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Thème personnel de recherche : ? vous n'avez pas avancé 

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Thème personnel de recherche : ? vous n'avez pas avancé 

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1. Rappel pour suivre le cours lien trello :
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2. TP :  Recherche thematique personnelle à partager sur une colonne de votre PADLET en appliquant la methode de la fiche ci-joint.

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palais de la Sécession a été construit à Vienne en Autriche, par Joseph Maria Olbrich en 1877

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La maison que construit Adolf Loos pour le promoteur Müller, sur un terrain pentu donnant sur le château de Prague, entre 1928 et 1930, se présente comme un cube blanc, sobre et hermétique, à l’image des villas réalisées par cet architecte à Vienne

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La Casa Mila, également connue sous le nom de La Pedrera, a été construite entre 1906 et 1912 à Barcelone, en Espagne, pendant le mouvement de l'Art Nouveau.

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Le Palais de la Sécession s'inscrit dans un contexte historique marqué par la modernisation de la société autrichienne. Les artistes de la Sécession cherchaient à créer un art nouveau, qui refléterait les nouvelles aspirations de la société autrichienne. Le bâtiment est également un enjeu majeur de la lutte contre l'académisme et le conservatisme, qui prédominaient dans le milieu artistique autrichien à cette époque.

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le Palais de la Sécession met en lumière son esthétique novatrice, qui marque une rupture avec les codes esthétiques du passé. Le bâtiment exprime l'idée d'une esthétique fonctionnelle et rationnelle, qui s'oppose à l'ornementation excessive de l'architecture historiciste. Le métal doré et les formes géométriques évoquent également le mouvement Art nouveau, qui a émergé dans les années 1890.

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le Palais de la Sécession se distingue par son rejet du classicisme et de l'ornementation excessive, caractéristiques de l'architecture du XIXe siècle. Il s'inscrit dans une démarche de modernisation de l'architecture, qui se manifeste également dans les arts décoratifs et les beaux-arts de la Sécession.

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le Palais de la Sécession révèle une grande maîtrise de la construction métallique. La structure du bâtiment est composée de poutres d'acier, recouvertes de panneaux en verre, qui permettent de maximiser l'entrée de lumière naturelle. Les formes géométriques simples, les surfaces lisses et la symétrie du bâtiment renforcent son caractère moderne et fonctionnel.

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Palais de la Sécession se caractérise par sa simplicité et son élégance. Le bâtiment est composé d'un cube en métal doré, qui repose sur un soubassement en pierre. Les murs sont ornés d'une frise de feuilles de laurier en relief, conçue par Koloman Moser, un des membres fondateurs de la Sécession.

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Le Palais de la Sécession est un bâtiment emblématique de la Sécession viennoise, mouvement artistique et culturel qui s'est développé en Autriche à la fin du XIXe siècle. Il a été conçu par l'architecte autrichien Joseph Maria Olbrich en 1897-1898, en réponse à l'appel de Gustav Klimt et d'autres artistes de la Sécession pour la construction d'un lieu d'exposition pour leurs œuvres.

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"La beauté doit être un but de l'art, mais non pas le but unique" - Gustav Klimt

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La lampe de bureau avec plumier n°37 a été conçue dans un contexte de remise en question de l'ornementation excessive de l'Art Déco. Les artistes et designers de l'UAM voulaient proposer des objets simples, utiles et esthétiques, accessibles à tous. L'enjeu était de créer un nouveau langage visuel, basé sur la fonctionnalité et la modernité, en opposition à l'Eclectisme historiciste de l'Art Déco. La lampe de bureau avec plumier n°37 est un exemple emblématique de cette volonté de concilier l'esthétique et la fonctionnalité, en utilisant des formes simples et des matériaux modernes.

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La lampe de bureau avec plumier n°37 incarne parfaitement les principes du Rationalisme moderniste, avec sa forme épurée et fonctionnelle. Elle est à la fois esthétique et pratique, et s'adapte à tous les environnements, qu'ils soient professionnels ou domestiques. Son design intemporel lui permet de traverser les époques sans jamais se démoder.

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La lampe de bureau avec plumier n°37 s'inscrit dans le mouvement du Rationalisme moderniste de l'UAM, qui prône la fonctionnalité, la simplicité et la clarté dans la création. Elle s'oppose ainsi à l'Eclectisme historiciste de l'Art Déco, qui valorise l'ornementation et la richesse décorative. La lampe de bureau avec plumier n°37 est représentative de la volonté de l'UAM de créer des objets utiles et esthétiques, en utilisant des matériaux modernes et en s'inspirant des formes géométriques simples.

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La lampe de bureau avec plumier n°37 est fabriquée en métal, avec une finition laquée. L'abat-jour est ajouré pour permettre une diffusion optimale de la lumière. La base en forme de dalle assure une stabilité parfaite de l'ensemble.

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La lampe de bureau avec plumier n°37 se caractérise par une forme épurée et fonctionnelle, avec des lignes droites et des angles droits. Elle est composée d'un abat-jour en métal, d'une base en forme de dalle et d'un plumier intégré à la base.

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"L'Art Déco, avec son goût de l'ornementation, de la richesse décorative, a été remplacé par un esprit fonctionnel de simplicité et de clarté dans la création" - Le Corbusier

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Conçue en 1923 par Jacques Le Chevallier en collaboration avec René Kœchlin, la lampe de bureau avec plumier n°37 s'inscrit dans le mouvement du Rationalisme moderniste de l'Union des Artistes Modernes (UAM).

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L'architecture moderne est née dans un contexte de changements sociaux, politiques et technologiques majeurs. Les architectes modernistes ont cherché à répondre aux besoins de la société moderne en proposant des espaces fonctionnels et rationnels, en utilisant des matériaux industriels et en rejetant l'ornementation superflue. L'enjeu était de créer un environnement harmonieux et adapté aux besoins de l'homme moderne, en accord avec les valeurs de l'époque.

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La Maison Muller est un exemple de l'esthétique moderne, qui rompt avec la tradition et l'ornementation. L'architecture se concentre sur la fonctionnalité et la pureté des formes, en rejetant l'ornementation et le superflu. L'esthétique minimaliste de la Maison Muller est en accord avec les préoccupations sociales et politiques de l'époque, qui cherchaient à rompre avec les excès de l'ornementation et de l'opulence.

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Le style de la Maison Muller est influencé par les mouvements artistiques de l'époque, notamment le mouvement De Stijl aux Pays-Bas et le Bauhaus en Allemagne. Ces mouvements prônaient la simplification des formes, l'utilisation de couleurs primaires et la recherche de l'harmonie entre l'homme et son environnement.

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La Maison Muller est un exemple de l'architecture moderne qui s'inscrit dans la mouvance du mouvement moderne. Elle se caractérise par l'utilisation de matériaux industriels tels que le béton et le verre, ainsi que par une construction rationnelle, sans ornement superflu. La maison est conçue selon les principes de fonctionnalité et de simplicité, en accord avec la vision de l'architecte Adolf Loos.

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La Maison Muller se distingue par son minimalisme, sa simplicité et son élégance. Elle se compose d'un cube de béton blanc, aux formes géométriques épurées, avec de grandes baies vitrées qui laissent entrer la lumière. La maison se fond parfaitement dans son environnement, offrant une vue imprenable sur le paysage environnant.

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La Maison Muller a été construite en 1928, dans le mouvement de l'architecture moderne.

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La construction de la Casa Mila a eu lieu à une époque où Barcelone était en pleine effervescence artistique et culturelle, avec l'Art Nouveau qui était en plein essor. Gaudi était considéré comme l'un des chefs de file de ce mouvement artistique et sa vision novatrice a suscité l'admiration et l'inspiration de nombreux artistes et architectes de son époque.

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La Casa Mila est un exemple de l'esthétique de Gaudi, qui cherchait à créer une harmonie entre l'homme, la nature et l'architecture. Les formes courbes et les motifs floraux représentent la nature, tandis que les matériaux de construction modernes représentent l'homme et son progrès technologique.

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La Casa Mila est l'une des œuvres les plus représentatives de l'Art Nouveau, avec son esthétique organique et naturaliste. Cependant, Gaudi a également intégré des éléments d'autres styles, tels que le néo-gothique et l'orientalisme, pour créer un style unique et original.

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Gaudi a utilisé diverses techniques pour construire la Casa Mila, comme le treillis en acier, le béton armé et la pierre taillée. Il a également travaillé avec des artisans locaux pour concevoir les éléments de décoration, comme les carreaux de céramique et les vitraux.

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La Casa Mila est une œuvre d'art totale, où chaque détail, du bâtiment lui-même aux moindres accessoires, est imprégné de la vision organique et naturaliste de Gaudi. La façade ondulante, sans coins ni bords, est ornée de sculptures organiques et de motifs floraux, créant une harmonieuse fusion entre l'architecture et la nature. Les balcons en fer forgé, façonnés à la main, sont tous différents, tout comme les fenêtres aux formes irrégulières, qui donnent à la Casa Mila une allure de corail marin.

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"Les formes naturelles sont celles qui inspirent l'artiste nouveau, car elles sont plus simples et plus sincères que les formes conventionnelles" - Antoni Gaudi

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Au XIXe siècle, l'industrialisation massive a eu pour effet de produire des produits bon marché en grande quantité, mais de qualité inférieure. L'Art and Craft, fondé par Morris et d'autres artistes, prônait un retour à l'artisanat et à la production de qualité. La chaise Liberty de Morris était un produit artisanal de qualité exceptionnelle, fabriqué avec soin et attention aux détails. Cela a montré que l'artisanat pouvait produire des objets d'une beauté et d'une qualité supérieures, malgré la concurrence de l'industrie. La chaise Liberty de Morris est donc un symbole de la résistance artistique et artisanale face à l'industrialisation de la production de masse.

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La chaise Liberty de Morris est un chef-d'œuvre d'esthétique Arts and Crafts. Le design de Morris montre un équilibre parfait entre la beauté visuelle et l'utilité pratique. La chaise est magnifiquement décorative, tout en étant confortable et fonctionnelle. C'est un objet qui est à la fois beau et utile, ce qui correspond parfaitement aux idéaux de l'Art and Craft.

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La chaise Liberty de Morris reflète les préoccupations stylistiques clés de l'Art and Craft. Le mouvement prônait une esthétique médiévale, mettant l'accent sur l'ornementation complexe et la simplicité structurelle. La chaise de Morris reflète cette esthétique avec ses formes simples mais bien proportionnées, ornées de motifs floraux complexes.

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La chaise Liberty de William Morris est une pièce remarquable du mouvement Arts and Crafts. Cette chaise en bois massif est ornée de motifs floraux complexes, caractéristiques du style de Morris. Les motifs sont peints à la main, créant une texture vibrante et organique sur le bois. Le siège et le dossier sont rembourrés d'un tissu coloré et texturé, également conçu par Morris.

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« Je ne veux pas simplement faire des choses belles, je veux les rendre utiles. » - William Morris

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La chaise Liberty de William Morris est un produit de l'Art and Craft, un mouvement artistique et artisanal du XIXe siècle en Grande-Bretagne. Le mouvement est né en réaction à la production industrielle de masse, prônant un retour aux méthodes artisanales et à l'esthétique médiévale.

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La Casa Mila est non seulement une œuvre d'art exceptionnelle, mais elle est également un témoignage de l'histoire de l'architecture et de l'art du début du XXe siècle. Elle est aujourd'hui classée au patrimoine mondial de l'UNESCO et constitue l'une des principales attractions touristiques de Barcelone. La Casa Mila est donc un exemple de l'importance de la préservation du patrimoine culturel pour les générations futures.

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Charles Limbert, fauteuil réalisé vers 1905 par LimbertFurniture Co., 98 x 74 x 77 cm.

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Charles Limbert, fauteuil réalisé vers 1905 par LimbertFurniture Co., 98 x 74 x 77 cm.

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dans un contexte d'après guerre. deux vision du design émerge.
en oxydent on se veut beaucoup plus étique est responsable. du a la reconstruction des infrastructure.
en Amérique il s'agit de l'abondance dans une lancé économique d'une société de consommation qui attendra son pic dans les année 70

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La chaise Eames Lounge Chair Wood (LCW) (aussi connue sous les appellations Low Chair Wood ou encore Eames Plywood Lounge Chair) est un objet issu du design industriel créé par le couple américain Ray et Charles Eames en 1945. Cette chaise est fabriquée et commercialisée depuis par la société de meubles de bureau Herman Miller aux États-Unis et Vitra en Europe.

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dans les année 50 de nouvelle manière de penser le design émerge dans un contexte d'après guerre.

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dans les année 50 de nouvelle manière de penser le design émerge dans un contexte d'après guerre.

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formes fonctionnelle: beauté fonctionnelle . Clothilde.

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Lampe de bureau avec plumier n°37, 1928Aluminium

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Lampe de bureau avec plumier n°37, 1928Aluminium

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Jacques Le Chevallier en collaboration
avec René Kœchlin

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1918-1939

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Le terme « Art déco » est l’abréviation de « Arts décoratifs ». Cette appellation artistique est en partie due à l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de paris en 1925.

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Le terme « Art déco » est l’abréviation de « Arts décoratifs ». Cette appellation artistique est en partie due à l’Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes de paris en 1925.

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cette lampe de bureau est simple et met en avant les materiaux utiliser. un style trés industriel. avec des formes courbe minimaliste et des angles droits. pas de couleur les materiaux sont laisser brute.

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"Etre moderne n'est pas une mode, c'est un état. Il faut comprendre l'histoire, et celui qui comprend l'histoire sait trouver une continuité entre ce qui était, ce qui est et ce qui sera."
Le corbusier

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John Ruskin était un critique d'art, écrivain et conférencier britannique actif dans la seconde moitié du XIXe siècle. Il est surtout connu pour sa défense de l'art utile, une idée selon laquelle l'art devrait être non seulement beau, mais également utile et fonctionnel. Ruskin croyait que l'art devait être enraciné dans la réalité de la vie quotidienne et qu'il devait être créé pour répondre aux besoins réels des gens. Il a également soutenu que l'art devrait être produit par des artisans qualifiés et formés, plutôt que par des machines ou des ouvriers peu qualifiés.

Ruskin a été un défenseur ardent de l'Art and Craft Movement, un mouvement qui visait à promouvoir la qualité artisanale et le travail manuel dans la production de biens de consommation. Il a écrit de nombreux livres et articles sur ces sujets, y compris "The Stones of Venice" et "The Beauty of Life". Dans ces ouvrages, il a fait valoir que l'art devait être produit de manière éthique et responsable, avec des matériaux de qualité et des techniques artisanales appropriées.

Ruskin a également été un défenseur de la démocratisation de l'accès à l'art. Il croyait que l'art devrait être accessible à tous les niveaux de la société, pas seulement aux riches et aux élites. Il a soutenu l'éducation artistique pour les enfants et les travailleurs, et a même créé des cours d'art pour les ouvriers dans les usines.

En somme, John Ruskin était un défenseur passionné de l'art utile, une idée selon laquelle l'art devrait être non seulement beau, mais également utile et fonctionnel. Il a soutenu que l'art devrait être produit de manière éthique et responsable, avec des matériaux de qualité et des techniques artisanales appropriées, et qu'il devrait être accessible à tous les niveaux de la société. Sa vision de l'art a eu un impact considérable sur les tendances artistiques et sociales de son époque et continue d'influencer les débats sur l'art et la culture aujourd'hui.

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L'Art and Craft (ou Arts and Crafts) était un mouvement artistique et social qui s'est développé en Grande-Bretagne à la fin du XIXe siècle et qui s'est propagé dans d'autres pays d'Europe et d'Amérique du Nord. Il visait à promouvoir la qualité artisanale et le travail manuel dans la production de biens de consommation, en réaction à l'industrialisation croissante et à la production en série de produits de qualité inférieure. Les adeptes de l'Art and Craft ont prôné un retour aux techniques artisanales traditionnelles et à l'utilisation de matériaux naturels de qualité.

Les principaux domaines de l'Art and Craft étaient la décoration intérieure (papiers peints, tissus, meubles, etc.), la céramique, la verrerie, la ferronnerie, la gravure, l'impression, la reliure, les arts décoratifs, et les arts appliqués. Les artistes et artisans associés à ce mouvement ont inclus William Morris, C.R Ashbee, John Ruskin, et Charles Rennie Mackintosh.

Le mouvement Arts and Crafts a eu un impact important sur les tendances de design et de décoration à travers le monde, et a influencé d'autres mouvements tels que le Bauhaus et le Art nouveau. Il a également contribué à la révolution du design industriel du 20ème siècle, et a été un précurseur de l'intérêt pour les produits artisanaux et les matériaux naturels dans les designs actuels.

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Presense de matière artisanale. Cuivre, textiles, bois
Raport a l’artisant. Et la matière organique.

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Formes simple. Notion de conseption en séries
Presens de materiaux industriel, metal/beton

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Adolf Loos était un architecte et écrivain autrichien actif au début du XXe siècle. Il est surtout connu pour sa critique radicale de l'ornementation en architecture et en design. Loos a soutenu que l'ornementation était superflue et inutile, et qu'elle devait être éliminée de l'architecture moderne. Il croyait que l'ornementation n'ajoutait rien de fonctionnel à un bâtiment et qu'elle n'était qu'une distraction visuelle.

Loos a écrit de nombreux articles et livres sur ces sujets, y compris "Ornament and Crime" (1908), dans lequel il a fait valoir que l'ornementation était un signe de barbarie et de décadence culturelle. Il a également soutenu que l'ornementation était une forme de gaspillage, car elle nécessitait des matériaux et des heures de travail supplémentaires sans ajouter de valeur fonctionnelle. Il prônait pour une architecture pure, simple et fonctionnelle.

Dans sa pratique architecturale, Loos a mis en pratique sa vision de l'architecture minimaliste en utilisant des matériaux bruts et en évitant l'ornementation inutile. Il a construit des bâtiments tels que la Maison Müller à Prague, qui est considérée comme l'une de ses œuvres les plus importantes et qui est caractérisée par sa simplicité architecturale et l'absence d'ornementation. Il a également conçu des intérieurs tels que le café "American Bar" à Vienne,

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Une nouvelle manière de penser un objet.
On porte plus d’inportance au developpement de l’idé que a la production seriel

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Les objet rejoigne l’esthétique a la fonction

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« J’ai liberé l’humanité de l’ornement superflu »

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L'Art nouveau est un mouvement artistique et architectural qui s'est développé à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Il s'est caractérisé par une esthétique ornementale, une utilisation innovante des matériaux et des formes, et une volonté de rompre avec les conventions artistiques traditionnelles. L'Art nouveau a touché de nombreux domaines de l'art et de l'architecture, y compris la peinture, le dessin, la gravure, la sculpture, l'architecture, les arts décoratifs, la céramique, la verrerie, la ferronnerie, et l'ébénisterie.

L'Art nouveau a été largement influencé par les mouvements de l'Art and Craft, qui prônaient un retour aux techniques artisanales traditionnelles et à l'utilisation de matériaux naturels de qualité, ainsi que par les styles de l'époque, comme le Japonisme ou le symbolisme. Les principaux artistes et architectes associés à l'Art nouveau étaient Alphonse Mucha, Gustav Klimt, Victor Horta, Antoni Gaudi, et Henry van de Velde.

L'Art nouveau s'est manifesté de manière différente dans les différents pays, chaque ville ayant son propre style, mais il a été caractérisé par un style ornemental et décoratif, avec des formes organiques et fluides, des arabesques, des motifs végétaux, des courbes, des arcs et des ondulations. Il a également été caractérisé par l'utilisation de matériaux tels que le fer, le verre, la céramique, et les mosaïques.

L'Art nouveau a eu un impact important sur les tendances artistiques et architecturales de l'époque et a inspiré de nombreux mouvements ultérieurs, comme le Bauhaus ou le Moderne. Il a également contribué à la révolution du design industriel du XXème siècle, et a été un précurseur de l'intérêt pour les matériaux innovants et les formes organiques dans les designs actuels.

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Formes simple intuitive
Absense d’ornementation
La forme est la pour indiquer la fonction

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Le fonctionnalisme est le nom donné à un courant architectural qui apparaît au début du XXème siècle sous sa forme théorique, si bien qu’ on l’associe aisément au modernisme (ne pas confondre avec l’art moderne),  au rationalisme, et à l’art anti-ornemental; principes de la création qui ont décliné l’esthétique des productions du Bauhaus à partir de 1925.

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La Sécession vienne est un mouvement artistique et culturel qui s'est développé à Vienne, en Autriche, à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Il a été initié par un groupe d'artistes et de designers qui étaient insatisfaits des conventions académiques de l'époque et souhaitaient promouvoir une esthétique plus moderne et innovante. Le mouvement Sécession vienne a été marqué par une esthétique ornementale, une utilisation innovante des matériaux et des formes, et une volonté de rompre avec les conventions artistiques traditionnelles.

Les principaux artistes associés à la Sécession vienne étaient Gustav Klimt, Egon Schiele, Koloman Moser, Josef Hoffmann, et Otto Wagner. Ils ont créé des œuvres dans divers domaines de l'art, comme la peinture, le dessin, la gravure, la sculpture, les arts décoratifs, la céramique, la verrerie, la ferronnerie, et l'ébénisterie. Leur style est devenu connu comme l'esthétique de la Sécession vienne, qui est caractérisé par des formes ornementales et décoratives, des motifs végétaux, des arabesques, des courbes, des arcs et des ondulations.

Le mouvement Sécession vienne a également eu un impact important sur l'architecture de l'époque. Les architectes associés à ce mouvement ont construit des bâtiments modernistes qui se caractérisent par des formes organiques, fluides et curvilignes, des motifs végétaux, des arabesques, des ondulations et des matériaux innovants. Les plus connus sont la Maison de l'Art nouveau (Wiener Secession), construite en 1898 et la gare de Vienne-Karlsplatz de Otto Wagner.

En somme, la Sécession vienne était un mouvement artistique et culturel qui s'est développé à Vienne, en Autriche, à la fin du XIXe siècle et au début du XXe siècle. Il était marqué par une esthétique ornementale, une utilisation innovante des matériaux et des formes, et une volonté de rompre avec les conventions artistiques traditionnelles. Il a été initié par un groupe d'artistes et de designers qui étaient insatisfaits des conventions académiques de l'époque et souhaitaient promouvoir une esthétique plus moderne et innovante. Il a eu un impact important sur les tendances artistiques et architecturales de l'époque et continue d'inspirer les artistes et les designers contemporains.

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Chaise B6 de Marcel Breuer - Fonctionnalisme modernisme 1926

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Chaise B6 de Marcel Breuer - Fonctionnalisme modernisme 1926

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Ce mouvement inspiré des oeuvre de jhon russkin et william morris Se base sur lartisana et les métier d’art. Il vas totalement a contre sens de la révolution industriel. Et vas favoriser l’ovre de la main a celle de la machine. On retrouve beaucoup de motif ornementaux inspiré de formes organique par exemple

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1910 - 1939

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Le mouvement art deco revien a la pureté des forme et se veut géometrique et décoratif. C’est un mouvement principalement architecturale.

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1930 - 1940

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Le fonctionalisme est un courant qui affirme que la forme et l’apparence exterieur d’un objet ou d’un batiment doivent découler de sa fonction.

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Beaucoup d’ornementation
Chois du décord
Formes géometrique et organique

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avez-vous des éléments de votre recherche personnelle à partager ? Cela fait partie de l'évaluation du semestre 2.

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avez-vous des éléments de votre recherche personnelle à partager ? Cela fait partie de l'évaluation du semestre 2.

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évaluation : VERT