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Si hacían teatro menor de escarnio

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¿Quién fue la primera mujer dramaturga en la historia?

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¿Quién fue la primera mujer dramaturga en la historia?

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ROSWITHA DE GANDERSHEIM

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Roswitha de Gandersheim también conocida como Hroswitha, Hrotsvita, Hrosvit, Hrotsvit, Hrowitha o Rosvita nació aproximadamente en 935 y descendía de una familia noble, probablemente perteneciente a la nobleza sajona.

Pronto ingresó en la abadía benedictina de Gandersheim, donde pasó toda su vida, llegando a alcanzar el título de canonesa en la época del Emperador Otón I el Grande.

Las hijas de familias nobles frecuentemente escogían esta forma de vida, para escapar de un casamiento no deseado y así podían mantener sus patrimonios y sus propias criadas.

Las canonesas vivían en la comunidad de la abadía y hacían los votos de castidad y obediencia pero no el voto de pobreza.

Era una forma de mantener una buena condición social sin necesidad de casarse.

Durante la Edad Media, Roswitha de Gandersheim escribió las primeras obras teatrales conocidas hechas por una mujer y es la primera poetisa europea desde Safo.

Se desconoce la fecha de muerte de Roswitha von Gandersheim, tal vez pudo ser hacia el año 975.

Auque no hay retratos de Roswitha pertenecientes a su época, se la representa frecuentemente con sus hábitos de canonesa, una cruz, un libro y una pluma.

La canonesa Roswitha von Gandersheim adaptó las comedias del dramaturgo latino Terencio.

Su fama literaria se mantiene, sobre todo, por estas obras dramáticas a imitación de Terencio.

En su monasterio benedictino, Roswitha escribió seis comedias en prosa y en latín, con la estructura de las comedias de Terencio, pero de contenido cristiano, a fin de edificar a sus compañeras de claustro.

Al ser más edificantes, las comedias de Roswitha ocuparon el lugar de Terencio en el estudio de Gandersheim.

Roswitha se inspira en vidas de santos y mártires de la Iglesia para componer sus piezas teatrales.

En Paphnutius tenemos la historia de la conversión de la meretriz Tais una leyenda que de gran popularidad en la Edad Media.

Roswitha la dramatizó juntamente con otra historia, la de María, sobrina de un eremita, que al ser seducida por un hombre, se hace prostituta y posteriormente es rescatada de la vida secular por el eremita.

El modelo de mujer que lleva a la perdición a diversos hombres debido a su belleza, y que es convertida por un hombre santo era bastante común y ejercía gran influencia, en cuanto ejemplo de la tentación vencida.

Además de sus obras teatrales, Roswitha hizo otras composiciones poéticas, poemas épicos y leyendas.
Como el titulado De Gestis Oddonis I Imperatoris conocido como la
Gesta Oddonis dedicado al Emperador Otón I el Grande por encargo de una de sus maestras, la abadesa Gerberga II, sobrina del propio Emperador Otón.

En este grabado de Alberto Durero de 1501 se nos muestra a la monja Roswitha presentando al Emperador Otón I el Grande su Gesta Oddonis , en presencia de la Abadesa Gerberga.

Otra de sus obras, Primordia Coenobii Gandeshemensis , celebra la fundación del monasterio de Gandersheim.

En esta composición e s muy interesante el gran número de leyendas que l a canonesa intercala con gran habilidad .

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Roswitha de Gandersheim también conocida como Hroswitha, Hrotsvita, Hrosvit, Hrotsvit, Hrowitha o Rosvita nació aproximadamente en 935 y descendía de una familia noble, probablemente perteneciente a la nobleza sajona. Pronto ingresó en la abadía benedictina de Gandersheim, donde pasó toda su vida, llegando a alcanzar el título de canonesa en la época del Emperador Otón I el Grande.

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Mimo

El género se introdujo en Roma en el siglo I a.C. El espectáculo era puesto en escena por actores sin máscaras y los papeles femeninos eran interpretados por las mujeres, que al final se desnudaban (nudatio mimarum). El término mima fue así transformándose en sinónimo de meretrix

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Mimo

El género se introdujo en Roma en el siglo I a.C. El espectáculo era puesto en escena por actores sin máscaras y los papeles femeninos eran interpretados por las mujeres, que al final se desnudaban ( nudatio mimarum). El término mima fue así transformándose en sinónimo de meretrix (Séneca, Epist. 97, 8). Valerio Máximo ( Factorum et dictorum memorabilium libri, II 10,8) cuenta la siguiente anécdota referente a Catón el Censor: "Presenciando él mismo los juegos Florales, que daba el edil Mesio, el pueblo tuvo vergüenza de pedir que se desnudaran las mimas. Habiendo conocido este hecho por Favonio, gran amigo suyo que estaba sentado junto a él, salió del teatro, para que su presencia no impidiese la costumbre del espectáculo; le acompañó el pueblo con un gran aplauso cuando se iba y volvió a llamar a la escena el antiguo modo de burlas". Se trataba por lo tanto de una farsa, que se realizaba a menudo como final después de un drama o de una comedia, sustituyendo poco a poco a la atelana (Giancotti, pág. 19). Dos mimógrafos, Décimo Labelio y Publilio Siro, sin embargo, confirieron al mimo un carácter moral, con textos que incluían máximas que complacieron al severo Séneca (Musso, pp. 29-30). En un primer momento, los mimos populares se representaban sobre pequeños escenarios; más tarde, cuando fueron alcanzando la función de intermedios ( embolia) o de finales ( exodia), fueron representándose en escenarios teatrales de piedra (Giancotti, pág. 239). Véase al respecto una escena plasmada en un fresco de Pompeya, que comentamos a continuación [ Figura 3].

La scaenae frons es la de la tragedia, con la puerta regia en el centro y las dos hospitalia en los lados. En la regia aparece un joven héroe con la clámide, en las hospitalia dos guerreros armados hasta los dientes; en el fondo, entre los personajes principales dos esclavos, el primero con una jarra de vino, el otro con una antorcha, ocupado en preparar un banquete (Bieber, pág. 232). Los argumentos del mimo eran de lo más diverso: escenas de la vida popular, temas mitológicos, parodias de comedias y de tragedias: hubo también espectáculos pornográficos y esto les valió el odio de los padres de la Iglesia, que condenaron el mimo y la atelana tildándolos de ociosos, obscenos y deletéreos para el bello sexo (Tertuliano, De Spectaculis XVII). Tras la difusión de la religión cristiana, los mimos empezaron a parodiar los ritos de la nueva religión con el fin de congraciarse con los intelectuales paganos: eran muy frecuentes sobre todo las parodias del bautizo y del sacrificio de los mártires.

El éxito de público del mimo fue incesante y se transformó, junto con el pantomimo en el espectáculo preferido por las masas. No obstante, ¿qué era en realidad un mimo? ¿Cuáles les eran los rasgos que lo caracterizaban y lo diferenciaban de otros géneros teatrales? Para contestar, hay que dirigir la mirada hacia un mimo griego del siglo II d.C., el denominado "Charition", cuya trama podemos reconstruir con facilidad (Musso, pág. 80). En el papiro donde se conserva el fragmento del mimo, pueden verse las siglas de los instrumentos que se utilizaban: tímpanos, crótalos, scabellum; el músico que tocaba este instrumento, el scabillarius, tocaba al mismo tiempo también el aulós (Musso, pág. 44). El texto se componía de prosa y versos y se trataba, por tanto, de una mezcla de recitación y de canto. El empleo de los instrumentos hace suponer que el coro (de las bárbaras) danzaba. Además del griego, se empleaba una lengua dravídica, el canara. Se trata de una parodia de Ifigenia en Táuride y del Cíclope de Eurípides. La acción se desarrolla rápida, sin interrupciones; el espectáculo dura unos veinte minutos y resulta paradójico y divertido. Al final posiblemente se llevaba a cabo la nudatio de las bárbaras borrachas. En definitiva, un espectáculo de corta duración, de ritmo cerrado, de argumento cómico, amenizado con música, cantos y danzas. A diferencia de otros espectáculos más nobles, como la tragedia y la comedia, no dejaba espacio para el aburrimiento. El espectáculo, finalmente, acababa a lo grande.

Pantomimo

El pantomimo era un espectáculo en el cual un bailarín, llamado pantomimo, danzaba, y llevaba máscaras de boca cerrada, como puede observarse en el relieve de Tréveris [ Figura 4]. En realidad éste no hablaba, sino que empleaba la gestualidad del cuerpo y de las manos para interpretar los distintos personajes y tramas.

El coro cantaba el texto de la llamada fabula saltica (libreto de danza), al cual se dedicaron también autores conocidos tales como Lucano, del que se recuerdan algunos títulos ( Atreo y Tiestes, Ajax, Niobe, Hercules Furens), y Estacio, que escribió un Ágave para el célebre pantomimo Paris (Juvenal VII, 87). Se solían tratar temas trágicos y de esta forma el espectáculo fue sustituyendo poco a poco a la tragedia en el gusto del público. Generalmente el pantomimo era un bailarín; sin embargo se recuerdan también bailarinas, verdaderas artistas que alcanzaron una gran fama (Leppin). El espectáculo iba acompañado por una orquesta, que era la misma del mimo: auletistas, citaredos, percusionistas (de tambores, crótalos, tímpanos, scabella). En algunos casos la música tenía un papel preponderante, como señala Séneca ( Epistolas XI, 84, 10. "En nuestras representaciones de pantomimas hay más cantores que espectadores en los teatros"). Algunos bailarines alcanzaron una enorme fama, siendo protegidos por los mismos emperadores, como Paris, que fue maestro de Nerón, y Pilades, predilecto de Trajano (Bieber, pág. 236). Son numerosas las inscripciones dedicadas a célebres pantomimos y pantomimas (Leppin). En la obra La danza de Luciano de Samosata (aprox. 120 - 180 d. C.), fuente de particular importancia en este tema, se cuentan algunos episodios significativos. Por ejemplo, en el capítulo 63 se escribe: "Un pantomimo famoso en época de Nerón, muy hábil, dicen, muy superior a cualquier otro por su capacidad de recordar todos los particulares de las historias y por la belleza de sus movimientos, dirigió a Demetrio [filósofo cínico del siglo I d.C. que había criticado el arte del pantomimo] una petición, a mi juicio del todo razonable: le pidió que le juzgara sólo después de haberle visto danzar, prometiéndole exhibirse sin aulós ni canto. Y así hizo. Invitó a los percusionistas, a los auletistas y al coro a estar en silencio, luego representó en solitario en pantomimo el adulterio de Afrodita y Ares, el Sol que les descubre y Hefesto que les tiende una trampa envolviéndolos a ambos en su red. Los dos adúlteros en presencia de cada dios, ella avergonzada y él que intenta esconderse e implora y todo lo demás que había que contar de esa historia. Al final, Demetrio, que había apreciado muchísimo el espectáculo, concedió al pantomimo el máximo elogio prorrumpiendo en una exclamación y diciendo en voz alta: No sólo veo, sino que oigo las cosas que haces y tengo la impresión que son tus mismas manos las que hablan". La desmesurada pasión por los pantomimos es refrendada también por San Agustín que en el De civitate (I,32-33) cuenta que, cuando Roma en el 410 d.C. fue destruida por Alarico, los ciudadanos que consiguieron ponerse a salvo, refugiándose en la provincia de Africa, no tenían otra diversión: ir todos los días a aplaudir en el teatro a los actores de moda ("competían en entusiasmarse cada día en el teatro por éste o aquel histrión").

Hasta hace pocos años no quedaba ningún texto de la fabula saltica, que permitiese hacerse una idea de las características del espectáculo, de cuánto duraba o de cómo se desarrollaba el drama. Recientemente, se ha descubierto que un papiro del siglo IV d.C. guardaba el texto de un pantomimo, el denominado Alcestis Barcininonensis (Burlando), representado en la Facultad de Letras de la Universidad de Florencia el 17 de junio de 1999, por la moderna pantomima Sara Cascione. Se trataba de una composición de 122 versos (hexámetros) que cuenta la muerte de Alcestis. Los personajes son: Apolo, Admeto, el padre y la madre de Admeto y Alcestis, mujer de Admeto. Admeto, devorado por la angustia, consulta a Apolo para preguntarle lo que le queda de vida. El dios le contestó que el momento de su final estaba cerca pero que podría sobrevivir si alguien se ofreciese en su lugar. Entristecido y gimoteando, reveló al padre el veredicto divino, rogándole que diese su vida; sin embargo, recibió un rechazo de su viejo padre. Se arrodilló entonces ante su madre, que sin corazón ni piedad se horrorizó ante esta petición, llegando a increpar a su hijo. Sólo Alcestis, viendo la desesperación del consorte, ofreció su vida. Dejó disposiciones respecto a sus hijos y a continuación preparó su lecho de muerte con especias, bálsamos y perfumes. Al llegar su hora, se acurrucó entre los brazos del marido mientras, con las manos rígidas, veía cómo sus uñas se ponían moradas y sentía el frío de la muerte que la envolvía subiendo desde los pies helados. Los versos, no exentos de elegancia, tuvieron que ser escritos por algún poeta de una cierta importancia. El drama presenta una novedad con respecto a la tradición del mito de Alcestis tratado por Eurípides: la presencia de la madre, que con su actitud despiadada hace subir el pathos dramático. La acción se desenvuelve rápida hacia el desenlace. Las músicas completan y recalcan el melodrama. Todo ocurre en menos de media hora. Por consiguiente, el pantomimo revela las mismas características del mimo: brevedad en la acción y rapidez de desarrollo. El público no tenía tiempo de aburrirse. Parece que los actores del mimo y del pantomimo tuviesen una filosofía común: el espectáculo, por bonito, conmovedor o divertido que sea, acaba por aburrir cuando ya más allá de un cierto límite de tiempo. El éxito de los géneros del mimo y del pantomimo a costa de la tragedia y de la comedia, demuestra el inmenso arte de los actores y de los autores de los textos.

Apéndice y Bibliografía

Ludi

Los ludi eran festivales públicos, organizados por el Estado, en los cuales se representaban espectáculos teatrales ( ludi scaenici) y espectáculos circenses. El calendario era el siguiente:

Ludi Romani: 4-19 de septiembre (4-12 ludi scaenici)
Ludi Plebei: 4-17 de noviembre (4-12 ludi scaenici)
Ludi Megalenses: 4-10 de abril (4-9 ludi scaenici)
Ludi Cereales: 12-19 de abril (12-18 ludi scaenici)
Ludi Florales: 28 de abril - 3 de mayo (3 mayo mimos)
Ludi Apollinares: 6-13 de julio (6-12 ludi scaenici).

En tiempos de Augusto, los espectáculos teatrales eran preponderantes (dos tercios); mientras que durante el Imperio creció el interés del pueblo por los espectáculos de circo y de anfiteatro. Hacia el final del periodo imperial, en el año 354 d.C., todos los espectáculos se habían multiplicado: los días dedicados a los ludi teatrales subieron a cien y los dedicados a los juegos de circo y de anfiteatro llegaron a ciento setenta y cinco (Bieber, pág. 227).
Por Olimpo Musso. Comisario de la exposición.
Bibliofrafía

[Antigonus Carystius], Rerum mirabilium collectio. Edidit Olympius Musso, Bibliopolis, Nápoles, 1985.
BIEBER, M., The History of the Greek and Roman Theater, Princeton University Press, Princeton, New Jersey, 1961.
BURLANDO, A., L'Alcesti di Barcellona a teatro, in "Orpheus", Rivista di umanitá Classica e Cristiana, Universitá di Catania, N.S. Anno XXI - 2000. Fasc. 1-2, pp..17-25.
DUCKWORTH, G. E., The Nature of Roman Comed y A Study in Popular Entertainment, Princeton University Press, Princeton, New Jersey, 1952
DUPONT, F., L'acteur-roi ou le théâtre dans la Rome antique, Les Belles Lettres, París, 1985 (trad. italiana, Laterza, 1991).
GIANCOTTI, F., Mimo e gnome. Studi su Decimo Laberio e Publilio Siro, G. D'Anna, Florencia, 1967.
HUNGER, H., Die hochsprachliche profane Literatur der Byzantiner, I-II, Beck, Munich, 1978.
JOCELYN, H.D., The Tragedies of Ennius, Cambridge University Press, Cambridge 1967.
LA PENNA, A., Aspetti e momenti della cultura letteraria in Magna Grecia nell' etá romana, in "La Magna Grecia nell'etá romana. Atti del guindicesimo convegno di studi sulla Magna Grecia. Tarento 5-10 ottobre 1975", Arte Tipografica, Nápoles, 1976, pp. 392-410.
LEPPIN, H., Histrionen. Untersuchungen zur sozialen Stellung von Bühnenkünstlern im Westen des Römischen Reiches zur Zeit der Republik und des Principats, Habelt, Bonn, 1992.
MUSSO, O., Lo specchio e la sfinge. Saggi sul teatro e lo spettacolo antico e moderno, Aletheia, Florencia, 1998;
NEPPI MODONA, A., Gli edifici teatrali greci e romani, Olschki, Florericia, 1961.

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El género se introdujo en Roma en el siglo I a.C. El espectáculo era puesto en escena por actores sin máscaras y los papeles femeninos eran interpretados por las mujeres, que al final se desnudaban ( nudatio mimarum). El término mima fue así transformándose en sinónimo de meretrix (Séneca, Epist.

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Busca un personaje de teatro femenino importante

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Busca un personaje de teatro femenino importante

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Julieta Capuleto de William Shakespeare

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En la historia del teatro universal son muy pocos los referentes de las mujeres en los datos históricos. Por mucho tiempo se les negó su participación en la escena teatral: actrices, dramaturgas hasta como espectadoras, con lo que los personajes femeninos son contados y suelen tener denominadores comunes, aunque con grandes matices.

Si bien habían mujeres que escribían y actuaban estas representaciones eran invisibilizadas en conventos o palacios. Posteriormente participaban en el teatro pagano y paulatinamente en el teatro de culto.

Por ello, queremos destacar los personajes femeninos más famosos del teatro occidental que fueron y son referentes, para así visibilizar la creación y la interpretación de mujeres en esta disciplina. Estos personajes femeninos han desafiado paradigmas, que luchan por la igualdad y que buscan un lugar justo en el mundo. Si bien, en el momento que habían sido creados no existían los conceptos de cinefeminismos, hoy en día se considera que dan luces de esta lucha y representan fuertemente lo femenino en la dramaturgia universal. Te presentamos 10 personajes femeninos importantes del teatro universal:

Desdémona es uno de los personajes femeninos principales del clásico de Shakespeare Otelo. Es una mujer hermosa de raza blanca y una debutante veneciana; es el orgullo y la alegría de su padre. Pero se rehúsa a casarse con el adinerado y apuesto veneciano con el que todos esperan que se case. En cambio se fuga con Otelo, un hombre negro, mayor que ella y un forastero de la sociedad veneciana.

Este personaje no solo desafía las esperanzas de su padre (que se case con el hombre blanco que él elija), sino que también reta a una sociedad que está en contra de los matrimonios interraciales. De esta forma, la relación de Desdémona con Otelo habla, en lo que a la obra se refiere, de las actitudes acerca del sexo, el género y la raza en el siglo XVII. Sufriendo también de maltrato físico y emocional, siendo victima en la historia.

Julieta Capuleto de William Shakespeare, es la protagonista del clásico Romeo y Julieta. Es una niña tímida e inocente al comienzo de la obra, pero la profundidad de su personaje se muestra cuando conoce a Romeo, por quien desafía a su familia.

Aunque parece tranquila y obediente, muestra fuerza interior, inteligencia, valentía, ingenio e independencia. De hecho, Julieta es quien le pide a Romeo que se case con ella.

Este personaje muestra su fuerza interior y su naturaleza independiente en su decisión de morir en lugar de casarse con un amor impuesto: "Si todo lo demás falla, yo mismo tengo el poder de morir". Al hacerlo, toma el control de su propio destino en lugar de permitir que otros controlen su vida.

Lady Macbeth es una de las principales protagonistas de la obra más sangrienta de William Shakespere, Macbeth. Uno de los propósitos de este personaje es alentar y ayudar Macbeth a llevar a cabo su sangrienta búsqueda para convertirse en rey.

Además de ser astuta y ambiciosa, cumple un rol fundamental en Macbeth y en la mayoría de los hechos trágicos que se desarrollan en este clásico literario. La masculinidad se define en la obra por ambición y poder, dos cualidades que Lady Macbeth posee en abundancia. Al construir el personaje de esta manera, Shakespeare desafía nuestras visiones preconcebidas de la masculinidad y la feminidad.

Es uno de los personajes femeninos más interesantes de la obra Shakespeare, además tiene el mayor número de personajes femeninos malvados. El principal de ellos son las tres brujas que predicen que Macbeth será el rey y pone en marcha la acción de la obra.

Ofelia a pesar de su papel, en apariencia secundario en la obra Hamlet de Shakespeare, se ha convertido en un personaje que ha trascendido con fuerza en la historia de la literatura y, particularmente, en el ámbito de la pintura durante el siglo XIX.

El personaje representa a una doncella sumisa y obediente que escucha con mucha atención y concediéndole criterio de argumento de autoridad a los dictados de Laertes y Polonio. Es una muchacha inexperta y carente de voluntad y decisión, a diferencia de otros personajes femeninos de Shakespeare.

Ella representa lo trágico, la melancolía, la locura, la relación con la naturaleza y el romanticismo

Antígona escrita hace casi dos milenios y medio por Sófocles y contada a los griegos en la Acrópolis de Atenas, durante el festival en honor a Dionisio, el dios del teatro. Es una tragedia que plantea el rol de la mujer en la sociedad a través de lo cívico y lo divino.

Además de otros dilemas como la libertad, los derechos del individuo frente a la obediencia de las leyes del Estado. La obra ocupa un lugar muy importante en la dramaturgia universal.

Sófocles enfrenta la moralidad y la divinidad a través del personaje de Antígona, como símbolo y defensora de las leyes divinas, cuyos actos se mueven por el respeto a los dioses y el amor a la familia

6. Medea

Medea es una antigua tragedia griega escrita por Eurípides, basada en el mito de Jasón y Medea producida por primera vez en 431 DC, Medea De Eurípides es considerada una de las grandes obras del canon occidental, Por su parte la audiencia ateniense no reaccionó tan favorablemente.

Es el arquetipo de bruja o hechicera, su condición de mujer autónoma e inusual, contraria al prototipo ideal de la época.

Este personaje habla de amor y traición. Por ser abandonada, medita en la venganza. Medea es muy decidida, es una mujer que sabe lo que quiere y lucha por conseguirlo en un momento en que las mujeres no tienen voz ni voto. Sin embargo, su ira y su sed de venganza revelan su fragilidad.

La Celestina escrita por Fernando de Rojas entre los años 1496 y 1499 y publicada en ese mismo año. Esta tragicomedia , que un inicio se llamaba Tragicomedia de Calisto y Melibea.

Es una mujer que siempre ha sido pobre y, para lograr sobrevivir, se ha convertido en una persona interesada, que busca siempre beneficio económico, calcula todos sus movimientos y deja de lado la moral. Es conocida por ser alcahueta y conseguir con hechicería lo que la gente necesita.

Su motivación es el dinero, el éxito y la lujuria. Es sumamente inteligente, pero también es egoísta, falsa, desleal y codiciosa.

Bernarda Alba, es el personaje principal de Federico García Lorca, quien terminó de escribir la historia en 1936, año de su muerte, la cual lleva por titulo La casa de Bernarda Alba, basada en la historia de una mujer que enviuda por segunda vez a la edad de 60 años.

El personaje vive en la España de principios del siglo XX con sus cinco hijas, su madre y dos criadas. Bernarda acaba de enviudar por segunda vez y decide entrar en un luto riguroso que también impone a las demás mujeres de la casa.

El nombre de Bernarda significa masculinidad y gran fuerza, concretamente significa "fuerza de oso", por esto mismo tiene un carácter fuerte y decidido, de hecho, nada más entrar en escena lo hace gritando.

Es controladora de forma excesiva y es opresora, sobre todo con sus hijas, hasta el punto de encerrar a alguna en su habitación y no dejarlas salir de casa. Este carácter autoritario y dictatorial que tiene lo refleja en todas las acciones que lleva a cabo a lo largo de la historia, pensadas para dar una buena imagen y reforzar el aspecto externo de su familia.

Nora Helmer es uno de los personajes de la conocida obra Casa de muñecas de Henrik Ibsen. Es la protagonista de la obra. Es una mujer joven, casada hace ocho años con Torvaldo Helmer, y es madre de tres hijos.

Se presenta como una mujer alegre, enérgica, amable, respetuosa. Sin embargo, Nora a medida que va avanzando la historia va cambiado, presa de la desesperación y el temor, para finalmente desarrollar una transformación que le permite descubrir quién es realmente.

Ella es víctima de las condiciones de vida social impuestas y, por lo tanto, trata de modificarlas. Los conflictos de Nora se relacionan con su voluntad de ayudar a su marido, que choca contra las limitaciones que impone la sociedad al desempeño de la mujer.

10. La marquesa Rosalinda

La marquesa Rosalinda escrita por Ramón María del Valle-Inclán, fue presentada por primera vez en Madrid en 1912. Es una que fusiona la tradición de la Commedia dell'Arte y el teatro de estilo cortesano.

Farsa sentimental y grotesca es el subtítulo que Valle Inclán da a esta obra. Esta historia parte de la premisa de que La Marquesa Rosalinda vive harta de su marido, el Marqués Don Froilán, mucho mayor que ella, y cae rendida a los encantos de Arlequín, quien acaba de llegar con el carro de la farsa, junto a Colombina, Pierrot y Polichinela, a instalarse en los jardines de palacio. Al enterarse de los amoríos, el Marqués encarga a dos bandidos que den un buen susto a Arlequín.

Esta farsa sentimental y grotesca le rinde homenaje, al sueño del modernismo superficial poblado de cisnes, rosas y princesas. Además le abre los ojos del espectador a la limpia contemplación de la realidad española y de la realidad humana.

Lee también: 10 libros feministas representados en el teatro

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10 personajes femeninos importantes del teatro universal

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En la historia del teatro universal son muy pocos los referentes de las mujeres en los datos históricos. Por mucho tiempo se les negó su participación en la escena teatral: actrices, dramaturgas hasta como espectadoras, con lo que los personajes femeninos son contados y suelen tener denominadores comunes, aunque con grandes matices.

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¿Cuándo empezaron las mujeres a actuar en el teatro?

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¿Cuándo empezaron las mujeres a actuar en el teatro?

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En la cultura matriarcal de Creta, ya en el siglo XV a.C. había actrices.

Las Musas de la Grecia del siglo VII a.C. también recitaban.

En la isla de Lesbos había un templo dedicado a la diosa Afrodita en el que se organizó un coro lírico con mujeres

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La mujer lleva siglos sobre las tablas. La prohibición del acceso de las mujeres a los teatros no se remonta al inicio de los tiempos. En la Antigua Grecia o en Roma sí que había actrices, algunas incluso escribían sus obras cómicas y a menudo firmaban con seudónimo. Aquí respondemos a todas tus preguntas: por qué los actores de más edad en la época victoriana se travestían para actuar, quién fue la primera actriz moderna, qué piezas teatrales conservamos de las dramaturgas ...
¿Cuándo empezaron a actuar las mujeres en el teatro?
Las mujeres en los orígenes del teatro

Buscar información sobre las primeras actrices, ha resultado más difícil de lo que esperaba. La presencia femenina sobre las tablas fue invisibilizada y tampoco se conversaron muchas obras firmadas por una mujer. Sin embargo, que lo anterior sea un hecho no significa que las mujeres no ocupasen el oficio de la interpretación.

Las sacerdotisas de las Diosas de la Antigua Grecia

Cuando pensamos en las ciudades de la Antigua Grecia, todos intentamos situar el templo a los dioses. Al igual que en otras culturas, las obras teatrales formaban parte del culto a las divinidades. Danzas, oraciones y poesía.

Durante los ritos de fertilidad de Isis, la Diosa del antiguo Egipto, las jóvenes sacerdotisas recitaban himnos y ejecutaban escenas de forma dialogada. Las letras eran escritas por ellas mismas contaban las leyendas que, según el mito, había sufrido la diosa, y eran auténticas representaciones dramáticas que narraban de forma alegórica la historia de la agricultura.
Elena Lasheras Pérez escribió Ideas, notaciones y divagues: las moiras.

Y no es el único caso en el que las mujeres sacerdotisas actuaban en honor a los dioses. Naciendo lo que hoy conocemos como teatro.

En la cultura matriarcal de Creta, ya en el siglo XV a.C. había actrices.

Las Musas de la Grecia del siglo VII a.C. también recitaban.

En la isla de Lesbos había un templo dedicado a la diosa Afrodita en el que se organizó un coro lírico con mujeres. En la cultura griega se conservaba con mimo el canto, interpretado como el vehículo de transmisión de la historia y el conocimiento.

Las mimas en Roma y las primeras mujeres artistas

En la Grecia Clásica se empieza a separar el teatro culto (tragedia y comedia) del teatro popular. ¿Dónde estaba permitido el acceso de las mujeres? Con certeza, has dado con la respuesta correcta. Las actrices podían representar obras del teatro popular, pero jamás interpretaban papeles de las obras clasificadas como cultas.

Las opiniones de los académicos son muy diversas. En algunos artículos se discute sobre la presencia femenina en el teatro de la Antigua Roma, pero en Sen Enderezo nos quedaremos con las características más generales. Como ocurre en otros estudios con mirada femista o interés en el rol de las mujeres de la época, a menudo los datos dependen del perfil del propio investigador que firma el documento.

La mujer no era bienvenida en el teatro culto y se encargaba de representar los mitos. La mayoría de las obras eran escritas por hombres, aunque algunas autoras lo hicieron con un seudónimo, y los personajes están inspirados en mujeres de la época. De otro modo, sería imposible crear a Electra o Medea.

Con frecuencia, las piezas teatrales se burlaban de las mujeres y ofrecían estereotipos de lo más grotescos. A mí me impactó leer Lisístrata del dramaturgo griego Aristófanes. La historia cuenta cómo las mujeres de la polis estaban cansadas de que sus maridos fueran a la guerra. Así que, a modo de protesta, organizaron la primera huelga de sexo de la que tenemos constancia.

Lisístrata es una comedia de la Grecia Clásica que toma la huelga de sexo como una parodia. Sin embargo, en la lucha feminista se ha visto este tipo de protesta pacífica. Liberia consiguió la democracia gracias al grupo de mujeres que se sentaron en una plaza y dijeron: No a la guerra. Estamos en huelga de sexo hasta que termine este infierno.

Se negaron a mantener relaciones sexuales con sus cónyujes hasta que no abandonasen las armas. Poniendo nuestros pies en la época y el tono del escrito, por supuesto, no se trata de un manifiesto feminista, pero yo quiero reapropiarme de Lisístrata y analizarla con gafas violetas.

Las mimas eran actrices de la Antigua Roma. Por suerte conocemos algunos de sus nombres, por ejemplo Teodora. Esta artista era bella, realizaba espectáculos con poca ropa y su coraje era tal que llegó a compartir el trono con su esposo Justiniano. Hay muy poca bibliografía sobre Teodora, aunque podemos afirmar que era una enamorada de las artes y apoyó leyes a favor del aborto, erradicar la prostitución forzosa y ampliar los derechos de las mujeres en relación a la propiedad y la familia.

Lo curioso es lo que ocurrió cuando se cristianizó la Antigua Grecia y Roma, apareciendo nuevas religiones que tomaron elementos de culturas que ya existían. Nuestra querida Teodora, tras su muerte, pasó a formar parte del santoral de la Iglesia Ortodoxa. Evidentemente, los cristianos reescribieron su vida y en la actualidad, cada 14 de noviembre se venera a la Emperatriz Teodora.

¿Quién fue la primera mujer dramaturga de la historia?

Hroswitha de Gandersheim fue la primera dramaturga que conocimos. El haber tapado la historia de las mujeres durante siglos, complica la búsqueda de los nombres más relevantes de nuestra herstory, pero de Gandersheim conservamos sus obras teatrales de siglo X y nos hemos tomado la licencia de otorgarle el título de "primera mujer dramaturga de lo que hoy en día conocemos como Alemania ".

El cristianismo europeo relacionó el teatro con los ritos paganos y fue imposible subir al escenario durante un largo período de tiempo. Lo único que sobrevivieron fueron los géneros menores y las pequeñas piezas representadas en castillos, salones cortesanos y mansiones privadas. Y las obras teatrales religiosas ocuparon la cartelera de la Edad Media, primero los espectadores acudían a las iglesias y después pasaron a las calles porque necesitaban más aforo.

La primera dramaturga se inspiró en los clásicos romanos, que a su vez eran un copy-paste de la cultura griega, y se fue a vivir a la Abadía de Gandersheim. Hroswitha se dedicó a sus estudios y convivía con canonesas, que eran monjas con voto de castidad y obediencia, pero no de pobreza. La abadía era un lugar en el que las mujeres tenían acceso a la educación, tenían permitido viajar y visitar la corte. Las canonesas eran unas privilegiadas y es por ello que Hroswitha comenzó su éxito en el convento y sus obras pasaron a ser representadas ante la nobleza y la realeza.

Sus textos estaban llenos de humor e ironía.

Hacían burla de la sexualidad masculina.

Y también criticaban las jerarquías herméticas de la época.

Con la llegada de La Inquisición desaparecieron las abadías y los privilegios de sus moradoras. La caza de brujas se encargó de eliminar a todas las mujeres que amaban el conocimiento y el arte de la dramaturgia.

Juglaresas y trovadoras: las actrices de la Edad Media

Cuando era alumna de la ESO, tuve muchas clases sobre la literatura española y gallega durante la Edad Media. Mis profesores repetían nombres masculinos y, de vez en cuando, mencionaban una mujer. Ahora, ya como adulta, regreso a la adolescencia y veo el perfil fijo que me hacían ver en los años del instituto. En aquel momento pensé que esas primeras juglaresas y trovadoras eran mujeres excepcionales o casos particulares, aunque las intérpretes femeninas fueran muchas.

Lo que tuve que aprender más tarde, cuando ya estaba en la universidad, es que las juglaresas españolas existían y no eran una anomalía. Además, eran cristianas, judías y musulmanas. En ciudades como Toledo, vivían estas tres culturas, y las mujeres actuaban en fiestas y eventos tanto populares como religiosos. El Arcipreste de Hita nombra a las cantaderas o soldaderas, mujeres que representaban obras rebeldes y con un humor osado.

María Balteira fue la soldadera gallega más famosa. Desconocemos su identidad real, pero Balteira aparece en Las Cantigas de Santa María y fue la favorita de los reyes Fernando III y Alfonso X El Sabio.

Provenía de una familia hidalga.

Componía sus propias piezas.

Sabía cantar y tocar.

A menudo, las piezas eran interpretadas por hombres y mujeres que improvisaban e interaccionaban con el público.

Las trovadoras eran aristócratas y tenían educación, no se dedicaban a representar sus obras en los caminos. No viajaban, eran invitadas a los eventos más importantes de la comarca.

Condesa Beatriz de Día, Condesa Garsenda de Provenza, Reina Leonor de Aquitania... son algunas de las trovadoras de origen italianos, gallego-portugués, siciliano, morisco o mozárabe que amenizaban las tardes de la corte española.

¿Quién fue la primera actriz española?

La Calderona fue la primera actriz española que subió a las tablas en el Siglo de Oro. En este caso también reconocemos su verdadero nombre y ha pasado a la historia de España con su apodo. Pongámonos en contexto para entender en qué circunstancias se dedicó al teatro La Calderona:

Ya hemos visto que las mujeres siempre han trabajado en el teatro, aunque hubo un tiempo en el que no podía interpretar ciertos géneros. En la Inglaterra victoriana, se creía que era inmoral que las mujeres fueran actrices. Las obras más famosas del mundo, como las firmadas por Shakespeare, fueron representadas únicamente por hombres. Los actores de menor edad se ponían en la piel de los personajes femeninos, pensando que sus voces más melódicas podían dar el pego.

Muchas veces, las piezas mostraban personajes femeninos de dudosa reputación y ligeras de ropa. Los ingleses preferían exhibir un hombre travestido en el escenario que incluir una mujer en el reparto.

Al final, en Inglaterra se permitió actuar a las mujeres, pero en unas condiciones laborales más que cuestionables. Los espectadores podían pagar un extra y ver cómo se cambiaban de ropa las actrices, por poner solo un ejemplo.

Si en Inglaterra las mujeres ya podían subirse a las tablas, en España pasó lo mismo. El Real Decreto de 1587 decía que las actrices tenían que estar casadas y firmar un contrato. Y esta ley no fue una casualidad o un regalo, ya había miles de actrices subidas en carromatos que cruzaban la geografía española para interpretar sus obras.

La Calderona no gozaba de buena fama y, a menudo, se decía que era la amante de Felipe IV. A nosotras aquí poco nos importan sus líos de camas, nos quedamos con su trayectoria como actriz. Luego vinieron La Cartamba, Rita Luna, las Hermanas Correa, María Ladvenant y Quitante, La Tirana...

La dama del abanico es una pintura de Velázquez que podemos visitar en Londres. Cuando publicamos un artículo sobre las Mujeres del Museo del Prado, ya explicamos por qué hay obras españolas en los museos extranjeros. El caso es que La dama del abanico fue la portada de Valor, Agravio y Mujer que es la famosa comedia de Ana Caro Mallén. Se trata de una de las primeras autoras con gran prestigio que escribió durante los siglos XVI y XVII.

La dama del abanico de Velázquez.

La academia se ha interesado tanto por una de las primeras autoras españolas, que se desconoce su lugar de nacimiento o la fecha de su muerte.

Ana Caro Mallén tenía por profesión la escritura de obras teatrales.

"La décima musa sevillana" era cómo le llamaban algunos.

La portada de la primera edición de Valor, Agravio y Mujer se puede ver en la Biblioteca Nacional de Madrid.

La historia de las mujeres en el teatro parece estar incompleta. En Sen Enderezo hemos querido poner nombre a las actrices más relevantes de la dramaturgia española. ¿Conocías todos los detalles sobre estas personalidades? El mes de diciembre queremos dedicarlo a las mujeres en el arte y, sin duda, el teatro es una especialidad que no queríamos dejar de mencionar. Desde que las mujeres actúan sobre las tablas, el mundo de la interpretación ha ganado.

Bibliografía y fuentes para saber más sobre las primeras actrices de teatro

Ribera, M. (2001), Textos y espacios de mujeres, Europa, siglos IV - XV.

Lasheras, E. (2010), Ideas, notaciones y divagues: las moiras.

Reiz, M. (2015), Breve historia gráfica de la mujer en el teatro. Desde los orígenes al Siglo de Oro Español.

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¿Cuándo empezaron a actuar las mujeres en el teatro?

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La mujer lleva siglos sobre las tablas. La prohibición del acceso de las mujeres a los teatros no se remonta al inicio de los tiempos. En la Antigua Grecia o en Roma sí que había actrices, algunas incluso escribían sus obras cómicas y a menudo firmaban con seudónimo.

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¿Dónde se sentaban las mujeres en el teatro?

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¿Dónde se sentaban las mujeres en el teatro?

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En la denominada cazuela, que estaba al final del patio en la primera planta, se situaban las mujeres.

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Los corrales de comedias eran los espacios en los que tenían lugar las representaciones teatrales durante los siglos XVI y XVII. El hecho de que la comedia nacional tuviera un gran desarrollo y una gran aceptación se debió en gran medida a su carácter comercial y popular, ya que tenían su origen en los patios vecinales.

A continuación, vamos a analizar las diferentes partes de los corrales de comedias que tenían un carácter muy jerarquizado, pues, en función del estamento/grupo social, los espectadores se colocaban en un lugar u otro.

Partes de un corral de comedias

El patio era el lugar donde los hombres del pueblo, llamados mosqueteros, se situaban. Con sus silbidos o aplausos, eran los que hundían o levantaban la comedia.

En la denominada cazuela, que estaba al final del patio en la primera planta, se situaban las mujeres.

Los palcos estaban situados en la primera planta y destinados a los nobles.

Los aposentos estaban justo debajo de los palcos y al lado del patio. Aquí se sentaban los burgueses.

El tablado foso, de donde podían aparecer personajes como el demonio. o escenario se encontraba al fondo del patio. Éste solía tener una trampilla para acceder al

Un toldo tapaba el teatro a modo de tejado. Muchos de estos corrales de comedias estaban cubiertos por un toldo ya que se representaban de día para aprovechar la luz.

Las representaciones en los corrales de comedia

La sociedad española de aquella época, como baluarte cristiano, estaba muy influenciada por el catolicismo. Y por ello, el calendario de las representaciones y cualquier acto político o lúdico venía marcado por dicha religión. Las representaciones teatrales daban comienzo en el Domingo de Resurrección y finalizaban el Miércoles de Ceniza. No había actividad teatral alguna durante el período de Cuaresma, y es que, cualquier actividad estaba prohibida y penada por la ley durante esos cuarenta días que marcaba la fe católica.

Las representaciones en los meses más fríos, que solían ser entre octubre y principios de mayo, comenzaban a las dos del mediodía. Y en los meses más cálidos, de mayo a septiembre, a las cuatro de la tarde, eso sí, teniendo en cuenta la meteorología del momento. Todos estos espectáculos finalizaban en el ocaso, ya que al no existir aún la luz eléctrica, aprovechaban al máximo la luz solar.

Estructura de la función teatral:

En la Contrarreforma, la Iglesia y la Monarquía utilizaban cualquier excusa para hacer propaganda de su poder, mucho más visible en el arte de esta centuria y muy especialmente se mostraba en el teatro con las loas ya que con ellas se alababan a nobles o se daban mensajes teológicos. Estas loas aparecían al principio de la obra, antes del primer acto que le seguía después. Entre el primer acto o jornada y el segundo acto, se representaba el entremés (de ahí su nombre), que era una pieza de teatro cómico que se representaba dentro de una obra de carácter menos jocoso. Seguidamente, el segundo acto y después de éste, había jácaras y mojigangas, que eran unas danzas con mucho ruido y disfrazados de animales. Por último, se representaba el tercer acto y acababa la obra con un baile final.

Tanto los entremeses como las mojigangas y bailes buscaban la complicidad del público para complacerle y que olvidaran por algunos momentos sus necesidades más básicas que, debido a la decadencia española, obviamente en la mayor parte de la población no estaban cubiertas. Con ello, el teatro cumplía doble función: la función propagandística y la función lúdica.

Dos de las figuras más características de los corrales eran:

El mantenedor del orden: solía ser un hombre corpulento que podía aplacar al público si este se exaltaba demasiado durante la representación.

El apretador: era una especie de lo que hoy denominaríamos acomodador, pero con la diferencia que intentaba que todo el mundo cupiese intentando aprovechar al máximo el espacio.

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Los corrales de comedias eran los espacios en los que tenían lugar las representaciones teatrales durante los siglos XVI y XVII. El hecho de que la comedia nacional tuviera un gran desarrollo y una gran aceptación se debió en gran medida a su carácter comercial y popular, ya que tenían su origen en los patios vecinales.

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¿Cuáles son las principales actrices de teatro de la historia?

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¿Cuáles son las principales actrices de teatro de la historia?

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KATHARINE HEPBURN

BETTE DAVIS

AUDREY HEPBURN
INGRID BERGMAN
GRETA GARBO

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Actualizado 30/08/2016 16:43:54 CET

MADRID, 26 Ago. (EDIZIONES - Álvaro Macías)

Las actrices. Esas mujeres que en la vida real se comportan de formas más o menos ortodoxas, pero dentro de las pantallas... dentro de las pantallas consiguen ser desde escritoras a heroínas a vagabundas a damiselas en apuros y a todo lo contrario.

Aprovechando que hoy es el Día Internacional del Actor y de la Actriz y al igual que ocurre con el género masculino, ninguna lista, por muy consensuada que sea entre los expertos, podrá acoger todos los grandes nombres que han pasado por delante de las cámaras.

La lista de las 50 mejores intérpretes de la historia está dividida en dos bloques: aquellas que conforman las 25 leyendas del séptimo arte y que está elegida por la AFI (American Film Institute) y aquellas 25 intérpretes actuales que han conseguido a base de grandes papeles que el mundo las reconozca como tales.

LAS 25 LEYENDAS

1- KATHARINE HEPBURN

Poco se puede decir de una actriz que ganó cuatro Oscars -y ninguno le sobra- que no se haya dicho ya. La mejor estrella de la Historia era también una mujer libre y fuerte que interpretaba desdoblándose: todos la veían a ella y a su personaje. La fiera de mi niña, Historias de Filadelfia, En el estanque dorado, El león de invierno, La costilla de Adán... y un etcétera interminable.

2- BETTE DAVIS

Los ojos indomables y el gesto torcido. Dos Oscars. Bette Davis siempre será la Eva de Eva al desnudo y la Baby Jane de ¿Qué fue de Baby Jane?, pero no se conformaba: Jezabel, Amarga victoria, La extraña pasajera o La loba, Bette Davis podía saltarse la cuarta pared y tú seguirías en su órbita.

3- AUDREY HEPBURN

De cara angelical, rasgos sencillos y mente amueblada en muchas tristezas, Audrey Hepburn es ahora más icono que leyenda. Pero no hay que engañarse, de Desayuno con diamantes a Charada, de Vacaciones en Roma (su Oscar) a My Fair Lady, de Sabrina a Dos en la carretera, el cine no sería lo mismo sin ella. Si sumamos a ello su compromiso humanitario, el ángel caminó entre nosotros.

4- INGRID BERGMAN

Tres Oscars la encumbran ahora, pero cuando tuvo un idilio con Roberto Rossellini puso a toda la opinión pública contra ella. Demasiada derrota para quien fue Ilsa en Casablanca, Anastasia en la película homónima, la Luz que agoniza, Stromboli, Te querré siempre, Sonata de otoño. Pura poesía de títulos para el mejor verso hecho mujer.

5- GRETA GARBO

De cuatro nominaciones, ningún Oscar (excepto el Honorífico). Ni falta. La Garbo era más estrella que cualquier pléyade. Era Ninotchka, Ana Karenina, Margarita Gautier, Mata Hari. Y después de eso, en la cumbre, se retiró, con toda la gloria detrás. No le hizo falta más el cine, como un primer amor con el séptimo arte que siempre se recuerda.

6- MARILYN MONROE

Un 5 de agosto y a los 36 años. Así nos dejó Norma Jeane, la persona detrás de Marilyn. La tentación vive arriba, Los caballeros las prefieren rubias, Cómo casarse con un millonario. Atípica, valiente. Billy Wilder lo pasó fatal con sus impuntualidad y su perfeccionismo (para una simple escena que abría cajones y decía una frase rodaron 80 tomas). Pero lo resumió de la mejor forma: "Tengo una vieja tía en Viena que estaría en el plató cada mañana a las seis y sería capaz de recitar los diálogos incluso al revés. Pero, ¿quién querría verla?". Marilyn, que tenía gravedad propia.

7- ELIZABETH TAYLOR

8- JUDY GARLAND

Con su " Totó, me parece que ya no estamos en Kansas" se ganó a quienes ya tarareaban Somewhere over the rainbow. Ha nacido una estrella fue su título más profético. Precoz pero inteligente en su hoja de ruta, consiguió dos nominaciones a los Oscars cuando ya había ganado un Premio Juvenil de la Academia.

9- MARLENE DIETRICH

Alemana y atea, Dietrich era salvaje y contenida al mismo tiempo. Nominada al Oscar en una sola ocasión (por Marruecos) l o suyo fue una carrera de fondo: Testigo de cargo, Vencedores o vencidos, El ángel azul, La Venus rubia o El expreso de Shanghai así lo marcan. El Diablo es una mujer es el título que mejor la remata, pero un Diablo por el que valdría la pena ir al infierno.

10- JOAN CRAWFORD

Rabiosamente actriz, Joan Crawford llenó la pantalla en casi un centenar de películas. Y en todas dejó su luz. Un Oscar por Alma en suplicio que no tuvo más secuelas que seguir fiel a su estilo directo y feroz: Johnny Guitar, Gran Hotel, Mujeres o ¿Qué fue de Baby Jane? son cumbres de la actuación de la sempiterna Joan.

11- BARBARA STANWYCK

12- CLAUDETTE COLBERT

Sucedió una noche le brindó su Oscar (fue la primera película en ganarlos 5 premios importantes), pero la francesita más hollywoodiense fue curtiéndose con los años: Desde que te fuiste, Un marido rico, Mañana es vivir. "Actuar es algo para lo que naces. Lo tienes o no lo tienes". Y así de simple.

13- GRACE KELLY

Antes de ser Princesa de Mónaco y abandonarlo todo, Grace Kelly fue aquello que era obsesión de Hitchcock: una mujer rubia, a ratos fuerte, a ratos débil y, por encima de todo, una actriz inigualable. Trabajó con ella en La ventana indiscreta, Crimen perfecto y Atrapa a un ladrón. Aunque Grace Kelly dotó a más papeles de su aura: Mogambo, Sólo ante el peligro o el que fue su único Oscar, La angustia de vivir.

14- GINGER ROGERS

El musical no se entendería sin ella y Sombrero de copa. Tampoco Fred Astaire en su conjunto se entendería sin Ginger Rogers: La alegre divorciada, En alas de la danza, Ritmo loco. Ellos convirtieron en éxito el 'Cheek to cheek'. Ganó un Oscar por Espejismo de amor.

15- MAE WEST

La personalidad más pura. Y sólo 13 películas. A Mae West se la podría definir a través de sus grandes frases: "Cuando soy buena, soy muy buena, pero cuando soy mala, soy mucho mejor", "El sexo es como una partida de póquer: si no tienes una buena pareja, más vale que tengas una buena mano" o "Estoy soltera porque nací así" dan cuenta de que ella era mucha Mae. Guionistas de sus papeles, tenía el privilegio de elegir a sus actores de reparto. Y descubrió en Lady Lou a un tal Cary Grant.

16- VIVIEN LEIGH

A Clark Gable le importaría un bledo, pero l o que hizo Vivien Leigh después de Lo que el viento se llevó (su primer Oscar) fue actuar como nunca. El puente de Waterloo, César y Cleopatra o la inolvidable Blanche de Un tranvía llamado Deseo, su segundo Premio de la Academia.

17- LILLIAN GISH

Una de las actrices más poderosas del Hollywood mudo que tiene en su haber Lirios rotos, El nacimiento de una nación, Intolerancia o Las dos huérfanas, obras maestras de la época silente del cine. Pero su paso al sonoro no la dejó atrás: La noche del cazador fue su gran éxito en esta nueva etapa.

18- SHIRLEY TEMPLE

Si con 4 años ya estás actuando, es que algo tienes de celuloide en las venas. Eso le ocurrió a Shirley Temple, ganadora como Judy Garland del Premio Juvenil de la Academia. Entendió el entretenimiento desde que apenas sabía hablar y lució su pequeña estatura en La pequeña princesa, Ricitos de oro o Heidi, películas prototípicas de esa forma de hacer cine. Se hizo mayor con Te volveré a ver y Fort Apache.

19- RITA HAYWORTH

La gran pelirroja. La única vía de escape de una Cadena Perpetua. Nadie se ha sabido quitar un guante como Gilda. Rita Hayworth fue el mito antes de que fuera ella misma. Las modelos, La dama de Shanghai, Sólo los ángeles tienen alas. Su filmografía parecía tener que cincelarse siendo Salomé. Y lo fue.

20- LAUREN BACALL

"Si me necesitas, silba". Y todos silbamos porque todos, claro, la necesitamos. Quizá no tanto como Humphrey Bogart, pero sí lo suficiente para extrañarla. Una dama en el cine y del cine, Lauren Bacall fue incansable e inclasificable, Tener y no tener, El sueño eterno, Cayo largo, La senda tenebrosa. Su romance con el galán del cigarro traspasó la pantalla, pero su fuego era más grande: Asesinato en el Orient Express, Harper, investigador privado, o, como punto final, Dogville, Lauren Bacall tenía un alma que se presentaba junto a ella.

21- SOPHIA LOREN

La italianísima. 81 años aún la acompañan. Ganó un Oscar por Dos mujeres y porque era la perdición más latina que habían visto en América. Con Matrimonio a la italiana, Ayer, hoy y mañana o Una jornada particular consiguió eclipsar a Mastroianni, pero Sophia Loren vino a España a rodar La caída del Imperio romano y El Cid, y cuando se iba la Península parecía más tundra que nunca.

22- JEAN HARLOW

La rubia platino más oscura. Murió a los 26 después de todo un trajín de desengaños. Era mito sexual, mito érotico, actriz gigante. Destacó en El enemigo público frente a James Cagney, frente a William Powell en Una mujer difamada, ante Clark Gable en Tierra de pasión o frente a Cary Grant en Suzy. La mayor estrella de la Metro se apagó porque hacía falta alguna supernova en su vida.

23- CAROLE LOMBARD

24- MARY PICKFORD

Aunque haya quienes no han visto ni verán una película muda, su rostro es el que asociarán a los años jóvenes del cine. Conocida como la primera 'novia de América', Mary Pickford ganó un Oscar por Coqueta, pero su filmografía está llena de éxitos de los que muchos no llegaron a España. La fierecilla domada, La pequeña vendedora, Dorotea Vernon, La pequeña Anita, Sparrows. La llegada del cine sonoro y su desdén por el personaje tipo que venía interpretando la relegaron de su pasión. Murió en 1979, pero había dejado de actuar en 1933.

25- AVA GARDNER

NUESTRAS 25 ACTUALES

1- MERYL STREEP

¿Alguien lo dudaba? La actriz total, la que ha hecho parecer simplísima la emoción más difícil, la de los 3 Oscars, la que cada nuevo proyecto se titula como '¿su próxima nominación?' (y van 19), la que todas las actrices vivas nombran como su referente, la que perdió a su gran amor (el actor John Cazale), la que casi no miente nunca delante de una cámara, la de la filmografía indivisible -o se nombran todas las películas o ninguna-. Meryl Streep. Ella.

2- CATE BLANCHETT

Ha sido Bob Dylan. La Reina Isabel. La libertad sexual más pura. Herida de bala. Galadriel. Azul Jasmine. Y la mejor Katharine Hepburn sin Katharine Hepburn. Pero siempre Blanchett. Cate Blanchett. Lleva dos Oscars y seis nominaciones. Nadie duda que habrá más pues nadie ha conseguido como ella que cada gesto respire una elegancia centrífuga.

3- KATE WINSLET

Kate Winslet que tiene el don de hacer mejor a todo aquel que le acompañe. Su sencillez actuando tiene una altura atrás de mucho esfuerzo. Despuntó en Sentido y Sensibilidad, pero su carrera fue viento en popa de una forma inversamente proporcional al Titanic. Iris, ¡Olvídate de mí!, Descubriendo Nunca Jamás, Juegos secretos, El Lector (único Oscar de 7 nominaciones, que no se puede quejar su amiguísimo Leo), Revolutionary Road, Un Dios salvaje o Steve Jobs la delatan como la actriz todoterreno.

4- JULIANNE MOORE

El Oscar a la quinta nominación sonó a justicia en todo el mundo. Julianne Moore siempre ha trabajado a la contra, casi desde la tramoya del cine, no dándose importancia. Pero su físico rojizo no se olvida. Desde Vidas cruzadas a Still Alice sus años dan para mapa de quien sabe navegar en Hollywood: Boogie Nights, Magnolia, Lejos del cielo, Las horas, Hijos de los hombres, Maps to the Stars...

5- SUSAN SARANDON

Susan Sarandon ya empezó dando el do de pecho. Un Billy Wilder ( Primera plana) antecedió a The Rocky Horror Picture Show y ya no hubo mas que seguir ese cuaderno de bitácora: Thelma & Louise, Atlantic City, Pena de muerte -ese Oscar-, El aceite de San Lorenzo o sus colaboraciones con su ex marido Tim Robbins le han dado un estatus que ahora usa para aleccionar la política USA, siempre tan comprometida como sus personajes.

6- JULIETTE BINOCHE

Su aparente fragilidad de copa de vino francés no la detiene. Actriz de oficio y buen ojo para los directores, se ha involucrado como pocas para aceptar a sus personajes tal y como son. Su palmarés lo abarca todo. Sus películas ( Los amantes del Pont-Neuf, El paciente inglés, La insoportable levedad del ser, Tres colores: Azul, Caché, Copia certificada, Chocolat, Nadie quiere la ncohe), también.

7- NATALIE PORTMAN

La gran heredera de Audrey Hepburn está licenciada en psicología por Harvard, sabe 6 idiomas y fue bautizada en su Jerusalén natal como Neta-Lee Herhslag. Otorga muchísima uña femenina en cada papel que acepta. Comenzó siendo una niña y ha crecido con el público, que le ha dado poder a su buen instinto: El profesional (León), Heat, Cold Mountain, la segunda trilogía de Star Wars, Closer (su primera nominación), V de Vendetta y hasta su Oscar por Cisne Negro. Pronto será Jackie Kennedy con Pablo Larraín de director y ha trabajado con Terrence Mallick o Xavier Dolan, porque su valentía es de animal que lleva dentro.

8- JENNIFER LAWRENCE

Jennifer Lawrence surgió del frío. Y se llevó su primera nominación. Con Winter's bone empezó un ascenso casi inaudito que en menos de 5 años la convirtieron en la actriz mejor pagada del planeta, logro que repite en 2016. Cada rol lo atrapaba con garra buena: Mística en X-Men, Katniss en Los juegos del hambre. Y mientras, caídas en las alfombras rojas de la Academia o recogiendo el Oscar por El lado bueno de las cosas. En David O. Russell tiene a su gran pedestal. Pero su futuro vuelve a pintar de oro: Darren Aronofsky, Steven Spielberg o Passengers, con Chris Pratt.

9- MARION COTILLARD

Unos ojos que hablan por sí solos. En ninguna pantalla es extranjera, pero su raíz francesa es su mejor ancla al presente. Ya inigualable en territorio galo, el calambrazo con el público llegó de la mano de su actual pareja: Quiéreme si te atreves la puso en órbita. Después, y tras un Tim Burton ( Big Fish), ebullió con su Edith Piaf en La vie en rose, cuyas canciones le han acompañado en más cintas. Origen, Pequeñas mentiras sin importancia, Midnight in Paris, De óxido y hueso, Dos días y una noche y un futuro largo para seguir cumpliendo promesas.

10- SALLY FIELD

Dos Oscars y apenas si aún así la reconocen. Ese es el éxito de una actriz que ha hecho de la lágrima un triunfo que no se evapora como de la risa un llanto equivocado. Sally Field llegó a la fama tardíamente, pero su carrera es una maratón con treguas para sí misma: Norma Rae, Un lugar en el corazón, Magnolias de acero, Forrest Gump o Lincoln rubrican su calidad innata.

11- NICOLE KIDMAN

Lejos de polémicas botoxnianas y demás habladurías, lo cierto es que sin Kidman no se entendería el cine reciente. De rizada pelirroja a rubia alisada, sus actuaciones no se han visto muy afectadas por sus cabelleras. Su profético papel en Todo por un sueño la llevó a ser adalid de toda una generación. Y harta de cierta clase de papel estereotípico se propuso virar su carrera. Y ahí metió el óxido nitroso: Moulin Rouge, Eyes Wide Shut, Los otros, Las horas (su Oscar por hacer de Virginia Woolf), Dogville, Cold Mountain. Ahora decide trabajar sólo con directores de mirada propia ( Stoker, Margot y la boda). Y a la espera de la próxima vez que acelere.

12- HELEN MIRREN

La gran dama británica es impredecible a sus 71 años. Hace lo que quiere porque no precisa de más consideración. Ganadora del Oscar por La Reina, Helen Mirren es un seguro incluso antes de que empezara a sonar tras Excalibur, en la que encarnó a Morgana. La costa de los mosquitos, El cocinero, el ladrón, su mujer y su amante, La locura del rey Jorge, En el nombre del hijo, Last Orders y luego sus secundarios en Gosford Park, La sombra del poder o Hitchcock. Ahora es heroína de acción con las dos partes de Red y la próxima entrega de Fast & Furious. Ella puede con todos.

18- SHIRLEY MACLAINE

Tras 5 nominaciones, el Oscar llenó una vitrina que lo llevaba esperando demasiado (por La fuerza del cariño). El pelo corto más reconociblemente eterno del cine se instaló en el corazón de C.C. Baxter con la irrepetible ascensorista Kubelik. Pero no todo Shirley MacLaine es El apartamento: Como un torrente, Paso decisivo, Todo en una noche, La calumnia, Irma la dulce (repitiendo con el tándem Wilder-Lemmon), Ella y sus maridos, Siete veces mujer o Bienvenido Mr. Chance respaldan una trayectoria con el pulso horizontal de no haber perdido nunca ser su propia guía.

19- CATHERINE DENEUVE

Con una firmeza que ha aguantado cada embite de la edad, Catherine Deneuve ha alargado su savoir faire por más de 100 películas. Con un porte a medio camino entre la delicadeza y el nervio, su rápida irrupción en el cine con Los paraguas de Cherburgo ya auguraba su potencia: Repulsión, Las señoritas de Rochefort, El amor es un extraño juego o sus obras maestras con Luis Buñuel, Tristana y Belle de jour ( Bella de día).

20- JESSICA LANGE

21- ANNA KARINA

22- RACHEL WEISZ

Rachel Weisz tiene algo de anfibio en la piel. Se mueve en cada papel como si fuera su hábitat. Y en todo ecosistema caza. Ganadora de un Oscar por El jardinero fiel, comenzó a vislumbrarse su poderío con Bertolucci ( Belleza robada), pero fue un blockbuster con alma ( La momia) quien la pulió en Hollywood. Criaturas hermosas, Enemigo a las puertas, La fuente de la vida, My blueberry nights, Ágora (con Amenábar), La verdad oculta y, luego, s u propio zig zag de papeles con los directores con quienes quería -necesitaba- trabajar, con The Deep Blue Sea, Langosta, La juventud o La luz entre los océanos, de próximo estreno.

23- JUDI DENCH

Judi Dench tenía la sana costumbre de conseguir nominaciones al Oscar cada vez que se alejaba de la M de la saga de James Bond. Sólo un Premio de la Academia de 7 nominaciones sin embargo para una actriz que ha hecho del saber estar y estar en el lugar adecuado su modus vivendi. Diario de un escándalo, Philomena, Su majestad Mrs. Brown, Shakespeare enamorado, Iris, Mrs. Henderson presenta o Chocolat corroboran una fama tardía que no le resta un ápice de talento.

24- JODIE FOSTER

Aunque Jodie Foster esté últimamente más centrada en la dirección que en su oficio delante de las cámaras, cualquier papel que aceptara sería noticia. Su precoz gestualidad le valió un papel arriesgadísimo que sacó adelante: la prostituta de Taxi Driver. Bautizarse con Scorsese tal vez tuvo algo que ver en sus dos Oscars posteriores, por Acusados y El silencio de los corderos. Pero no hay que desdeñar su trayectoria: La habitación del pánico, Nell, Plan oculto, Un dios salvaje, Contact...

25- ZHANG ZIYI

El contrapunto asiático de la lista, una actriz que ha hecho por Oriente en Hollywood una nueva porcelana en el arte de actuar. Se sacudió con furia las críticas de Memorias de una geisha por no ser japonesa, pero en su China natal ha participado en todas las películas que han cruzado ampliamente las fronteras: Tigre y dragón, Héroe, La casa de las dagas voladoras, El camino a casa, The Grandmaster, 2046,... J.J. Abrams no la ha olvidado y desde su productora la ha fichado para un proyecto secretísimo, como acostumbra: God Particle.

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Actualizado 30/08/2016 16:43:54 CET MADRID, 26 Ago. (EDIZIONES - Álvaro Macías) Las actrices. Esas mujeres que en la vida real se comportan de formas más o menos ortodoxas, pero dentro de las pantallas... dentro de las pantallas consiguen ser desde escritoras a heroínas a vagabundas a damiselas en apuros y a todo lo contrario.