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신사임당의 초충도 수박과 들쥐

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안트베르펜의 헨드릭 프란스 데 코르트

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헨드릭 프란스 데 코르트

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개요 헨드릭 프란스 데 코르트는 플랑드르의 풍경화가이자 제도사이다. 데 코르트는 유럽 각국으로 이동하며 작품활동을 하였는데 그는 주로 사실적인 지형 묘사가 두드러지는 풍경화와 영국의 성, 시골 집, 공원, 유적 등을 그린 것으로 알려져 있다. • 본명 : Hendrik Frans de Cort • 국적 : 네덜란드 • 활동분야 : 회화 • 사조 : 신고전주의 • 시대 : 근세 • 주요작품   - 베르튀가댕에서 바라본 샹티이 성(Le château de Chantilly vu du Vertugadin, 1781년)   - 풍경(Paysage, 18세기경) 생애 및 작품활동 헨드릭 프란스 데 코르트(Hendrik Frans de Cort)는 1742년 벨기에 안트베르펜(Antwerp)에서 태어났다. 데 코르트는 안트베르펜 출신의 풍경화가 앙리쿠스 요셉푸스 안토니센(Henricus Josephus Antonissen, 1737~1794)과 플랑드르 바로크를 계승한 고전주의 화가 빌렘 제이콥 헤리스(Willem Jacob Herreyns, 1743~1827) 아래에서 미술 교육을 받았다. 1770년에 데 코르트는 안트베르펜 세인트 루크 길드(Antwerp Guild of Saint Luke)의 마스터가 되었다. 오스트리아의 막시밀리안 프란치스코 대공(Archduke Maximilian Francis, 1756~1801)이 1774년에 네덜란드를 여행하였을 때, 오스트리아의 공자였던 찰스 알렉산더 폰 로트링겐(Prince Charles Alexander of Lorraine, 1712~1780)의 추천으로 데 코르트를 개인 화가로 임명하였다. 1776년 이후 이 화가는 프랑스 파리(Paris)로 이주하였다. 1779년에 데 코르트는 회화 조각 왕립 아카데미에 입회하게 되었고 이후 콘데 공(Prince de Condé)의 궁정 화가를 역임하였다. 1781년에 데 코르트는 프랑스 샹티이 성(Château de Chantilly)이 등장하는 사실적인 풍경화를 제작하였다. 1782년에 그는 고향 안트베르펜으로 돌아왔다. 1788년에 그는 안트베르펜 미술 장려 협회(Konstmaatschappij)라고 알려진 예술가 모임을 창립하는 프로젝트에 참여하였다. 다른 설립자로는 발타사르 파울 옴메가니크(Balthasar Paul Ommeganck, 1755~1826), 피에터 파에스(Pieter Faes, 1760~1814), 얀 요제프 호레만스 2세(Jan Josef Horemans the Younger, 1714~1790), 헨드리크 아른아웃 마이인(Hendrik Aarnout Myin, 1760~1826), 프란스 발타자르 솔빈스(Frans Balthazar Solvyns, 1760~1824), 마테우스 이냐시오 반 브리(Mattheus Ignatius van Bree, 1773~1839), 마리아 야코바 옴메가니크(Maria Jacoba Ommeganck, 1760~1849), 마르텐 와에페라츠(Marten Waefelaerts, 1748~1799) 등이 있다. 이 협회의 설립 목적은 다양한 화가의 미술 작품을 비공식적으로 홍보하고 감상하는 것이었다. 그러나데 코르트는 1789년 벨기에 혁명(Brabant Revolution) 이후 안트베르펜을 떠났기 때문에 그 이후 협회 활동에는 참여하지 않았다. 그는 1790년에 영국 런던(London)에 정착하여 여생을 보냈다. 그곳에서 그는 시골집, 궁전, 성당, 그리고 다른 경치를 화폭에 담아 매우 성공적인 경력을 쌓았다. 이때 데 코르트는 귀족과 유명인사의 후원을 받으며 작품을 제작하였다. 그는 얀 시베레흐츠(Jan Siberechts, 1627~1703), 피터 틸먼스(Peter Tillemans, 1684~1734), 피에터 안드레아스 리즈브랙(Pieter Andreas Rijsbrack, 1685/1690~1748)과 같은 플랑드르 화가의 풍경화 전통을 잇는 화가로 자리 잡았다. 데 코르트의 많은 풍경화 작품은 1790년부터 1806년까지 영국 왕립 아카데미와 영국 협회에서 전시되었다. 플랑드르 풍경화를 계승하면서도 유럽 여러 국가의 풍경을 보고 그린데 코르트는 1810년에 68세의 나이로 세상을 떠났다. 데 코르트는 오로지 풍경화와 지형화만을 제작하였던 화가이다. 그가 영국으로 이주하기 이전에 제작하였던 초기 풍경화는 다른 플랑드르 풍경화가의 작품처럼 인물이나 동물도 등장한다. 이후 영국에서 제작한 후기 작품은 매우 정확하고 사실적인 지형 묘사로 유명하다. 때때로 그는 캔버스가 아니라 마호가니 나무 패널에 그림을 그리기도 하였다. 데 코르트는 풍경화의 완성도를 극대화하기 위하여 조경 대상의 세부 사항을 조정하기도 하였다. 예를 들어, 궁전이나 성당을 묘사할 때 실제보다 더 양감이 느껴지도록 색칠하여 입체적인 효과를 강조하였다. 그는 많은 의뢰를 받았고 보다 높은 수준의 작품을 제작하기 위하여 기꺼이 멀리까지 여행하며 지형 도면을 제작하였다. 이러한 데 코르트의 풍경화는 오늘날 유럽 각국의 주요 미술관에 소장 및 전시되어 있다. 평가 헨드릭 프란스 데 코르트는 18세기에 활동한 플랑드르 출신의 풍경화 화가이다. 데 코르트는 활동 당시에도 사실적이고 정교한 풍경화로 유명했다. 활동 당시 그의 회화 스타일에 대하여 영국 출신 풍경화가 조셉 패링턴(Joseph Farington, 1747~1821)은 다음과 같이 평가하였다. “데 코르트의 풍경화는 빛과 그림자가 반짝이며 그 표현이 정밀하여 오래도록 관찰하고 그림을 연구한 흔적이 느껴진다.” 오늘날에도 데 코르트의 작품은 세부 사항까지 정밀하게 그려진 풍경화로 높이 평가받고 있다. 특히 데 코르트는 타국에서 활동하였음에도 플랑드르 전통 풍경화를 계승한 화가라는 점이 주목할만하다. 참고문헌 • 대영 미술관 • 워싱턴 내셔널 갤러리 • 암스테르담 국립박물관 • 빅토리아 알버트 미술관

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빈센트 반 고흐의 별이 빛나는 밤

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다. 반 고흐는 동생 테오에게 쓴 편지에서 "오늘 아침 나는 해가 뜨기 한참 전에 창문을 통해 아무것도 없고 아주 커 보이는 샛별밖에 없는 시골을 보았다."고 했다. 이 샛별은 그림 가운데 왼쪽에 있는 커다란 흰 별일 것이다. 그가 그린 밤하늘에서는 구름과 대기, 별빛과 달빛이 폭발하고 있다. 황량하고 짙은 파란색 하늘은 세상의 종말을 연상케 하고, 그 위로는 구름이 소용돌이치며 떠있다. 달과 별의 둘레에는 뿌옇게 무리가 져있다.

비연속적이고 동적인 터치로 그려진 하늘은 굽이치는 두꺼운 붓놀림으로 불꽃같은 사이프러스와 연결되고, 그 아래의 마을은 대조적으로 평온하고 고요하다. 마을은 있는 그대로 그린 것이 아니라 부분적으로는 고안되었는데, 교회 첨탑은 반 고흐의 고향 네덜란드를 연상시킨다. 그는 병실 밖으로 내다보이는 밤 풍경을 기억과 상상을 결합시켜 그렸는데, 이는 자연에 대한 반 고흐의 내적이고 주관적인 표현을 구현하고 있다. 수직으로 높이 뻗어 땅과 하늘을 연결하는 사이프러스는 전통적으로 무덤이나 애도와 연관된 나무이지만, 반 고흐는 죽음을 불길하게 보지 않았다.

그는 "별을 보는 것은 언제나 나를 꿈꾸게 한다."면서 "왜 하늘의 빛나는 점들에는 프랑스 지도의 검은 점처럼 닿을 수 없을까? 타라스콩이나 루앙에 가려면 기차를 타듯이, 우리는 별에 다다르기 위해 죽는다."고 했다. 이 시기에 그의 필치는 더욱 두꺼워지고 더욱 열정적으로 변했으며, 꿈틀거리는 듯한 선은 별의 광채를 한층 두드러지게 한다. 이 시기의 특징인 회오리치는 듯 꿈틀거리는 필치는 강렬한 색과 결합되어 감정을 더욱 격렬하게 표현한다. 이 곡선의 화필은 굽이치는 운동감을 표현하면서, 그림 전체를 율동적인 흐름으로 통합한다.

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빈센트 반 고흐의 대표작 중 하나로 꼽히는 <별이 빛나는 밤>은 그가 고갱과 다툰 뒤 자신의 귀를 자른 사건 이후 생레미의 요양원에 있을 때 그린 것이다. 반 고흐에게 밤하늘은 무한함을 표현하는 대상이었고, 이보다 먼저 제작된 아를의 <밤의 카페 테라스>나 <론 강 위로 별이 빛나는 밤>에서도 별이 반짝이는 밤의 정경을 다루었다.

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김홍도황묘접

대지가연록색푸가득차고바위밑에는노랭이이피어났다. 제가느낀생각은꽃들과고양이나비가조하롭게들어가있는게너무멋졌다.

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황묘농접(黃猫弄蝶: 노란 고양이가 나비를 놀리다)

대지가 연록색풀로 가득 차고, 바위 밑에는 패랭이꽃이 활짝 피어났다. 봄과 여름이 교차하는 계절, 하늘과 땅이 모두 햇빛에 물들어 노란 기운이 감돈다. 화창한 전원의 봄날, 긴꼬리를 가진 검푸른 제비나비가 꽃을 보고 날아들었다. 봄빛을 닮은 주황빛 아기 고양이가 고개를 돌려 호기심에 가득한 눈으로 쳐다본다. 여차하면 발을 뻗어 잡아보려는 심산인데, 이를 알아챈 나비는 딱 도망가기 좋을 만큼의 거리를 두며 날고 있다. 그 모양새가 마치 고양이를 약 올리는 것 같아, 그림 제목도 "검은 나비가 고양이를 놀리다."로 바꿔야 하는 것은 아닌지 모르겠다.

늦봄의 평화로운 풀밭에서 일어난 작은 사건을 단원 김홍도가 화폭에 옮겼다. 단원이 아니라면 이런 순간을 잡아내기도 어렵고, 또 이런 정겹고 풋풋한 정취를 담아내지 못 했을 것이다. 이처럼 단원의 그림은 단순한 사실묘사를 뛰어 넘어 대상들의 상호교감을 극대화시키고, 나아가 그림을 보는 사람을 그림 속으로 끌어들여 동화시키는 매력이 있다.

이 그림은 누군가의 환갑을 축하하기 위해 그린듯하다. 그런 내용을 따로 밝혀놓지는 않았지만, 그림의 내용이 그렇다. 예로부터 고양이는 70 노인을 상징하고 나비는 80 노인을 상징한다. 화면 중앙에 있는 패랭이꽃은 꽃말이 청춘이다. 그 옆에 자리한 바위는 불변의 상징이고, 화면 앞쪽에 있는 제비꽃은 구부러진 꽃대의 모양새가 등긁개를 닮아 여의화(如意花)라 부른다.

이런 소재들의 상징성에 주목하여 이 그림을 보면, "일흔살 여든살이 되도록 젊음을 변치 말고 장수하시고, 모든 일이 뜻하시는 대로 이루어지기 바랍니다."라고 읽혀진다. 환갑을 맞은 분께는 더할 나위 없이 좋은 의미를 가진 그림이다. 내용만 좋은 것이 아니라 그림의 정취와 아름다움이 이토록 빼어나니, 최고의 선물이 되었을 것이다.

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황묘농접(黃猫弄蝶: 노란 고양이가 나비를 놀리다) 대지가 연록색풀로 가득 차고, 바위 밑에는 패랭이꽃이 활짝 피어났다. 봄과 여름이 교차하는 계절, 하늘과 땅이 모두 햇빛에 물들어 노란 기운이 감돈다. 화창한 전원의 봄날, 긴꼬리를 가진 검푸른 제비나비가 꽃을 보고 날아들었다. 봄빛을 닮은 주황빛 아기 고양이가 고개를 돌려 호기심에 가득한 눈으로 쳐다본다.

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단원풍속도첩 중 씨름 김홍도

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김홍도(1745~?)는 조선시대의 풍속화가이다. 풍속화와 산수화뿐만 아니라 인물, 도석, 불화, 화조, 등 모든 장르에서 뛰어난 작품을 남겼다. 어린 시절 강세황의 지도를 받아 그림을 그렸고, 그의 추천으로 도화서 화원이 되어 정조의 신임 속에 당대 최고의 화가로 자리 잡았다. 김홍도는 뛰어난 관찰력과 표현력으로 조선의 모습을 해학적이고 아름답게 담아냈다. 특히 여러 풍속화에서 상인들이 장사하는 모습, 빨래를 하는 모습, 밭을 갈고 있는 모습 등 일하고 있는 백성들을 등장시켜 생동감과 생활감 넘치는 장면을 극적으로 그려냈다.

단원 김홍도의 대표작품은 <씨름>으로 『풍속화첩』에 있는 그림이다. 이 화첩은 25폭으로 이루어져 있는데, 풍속화 중 가장 다채로운 소재를 다루고 있다. 이 중 <서당>, <씨름>, <무동(舞童)> 등은 절묘한 구성과 필선의 간결하고 힘 있는 아름다움, 소재의 해학미가 뛰어난 작품들이다. 또한 구도상 배경이 없이 주제만 중점적으로 묘사되어 있어 배경이 있는 병풍 등 대폭과 다른 면모를 보인다.

후기 풍속화의 대표작은 <풍속도 8폭병풍>이라 할 수 있다. 이 병풍 중 제4폭 <꾀꼬리 소리>에는 한국적 서정성이 가장 잘 드러나 있다. 하인을 데리고 봄 나들이 하던 선비가 푸른 새싹이 돋은 수양버들 옆을 지나가다가, 가지 위에서 들리는 꾀꼬리 소리에 잠시 길을 멈추고 꾀꼬리를 쳐다보는 모습이 인상적으로 표현되어 있다. 김홍도는 풍속화로 가장 잘 알려져 있지만, 신선도와 초상화, 고사인물화 등 인물화의 여러 분야에도 두루 능통하였다

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단원풍속도첩 중 씨름 이미지

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요하네스 페르메이르의  진주 귀걸이를 한 소녀

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저는 이 그림을 봤을 때 정말 섬세하고 아름답다는 생각을 했다.그림 속에 검정색 배경이 소녀를 독보이게 한 것 같아.특히 똘망똘망한 눈방울과 아름답게 광을 내는 진주 귀걸이가 그리고 나는 이 그림에 색감과 옷주름이 좋아.

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렘브란트와 프란스 할스와 함께 네덜란드 황금시대를 대표하는 화가 중 한 명인 베르메르는 1623년 네덜란드 델프트의 신교 가정에서 태어났다. 그의 아버지는 여관을 운영했고 미술품을 거래했다. 베르메르의 생애에 대해서는 알려진 바가 많지 않으며, 작품 수도 35점에 불과한 것으로 추산되며 서명을 남긴 작품은 훨씬 적다. 1년에 두 점 정도를 제작한 것으로 보인다.

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에바 알머슨은 스페인 출신의 화가로 둥그스름한 얼굴에 파마머리를 한 여성 캐릭터를 주인공의 일상의 순간을 묘사함으로써 삶의 즐거움과 소중함을 일깨우는 작품을 그리는 예술가이다. 그녀는 회화, 판화, 조각, 설치, 디자인 용품 등으로 작품을 제작하고 많은 아트 콜라보레이션을 진행하여, 그녀의 작품은 사람들의 삶 깊숙이 자리잡고 사랑 받고 있다.

에바 알머슨(Eva Armisen)은 1969년 스페인 사라고사(Zaragoza)에서 태어났다. 어린 시절부터 그림 그리는 것에 흥미를 느낀 알머슨은 바르셀로나 대학교(University of Barcelona)에서 미술을 전공했다. 그리고 네덜란드 암스테르담(Amsterdam)의 리트벨트 아카데미(Rietveld Akademie)에서 회화 훈련을 이어나간 뒤, 스페인의 팔마데마요르카(Palma de Mallorca)에 있는 필라르 호안 미로 재단(Joan and Pilar Miró Foundation)으로부터 지원금을 받았다.

그녀는 1994년 첫 개인전을 열었고 스페인 코카콜라 CF광고를 통해 대중들에게 이름을 알렸다. 이후 그녀는 서울, 로스엔젤레스, 홍콩, 싱가포르, 리스본, 대만, 상해, 멜버른과 같은 세계 주요 도시의 단체전, 미술 박람회, 아트 페어에 참여하거나 개인전을 열면서 국제적인 화가로 성장했다. 알머슨은 현재 바르셀로나의 상트 퀴르제(Sant Quirze)에서 남편 마크 패롯(Marc Parrot)과 함께 살며 활동하고 있다. 그녀는 작품 제작 및 전시, 도서 삽화, 세계 각국의 브랜드와 아트 콜라보레이션 등 다양한 활동을 하고 있다.

알머슨은 일상에서 찾을 수 있는 지극히 평범한 순간들을 포착하여 동화 속 한 장면처럼 그린다. 이를 통해 그녀는 삶의 작고 소박한 순간을 소중히 간직하는 즐거움을 우리에게 상기시키고, 활력 있고 낙천적인 삶을 살 것을 제안한다. 그녀는 둥근 얼굴에 파마머리를 한 여성을 주인공으로 삼아 그녀의 일상, 가족의 모습 등을 그린다. 그녀의 작품 속에 등장하는 인물은 모두 얼굴에 달콤한 미소를 띠고 있고, 화면 전체는 따뜻한 색감으로 이루어져 있다.

알머슨은 복잡한 이야기나 상징적인 도상을 활용하기보다 일상의 모습을 보여줄 수 있는 아주 간단한 도상만을 활용하여 담백한 화면을 구성한다. 이러한 그녀의 작품은 삶의 이야기를 무겁지 않게 전달하여 사랑, 애정, 신뢰, 믿음, 휴식 등 살면서 필요한 태도를 돌아보게 하는 힘을 가지고 있다. 또한 간결한 화면 속에 자신의 일상을 대입해봄으로써 상상의 나래를 펼칠 수 있는 힘을 내포하고 있다. 이러한 그녀의 작품은 남녀노소 나이를 불문하고 많은 이들에게 애호되고 있으며, 삶의 행복과 사랑, 동심을 일깨우는 회화 등의 수식어로 설명되곤 한다.

그녀는 유화와 판화를 가장 많이 사용하여 작품을 제작한다. 아트 콜라보레이션을 하는 경우 실행목적에 따라 조각, 공공 설치, 광고, 영화와 텔레비전 등의 매체를 사용하기도 하며, 그녀의 작품을 프린팅한 디자인 용품을 제작하기도 한다. 알머슨은 국내에선 롯데갤러리, 세종문화회관, 소울 아트 스페이스(Soul Art Space) 등에서 전시를 개최했고, 스킨푸드, 여성 의류브랜드 오즈세컨, 하나은행 등과 콜라보레이션을 했다.

2016년 5월에는 제주도 우도를 방문하고 해녀를 주제로 한 그림을 제작함으로써 해녀가 인류무형 문화유산에 등재되는데 기여했다. 그녀의 해녀 그림은 2016년 고희영 감독의 해녀 다큐멘터리 영화 '몰숨'에서 선보여졌고, 2017년 '엄마는 해녀입니다' 책 삽화로도 출간되었다. 그녀의 작품은 서울의 코오롱 그룹, 가나아트파크(Gana Art Park)를 비롯한 전 세계의 미술관, 박물관, 개인 컬렉터에게 소장되어있다.

에바 알머슨은 순수미술과 산업미술을 넘나들며 미술품 애호가부터 일반 대중에게까지 두루 사랑 받는 화가이다. 그녀는 수수하고 담백한 여성 캐릭터를 통해 삶의 이유와 살에 대한 즐거움을 깨닫게끔 하며, 삶에서 사람간의 관계성이 얼마나 중요한 요소인지 인식하게끔 만든다. 그녀의 작품은 사람들에게 이러한 지점들을 느끼게 강요하지 않으며, 그림을 보고 이해하면서 자연스레 떠오르도록 만든다. 이와 같은 알머슨의 작품은 삶에 지치고 힘든 현대인들에게 쉽고도 친절한 작품으로 받아들여지고 있는데, 이는 각종 아트페어에 지속적으로 알머슨의 작품이 출품되고 판매되는 현상으로 나타나고 있다.

단순하고 컬러풀한 알머슨의 작품은 다양한 매체로 제작하는데 유리함에 국내외 다양한 회사들과 아트 콜라보레이션을 통해 생활용품, 문구용품, 포스터 등으로 만들어져 대중들에게 한층 가까이 다가갈 수 있는 장점을 지니고 있다. 알머슨은 비록 우리가 흔히 말하는 예술계의 거장, 대가는 아니다. 그러나 남녀노소, 세대불문 편차 없이 사랑 받는 대중성 높고 따뜻한 작가이며, 자신의 작품을 브랜드화하고 시대의 흐름을 읽을 줄 아는 예술가로 평가할 수 있을 것이다.

* 에바 알머슨 공식 홈페이지
* 세종문화회관
* 변현진, 「에바 알머슨 작품 연구 - 보편성의 미, 미술과 디자인의 탈경계를 중심으로 -」, 한국콘텐츠학회 논문지 16, 한국콘텐츠학회, 2016, PP. 435-447.

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개요 에바 알머슨은 스페인 출신의 화가로 둥그스름한 얼굴에 파마머리를 한 여성 캐릭터를 주인공의 일상의 순간을 묘사함으로써 삶의 즐거움과 소중함을 일깨우는 작품을 그리는 예술가이다. 그녀는 회화, 판화, 조각, 설치, 디자인 용품 등으로 작품을 제작하고 많은 아트 콜라보레이션을 진행하여, 그녀의 작품은 사람들의 삶 깊숙이 자리잡고 사랑 받고 있다.

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폴 시냐크의 빨간 부표, 생  트로페

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점묘법을 이용해 만든게 인상 적이였다.점묘법으로 유명한 이 화가의 작품들 모두 아름다웠지만 나는 이 작품이 가장 눈에 띄었다. 점묘법으로 물에 비치는 마을을 표현 한것이 멋지다. 이 화가가 프랑스 해변을 자주 그리는데 이 그림은 점묘법으로 인해 노이즈같은 느낌이 들어 매력적이다.

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몽테브랑 근처 마른 강둑

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나는 몽테브랑 근처 마른 강독을 보고 정

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나는 몽테브랑 근처 마른 강독을 보고 정말 아름답다고 생각했어. 그림속 에는 나무, 집,강, 이아주사진처럼 그려서 정말 신기했어,그리고 계속 관찰 하고싶다는 마음이 생겨,그리고 이그림에서는 정말 색감을 잘만든것 같아.

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몽테브랑 근처 마른 강의 강둑

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빈센트 반 고흐의 아를의 별이 빛나는 밤

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4학년2반 5번 박다현

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4학년2반 5번 박다현

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나는 빈센트 반 고흐의아를의 별이 빛나는 밤이 아름다운 작품 인거같아 밤 하늘에 별을 표현한게너무 잘 그린거 같아 그리고 물결을 어떻게 그렇게 잘 그렸는지 참 사진을찍어 논거 처럼 진짜 같아 밤을 너무 잘 표현하고 물결을 너무 잘 표현해서 놀라워 아래 사람이 둘이 있는게 같이 물가를 걷는 느낌이라 너무예뻐서 난 이그림이 좋아.

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아를의 별이 빛나는 밤 이미지

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피에르 조제프 시몽 투알리에 작품입니다 피에르 조제프 시몽 투알리에(Pierre-Joseph-Simon Tiolier)는 영국 런던에서 1763년에 프랑스인 부부의 아들로 태어났다. 투알리에의 아버지, 아우베르그네 쿠르논 조제프 투알리에( Joseph Tiolier)는 1840년 프랑스 동부의 론르소니에(Lons-le-Saunier)에서 제과업자로 활동하였던 인물이다. 그러나 피에르 투알리에는 어릴 때부터 제과보다는 조각에 관심을 두었다. 또한, 그는 14명 혹은 그 이상의 형제 중 막내였다. 그의 형제는 대부분 프랑스 중부의 오베르뉴(Auvergne)에서 태어났고, 변호사, 사업가, 의사, 성직자, 공무원 등 다양한 직업에 종사하였다. 투알리에는 아버지와 여러 형제와는 다르게 1784년에 기계공이 되었다. 그리고 그는 프랑스 제13대 메달 제작자였던 피에르 시몽 벤자민 두비비에(Pierre-Simon-Benjamin Duvivier, 1730~1819)의 아래에서 메달 제작 및 조각에 대해 가르침을 받았다. 이때 그는 우표, 동전, 메달과 같은 기념주화 제작을 배웠다. 훗날 투알리에는 1795년에 프랑스 파리 조폐국에서 동전 제작 및 관리를 하게 되었다. 그는 원자재 공급부터 조각까지 모든 작업을 직접 지시했다고 전해진다. 1803년 나폴레옹(Napoleon Bonaparte, 1769~1821)은 투알리에를 프랑스의 제15대 메달리스트로 임명하였으며 그에게 장군 작위를 하사하였다. 이때 그가 제작한 동전은 나폴레옹의 모습을 담고 있는 5프랑과 루이 16세(Louis XVIII, 1755~1824)의 모습을 담고 있는 5프랑 등이 있다. 그의 서명이 동전 아래에 새겨져 있다. 투알리에의 아들 니콜라스 피에르 투알리에(Nicolas-Pierre Tiolier, 1784~1853)도 아버지의 뒤를 이어 조각가이자 메달 조각가로 활동하였다. 1816년 투알리에는 아들에게 자리를 물려주기 위하여 13년이나 근무하였던 프랑스 조폐국에서 사임하였다. 같은 해 그는 그동안의 공로를 인정받아 세인트 미셸(Saint-Michel) 훈장을 받았다. 1817년 그는 과학자인 제임스 스미스슨의 의뢰를 받아 작업하였다. 이 의뢰는 스미스슨의 측면 초상을 새겨넣은 흉상 메달을 제작하는 것이었다. 프랑스의 동전 및 메달 제작자로서 왕성히 활동하였던 투알리에는 1819년 프랑스 북동부의 부흐본느-방(Bourbonne-les-Bains)에서 투병 생활을 하던 끝에 세상을 떠났다라는 설명있다

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피에르 조제프 시몽 투알리에

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개요 피에르 조제프 시몽 투알리에는 프랑스의 조폐국에서 동전 조각가 겸 관리인으로 활동하였으며, 제15대 메달 제작자로 임명되었던 인물이다. 또한, 투알리에는 대리석 조각 작업도 하였다. • 본명 : Pierre-Joseph-Simon Tiolier • 국적 : 프랑스 • 활동분야 : 조각, 메달 제작 • 사조 : 바로크 • 시대 : 근세 • 주요작품   - 20프랑(20-franc piece)   - 20프랑, 40프랑, 5프랑 동전들(Pièces de monnaie de 20 francs, 40 francs et 5 francs.)   - 에로스에게 굴복한 힘의 여신(La Force asservie par l’Amour, 1824년경) 생애 및 작품 활동 피에르 조제프 시몽 투알리에(Pierre-Joseph-Simon Tiolier)는 영국 런던에서 1763년에 프랑스인 부부의 아들로 태어났다. 투알리에의 아버지, 아우베르그네 쿠르논 조제프 투알리에( Joseph Tiolier)는 1840년 프랑스 동부의 론르소니에(Lons-le-Saunier)에서 제과업자로 활동하였던 인물이다. 그러나 피에르 투알리에는 어릴 때부터 제과보다는 조각에 관심을 두었다. 또한, 그는 14명 혹은 그 이상의 형제 중 막내였다. 그의 형제는 대부분 프랑스 중부의 오베르뉴(Auvergne)에서 태어났고, 변호사, 사업가, 의사, 성직자, 공무원 등 다양한 직업에 종사하였다. 투알리에는 아버지와 여러 형제와는 다르게 1784년에 기계공이 되었다. 그리고 그는 프랑스 제13대 메달 제작자였던 피에르 시몽 벤자민 두비비에(Pierre-Simon-Benjamin Duvivier, 1730~1819)의 아래에서 메달 제작 및 조각에 대해 가르침을 받았다. 이때 그는 우표, 동전, 메달과 같은 기념주화 제작을 배웠다. 훗날 투알리에는 1795년에 프랑스 파리 조폐국에서 동전 제작 및 관리를 하게 되었다. 그는 원자재 공급부터 조각까지 모든 작업을 직접 지시했다고 전해진다. 1803년 나폴레옹(Napoleon Bonaparte, 1769~1821)은 투알리에를 프랑스의 제15대 메달리스트로 임명하였으며 그에게 장군 작위를 하사하였다. 이때 그가 제작한 동전은 나폴레옹의 모습을 담고 있는 5프랑과 루이 16세(Louis XVIII, 1755~1824)의 모습을 담고 있는 5프랑 등이 있다. 그의 서명이 동전 아래에 새겨져 있다. 투알리에의 아들 니콜라스 피에르 투알리에(Nicolas-Pierre Tiolier, 1784~1853)도 아버지의 뒤를 이어 조각가이자 메달 조각가로 활동하였다. 1816년 투알리에는 아들에게 자리를 물려주기 위하여 13년이나 근무하였던 프랑스 조폐국에서 사임하였다. 같은 해 그는 그동안의 공로를 인정받아 세인트 미셸(Saint-Michel) 훈장을 받았다. 1817년 그는 과학자인 제임스 스미스슨의 의뢰를 받아 작업하였다. 이 의뢰는 스미스슨의 측면 초상을 새겨넣은 흉상 메달을 제작하는 것이었다. 프랑스의 동전 및 메달 제작자로서 왕성히 활동하였던 투알리에는 1819년 프랑스 북동부의 부흐본느-방(Bourbonne-les-Bains)에서 투병 생활을 하던 끝에 세상을 떠났다. 평가 피에르 조제프 시몽 투알리에는 프랑스 동전 제조업에 큰 역할을 했던 인물이다. 그 영향력은 투알리에 이후 아들, 손자, 증손자까지 메달 제작자로 활동하였다는 사실을 통해서도 알 수 있다. 오늘날에도 여러 화폐박물관과 미술관에서 그의 동전을 관람할 수 있다. 이처럼 일반적으로 투알리에는 자신이 디자인하고 조각하였던 동전으로 알려져 있다. 그뿐만 아니라 그는 대리석 조각 작품을 제작했을 정도로 조각 분야 전반에 애정이 깊었던 것으로 추정된다. 참고문헌 • 메트로폴리탄 미술관 • 대영 미술관 • 파리 박물관

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이 그림은 사도 세자가 그는데 사도 세자는 조선의 21대왕 영조의 세자 였는데 영조 때문에 울화증이 생겨 영조가 세자를 뒤주에 가둬서 죽었다

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서로 어울려 뛰어노는 두 마리의 작은 강아지와 이를 바라보고 있는 큰 개의 모습을 수묵으로 묘사하였다. 영조의 아들이자 정조의 부친으로서 후일 장조莊祖로 추존된 사도세자思悼世子의 작품으로 전하고 있으나, 그림 자체에서는 화가에 대한 구체적인 정보를 확인할 수 없다. 현재 액자로 표장되어 있다.

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신사임당의 양귀비와 도마뱀

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초충도 수박과 들쥐 이미지

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이반 아이바조프스키는 흑해 항구 출신의 가난한 소년으로 자라, 전 세계 사람들에게 이목을받은 화가입니다. 저는 이반 아이바조프스키 화가님의 아무리 가난하게 태어나도 모든 사람들에게 이목을 받을수 있음을 직접 말해주시는게 너무나도 감사합니다, 이분의 그림은 너무나도 현실적이고, 옛날물감으로 이 그림을 그려냈다는것이 정말로 신기합니다. 그리고 이분의 그림들에는 사실적인 묘사와 감정이 담겨 있습니다. 너무나도 아름답고 사실적인 이 화가님의 그림을 저는 좋아합니다.

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개요 이반 아이바조프스키는 흑해 항구 출신의 가난한 소년으로 자라 전 세계의 이목을 받는 러시아 대표 낭만주의 풍경화가로 성공한 인물로, 그의 작품은 러시아의 해양의 모습을 담고 있다. • 본명 : Ivan Aivazovsky • 이칭 : Ivan Konstantinovich Aivazovsky • 국적 : 러시아 • 활동분야 : 유화 • 사조 : 낭만주의 • 주요작품   - 콘스탄티노블 항구의 풍경(Vue du port de Constantinople, 19세기경)   - 바다(1864년) 생애 이반 아이바조프스키(Ivan Aivazovsky)는 1817년 7월 17일 러시아 크림반도(Krym Pen.) 페오도시야(Feodosiya)의 가난한 아르메니아(Armenia) 사인 집안에서 태어났다. 페오도시야는 현재 우크라이나의 영토지만 이 당시에는 러시아의 소유였다. 이반이 태어난 시기 크림반도는 제 2차 러시아-투르크 전쟁(Russo-Turkish Wars, 1787~1792)으로 인해 황폐화 되었고, 1812년 유행한 전염병으로 인해 많은 이들이 고통 받던 지역이었다. 이반은 아름다운 페오도시야 만과 고대 그리스 요새의 폐허가 마주한 도시 외곽에서 어린 시절을 보냈다. 그의 아버지는 그리스 인의 전투와 같은 영웅적인 이야기를 그에게 늘 들려주었었다. 이반의 재능은 일찍이 발견되었다. 그는 지역 건축가에게 견습생으로 고용되어 심페로폴리(Simferopol)에 위치한 체육관으로 보내졌는데 이때부터 예술 기술을 보여주었다. 크림반도에서 세력이 있던 이들은 그의 재능에 놀라며 그를 상트페테르부르크(St. Petersburg)에 있는 미술 아카데미(Academy)에 입학시키는 것을 도왔다. 이반의 화가로서의 삶은 1835년 그의 스케치가 미술대회에서 은메달을 받으면서 시작되었다. 그는 작곡가 미하일 글린카(Mikhail Glinka), 시인이자 비평가인 비사리온 벨린스키(Vissarion Belinsky), 문학가 이반 클리로프(Ivan Krylov), 시인 바실리 주콥스키(Vassily Zhukovsky)를 만나면서 예술계로 진입했다. 1836년 어느 날 프랑스의 해양 풍경화가 필리프 테너(Philippe Tanner)가 아카데미에 학생들을 가르치기 위해 찾아왔고, 이반은 그의 조수가 되었다. 그 해 가을 이반은 해양 풍경화 5점을 전시하면서 언론과 비평가들로부터 주목받았다. 1837년 또 다시 해양 풍경화로 금메달을 수상하면서 공식 아티스트 타이틀을 받았다. 이반은 그가 사랑하는 흑해를 그리기 위해 다시 크림 반도로 이주하면서 작품활동에 매진했다. 1839년 캅카스(Kavkaz) 연안의 해군 작전에 참여하여 러시아 제독 미카일 라자레브(Mikhail Lazarev) 등을 당대 저명한 인사들을 만나 평생의 인연을 쌓았다. 이 시기 이반이 해전을 그린 작품들은 매우 사실적이고 정확한 묘사들로 가득 차 있어 해군 공격 전술의 삽화로 간주되기도 한다. 1840년 이반은 첫 해외 여행을 떠났다. 이미 그는 해양 풍경화가 대가 반열에 올라있던 시기로, 그의 명성은 그가 방문한 이탈리아, 독일, 프랑스, 네덜란드, 스페인에 이미 퍼져있었다. 이반은 이탈리아에서 소설사 니콜라이 고골(Nikolay Gogol)과 화가 알렉산드로 이바노프(Aleksandr Ivanov)를 만났다. 1846년 이반은 페오도시야로 돌아와 자신의 작업실을 차렸다. 그는 더 이상 영감을 얻기 위해 풍경을 볼 필요가 없었고, 단시간 내에 수많은 작품을 그려냈다. 매해 겨울에는 상트페테프부르크로 가서 러시아 수도에 거주하는 사람들을 위해 그의 작품을 전시했다. 그는 작업을 할 때는 거의 은둔 생활을 했지만, 지속적인 전시개최와 집에의 손님 초대를 통해 당시 유명한 인사들과의 끊임없이 만남을 유지했다. 1868년 이반은 캅카스 산맥을 여행하면서 암초를 하얀 사탕처럼 그려, 돌이 파도치는 것과 같은 경관으로 표현했다. 이 때 제작된 작품은 이반의 걸작으로 인정받고 있다. 이반의 생애 마지막 10년은 새로운 시도로 이루어졌다. 이반은 일상생활에서의 초상화를 제작했다. 예를 들면 그는 마을 오두막 앞 정원에서의 신혼부부, 하객, 젊은 음악가들이 노래하고 춤추는 마을 결혼식을 그렸다. 이 초상화들은 대부분 성공되진 못했으나 그의 회화 실력을 뚜렷이 드러내고 있다. 1898년 다시 그는 해양 초상화를 그려 절정기의 작품을 제작했다. 강하게 부딪치면서 으스러지는 파도 위에 떨어진 뇌우를 그린 작품은 사람들에게 강렬한 인상을 남겼다. 이 외에도 자신의 재산으로 1865년 페오도시야에 그림학교를, 1880년에는 미술학교를 설립하여 지역 문화발전에 기여했다. 평생을 치열하게 산 이반은 1900년 4월 19일 세상을 떠났다. 작품 활동 이반의 작품세계는 현실적인 요소들을 지향했음에도 불구하고 전적으로 낭만주의에 기대어 있다고 여겨진다. 낭만주의(Romanticism)란 18세기 말부터 19세기 중엽까지 프랑스에서 시작하여 유럽 전역으로 확산된 예술운동이다. 문학분야에서 시작된 이 운동은 고전주의에 대한 반발과 계몽의식으로부터 시작되었다. 고전주의는 이성과 지성, 정의와 논리를 중시하는 미학으로, 당시 정치권에서는 이러한 방식이 인간다운 삶을 보장해준다고 주장했다. 그러나 각종 혁명과 전쟁으로부터 드러난 추악한 면모와, 이성만으로 해결되지 않는 문제들이 발생했고, 사람들은 이에 환멸감을 느끼기 시작했다. 이러한 상황 속에서 자유와 평등을 옹호하며 객관적인 것보다 주관적인 것, 이성보다 감성, 현실보다 꿈을 애호하는 현상이 일어났고 그 중심에 낭만주의 운동이 있었다. 낭만주의 예술가들의 핵심은 자기표현에 있었다. 화가들은 색과 강렬한 붓 터치를 통해 이상적, 환상적, 이국적인 주제를 그려냄으로써 사람들의 환상을 자극하는 화면을 구현했다. 이반은 많은 낭만주의 회화의 주제 중 해양을 선택했다. 이는 아마 그가 어린시절부터 흑해를 사랑했고 이를 그리는 것에 열중했기 때문일 것이다. 그는 주로 밖에서 바다를 보고 온 뒤, 작업실로 돌아와 작품을 그렸다. 이반에게 스케치는 필요치 않았고 모든 화면 구상은 머릿속에서 이루어졌다. ‘콘스탄티노블 항구의 풍경(Vue du port de Constantinople)’은 그가 터키 여행 중 접한 풍경을 그린 것이다. 먼저 제목을 보면 항구이지만 그림에는 어디에서도 항구의 모습이 보이지 않는다. 후경에는 터키를 대표하는 사원인 블루 모스크(Sultan Ahmed Mosque)가 거대하게 그려져 있고, 전경에는 사람들이 탄 작은 배 몇 대가 노를 저어 가고 있다. 그리고 전경과 후경 사이는 뿌연 안개가 서려있다. 배와 사원의 크기 차이, 중간의 신비로운 분위기를 자아내는 안개의 표현은 마치 배에 탄 인물들이 사원에서 출발하여 아그라바(Agrabah)로 보물 탐사를 떠나는 일행처럼 보이게끔 만든다. 이와 같은 이야기를 구상하게 만드는 것이 바로 낭만주의 회화이며, 이러한 특징은 이반의 작품 전반에 걸쳐 나타난다. 이 외에도 이반은 구름과 떠오르는 해, 발광하는 햇빛의 표현에 능숙했는데, 이러한 면모는 영국의 낭만주의 풍경화가 윌리엄 터너(Joseph Mallord William Turner)로부터 영향을 받은 것으로 여겨진다. 평가 이반 아이바조프스키는 러시아 낭만주의 풍경화가 중 최고로 손꼽히며, 특히 해양풍경화에 있어선 타의 추종을 불허하는 실력을 보인 화가였다. 그의 예술작품에 대한 감탄사로 ‘Dostoevsky’라는 단어가 만들어졌고, 그를 기념하는 아이바조프스키 미술관(Aivazovsky National Art Gallery Feodosiya)이 개관되었다. 그의 작품은 지금도 많은 수집가들에게 열광 받고 있으며, 그의 전시는 전 세계의 군중들을 매혹시키고 있다. 2000년에는 아이바조프스키의 죽음 100주년을 기리기 위해 그의 컬러도판 200여 점이 수록된 도록 ‘Seas, Cities and Dreams: The Paintings of Ivan Aivazovsky(2000)’이 출판되기도 했다. 이반이 남긴 작품은 6000개가 넘는다. 개중에는 대작이 아니라 주제를 완성하기 위해 스케치하거나 연습한 그림들도 있지만, 그의 걸작은 유혹적이고도 전능적인 바다로부터 사람들을 숨죽이게 만든다. 참고문헌 • Peter Leek., 『Russian painting』, NY:Parkstone, 2005. • 러시아피디아 • 아이바조프스키 미술관

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4학년2반18번 주현우

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4학년2반18번 주현우

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나는다다익선 삼라만상티비가많이달려잇어서멋잇다그래서이작품을골랏다

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빈센트 반 고흐 생트 마리 바다 위이 보트 푸른 바다에 보트가 있고 파도가 치는 모습이 인상 깊었다

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생트 마리 바다 위의 보트

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4학년 2반 4번 박건우

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4학년 2반 4번 박건우

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르네 마그리트-피레네의 성

하늘 위에 떠있는 바위 위에 있는 성이 피레네의 성 같고 마치 원피스의 중력 열매 능려자가 바위를 드러 올리는것 같다.

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이 그림은 루이즈 모이몽의 그림입니다.

제가 이그림을 선택한 이유는 과일이 너무 여쁘기 때문입니다.

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개요 루이즈 모이용은 17세기 플랑드르 정물화의 영향을 받은 작품세계를 형성한 화가로 과일바구니, 채소, 꽃 등의 정물화를 주로 제작하였다. • 본명 : Louise Moillon • 국적 : 프랑스 • 활동분야 : 회화 • 사조 : 바로크 • 시대 : 근세 • 주요작품   - 체리, 자두, 멜론 바구니(Coupe de cerises, prunes et melon, 1633)   - 과일과 채소를 파는 여인(La Marchande de fruits et legumes, 1630) 생애 루이즈 모이용은 1610년 파리에서 풍경화가이자 초상화가였던 니콜라 모이용(Nicolas Moillon)과 마리 길베르(Marie Gilbert)사이에서 태어났다. 1619년에 모이용의 아버지가 사망하자 그의 어머니는 프로테스탄트 정물화가이자 미술 상인이었던 프랑수아 가르니에(François Garnier)와 재혼하게 된다. 그들은 네덜란드 남부에서 온 개신교 난민들의 거주지였던 파리의 생 제르맹 데 프레(Saint-Germain-des Prés) 인근에서 살며 그곳의 예술가들과 함께 작업하면서 그림을 판매하였다. 거의 모든 가족 구성원이 화가로서 일을 했지만 예술적으로 높은 성과를 얻은 인물은 루이즈 모이용이 유일하다고 알려져 있다. 루이즈 모이용은 1640년에 부르고뉴 위그노(Huguenot) 가문에서 온 목재 상인 에티엔 지라도 드 샹쿠르(Etienne Giradot de Chacourt)와 결혼하여 세 자녀를 낳으며 작품활동보다는 가정에 삶을 집중하게 된다. 하지만 이후 퐁텐블로 칙령으로 인해 개신교가 가톨릭에 의해 다시 탄압받게 되면서 그들의 삶도 위협받게 되었다. 결국 모이용의 남편은 감옥으로 보내졌고 세 자녀 중 한 명은 가톨릭교로 개종, 두 명은 영국으로 추방당하면서 루이즈 모이용의 개인적 삶의 깊은 영향을 미치게 된다. 기록에 따르면 루이즈 모이용은 끝까지 자신의 신앙에 충실하였다고 전해지며 1696년에 삶을 마감하게 된다. 작품 활동 파리에서 나고 나란 루이즈 모이용은 친부에게 미술에 대한 기본적인 교육을 받고 이후 계부에 의해 전문적으로 미술에 대해 배웠다고 전해진다. 그녀는 생 제르맹 데 프레 인근에서 자라면서 어린 나이에 북부 정물화의 전통을 가져온 화가들과 접하게 되었고 그들과 함께 과일과 꽃의 배열을 특징으로 하는 스타일을 발전시켰다. 이후 루이즈 모이용은 자신의 정물화에 인물들을 배치하기 시작하면서 인물과 과일 사이의 조화를 작품에 표현하였다. 1630년 그녀의 어머니인 마리 길베르가 사망하였을 때의 소유물 목록 기록에 따르면 당시 20세였던 루이즈 모이용은 이미 13개의 회화와 9개의 미완성 작품을 제작하였으며 또한 목록에 없는 1629년에서 1630년 사이의 그림들에 대한 기록을 통해 그녀가 초기부터 매우 헌신적으로 다작을 한 예술가였다는 것을 알 수 있다. 루이즈 모이용은 1629년에서 1637년 사이에 대부분의 작품을 제작하였는데 1639년 영국 찰스 1세가 그녀의 과일 정물화 5점을 가지고 있다는 사실에 의해 그녀의 작품에 대한 높은 예술적 평가가 이루어졌다는 것을 알 수 있다. 이처럼 루이즈 모이용은 동시대 사람들로부터도 많은 인정을 받았으며 당시 여러 저명한 후원자가 있었음에도 불구하고 1640년대 초부터 1670년대까지 작업 활동을 거의 그만 둔 것으로 보인다. 이는 당시 남편이었던 에티엔 지라도가 보수적인 칼뱅파의 신학을 이유로 그녀가 남편과 가족으로부터 독립적으로 일하는 것을 막았기 때문이라고 알려져 있으며 또한 퐁텐블로 칙령으로 인한 그녀의 개인적 삶의 영향이라고 볼 수도 있다. 평가 루이즈 모이용은 프랑스 프로테스탄트 가정에서 태어나서 뚜렷한 플랑드르의 영향을 보여주고있지만 동시에 17 세기 북부 정물을 나타내는 바니타스 상징주의를 거부한다. 또한 그녀의 그림은 청교도의 엄격함보다는 과일, 채소 등 정물들의 풍요로움으로 인해 오히려 관능성이 두드러지는 회화적 특징을 가지고 있다고 볼 수 있다. 그녀는 어린 시절부터 뛰어난 예술적 재능을 가지고 1630-40 년대에 과일 바구니와 접시, 채소, 꽃 화병 등 많은 정물을 약 40장의 그림을 남겼지만 개인적 삶의 사건들로 인해 1640 년대에 그녀의 뛰어난 작품세계가 멈추게 된다. 그녀의 삶이나 작품에 대한 제한적인 자료에도 불구하고 루이즈 모이용은 당대 가장 잘 알려진 여성 화가 중 한 명이자 17 세기 프랑스 정물화에 있어서 인정받은 선구적인 예술가로 평가된다. 참고문헌 • 국립 여성 예술가 미술관 • 개신교 미술관 • 티센보르네미사 미술관

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르네 마그리트 인간의 조건

예쁜 풍경과 하늘이고 파랑색이 상직색 입니다.

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© ADAGP, Banque d\'Image, Paris - GNC media, Seoul, © René Magritte \/ ADAGP, Paris - SACK, Seoul, 201...

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• 본명 : Jean-Baptiste-Claude Odiot
• 국적 : 프랑스
• 활동분야 : 공예
• 사조 : 신고전주의
• 시대 : 근대
• 주요작품
- 데미도프 식기 : 오이유 단지(Service Demidoff : Pot à oille, 1817년)
- 데미도프 식기 : 잔 쌍(Service Demidoff : Paires de coupes, 1817년)
- 데미도프 식기 : 소금통들(Service Demidoff : Paires de salières, 1817년)
- 데미도프 식기 : 커피잔, 찻잔, 크림 단지(Service Demidoff : Cafetière, théière, pot à crème, 19세기경)
- 데미도프 식기 : 작은궤 쌍(Service Demidoff : Paire de coffrets, 19세기경)

생애 및 작품활동

장 밥티스트 클로드 오디오(Jean-Baptiste-Claude Odiot)는 1763년에 파리에서 태어났다. 오디오는 파리에서 금은세공사로 활동한 장 밥티스트 가스파르 오디오(Jean-Baptiste-Gaspard Odiot, 1692년~1767년)의 손자이자, 장 클로드 오디오(Jean-Claude Odiot, 1722년~1788년)의 아들로 18세기 초부터 금은세공업에 종사해 온 집안의 일원이었다. 이에 오디오는 일찍이 이들의 작업장에서 금은세공술을 배웠을 것으로 추정된다. 오디오는 1785년 12월에 마스터 금은세공사(Maître orfèvre)가 되었으며, 아버지 장 클로드 오디오가 1788년 12월에 세상을 떠나기 전까지 가족의 작업장에서 아버지와 함께 일했다.

장 밥티스트 클로드 오디오는 1798년 9월 15일에 금과 은의 수출을 금지하는 법안이 통과되고 일자리를 잃게 되면서 군에 입대하였다. 이후 오디오는 프랑스 제1제국(Premier Empire)이 수립되고 나서 금은세공사로 활동을 재개하였다. 오디오는 프랑스 제국으로부터 '왕령에 의한 공급자'(Fournissur de la Couronne)로 임명됨에 따라 프랑스 황실에서 사용될 금은세공품과 가구들을 공급하였다. 오디오는 나폴레옹 보나파르트 황제(Napoléon Bonaparte, 1769년~1821년), 마리 루이즈 황후(Marie Louise, 1791년~1847년)와 레티시아 보나파르트(Letizia Bonaparte, 1749년~1836년), 폴린 보나파르트(Pauline Bonaparte, 1780년~1825년)를 포함한 황족들에게 의뢰를 받아 신고전주의 양식의 식기 세트, 꽃병, 세면용품, 화장대, 요람 등 금은세공품과 가구들을 제작하며 활동하면서 1810년대에 이르러 명성을 얻었다.

장 밥티스트 클로드 오디오의 대표적인 작품으로 '데미도프 식기 : 오이유 단지'(Service Demidoff : Pot à oille, 1817년)와 '데미도프 식기 : 잔 쌍'(Service Demidoff : Paires de coupes, 1817년), '데미도프 식기 : 소금통들'(Service Demidoff : Paires de salières, 1817년), '데미도프 식기 : 커피잔, 찻잔, 크림 단지'(Service Demidoff : Cafetière, théière, pot à crème, 19세기경), '데미도프 식기 : 작은궤 쌍'(Service Demidoff : Paire de coffrets, 19세기경) 등이 루브르 박물관에 소장되어 있다. 이 작품은 한 때 나폴레옹 보나파르트를 지지했던 러시아 제국의 외교관인 니콜라이 니키치 데미도프(Nikolai Nikitich Demidov, 1733년~1828년)를 위해 제작한 식기 세트이다. 이처럼 오디오는 프랑스 황제, 황후, 황족들 외에도 니키치 데미도프, 막시밀리안 1세 요제프(Maximilian I, 1756년~1825년) 등 프랑스 황실과 관계된 인물들에게 금은세공품을 제공했다.

나폴레옹 보나파르트가 1814년에 추방되고 나서 오디오는 새로 즉위한 루이 18세(Louis XVIII, 1755년~1824년)를 위해 봉사하였다. 이후 오디오는 루이 필리프 1세(Louis Philippe I, 1773년~1850년)를 위해 일하다가 1827년에 은퇴했으며, 오디오의 뒤를 이어 장남 샤를 니콜라(Charles Nicolas, 1789년~1868년)가 루이 필리프 1세와 오를레앙 왕가(Famille royale d'Orleans)의 공급자로 일했다. 장 밥티스트 클로드 오디오는 1850년에 파리에서 생을 마감했다

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장 밥티스트 클로드 오디오

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개요 장 밥티스트 클로드 오디오는 19세기 프랑스에서 활동한 금은세공사이다. 오디오는 프랑스 황실을 위해 금은세공품과 가구를 제작하고 공급하였다. • 본명 : Jean-Baptiste-Claude Odiot • 국적 : 프랑스 • 활동분야 : 공예 • 사조 : 신고전주의 • 시대 : 근대 • 주요작품   - 데미도프 식기 : 오이유 단지(Service Demidoff : Pot à oille, 1817년)   - 데미도프 식기 : 잔 쌍(Service Demidoff : Paires de coupes, 1817년)   - 데미도프 식기 : 소금통들(Service Demidoff : Paires de salières, 1817년)   - 데미도프 식기 : 커피잔, 찻잔, 크림 단지(Service Demidoff : Cafetière, théière, pot à crème, 19세기경)   - 데미도프 식기 : 작은궤 쌍(Service Demidoff : Paire de coffrets, 19세기경) 생애 및 작품활동 장 밥티스트 클로드 오디오(Jean-Baptiste-Claude Odiot)는 1763년에 파리에서 태어났다. 오디오는 파리에서 금은세공사로 활동한 장 밥티스트 가스파르 오디오(Jean-Baptiste-Gaspard Odiot, 1692년~1767년)의 손자이자, 장 클로드 오디오(Jean-Claude Odiot, 1722년~1788년)의 아들로 18세기 초부터 금은세공업에 종사해 온 집안의 일원이었다. 이에 오디오는 일찍이 이들의 작업장에서 금은세공술을 배웠을 것으로 추정된다. 오디오는 1785년 12월에 마스터 금은세공사(Maître orfèvre)가 되었으며, 아버지 장 클로드 오디오가 1788년 12월에 세상을 떠나기 전까지 가족의 작업장에서 아버지와 함께 일했다. 장 밥티스트 클로드 오디오는 1798년 9월 15일에 금과 은의 수출을 금지하는 법안이 통과되고 일자리를 잃게 되면서 군에 입대하였다. 이후 오디오는 프랑스 제1제국(Premier Empire)이 수립되고 나서 금은세공사로 활동을 재개하였다. 오디오는 프랑스 제국으로부터 ‘왕령에 의한 공급자‘(Fournissur de la Couronne)로 임명됨에 따라 프랑스 황실에서 사용될 금은세공품과 가구들을 공급하였다. 오디오는 나폴레옹 보나파르트 황제(Napoléon Bonaparte, 1769년~1821년), 마리 루이즈 황후(Marie Louise, 1791년~1847년)와 레티시아 보나파르트(Letizia Bonaparte, 1749년~1836년), 폴린 보나파르트(Pauline Bonaparte, 1780년~1825년)를 포함한 황족들에게 의뢰를 받아 신고전주의 양식의 식기 세트, 꽃병, 세면용품, 화장대, 요람 등 금은세공품과 가구들을 제작하며 활동하면서 1810년대에 이르러 명성을 얻었다. 장 밥티스트 클로드 오디오의 대표적인 작품으로 ‘데미도프 식기 : 오이유 단지‘(Service Demidoff : Pot à oille, 1817년)와 ‘데미도프 식기 : 잔 쌍‘(Service Demidoff : Paires de coupes, 1817년), ‘데미도프 식기 : 소금통들‘(Service Demidoff : Paires de salières, 1817년), ‘데미도프 식기 : 커피잔, 찻잔, 크림 단지‘(Service Demidoff : Cafetière, théière, pot à crème, 19세기경), ‘데미도프 식기 : 작은궤 쌍‘(Service Demidoff : Paire de coffrets, 19세기경) 등이 루브르 박물관에 소장되어 있다. 이 작품은 한 때 나폴레옹 보나파르트를 지지했던 러시아 제국의 외교관인 니콜라이 니키치 데미도프(Nikolai Nikitich Demidov, 1733년~1828년)를 위해 제작한 식기 세트이다. 이처럼 오디오는 프랑스 황제, 황후, 황족들 외에도 니키치 데미도프, 막시밀리안 1세 요제프(Maximilian I, 1756년~1825년) 등 프랑스 황실과 관계된 인물들에게 금은세공품을 제공했다. 나폴레옹 보나파르트가 1814년에 추방되고 나서 오디오는 새로 즉위한 루이 18세(Louis XVIII, 1755년~1824년)를 위해 봉사하였다. 이후 오디오는 루이 필리프 1세(Louis Philippe I, 1773년~1850년)를 위해 일하다가 1827년에 은퇴했으며, 오디오의 뒤를 이어 장남 샤를 니콜라(Charles Nicolas, 1789년~1868년)가 루이 필리프 1세와 오를레앙 왕가(Famille royale d’Orleans)의 공급자로 일했다. 장 밥티스트 클로드 오디오는 1850년에 파리에서 생을 마감했다. 평가 18세기 초 이래로 금은세공업에 종사해온 가문의 일원인 장 밥티스트 클로드 오디오는 오디오 가문에서 가장 유명한 금은세공사이다. 오디오는 나폴레옹 보나파르트와 루이 18세, 루이 필리프 1세를 위해 봉사하면서 많은 금은세공품과 가구들을 제공하였다. 특히 오디오의 금은세공품은 고상하고 우아한 신고전주의 양식으로 제작되었는데, 프랑스 제1제국 기간 동안 제작된 금은세공품 중 가장 뛰어난 것으로 여겨진다. 또한 오디오는 1814년에 루이 18세로부터 레지옹 도뇌르 훈장(Ordre national de la Légion d’honneur)를 수여받았다. 이처럼 문화, 종교, 학술, 체육 등 각 사회 분야의 발전에 기여한 인물에게 수여되는 프랑스 최고 훈장인 레지옹 도뇌르를 수여받았음을 볼 때, 장 밥티스트 클로드 오디오는 19세기 프랑스의 주요 금세공사로 평가될 수 있다. 참고문헌 • Victoria Charles, 『1000 Chef-d’œuvre des Arts décoratifs』, Paris: Parkstone International, 2014 • 대영 박물관 • 디트로이트 미술관 • 메트로폴리탄 미술관 • 오르세 미술관 • L’Agencephotographique

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빈센트 반 고흐는 가난한 사람들의 모습을 그림으로 나타내고 1880년에 밀레처럼 노동자 계급을

그리는 화가가 되기 위해 독학으로 그림을 공부했다. 빈센트 반 고흐는 그림을 너무 정성스럽게 그려서 여기에 올립니다.

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1853년 네덜란드에서 목사의 아들로 태어나 구필 화랑에서 수습사원으로 일했고 성직자의 길을 갈망했지만 신학대학에 낙방하고 벨기에 보리나주에서 전도활동에 열중하며, 가난한 마을 사람들을 그리기 시작했다. 1880년 밀레처럼 노동자 계급을 그리는 화가가 되기로 결심한 빈센트는 주로 독학으로 그림을 공부했고, 1885년 이 시기 대표작인 <감자 먹는 사람들>(1885)을 완성했다.

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피가소의 아름다운 마음