l'importance qu'on accorde au maître. Par exemple, dire " Berthe Morisot est aussi bien que Manet ", c'est continuer à prendre Manet, un artiste homme, comme référence et mesure de la qualité de l'oeuvre d'une femme. Répondre à cette question en affirmant qu'il y a eu un art féminin, avec sa grandeur propre qui aurait été méprisée car différente de celle des hommes, c'est tomber dans l'essentialisme et croire qu'il existe un " style féminin ". C'est de plus, explique-t-elle, se faire " une idée naïve de l'art : l'idée qu'il exprime de manière directe, personnelle, l'expérience affective individuelle, traduit la vie intime en termes visuels " (3). Or l'art a aussi sa logique propre, sa temporalité, ses conventions. Il y a plus de points communs stylistiques entre une peintre et un peintre de la même époque, qu'entre deux peintres (femmes) de deux siècles d'écart.

En gros, on sent que pour elle chacune de ces deux réponses revient à faire preuve d'une forme de complexe d'infériorité, alors qu'il faudrait au contraire regarder l'histoire en face : " Il n'y a jamais eu de grand pianiste de jazz lituanien, de grands joueurs de tennis eskimos, et souhaiter de tout cœur qu'il y en ait eu n'y change rien. On ne modifiera pas la situation en manipulant à loisir les données historiques [...]. Il n'y a pas de femmes à la hauteur de Michel-Ange ou de Rembrandt " (4). Mais alors du coup, on répond quoi à ceux qui vont nous dire, comme le père de Boule, qu'il s'agit bien de la preuve que les femmes sont inférieures ? De ceux qui, comme Léo Ferré, en profiteront pour expliquer que les femmes sont biologiquement incapables de création ?

Après s'être déjà interrogé sur la formulation de ce genre de question, et sur ce que signifie " être un grand artiste " (notion moins évidente qu'il n'y paraît), ce qu'il faut c'est analyser les conditions de production du " grand art ", pense Nochlin. En rappelant, par exemple, que l'enseignement artistique académique était interdit aux femmes, et qu'il était en France à peu près la seule voie du succès pour un artiste. En gros, l'art n'est pas une activité libre, autonome, exercée par des individus hors du champ social. " La réponse à la question repose donc sur la nature d'institutions sociales précises et sur les interdits ou les encouragements qu'elles prodiguent à diverses classes ou catégories d'individus. Il était institutionnellement impossible que les femmes parviennent à l'excellence, ou au succès artistique, quelle que soit par ailleurs la mesure de leur talent " (5).

Une grosse partie de l'histoire de l'art, dans les années 70, est fabriquée par des hommes élitistes et libéraux, pense Nochlin. Ils ont une conception ultra libérale de la réussite individuelle des artistes. Ils glorifient leur seul individu, attribuent au " grand artiste " une aura magique, presque religieuse : sa réussite serait miraculeuse, asociale, déterminée par rien, peut-être par l'action du saint esprit. En réalité, la réussite de certains " grands artistes " dépend de leur genre bien sûr (est-ce que le père de Picasso l'aurait autant encouragé s'il avait été une femme ?), de leur race, mais aussi de leur classe sociale, de la profession de leurs parents (beaucoup d'enfants d'artistes chez les " grands artistes ", remarque-t-elle). Fait étrange, on passe son temps à se demander pourquoi il n'y a pas eu de femmes artistes, mais on ne s'interroge jamais sur la faible proportion d'aristocrates parmi les artistes, par exemple : elle apporte pourtant une preuve que l'activité artistique est liée à une situation sociale, les aristocrates étant davantage destinés à d'autres professions.

Conclusion : dire " trouve moi un Rembrandt femme ? " est une question avec un raisonnement idiot et fallacieux. La meilleure façon d'y répondre, ça n'est ni de dire " Rembrandt avait une mère ", ni de dire " euh ben si je te signale qu'il y avait [nom de l'unique peintre femme de la période] ", mais de s'interroger sur les mécanismes institutionnels de la réussite artistique. Voilà et du coup, je me suis permise de modifier la BD :

(1) : J'ai trouvé l'image grâce à un Twitto, merci @caligans !

(2) : Traduit en français en 1993 : Linda Nochlin, " Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? ", p. 201-244, dans Linda Nochlin , Femmes, art et pouvoir , Jacqueline Chambon, Arles, 1993.

(4) . Notre importante : Linda Nochlin ne dit à aucun moment qu'il n'y a eu AUCUNE artiste, ni qu'elles ne sont pas dignes d'intérêt ou qu'il ne faut pas en parler. Dans le même article elle étudie les œuvres de plusieurs femmes, vous irez lire si ça vous intéresse !

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« Pourquoi n’y a-t-il pas eu de grands artistes femmes ? »

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Quand j'étais petite je lisais beaucoup la bande dessinée "Boule et Bill". Il y a une planche qui m'avait marquée, j'y ai repensé souvent depuis : celle où Boule fait un devoir pour l'école et doit citer "des noms de femmes illustres". Il râle à voix haute en disant que c'est difficile, sa mère passe...

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https://awarewomenartists.com/artiste/cecily-brown/

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Villa Vassilieff - 21, avenue du Maine 75015 Paris (France) - info[at]aware-art[.]org - +33 (0)1 55 26 90 29

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Cecily Brown - AWARE Women artists / Femmes artistes

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Fille de l'écrivain et critique d'art David Sylvester, Cecily Brown est diplômée en 1993 de la Slade School of Fine Arts à Londres et travaille à New York dès 1994. Comme Jenny Saville, elle est l'une des figures actives du renouveau de la peinture de...

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https://awarewomenartists.com/artiste/agnes-martin/

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Agnes Martin — AWARE Women artists / Femmes artistes

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The regularity and sobriety of Agnes Martin’s forms often prompt people to associate this major 20th century figure with the Minimalist movement. Yet she herself reckoned that she was closer to the Abstract Expressionists, her contemporaries, and her first models in painting. Born into a...

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Cartographie mentale de Beyrouth - Planche 10

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Cartographie mentale de Beyrouth - Planche 10

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Arlésienne, 2005.Série de 42 photos en autoportrait, 15 x 21 cm.Avec l'aimable autorisation de l'artiste et de la galerie Imane Farès.

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Cet " autoportrait " a été fait en réaction aux questions que les gens me posaient sur mes origines. Chaque personne était persuadée que j'étais d'une telle ou telle nationalité. Je me suis rendue compte de la force de la projection que les gens ont les uns sur les autres. Nous ne sommes qu'un écran sur lequel les gens projetaient leurs phantasmes leur colère, leur mépris ou leur fascination.
J'ai pris la pose toute une après midi, avec le même vêtement et une attitude différente. Une façon de questionner la mise à distance d'autrui, le nationalisme, le racisme et l'exotisme.

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Cet " autoportrait " a été fait en réaction aux questions que les gens me posaient sur mes origines. Chaque personne était persuadée que j'étais d'une telle ou telle nationalité. Je me suis rendue compte de la force de la projection que les gens ont les uns sur les autres.

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Denis Rouvre, Identités, Territoires de l'intime, 2014 - TB

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Denis Rouvre, Identités, Territoires de l'intime, 2014 - TB

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Mémoire, Série - Planche 9 (à reproduire sur grand format) 

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Mémoire, Série - Planche 9 (à reproduire sur grand format) 

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L'Algérie dont est originaire sa famille n'a longtemps été pour Naïma qu'une toile de fond sans grand intérêt. Pourtant, dans une société française traversée par les questions identitaires, tout semble vouloir la renvoyer à ses origines. Mais quel lien pourrait-elle avoir avec une histoire familiale qui jamais ne lui a été racontée ?
Son grand-père Ali, un montagnard kabyle, est mort avant qu'elle ait pu lui demander pourquoi l'Histoire avait fait de lui un " harki ". Yema, sa grand-mère, pourrait peut-être répondre mais pas dans une langue que Naïma comprenne. Quant à Hamid, son père, arrivé en France à l'été 1962 dans les camps de transit hâtivement mis en place, il ne parle plus de l'Algérie de son enfance. Comment faire ressurgir un pays du silence ?
Dans une fresque romanesque puissante et audacieuse, Alice Zeniter raconte le destin, entre la France et l'Algérie, des générations successives d'une famille prisonnière d'un passé tenace. Mais ce livre est aussi un grand roman sur la liberté d'être soi, au-delà des héritages et des injonctions intimes ou sociales.

512 pages - 152 x 221 mm

Broché

EAN : 9782081395534

ISBN : 9782081395534

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L'Art de perdre de Alice Zeniter - Editions Flammarion

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L'Art de perdre : présentation du livre de Alice Zeniter publié aux Editions Flammarion. L'Algérie dont est originaire sa famille n'a longtemps été pour Naïma qu'une toile de fond sans grand intérêt. Pourtant, dans une société française traversée par les questions identitaires, tout semble vouloir la renvoyer à ses origines.

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Lecture CMMariam HAMIEH corr. 2_11 (3eÌ texte) CG

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> particulièrement la série des autoportraits
> réflexions sur l'exil

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Exposition

Du 11 au 26 février, le Palazzo Grassi est ouvert les jeudis et vendredis. Entrée gratuite.
Parallèlement à l'exposition consacrée à Henri Cartier-Bresson, qui occupera le premier étage, le Palazzo Grassi présente au deuxième étage l'exposition monographique de l'artiste Youssef Nabil (Le Caire, 1972), intitulée " Once Upon a Dream", dont le commissariat est assuré par Matthieu Humery et Jean-Jacques Aillagon.

Réalisées selon une ancienne technique largement employée pour les portraits de famille ou pour les affiches de films qui peuplaient les rues du Caire, les photographies argentiques peintes à la main de Youssef Nabil, ravivent une Égypte légendaire, entre symbolisme et abstraction.

La recherche de repères identitaires, les préoccupations idéologiques, sociales et politiques du 21e siècle et la mélancolie d'un passé lointain sont les sujets de prédilection de Youssef Nabil. Cette exposition invite à s'immerger librement dans la carrière de l'artiste à travers des sections thématiques qui reproduisent ses premiers travaux comme ses oeuvres les plus récentes. Le parcours sera enrichi par la production filmographique de l'artiste avec la présentation de ses trois vidéos Arabian Happy Ending, I Saved My Belly Dancer et You Never Left.

Biographie

Youssef Nabil commence sa carrière de photographe en 1992 avec des tableaux illustrant des personnages figés dans une pose cinématographique, comme s'il s'agissait d'images de films de l'âge d'or du cinéma égyptien. Plus tard, dans les années 90, alors qu'il est assistant photographe à New York et à Paris, il commence à photographier des artistes et des amis, réalisant des portraits formels et tout en plaçant ses sujets dans les domaines du rêve et du sommeil, au bord de la conscience et loin de leur personnage public.

De retour en Égypte en 1999, il approfondit sa photographie colorée à la main avec des portraits d'auteurs, de chanteurs et d'acteurs du monde arabe. À la même époque, et notamment après son retour à Paris et à New York, il commence à réaliser des autoportraits qui reflètent sa vie disloquée loin de l'Égypte. En pleine évolution dans les quinze dernières années, cette série se caractérise par des scènes liminales où il s'attarde entre les réalités du monde et des rêves sereins, la solitude et la peur de la mort.

En colorant à la main ses tirages à la gélatine d'argent, Nabil élimine les imperfections de la réalité. Nabil renverse les principales notions de la photographie couleur et de la peinture, ainsi que les stéréotypes sur les sensibilités esthétiques associées à l'art et à la culture populaire. En suscitant un sentiment de désir et de nostalgie, ses images colorées à la main oscillent entre notre époque et une autre ère.

L'artiste présente en 2010 sa première vidéo You Never Left avec les acteurs Fanny Ardant et Tahar Rahim. Il met en scène un ailleurs allégorique, métaphore de l'Égypte perdue, dressant un parallèle intimiste et solennel entre l'exil et la mort. Youssef Nabil y réinvestit, avec révérence et avec inventivité, les caractéristiques esthétiques de l'âge d'or du cinéma égyptien, avec les stars, le technicolor, le tournage sur pellicule, à l'origine même de la vocation et de l'inspiration de son travail photographique qui reflète la même dimension personnelle et diariste.
En 2015, Nabil produit sa deuxième vidéo, I Saved My Belly Dancer, avec les acteurs Salma Hayek et Tahar Rahim, une narration de sa fascination et de son admiration pour les danseuses du ventre, et de son inquiétude à voir disparaître cette forme artistique typique du Moyen-Orient. La vidéo d'une durée de 12 minutes se fait également l'écho d'une évolution profonde du statut de la femme dans le monde arabe qui voit l'érotisation accrue du corps féminin devenir un problème de plus en plus aigu et un motif de répression au sein des nouvelles constructions sociales.

Youssef Nabil est né au Caire en 1972, il vit et travaille à Paris et New York.

Catalogue

Le catalogue de l'exposition est publié en co-édition avec Marsilio Editori, Venise, et Palazzo Grassi - Punta della Dogana.
Projet graphique de Studio Sonnoli, Leonardo Sonnoli e Irene Bacchi.

Avec des textes de Jean-Jacques Aillagon, Matthieu Humery et Linda Komaroff et une conversation entre Youssef Nabil et l'auteur André Aciman.

160 pages
1 édition trilingue (italien, anglais, français)

Disponible pour l'achat en ligne et aux bookshops du Palazzo Grassi et de la Punta della Dogana à tarif réduit.

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Exposition photographies Youssef Nabil à Venise

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Du 11 au 26 février, le Palazzo Grassi est ouvert les jeudis et vendredis. Entrée gratuite. Parallèlement à l'exposition consacrée à Henri Cartier-Bresson, qui occupera le premier étage, le Palazzo Grassi présente au deuxième étage l'exposition monographique de l'artiste Youssef Nabil (Le Caire, 1972), intitulée " Once Upon a Dream", dont le commissariat est assuré par Matthieu Humery et Jean-Jacques Aillagon.

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> comment les injonctions de représentations sociales sont-ils visibles dans nos intérieurs, dans nos quotidiens ? dans mon "chez moi" ?
> particulièrement la série "mirages de la vie"

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Avec humour et au moyen d’un usage subtil et audacieux des couleurs, Al Qasimi nous conduit dans des intérieurs typiques de la classe bourgeoise de son pays d’origine, les Émirats arabes unis. Les éléments de...

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... libanaise (moi-même) en exil (Paris). En provenance d'un pays corrompu et chaotique, le modèle semble vouloir affirmer sa propre identité de femme, avec ses propres besoins idéologiques, à l'opposé de constructions sociales et culturelles prédéfinies par ses origines. Quelque soit cette question de l'exil ressenti et vécu, nous revenons toujours à nous-mêmes, ce lieu sûr convoqué par notre quotidien intime.

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Paris Centre & Île-de-France

4,3,2,1...
le festival d'été de l'atelier des artistes en exil

→ programme détaillé sur festival.aa-e.org

4,3,2,1... c'est un compte à rebours, une pulsion post-confinement, un appel à repartir, une tentative de raisonner le temps, une incitation à revenir à la vie, à renouer avec l'essentiel, à retrouver goût et odeurs oubliés.

4,3,2,1... ce sont les quatre premiers arrondissements parisiens regroupés en un seul ensemble, Paris Centre, où s'ancrent les locaux de l'atelier des artistes en exil et où se déploie son festival.

4,3,2,1... c'est une programmation estivale qui s'inscrit dans l'Été culturel du ministère de la Culture et de la Ville de Paris.

4,3,2,1... ce sont des masterclasses, un carnaval, un défilé, des spectacles, des concerts, des soirées Party en exil, le plus souvent en plein air, dans des lieux emblématiques (jardin du Palais-Royal, Bourse de Commerce - Pinault Collection, Institut suédois, Hôtel d'Albret, bibliothèque Forney, Carreau du Temple...), en accès libre et gratuit.

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Paris Centre & Île-de-France → programme détaillé sur festival.aa-e.org 4,3,2,1... c'est un compte à rebours, une pulsion post-confinement, un appel à repartir, une tentative de raisonner le temps, une incitation à revenir à la vie, à renouer avec l'essentiel, à retrouver goût et odeurs oubliés. 4,3,2,1...

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Portrait d'un artiste afghan exposant au MUCEM (Marseille)

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Portrait d'un artiste afghan exposant au MUCEM (Marseille)

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Mohsin n'a que 30 ans et il vit déjà son second exil à cause des talibans. Né en 1991, il avait fui les "étudiants en religion" une première fois lorsqu'il était enfant pour aller vivre au Pakistan avec sa famille entre 1996 et le début des années 2000. Après l'invasion de son pays par les États-Unis et l'Otan, il était rentré chez lui où il était devenu artiste : photographe et surtout peintre. En août, il a dû s'enfuir de nouveau mais vit cette fois à Marseille où il espère continuer son métier.

Fuir Kaboul face aux assassinats ciblés

Mohsin Taasha nous reçoit dans sa petite chambre à l'étage d'une villa de La Friche la Belle de Mai. Cette ancienne friche industrielle à deux pas de la gare Saint-Charles propose habituellement des résidences d'artistes et elle a pu mettre à disposition des logements pour des exilés afghans : Mohsin est l'un d'eux. Il vit avec sa femme photographe, exilée elle aussi, au milieu des quelques affaires qu'ils ont pu emporter avec eux.

Je me sens déjà chez moi à Marseille. Je suis heureux car je croise beaucoup de nationalités ici, Marseille est une ville très diverse ! C'est un endroit où je me sens libre et en sécurité.

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Gérer mes choix

Mohsin Taasha faisait partie des artistes afghans dont le travail a été exposé par le Mucem il y a deux ans lors d'une exposition consacré à cette nouvelle génération d'artistes. Il doit son sauvetage à la commissaire de cette exposition, Guilda Chahverdi, qui a remué ciel et terre cet été pour rapatrier les personnes bloquées à Kaboul.

Nous avons fait de notre mieux pour améliorer la vie là bas : avec notre art, avec ce que chacun savait faire. Tout cela n'est plus qu'un rêve, c'est terminé... Nous avions des cafés, des restaurants : les gens y retrouvaient leur petit(e) ami(e), il y avait des artistes, des intellectuels, des activistes... Mais notre quotidien était aussi constitué d'attentats à la bombe, de meurtres et tout a basculé ces trois derniers mois, quand les talibans ont commencé des assassinats ciblés. Deux de nos amies ont été tuées, elles avaient 22 et 23 ans, elles étaient photographe et actrice et ont été tuées dans l'explosion de leur voiture. Tout a changé à ce moment là.

Mohsin, ses amis et sa famille prennent alors conscience qu'ils sont ciblés par les talibans et décident de s'en aller. Sa famille est quelque part en Europe et sa femme l'a accompagné.

La "Renaissance du Rouge" : une série d'œuvres sur le retour des talibans

Il réussit à embarquer à bord de l'un des derniers vols réguliers qui partent de Kaboul, le 12 août. Quelques jours seulement avant la chute de la ville aux mains des talibans le 15 du mois.

Dans sa fuite, il parvient à emporter une partie de ses œuvres, une quarantaine de toiles qu'il protège tant bien que mal dans des emballages en papier : "Ce que vous voyez là représente trois ans de travail... Je suis chanceux d'avoir pu le sauver".

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Gérer mes choix

Diplômé de l'université de Lahore au Pakistan, il entame en 2017 une nouvelle série de peintures pour raconter la violence de son pays, ou plutôt le retour de cette violence.

Après le 11 septembre, on espérait que tout allait changer : le monde s'occupait de nous, la démocratie s'installait, nous allions avoir une vie meilleure. Et ça a été le cas ! Mais à partir des années 2010, du début du retrait des troupes américaines et du retour des talibans, cette violence est revenue, comme avant... J'ai alors commencé une nouvelle série d'œuvres que j'ai appelée "La Renaissance du Rouge" pour raconter cela. Le retour du sang, comme dans toute notre histoire auparavant.

Ses tableaux représentent des silhouettes humaines drapées de rouge, anonymes, souvent courbées et accablées. Dans sa dernière série, il y représente aussi les pays impliquées dans la guerre en Afghanistan : la France, les États-Unis, le Royaume-Uni, l'Iran...

Celui-ci représente la France, avec le drapeau : au premier plan, les victimes apportent leurs morts aux pays impliqués. Ils demandent de l'aide et montrent leurs morts, les victimes d'Afghanistan. Le monde devrait voir ces victimes...

L'une de ces figures pourrait être Mohsin Taasha, aujourd'hui artiste exilé et recueilli en France. Il espère un jour rentrer dans son pays mais n'a qu'une hâte en attendant : travailler sur son art. "Un artiste est là pour explorer", dit-il.

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Mohsin Taasha, artiste afghan en exil à Marseille

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Il fait partie de cette nouvelle génération d'Afghans qui s'est épanouie sans les talibans depuis 2001 et qui a dû fuir pour sauver sa vie en 2021 : photographe et peintre, Mohsin Taasha a trouvé refuge à Marseille, où le Mucem avait exposé son travail il y a deux ans.

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Identité/culture
Exil politique/économique
Migration
Transgression ?

"miroir topographique" qui reprend ta référence à Kevin Lynch.

D'une manière plus générale, ton travail et ta note d'intention laissent supposer un travail plastique au croisement entre la politique, la géographie et la dimension psychologique/identitaire.
Cela me fait penser à la "psychanalyse urbaine" (une notion travaillée par l'ANPU = si tu veux on peut en parler.

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Le modèle (moi-même) se trouve devant de simples feuilles de papier d'aluminium, non des miroirs, alors qu'il tente en vain de se regarder. La perception de son image se réduit à des formes floues. Le modèle se déplace, se meut dans l'espace à la recherche de son identité. Plus le déplacement s'opère, plus une fragmentation apparait. Laissant place à un sentiment de perte, de doute et de fragilité. La dimension d'exil, avec cette illusoire traversée du miroir, est ici abordée.

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L'objet métallique parait être un rocher lourd et solide, mais il n'en est rien. Tel un ballon déformé, il s'agit d'un volume léger et fragile, la suspension pouvant se mouvoir dans l'espace sans force extérieure.

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https://youtu.be/4EPE8G8_xXU

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3ème version de la note d'intention -pour apports théoriques

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3ème version de la note d'intention -pour apports théoriques

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ATTENTION les notes de commentaire n'apparaissent qu'en téléchargeant la PJ

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Commentaire de Mr Derat le 02/11 en bleu en bas

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Commentaire de Mr Derat le 02/11 en bleu en bas

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Correction du 30/10 avec proposition de PLAN -CG

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Correction du 30/10 avec proposition de PLAN -CG

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ATTENTION les notes de commentaire n'apparaissent qu'en téléchargeant la PJ

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A ajouter = Une tension entre fixité-mouvement s'opère dans l'image.

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Littoral, Incendies, Forêts Wajdi Mouawad.

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https://archpapers.com/barbara-kruger-beliefdoubt-i-long-term-installation-to-transform-museums-lower-level/

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The Smithsonian's Hirshhorn Museum and Sculpture Garden has commissioned internationally renowned artist Barbara Kruger to create a site-specific installation for one of the museum's most-visited public spaces. Opening Aug. 20, "Belief+Doubt" (2012) will fill the lower-level lobby and extend into the newly relocated museum bookstore. Approximately 6,700 square feet of surface-including walls, floor and escalator sides-will be covered in text- printed vinyl, surrounding viewers with lettering up to 12 feet high in a high-contrast color scheme of red, white and black.

"Belief+Doubt" speaks to the social relations and networks of power that define daily life. At a time when the value of certitude is taken for granted, Kruger says she is "interested in introducing doubt. " Large swaths of the floor are covered in open-ended questions ("WHO IS BEYOND THE LAW? WHO IS FREE TO CHOOSE? WHO SPEAKS? WHO IS SILENT?"), while the area facing the bookstore explores desire and consumption ("YOU WANT IT. YOU BUY IT. YOU FORGET IT.").

"It's a tremendous opportunity," said Kruger, noting the particular resonance these themes have in Washington, a city preoccupied with power.

"Belief+Doubt" will remain on view through 2014, the year the Hirshhorn celebrates its 40th anniversary. Like the recent presentation of Doug Aitken's "Song 1" on the façade of the museum, Kruger's installation is part of an initiative to activate new sites in and around the Hirshhorn. "Throughout the museum, we are emphasizing the artist's voice," said Richard Koshalek, director of the museum. "In addition, we are committed to curating all of the Hirshhorn's public areas, not only those already thought of as exhibition spaces. Barbara Kruger's work interrogates the way power and money flow in contemporary society. Having her intervene in a part of the building that is at once a social site and a place of commerce amplifies both her concerns and those of the Hirshhorn."

Room-Wrapping Installation by Barbara Kruger I See a time-lapse video of a room-wrapping installation by Barbara Kruger that opens Aug. 20, 2012, at the Hirshhorn Museum in D.C

Assistant Curator Melissa Ho, coordinator of the project, said, "Kruger's command of architectural space and her ability to engage an audience amidst busy, lived experience make her the ideal artist to work with this site. 'Belief+Doubt' takes advantage of the constant movement through the lobby. As visitors descend the escalators, they are surrounded by language that beckons from all sides but only fully reveals itself as they pace and circulate through the entire space."

In the 1980s, Kruger's work helped bring photographic illustration and the techniques of mass media into the mainstream of contemporary art. Her signature photomontages, in which images from old books and magazines are emblazoned with banners of text designed to complicate the original meaning of the pictures, are some of the decade's defining artworks. Kruger built on her early experience as a magazine photo editor and designer and book jacket designer to reconceive conceptual art as a vibrant public discourse by endowing it with a provocative visual identity and graphic punch. A profound influence not only on the development of visual art but also on movements in graphic design and street art, her work has moved fluidly between white-cube galleries and urban spaces, being equally at home printed on matchbooks, T-shirts, billboards, shopping bags, magazine covers and the sides of buses.

Since the 1990s, Kruger has focused increasingly on creating environments that encompass the viewer in language, either through sound and video projection or, as at the Hirshhorn, the enclosure of a space with text. In recent years, her site-specific vinyl installations have been mounted at the Schirn Kunsthalle in Frankfurt, the Stedelijk Museum in Amsterdam and the Los Angeles County Museum of Art. Her room-sized multichannel video work "The Globe Shrinks" (2010) has been shown in Berlin, New York, London and Los Angeles. In 2005, Kruger was awarded the Golden Lion for Lifetime Achievement at the 51st Venice Biennale.

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Barbara Kruger: Belief+Doubt I Long-Term Installation to Transform Museum's Lower Level | ArchPAPERS

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"Belief+Doubt" speaks to the social relations and networks of power that define daily life. At a time when the value of certitude is taken for granted, Kruger says she is "interested in introducing doubt. " Large swaths of the floor are covered in open-ended questions ("WHO IS BEYOND THE LAW?

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Barbara Kruger, l'artiste qui transforme l'espace public

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Barbara Kruger, l'artiste qui transforme l'espace public

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https://fahrenheitmagazine.com/arte/visuales/barbara-kruger-artista-transformadora-espacio-publico

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Barbara Kruger, la artista que transforma el espacio público

Hace un tiempo quizá viste el metro Bellas Artes lleno de enormes frases verdes y blancas que criticaban la violencia. Pues lo que viste era , una instalación de Barbara Kruger.

Barbara es una diseñadora y artista conceptual que trabaja con la palabra. Sus provocadoras frases han llenado museos, galerías y calles, siempre para incomodar al sistema y criticar a la sociedad de consumo.

Preguntas que no deberían preguntarse

Su obra sacude los estereotipos de la sociedad, cuestionando al poder y los regímenes de representación. Feminismo, consumismo, clasismo y deseo son sus temas principales.

Al inicio de su carrera, Kruger utilizaba imágenes de la publicidad, el cine y la televisión para plantear sus mensajes. Tiempo después se dio cuenta de que el poder está en la palabra y más si esta se coloca dónde nadie se la espera.

Sus cuestionamientos ( instalaciones de sitio específico) han invadido las calles de Los Ángeles, Buenos Aires, Ciudad de México y Nueva York, así como diferentes museos alrededor del mundo.

En la Ciudad de México, Empatía pretendía generar una conciencia colectiva en los usuarios del Metro. Las frases "¿Quién muere primero?", "Bastante debería ser suficiente", "De quién el miedo", "En la violencia olvidamos quienes somos", llenaron los pasillos del transbordo entre las líneas 2 y 8 del STM.

Otra de sus obras es "El idealismo ciego es mortal", frase que Kruger colocó en el parque High Line en Nueva York. Se trata de una reinterpretación de una frase del filósofo Frantz Fanon de la que la artista tachó algunas palabras.

Por otro lado, en Buenos Aires la artista se solidarizó con el movimiento de mujeres. "No puedes vivir sin nosotras. Poder, placer, propiedad, igualdad, empatía, independencia, duda, creencia, mujeres. ¿Quién posee qué?". Kruger colocó esta frase en los viejos silos de Puerto Madero, justo detrás de un parque dedicado a la lucha femenina.

Barbara Kruger quiere desatar en nosotros una reflexión personal acerca de c ómo la cultura nos construye y nos contiene.
¿Qué nos hace lo que somos en el mundo?

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Barbara Kruger, la artista que transforma el espacio público

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Barbara Kruger, la artista que transforma el espacio público Hace un tiempo quizá viste el metro Bellas Artes lleno de enormes frases verdes y blancas que criticaban la violencia. Pues lo que viste era Empatía, una instalación de Barbara Kruger. Barbara es una diseñadora y artista conceptual que trabaja con la palabra.

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Sentiment d'identité (Sense of Self) - Planche 4

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Sentiment d'identité (Sense of Self) - Planche 4

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virgule à rapprocher = je suis partie, mais je suis toujours là.

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... une identification visuelle du modèle. (à la place de la personne)

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légende : Croquis d'après modèle vivant, mine de plomb et fusain sur papier, 42 x 30 cm

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Jan Dibbets : Couleur Terre Mer, Londres

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Jan Dibbets : Couleur Terre Mer, Londres

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https://aestheticamagazine.com/jan-dibbets-land-sea-colour-london/

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Land Sea Colour is a solo exhibition by Dutch artist, Jan Dibbets, examining his focus on Land-Sea horizons and Colour Studies. Running until 20 April at the Alan Cristea Gallery, London, the show exposes Dibbets role as a pioneer of conceptualism in the 1960s. As one of the first to question the traditional perceptions of the photographic image, his work seeks to deconstruct the role of the camera as simply a mechanical tool whose primary function is to capture three-dimensional images to be printed onto a two-dimensional surface.

Dibbets approaches photography from an artistic angle, perceiving it as a versatile and complex medium which can be manipulated to create abstraction, figuration and directly challenge the ideas surrounding how pictorial space is portrayed and viewed. His early work utilised multiple fragments of images of land and seascapes, which he then collaged together to produce new illusory horizons. This unique subject remains at the heart of the majority of his work and the exhibition at the Alan Cristea Gallery will exhibit one of these early pieces of work in the UK for the first time outside of a museum.

There will also be more recent work on display, including two portfolios of photographs in which, by tilting his camera a few degrees at a time to create an incline, Dibbets presents images of land and sea pitched at different horizon levels, from 0 degrees to 135 degrees. In taking photos in such a way, he emphasises the role of the horizon as both the structuring principle of the photograph and as a subjective element, vulnerable to manipulation by the artist. These will be accompanied by an entirely new body of work entitled Land-Sea Horizons, a series of photo-collages, each of which juxtaposes a land and a sea horizon, morphing them into a single image.

Jan Dibbets: Land Sea Colour, until 20 April, Alan Cristea Gallery, 31 & 34 Cork Street, London, W1S 3NU.

Credits
1. Little Comet 9° - 81°, Sky·Sea·Sky, 1973 Colour photographs in nine plexi boxes Overall 236.5 x 153.5 cm © Jan Dibbets. Courtesy the artist and Alan Cristea Gallery, London.
2. Land 135°, 2009 From a series of ten photographs taken in 1972 and printed in 2009 on Fujicolor Crystal Archive Matt paper, contained within a portfolio designed by the artist. Paper and Image 60.0 x 60.0 cm (each photograph) Portfolio 64.0 x 64.0 cm Edition of 25 © Jan Dibbets. Courtesy the artist and Alan Cristea Gallery.

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Aesthetica Magazine - Jan Dibbets: Land Sea Colour, London

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Land Sea Colour is a solo exhibition by Dutch artist, Jan Dibbets, examining his focus on Land-Sea horizons and Colour Studies. Running until 20 April at the Alan Cristea Gallery, London, the show exposes Dibbets role as a pioneer of conceptualism in the 1960s.

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https://www.moma.org/collection/works/193265

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Jan Dibbets, Harry Shunk, János Kender. Untitled. 1971 | MoMA

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Jan Dibbets with Harry Shunk, János Kender. Untitled. 1971. Harry Shunk, János Kender. Gelatin silver prints on board. 20 × 26″ (50.8 × 66 cm). Gift of the Roy Lichtenstein Foundation in honor of Jennifer Winkworth and Kynaston McShine and in memory of Harry Shunk and János Kender. 475.2015. © 2021…

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Gauguin, Where do we come from? What are we? Where are we going? (article) | Khan Academy

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Iconicité  :
Exil, déplacement, corps, identité culturelle, identité feminine, terre natale, suspendu dans le temps, suspendu dans l'espace, incertitude, naitre autrement ailleurs, le quotidien

Composantes plastiques :
Peinture(Acrylique, Gouache), Couleurs primaires, Couleurs vives, Abstrait, Collage, surface/profondeur, proche/lointain

Notions /enjeux  : question(s) d'espace; l'ici et ailleurs; temps et suspension; sujets de société/sujets politiques; art et engagement; identité culturelle / naître autrement ailleurs; la question de la perte

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expérimentations / bilan (colle du 11/10-JR)

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expérimentations / bilan (colle du 11/10-JR)

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- matérialité : série photographique + 2 portraits à la gouache + collage de journaux peints
- champ iconique : miroir et reflets, portraits, journaux
- champ plastique : espace dédoublé / portraits constitués d'aplats, de contours simplifiés et d'éléments collés / lettrages sur journaux
- champ sémantique : exil et questionnement identitaire, multiculturalisme, regard sur soi et sur le monde, statut de l'artiste

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Les "constellations" de Bouchra Khalili (colle du 11/10-JR)

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Les "constellations" de Bouchra Khalili (colle du 11/10-JR)

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comment raconter l'histoire ? comment l'arracher au pouvoir et se l'approprier, avec la distance de l'espace et du temps ?

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Le Jeu de Paume consacre une importante exposition à l'artiste franco-marocaine Bouchra Khalili (Casablanca, 1975). Le travail de l'artiste en film et installation vidéo, photographie et sérigraphie, s'organise autour de plateformes mises en œuvre par l'artiste depuis lesquelles des membres de minorités performent leurs stratégies de résistances face à l'arbitraire du pouvoir.

À travers ses propositions artistiques, Bouchra Khalili articule récits singuliers et histoire collective
interrogeant les relations complexes entre subjectivité et prises de position civique pour penser une communauté à venir. " Blackboard ", son exposition personnelle au Jeu de Paume réunit, pour la première fois en France, une sélection d'œuvres de ces dix dernières années.

Au fil de l'exposition sont présentées The Seaman (2012), récit d'un marin philippin méditant sur les mécanismes du commerce mondialisé depuis sa perspective de travailleur en perpétuel exil,
The Mapping Journey Project (2008-2011) et The Constellations Series (2011), cartographie alternative de huit voyages forcés en Méditerranée, The Speeches Series (2012-2013), trilogie de vidéos - Mother Tongue, Words on Streets et Living Labour -, faisant dialoguer différentes formes d'appartenance : communauté linguistique, citoyenne et identification à la classe ouvrière.

À travers le corpus Foreign Office, composé d'un film, d'une série de photographie et d'image en sérigraphie, Khalili revient sur la décennie 1962-1972, pendant laquelle Alger a accueilli des mouvements de libération d'Asie, d'Afrique, d'Amérique latine, des États-Unis ainsi que des organisations antifascistes européennes, questionnant les modalités narratives et visuelles d'une transmission d'une histoire des utopies.

La série de photographies Wet Feet réalisée en 2012 à Miami s'attache aux traces laissées par les déplacements des exilé.e.s qui ont réussi à gagner l'Amérique par la Floride. Présentée pour la première fois à la documenta 2017, The Tempest Society, œuvre clé dans le travail de l'artiste, propose la synthèse d'une réflexion entamée de longue date autour de la question de l'égalité radicale et de l'art comme espace civique.

Le nouveau film de l'artiste, Twenty-Two Hours, est présenté pour la première fois en France
au Jeu de Paume. Il revient sur l'engagement de Jean Genet auprès des Black Panthers et sur la
relation essentielle que l'écrivain n'a cessé de tisser dans les vingt dernières années de sa vie, entre
poésie, émancipation collective et solidarité envers les proscrits et les " ennemis déclaré·e·s " de l'ordre social.

Commissaires : l'artiste, Juan Antonio Álvarez Reyes et Marta Gili.

Exposition coproduite par le Jeu de Paume, Paris et le CAAC - Centro Andaluz de Arte Contemporáneo, Séville.

Partenaires médias : A NOUS PARIS, Artpress, Courrier International, Libération, Arte, Radio Nova

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Le Jeu de Paume consacre une importante exposition à l'artiste franco-marocaine Bouchra Khalili (Casablanca, 1975). Le travail de l'artiste en film et installation vidéo, photographie et sérigraphie, s'organise autour de plateformes mises en œuvre par l'artiste depuis lesquelles des membres de minorités performent leurs stratégies de résistances face à l'arbitraire du pouvoir.

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> particulièrement les photo-collages : pour la perspective instable, le point de vue flottant

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En bref

Mondialement connu pour ses Pool Paintings et surtout son Bigger Splash (1967), David Hockney (1937 - ) produit depuis les années 1950 une œuvre solaire et hédoniste à la croisée du pop art et de l'hyperréalisme. L'artiste anglais puise son inspiration aussi bien chez Vermeer, Fra Angelico que Matisse ou Picasso. Intéressé par tous les procédés de fabrication de l'image, il n'hésite pas à utiliser la technologie (fax, photocopieur ou iPad...) et à jouer de la perspective pour renouveler sa peinture. Il a également publié plusieurs ouvrages théoriques notamment sur la technique des maîtres anciens. C'est un des plus grands artistes figuratifs vivants.

Il a dit

" À partir du moment où vous trichez par égard pour la beauté, vous savez que vous êtes un artiste. "

Sa vie

David Hockney est né en 1937 à Bradford, dans une famille modeste de cinq enfants. Dans cette ville industrielle du nord de l'Angleterre, il étudie les Beaux-Arts entre 1953 et 1956, avant d'intégrer le prestigieux Royal College of Art de Londres en 1959. Il est profondément marqué par la rétrospective Picasso, présentée à la Tate Gallery durant l'été 1960. " Picasso pouvait maîtriser tous les styles. La leçon que j'en tire, c'est que l'on doit les utiliser tous ", en conclut-il.

En 1964, il quitte son Angleterre grise et puritaine, où l'homosexualité est encore illégale, pour le soleil de la Californie. Sa peinture s'imprègne de la lumière éblouissante de Los Angeles et de son mode de vie hédoniste. Hockney devient le chroniqueur de cette vie cool - un des mots-clés de l'époque. Il troque la peinture à l'huile et les pinceaux pour l'acrylique et le rouleau, et réalise, dès son arrivée, plusieurs tableaux inspirés du magazine homo-érotique Physique Pictorial. La série des Pool Paintings fera ensuite sa célébrité.

À partir de 1968, Hockney se lance dans une série magistrale de doubles portraits inspirés de ses proches, affirmant sa constante fascination pour la nature humaine. Ces œuvres sont également hantées par les maîtres qu'il admire : Vermeer, Balthus ou Hopper. Très vite, le sujet essentiel devient la relation psychologique qui unit les protagonistes.

Au début des années 1970, Hockney se retrouve, de son propre aveu, dans une impasse artistique et cherche un nouveau souffle. Il renoue avec la photographie, à laquelle il s'intéresse depuis les années 1960, et crée des " joiners ", assemblage d'une multitude de clichés pris selon différents points de vue. Il réinterprète ainsi les leçons cubistes de Picasso, et compose des portraits ou des paysages réalisés à l'aide d'un appareil Polaroïd.

Hockney approfondit sa réflexion sur la perspective classique et les moyens de s'en affranchir. Il intègre, au début des années 1980, la " perspective inversée " dans des paysages enveloppants : le point de fuite est derrière le spectateur et tout le tableau converge vers lui. S'inspirant des rouleaux de la peinture chinoise, l'artiste recrée les impressions successives d'un spectateur en mouvement. Le tableau synthétise alors l'ensemble de ces sensations.

En 1986, le peintre anglais décide d'utiliser une photocopieuse couleur laser. Il tente ainsi de lutter contre l'idée absurde de l'obsolescence supposée de la peinture, s'emparant des nouvelles technologies pour les mettre au service de son art. Il poursuit avec le fax (1989), l'ordinateur (1990), la palette graphique (2008), l'iPhone (2010), l'iPad (2011), et plus récemment la caméra haute résolution.

À lire aussi : David Hockney addict aux technologies

Ses œuvres clés
A Bigger Splash, 1967
Sans doute son œuvre la plus iconique. Hockney livre ici une vision idéale de la Californie de la fin des années 1960. L'image s'inspire d'une publicité vue dans un magazine consacrée aux piscines...D'une grande rigueur géométrique, que seul le splash vient troubler, l'image confine à l'abstraction. Le plongeoir jaune du premier plan donne toutefois l'idée de profondeur. Le tableau est bordé d'un cadre clair à la manière d'un Polaroïd que l'artiste commence alors à utiliser.
Portrait d'un artiste (Piscine avec deux personnages), 1972
Ce tableau profondément sentimental, Hockney le peint peu avant sa rupture avec Peter Schlesinger. Ce dernier regarde un jeune homme en train de nager : l'artiste donne à son amant la place qu'il se réserve habituellement. L'œuvre est née de deux photographies prises par Hockney, l'une d'un nageur dans une piscine, l'autre de Peter, immobile, fixant le sol. Après une première version en 1971, qu'il abandonne, il revient à son sujet après une nouvelle série de photographies prises par le réalisateur Tony Richardson lors d'un séjour en France, qui lui permet de trouver une solution à son problème de perspective.
Pearblossom Hwy., 11-18th April 1986, #1, 1986
" J'ai réalisé Pearblossom Hwy, lorsque Vanity Fair m'a demandé d'illustrer un article de mon ami Gregor Von Rezzori retraçant le voyage de Humbert Humbert à la recherche de Lolita. C'est mon dernier photocollage et, sans aucun doute, le plus pictural de tous ceux que j'ai exécutés. Il m'a fallu neuf jours pour prendre les photographies et deux semaines pour les assembler. Je le considère comme ma réponse panoramique à la perspective orientée vers un point unique. " Hockney a retenu ici la leçon du cubisme selon laquelle l'œil ne peut saisir un point focal unique.
Henry Geldzahler and Christopher Scott, 1969
En 1968, Hockney se lance dans une série de doubles portraits de ses proches (amis, parents, collectionneurs...). Ces œuvres portent l'empreinte des maîtres qu'il admire : Vermeer, Balthus, Hopper... Ici, il représente assis Henry Geldzahler, historien et commissaire d'exposition, avec son petit ami Christopher Scott.
Garden, 2015-2016
Dans une palette vive et lumineuse, Hockney peint sur le motif. Ici, son jardin de Santa Monica, depuis sa terrasse à la végétation luxuriante, qui n'est pas sans rappeler Matisse.

de Jack Hazan

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Autant inspiré par les maîtres anciens que par les nouvelles technologies - comme le montre la nouvelle exposition du musée de l'Orangerie, "David Hockney. A Year in Normandie" - David Hockney est l'auteur d'une œuvre solaire, imprégnée de l'hédonisme californien.

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https://beauxartsparis.fr/fr/admission/entree-encours-etude

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Les inscriptions pour l'admission en cours d'études sont closes pour la rentrée 2021/22

Conditions de candidature

Les candidats, pour pouvoir se présenter en cours d'études, doivent pouvoir justifier de la validation de deux années d'études supérieures, quel qu'en soit le domaine, soient 120 ECTS minimum.

Pour se présenter, les candidats doivent avoir validé 2 années d'études supérieures, à la date de leur inscription aux épreuves. Ces deux années peuvent avoir été validées dans un même cursus, ou 2 cursus différents.

Vous pouvez postuler dans l'année supérieure à celle dans laquelle vous êtes inscrit aujourd'hui, sous réserve de sa validation avant la rentrée scolaire 2021-2022. Votre année d'admission sera déterminée par le jury en fonction de votre niveau d'études et de votre dossier artistique. Le choix de votre année sur la plateforme Taïga est un souhait adressé au jury. Le jury est souverain quant à votre année d'affectation.
Les crédits seront reconnus dans les cas suivants s'ils ont été obtenus :
1. en France dans le cadre d'un enseignement suivi :

soit dans un établissement d'enseignement supérieur public

soit dans un établissement supérieur privé à condition que cet établissement ait été reconnu par l'État ou que le cycle d'études suivi par le candidat dans cet établissement soit sanctionné par un titre inscrit au registre national des certifications professionnelles (RNCP)

2. dans un État membre de l'Union européenne ou de l'Espace économique européen, la Confédération suisse, à Monaco ou en Andorre.

3. En ce qui concerne les diplômes et crédits obtenus hors des pays membres de l'Espace européen de l'Enseignement supérieur, ces derniers feront l'objet d'un contrôle de leur comparabilité avec les diplômes français et les crédits européens.

Les candidats ne remplissant pas ces critères peuvent intégrer une demande de dérogation à leur dossier, à la condition impérative de pouvoir justifier d'une expérience professionnelle qualifiée d'au moins vingt-quatre mois.

Procédure de candidature

Les candidats doivent obligatoirement se préinscrire sur la plateforme Taïga entre le 1er et le 28 février 2021.

Le dossier artistique est dématérialisé, et est transmis via la plateforme Taïga en même temps que le dossier administratif.
Les candidats seront notifiés par mail de la validation administrative ou non de leur candidature avant le 31 mars.
Attention : vous ne devez soumettre qu'une seule candidature, les dossiers en doublon ne seront pas traités, et aucun remboursement ne sera accordé.

Phase d'admissibilité : Seuls les candidats dont le dossier administratif est recevable verront leur dossier artistique examiné par le jury.

Les résultats seront communiqués sur le site des Beaux-Arts de Paris le 20 avril.
Composition du dossier :

Au format PDF uniquement

La taille maximale du dossier est fixée à 20 mo en un seul et unique document. Pour les travaux vidéos/films ou installations numériques seuls les liens insérés dans le fichier PDF seront autorisés. Les candidats veilleront à ce que les plateformes de stockage et de diffusion de leurs vidéos soient accessibles sur tous les systèmes d'exploitation.

Phase d'admission : les oraux sont organisés sur place, à l'École, du 17 au 21 mai. Les résultats seront communiqués aux candidats directement par mail le 28 mai

Aménagements spécifiques pour les candidats résidant à l'étranger :

Les entretiens des candidats résidant à l'étranger se dérouleront en visioconférence. Veillez à joindre un justificatif de domicile ou de scolarité à l'étranger à votre dossier d'inscription. Aucune demande a posteriori ne pourra être prise en compte.

Pour toute question, veuillez consulter la FAQ ou envoyer un email à admission@beauxartsparis.fr

Crédit photo : Adrien Thibault

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Les inscriptions pour l'admission en cours d'études sont closes pour la rentrée 2021/22 Conditions de candidature Les candidats, pour pouvoir se présenter en cours d'études, doivent pouvoir justifier de la validation de deux années d'études supérieures, quel qu'en soit le domaine, soient 120 ECTS minimum.

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Photographies mais aussi vidéos, installations, peintures, le MAC/VAL à Vitry-sur-Seine présente toutes les facettes de l'œuvre poétique de l'artiste franco-palestinien Taysir Batniji, qui raconte l'exil, la quête d'identité, la disparition, l'impermanence.

Temps de lecture : 8 min

Taysir Batniji, "sans titre", 1998 (actualisation 2021). Valise, sable. Vue de l'exposition "Quelques bribes arrachées au vide qui se creuse", MAC VAL 2021. (Photo © Aurélien Mole. © Adagp, Paris 2021.)

Une oeuvre ancrée dans le réel mais qui le transcende avec poésie, tendant à l'universel, celle de Taysir Batniji, né à Gaza et vivant à Paris, est présentée au MAC/VAL à Vitry-sur-Seine. L'exposition, prête depuis deux mois, ouvre enfin ses portes (du 19 mai au 9 janvier 2022).

Dans le hall du MAC/VAL, des photos couvrent le mur qui mène vers l'exposition. Un "journal intime" comme Taysir Batniji en a fait à Gaza. Mais celui-ci a été réalisé ailleurs, à Paris où vit l'artiste. Des photos de sa femme et de ses enfants. Un portrait de lui avec sa mère posé sur un meuble. Des trousseaux de clés qui symbolisent l'exil des Palestiniens, comme ceux emportés par les réfugiés de 1948 quand ils ont dû quitter leurs maisons. Un puzzle qui symbolise le morcellement, souligne Julien Blanpied, co-commissaire de l'exposition. Et puis des portes verrouillées qui évoquent l'enfermement. L'enfermement "à l'extérieur".

Pourtant cette exposition n'est pas une exposition de photographie. S'il est plus connu pour son travail de photographe, Taysir Batniji était peintre au départ et il aborde une quantité d'autres médiums : l'installation, la vidéo, la peinture, la sculpture. Le MAC/VAL lui offre sa première rétrospective muséale de 25 ans de travail, une quarantaine d'oeuvres de 1997 à 2021, qui révèle tous ces aspects d'une œuvre poétique et puissante.

Nationalité "undefined"

Taysir Batniji est né à Gaza en 1966, quelques mois avant la guerre des Six-Jours. Il y est resté jusque dans les années 1990, et a étudié à l'école des Beaux-Arts de Naplouse, en Cisjordanie. Quand il a pu voyager, après les accords d'Oslo, il est allé à Naples en 1993, puis à l'école de Bourges en 1994, avant de s'installer à Paris. Depuis 2012, il n'a pas pu rentrer chez lui. Il est très difficile d'entrer ou sortir de Gaza et il n'a pas pu se rendre aux obsèques de sa mère en 2017.

Si son travail est ancré dans son expérience et dans la réalité des Palestiniens, c'est à une dimension bien plus large et universelle qu'il aspire. Sur des sujets comme l'enfermement, l'inachevé, l'évanescence, le memento mori, l'impermanence des situations, le mouvement, l'exil et l'entre-deux. "Je crois que mon travail s'adresse à tous, sans distinction", dit-il dans un entretien publié dans le catalogue de l'exposition.

L'exposition s'ouvre sur son travail le plus documentaire, ID Project (1993-2020), un ensemble de fac-similés de papiers d'identité qui racontent le parcours administratif de l'artiste, depuis Gaza jusqu'à l'obtention de la nationalité française en 2012. En commençant par le document de voyage délivré par les autorités israéliennes. Sa nationalité est "undefined" (indéfinie), y est-il inscrit. Il a aussi un passeport délivré par l'Etat palestinien, l'Etat d'un pays qui n'existe pas. "Il ne m'est pas possible d'indiquer Palestine comme pays de naissance, cette dénomination n'étant plus utilisée pour les événements survenus à partir du 13 mai 1848", lui écrit un agent de l'administration quand il demande la nationalité française. Comment construire son identité avec une nationalité indéterminée, c'est la question que pose cette œuvre. Undefined, c'est aussi le titre d'un autoportrait qui s'efface (1997).

La photographie, un médium qui touche la réalité

Taysir Batniji a donc commencé comme peintre. Mais "à Gaza et à Naplouse, il n'y avait pas de références très actuelles sur ce qui se passe sur la scène mondiale de l'art contemporain. On était limités à une vision de l'art très académique", nous raconte-t-il. C'est à Bourges qu'il a découvert l'art contemporain et qu'il s'est dirigé vers une pratique pluridisciplinaire et conceptuelle, où la peinture était "un médium comme les autres". Il a réutilisé des toiles de ses débuts, les a roulées et a inscrit dessus Inflammable, pour évoquer la puissance subversive de l'art.

A la fin des années 1990, il commence à s'intéresser à la photographie. "J'étais tout le temps en déplacement, je n'avais pas d'atelier, un lieu propre pour travailler. La photo s'est révélée très pratique. Et puis la photographie me permettait d'être proche du réel. Et j'avais besoin dans mon travail de toucher la réalité. Mais je n'ai pas la démarche d'un photographe au sens traditionnel du terme", explique l'artiste.

Le médium n'est pas l'important

Ce n'est pas forcément lui qui fait les photographies. Pour Watchtowers, une de ses premières séries, un clin d'oeil aux images de photographies de bâtiments industriels de l'illustre couple allemand Bernd et Hilla Becher, il a demandé à un ami de prendre les photos de miradors israéliens, images volées, parfois floues, cadrées rapidement, beaucoup moins figées et froides que celles des Becher. Pour GH08-09 (Gaza Houses 2008-2009), projet à l'humour grinçant, ce n'est pas lui non plus qui a fait les images. Pendant l'opération militaire israélienne "Plomb durci", qui a fait de nombreux morts palestiniens, quantité de maisons ont été détruites. L'artiste présente une vingtaine d'images de maisons bombardées à la façon d'une annonce immobilière, avec un texte décrivant le logement tel qu'il était auparavant.

"Les photos des annonces immobilières, j'étais dans l'impossibilité de les faire moi-même. Mais l'important c'était d'avoir les photos, peu importe qui les avait faites", dit-il.

La photographie et son support ou le médium en général, n'est pas l'important. Taysir Batniji dit qu'il n'est pas dans la sacralisation du médium. L'important, "c'est ce qu'il me permet de faire". Il travaille aussi à partir de photographies existantes. Quand son frère a été tué sous ses yeux par un sniper israélien, il a utilisé son album de mariage, réalisant des images gravées presque indécelables sur du papier blanc. Il a aussi travaillé à partir des photos des "martyrs", les femmes, les hommes et les enfants tués par l'armée au début de la seconde Intifada, placardées sur les murs de Gaza. Il en a tiré des images évanescentes, et un grand tableau dans les noirs et les gris, où les visages apparaissent et disparaissent à mesure qu'on se déplace.

Un travail à l'aune du corps de l'artiste

Le sable est un motif récurrent. "Le sable est à l'origine de tout et tout finit en sable", souligne Julien Blanpied. Comme celui d'Israël et celui de la Palestine, ces "deux petits lopins de terre", et aussi celui de tout le Moyen-Orient. Le sable qu'évoque le jaune de Frontière (1998), une toile couverte d'acrylique coupée en deux par une ligne. Le sable transporté dans une valise ( Sans titre, 1998), différente à chaque exposition. Ou figé dans un sablier posé à l'horizontale ( Suspended Time, 2006). Dans la vidéo Voyage impossible (2002) enfin, où Taysir Batniji se met en scène déplaçant avec une pelle le sable d'un tas pour en alimenter un autre, comme dans un geste absurde, sisyphéen, qu'il effectue jusqu'à l'épuisement.

"Le travail de Taysir n'est pas du tout un travail monumental, une superproduction comme on peut en voir dans l'art contemporain. C'est quelque chose qui est toujours réalisé à l'aune de soi, de son corps, une façon de récupérer son existence, de prouver qu'il existe", commente Julien Blanpied.

"No Condition Is Permanent"

Comme dans cette installation, Hannoun, qui parle de l'atelier de Gaza, celui où il n'a pas pu retourner. Au fond d'une cellule ouverte, une grande photo de l'atelier. Au sol des copeaux de crayon, qui évoquent les coquelicots repoussant sur un champ de bataille. "J'ai passé quatre jours entiers à tailler des crayons. C'est un moment de recueillement, douloureux parfois : on a des ampoules, mal au bras, par moments on n'en voit pas la fin", nous raconte Taysir Batniji. La chute des copeaux doit être aléatoire et en même temps il ne faut pas faire des tas. Et on ne peut pas revenir en arrière vers le fond de l'espace. "Ça demande beaucoup de concentration."

Les copeaux, c'est aussi un souvenir d'enfance, où il n'en finissait pas de tailler un crayon pour repousser le moment où il faudrait recopier des lignes et des lignes pour apprendre ses leçons.

Pourtant, tout espoir n'est pas interdit, semble dire avec humour l'artiste, qui se filme, une caméra à bout de bras, tournant sur lui-même au son de I Will Survive de Gloria Gaynor ( Me 2, 2003). Car "aucune condition n'est permanente", rien ne durera toujours, dit une installation en forme de tas de savons sur lesquels est inscrite cette phrase en arabe. Un tas amené à disparaître car chaque visiteur peut emporter un savon, destiné lui-même à être anéanti par l'eau ( No Condition Is Permanent, 2014).
Taysir Batniji, "Quelques bribes arrachées au vide qui se creuse"Du 19 mai 2021 au 9 janvier 2022.

Place de la Libération, 94400 Vitry-sur-Seine. Le nouveau tramway T9 vous dépose au pied du musée, depuis la porte de Choisy.

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L'œuvre poétique de Taysir Batniji, un artiste palestinien qui évoque l'exil, la quête d'identité, la disparition, au MAC/VAL à Vitry-sur-Seine

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Photographies mais aussi vidéos, installations, peintures, le MAC/VAL à Vitry-sur-Seine présente toutes les facettes de l'œuvre poétique de l'artiste franco-palestinien Taysir Batniji, qui raconte l'exil, la quête d'identité, la disparition, l'impermanence.

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"figure de l'absence"-bilan / colle du 27/09 (PJJ)

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"figure de l'absence"-bilan / colle du 27/09 (PJJ)

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- Matérialité: Photographie d'une peinture grand format présentée sur le mur d'une cage d'escalier d'un immeuble à Beyrouth
- Champ iconique : Représentation d'un arbre qui reprend le symbole du Liban (le cèdre) dont la partie droite est constituée de nom de victime à la place des branches. Accrochage en hommage aux victimes libanaises de l'explosion du 4 aout à Beyrouth
- champ plastique : installation, le rapport mur/sol, In Situ
- champ sémantique : l'engagement politique, la forme symbolique, l'In situ comme moyen de questionner le lieu et ses habitant

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Ernest Pignon Ernest, Les expulsés (1977) - colle du 27.09 (PJJ)

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Ernest Pignon Ernest, Les expulsés (1977) - colle du 27.09 (PJJ)

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Barbara Kruger, l'artiste féministe contemporaine du XXe siècle

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Barbara Kruger, l'artiste féministe contemporaine du XXe siècle

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Barbara Kruger, l'artiste féministe contemporaine du XXe siècle

ArtWizard 16.03.2020
"L'art des femmes, l'art politique - ces catégorisations perpétuent un certain type de marginalité à laquelle je résiste. Mais je me définis absolument comme une féministe." Barbara Kruger
Barbara Kruger est une artiste conceptuelle américaine influencée par le mouvement féministe de son temps. La plupart de son travail consiste en photographies en noir et blanc, superposées avec une légende déclarative. Les phrases de ses œuvres incluent souvent des pronoms tels que "vous", "votre", "je", "nous" et "ils", abordant les constructions culturelles du pouvoir, de l'identité et de la sexualité. Kruger vit et travaille à New York et Los Angeles et est professeur à la UCLA School of the Arts and Architecture.

L'artiste est né en 1945, à Newark, New Jersey. Elle a passé un an à l'Université de Syracuse en 1964 et un semestre à la Parsons School of Design de New York en 1965, où elle a étudié avec Diane Arbus et le graphiste Marvin Israel. En 1966, elle travaille dans le département de design du magazine Mademoiselle en tant que designer en chef. Pendant la décennie suivante, Kruger s'est appuyée sur la conception graphique de magazines, la conception de jaquettes de livres et la retouche d'images indépendante. À la fin des années 1960, elle a développé un intérêt pour la poésie, assistant aux lectures et à l'écriture.

Les premières œuvres de Kruger datent de 1969. De grandes tentures murales tissées en fils, perles, paillettes, plumes et rubans, elles illustrent la récupération féministe de l'artisanat pendant cette période. Parmi ses pièces les plus célèbres figurent "Je fais mes achats, donc je suis" 1987 et "Ton corps est un champ de bataille" 1985. Informé par le féminisme, le travail de Kruger critique le consumérisme et le désir, et est apparu sur des panneaux d'affichage, des affiches et dans les parcs publics, la gare, des plates-formes et d'autres espaces publics.

Barbara Kruger, Untitled (I shop therefore I am), 1987 Barbara Kruger, Untitled (Your body is a battleground), 1989
L'artiste a également travaillé sur des installations spécifiques composées de vidéo, film, audio et projection. Malgré son inclusion à la Biennale de Whitney en 1973 et ses expositions personnelles en 1974 et 1975 à Artists Space et à la Fischbach Gallery de New York, elle était insatisfaite de son présent en tant qu'artiste et de son détachement de ses préoccupations sociales et politiques croissantes. À l'automne 1976, Kruger a abandonné la création artistique et s'est installée à Berkeley, en Californie, où elle a enseigné à l'Université de Californie pendant quatre ans et s'est imprégnée des écrits de Walter Benjamin et Roland Barthes.

Plus tard, l'artiste a développé un intérêt pour la photographie et en 1977, elle a produit plusieurs séries de détails en noir et blanc d'extérieurs architecturaux associés à ses propres expressions textuelles du féminisme.

En 1979, Kruger a cessé de prendre des photos et a commencé à utiliser des images trouvées dans son art, principalement de sources médiatiques américaines du milieu du siècle, avec des mots utilisés comme collage et placés sur les images. Quelques exemples de tels collages sont le "Untitled (Perfect)" 1980, dépeignant le torse d'une femme, les mains jointes dans la prière, évoquant la Vierge Marie, et symbolisant l'incarnation de la féminité soumise. Ces premiers collages, dans lesquels Kruger a déployé des techniques qu'elle avait perfectionnées en tant que graphiste, ont inauguré les provocations et commentaires politiques, sociaux et surtout féministes de l'artiste sur la religion, la sexualité, les stéréotypes raciaux et de genre, la société de consommation et la culture.

Au début des années 1980, Kruger a perfectionné un style de propagande caractéristique, en utilisant des images photographiques en noir et blanc recadrées à grande échelle avec des barres de texte rouges. L'inclusion de pronoms personnels dans des œuvres comme " Untitled (Your Gaze Hits the Side of My Face) " ,1981, implique les téléspectateurs en confondant toute notion claire de qui parle. Ces œuvres matures rigoureusement composées fonctionnent avec succès à toutes les échelles. Leur large diffusion (sous la supervision de l'artiste), sous forme de parapluies, de sacs fourre-tout, de cartes postales, de tasses, de T-shirts, d'affiches, etc., brouille les frontières entre art et commerce et attire l'attention sur le rôle de la publicité en public débat.
Barbara Kruger, Untitled (Money can buy you love), 1985
En 1990, Barbara Kruger a scandalisé la communauté américano-japonaise de Los Angeles, avec sa proposition de peindre une partie du drapeau national américain, accompagnée de quelques questions provocantes.

Après ce projet, elle a étendu ses recherches esthétiques dans l'art, en créant des installations publiques de son travail dans des galeries, des musées, des bâtiments municipaux, des gares et des parcs, ainsi que sur des bus et des panneaux d'affichage à travers le monde. Murs, sols et plafonds qu'elle couvrait d'images et de textes, provoquant le spectateur. Depuis la fin des années 1990, Kruger a incorporé la sculpture dans son art et continue de lutter contre de la culture américaine moderne.
Barbara Kruger, Untitled (Just be yourself), 1999-2000
La sculpture "Justice", 1997, en fibre de verre peinte en blanc, représente J. Edgar Hoover et Roy Cohn (deux personnalités publiques de droite qui seraient des homosexuels) s'embrassant.
Barbara Kruger, Justice, 1997
En 1994, "L'empathie peut changer le monde" de Kruger a été installé sur un quai de gare à Strasbourg, en France. Un an plus tard, avec les architectes Henry Smith-Miller et Laurie Hawkinson et l'architecte paysagiste Nicholas Quennell, elle conçoit les lettres sculpturales de 60 m de long "Picture This" pour une scène et un amphithéâtre en plein air au North Carolina Museum d'art.

Sur un autre projet pour une pièce spécifique au site qu'elle a produite au Musée d'art paroissial en 1998, Kruger placé à travers la plage supérieure de la façade romane du musée des lettres rouges vives qui se lisent, "Vous appartenez ici".

L'une de ses installations les plus intéressantes que Kruger a réalisé dans le cadre de la Biennale de Venise en 2005. Elle a installé une peinture murale en vinyle imprimée numériquement sur toute la façade du pavillon italien, le divisant ainsi en trois parties: verte à gauche, rouge à droite, blanc entre les deux. En anglais et en italien, les mots "argent" et "pouvoir" gravissaient les colonnes du portique; le mur de gauche disait: "Faites comme si les choses se passaient comme prévu" et "Dieu est de mon côté, il m'a dit" était à droite.
Barbara Kruger, Drawing for Untitled (Facade), Venice Biennale, 2005
Plus récemment, Kruger a également utilisé des films pour faire sa déclaration artistique. Sa vidéo "Plenty" 2008, a utilisé des publicités pour faire des remarques sur le consumérisme, et un tourné en boucle sur les panneaux d'affichage du Sunset Strip, qui faisait partie de l'exposition d'art public viral du comté de Los Angeles Musée d'art "Les femmes dans la ville" 2008.

Une des installations emblématiques recennt de l'artiste a été réalisée en 2012, nommée "Croyance + Doute". Il couvrait une superficie de 6 700 m² (6 700 m²), imprimé sur des feuilles de papier peint aux couleurs de l'artiste rouge, noir et blanc. L'installation a été exposée au Hirshhorn Museum and Sculpture Garden de Washington.
Barbara Kruger, Belief+Doubt, 2012

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Barbara Kruger, l'artiste féministe contemporaine du XXe siècle | Article sur ArtWizard

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Barbara Kruger est une artiste conceptuelle américaine influencée par le mouvement féministe de son temps. La plupart de son travail consiste en photographies en noir et blanc, superposées avec une légende déclarative.

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Notre monde brûle -Expo Palais de Tokyo, 2020

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Notre monde brûle -Expo Palais de Tokyo, 2020

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https://www.palaisdetokyo.com/fr/evenement/notre-monde-brule

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Notre monde brûle est une exposition d'Abdellah Karroum, fondateur de l'Appartement 22 à Rabat en 2002, curateur de la Triennale aux côtés d'Okwui Enwezor en 2012, et actuellement directeur du Musée Arabe d'Art moderne et contemporain (MATHAF) à Doha. Fondé en 2010 à partir de la collection privée du Sheikh Hassan Bin Mohamed bin Ali Al Thani, le MATHAF se concentre plus particulièrement sur les pratiques artistiques du Moyen-Orient, d'Afrique du Nord et de sa diaspora en présentant une écriture de l'histoire de l'art polyphonique qui propose une autre lecture que celle déterminée par le point de vue occidental. Engagé dans une approche post-coloniale, le MATHAF insiste sur les échanges culturels et interroge l'héritage artistique du Qatar en lien avec la globalisation. Prônant l'essor de la modernité dans les pays arabes, il développe ses activités dans le domaine éducatif et se veut une institution à la fois localisée et ouverte dans un monde aux multiples centres. Le MATHAF se définit ainsi comme un musée non hégémonique et non normatif qui appelle de " nouvelles relations de pouvoir et des traductions culturelles " dans la lignée de la pensée d'Okwui Enwezor.

Dans le cadre de la saison " Fragmenter le monde ", le Palais de Tokyo donne vie à une antenne nomade de la R22 Art Radio, première web radio marocaine dédiée aux pratiques culturelles et artistiques contemporaines.

Créée en 2007 par Abdellah Karroum, directeur du MATHAF (Arab Museum of Modern Art) à Doha et commissaire de l'exposition Notre Monde Brûle avec Fabien Danesi, la R22 Art Radio est vite devenue depuis sa création un lieu virtuel d' échanges, de découvertes, de rencontres et surtout d'engagement. Elle diffuse des interviews d'artistes, des projets sonores, des conférences, des commentaires et entretiens en plusieurs langues (arabe, français, anglais, tamazight, allemand, wolof, espagnol...).

Cette antenne, posée directement dans le hall d'entrée du Palais de Tokyo et accessible à tous, proposera tout au long de la saison une série d'archives réactualisées afin d'entrer en résonance avec les thématiques de l'exposition, ainsi que des nouvelles créations radiophoniques, notamment Our World is Burning et R22 is Burning. Ces deux émissions, animées par les chercheuses Syma Tariq et Francesca Savoldi, avec la productrice de radio Marie Laurence Cherie, proposeront au public de suivre les différents temps forts de l'exposition mais aussi des approfondissements sur les thèmes et les problématiques qui y sont soulevés.

La plateforme nomade de diffusion, créée comme un îlot d'écoute, a été conçue par le studio smarin dont le design explore souvent différents champs de la création liés à l'usage, à partir de mobiliers-systèmes, comme ici le dispositif Play YET !
Écoutez, réécoutez et suivez le fil de l'exposition.

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Notre monde brûle évoque le feu, dans les drames humains, les conflits et les catastrophes écologiques, sans renier son élan révolutionnaire.

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Notre monde brûle, Palais de Tokyo - Paris Art

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Notre monde brûle, Palais de Tokyo - Paris Art

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https://www.paris-art.com/francis-alys-mounira-al-solh-palais-de-tokyo-notre-monde-brule/

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L'exposition " Notre monde brûle " au Palais de Tokyo s'intègre dans la nouvelle saison en deux temps du Palais de Tokyo intitulée " Fragmenter le monde " qui entend proposer, à l'inverse d'une lecture homogène d'un monde globalisé, une cartographie fragmentaire de la scène contemporaine, ouverte à de nouvelles recompositions, modalités d'existence et rencontres.

" Notre monde brûle " : un cri d'alerte au Palais de Tokyo

Les œuvres rassemblées dans l'exposition " Notre monde brûle " incarnent un véritable cri d'alerte lancé face aux bouleversements du monde. Conçue en collaboration avec le Mathaf: Arab Museum of Modern Art, situé au Qatar, et sous le commissariat de son directeur, Abdellah Karoum, l'exposition offre un regard engagé sur la création contemporaine depuis le Moyen Orient.

Son titre est une allusion directe aux drames humains qu'entraînent le tensions diplomatiques et les conflits successifs dans cette région tout en les associant de façon plus large aux catastrophes écologiques que rendent visibles les gigantesques incendies qui sévissent à travers le monde. Le feu, symbole ambivalent, ne représente cependant pas que la destruction mais aussi l'énergie qui anime cette région à travers ses peuples avides de démocratie.

Des conflits au Moyen-Orient aux catastrophes écologiques, notre monde brûle

Les œuvres comme l'installation The Silent Multitudes d'Amal Kenawy ou encore les photographies et vidéos de Shirin Neshat, et les pays fictifs créés par Bady Dalloul s'inscrivent dans le prolongement des soulèvements populaires du monde arabe tandis que celles de Danh Vo, Kader Attia, Faraj Daham et Mustapha Akrim portent plus largement un fort désir de justice sociale.

Michael Rakowitz revient à travers son art conceptuel et engagé sur la destruction des trésors irakiens, la série de dessins I strongly believe in the right to be frivolous de Mounira Al Solh évoque le sort des réfugiés syriens et la réflexion s'ouvre aux questions écologiques à travers les œuvres d'Yto Barrada, Sammy Baloji, Monira Al Qadiri et Fabrice Hyber.

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Notre monde brûle, Palais de Tokyo : Attia, Baloji, Dalloul, Hyber, Neshat

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Expo " Notre monde brûle " au Palais de Tokyo : les bouleversements politiques et écologiques de notre époque vus par Mustapha Akrim, Francis Alÿs, Kader Attia, Mounira Al Solh, Sammy Baloji, Amal Kenawy, etc.

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Cycle vidéo Notre monde brûle - Francis Alÿs

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Cycle vidéo Notre monde brûle - Francis Alÿs

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Cycle vidéo Notre monde brûle - Francis Alÿs | Le geste de l'artiste, face aux tanks de guerre. 
Francis Alÿs – Colour Matching 🎨
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L'œuvre en intégralité ▶ youtu.be/KklXWGYqoek | By Palais de Tokyo | Facebook

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Le geste de l'artiste, face aux tanks de guerre. 
Francis Alÿs – Colour Matching 🎨
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L'œuvre en intégralité ▶ youtu.be/KklXWGYqoek

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Francis Alÿs : urbanisme et performances politico-poétiques

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Francis Alÿs : urbanisme et performances politico-poétiques

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https://www.paris-art.com/createurs/francis-alys/

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Francis ALŸS [né Francis DE SMEDT] - né en 1959 à Anvers (Belgique). Vit et travaille à Mexico (Mexique).
Francis Alÿs est un artiste contemporain belge dont le travail inclut vidéo, installation, performance. De sa formation et carrière d'architecte, Francis Alÿs conserve un rapport marqué à la ville, à l'urbanisme. Parmi ses œuvres les plus connues se compte, par exemple, la performance filmée Paradox of Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing) (1997). Soit une performance au cours de laquelle il aura poussé un gros bloc de glace à travers les rues de Mexico. Jusqu'à ce que celui-ci ait complètement fondu, après neuf heures de labeur. En 2008, pour Painting / Retoque, il aura minutieusement repeint les lignes jaunes d'une route de la Zone du canal de Panama, anciennement américaine. Entre poésie urbaine et investissement politique de l'espace public, le travail de Francis Alÿs questionne les conséquences de l'anodin dans un monde globalisé. Actuellement, son travail est représenté par David Zwirner (New York, Londres), notamment.

Francis Alÿs : actions et performances filmées, architecture et urbanisme

Francis Alÿs a d'abord étudié à l'Institut d'Architecture de Tournai (1978-1983). Puis à l'Università IUAV di Venezia (1983-1986). Suite à quoi, il s'installe à Mexico, en tant qu'architecte, dans cette ville en partie détruite par le séisme de 1985. Progressivement, il développe un travail de performance, et de vidéo, le mettant en scène en train d'effectuer des actions incongrues et vaines. Ou infimes. Comme The Collector (1991-2006). Une action au cours de laquelle il promène une sorte d'objet à roulettes, s'apparentant à un petit chien et doté d'aimants, pour collecter au passage des objets métalliques. Filmée au nightshot, l'action documente aussi, en filigrane, la vie nocturne mexicaine urbaine, au tout début des années 1990. Sans didactisme, les œuvres de Francis Alÿs conjuguent ainsi les niveaux de lecture. Combinant des actions décalées, un peu absurdes, drôles et poétiques, dans des contextes chargés.

Occupation poétique, poïétique et politique de l'espace urbain ; répercussions de l'anodin

Qu'il s'agisse de déplacer de dix centimètres une immense dune de sable ( When Faith Moves Mountains, 2002)... Ou de juxtaposer le film de deux soldats de camps adverses en train de désassembler et réassembler leur arme ( Sometimes Doing Is Undoing and Sometimes Undoing Is Doing) (Afghanistan, 2013)... Les vidéos de Francis Alÿs mobilisent l'attention et l'énergie. La sienne, celle des autres. Et les bâtiments que construit Francis Alÿs sont des expériences collectives. Dont la trace perdure en vidéo. Bénéficiant d'une renommée internationale, l'œuvre de Francis Alÿs est exposée à travers le monde entier. Ce qui inclut par exemple la Biennale de Venise (1999, 2001, 2007...), notamment en 2017, dans le Pavillon irakien. Ou la Documenta de Cassel, notamment la dOCUMENTA 13 (2012), avec la projection de Reel/Unreel dans un cinéma de Kaboul.

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Francis Alÿs : urbanisme et performances politico-poétiques

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Issu de l'architecture et installé à Mexico, l'artiste contemporain Francis Alÿs crée des actions et vidéos habitées par l'urbanisme et la globalisation.

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https://www.lemonde.fr/m-le-mag/article/2021/06/02/francis-alys-poete-itinerant_6082468_4500055.html

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Courtesy the artist and David Zwirner

Les frontières, il a la chance de ne pas les connaître. De ne pas les subir, en tout cas. Belge de naissance, mexicain de cœur, infatigable nomade : Francis Alÿs est le mouvement incarné. Architecte de formation, il pense le monde en parcourant ses recoins les plus inattendus, l'Irak, la frontière turco arménienne, Kaboul.

Dès son arrivée, en 1986, dans le chaotique Mexico DF (Distrito Federal), il " dévie de sa profession " initiale : en quelques années, el bélgico s'impose comme l'un des chefs de file de la scène artistique latina. Sa cité d'adoption l'incite surtout à ne jamais s'arrêter. " Cette ville t'exhorte à réagir, tu ne peux l'ignorer, sinon c'est elle qui remporte le combat, concède celui qui représentera la Belgique à la Biennale de Venise 2022. Ici, mes "tendances poétiques" sont constamment mises au défi ; aucune tour d'ivoire n'est possible : les rues seront toujours plus fortes que ton imagination. "

" Re-Enactments " (2000). COURTESY THE ARTIST AND DAVID ZWIRNER

Il les arpente en enfant du mouvement Fluxus, qui, à partir des années 1960, a décloisonné l'art en le mettant dans la rue. Comme ses représentants, Francis Alÿs est attentif aux hasards, aux clochards et aux chiens perdus, aux fournisseurs de chaussures et aux peintres d'enseignes. Voilà donc trente-cinq ans qu'il s'est posé en vigie au cœur du centro historico, pour parler du monde à coups de petits riens : dessins en guise de journal intime, gestes anodins, vidéos au scénario simplissime.

Son film le plus frappant le montre aux prises avec l'une de ces tornades qu'il aime à traquer. Il s'engouffre littéralement dans l'œil de la bourrasque, caméra à la main, et c'est une gigantesque claque qu'il inflige, au corps et à l'image, à lui et au spectateur. Mais le plus souvent, son œuvre mise sur l'humilité plutôt que sur le drame.

Exilé volontaire

Dans un autre opus, on le voit par exemple pousser devant lui un bloc de glace jusqu'à ce que les avenues torrides en viennent à bout. Neuf heures de balade, montées en cinq minutes de film. Le titre conclut de lui-même : Sometimes making something leads to nothing (Parfois, faire quelque chose ne mène à rien). Ailleurs, on le suit en train d'errer sur les avenidas, un flingue à la main, décomptant le temps avant que la police ne l'arrête enfin. Douze longues minutes qui en disent long sur sa ville... Ainsi construit-il sa poétique de l'engagement.

" Paradoxof Praxis 1 (Sometimes Making Something Leads to Nothing) " (1997). COURTESY THE ARTIST AND DAVID ZWIRNER

Intitulé Don't Cross the Bridge Before You Get to the River, que dévoile la galerie David Zwirner à Paris (jusqu'au 17 juillet), en est caractéristique. Ce projet est constitué d'une vidéo, ainsi que d'une série de dessins-peintures dévoilés. Réalisé durant l'été 2008, à Gibraltar, il est le fruit d'années de travail. De chaque côté du détroit, l'artiste a rassemblé des enfants du cru, les uns sur la plage de Tarifa, en Espagne, les autres sur celle de Tanger, au Maroc. Chacun tient dans ses mains une chaussure, transformée en bateau de fortune. Entrant à la file dans les vagues, ils tentent de créer une ligne de mini-esquifs : rapprochement symbolique des deux continents. " Les deux lignes se rencontreront-elles dans la chimère de l'horizon ? ", s'interroge Alÿs.
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Installé à Mexico depuis les années 1980, l'artiste belge parcourt le monde avec des performances qui posent la question de l'immigration et des frontières. Il est actuellement exposé à la galerie David Zwirner, à Paris.

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https://francisalys.com/

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http://i-ac.eu/fr/artistes/238_shirin-neshat

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Diplômée en arts plastiques de l'Université de Berkeley (Californie), Shirin Neshat est une vidéaste et photographe iranienne. Les institutions les plus reconnues dans le monde de l'art lui consacrent des expositions personnelles, par exemple la Tate Gallery à Londres en 1998, le Guggenheim Museum à Bilbao en 2002, le Stedelijk Museum à Amsterdam en 2006, le Mathaf Arab Museum of Modern Art à Doha en 2014.
Shirin Neshat quitte l'Iran en 1974 pour étudier aux États-Unis et retourne dans son pays seize ans plus tard, après la mort du shah Khomeini. Elle débute sa carrière par des portraits d'individus et de groupes. Les photographies de l'artiste ne se réduisent pas à des composantes visuelles dans la mesure où elle a toujours pris soin d'y insérer l'écriture. Outre les changements politiques, religieux et culturels, qui ne sont pas sans incidence sur l'inspiration de l'artiste, ses influences sont autant la littérature (Mniru Rovani ou Forough Farrokhzad) que le cinéma (Kiarostami) ou la musique (Gugush). Ainsi, au-delà de toute représentation sociale ou politique, les œuvres de Shirin Neshat recèlent une dimension poétique que l'artiste commente de la manière suivante : " c'est un thème fondamentalement iranien. La terreur et la violence peuvent être annihilées par une véritable explosion d'inspiration poétique ".

Une forme récurrente des photographies de Shirin Neshat est l'autoportrait. Dans les années 90, elle entame une série où elle se met en scène, portant le tchador : seules les parties de son corps (yeux, mains, pieds) que la loi islamique autorise à montrer sont visibles, tandis que le reste est alors recouvert de calligraphies farsi (ou persan moderne). Cette réflexion se poursuit en 1994 avec sa série, Women of Allah, dans laquelle l'artiste apparaît parfois elle-même voilée et armée. En 1997, Shirin Neshat abandonne la photographie pour la vidéo, ce qui lui permet de multiplier les images, d'offrir une plus grande densité de la mise en scène et d'utiliser le son et la musique, en particulier le chant iranien.
La condition de la femme dans la société iranienne, le fondamentalisme, le féminisme, l'identité culturelle et la religion sont autant de sujets que Shirin Neshat aborde dans son œuvre. Il s'agit de détourner les préjugés, de réinterpréter les clichés et de choisir de poser des questions plutôt que de chercher à orienter des réponses.
Shirin Neshat obtient le lion d'argent de la mise en scène pour son long métrage Women Without Men lors de la 66 e Mostra de Venise en 2009. Fidèle à ses sujets de prédilection, l'artiste dresse dans son film le portrait de quatre femmes, prises dans la tourmente d'un coup d'état iranien en 1953, qui se réfugient dans un verger, symbole de leur indépendance et de leur amitié. L'artiste affirme qu'elle cherche à " montrer la complexité de notre culture aux occidentaux, mais uniquement de manière conceptuelle, sans forcément chercher à montrer la réalité ".

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IAC - Institut d'art contemporain - Villeurbanne/Rhône-Alpes

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at home: Artists in Conversation | Shirin Neshat

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Mona Hatoum : Body Art, intime et distance, exil et enfermement

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Mona Hatoum : Body Art, intime et distance, exil et enfermement

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Mona HATOUM - née le 11 février 1952 à Beyrouth (Liban). Vit et travaille à Londres (Royaume-Uni) et Berlin (Alelmagne).
Mona Hatoum est une artiste contemporaine dont la pratique englobe installation, sculpture, vidéo... Entre Liban, Palestine et Royaume-Uni, Mona Hatoum cultive une identité nourrie de multiplicités. Engagées, ses œuvres questionnent la place du corps de la femme, dans l'art, dans la société. Ainsi que les notions d'exil et d'enfermement. En 1994, l'installation vidéo Corps étranger invitait ainsi les spectateurs à pénétrer une petite pièce cylindrique, sur le sol de laquelle était projetée une vidéo. Un voyage endoscopique au sein du corps de Mona Hatoum. Soit une façon de se voir tellement intime qu'elle en devient totalement étrangère. Avec ce jeu sur la notion freudienne d'inquiétante étrangeté ( das Unheimliche). En 1982, pour sa performance Under Siege, elle était restée enfermée durant sept heures dans une sorte de boîte transparente, remplie de boue. Actuellement, le travail de Mona Hatoum est représenté par la Galerie Chantal Crousel, notamment.

Mona Hatoum : perfomance, vidéo, installation... entre intimisme et éloignement, exil et enfermement

Après avoir étudié le design à l'Université de Beyrouth (1970-1972), Mona Hatoum travaille dans une agence de publicité. En voyage à Londres lorsque la Guerre du Liban se déclare, en 1975, elle y reste en exil. Et intègre alors l'école d'art londonienne Byam Shaw (1975-1979), puis la Slade School of Fine Art (1979-1981). Ses premières œuvres (vidéo, performance, installation...) relèvent d'un Body Art scrutant l'intime et la déchirure. Dans le corps féminin, au sein de la famille, au sein d'un pays en guerre civile. À l'instar de la vidéo autobiographique Measures of Distance (1988). Explorant l'enfermement, les installations de Mona Hatoum mettent en lumière les limites, les frontières, les contours. Light sentence (1992), par exemple, se compose de trente-six cages pour animaux. Superposées en deux rangées se rejoignant en U, ce treillis grillagé est illuminé par une ampoule suspendue, animée par un moteur. Les ombres projetées amplifient l'enfermement.

Cartographies du monde, expositions internationales, biennales et prix

Avec Hot Spot, 2006, Mona Hatoum crée un globe terrestre en armature métallique. Les limites terre-mer y sont marquées au néon rouge. Structure ajourée, les frontières s'y découpent et coupent en transparence. Entre poésie et structure brûlante, Hot Spot renforce les limites du monde. Dénude la planète pour n'en garder qu'une carcasse cartographique. Amplifiant, là encore, la sensation d'enfermement. Au fil de son œuvre, le travail de Mona Hatoum a fait l'objet d'expositions personnelles dans le monde entier. Mona Hatoum a également participé à plusieurs Biennale de Venise (1995, 2005, 2013). Ainsi qu'à la Documenta de Cassel (2002). Elle a reçu des dizaines de prix et distinctions internationales. Dont le 10 e Hiroshima Art Prize, en 2017, à Hiroshima (Japon).

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Mona Hatoum : Body Art, intime et distance, exil et enfermement

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Les performances, vidéos et installations de l'artiste libano-palestino-britannique Mona Hatoum interrogent les limites, du corps, du monde.

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http://www.macval.fr/Mona-Hatoum

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2009-2010 40 balançoires en medium noir recouvert de stratifiées rouges, chaînes en acier, dimensions variables. Production MAC/VAL. Collection MAC/VAL, musée d’art contemporain du Val-de-Marne.…

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Mona Hatoum -Expo C. Pompidou    8 juin - 12 sept. 1994

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Mona Hatoum -Expo C. Pompidou    8 juin - 12 sept. 1994

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Informations pratiques Plan interactif Visites guidées Enfants et familles Groupes scolaires Accessibilité Devenir adhérent Podcasts

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ROUGE COMME LES RÈGLES (4 ÉPISODES)Épisode 4 : Les règles de l’art menstruelRéécouter Rouge comme les règles 4/4 : Les règles de l’art menstruel 

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ROUGE COMME LES RÈGLES (4 ÉPISODES)Épisode 4 : Les règles de l’art menstruelRéécouter Rouge comme les règles 4/4 : Les règles de l’art menstruel 

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Au sein de cet épisode, des femmes contemporaines et européennes évoqueront leur démarches artistiques autour du sang menstruel sous le regard d'Emilie Bouvard, conservatrice du musée Picasso et qui surtout a cherché la présence réelle et figurée du sang menstruel chez les artistes femmes ...

Je saigne donc je suis. Nancy Huston

On passe tant d'énergie à effacer cette dimension [les règles] de notre vie, qu'il faut aller vraiment loin, pousser loin le clou pour que ça revienne. Et c'est là où ça peut être violent, par contraste. Entre l'effort qui est fait dans l'imagerie publicitaire, les conseils d'hygiène dans notre manière socialement d'être acceptable ou pas... il y a un tel effort d'effacement ! Alors quand on ramène cette information-là [le sang], visible, ça peut être brutal. Laetitia Bourget

D'autre part, des extraits littéraires portés par la voix des comédiens Sophie Daull et Christophe Hardy, illustreront cette aventure sanglante.

Ce sont des fluides [les fluides menstruels] qui vont donc parler de sexualité, à la fois le sexe biologique, mâle - femelle, les organes génitaux, et aussi le genre, c'est-à-dire le sexe comme construction social du masculin et du féminin. Et puis aussi, tout ce qui se trouve entre, parce que c'est un spectre et non pas une polarité. Mais ça parle aussi de notion d'hygiène, de propre, de sale, de la souillure, du tabou, de la limite et de la marge, et donc de sa possible transgression. Maël Baussand

Pour moi, l'esthétique du trouble c'est ce qui fait désordre, ce qui crée un écart et c'est ce qui bouscule les normes. Je veux qu'on parle des règles. Je veux qu'on parle des fluides. Je veux qu'on arrête ce silence, ce tabou qui n'a aucun sens. Maël Baussand

Avec :

Merci à Marianne Rosensthiel (photographe) et Sophie Quignard (chercheuse en littérature contemporaine).

Christophe Hardy et Sophie Daull, comédiens

Une série documentaire de Juliette Boutillier, réalisée par Nathalie Battus

Liens

France Culture lève le tabou des règles (Télérama, 16.10.2017)

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Les règles de l'art menstruel - Ép. 4/4 - Rouge comme les règles

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Au sein de cet épisode, des femmes contemporaines et européennes évoqueront leur démarches artistiques autour du sang menstruel sous le regard d'Emilie Bouvard, conservatrice du musée Picasso et qui surtout a cherché la présence réelle et figurée du sang menstruel chez les artistes femmes ... Je saigne donc je suis.

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L’Intime, le privé, le public dans l'art contemporain

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L’Intime, le privé, le public dans l'art contemporain

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https://journals.openedition.org/critiquedart/5528

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Paris : Publications de la Sorbonne, 2012, 232p. ill. en noir et en coul. 24 x 16cm, (Arts plastiques)

Bibliogr.

ISBN : 9782859447007 _ 24,00 €

Sous la dir. d'Eliane Chiron, Anaïs Lelièvre

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Texte intégral

1Il faut saluer le travail d'Eliane Chiron et d'Anaïs Lelièvre qui ont su orchestrer les contributions diversifiées de presque 25 auteurs invités à approfondir un regard croisé sur cette problématique tripartite, habituellement plutôt considérée du point de vue de l'intime indépendamment de celui du privé/public. Le métissage fait bénéficier la connaissance sur le sujet d'une ouverture lui ménageant une forme moins convenue que le titre du livre le laisserait supposer. Un esprit de synthèse découle de la pluralité des sujets plastiques, photographiques, littéraires, musicaux, vidéo, numériques, psychanalytiques, technologiques ou chorégraphiques sur le sujet. Tous prêtent une forme et partagent une expérience prenant place dans trois parties autour desquels l'ouvrage s'organise : " Croisement des frontières " (pp. 21-87), " Habiter l'altérité " (pp.92-145) et " Corps cachés, corps exposés " (pp.150-213).

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Pour citer cet article

Référence électronique

Sylvie Mokhtari , " L'Intime, le privé, le public dans l'art contemporain ", Critique d'art [En ligne], Toutes les notes de lecture en ligne, mis en ligne le 01 novembre 2013, consulté le 25 septembre 2021. URL : http://journals.openedition.org/critiquedart/5528
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L'Intime, le privé, le public dans l'art contemporain

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Il faut saluer le travail d'Eliane Chiron et d'Anaïs Lelièvre qui ont su orchestrer les contributions diversifiées de presque 25 auteurs invités à approfondir un regard croisé sur cette problématique tripartite, habituellement plutôt considérée du point de vue de l'intime indépendamment de celui du privé/public.

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Mythologies personnelles. L’art contemporain et l’intime -par Isabelle de Maison rouge

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Mythologies personnelles. L’art contemporain et l’intime -par Isabelle de Maison rouge

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https://www.paris-art.com/mythologies-personnelles-lart-contemporain-et-lintime/

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Mai du livre d'art 2004. 12 artistes qui se mettent en scène, utilisent leur propre vie comme matière artistique ou créent des fictions à partir d'éléments vécus. Un livre tout public qui explicite simplement les thématiques abordées (biographies, identité, fictions, etc.) en 6 chapitres illustrés.

- Éditeur : Scala, Paris
- Année : 2004
- Collection : Tableaux choisis
- Format : 16,50 x 20,50 cm
- Illustrations : nombreuses, en couleurs et en noir et blanc
- Pages : 127
- Langue : français
- ISBN : 2-86656-345-X
- Prix : 15 €
Présentation
C'est presque devenu une constante dans l'art contemporain : l'artiste met en œuvre sa propre vie. À travers l'histoire de son univers quotidien, de celui de ses proches, il cherche à révéler des vérités, à exprimer l'homme dans sa réalité la plus intime.

Cette tendance apparaît dès les années 1970 avec des artistes comme Christian Boltanski, Annette Messager et Jean Le Gac. En empruntant souvent la voie de la fiction, ils composent des "œuvres-récits" qui interrogent notre propre perception du monde. Depuis, un grand nombre d'artistes poursuivent cette démarche : Gilbert & George, Sarkis, Orlan, Cindy Sherman, Sophie Calle..., tous adaptent le réel à leurs formulations personnelles.

Même s'il est impossible de les réunir en un mouvement, une école ou un collectif, ces artistes ont en commun la même quête de soi. Si les techniques qu'ils utilisent sont variées - photo, vidéo, installation, inventaire, performance -, les modes d'expression sont, eux aussi, nombreux : autofiction, photobiographie, récit personnel, fable, conte, autoportrait...

Suivant le principe de la collection "Tableaux choisis", cet ouvrage présente douze artistes voués à leurs obsessions intimes : archéologie de la mémoire, expression d'une souffrance, mise en scène de craintes, projection de souvenirs d'enfance, méditation sur le temps ou recherche d'identité. Autant de regards sur ces mythologies personnelles d'artistes.

(Texte publié avec l'aimable autorisation des éditions Scala)

L'auteur
Isabelle de Maison Rouge est historienne de l'art et conférencière. Elle enseigne à la New York University à Paris. Elle est également journaliste à la revue Art actuel.

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Mythologies personnelles. L'art contemporain et l'intime

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Éditeur : Scala, Paris - Année : 2004 - Collection : Tableaux choisis - Format : 16,50 x 20,50 cm - Illustrations : nombreuses, en couleurs et en noir et blanc - Pages : 127 - Langue : français - ISBN : 2-86656-345-X - Prix : 15 € Présentation C'est presque devenu une constante...

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Production de la semaine = "chez moi -ici et là-bas"  -série de 20 images /photographies peintes                 

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Production de la semaine = "chez moi -ici et là-bas"  -série de 20 images /photographies peintes                 