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Le Cid de Corneille est une grande tragédie qui a défrayé la chronique en 1637. Le 5 janvier 1637 au théâtre du Marais, Corneille devient un grand auteur de théâtre. Sa pièce déchaîne les passions, suscite l'enthousiasme et provoque une querelle littéraire dont on parle encore aujourd'hui. Cette pièce est la plus célèbre de Pierre Corneille.

L'acte I scène 5 est rendu célèbre avec la scène de l'affront représentée avec deux personnages le comte de Gormas et Don Diègue. Don Diègue, ce grand d'Espagne a une carrière remarquable au service du roi Don Fernand. Il a été son bras armé, il a vaincu sur le champ de bataille dans la poussière et dans le sang. Un rival se présente, le comte de Gormas qui aspire à prendre la place de Don Diègue.

Cette rivalité entre deux grands, deux seigneurs se manifeste ainsi : qui va exercer le préceptorat sur le prince ? Qui va élever le prince au rang de futur roi ? Qui va assurer son éducation militaire ? Don Diègue et le comte de Gormas s'affrontent et cela se termine par ce soufflet, cet affront. " Ton impudence, Téméraire vieillard aura sa récompense ". Voilà la récompense du comte de Gormas, ce coup porté au visage de Don Diègue. Don Diègue est à terre, il a perdu son épée, il a même cette envie de perdre la vie car son honneur est blessé.

Le théâtre est une représentation visuelle dont il faut étudier la mise en scène et le vocabulaire.

Téléchargez le support de cours et le texte étudié en PDF.

En une image, l'importance des enjeux d'une scène grâce :

- aux personnages : Le roi, Don Fernand, celui qui a décidé de choisir un précepteur pour son fils, Don Diègue le valeureux guerrier. Don Gomez, son adversaire. C'est aussi le père de Chimène. Chimène qui est l'amante de Don Rodrigue. Don Rodrigue, fils de Don Diègue, qui aime Chimène qui l'aime. Au début de la pièce leur mariage est annoncé. Le don de l'épée. Don Diègue remet l'épée à son fils Rodrigue. Dans une pièce de théâtre,

- aux costumes sont essentiels. Ici avec la mise en scène de Jean Vilar, Les personnages sont vêtus à l'espagnol. Un effet de cuirasse sur Don Rodrigue. Don Diègue est représenté en grand d'Espagne avec son épaule bouffante.La fonction du costume est multiple, elle donne des symboles qui permet d'interpréter les choix de mise en scène de Jean Vilar. Représenter Rodrigue, ce fougueux guerrier et Don Diègue ce grand d'Espagne, dans une tragédie ces personnages sont de haut rang.

- aux accessoires aussi sont importants. Ils sont peu nombreux dans le théâtre classique et pourtant ils sont importants. Dans la scène précédente Don Diègue a perdu son épée. La revoici. L'épée représente la dimension guerrière du personnage.

- aux gestes. Don Diègue transmet son épée à Rodrigue, il y a un don, il y a une transmission de tout ce qui appartient au père au fils. Tout est résumé ici avec l'épée. Le regard du père sur le fils toute l'intensité de la passion, de la transmission, de la vengeance du père vers le fils et de la responsabilité pour Rodrigue de venger l'affront que vient de subir son père.

Lire et comprendre un texte de théâtre

- Le vocabulaire. Celui de Corneille est particulier c'est celui du XVIIe siècle. Parfois, nous croyons que nous pouvons comprendre un mot alors que nous sommes induits en erreur. Exemples.

Le mot cœur signifie courage au XVIIe siècle. Courroux signifie colère. Sur l'heure, sur le champ. Un soufflet c'est une gifle. Généreux ici à la sens de noble.

Le mot affront. Cherchons les mots de la même famille. Front c'est la partie du visage. Le front c'est aussi une certaine forme d'impudence, de hardiesse.

Le champ lexical de l'insulte est très important avec le mot outrage c'est cet outrage qui va justifier la suite de l'action dans la pièce.

- Les rimes. Dans le texte, capitaine rime avec Chimène. Pourquoi lier le Comte, grand guerrier, à Chimène ? Le Comte est le père de Chimène.

- L'impératif illustre l'ordre.

L'enjeu de cette pièce est de savoir qui va être le précepteur du roi ? Qui va enseigner ces valeurs militaires au fils de Don Fernand ? Cette transmission des valeurs n'est pas sans conséquences, elle conduit à un affrontement des personnages qui fait la beauté paradoxale de la tragédie, cet affront mortel c'est le soufflet du Comte envers Don Diègue. L'adversaire de Rodrigue est un grand héros, un héros d'épopée qui sème la violence et la terreur sur le champ de bataille. . Don Diègue demande à son fils s'il a du courage, s'il est capable de défendre l'honneur de la famille.

L'essentiel du cours

Dans cette scène de tragédie, nous retiendrons les éléments suivants :

La passion de la force : l'importance de la passion des personnages : colère et fougue.

L'affront mortel : l'étude du vocabulaire indique l'importance de l'honneur comme valeur dans le théâtre de Corneille.

Un adversaire épique : Don Diègue dresse un portrait élogieux du futur adversaire de Rodrigue. Corneille dramatise le duel à venir.

Activités proposées :

1. Apprenez et jouez la scène. Enregistrez-vous !

2. Notez le vocabulaire de l'honneur et de la honte.

3. Réécrivez la scène en imaginant que Rodrigue refuse la demande de son père. Vous inclurez une tirade de Don Diègue en colère.

Réalisateur : Didier Fraisse

Producteur : France tv studio

Année de copyright : 2020

Publié le 07/04/20

Modifié le 30/04/20

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Lire et voir une scène de théâtre classique autour du " Cid " de Corneille (7 avril)

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Le Cid de Corneille est une grande tragédie qui a défrayé la chronique en 1637. Le 5 janvier 1637 au théâtre du Marais, Corneille devient un grand auteur de théâtre. Sa pièce déchaîne les passions, suscite l'enthousiasme et provoque une querelle littéraire dont on parle encore aujourd'hui.

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Vocabulaire du théâtre

Acte

Division externe de la pièce en parties d'importance sensiblement égale, en fonction du déroulement de l'action. Traditionnellement, une pièce se divise en trois ou cinq actes, eux-mêmes découpés en scènes.

Action

1) Selon Aristote, détermination majeure et première de la création dramatique. Le choix des actions conditionne toute l'?uvre, en particulier les caractères des personnages.

2) L'action théâtrale est fondamentalement constituée d'une suite d'actes de discours : parler, c'est agir (menacer, supplier, louer, condamner, pardonner, etc.).

3) Dernière partie de l'art oratoire, l'action (lat. actio) désigne la gestuelle, la déclamation qui donnent force au discours. Extrêmement codifiée et non réaliste, la déclamation est pratiquée aussi par les avocats, les prédicateurs, tandis que l'on retrouve dans la peinture l'alphabet des gestes utilisés par les comédiens. Voir E. Green, Littératures classiques n° 12, 1990 et La Parole baroque, 2001.

Allitération

Répétition, dans une suite de mots (exemple : dans un vers), d'une ou de plusieurs consonnes initiales ou intérieures.

Antagoniste

Personnage en opposition ou en conflit.

Aparté

Réplique prononcée par un personnage à l'insu d'un autre, pour lui-même ou à l'intention du public.

Bienséance interne

Cohérence de l'?uvre dramatique, des caractères notamment. C'est au nom de la bienséance interne que Chapelain (1595-1674, un des fondateurs de l'Académie française) critique l'attitude de Chimène.

Comédie

Action scénique qui provoque le rire par la situation des personnages ou par la description des m?urs et des caractères, et dont le dénouement est heureux.

Dénouement

Renversement de l'action qui l'achève en précipitant le péril (catastrophe dans la tragédie à fin malheureuse), en l'écartant (tragédie à fin heureuse). Pour Corneille, le dénouement tragique ou comique doit être concentré le plus possible dans la scène ultime afin de maintenir jusqu'au bout l'attention du spectateur : il doit avoir été préparé dès l'exposition et tout au long de l'action.

Didascalie

Indication scénique (souvent mise en italiques) qui est donnée par l'auteur, et qui peut concerner les entrées ou sorties des personnages, le ton d'une réplique, les gestes à accomplir, etc. Le texte théâtral se compose de deux éléments: les didascalies et les dialogues.

Héros

1) Qui s'est illustré par de hauts faits d'armes.

2) "Principal acteur", c'est-à-dire personnage principal autour duquel l'action est construite.

3) Héros tragique : " médiocre " au sens étymologique, c'est-à-dire ni parfaitement vertueux, ni absolument méchant, mais tombé dans le malheur par faute, erreur ou faiblesse.

4) Le héros classique peut être cependant absolument vertueux, parce qu'il est ainsi plus susceptible de toucher le spectateur. La " générosité " est sa marque éthique codifiée (comme qualité native et morale à la fois). Chez Corneille, le héros se trouve souvent à la fois innocent et coupable : Rodrigue, Suréna par exemple).

Mise en scène

Ensemble des moyens d'interprétation scénique (scénographie, musique, jeu...); activité qui consiste à agencer ces moyens. Articulation entre le travail d'un maître d'oeuvre et celui de chacun des artistes qui concourent à l'oeuvre; transposition d'une écriture dramatique en écriture scénique.

Mode ou style direct

Discours rapporté dans sa forme originale, sans terme de liaison, après un verbe de parole.

Monologue

Scène parlée, discours adressé à soi-même ou à un auditoire dont on n'attend pas de réponse. Dans l'analyse du discours théâtral, il est considéré comme une variété du dialogue.

Nœud

L'essentiel de la pièce, où le personnage est en proie au péril. Une péripétie à la fois surprenante et nécessaire modifie brutalement le cours de l'action et amène le dénouement.

Quiproquo

Procédé dramatique essentiel, ressort du comique comme du pathétique, permet divers coups de théâtre et fonde les reconnaissances (agnitions) typiques du dénouement.

Tragi-comédie

" Genre dramatique sérieux " moderne et irrégulier (env. 1580-1640), qui met en scène des personnages de haut rang confrontés à un péril auquel ils échappent toujours. Ce péril est presque toujours de nature amoureuse et privée et souvent inspiré par les romans " modernes " (Orlando Furioso). Déguisements, enlèvements, poursuites, tempêtes et batailles marquent une action pleine de rebondissements dans un espace multiple. Le genre domine absolument la scène française entre 1628 et 1634. Le Cid, " tragi-comédie ", est rebaptisé " tragédie " en 1648, après que la victoire des " réguliers " a empêché la tragi-comédie de s'élever au sommet de la hiérarchie des genres dramatiques.

Scène

Unité la plus courte de la pièce. En général, on change de scène lorsqu'un ou plusieurs personnages entrent ou sortent.

Tirade

Longue suite de phrases, de vers, récitée sans interruption par un personnage de théâtre.

Unité de temps

En 1630, Jean Chapelain justifie cette première règle (Lettre sur la règle des vingt-quatre heures). Il s'agit, pour assurer la vraisemblance, de réduire l'écart entre la durée supposée de l'action et celle de la représentation (entractes compris). Cette règle oblige aussi à concentrer l'action représentée au moment de la crise. Des récits rétrospectifs peuvent alors éclairer le spectateur sur les événements qui ont précédé le début de la pièce ou qui ont pris place pendant les entractes. L'unité de temps impose enfin la liaison des scènes, afin que l'espace scénique ne soit jamais laissé vide.

Unité de lieu

Sa définition suit les mêmes principes que celle de l'unité de temps, à laquelle elle est liée : elle vise à réduire l'écart entre la multiplicité de lieux d'action parfois très éloignés les uns des autres et l'unicité du lieu de représentation qui est la scène. Plus lente à s'imposer (en raison aussi des scènes en " compartiments "), elle paraît à beaucoup moins nécessaire que l'unité de temps (c'est par elle, significativement, que Hugo attaquera l'édifice classique, la Préface de Cromwell, 1827). Le risque non négligeable de voir cette unité de lieu fabriquer de l'invraisemblance conduit à faire de la scène un lieu de plus en plus composite, neutre ou indéterminé : ville, antichambre, " palais à volonté ".

Unité d'action

Plus complexe, elle s'impose plus difficilement en raison du succès de la tragi-comédie, fondée sur les personnages multiples et les rebondissements nombreux. Corneille définit l'unité d'action dans la tragédie par l'unité de péril (qui jette le héros dans l'action). Voir Discours des trois unités.

Publié le 29/01/13

Modifié le 09/03/20

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Division externe de la pièce en parties d'importance sensiblement égale, en fonction du déroulement de l'action. Traditionnellement, une pièce se divise en trois ou cinq actes, eux-mêmes découpés en scènes. 1) Selon Aristote, détermination majeure et première de la création dramatique. Le choix des actions conditionne toute l'?uvre, en particulier les caractères des personnages.

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Myriam DUFOUR-MAÎTRE, Maître de conférences à l'Université de Rouen (centre de recherche du CEREDI) et Présidente du Mouvement Corneille- Centre International Pierre Corneille , nous fait partager l'univers de Corneille.

Quel est l'apport de Corneille au Théâtre en général ?

" L'apport de Pierre Corneille au théâtre est immense. On le reconnaît très tôt comme le " père de la scène française " (Fontenelle), et il est en effet le fondateur, sinon du théâtre français tout entier, du moins d'un grand nombre d'aspects nouveaux de la dramaturgie au XVIIe siècle. "

" Les comédies de Corneille, de Mélite à La Place Royale, inaugurent un radical changement dans la conception même du genre de la comédie. Corneille écarte de son théâtre les valets bouffons, les pères abusifs et les capitans, pour mettre en scène les honnêtes gens, ceux-là même qui assistent aux représentations théâtrales ". " Corneille ajoute l'invention d'un nouveau ressort qui caractérisera tout son théâtre tragique, le ressort de l'admiration, qui vient compléter les deux grands ressorts tragiques qu'avait définis Aristote, la crainte et la pitié ".

" Les héros cornéliens sont parfaits, en mal comme en bien, et c'est pourquoi ils suscitent l'admiration autant que l'horreur quand ils sont monstrueux, et l'admiration autant que la pitié quand ils sont vertueux ".

" Là où la plupart des doctes préfèrent le vraisemblable au vrai, Corneille affirme sa singularité en puisant dans l'Histoire ou dans la Fable (c'est-à-dire la mythologie) des sujets invraisemblables mais vrais, ou considérés comme tels. Ainsi, le sujet scandaleux du Cid, celui d'une fille qui continue d'aimer le meurtrier de son père, est-il invraisemblable mais vrai, attesté par une longue tradition ".

En quoi les textes de Corneille présentent-ils toujours une forme de modernité ?

" Corneille est d'abord, et cela mérite d'être redit avec netteté, un Moderne, au sens que prend ce terme dans la fameuse querelle des Anciens et des Modernes, qui débute en réalité dès le XVIe siècle. Auteur chrétien, Corneille croit en la supériorité de l'ère chrétienne sur les temps du paganisme. "

" Corneille serait donc moderne chaque fois qu'il nous permettrait de mesurer notre temps au sien, de constater soit ce qui nous rattacherait, avec lui, au socle immuable de la supposée nature humaine, soit ce qui ferait rupture entre les âges successifs d'une histoire des mentalités ? On voit aisément que son théâtre résiste, au moins, à toute annexion à notre modernité. "

" Ce qui fait obstacle chez Corneille éventuellement, ce n'est pas tant la langue que le discours. La complexité est celle même de la pensée, d'une pensée exigeante qui saisit ensemble, sans jamais les séparer, les questionnements dramatiques et les interrogations politiques, philosophiques, morales, religieuses."

" A ce titre, la modernité de Corneille ne relève ni d'une familiarité thématique avec les préoccupations de notre temps, ni d'une étrangeté accidentelle que pourrait réduire la connaissance historique d'un temps qu'on jugerait éloigné du nôtre. Cette modernité supposée serait plutôt structurelle, la formule toujours énigmatique d'un art."

Publié le 29/01/13

Modifié le 09/03/20

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L'avis de Myriam Dufour-Maître sur Corneille

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" L'apport de Pierre Corneille au théâtre est immense. On le reconnaît très tôt comme le " père de la scène française " (Fontenelle), et il est en effet le fondateur, sinon du théâtre français tout entier, du moins d'un grand nombre d'aspects nouveaux de la dramaturgie au XVIIe siècle.

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De la comédie à la tragédie

Dans les premières années de sa carrière dramaturgique, Corneille renouvelle le genre de la comédie. Il remplace les farces rudimentaires et grossières inspirées de la commedia dell'arte par des textes décrivant les mœurs et caractères de l'époque et met en scène des personnages proches du public. Ses comédies comme Mélite, ou La place royale écrites entre 1629 et 1634 ne cherchent pas à faire rire, elles peignent avec un aimable réalisme la vie quotidienne bourgeoise. Le comique naît des personnages et non de situations stéréotypées.

Le triomphe du Cid en 1637 annonce un tournant dans la carrière de l'auteur. Le Cid est une tragi-comédie, genre qui n'est pas exactement un mélange de tragédie et de comédie, mais plutôt une tragédie au dénouement heureux. Contrairement à la comédie qui présente des scènes de la vie quotidienne, la tragédie ne s'intéresse qu'aux personnages nobles de l'histoire et du mythe. Mais Corneille prend ses distances avec le classicisme. Ses héros, loin d'être anéantis par une fatalité qui les dépasse, sortent victorieux des épreuves et obtiennent amour et gloire.

Quelques caractéristiques propres au théâtre de Corneille

L'unité de péril

Voici comment Corneille définit ce principe dans ses Trois discours sur l'art dramatique, écrits en 1660, " l'unité d'action constitue dans la tragédie en l'unité de péril, soit que son héros y succombe, soit qu'il en sorte. Ce n'est pas que je prétende qu'on ne puisse admettre plusieurs périls [...] pourvu que de l'un on tombe nécessairement dans l'autre ; car alors la sortie du premier péril ne rend point l'action complète puisqu'elle en attire un second. "

L'extraordinaire et la démesure :

Corneille utilise souvent l'excès dans sa peinture des caractères. Il s'éloigne ainsi de la vraisemblance des règles classiques qu'il ne considère pas comme un absolu, estimant au contraire qu'il faut "les apprivoiser adroitement avec notre théâtre". De même, dans le choix des sujets, il privilégie les thèmes extraordinaires : " Les grands sujets qui remuent fortement les passions, [...] doivent toujours aller au delà du vraisemblable, et ne trouveraient aucune croyance parmi les auditeurs, s'ils n'étaient soutenus, ou par l'autorité de l'histoire qui persuade avec empire, ou par préoccupation de l'opinion commune [...]. "

Le héros cornélien

Le héros cornélien est fier, droit, héroïque et conscient de sa valeur. Son orgueil, fondé sur le sentiment de sa supériorité aristocratique, le mène à donner sa grandeur en spectacle. Contrairement au héros romantique, marginal et révolté, celui de Corneille s'inscrit dans un groupe social (les nobles dans Le Cid, les patriotes chez Horace). Son âme est partagée entre l'amour et l'honneur : c'est le fameux "dilemme cornélien", moteur de l'action dramatique. Mais cet héroïsme n'est pas seulement tourné vers les autres. Il symbolise également un idéal personnel de noblesse. La morale cornélienne consiste à faire coïncider les passions et les instincts des personnages avec la conception qu'ils ont de leur propre supériorité. Ce combat intérieur les entraîne irrémédiablement à dépasser le statut de simple personnage pour accéder au rang de héros.

Publié le 29/01/13

Modifié le 09/03/20

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Dans les premières années de sa carrière dramaturgique, Corneille renouvelle le genre de la comédie. Il remplace les farces rudimentaires et grossières inspirées de la commedia dell'arte par des textes décrivant les mœurs et caractères de l'époque et met en scène des personnages proches du public.

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La langue moderne de Corneille

Voici ce que Bernard de Fontenelle, philosophe et écrivain, neveu de Corneille, dit de lui : " Il avait l'air fort simple et fort commun, toujours négligé et peu curieux de son extérieur : il parlait peu... pour trouver le Grand Corneille il faut le lire. " Car c'est dans ses textes ciselés que s'exprime brillamment le génie du dramaturge.

Corneille respecte les règles classiques qui imposent la versification en alexandrins et ses pièces présentent un langage poétique majestueux. Mais l'auteur souhaite donner à son théâtre une impression de naturel. Pour toucher son public, il n'hésite pas à renouveler le genre et dote ses personnages du langage des " honnêtes gens " selon Fontenelle, c'est-à-dire la langue de la jeunesse de cour. A l'époque, ses dialogues paraissent très modernes.

Les codes moraux et politiques s'expriment au cours d'un véritable parcours dialectique dans lequel l'écriture imposante, émaillée de maximes et sentences souligne la détermination des personnages. Les textes exposent le déchirement et les élans des héros et le vocabulaire exprime une palette d'émotions universelles qui touchent encore le spectateur d'aujourd'hui.

Les principales oeuvres de Corneille

En l'espace de quarante-cinq ans, Corneille écrit plus d'une trentaine de pièces (comédies, tragi-comédies, tragédies, pièces à machine ou encore comédies héroïques) dont le succès perdure au fil des siècles. Ses œuvres les plus représentées à la Comédie française à l'heure actuelle sont Le Cid, pièce écrite en 1636, Cinna ou la clémence d'Auguste en 1641, Polyeucte en 1642, Horace en 1640, Nicomède en 1651, Rodogune en 1644 et la comédie du Menteur écrite en 1644.

Aujourd'hui, le public redécouvre des pièces moins connues, écrites à la fin de sa carrière comme Tite et Bérénice terminée en 1670, qui souffrit longtemps de la comparaison avec le Bérénice de Racine, Sertorius en 1662 ou encore Suréna écrit en 1674.

Quelques unes des tirades les plus connues de Corneille

" Ô rage ! Ô désespoir ! Ô vieillesse ennemie !
N'ai-je donc tant vécu que pour cette infamie ? " Le Cid, Acte I, scène 4

" Don Diègue : - Rodrigue, as-tu du cœur ? " Le Cid, Acte I, scène 5

" Don Rodrigue : - Parle sans t'émouvoir.
Je suis jeune, il est vrai ; mais aux âmes bien nées
La valeur n'attend point le nombre des années. " Le Cid, Acte II, sc.2

" Le Comte : - A vaincre sans péril, on triomphe sans gloire. " Le Cid, Acte II, sc.2

"Don Rodrigue : - Que de maux et de pleurs nous coûteront nos pères !
Chimène : - Rodrigue, qui l'eût cru ?
Don Rodrigue : - Chimène, qui l'eût dit ? " Le Cid, Acte III , scène 4

" Don Rodrigue : - Ton malheureux amant aura bien moins de peine
A mourir par ta main qu'à vivre avec ta haine.
Chimène - Va je ne te hais point. " Le Cid, Acte III, sc. 4

" Don Rodrigue : - Nous partîmes cinq cents ; mais par un prompt renfort
Nous nous vîmes trois mille en arrivant au port. " Le Cid, Acte IV , scène 3

" Don Rodrigue : - Et le combat cessa faute de combattants. " Le Cid, Acte IV , scène 3

Publié le 29/01/13

Modifié le 09/03/20

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Voici ce que Bernard de Fontenelle, philosophe et écrivain, neveu de Corneille, dit de lui : " Il avait l'air fort simple et fort commun, toujours négligé et peu curieux de son extérieur : il parlait peu... pour trouver le Grand Corneille il faut le lire.

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Les genresDeux sont dominants : la comédie qui fait rire avec ses personnages caricaturaux (des valets malins, des bourgeois stupides, des cocus,...

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Le théâtre au début du XVIIe

Fin XVIe, le théâtre périclite en France. Les formes médiévales comme les farces ou les mystères ont disparu, les troupes et les salles modernes n'existent pas encore. La comédie est un genre mineur, délaissé par les auteurs et les théoriciens.

Au début du XVIIe, portées par le succès littéraire grandissant de textes principalement inspirés par le théâtre du siècle d'or espagnol, des troupes de comédiens commencent à se constituer, notamment à Paris. La troupe de Mondory, spécialisée en farces et en pièces à effets spéciaux décide de se fixer dans le quartier à la mode des Marais.

En 1629, les comédiens jouent Mélite, la première création de Corneille. La comédie rencontre à Paris un succès suffisant pour décider son auteur à se lancer dans une carrière dramatique. Le groupe d'acteurs devient par la suite la troupe des Marais. A partir des années 1630, le théâtre et ses protagonistes reçoivent un statut social et économique acceptable grâce à Richelieu, grand amateur de théâtre et fin politique, conscient de l'intérêt pour la monarchie de contrôler ce moyen de communication.

Les règles du théâtre classique

De 1637 à 1640, la querelle du Cid fait rage dans le monde du théâtre suite aux représentations de la tragi-comédie de Corneille. Malgré le succès retentissant de la pièce, les ennemis reprochent à l'auteur de n'avoir pas respecté les règles de l'idéal classique.

La règle des 3 unités :

La première de ces lois impose les trois unités qui s'appliquent à la tragédie aussi bien qu'à la comédie : l'unité d'action, de lieu et de temps. Comme l'écrira plus tard l'homme de lettres Nicolas Boileau dans L'Art poétique :
" Qu'en un jour, qu'en un lieu, un seul acte accompli
Tienne jusqu'à la fin le théâtre rempli. "
Nicolas Boileau, L'Art poétique, Chant III, vv.45-46.
La pièce doit se dérouler en un seul lieu dans un même décor, sans dépasser 24 heures, et ne présenter qu'une seule action principale. Le but recherché est de produire l'illusion que le spectateur assiste au déroulement physique de la réalité même.

La bienséance
" Ce qu'on ne doit point voir, qu'un récit nous l'expose,
Les yeux en la voyant saisiront mieux la chose "
Nicolas Boileau, L'Art poétique, Chant III, vv.51-54.
La bienséance impose de ne pas heurter le public de l'époque, avec des scènes violentes, des morts sanglantes ou des contacts physiques. Comme dans le théâtre grec, l'action susceptible de choquer se déroule ailleurs et un messager vient la raconter.

La vraisemblance
"Jamais au spectateur n'offrez rien d'incroyable :
Le vrai peut quelquefois n'être pas vraisemblable."
Nicolas Boileau, L'Art poétique, Chant III, vv.47-48
La vraisemblance présente ce qui semble croyable dans l'attente du public.

Les auteurs doivent en outre s'inspirer des anciens, distinguer rigoureusement les genres tragique et comique, écrire en alexandrins (vers de douze syllabes) dans un style convenu et découper les pièces en cinq actes. Paradoxalement, ce carcan de règles va produire les plus grands dramaturges français et redonner ses lettres de noblesse au théâtre.

Publié le 29/01/13

Modifié le 09/03/20

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Chapitre 1 : le théâtre à l'époque de Corneille

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Fin XVIe, le théâtre périclite en France. Les formes médiévales comme les farces ou les mystères ont disparu, les troupes et les salles modernes n'existent pas encore. La comédie est un genre mineur, délaissé par les auteurs et les théoriciens.

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Schéma explicatif de l'organisation d'une Une de journal

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Schémas différents pour fabriquer sa Une de journal !

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Expo sur la presse à la BNF

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De la gazette à Internet, les médias constituent un quatrième pouvoir indispensable au fonctionnement des démocraties et à l’engagement politique. Mais ce...

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Couverture imaginée par Yuna, Iris et Octave

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Couverture imaginée par Yuna, Iris et Octave

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page de garde Silhouette Yuna Clement Iris

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La lettre réponse de Pierre Birabet à Pauline. Travail d'imagination par les élèves

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La lettre réponse de Pierre Birabet à Pauline. Travail d'imagination par les élèves

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Transposition de la nouvelle Ouessant en pièce de théâtre

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Transposition de la nouvelle Ouessant en pièce de théâtre

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Ouessant scène 1 répétition G2 ‐ Réalisée avec Clipchamp

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Ouessant scène 3 Répétition G2 ‐ Réalisée avec Clipchamp

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Un roman de Zola au cinéma : La bête humaine (de Jean Renoir)

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Un roman de Zola au cinéma : La bête humaine (de Jean Renoir)

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Driving the État 231-592 in 1938: La Bête Humaine / The Human Beast Highlights Cab Ride

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Bande annonce de La mort d'Olivier Bécaille au théâtre

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Bande annonce de La mort d'Olivier Bécaille au théâtre

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Bande annonce court-métrage adaptant La mort d'Olivier Bécaille

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Bande annonce court-métrage adaptant La mort d'Olivier Bécaille

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Ouessant Adaptation Octave scène 1 ‐ Réalisée avec Clipchamp

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Ouessant Adaptation Octave scène 2 ‐ Réalisée avec Clipchamp

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Ouessant Adaptation Octave scène 3 ‐ Réalisée avec Clipchamp

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Ouessant Adaptation Octave scène 4 ‐ Réalisée avec Clipchamp

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Ouessant Adaptation Octave scène 5 ‐ Réalisée avec Clipchamp

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Travail d'imagination : Rodrigue est mort! (par Yuna)

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Travail d'imagination : Rodrigue est mort! (par Yuna)

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Travail d'imagination: Rodrigue est mort! (Octave)

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Travail d'imagination: Rodrigue est mort! (Octave)

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Travail d'imagination : Rodrigue est mort! (Simon)

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Travail d'imagination : Rodrigue est mort! (Simon)