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La contrebasse, comment ça marche ? Lucas Henri - Culture Prime

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- écoute en classe du "Carnaval jazz des animaux" et / ou "Pierre et le loup et le jazz"
- travail autour de la voix : chansons sur les animaux, chansons "jazzy"
- travail autour du rythme / mouvement :
1. mettre une musique et demander aux élèves de trouver la pulsation
2. choisir un animal et demander aux élèves de proposer un rythme associé à ce dernier
3. diffuser plusieurs morceaux et demander aux élèves de danser sur la musique. Que ressentent-ils et comment leur danse évolue-t-elle à chaque morceau (énergie, qualité de mouvement, vitesse, rythme...) ?

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"Le Jazz" - capsule vidéo éducation musicale - classe inversée

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We are about to release our new EP (digital only) to celebrate our 25th birthday. More info soon.

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Jazzoo : jazzons avec les animaux ! avec 1 CD audio - Oddjob

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Jazzoo : jazzons avec les animaux ! de Oddjob - Éditeur Little Village - Livraison gratuite à 0,01€ dès 35€ d'achat - Librairie Decitre votre prochain livre est là

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La basse / Présentation d'instrument / Nicolas Masson

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La Batterie / Présentation d'instrument / Maxime Boubay

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La trompette, comment ça marche ? Lucienne Renaudin Vary - Culture Prime

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La clarinette, comment ça marche ? Raphaël Sévère

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Le saxophone, comment ça marche ? Quatuor Ellipsos

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Daniel Lavoie / Pierre et le loup ...et le jazz.

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Le Carnaval Jazz des Animaux par Edouard Baer et The Amazing Keystone Big Band

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Jazzoo est un spectacle interactif qui offre un espace de liberté aux enfants ; ils sont par conséquent autorisés et invités à se mouvoir et à s’exprimer (taper dans les mains, danser, etc…), sans entraves durant les représentations.

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Il y a cinq ans, les artistes suédois de avaient conquis le public de Bezons. Les voilà de retour, avec cette deuxième création imaginée autour de leur second livre-illustré : Jazzoo...Be Zoo Jazz.

Le principe reste le même : sur un écran, en fond de scène, défilent les images animées de différents animaux croqués par l'illustrateur britannique Ben Javens, que la musique live accompagne de toute une palette de sons, d'ambiances et d'émotions.

JAZZOO est un univers poétique et multicolore, groovy et pétillant à souhait, où chaque animal se reconnait par son identité musicale. Ce serait la réponse du Jazz, comme l'est souvent au classique, le Carnaval des Animaux de Saint-Saëns lorsqu'il s'agit de pédagogie pour les enfants. Ce concept original et lumineux du brillant quintet suédois ODDJOB associe des comptines miniatures drôles, émouvantes et facétieuses, illustrées dans un style naïf et tonique.

De l'éveil musical au sens propre, tout en musique et sans paroles, adapté aux plus jeunes par son fond comme par sa forme avec autant de créativité que de virtuosité.

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Jazzoo 2 - Théâtre Paul Eluard (TPE) de Bezons

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Il y a cinq ans, les artistes suédois de avaient conquis le public de Bezons. Les voilà de retour, avec cette deuxième création imaginée autour de leur second livre-illustré : Jazzoo...Be Zoo Jazz.

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Maurits Cornelis Escher
Collection :
- Constructions impossibles
- Symétrie
- Impressions de transformation

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Selected Works by M.C. Escher This gallery contains much of the work produced by M.C. Escher during his lifetime. Browse one of our collections or search by keyword. Period Early Work Italian Period Switzerland & Belgium Back In Holland Recognition & Success Collection Most Popular

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Pour les petits de maternelle, l'ombre est un phénomène qui attire spontanément la curiosité : celle qu'ils observent d'abord - la leur - a pour particularité de bouger, suivre leur corps, changer de position, de forme, bref, de se comporter presque comme un personnage animé. Souvent source de rires, parfois de peurs, presque toujours de jeux, l'ombre devient rapidement familière aux enfants, et finalement, tellement banale qu'elle ne suscite plus chez eux de questionnement réel, certains l'assimilant à un simple reflet. C'est à l'enseignant qu'il revient de créer des situations, des jeux, des ateliers capables d'interpeler la curiosité des enfants, et de les amener à s'interroger sur ce qui préside à la formation des ombres, en mettant en évidence le rôle de la lumière.

Il y a un des écarts entre ce que les enfants perçoivent des phénomènes lumineux, ce qu'ils peuvent en dire, et ce qu'ils peuvent représenter. Cependant, il est intéressant de faire s'exprimer les élèves sur l'ombre et la lumière, car les propos des uns ou des autres peuvent présenter des décalages et susciter des réactions.
" Faudrait de la lumière pour regarder notre ombre!
- L'ombre, c'est quand on se voit par terre.
- Comme dans une glace ?
- Oui... !"
Des événements, des faits, des propos entendus peuvent interpeller les enfants, les surprendre, pour peu que l'enseignant les incite à observer et décrire ce qui les entoure, et à réagir aux propos qu'il entend.

Sommaire des séquences d'activités

L'ombre, c'est mon ombre
Familiarisation, premières explorations.
1 - Partir des représentations
2 - Premières investigations: la taille de mon ombre

> Télécharger les activités "L'ombre, c'est mon ombre"

L'ombre d'objets
Familiarisation, premières explorations.
1 - Des dispositifs pour des ateliers
2 - Premières explorations: à la découverte de l'ombre et du noir
3 - Dessiner le contour des ombres, spot fixe
4 - Observer la taille et la forme de l'ombre, spot mobile

> Télécharger les activités "L'ombre d'objets"

Mon ombre au soleil
1 - Ce que les enfants disent de la lumière
2 - Premières observations
3 - Dessins
4 - Marquer à la craie le contour de nos ombres
5 - Je joue au soleil
6 - Une dernière phase de représentations

> Télécharger les activités "Mon ombre au soleil"

Vers le théâtre d'ombres; des ombres verticales en classe
1 - Projection de l'ombre de mes mains
2 - Marottes et lampes de poche
> Télécharger les activités "Vers le théâtre d'ombres; des ombres verticales en classe"
Documents complémentaires

À la découverte des ombres: premières observations
L'ombre, un compagnon des élèves les jours ensoleillés

Ils peuvent avoir une ombre au sol ou sur un mur, ou sur d'autres supports. La forme de leur ombre n'est pas toujours la même. Ils peuvent chercher à en modifier la forme, la taille.

Leur ombre (portée sur le sol ou un mur) est une zone sans lumière donc sans couleur (en lumière blanche), dont on ne perçoit que les limites. Elle est une zone d'ombre qu'ils créent.

Ils peuvent se mettre " à l'ombre "... Quand ils sont à l'ombre, ils n'ont pas d'ombre, ou plutôt, la partie de leur corps qui est à l'ombre ne donne pas d'ombre !

Quand ils marchent, leur ombre (portée au sol) est reliée à leurs pieds. Cependant, ils peuvent " décoller " leurs pieds de leur ombre quand ils sautent et leur ombre est en contact avec leurs mains s'ils marchent à quatre pattes...

Ils peuvent mêler leur ombre à celle de leurs camarades, ou à celles d'objets, même sans les toucher.

Les ombres d'objets exposés au Soleil

Les animaux ont une ombre, les objets aussi ont aussi une ombre.

La forme de l'ombre d'un objet est parfois très différente des contours de l'objet, selon la façon dont on le positionne par rapport au Soleil : l'ombre d'un cerceau peut être ovale !

L'ombre d'un même objet est parfois différente selon qu'elle se porte sur le sol, sur un mur, sur un arbre.

Les murs de l'école ont une ombre. Les ombres des arbres de la cour, celles des murs, du mobilier d'extérieur ne sont pas toujours au même endroit, selon l'heure de la journée ou la saison.

Il y a des endroits de la cour qui ne sont jamais à l'ombre.

Ces premières observations constitueront un capital qui permettra aux enfants plus tard, à l'école élémentaire, de s'engager dans une étude de la course du Soleil et des points cardinaux : l'ombre n'est jamais au Sud de l'objet dans l'hémisphère Nord !

Ailleurs qu'au soleil

On peut créer des ombres même en l'absence de Soleil.

On peut modifier la forme, la taille de l'ombre d'objets selon la façon dont on les place par rapport à la source de lumière.

Quelques phrases clés

Quand la lumière rencontre un objet opaque :

L'ombre portée n'est pas une propriété de l'objet, mais résulte de l'interaction entre la source et l'objet.

Les dimensions de l'ombre peuvent être supérieures, ou inférieures à celles de l'objet.

Un objet peut avoir des ombres de formes différentes selon les positions relatives de la source et de l'objet.

Un objet peut avoir plusieurs ombres quand il reçoit des lumières émanant de plusieurs sources.

A noter qu'on emploie ici le mot " ombre", il faudrait pourtant dire " ombre portée " ! Mais, cela ne sera pas l'objet de précisions à la maternelle !

Des objectifs à atteindre, à long terme

Prendre conscience de la linéarité des rayons lumineux ou de l'alignement source-objet-ombre : où est le Soleil par rapport à moi et à mon ombre ?

Si un obstacle opaque s'interpose (mur, arbre) entre le Soleil et moi, je suis à l'ombre et je n'ai donc plus d'ombre.

Je peux avoir une partie de mon corps à l'ombre et une au Soleil, mon ombre paraîtra alors " tronquée ".

Vers activités de familiarisation

Prendre conscience des formes différentes que je peux créer en jouant sur cette linéarité

Seuls les " bords " donnent la forme de l'ombre.

Selon les supports sur lesquels l'ombre est portée, elle peut être modifiée

Vers les activités au Soleil : Mon ombre et moi !

Prendre conscience qu'un objet peut en général avoir des ombres très différentes selon les positions relatives de l'objet et de la source de lumière qui l'éclaire.

Prolongements possibles : activités d'orientation, étude de la course du Soleil dans le ciel

Des types d'activités

La liste des activités citées ici n'est pas exhaustive, et ne reflète pas un ordre chronologique privilégié. Cependant, les situations proposées en familiarisation et exploration peuvent être organisées plusieurs fois dans une même année scolaire, et à plusieurs reprises à la maternelle, avant d'entreprendre un travail d'investigation ou de représentation plus systématique.

Familiarisation
Jouer avec son ombre
Observer les ombres sur le mur, sur le sol
Jouer avec l'ombre d'objets
Obtenir des ombres dans la classe avec une source de lumière artificielle

Exploration
Repérer les conditions pour qu'il y ait des ombres portées visibles
Repérer les ombres d'enfants, leur orientation, leur taille, leurs déformations
Repérer les ombres d'objets plus petits que soi, les ombres de grands objets (qui permettent de se mettre à leur ombre)
Reconnaître un objet à partir de son ombre
Découvrir les différentes ombres possibles d'un même objet

Représentations
Associer un objet, ses silhouettes et ses ombres possibles
Comparer des ombres différentes d'un même objet
Identifier différents tracés réalisés à partir d'un objet : contour des empreintes dans le sol, des ombres, des silhouettes...
Dessiner des ombres, les comparer à celles qu'on voit
Dessiner un enfant et son ombre, en situation, c'est-à-dire en regardant l'enfant et l'ombre.
Dessiner l'ombre d'un même objet sur le sol, à différents moments de la journée, de l'année.
Dessiner son ombre, de mémoire, après une activité de jeu au Soleil.
Observer les photos des situations vécues, et les comparer aux dessins réalisés

Investigation
Faire se former des ombres pour répondre à une exigence (plus grande, plus petite, très grande, d'une autre forme)
Repérer les positions relatives des objets, de l'ombre et de la source lumineuse
Explorer des objets de formes différentes pour essayer de dégager les points communs, les différences, trouver des régularités
Explorer des matériaux non opaques
Argumenter sur la position du Soleil, à partir d'une photo où il y a des ombres portées mais où le Soleil ne figure pas
Prévoir la forme et la position de l'ombre d'un objet, avant d'allumer un spot (il faudra alors faire préciser leurs positions relatives!)

Par quelle étude commencer ?

Mon ombre, ou l'ombre d'objets ? En lumière artificielle ou au Soleil ? Ombre portée sur le sol ou sur un mur ?
Il peut sembler plus pertinent de faire jouer en premier lieu l'enfant avec son ombre, mais, une difficulté se pose : l'enfant est à la fois l'observateur et l'objet qui fait écran au Soleil, et dont on regarde l'ombre.
Le point important : donner aux enfants, à plusieurs reprises, l'occasion de participer à des ateliers variés de familiarisation qui favorisent la focalisation des enfants sur ce qui nous intéresse, ici l'étude des ombres.
A partir de leurs remarques et des questions qui auront été suscitées, il sera possible de programmer un ensemble d'activités sur la formation des ombres, qui se présente plutôt sous forme d'approches multiples et convergentes que de progression.
Quelques notions de base pour l'enseignant (document à télécharger) Dossier publié sous le label La main à la pâte dans la revue LA CLASSE MATERNELLE en janvier 2008

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Souvent source de rires, parfois de peurs, presque toujours de jeux, l'ombre devient rapidement familière aux enfants et, finalement, tellement banale qu'elle ne suscite plus chez eux de questionnement réel.

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Activités/ Ateliers pour aller plus loin

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Activités/ Ateliers pour aller plus loin

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Adaptation jeune public du spectacle MIRE

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Adaptation jeune public du spectacle MIRE

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Accueilli au TPE en octobre 2022

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Aller au contenu

Kaléidoscope corporel pour un regard audacieux!

Acte esthétique aux accents baroques, MIRE fond beauté et trivialité dans une harmonie complémentaire

MIRE est une installation performative pour douze danseur.ses, MIRE se présente comme un kaléidoscope corporel. Couché à même le sol, le spectateur voyeur peut découvrir la fresque vivante des danseur.ses dans le reflet d'un miroir géant suspendu au plafond ou lorgner les corps nus au travers de fentes dans les cloisons du dispositif. Les deux perspectives offrent à la fois un tableau magnifié et abstrait des corps et un aspect brut et sans artifice de la chair.

Crédits:

Concept & chorégraphie: Jasmine Morand
Danse: Céline Fellay, Claire Dessimoz, Géraldine Chollet, Luisa Schöfer, Valentine Paley, Fabio Bergamaschi, Marco Volta, Ismael Oiartzabal, Krassen Krastev, Eléonore Heiniger, Amaury Reot, Nicolas Turicchia, Audrey Dionis
Scénographie: Neda Loncarevic
Lumière: Rainer Ludwig
Musique originale: Enrique Gonzalez Müller, Patrick Conus
Administration: Marianne Caplan

Communication et assistanat de production: Virginie Pasquier
Diffusion : Florence Francisco et Gabrielle Baille, les Productions de la Seine

Coproduction: Coproductions & Première Festival Images Vevey, Le Reflet - Théâtre de Vevey

Soutiens: Ville de Vevey, Canton de Vaud, Loterie Romande, Fonds Culturel Riviera, Fondation Nestlé pour l'Art, SIS, Corodis et ProHelvetia

MIRE 2016

Durée 50 min

Crédit photo : Céline Michel

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Aller au contenu Kaléidoscope corporel pour un regard audacieux! Acte esthétique aux accents baroques, MIRE fond beauté et trivialité dans une harmonie complémentaire MIRE est une installation performative pour douze danseur.ses, MIRE se présente comme un kaléidoscope corporel.

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Création au TPE

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Aller au contenu "Une création artistique n'est au fond qu'une formule innovatrice, un prototype en soi" Prototype Status est une compagnie de danse contemporaine professionnelle fondée en Suisse romande par la chorégraphe et danseuse Jasmine Morand. Soutenue par la direction de la culture de la Ville de Vevey, la compagnie déplace son siège en 2008.

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- Comment se mettre en mouvement en étant allongé ?
- Est-ce facile ?
- Quelles sont les limites ?

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Réseau des Médiathèques de Montpellier 3M

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Interroger la place du spectateur et le dispositif scénique

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Interroger la place du spectateur et le dispositif scénique

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- Spectateurs allongés sur la scène
- Danseurs dans une boîte, visibles grâce à un miroir

Comme cela est-il perçu / ressenti ?

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- Colorier des mandalas
- Dessiner des mandalas sur papier ou dans la cour
- Créer des mandalas avec des objets
- Faire un mandala humain

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Le zootrope est le perfectionnement du phénakistiscope puisqu'il s'appuie sur le même principe visuel qui donne l'illusion du mouvement. L'amélioration apporté par le tambour du zootrope permet d'observer la scène animée à plusieurs, annonçant en modèle réduit l'expérience de la séance de cinéma. Il préfigure également la pellicule de cinéma.

﻿Principe du zootrope

Invention attribuée à l'Anglais William George Horner (1833) à Londres et à l'Autrichien Stampfer à Vienne (1834).
Il s'agit un tambour rotatif dont les parois sont percées de fentes régulières. Tout autour des parois intérieures, sont disposées autant d'images qu'il y a de fentes.
Le zootrope fonctionne comme le phénakistiscope : on le fait tourner et c'est l'obturation régulière du défilement des images successives d'un mouvement qui permet de voir les images bouger.
Mais plutôt que d'utiliser un disque, on peut cette fois voir le défilement des images à partir d'une bande de papier qui ressemble à la pellicule cinématographique. L'image est carrée ou rectangulaire, comme celle que l'on a l'habitude de voir dans les livres.
L'alternance de noir puis d'étroites fentes, oblige à éclairer fortement l'intérieur du tambour. C'est pourquoi l'extérieur et l'intérieur du tambour sont peints en noir, afin que seules les images ressortent.

Atelier : fabrication d'un zootrope

Matériel nécessaire :
- les bandes de zootrope, à télécharger (imprimer en format paysage et en A3)
- de la colle ou du scotch
- une paire de ciseaux, un cutter
- des crayons de couleur, feutres
- une boîte de camembert
- un bouchon de liège, coupé en deux
- un pic à brochette en bois

Pour réussir un zootrope :
- chaque dessin doit changer petit à petit,
- chaque dessin doit être placé à égale distance des fentes percées,
- la dernière image dessinée doit s'enchaîner avec la première qui a été faite.

Étape 1 : le support
Percer la boîte de camembert en son centre. Fixer le premier morceau de bouchon à 2 cm de l'extrémité du pic en bois. Faites passer le pic en bois en travers de la boîte et utiliser le second morceau de bouchon pour refermer le pic.
Veiller à ne pas trop enfoncer les deux morceaux de bouchon afin que la boîte puisse tourner sur elle-même.

Étape 2 : la bande obturatrice
Imprimer la bande noire obturatrice. Évider chacune des fentes à l'aide d'un cutter ou de ciseaux pointus. Colorier en noir le verso, cela aidera le regard à se porter uniquement sur l'animation lorsque le zootrope sera constitué.
Coller la bande noire à l'intérieur de la boîte, en faisant dépasser les interstices.

Étape 3 : la bande dessinée
Imprimer la bande blanche. Dessiner une phase d'un mouvement sur chaque case de la bande blanche. Laissez libre court à votre imagination. On peut également utiliser des photos comme séquence.
Insérez votre bande d'images à l'intérieur du zootrope (vous pouvez la fixer avec un morceau de scotch). Il ne vous reste plus qu'à faire tourner la boîte en regardant à travers les fentes pour voir l'animation se créer.

Vous pouvez télécharger directement des bandes de dessins imprimés.

Au début ou à l'issue de l'atelier, on peut présenter des morceaux de pellicule. Leur observation permet de constater qu'il s'agit - comme pour les bandes de zootrope - d'une suite d'images fixes.

Variantes
Il est possible de réaliser un zootrope plus grand et collectif pour l'ensemble du groupe de participants. On peut utiliser un vieux tourne-disque par exemple. Il faudra créer des bandes et un cylindre noir en papier cartonné de longueur égale à la circonférence du disque vinyle qui servira de base.

La particularité du zootrope est qu'il permet de mettre à l'intérieur du tambour, non plus seulement des images mais aussi des objets ou des formes en trois dimensions, comme des pantins articulées, ou de la pâte à modeler. Si l'on dispose autant d'objets qu'il y a de fentes et que ces objets changent à chaque fois, on peut voir des formes bouger, en relief !
Nicolas Plateau, Ciclic, 2014.

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Le zootrope est le perfectionnement du phénakistiscope puisqu'il s'appuie sur le même principe visuel qui donne l'illusion du mouvement. L'amélioration apporté par le tambour du zootrope permet d'observer la scène animée à plusieurs, annonçant en modèle réduit l'expérience de la séance de cinéma.

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En emmenant le spectateur dans un univers de journaux, Don't Panic s'interroge sur la façon dont les médias façonnent notre perception du monde et influencent nos comportements, tandis que nous nous berçons de l'illusion d'être libre.
Pataugeant dans un océan de nouvelles fraîches, les personnages évoluent de façon ludique sur un terrain précaire où instabilité et manipulation mènent à une absurde zizanie.

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En emmenant le spectateur dans un univers de journaux, Don't Panic s'interroge sur la façon dont les médias façonnent notre perception du monde et influencent nos comportements, tandis que nous nous berçons de l'illusion d'être libre.Pataugeant dans un océan de nouvelles fraîches, les personnages évoluent de façon ludique sur un terrain précaire où instabilité et manipulation mènent à une absurde zizanie.

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MIRKIDS - Théâtre Paul Eluard (TPE) de Bezons

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Le Théâtre Paul Eluard (TPE) de Bezons vous présente le spectacle "MIRKIDS" de la chorégraphe Jasmine Morand - Saison 2022-2023

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Extrait de spectacle inspiré des Shakers

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The Shakers

The Shakers, quiraconte le rassemblement des membres de la secte Shaker, est une étude sur l'extase religieuse.

L'accompagnement du tambour, de l'accordéon et de la voix a été arrangé après la composition de la danse. " Dieu a révélé ", disent les Shakers, " que la vie éternelle sera la récompense de quelques élus qui sont secoués du péché. "

La danse s'ouvre avec des hommes et des femmes agenouillés dans une formation carrée devant la plateforme où les anciens sont assis. Au fur et à mesure que l'excitation religieuse les saisit, la place commence à se briser jusqu'à ce que le pic d'excitation soit atteint dans le soubresaut qui secoue leurs péchés. La danse est ponctuée de plusieurs intervalles de silence pendant lesquels les Shakers reçoivent la visite de l'Esprit Invisible.

C'est la première danse du genre à être basée sur une secte religieuse américaine.

Source : programme de salle du 14 -15 mars 1935, Doris Humphrey & Charles Weidman et leur groupe de danse - Repertory Theatre, Boston

Humphrey, Doris

Danseuse et chorégraphe américaine, née le 17 octobre 1895 à Oak Park (Illinois), morte le 29 décembre 1958 à New York, Doris Humphrey est l'une des pionnières de la danse moderne américaine et une innovatrice en matière de technique, de création et de théorie du mouvement chorégraphique.

Doris Humphrey étudie la danse dès son plus jeune âge. C'est une élève douée et passionnée. Après avoir obtenu son diplôme et enseigné pendant quatre ans à Chicago, elle rejoint en 1917 l'école de danse et la compagnie Denishawn (créées en 1915 par Ruth Saint Denis et Ted Shawn) à Los Angeles. Elle y devient rapidement l'une des principales danseuses solistes, et s'essaie à la chorégraphie dès 1920. Sa première création majeure, originellement dansée sur la Sonata tragica d'Edward MacDowell, est présentée en 1925. Cette œuvre possède une rythmique propre si puissante que Ruth Saint Denis la proposera ultérieurement comme la première pièce chorégraphique moderne américaine sans musique. Après une tournée de deux ans en Asie, Doris Humphrey et Charles Weidman, un autre danseur de la compagnie Denishawn, prennent la direction de l'école Denishawn de New York. Ils y resteront jusqu'en 1928, année où ils fondent l'école et la compagnie Humphrey-Weidman, qu'ils dirigeront jusqu'en 1944. Sybil Shearer, Katherine Litz et José Limón figurent parmi leurs disciples les plus célèbres.

Source: Encyclopedia Universalis

Reusch, Amy

Amy Reusch est une réalisatrice américaine. Elle capte l'entièreté des spectacles qui composeront la série de DVDs "The Doris Humphrey Legacy".

The Shakers

Chorégraphie : Doris Humphrey

Interprétation : The Doris Humphrey Workshop Dancers

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : Dance Horizons Video

Princeton Book Co. Publishers

Spécialistes de l'édition et de la distribution de livres de danse et de vidéos de danse depuis plus de 35 ans, avec une liste de plus de 500 titres liés à la danse. Nous publions sous la marque Dance Horizons et distribuons pour The Dance Notation Bureau et Dance Books Ltd. En mars 2000, nous avons lancé une nouvelle marque pour publier des livres d'intérêt général, Elysian Editions, avec The Magic Of Provence: Pleasures of Southern France by Yvone Lenard. Visitez nos pages Elysian Editions pour voir les livres de Mme Lenard ainsi que d'autres titres sous cette empreinte.

Source : Princeton Book Co. Publishers

En savoir plus : https://www.dancehorizons.com

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The Shakers, qui raconte le rassemblement des membres de la secte Shaker, est une étude sur l'extase religieuse. L'accompagnement du tambour, de l'accordéon et de la voix a été arrangé après la composition de la danse. " Dieu a révélé ", disent les Shakers, " que la vie éternelle sera la récompense de quelques élus qui sont secoués du péché.

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L'univers musical en partie inspiré des work songs

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L'univers musical en partie inspiré des work songs

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La naissance de l'esclavage aux États-Unis

La découverte du Nouveau Monde par Christophe Colomb en 1492 a été l'occasion pour les pays européensEspagne, Portugal, Grande-Bretagne, France, Hollande d'étendre leur politique coloniale en investissant des terres encore vierges. Mais cela nécessite de trouver une main-d'œuvre peu coûteuse et rentable. Recrutant des travailleurs bon marché parmi la population africaine, des marchands d'esclaves échangent le " bois d'ébène "surnom donné aux cargaisons d'esclaves en Amérique contre du café, du tabac, du sucre ou encore du coton qu'ils écoulent ensuite sur le marché européen C'est ce qu'on appelle le commerce triangulaire..

Arrachés à leurs terres d'origines, les esclaves sont dispersés dès leur chargement sur les bateaux pour renforcer l'idée d'acculturation et favoriser leur perte de repères. Déportés en terre étrangère, ils sont destinés à être domestiques ou à exercer des travaux agricoles. Exposés puis vendus, ils sont conduits vers les plantations de leurs propriétaires.

Plantation de canne à sucre. NY Public Library, digital collections

Les premiers Africains arrivent en Amérique en 1679, en Virginie. En 1750, deux cent mille esclaves sont répartis dans les plantations du Sud où toute l'économie de l'esclavage est concentrée. Au fil des années, les besoins des propriétaires augmentent, entraînant une croissance des exploitations et du rendement toujours plus importante. Alors que l'on compte quinze millions d'esclaves noirs sur le continent américain, près de deux millions meurent durant les trajets en bateau.

En 1815, le Congrès de Vienne condamne le traitement des Noirs. Une réelle scission s'opère entre le nord des États-Unis, dont l'opinion anti-esclavagiste s'accroît progressivement, et le sud, où la ségrégation séparation physique ou discrimination au sein d'un même pays entre des populations différenciées par la couleur de leur peau se développe. En 1860, le candidat républicain Abraham Lincoln est élu président. L'opposition du Nord et du Sud aboutit à la Guerre de Sécession en 1861, qui s'achève, en 1865, par la victoire des états du Nord. L'abolition de l'esclavage est alors proclamée.

Naissance de La Nouvelle-Orléans

Créée en 1718 par les Français, La Nouvelle-Orléans, capitale de la Louisiane, est vendue aux États-Unis le 2 mai 1803. Située au bord du Mississipi, elle s'affirme comme une véritable terre d'accueil en s'ouvrant à des populations originaires de tout horizon. Européens, Créoles venus d'Haïti, et esclaves noirs se regroupent dans cette ville pour former une des populations les plus éclectique et féconde des États-Unis. Malgré les nombreux échanges entre les populations, une hiérarchisation est opérée selon la couleur de peau et l'origine sociale. En 1816, les premières lois ségrégationnistes sont votées et appliquées avec souplesse jusqu'en 1894, où une nouvelle loi durcit considérablement les conditions des populations métissées. Les Créoles sont contraints de quitter le centre ville et rejoignent la population africaine logée dans les quartiers périphériques qui lui sont attribués.

Rhythm band, dessin de Elizabeth Olds. NY Public Library, digital collections

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Un peu d'histoire autour de la musique noire-américaine

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La découverte du Nouveau Monde par Christophe Colomb en 1492 a été l'occasion pour les pays européensEspagne, Portugal, Grande-Bretagne, France, Hollande d'étendre leur politique coloniale en investissant des terres encore vierges. Mais cela nécessite de trouver une main-d'œuvre peu coûteuse et rentable.

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Présentation de la compagnie Fist and Heel et du chorégraphe Reggie Wilson

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Présentation de la compagnie Fist and Heel et du chorégraphe Reggie Wilson

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REGGIE WILSON / FIST AND HEEL PERFORMANCE GROUP

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Fist and Heel draws from the movement idioms of Blues, Slave and Gospel cultures to create works that both honor the past and break new ground.

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LE GROS TUTO ! Rythmopathes "Team Péda" initiation percussions corporelles

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A partir de la danse des shakers, proposer aux enfants d'inventer leurs propres mouvements de lâché prise en jouant sur différents aspects :
- La vitesse du mouvement : lent/rapide
- L'ampleur : grand / petit
- La répétition : 1x / 10x
- Le rythme : fluide / saccadé

Chaque élève présente sa chorégraphie puis toute la classe reprend tour à tour la chorégraphie créée par chaque élève.

Possibilité d'y intégrer des percussions corporelles.

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Rebecca Cox Jackson fondatrice de la communauté Black Shaker

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Rebecca Cox Jackson fondatrice de la communauté Black Shaker

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A Determined Voice: Mother Rebecca Cox Jackson

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In almost all listings of the established Shaker communities, one distinct site is omitted. It was the only urban Shaker community; and it was largely an African American Shaker community. Small in number and often considered an “Out Family” of Watervliet, this was the Shaker Family in Philadelphia…

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Le village shaker de Hancock, dans le Massachussetts, abrite de nombreux bâtiments agricoles historiques datant du 19 e siècle construits par les Shakers, une secte protestante. Ce clan, qui dérive des fameux Quakers, n'a jamais compté énormément de membres mais a eu une influence démesurée sur les innovations architecturales, esthétiques et agricoles aux États-Unis. Plusieurs musées et sites historiques de la Nouvelle-Angleterre permettent de découvrir leur mode de vie.

Quand les Shakers arrivent à New York en 1774, le mélange particulier de coutumes anglaises, d'ardeur au travail, et de dévotion protestante qui les caractérise les relègue immédiatement au rang de parias. Rumeurs et mythes émergent alors : le groupe est austère, a tout d'une secte, rejette la technique et a un mode de vie chaste et non viable. On ne s'étonnera pas dès lors qu'à son apogée au 19 e siècle, le clan ne compte que 5 000 membres répartis en 19 communautés. Malgré tout, les Shakers auront une influence démesurée sur la culture américaine.

De nos jours, deux anciennes colonies shakers situées dans les forêts délimitant l'ouest du Massachussetts et l'est de l'État de New York, ainsi qu'un musée ambitieux qui devrait bientôt ouvrir ses portes, permettent de découvrir autrement l'héritage de la secte mais également de dissiper les idées fausses à leur sujet tout en faisant la preuve de l'esprit tenace de ces personnes ordinaires qui s'acharnaient à vivre une vie hors du commun.

Le village shaker de Hancock, dans le Massachussetts, sur une carte postale de 1914.

PHOTOGRAPHIE DE New York Public Library Smith Collection, Gado/Getty Images

De ses inventions diverses et variées (textiles, meubles et équipement agricole) à son architecture conçue avec minutie, la culture shaker résiste aussi bien au temps que les fondations de pierre qui jonchent le paysage du nord-est américain. " On a affaire à un groupe religieux radical ", commence Jennifer Trainer Thompson, directrice du Hancock Shaker Village, à Pittsfield, dans le Massachussetts. " Et pourtant ils ont cette influence qui résiste à l'épreuve du temps. "

Pour se familiariser avec les innovations et les inspirations de ce groupe, les voyageurs peuvent mettre les voiles vers les terres bucoliques et les petites villes de la Nouvelle-Angleterre. Entre les granges désolées mais stupéfiantes et les musées exposant des artéfacts intacts, il est facile de se rendre compte pourquoi les " humbles dons " des Shakers ont eu une influence aussi importante.

SCHISME CHEZ LES QUAKERS

Les Shakers se sont départis de la branche principale du quakerisme dès 1747, à Manchester, en Angleterre. Le nom du groupe vient de ses pratiques cultuelles extatiques (tremblements, danse et glossolalie). Les membres de cette secte émigrent en Amérique en 1774 pour fuir la persécution et s'installent dans la nature près de l'actuelle ville d'Albany, dans l'État de New York. Puis de nouvelles branches vont aller s'installer jusqu'en Floride au sud, jusque dans le Maine au nord et jusque dans l' Indiana à l'ouest.

Agriculteurs pour la plupart, les Shakers ont l'esprit d'initiative. Ils inventent le balais plat, la scie circulaire et la machine à laver à roue. Ils opèrent un commerce de distribution de graines. Mais on les connaît peut-être surtout pour un style de meubles et d' ébénisterie iconique aux lignes épurées dont on raffole encore de nos jours. Des centaines d'années avant qu'on ne parle de durabilité, les Shakers ont recours à des méthodes respectueuses de l'environnement : ils font tout pour que l'eau reste potable, captent la puissance de l'eau, et pratiquent ce qu'on appelle aujourd'hui l'agriculture régénératrice.

Cette réplique de l'école du village telle qu'elle était au 19 e siècle accueille aujourd'hui des activités pour les enfants.

PHOTOGRAPHIE DE John Greim, LightRocket/Getty Images

Leur apparence très conventionnelle (les femmes portent des robes couvrant le corps du cou aux chevilles et les hommes des costumes trois pièces) dissimule pourtant des intentions progressistes d'un point de vue social. Les communautés de " frères " et de " sœurs " sont séparées en " familles ", chacune dirigées par un homme et une femme. Tous les membres ont un statut équivalent et les convertis noirs sont traités de la même manière que les blancs. Bien que les familles biologiques soient acceptées, les hommes et les femmes vivent séparément et font vœu de chasteté.

De nombreux musées shakers mettent actuellement en avant l'inclination du groupe pour l'égalité et la durabilité. Mais pour Jerry Grant, directeur de la recherche et des collections pour le Musée Shaker de Chatham, dans l'État de New York, il y a un autre thème qui rend cette communauté plus actuelle que jamais. " Il est difficile de s'effacer devant l'intérêt de tous. Il est évident que nous manquons cruellement de cela de nos jours ", se lamente-t-il.

À LA RECHERCHE DU PARADIS SUR LES HAUTEURS DE MOUNT LEBANON

À New Lebanon, sur un ruban de vallée serpentant entre les montagnes Taconic, le groupe créé Mount Lebanon, première communauté shaker officielle, siège de l'autorité religieuse et lieu sacré. Celle-ci prospérera jusqu'au début du 20 e siècle.

Les derniers Shakers ont quitté le village en 1947, mais une certaine " vivacité " y demeure. " Nous avons créé un environnement propice au spirituel qui demeure intact aujourd'hui encore ", indique Frère Arnold Hadd, un des deux derniers pratiquants vivant à Sabbathday Lake, ultime village shaker du pays situé près de New Gloucester, dans le New Hampshire.

Mount Lebanon, classé Site historique national, est en grande partie occupé par la Darrow School qui incorpore de nombreux thèmes shakers dans son programme, et notamment des ateliers pratiques sérieux. " La communauté, voilà le thème principal ici. C'est ce dont les jeunes parlent après avoir obtenu leur diplôme ", affirme Andy Vadnais, le directeur de l'école.

Le campus s'étire sur près de 150 hectares de prés verdoyants avec vue sur les montagnes. Les visiteurs peuvent explorer la plupart de ses dix-sept structures shakers datant de la fin du 18 e siècle. La voûte en berceau de la bibliothèque, construite en 1785, est un des exemples les plus éminents de l'architecture vernaculaire de l'État de New York. C'était autrefois un temple et on y trouve trois portes d'entrée : une de chaque côté pour les frères et les sœurs et une au centre pour " le monde ".

Les deux derniers Shakers du monde habitent le village de Sabbathday Lake, dans le Maine.

PHOTOGRAPHIE DE Danita Delimont, Alamy Stock Photo

De l'autre côté d'un étang se trouve un bâtiment haut de plafond aux airs de grange qui sert à tanner le cuir (encore un autre métier pratiqué par les Shakers). L'été, on peut profiter de son acoustique stellaire lors du festival de musique classique Tannery Pond Concerts.

En remontant la route, on tombe sur les ruines de Sassafras Farm. Quand Carol Reichert et Jerome Shereda ont acquis cette propriété de 32 hectares en 2020, seuls l'Atelier des frères et la Fabrique de chaises (deux vestiges d'une des huit " familles " de Mount Lebanon) étaient reconnaissables.

Après avoir déblayé des branches d'arbre et des déchets s'étant accumulés pendant des dizaines d'années, le couple a mis au jour la fondation en pierre, en grande partie intacte, d'une grange de 750 mètres carrés, une glacière enterrée depuis longtemps, ainsi que les ruines de l'Atelier des sœurs et un barrage abritant une minuscule cascade.

Un nouveau système de sentiers traverse les bois et mène au cimetière shaker où quarante âmes sont enterrées comme elles ont vécu : ensemble. Un simple monument où l'on a gravé le mot " Shakers " indique leur dernière demeure.

Carol Reichert et Jerome Shereda ont injecté près de 1,8 millions d'euros de leurs propres fonds dans Sassafras Farm. L'endroit proposera dès cet été un musée, un gîte pour la nuit, et un espace de spectacle. " Nous aimerions que les gens repartent avec une vision plus globale des contributions des Shakers à la vie américaine, explique Carol Reichert. C'est un pan incroyable de notre histoire qu'on doit à un groupe de personnes spirituelles qui ont créé des choses monumentales. "

UNE VITRINE POUR LA VIE SHAKER

À 15 minutes de route de Chatham, dans l'État de New York, le Musée Shaker abrite la plus grande collection de meubles, de préparations médicinales et d'équipement agricole shaker. Fondé en 1948 par John Stanton Williams, Sr., agent de change de Manhattan devenu gentleman farmer, le musée exposait des milliers d'artéfacts dans sa grange. (Quand il a ouvert, l'entrée au musée coûtait d'ailleurs 75 cents).

Atelier de forgeron dans le village de Hancock. Y sont exposés des outils en bois et en métal dont la secte se servait pour fabriquer des meubles et des équipements agricoles.

PHOTOGRAPHIE DE John Greim, LightRocket/Getty Images

Aujourd'hui, le musée est en possession de 18 000 objets mais sa salle d'exposition est restreinte et ne peut être visitée que sur rendez-vous. Cela changera en 2024 : un nouveau quartier général à 16,2 millions d'euros s'installera dans un hôtel de l'ère victorienne agrandi pour l'occasion et proposera des exposés sur l'histoire shaker et des expositions sur l'influence artistique et esthétique de la secte.

Lacy Schutz, directrice générale, est impatiente à l'idée que les visiteurs découvrent des artéfacts peu communs comme cette chaussure à plateforme fabriquée pour une sœur qui avait une jambe plus courte que l'autre ou cette chaise à bascule du 19 e siècle repensée en chaise roulante. " Parmi les valeurs fondamentales des Shakers, il y avait la croyance selon laquelle chacun devrait être en mesure de participer entièrement à [la vie de] sa communauté, qu'importe la validité physique et l'âge ", commente-t-elle.

INTERPRÉTATION MODERNE

À 27 kilomètres de là, dans les Berkshire du Massachussetts, dans une plaine de 300 hectares, vingt bâtiments historiques impressionnants sont préservés au sein du village shaker de Hancock. Certains servent toujours aux travaux de la ferme qui se trouve sur la propriété. Le plus reconnaissable d'entre eux est une grange circulaire en pierre surmontée d'une coupole jaune maïs construite sur un talus en 1826.

Construite en 1826, la grange en pierre ronde du village de Hancock illustre bien l'architecture minimaliste quoique raffinée des Shakers.

PHOTOGRAPHIE DE Tony Luong, The New York Times/Redux

L'été dernier, en débroussaillant un sentier menant à l'endroit du village où vivait une certaine " Famille du sud ", on a découvert pour la première fois depuis soixante ans les fondations de six autres bâtiments, notamment celles d'un atelier de fabrication de sucre d'érable et d'une autre grange.

Dans les bâtiments du village qui se tiennent encore debout, des expositions reviennent sur la vie des Shakers et sur l'influence que celle-ci a sur certains artistes et designers contemporains. " Pour [les Shakers], fabriquer une chaise ne suffisait pas. Il fallait donner tout ce qu'on avait dans sa fabrication, raconte Jennifer Trainer Thompson. Quand on regarde ce bois parfaitement sculpté, ces proportions élégantes, cette simplicité qui veille à ne rien gâcher, on a une réaction viscérale. Ils incarnaient leur religion dans un objet physique. "

Parmi les artéfacts anciens d'une collection de 22 000 objets, on trouve des chaises sveltes, des outils agricoles efficaces mais aussi des capes féminines à capuche si élégantes que les fashionistas du 19 e siècles les avaient adoptées. Des expositions temporaires de créations influencées par l'esthétique shaker (des céramiques de James Turrell, des vêtements Tory Burch) sont là pour montrer que la passion des Shakers pour la simplicité et les choses bien faites est encore bien vivante.

Au-delà de leur influence profonde sur les objets et l'architecture, les conceptions des Shakers en matière d'inclusion, d'égalité, de durabilité et de communauté sont des leçons dont le monde d'aujourd'hui peut s'inspirer. " Ce sont des problèmes avec lesquels nous sommes encore aux prises, et il est terriblement important de se retourner sur ce petit groupe de personnes qui se sont efforcées de faire les choses bien ", conclut Lacy Schutz.

Robin Catalano est journaliste de voyage originaire de la vallée de l'Hudson et est spécialiste du nord-est des États-Unis. Suivez-la sur Instagram et sur Twitter. Cet article a initialement paru sur le site nationalgeographic.com en langue anglaise.

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Les Shakers, la secte qui a eu une influence démesurée sur la société américaine

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Le village shaker de Hancock, dans le Massachussetts, abrite de nombreux bâtiments agricoles historiques datant du 19 e siècle construits par les Shakers, une secte protestante. Ce clan, qui dérive des fameux Quakers, n'a jamais compté énormément de membres mais a eu une influence démesurée sur les innovations architecturales, esthétiques et agricoles aux États-Unis.

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Cet atelier de danse contemporaine permettra aux enfants de travailler :
- Le déplacement dans l'espace
- La relation avec la musique et avec les autres danseurs
- La mise en mouvement du corps
- L'expression des intentions et des sentiments à travers la danse

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Créer des mobiliers à la manière des Shakers

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Créer des mobiliers à la manière des Shakers

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Après avoir étudié les mobiliers des shakers en classe, proposer aux enfants de fabriquer leurs mobiliers en carton  avec un décor simple et minimaliste.
Ils réaliseront des maquettes ou dessineront ces meubles sur une feuille.
À la fin de l'activité, ils pourront exposer et présenter leurs créations en classe.

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Activités/ Ateliers pour aller plus loin

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Activités/ Ateliers pour aller plus loin

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Une première en France

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Reggie Wilson/Fist & Heel Performance Group - Trailer of POWER

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Une communauté où la danse occupe une place centrale

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Histoire : Shakers, la secte américaine qui a inventé le design minimaliste

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Artisanal et sans fioritures, le mobilier des shakers, ce mouvement religieux né au 18e siècle, conserve toute sa pertinence. IDEAT vous explique pourquoi.

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Spectacle inspiré des Shakers

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Borrowed ligth

Le chorégraphe Tero Saarinen s'intéresse aux Shakers depuis la fin des années 80, lorsqu'il vit pour la première fois un documentaire sur les chorégraphies de Doris Humphrey inspirées des Shakers. Ce mouvement religieux radical des 18 ème et 19 ème siècles aux valeurs communautaires fortes et à l'esthétique fonctionnaliste d'une saisissante beauté marquèrent profondément Saarinen. Au fil des ans, il a continué à étudier l'architecture, le design et les idées des Shakers.

Au début du 21ème siècle, Saarinen découvre l'album de la Boston Camerata, Simple Gifts. La répétition obsessionnelle de la musique le bouleverse et l'idée d'une nouvelle création commence à germer dans son esprit. En 2002, il contacte Joel Cohen, directeur artistique de la Boston Camerata pour évoquer la possibilité d'une co-production. Au début du processus de création avec la Boston Camerata, Cohen a fredonné des mélodies à Saarinen. A partir de la centaine de chants archivés, ils en ont sélectionné 20, certains inédits. Saarinen et Cohen se sont rencontrés plusieurs fois en Europe et aux Etats-Unis et se sont rendus à la Sabbathday Lake Community pour rencontrer les quatre Shakers encore en vie à ce moment-là.

Il a fallu dix-huit mois d'un travail acharné pour que Saarinen et ses collaborateurs finalisent la chorégraphie et la forme visuelle de Borrowed Light. Le titre de la création s'inspire d'une pratique architecturale courante des Shakers consistant à intégrer aux pièces des fenêtres intérieures afin d'optimiser la lumière du jour et la productivité. Saarinen et ses fidèles collaborateurs, l'éclairagiste et scénographe Mikki Kunttu et la costumière Erika Turunen ont traité la lumière comme une métaphore religieuse.

L'univers visuel de l'oeuvre s'appuie sur une esthétique de la frugalité et l'accentuation des contraires. Les costumes mêlent feutrage épais et tissus légers transparents. L'éclairage joue sur les contrastes entre ombres mystiques et lumière intense.

Bien que toute l'équipe de création ne se soit réunie en un seul lieu qu'une semaine avant la première, le travail au long cours et le dévouement de tous les artistes impliqués ont permis à ces deux ensembles de s'harmoniser pour créer un spectacle unique.

Au-delà de la forte influence des Shakers, Borrowed Light aborde le thème de la société communautaire en général : " Ma principale source d'inspiration était les Shakers et au final je n'ai utilisé que de la musique Shaker originale ; le propos de cette création n'est pas le shakerisme, mais plutôt la communauté et la dévotion. Pour moi, la nature d'un engagement- qu'il soit religieux, artistique ou politique - est fondamentalement la même. "

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La musique shaker

La musique shaker emploie les moyens les plus simples pour

atteindre des niveaux de beauté et d'intensité émotionnelle

extraordinaires. La plupart du temps, les formes sont courtes

et binaires, et utilisent le langage mélodique et modal des

chansons folkloriques anglaises. Les compositeurs de ces

pièces étaient des Shakers ordinaires encouragés par la

communauté à exprimer leur spiritualité par le chant.

À l'apogée du mouvement shaker, l'interprétation de cette

musique était exclusivement vocale, interprétée par une

communauté chaste, a cappella et à l'unisson. Ainsi, ce

répertoire de musique vocale sacrée est d'une certaine

manière l'équivalent américain du chant grégorien.

Toutefois, une différence importante avec ce dernier est

la présence fréquente de rythmes de danse enlevés qui font

de ces chants, hier comme aujourd'hui, de parfaits moyens

d'expression du sentiment religieux par le mouvement.

Plusieurs milliers de ces chants ont été transcrits par les

Shakers, mais jusqu'à récemment seuls quelques-uns

étaient connus en dehors de la communauté. L'essentiel

de la musique de Borrowed Light a été transcrit à partir de

manuscrits et reste inédit à ce jour. Pour deux chants, en

l'occurrence Repentance et Verdant Grove nous pensons que

Borrowed Light les donne à entendre pour la première fois

en dehors de la communauté, et ce depuis plus de 150 ans.

Joel Cohen

Sources : Programme du spectacle.

Saarinen, Tero

Le danseur et chorégraphe Tero Saarinen a commencé sa carrière comme danseur au Finnish National Ballet (ballet national finlandais) en 1985. Sa carrière solo décolle en 1988 après avoir gagné sa première récompense en danse contemporaine lors du "Concours International de Danse de Paris". Malgré son succès en tant que soliste, il quitte le Finnish National Ballet en 1992 pour chercher de nouvelles influences en danse contemporaine en Europe de l'ouest et au Japon, où il étudie la danse traditionnelle japonaise et le Butoh en 1992 et 1993. Il a travaillé avec plusieurs chorégraphes de renommée internationale et est toujours considéré comme l'un des danseurs de sa génération les plus importants du monde.

Saarinen a élaboré plus de 30 créations au cours de sa carrière. Il fonde son propre groupe en 1996 comme une toile sur laquelle tisser son œuvre chorégraphique. À part le travail qu'il effectue pour la Tero Saarinen Company et l'enseignement qu'il donne sur sa technique du mouvement, on peut également voir son œuvre lors des avant-premières commandées par plusieurs autres groupes de danse éminents.

En tant que chorégraphe, Saarinen est connu pour son langage du mouvement unique qui joue entre équilibre et déséquilibre. On retrouve dans son style des influences allant du Butoh et des arts martiaux jusqu'au ballet classique et la danse contemporaine occidentale. Ses œuvres qui ont remporté des louanges internationales sont typiquement des œuvres d'art : la combinaison d'une chorégraphie unique, d'interprètes forts, de visuels saisissants et souvent, de musique en direct.

Source : Site de la compagnie Tero Saarinen

En savoir plus : terosaarinen.com

Narboni, Louise

Louise Narboni est née en 1978. Après des études de cinéma et de chant lyrique, elle s'oriente vers la réalisation de films musicaux et de captations. Elle est également scripte-musicale, assistante à la mise en scène d'opéras et monteuse pour le cinéma, notamment des films de Jean-Paul Civeyrac, "Filles en noir" (2010) et "Malika s'est envolée" (2008). Parmi ses réalisations, on compte : en 2011, "Concerto pour piano n°2" de Brahms, "Symphonie n°5" de Dvorak, par l'Orchestre de Paris et Leif Ove Andsnes, "Les Contes du chat perché, opéra rural, mise en scène Caroline Gauthier, musique Jean-baptiste Singier (Arte).

Source : Site Les films de l'air

En savoir plus : lesfilmsdelair.com

Borrowed light

Direction artistique / Conception : Tero Saarinen / The Boston Camerata

Chorégraphie : Tero Saarinen

Interprétation : Tero Saarinen Company : Satu Halttunen, Henrikki Heikkila, Annika Hyvärinen, Carl Knif, Sini Lansivuori, Pekka Louhio, Maria Nurmela, Heikki Vienola

Scénographie : Mikki Kunttu

Musique originale : Musique originale des Shakers réarrangée par Joel Cohen. Direction musicale Joel Cohen et Anne Azéma

Musique live : Direction : Joel Cohen, Anne Azéma - Interprétation : Avec les chanteurs de The Boston Camerata : Anne Azéma (soprano), Carolann Buff (mezzo-soprano), Susan Consoli (soprano), Daniel Hershey (ténor), Joel Nesvadba (baryton), Camila Parias (soprano), Ryan Turner (ténor), Donald Wilkinson (baryton-basse)

Musique additionnelle : Liste des chants : In Yonder Valley, Solemn Song, Clamanda & March, Mother Ann's Comforting Promise, Holy Order Song, Unnamed dance tune, Repentance, I Have a Soul to be Saved or Lost, Fall on the Rock, Voice of the Angels of Mercy, Virgins Clothed in a Clean White Garment, Verdant Grove, Simple Gifts, Turning Shuffle Tune, O ho, the Pretty Chain, The Great Wheel, Mother's Warning, Mother Ann's Song, Encouragement, O Will You Sing Another Song, Holy Mother's Protecting Chain Transcription des chants shaker Anne Azéma, Joel Cohen et Donald Patterson / Mixage et arrangements Joel Cohen (SACEM) Remerciements à la communauté Shaker de Sabbathday Lake (Maine) pour l'autorisation d'utiliser des sources manuscrites inédites

Costumes : Erika Turunen

Production / Coproduction de l'œuvre chorégraphique : Production Tero Saarinen Company Coproduction Octobre en Normandie / Dansens Hus (Suède) / Kuopio Dance Festival (Finlande) / et Festival Civitanova Danza (Italie) / Le Volcan - scène nationale du Havre / Teatri di Civitanova (Italie) / Atelier 231 - Pôle régional des arts de la rue - Sotteville-lès-Rouen Avec le soutien de Culture 2000 - Programme de l'Union européenne, du ministère de l'Éducation et de la Culture en Finlande, du Conseil national pour la danse en Finlande, de la Fondation Florence Gould Remerciements à la ville d'Helsinki (Finlande) et à l'ambassade de Finlande à Paris

Production / Coproduction de l'œuvre vidéo : 24 images production

A propos de la tradition musicale des Shakers

A propos de la tradition musicale des Shakers

La musique Shaker emploie les moyens les plus simples pour atteindre des niveaux de beauté et d'intensité émotionnelle extraordinaires. Les formes sont généralement courtes et binaires, et utilisent le langage mélodique et modal des chansons folkloriques anglaises. Les compositeurs de ces pièces étaient des Shakers ordinaires encouragés par la communauté à exprimer leur spiritualité par le chant.

A l'apogée du mouvement Shaker, l'interprétation de cette musique était exclusivement vocale, interprétée par une communauté chaste, a cappella et à l'unisson. Ainsi, ce répertoire de musique vocale sacrée est d'une certaine manière l'équivalent américain du chant grégorien. Toutefois, une différence importante avec ce dernier est la présence fréquente de rythmes de danse enlevés qui font de ces chants, hier comme aujourd'hui, de parfaits moyens d'expression du sentiment religieux par le mouvement.

Plusieurs milliers de ces chants ont été transcrits par les Shakers, mais jusqu'à récemment seuls quelques-uns étaient connus en dehors de la communauté. L'essentiel de la musique de Borrowed Light a été transcrite à partir de manuscrits et reste inédite à ce jour. Pour deux chants, en l'occurrence - Repentance et Verdant Grove - nous pensons que Borrowed Light les donne à entendre pour la première fois en dehors de la communauté, et ce depuis plus de 150 ans.

Source : Theatreonline.com

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Le chorégraphe Tero Saarinen s'intéresse aux Shakers depuis la fin des années 80, lorsqu'il vit pour la première fois un documentaire sur les chorégraphies de Doris Humphrey inspirées des Shakers. Ce mouvement religieux radical des 18 ème et 19 ème siècles aux valeurs communautaires fortes et à l'esthétique fonctionnaliste d'une saisissante beauté marquèrent profondément Saarinen.

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REGGIE WILSON / FIST AND HEEL PERFORMANCE GROUP

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REGGIE WILSON / FIST AND HEEL PERFORMANCE GROUP

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Fist and Heel draws from the movement idioms of Blues, Slave and Gospel cultures to create works that both honor the past and break new ground.

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POWER - Théâtre Paul Eluard (TPE) de Bezons

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Le Théâtre Paul Eluard (TPE) de Bezons vous présente le spectacle “POWER” du chorégraphe Reggie Wilson - Saison 2022-2023

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Outchou est né en Amazonie, sur l'arbre hévéa. Son papa Latex et sa maman Elastomère disent que c'est un sacré numéro ! Outchou, très joueur, adore sauter dans des flaques imaginaires chaussé de ses bottes imperméables.

Chemin faisant, il va croiser la route de la fée plastique et du monstre pétrole dans un univers en suspension, élastique et rebondissant. Les matières sonores et les couleurs défilent comme des paysages. Violoncelle et kora se mêlent poétiquement au piano et à la musique électronique.

Ce conte écologique danse le monde des objets avec les jolies trouvailles chorégraphiques d'une recyclerie enchantée.

Distribution, Crédits

Chorégraphie et scénographie : Myriam Naisy
Danseurs : Nicolas Maye, Audrey Hector ou Claire Massias
Création sonore : Jacky Mérit
Et les musiques de : Ballaké Sissoko, Vincent Segal, Agnès Obel, The Young Gods
Lumière : Christophe Olivier
Costumes : Philippe Combeau
Bateau : Odile Brisset
Crédits photos : Lionel Pesqué

La compagnie est soutenue par la ville de Blagnac, la Région Occitanie Pyrénées-Méditerranée, le Conseil Départemental de la Haute-Garonne. Résidence de création à Odyssud Blagnac.

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Le K Outchou - Théâtre Paul Eluard (TPE) de Bezons

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Outchou est né en Amazonie, sur l'arbre hévéa. Son papa Latex et sa maman Elastomère disent que c'est un sacré numéro ! Outchou, très joueur, adore sauter dans des flaques imaginaires chaussé de ses bottes imperméables. Chemin faisant, il va croiser la route de la fée plastique et du monstre pétrole dans un univers en suspension, élastique et rebondissant.

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- L'environnement et l'écologie
- La danse et le mouvement
- L'élasticité, le rebond et l'imperméabilité

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Myriam Naisy

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Myriam Naisy | Les Archives du Spectacle

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Les Archives du Spectacle - Un moteur de recherche pour les arts de la scène (théâtre, danse, opéra…)

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Audrey Hector et Nicolas Maye

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Depuis 1998 de nombreuses résidences et coproductions ponctuent son évolution : Le Théâtre Scène Nationale de Narbonne, Odyssud Blagnac, L'Esplanade de St Etienne. Plus de 35 créations ont réuni compositeurs et chorégraphes, musiciens et danseurs, scénographes et plasticiens, vidéastes, metteur en scène, l'acteur Denis Lavant, le costumier Philippe Combeau, l'éclairagiste Christophe Olivier. .
La Compagnie crée des spectacles Jeune Public : Norsud, rendez vous sur la ligne de l'équateur ! - Za Ni Mo sans queue ni tête - es dernières créations Tout Public : ZZZ'insectes - Le K Outchou, et l Offrandes , Troyennes Fragment , Macadam Faune, Urban Sacre, PepsiKen et BarbieCola , A rebours, Sous-venances
La Compagnie organise des répétitions publiques, des bals modernes, des conférences, des stages, des ateliers et des classes d'entraînements ouvertes aux professionnels.
A travers le Pôle Danse CMN / L'hélice, la Compagnie produit et accompagne des chorégraphes émergeants (productions 2018 : Shadow sisters et La vague de Stéphanie Bonnetot - Cie Paracosm).
Le soutien fidèle d'Odyssud, de la ville de Blagnac, du Conseil Départemental de la Haute-Garonne, de la Région Occitanie Pyrénées-Méditerranée, de la Spedidam, permet à la Compagnie un ancrage territorial, ainsi qu'un rayonnement en France, à l'étranger et dans des festivals internationaux (Lausanne, Séoul, Arcachon, Biarritz, Périgueux, Laval, Niort, Budapest, Venezuela, Allemagne).

photos page d'accueil : Lionel Pesqué, David Herrero, Christophe Poulin

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Depuis 1998 de nombreuses résidences et coproductions ponctuent son évolution : Le Théâtre Scène Nationale de Narbonne, Odyssud Blagnac, L'Esplanade de St Etienne. Plus de 35 créations ont réuni compositeurs et chorégraphes, musiciens et danseurs, scénographes et plasticiens, vidéastes, metteur en scène, l'acteur Denis Lavant, le costumier Philippe Combeau, l'éclairagiste Christophe Olivier.

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Dossier pédagogique p.10

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Documentaire sur l'histoire du caoutchouc

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Documentaire sur l'histoire du caoutchouc

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C'est pas sorcier -CAOUTCHOUC : LES SORCIERS METTENT LA GOMME

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Maïlys Benassi
Responsable des relations avec le public et de l’action culturelle
publics@tpebezons.fr
01 34 10 91 07 / 06 72 08 48 98

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https://www.espace-sciences.org/juniors/questions/pourquoi-le-ballon-rebondit-si-haut

- Développement de la précision dans le lancer, de la maniabilité

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- L'histoire du cinéma

- Le gag / la chute / les cascades

- Les émotions

- Raconter une histoire sans parler : l'importance du corps, des gestes, des expressions

- Visionner un extrait de film (sans dialogue) :
1 - sans son, uniquement les images
2 - avec une musique (originale ou autre)
3 - en changeant de musique

Quelles émotions ressentent les élèves à chaque étape ?
Est-ce que cela change leur perception de la scène ?
Si oui, de quelle manière ?

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Sortie cité des sciences et de l'industrie

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Sortie cité des sciences et de l'industrie

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À partir de 6 ans / Durée : moins de 10 minutes.

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Oranges et ballons ne font pas bon ménage - 1 jour 1 activité - Activités - Enfants, familles - Bibliothèque - Lieux ressources - Au programme - Cité des sciences et de l'industrie

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La cité des sciences et de l'industrie est un établissement public de diffusion de la culture scientifique, technique et industrielle située à Paris, La Villette. La Cité propose expositions, films, conférences et animations pour les enfants et leurs familles.

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- Nommer les objets en caoutchouc présents dans la salle de classe par exemple
- Effectuer un répertoire et dessiner ces objets
- Expérimenter et toucher la matière (élasticité, imperméabilité, rebondissement)

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Verre, plastique, bois, métal, caoutchouc...
- Propriétés de ces matériaux présents dans l'environnement
- Histoire de leur utilisation et de la façon dont on les transforme

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Quand la Terre gronde | La Fondation La main à la pâte

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“Quand la Terre gronde” est un projet d’éducation aux risques naturels pour l’école primaire. Il conjugue approche locale et globale et traite de trois risques naturels en particulier (volcans, séismes et tsunamis), ainsi d’un quatrième risque plus directement lié au contexte local (différent pour c…

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Explorons l'univers musical de l'artiste en découvrant les instruments de musique :
- Le violoncelle
- Le kora
- Le piano

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Après des études d'arts plastiques à l'École des Beaux-arts de Tours en 1989 (DNSEP, Diplôme National Supérieur d'Etude Plastique), il concentre ses recherches autour du sonore et tente d'appliquer ses méthodes de plasticien à ses compositions sonores. A l'origine basé sur l'exploration de la matière sonore et sur la narration, son travail s'oriente aujourd'hui sur la dimension plastique et architecturale du son; ainsi que sur la notion de "polyphonie" d'espace et une certaine physiologie de l'écoute. Grand Prix: "Les Pierre d'Or" au concours International de musique électroacoustique de Bourges ( IMEB), en 1999, avec l'œuvre: Emphase. Commande de l' IMEB, Institut International de Musique Électroacoustique de Bourges, en 2000. Premier prix de composition électroacoustique au concours EAR'01, studio HEAR à Budapest, en octobre 2001 (Hongrie), pour l'œuvre: Involution. Il compose également des musiques pour la danse, le théâtre, les films et les arts plastiques. Membre du collectif S.A.M. (Structure d'Action Musicale), Toulouse. Suite

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Après des études d'arts plastiques à l'École des Beaux-arts de Tours en 1989 (DNSEP, Diplôme National Supérieur d'Etude Plastique), il concentre ses recherches autour du sonore et tente d'appliquer ses méthodes de plasticien à ses compositions sonores.

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Jeudi 08/12 à 9h30 & 14h
Vendredi 09/12 à 9h30 & 14h & 19h

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Frédéric Fleischer & Jean-Christophe Vautier

Entouré d'une équipe des meilleurs gag-men d'Hollywood, Buster Keaton sort en 1926 l'un des plus grands succès du cinéma muet Le Mécano de la Générale. Ce chef d'œuvre intemporel raconte l'histoire d'un soldat gaffeur qui cherche à sauver sa bien-aimée des griffes des lignes ennemies avec comme fidèle destrier une impressionnante locomotive !

Les prouesses acrobatiques et les trouvailles comiques s'enchaînent au rythme des éclats de rire collectifs devant ce joyeux chaos.

Coller à la cadence effrénée du film grâce à une bande-son originale électro au tempo relevé signée Frédéric Fleischer, c'est tout l'enjeu de ce ciné-concert.

Il y a bien longtemps, Jean-Christophe Vautier et Frédéric Fleischer essaimaient leur musique dans les salles de concert parisiennes avec le pied sur la pédale d'accélérateur. Les deux musiciens se re-trouvent autour de ce film qui ne lésine pas non plus sur la vitesse.

Petits et grands, montez à bord de la loco du TPE !

Distribution, Crédits

Ciné-concert Le Mécano de la Générale, B.Keaton & C.Bruckman,1926
Création musicale : Frédéric Fleischer (clavier séquence, synthé) avec Jean-Christophe Vautier (guitare, ukulélé)

Production déléguée : Le Monfort théâtre - Paris

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Le Mécano de la Générale - Théâtre Paul Eluard (TPE) de Bezons

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Frédéric Fleischer & Jean-Christophe Vautier Entouré d'une équipe des meilleurs gag-men d'Hollywood, Buster Keaton sort en 1926 l'un des plus grands succès du cinéma muet Le Mécano de la Générale. Ce chef d'œuvre intemporel raconte l'histoire d'un soldat gaffeur qui cherche à sauver sa bien-aimée des griffes des lignes ennemies avec comme fidèle destrier une impressionnante locomotive !

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Buster Keaton, à travers l’histoire du burlesque muet

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La Ruée vers l'or, Charlie Chaplin
Les temps modernes, Charlie Chaplin

Réservation : cinema@tpebezons.fr

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à propos

Frédéric Fleischer commence à chanter en 1986 au sein du goupe Naïve Melodie puis de Ben Johnson.

Il compose pour les films de la série Palettes de Alain Jaubert à partir de 1993 et collabore à divers projets de la chaine Arte.

En 1999 il intègre la compagnie "Les Arts-Sauts " en tant que régisseur son puis comme musicien MAO.

Il compose pour la télévision, internet et le spectacle vivant et réalise aussi des sites internet comme celui-çi.

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découvrez les musiques de Frédéric Fleischer

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Les grands courants de la musique de film, les compositeurs majeurs. Une frise pour mieux connaitre l'histoire de la musique au cinéma.

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Le burlesque à toutes ses époques, et dans tous ses états : un genre très vivace, presque une philosophie

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LE MÉCANO DE LA GÉNÉRALE • BUSTER KEATON - Frédéric Fleischer • Jean-Christophe Vautier . V.2

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ciné-concert
Frédéric Fleischer • Jean-Christophe Vautier

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Les ciné-concerts sont partout ! Dans les salles de cinéma (Grand Rex), les salles traditionnelles (Philharmonie, salle Pleyel) ou encore les salles de concert (Palais des Congrès, Halle Tony Garnier de Lyon, Zénith de Strasbourg, Zénith Arena de Lille). Les spectateurs sont de plus en plus friands de ce type de spectacles "multimédias". Coup de projecteur sur une pratique aussi vieille que le cinéma qui est revenue à la mode.

Le ciné-concert, qu'est-ce que c'est ?

Le ciné-concert est une forme de spectacle hybride qui, comme son nom l'indique, mêle cinéma et concert. Le ciné-concert fonctionne comme une séance de cinéma traditionnelle, à la seule différence que la bande originale du film est interprétée en live par un ou plusieurs musiciens. Le nombre de musiciens varie du simple (avec un pianiste solo par exemple) au centuple (avec un orchestre philharmonique) selon les manifestations et les partitions.

Contrairement à ce que l'on pourrait penser, le ciné-concert n'est pas récent. Il est même presque aussi vieux que le cinéma lui-même. Il n'était pas rare, en effet, que les séances de projection du début du XXème siècle soient accompagnées par un ou plusieurs musiciens, qui jouaient en direct, notamment au piano.

Avec l'avènement du cinéma sonore, les ciné-concerts ont peu à peu disparu. Alors que les tendances de consommation de films sont de plus en plus au streaming, les salles de cinéma essaient d'attirer les spectateurs avec de nouveaux formats toujours plus spectaculaires, comme la 3D ou l'Imax. Le ciné-concert fait partie de ces expériences originales permettant de revaloriser les salles de cinéma.

Quels types de films sont concernés ?

Tous les types de films sont concernés par le ciné-concert, des blockbusters ( Le Seigneur des anneaux, Harry Potter) aux comédies musicales ( Chantons sous la pluie, Mary Poppins), en passant par le cinéma muet ( Nosferatu, La Passion de Jeanne d'Arc) ! La seule condition est que l'action du film se prête à une mise en musique.

Si tous les films peuvent a priori faire l'objet d'un ciné-concert, certains se prêtent particulièrement à l'exercice. C'est le cas des films fantastiques ( Star Wars) et d'aventure ( Indiana Jones) qui font régulièrement l'objet de ciné-concerts. Et c'est encore plus vrai quand les bandes originales ont été composées par John Williams, collaborateur de longue date de Steven Spielberg.

Bande originale ou musique composée pour l'occasion : tout est possible

Dans la majorité des ciné-concerts, ce sont les bandes son "d'origine" qui sont interprétées en live, car c'est souvent pour elles que se déplace le public. Il est peu probable de voir projeter un jour West Side Story sans la bande originale composée par Leonard Bernstein, non seulement parce que les chorégraphies de Jerome Robbins ont été créées à partir de la musique, mais davantage parce que la B.O. est peut-être LA véritable star du film.

Quelques ciné-concerts font toutefois appel à un ou plusieurs musiciens pour composer des musiques inédites. C'est souvent le cas pour des films muets, que l'on ait perdu ou non la bande-son originelle. Le pianiste et animateur Jean-François Zygel participe régulièrement à des ciné-concerts durant lesquels il improvise en live la musique qui accompagne les images. Il s'est notamment prêté à l'exercice avec La Passion de Jeanne d'Arc de Carl Theodor Dreyer à la Cinémathèque et avec Nosferatu de Friedrich Wilhem Murnau à la Philharmonie.

Comment l'image et le son sont-ils coordonnés ?

La coordination du son et de l'image reste le principal enjeu et la principale difficulté du ciné-concert. "Dans la majorité des cas, c'est le studio qui se charge de fournir la bande-son du film dont a été extraite la musique mais pas les dialogues, ainsi que la partition du film. Pour veiller à la coordination du son et de l'image, le chef d'orchestre a recours soit à un "clic" - un signal sonore qui lui indique le tempo à suivre -, soit à un retour vidéo sur un écran qui lui indique le time code " explique Vincent Anglade, responsable de la programmation des Musiques actuelles de la Philharmonie de Paris

Quelle est la marge de liberté du chef d'orchestre ?

"Certains films demandent une synchronisation parfaite - c'est le cas des comédies musicales. D'autres films, plus lents et contemplatifs, permettent plus de souplesse", souligne Vincent Anglade. Le chef d'orchestre étant particulièrement concentré pendant le ciné-concert pour respecter la coordination du son et de l'image, son travail se passe essentiellement en amont des séances, lors des répétitions. Ce qui ne l'empêche pas de donner une certaine coloration à l'interprétation lors de la projection, en jouant sur le lyrisme de la partition ou le caractère fluide ou saccadé de l'interprétation.

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Les ciné-concerts se multiplient ces dernières années, investissant les salles de concerts traditionnelles. Découvrez comment fonctionne cette forme hybride mêlant cinéma et musique live.. Retrouvez l'ensemble des actualités sur le cinéma publiées par le CNC : décryptages, métiers, entretiens, portraits, chiffres clés, sorties en salles.

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En lien avec les spectacles, retrouvez une sélection d'ouvrages à la Librairie Decitre : 30 Rue Simone Veil, 95870 Bezons

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Préparer les élèves à la découverte d'un spectacle

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Préparer les élèves à la découverte d'un spectacle

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La chorégraphie de Outchou à la fin du spectacle 

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La chorégraphie de Outchou à la fin du spectacle 

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Revoir la chorégraphie du flashmobs en se remémorant les propriétés du caoutchouc

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Apprenez une courte chorégraphie avec Myriam Naisy