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La función de las artes a través de la historia cultural humana ha sido y continúa siendo una tarea de “construcción de la realidad‟. Las diferentes artes construyen representaciones del mundo que pueden inspirar a los seres humanos para comprender mejor el presente y crear alternativas de futuro. Las construcciones sociales que encontramos en las artes contienen representaciones de estas realidades sociales que contribuyen a la comprensión del paisaje social y cultural en el que habita cada individuo.

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Elliot W. Eisner

Argumenta la importancia de la educación artística en el desarrollo integral de los estudiantes.

Sus ideas claves fueron las siguientes:

Valor del Arte en la Educación: Eisner sostiene que el arte ofrece formas únicas de entender el mundo y fomenta habilidades críticas como la observación, la imaginación y la creatividad.

Desarrollo Cognitivo: El aprendizaje a través del arte estimula el pensamiento crítico y la resolución de problemas, ya que requiere que los estudiantes evalúen, analicen y hagan elecciones estéticas.

Expresión Personal: El arte permite a los estudiantes expresar sus sentimientos y experiencias de manera personal.

Cultura y Sociedad: El arte también ayuda a los estudiantes a comprender y apreciar la diversidad cultural, promoviendo la empatía y la conexión con diferentes perspectivas.

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Según Ana Barbosa,el arte en la educación es fundamental por varias razones.

¿Por qué?

Desarrollo integral: El arte fomenta el desarrollo integral del estudiante, combinando la creatividad, la imaginación, la expresión y la comunicación. Pensamiento crítico: El arte estimula el pensamiento crítico, la reflexión y la análisis, habilidades esenciales para la resolución de problemas.

Creatividad y innovación: El arte promueve la creatividad y la innovación, capacidades clave para enfrentar los desafíos del siglo XXI.

Auto expresión y confianza: El arte permite a los estudiantes expresarse y comunicarse de manera auténtica, fortaleciendo su autoestima y confianza.

Interdisciplinariedad: El arte conecta con otras áreas del currículum, como la historia, la literatura, la ciencia y la tecnología.

¿Para qué?

Formar ciudadanos creativos y críticos: El arte ayuda a desarrollar ciudadanos capaces de pensar de manera innovadora y crítica.

Fomentar la empatía y la comprensión: El arte promueve la empatía y la comprensión hacia diferentes culturas, perspectivas y experiencias.

Desarrollar habilidades sociales: El arte fomenta la colaboración, la comunicación y la resolución de conflictos.

Enriquecer la experiencia educativa: El arte hace que el aprendizaje sea más atractivo, significativo y memorable.

Preparar para un futuro incierto: El arte ayuda a los estudiantes a desarrollar la flexibilidad, la adaptabilidad y la resiliencia necesarias para enfrentar un futuro en constante cambio.

En resumen, Ana Barbosa considera que el arte en la educación es esencial para desarrollar estudiantes creativos, críticos, empáticos y preparados para enfrentar los desafíos del siglo XXI.

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OSTERRIETH

"El dibujo en el niño"

En este texto la autora destaca aspectos sobre el dibujo en las infancias y habla de un Proceso de expresión, Valoración del proceso, y de la inclusión y diversidad simulando las ideas de Eisner.

se considera que "El dibujo en el niño" subraya la importancia de fomentar el dibujo como un medio esencial para el desarrollo integral de los niños, destacando su relevancia en la educación y la salud emocional.

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Maxine Greene filósofa y educadora estadounidense, fue una defensora apasionada del papel del arte en la educación.🎨🖌️

Por qué el arte en la educación:

Desarrollo de la imaginación: Greene consideraba que el arte es esencial para desarrollar la imaginación y la creatividad en los estudiantes.

Fomento de la conciencia crítica: El arte ayuda a los estudiantes a cuestionar y reflexionar sobre su entorno y la sociedad.

Promoción de la empatía: El arte permite a los estudiantes conectar con las experiencias y emociones de otros.

Desarrollo de la identidad: El arte ayuda a los estudiantes a explorar y expresar su propia identidad y cultura.

Ruptura con la rutina: El arte rompe con la rutina y la monotonía en el aula.

Para qué el arte en la educación:

Formar ciudadanos reflexivos y críticos: Greene creía que el arte ayuda a desarrollar ciudadanos capaces de pensar críticamente y reflexionar sobre su mundo.

Fomentar la justicia social: El arte puede ser un herramienta poderosa para abordar temas sociales y promover la justicia.

Desarrollar la creatividad y la innovación: El arte es esencial para fomentar la creatividad y la innovación en los estudiantes.

Enriquecer la experiencia educativa: El arte hace que el aprendizaje sea más significativo y memorable.

Preparar para un futuro incierto: Greene consideraba que el arte ayuda a los estudiantes a desarrollar la flexibilidad y la adaptabilidad necesarias para enfrentar un futuro en constante cambio.

Algunas de sus citas más relevantes sobre el tema son:

📌"El arte es una forma de despertar, de hacer que los estudiantes se den cuenta de que hay más en la vida que lo que se ve en la superficie."

📌"La educación artística es esencial para desarrollar la imaginación, la creatividad y la conciencia crítica en los estudiantes."

🎨🖌️En resumen, Maxine Greene consideraba que el arte en la educación es fundamental para desarrollar estudiantes reflexivos, críticos, creativos y preparados para enfrentar los desafíos del siglo XXI.🖍️🖌️🎨

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🎨Niveles de significación🖌️

Nivel denotado: Se refiere al significado literal o objetivo de una obra de arte. Es la interpretación más superficial y directa de la obra.

Nivel connotado: Se refiere a los significados subyacentes, simbólicos o emocionales de una obra de arte. Es la interpretación más profunda y subjetiva de la obra.

Resignificación y divergencia Resignificación: Es el proceso de reinterpretar o reasignar significado a una obra de arte, ya sea por el artista o por el espectador.

Divergencia: Se refiere a la multiplicidad de interpretaciones y significados que pueden surgir a partir de una obra de arte.

📌Importancia en la educación artística

Desarrollo de la interpretación crítica: Los niveles denotado y connotado ayudan a los estudiantes a desarrollar habilidades críticas para analizar y interpretar obras de arte.🖍️ Fomento de la creatividad: La resignificación y divergencia estimulan la creatividad y la imaginación en los estudiantes.

🎨 Comprensión de la subjetividad: Los niveles connotado y denotado ayudan a los estudiantes a entender que la interpretación de una obra de arte es subjetiva y puede variar según la perspectiva individual.

🖌️Desarrollo de la empatía: La comprensión de los significados connotados y denotados puede fomentar la empatía y la comprensión hacia diferentes culturas y perspectivas.

📌Estrategias para implementar en la educación artística Análisis de obras de arte: Utilizar obras de arte para analizar y discutir los niveles denotado y connotado.

Creación de arte: Estimular a los estudiantes a crear obras de arte que incorporen significados denotados y connotados. Discusiones y debates: Fomentar discusiones y debates sobre las interpretaciones y significados de las obras de arte.Incorporación de la teoría crítica: Introducir conceptos teóricos críticos para analizar y entender los significados y resignificaciones en el arte.

En resumen, los niveles denotado y connotado, junto con la resignificación y divergencia, son fundamentales en la educación artística para fomentar la interpretación crítica, la creatividad, la empatía y la comprensión de la subjetividad.🎨🖌️

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Arthur Efland "Una historia de la educación del arte" su aporte al campo de la educación artística 🎨🖌️

La educación artística ha evolucionado a lo largo de la historia, reflejando cambios en la sociedad, la cultura y la tecnología.

La educación artística es esencial para el desarrollo integral del estudiante.

El arte es una forma de conocimiento y comprensión.

La creatividad es un proceso, no un producto.

¿Por qué el arte en la educación?

🧩Desarrollar la creatividad y la imaginación.

Fomentar la expresión personal y la comunicación.

Mejorar la observación y la percepción.

¿Para qué el arte en la educación?

🪁Formar ciudadanos críticos y creativos.

Fomentar la apreciación y el respeto por la diversidad cultural.

Preparar a los estudiantes para un mundo en constante cambio.

Arthur Efland considera que la educación artística es fundamental para desarrollar ciudadanos creativos, críticos y sensibles, capaces de apreciar y respetar la diversidad cultural y enfrentar los desafíos Su obra proporciona una visión integral y cronológica de la historia de la educación artística.🎨🖌️

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Pierre Bourdieu, sociólogo francés, analiza el concepto de "capital cultural" en relación con el arte y la educación.

Capital cultural:El capital cultural se refiere a los conocimientos, habilidades y gustos culturales que una persona posee y que le permiten acceder a ciertos grupos sociales y económicos.El arte es una forma de capital cultural que puede ser utilizado para distinguir entre clases sociales.

Arte para pocos o para todos:

Bourdieu argumenta que el arte tradicionalmente ha sido reservado para una élite cultural y económica.Sin embargo, considera que el arte debería ser accesible para todos, ya que es una forma de enriquecer la vida y promover la comprensión y la empatía.

¿Por qué el arte en la educación?

Desarrolla la sensibilidad y la apreciación fomenta la creatividad y la imaginación, promueve la comprensión y la empatía hacia diferentes culturas y perspectivas desarrolla habilidades críticas y analíticas.

¿Para qué el arte en la educación?

Busca formar ciudadanos cultos y críticos.

Promover la igualdad de oportunidades y la justicia social.

Fomentar la innovación y la creatividad.

Desarrollar la identidad y la autoestima.

Bourdieu critica el sistema educativo por reproducir las desigualdades sociales y económicas.Argumenta que la educación artística debe ser más inclusiva y accesible para todos.

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La percepción y la sensopercepción son procesos fundamentales en la experiencia del arte y juegan un papel crucial en la educación artística.

Percepción:

La percepción se refiere a la forma en que nuestro cerebro interpreta y organiza la información sensorial que recibimos del entorno. En el contexto del arte, la percepción se relaciona con la forma en que el espectador interpreta y entiende la obra de arte.

Sensopercepción:

La sensopercepción se refiere a la experiencia sensorial que se produce cuando interactuamos con una obra de arte. Incluye la percepción visual, auditiva, táctil, olfativa .

📌Importancia en la educación📌

La percepción y la sensopercepción son fundamentales en la educación artística porque:

Desarrollan la creatividad ,la percepción y la sensopercepción estimulan la imaginación y la creatividad en los estudiantes.

Fomentan la observación;La percepción y la sensopercepción ayudan a los estudiantes a desarrollar habilidades de observación y análisis.

Promueven la empatía: La experiencia sensorial del arte puede fomentar la empatía y la comprensión hacia diferentes culturas y perspectivas.

Desarrollan la crítica: La percepción y la sensopercepción ayudan a los estudiantes a desarrollar habilidades críticas para analizar y evaluar obras de arte.

Integran las artes: La percepción y la sensopercepción pueden integrar las diferentes artes (música, teatro, danza, pintura, etc.) en una experiencia educativa más amplia. 💃🕺🌺🛼🩰🎨🖍️🥁

La percepción y la sensopercepción son fundamentales en la educación artística para fomentar la creatividad, la observación, la empatía, la crítica y la integración de las artes.

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Las etapas del dibujo, según el desarrollo infantil propuesto por Viktor Lowenfeld.

Las etapas del dibujo propuestas por Viktor Lowenfeld son una herramienta valiosa para entender el desarrollo infantil y cómo evoluciona la percepción y la expresión artística de los niños. Estas etapas ayudan en varios aspectos del desarrollo, tanto desde el punto de vista educativo como psicológico:

1. Comprender el desarrollo cognitivo y emocional

Cada etapa del dibujo refleja cómo los niños perciben el mundo y cómo expresan sus emociones. Los docentes y padres pueden observar los dibujos de los niños para detectar su nivel de madurez cognitiva, emocional y social. Por ejemplo:

En las primeras etapas, los dibujos suelen ser más simples y esquemáticos, lo que refleja una visión más subjetiva del mundo.

En las etapas más avanzadas, los niños comienzan a usar símbolos y figuras más complejas, lo que indica un pensamiento más estructurado y lógico.

Fomentar la creatividad

Las etapas ayudan a los educadores a entender cuándo es el momento adecuado para introducir ciertos materiales o técnicas, de acuerdo al nivel de desarrollo de los niños. Conocer estas fases permite fomentar la creatividad sin forzar un avance prematuro, lo que podría limitar la espontaneidad o causar frustración.

Desarrollo motor fino

A medida que los niños avanzan por las etapas de dibujo, también están mejorando su motricidad fina. El control sobre el lápiz, la coordinación ojo-mano y la precisión en los trazos son indicadores del progreso en este ámbito.

Detección temprana de dificultades

Las etapas del dibujo también pueden ser útiles para detectar posibles retrasos o dificultades en el desarrollo. Si un niño no está progresando de acuerdo con las etapas esperadas, podría ser indicativo de algún problema de desarrollo cognitivo, motor o emocional. Los profesionales pueden intervenir a tiempo con estrategias adecuadas.

Fomento de la autoestima

Entender las etapas del dibujo permite a los adultos ofrecer una retroalimentación adecuada y constructiva. Valorar el esfuerzo creativo y el progreso, en lugar de criticar la falta de realismo o técnica en las primeras etapas, ayuda a fortalecer la autoestima y la confianza en los niños.

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Los niños disfrutan del arte pudiendo expresar su imaginación y sus sentidos, el arte en los niños sirve como recreación para liberarse y expresar sus emociones.

https://youtu.be/6XBu68hg7bs?si=O6M7W5DndbnpKkp2

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Los Pintores | Qué Quieres Ser? | Canciones de Profesión para Niños | Soy un Artista | Hola Cocobi

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💥Imaginación Vs Estereotipos 💥 La imaginación y los estereotipos son conceptos fundamentales en la educación artística, ya que pueden influir en la forma en que los estudiantes perciben y comprenden el mundo.La imaginación y los estereotipos son dos conceptos que pueden estar relacionados entre sí, pero también pueden ser opuestos.

Imaginación :La imaginación es la capacidad de crear imágenes mentales y concebir ideas nuevas y originales. Es una facultad cognitiva que nos permite:

Crear mundos y realidades alternativas.

Desarrollar la creatividad y la innovación.

Explorar posibilidades y soluciones.

Encontrar significado y propósito.

Estereotipos:Los estereotipos son creencias o imágenes preconcebidas que se aplican a personas, grupos o situaciones sin considerar su individualidad. Los estereotipos pueden ser:

Limitantes: restringen nuestra comprensión y percepción.

Inexactos: no reflejan la realidad.

Dañinos: pueden perpetuar la discriminación y la exclusión.

*Imaginación vs estereotipos*

La imaginación puede ser opuesta a los estereotipos en varios sentidos:

La imaginación nos permite explorar y crear, mientras que los estereotipos nos limitan y restringen.

La imaginación nos permite crear algo nuevo, mientras que los estereotipos repiten patrones y creencias establecidos.

La imaginación puede incluir y considerar diversas perspectivas, mientras que los estereotipos pueden excluir y marginar.

 La imaginación y los estereotipos son conceptos opuestos que pueden influir en nuestra percepción y comprensión del mundo. Fomentar la imaginación y combatir los estereotipos puede ayudarnos a crear un mundo más inclusivo y creativo.

El arte en la escuela es fundamental para:

Desarrollar la imaginación: El arte permite a los estudiantes explorar y expresar sus ideas y emociones de manera creativa🎉

Romper estereotipos: El arte puede ayudar a desafiar y cuestionar creencias y suposiciones establecidas🌸

Fomentar la creatividad: El arte estimula la imaginación y la innovación.🌼

Desarrollar la crítica: El arte ayuda a los estudiantes a analizar y evaluar información de manera crítica.✨

Promover la diversidad: El arte puede reflejar y celebrar la diversidad cultural y personal.💫

¿Cómo el arte combate los estereotipos?

El arte puede combatir los estereotipos de varias maneras:

Representación diversa: El arte puede mostrar personas y culturas de manera auténtica y diversa.

Desafío a la norma: El arte puede cuestionar y desafiar creencias y suposiciones establecidas.

Perspectivas múltiples: El arte puede ofrecer diferentes perspectivas y puntos de vista.

Estimulación de la empatía: El arte puede ayudar a los estudiantes a entender y sentir empatía hacia otros.
El arte en la escuela es fundamental para fomentar la imaginación y combatir los estereotipos. Al incorporar estrategias creativas y críticas, los educadores pueden ayudar a los estudiantes a desarrollar una comprensión más profunda y empática del mundo.

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La sensopercepción esta formada por dos procesos básicos la sensación que es realizada a través de los órganos y la percepción que se lleva adelante mediante los mecanismos mentales.

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Cuadros comparativos entre sensación y percepción: Diferencias ...

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El arte propicia una forma de conocimiento que se sustenta en el Pensamiento Divergente, que está relacionado con la creatividad. Se trata de un proceso que se utiliza para generar ideas diferentes y creativas ante la solución de un problema y podemos inferir en que el arte motoriza este proceso.

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Cómo desarrollar la creatividad en la escuela? - La fábrica de los ...

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La creatividad en la escuela es fundamental porque fomenta un aprendizaje más significativo, integral y conectado con las experiencias de los estudiantes. Algunos puntos clave sobre su importancia son:

1. Desarrollo de habilidades críticas y de resolución de problemas: Al fomentar la creatividad, se invita a los estudiantes a pensar de manera innovadora, lo que les permite abordar los problemas desde diferentes perspectivas. Esto los prepara para resolver situaciones complejas en la vida real.

2. Motivación y compromiso: La creatividad en el aula estimula el interés y la curiosidad de los estudiantes, haciendo que se sientan más comprometidos con el aprendizaje. Al poder expresar ideas propias y experimentar, se sienten más motivados a participar activamente.

3. Fomento de la individualidad y la autoexpresión: Permitir la creatividad en el aprendizaje da espacio a los estudiantes para que descubran sus propios talentos, intereses y fortalezas, promoviendo una mayor autoconfianza y un sentido de identidad.

4. Adaptación a un mundo en constante cambio: Vivimos en una sociedad donde el conocimiento y las tecnologías cambian rápidamente. Fomentar la creatividad prepara a los estudiantes para ser flexibles y adaptables, habilidades esenciales para su futuro profesional y personal.

5. Mejora de las relaciones interpersonales: La creatividad no solo es individual, también es colaborativa. Trabajar en proyectos creativos en grupo enseña a los estudiantes a comunicarse, colaborar y respetar las ideas de los demás, fortaleciendo sus habilidades sociales.

6. Construcción de sentido crítico: Paulo Freire enfatiza la importancia de un aprendizaje activo y reflexivo, donde el estudiante es un agente transformador de su realidad. La creatividad facilita esta reflexión crítica sobre el mundo y el entorno que les rodea, generando no solo conocimiento, sino también una conciencia crítica y liberadora.

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Cuál es la importancia de la creatividad en la pintura - BIEI

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🎨Victor Lowenfeld, un educador y psicólogo estadounidense, es conocido por su trabajo pionero en la educación artística. En su libro "Desarrollo de la capacidad creadora", Lowenfeld explora el significado del arte en la educación y su importancia en el desarrollo del potencial creativo de los estudiantes.

Significado del arte en la educación.

Lowenfeld comienza su libro destacando la importancia del arte en la educación, argumentando que el arte es una forma de expresión y comunicación fundamental para los seres humanos, permite a los estudiantes explorar y expresar sus pensamientos, sentimientos y experiencias,fomenta la creatividad, la imaginación y la innovación,es una herramienta para desarrollar la observación, la percepción y la crítica.

📌Etapa de desarrollo artístico según Lowenfeld:

Etapa de exploración(2-4 años): Los estudiantes exploran materiales y técnicas.

Etapa de experimentación (4-6 años): Los estudiantes experimentan con diferentes materiales y técnicas.

Etapa de creación (6-8 años): Los estudiantes crean obras de arte más complejas.

Etapa de refinación (8-12 años): Los estudiantes refinan sus habilidades y técnicas.

🎨Lowenfeld enfatiza la importancia del arte en la educación como una forma de expresión, creatividad y desarrollo personal. Su teoría del desarrollo artístico proporciona un marco para entender cómo los estudiantes progresan en su capacidad creadora.🖍️🖍️

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Viktor Lowenfeld sostiene que el arte es fundamental en la educación, ya que no solo estimula la creatividad, sino que también promueve el desarrollo emocional, social y cognitivo de los estudiantes.

Autoexpresión: El arte permite a los estudiantes expresarse de manera única, facilitando la exploración de sus pensamientos y sentimientos.

Desarrollo Integral: Contribuye a habilidades de observación, interpretación y toma de decisiones, esenciales en el aprendizaje.

Entorno Educativo: Es crucial crear un ambiente que valore la expresión artística, asegurando que todos los estudiantes tengan acceso a estas experiencias.

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Etapa del garabato (2-4 años):

Los niños comienzan a hacer marcas aleatorias. No buscan representar objetos reales, sino que exploran la acción de dibujar.

Etapa del realismo (4-7 años):

Los dibujos empiezan a tener formas reconocibles. Los niños intentan representar objetos de su entorno, aunque lo hacen de manera simplificada.

Etapa del esquema (7-9 años):

Los niños crean "esquemas" o representaciones más complejas, utilizando formas básicas y figuras humanas. Pueden combinar diferentes elementos en una sola imagen.

Etapa del realismo convencional (9-12 años):

Se busca un mayor realismo y proporción. Los niños comienzan a entender y aplicar conceptos de perspectiva y sombras.

Etapa del arte maduro (12 años en adelante):

Los adolescentes desarrollan un estilo personal y pueden experimentar con técnicas y medios variados. Se enfocan más en la expresión y en comunicar ideas.

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Andrea Giráldez y Silvia Malbrán son educadoras y especialistas en el campo de la educación artística y musical. En el contexto de sus trabajos sobre el perfil de los educadores, proponen ideas relacionadas con los roles de generalistas, especialistas y artistas en la enseñanza, particularmente en la educación artística

Generalistas

Los educadores generalistas son aquellos que poseen una formación amplia en varias áreas del conocimiento, lo que les permite enseñar diversas materias. En el contexto artístico, los generalistas pueden integrar la enseñanza del arte con otras disciplinas, como ciencias sociales o lengua, promoviendo una visión interdisciplinaria.

Su papel es clave en los niveles de educación primaria, donde se espera que los docentes tengan una visión global del currículo, utilizando el arte como una herramienta para el desarrollo integral de los estudiantes.

Sin embargo, debido a su formación más amplia, pueden carecer de la profundidad técnica que un especialista o un artista puede aportar.

2. Especialistas

Los especialistas son aquellos docentes que han recibido una formación profunda en una disciplina en particular, como música, artes visuales, o teatro. Estos profesionales tienen un conocimiento técnico y metodológico específico, lo que les permite ofrecer una enseñanza más detallada y estructurada en su área.

En la educación artística, los especialistas desempeñan un rol fundamental en el desarrollo de habilidades y competencias específicas, guiando a los estudiantes en el dominio técnico de una disciplina.

Se espera que colaboren con los generalistas para enriquecer el currículo y garantizar que los estudiantes reciban una formación artística de calidad.

3. Artistas

Los artistas que ejercen como educadores aportan una visión única basada en su experiencia personal y profesional en el ámbito creativo. A menudo son capaces de inspirar a los estudiantes desde su propia práctica artística.

A diferencia de los generalistas y especialistas, los artistas tienden a centrarse en los procesos creativos y en la experiencia estética más que en las estructuras curriculares formales. Su enfoque tiende a ser más experimental y orientado hacia el desarrollo de la creatividad y la innovación en el aula.

Aunque no siempre tienen formación pedagógica formal, su presencia en la educación artística puede ser invaluable, ya que proporcionan modelos auténticos de cómo se desarrolla el proceso artístico.

Reflexiones sobre el perfil de los educadores:

Giráldez y Malbrán sugieren que la presencia equilibrada de estos tres perfiles en la educación artística puede enriquecer el proceso de aprendizaje. Mientras que los generalistas ayudan a contextualizar el arte dentro de una perspectiva más amplia, los especialistas aseguran que se mantenga la calidad técnica y académica, y los artistas proporcionan inspiración y un enfoque práctico del arte.

En términos de desarrollo profesional, proponen la importancia de la formación continua y la colaboración entre estos tres tipos de educadores para garantizar un entorno educativo que fomente tanto el rigor académico como la creatividad.

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"Lenguaje y arte: de la comunicación a la expresión subjetiva", Paula Llompart y Oscar Zelis exploran profundamente cómo el arte, más allá de su función estética, sirve como un puente entre la comunicación convencional y la expresión subjetiva. Este capítulo establece una distinción importante entre el lenguaje como vehículo comunicativo y el arte como vehículo expresivo, subrayando que, aunque ambos cumplen funciones clave, el arte permite una mayor exploración y comprensión de la interioridad humana.

El lenguaje como forma de comunicación

Al inicio, se hace énfasis en cómo el lenguaje verbal ha sido históricamente la principal forma de comunicación humana, dado que es una herramienta eficiente para la transmisión de información y significados concretos. Sin embargo, también se menciona cómo esta capacidad tiene limitaciones cuando se trata de expresar experiencias emocionales, traumas o estados de conciencia más profundos. Este reconocimiento del límite del lenguaje lleva a los autores a señalar que el arte juega un papel complementario crucial.

El arte como medio de expresión subjetiva

El arte, en cambio, se describe como una forma simbólica que permite acceder y expresar dimensiones de la experiencia humana que no pueden ser fácilmente articuladas mediante palabras. Este proceso de subjetivación a través del arte implica que el individuo no solo se comunica con los demás, sino que también se comunica consigo mismo, reconociendo y dando forma a aspectos de su identidad y subjetividad.

Los autores proponen que el arte funciona como una extensión del lenguaje porque crea nuevos significados a través de símbolos, imágenes y formas, lo que permite una expresión más libre y menos estructurada que el lenguaje verbal. Este proceso no es solo una manera de comunicarse, sino también de transformarse: al expresar su mundo interno a través del arte, el individuo puede reflexionar sobre su propia experiencia y, a menudo, reelaborarla desde una nueva perspectiva.

La relación entre el espectador y el artista

Otro aspecto clave que se aborda en este capítulo es la relación entre el creador y el espectador del arte. Mientras que el lenguaje ordinario requiere que el receptor y el emisor compartan un mismo código lingüístico para entenderse, el arte permite una interpretación más libre y múltiple. En este sentido, cada espectador trae sus propias experiencias y subjetividades a la obra de arte, participando activamente en la creación del significado. Este diálogo entre el artista y el espectador enriquece aún más la capacidad del arte para fomentar una comunicación profunda y subjetiva que puede no tener cabida en el lenguaje tradicional

Implicaciones para el desarrollo subjetivo

Desde una perspectiva psicológica y educativa, Llompart y Zelis argumentan que el arte tiene un poder transformador en el desarrollo subjetivo porque permite a las personas conectarse con sus emociones y vivencias internas de una manera directa, sin la mediación del lenguaje verbal. Esto es especialmente importante en contextos terapéuticos o educativos, donde el arte puede ayudar a personas a procesar traumas, emociones reprimidas o aspectos no verbalizados de su identidad.

El proceso artístico involucra, por tanto, una reflexión activa sobre el propio ser, facilitando el acceso a emociones y experiencias que podrían estar fuera del alcance del lenguaje hablado. Esta capacidad del arte para expresar lo inefable subraya su valor no solo como medio de comunicación, sino como una herramienta crucial para el autoconocimiento y la integración emocional.

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"El valor del arte para el desarrollo subjetivo"

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"La imaginación y el arte en la infancia" de Vygotsky:

Contexto y Propósito

Vygotsky escribió este ensayo en un contexto en el que se comenzaba a entender la psicología del desarrollo infantil. Su objetivo es investigar cómo la imaginación y el arte influyen en el crecimiento cognitivo y emocional de los niños. El texto se centra en la relación entre la actividad artística y el desarrollo de la personalidad infantil.

La Imaginación como Proceso Psicológico

Vygotsky describe la imaginación como un proceso activo que permite a los niños crear representaciones mentales de la realidad. Este proceso es vital para el desarrollo del pensamiento abstracto y simbólico. La imaginación permite a los niños explorar posibilidades, experimentar situaciones hipotéticas y aprender a través del juego y la ficción.

El Arte como Medio de Expresión

El autor argumenta que el arte es una forma de expresión que facilita la comunicación de emociones y pensamientos. A través de actividades artísticas, los niños no solo expresan su creatividad, sino que también desarrollan habilidades críticas para la interpretación y el entendimiento de su entorno.

Influencia del Contexto Cultural

Vygotsky destaca que la cultura y el ambiente social influyen en cómo los niños experimentan y expresan su imaginación. Las prácticas culturales, los mitos, y las tradiciones artísticas ofrecen un marco a través del cual los niños interpretan su mundo. La interacción social y el aprendizaje colaborativo son fundamentales en este proceso.

Desarrollo Cognitivo y Emocional

El ensayo subraya que la imaginación y el arte contribuyen al desarrollo cognitivo, emocional y social. Vygotsky sugiere que la creación artística fomenta la empatía, la autoconfianza y la resolución de problemas, habilidades que son esenciales para la vida en sociedad.

Implicaciones Educativas

Vygotsky aboga por la inclusión de la educación artística en las escuelas, enfatizando que los educadores deben promover un entorno que valore la creatividad y la expresión artística. Esto no solo enriquece la experiencia educativa, sino que también apoya el desarrollo integral del niño.

Conclusión

En resumen, Vygotsky ofrece una visión holística sobre la imaginación y el arte en la infancia, subrayando su importancia en el desarrollo humano. El ensayo se convierte en un llamado a reconocer y fomentar la creatividad como parte esencial del aprendizaje y el desarrollo personal en los niños.

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Oliverio Girondo- Veinte poemas para ser leídos en el tranvía (1922)

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Oliverio Girondo Calcomanías (1925)

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Oliverio Girondo fue un destacado poeta argentino, nacido en Buenos Aires en 1891 (no 1881, como se suele confundir a veces) y fallecido en 1967. Es uno de los autores más importantes de la vanguardia literaria latinoamericana del siglo XX. Su obra rompió con las formas poéticas tradicionales y exploró nuevas maneras de entender la estética, tanto en el contenido como en la forma de sus versos.

Girondo fue parte de la generación de escritores que buscaba modernizar la literatura argentina, impulsando una mirada cosmopolita y experimental, influenciada por los movimientos europeos de su época, como el surrealismo, el futurismo y el dadaísmo. Su poesía es notable por el uso del humor, la ironía y el juego con el lenguaje.

Algunas de sus obras más conocidas son:

Veinte poemas para ser leídos en el tranvía (1922): Su primer libro, que refleja un estilo irreverente y una estética urbana. Sus poemas son visuales y satíricos, lo que marcó una ruptura con la poesía tradicional argentina.

Calcomanías (1925): Continúa con una propuesta de poesía visual y sensorial. Es una obra que experimenta con las formas y el uso del espacio en la página.

Espantapájaros (1932): Una de sus obras más populares, donde juega con la estructura del poema y la tipografía, mezclando elementos humorísticos con un tono existencialista.

En la masmédula (1954): Esta es una de sus obras más complejas y experimentales, en la que lleva el lenguaje a su límite. Abandona la estructura gramatical tradicional, creando palabras nuevas y buscando un ritmo propio.

Girondo formó parte de los movimientos literarios más importantes de su tiempo. Fue un miembro activo de la vanguardia argentina y participó en la fundación de revistas literarias, como Martín Fierro, donde colaboró junto a otros autores célebres como Jorge Luis Borges.

Su estilo disruptivo y su capacidad para renovar la poesía lo convierten en una figura fundamental en la literatura de habla hispana, influyendo tanto a sus contemporáneos como a las generaciones posteriores de poetas.

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20 razones por las cuales el arte es bueno para los niños:

1. El arte estimula ambos lados del cerebro.

2. En el arte los niños son aprendices visuales.

3. Hay estudios que demuestran que los niños que hacen arte leen mejor y sacan mejores notas en matemáticas y ciencias.

4. Los niños aprenden usando sus sentidos y el arte es ideal en este proceso.

5. Los niños necesitan un lugar en la escuela para expresarse.

6. El arte promueve la autoestima.

7. El arte estimula a los niños a prestar más atención al espacio físico que los rodea.

8. El arte desarrolla la coordinación entre los ojos y las manos.

9. El arte estimula el desarrollo perceptivo.

10. El arte enseña a pensar dejando finales abiertos. Representa una cultura de preguntas más que una cultura de respuestas.

11. El arte enseña que puede haber más de una solución para un problema.

12. El arte enseña a los niños a pensar creativamente para resolver problemas.

13. Los niños pueden compartir y reflexionar acerca de sus trabajos de arte y aprender algo de sí mismos y del mundo en el que viven.

14. Cuando el arte está integrado a otras materias del programa escolar los niños se comprometen más en el proceso de aprendizaje.

15. En el proceso de hacer arte, el niño está expuesto a diferentes posibilidades, al descubrimiento, y a la libertad, de esta manera se evita caer en el control y predictibililidad de la educación convencional.

16. El arte nutre el alma humana. Se siente bien haciéndolo.

17. El arte trae los recursos culturales de la comunidad dentro de la clase.

18. El arte involucra a padres y tutores en la escuela invitándolos a participar como voluntarios en diversas actividades.

19. El arte proporciona un medio, un piso en común, para atravesar estereotipos raciales, barreras y prejuicios.

20. El arte es valioso por sí mismo.

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Video Youtube Vlog Un Día en Mi Vida Minimalista Aesthetic Blanco

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EL ARTE ES LA VOZ DEL ALMA EN LA EDUCACIÓN

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Significado del arte en los niños