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Virgen de las Rocas, Leonardo Da Vinci (versión del Louvre) 1483

Cuando veo La virgen de las rocas pintada por Da Vinci, pienso que ilustra perfectamente el complejo y siempre creativo universo mental del artista. Da Vinci toma una escena poco representada de la vida de Jesús y la dota de símbolos que todavía causan inquietud y misterio.  Vemos las figuras sagradas de la Virgen Maria, acompañada del niño Jesús sostenido por el arcángel Uriel y a Juan bautista, también en su infancia, a la derecha de la virgen.

Sin embargo, lo que mas llama mi atención es el paisaje en el que transcurre la escena. Es un paisaje de ensueño, un lugar que no encontraremos fácilmente en este planeta y menos en el planeta tierra que conocían los humanos del renacimiento. Las rocas casi flotantes enmarcan las figuras sagradas, las cuales parecen iluminarse desde adentro, con una luz divina. Uno de los misterios de la historia del arte, sigue siendo qué significan los gestos de las manos. Da Vinci se caracteriza -entre otras cosas- por dotar de psicología a los personajes que pintó. Se puede sospechar que algún significado tiene la mano del ángel que señala al pequeño Juan. Lo cierto es que estas gestualidades dinamizan la composición y guían la mirada del espectador dentro de una imagen que en mi experiencia personal atrae por estos personajes de piel sobrenatural y luminosa que yacen casi suspendidos en el tiempo, en un lugar de otro mundo.

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John Everett Millais, 1851-1852

Esta obra es tanto paisaje como retrato, es un cuadro romántico que podría representar al humano que se pierde entre la naturaleza y es abrumado por esta. Las flores que rodean a Ofelia nos hablan de margaritas que representan la inocencia, las amapolas la muerte. un collar de violetas que se asocia a la lealtad y a la muerte temprana y Los pensamientos que simbolizan el amor en vano.

La composición es muy horizontal formada por tres planos. El primero es parte del paisaje y da paso al intermedio, donde vemos a Ofelia flotando en el agua, como si acabara de respirar por ultima vez. Un dato interesante es que la modelo estuvo sumergida en una tina durante horas, a punto de morir de hipotermia. Su rostro intriga muchísimo, es hermosa y esto ha conducido a romantizar la figura de esta mujer que muere en la escena para siempre. un mujer sumisa y sin esperanza, pero bellísima y rodeada de flores como si no necesitara nada más.

¿Qué va a pasar con Ofelia? ¿su cuerpo flotará rio abajo? Su expresión nos habla de una vulnerabilidad y soledad presente en todos.

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Doménikos Theotokópoulos, El Greco, 1586 - 1588.

Cuando entres a la parroquia de Santo Tomé en Toledo, España, en una de las salas de la iglesia, encontrarás en un espacio más bien oscuro el cuadro pintado en óleo sobre lienzo por El Greco en el siglo XVI. Verás que es muy distinto ver una obra de arte en un museo que contemplarla en el espacio para la que fue comisionada. Es un cuadro grandísimo de 4,8 metros por 3,6 metros, que representa el entierro de un Noble que descansa justo a unos metros de distancia de la obra.

Los colores, ácidos y potentes a pesar del pasar de los siglos es lo primero que llama mi atención. La paleta compuesta principalmente por amarillos, grises azulados y negro, le da un carácter sobrenatural y mórbido a la obra, que representa el entierro de un Conde medieval, quien según la leyenda que crearon para su legado, fue enterrado por mismísimos santos. Su piel es gris, como si se tratara de un zombie inmaculado, y a su izquierda hay un hombre alto, con capucha y sotana de monje que me parece más misterioso que los mismos ángeles y figuras celestiales que abren el cielo sobre el difunto. ¿Quién es ese hombre, que parece que no hace parte de los hombres que observan el espectáculo? Yo creo que es la muerte y ninguno de los presentes en la escena puede verla.

Otro detalle que me intriga enormemente es por qué El Greco decidió pintar el fuego blanco. Hay varios cirios encendidos cargados por los acompañantes de la peregrinación y las llamas son blancas y fantasmagóricas. Hay tonos rojizos presentes en otros elementos del cuadro, entonces ¿por qué no pintar el fuego con las tonalidades cálidas de la realidad? Se me ocurre que pueda ser por evitar una connotación infernal.

En el centro de la obra, un ángel sujeta una especie de feto que es el alma del difunto. Curiosamente, las nubes que rodean al ángel pueden interpretarse con forma de piernas y genitales femeninos en un parto. Es aquí donde se representa el concepto principal de la obra: después de la muerte, al cristiano que fue diligente con su iglesia se le da una nueva vida en el cielo, rodeado de santos y ángeles y si eres afortunado como el Señor de Orgaz, también tendrás una obra de arte magistral sobre tu tumba para acompañarte en la eternidad.

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John Martin, 1853

“Hubo un gran terremoto, el sol se puso negro y la luna se volvió toda como sangre” revelación 6, Apocalipsis.
Una ola de ciudades colapsando cae sobre los pocos humanos desconsolados y desnudos. El cielo se derrumba sobre la tierra que se abre en dos. El horizonte se enreda en un mar de lava. este lienzo que mide 196,5 cm x 303,2 cm fue inspirado por la contaminación y atmósfera infernal que percibió Martin al pasear una noche por el país negro, un área industrial del reino unido llena de fábricas y minas que trabajaban las 24 horas.