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La historia está llena de diversas iconografías que aluden a una serie de creencias, pero algunas han sido más prominentes. Algunas más sugestivas que otras, algunas menos explícitas y otras han tenido que romper paradigmas para ser consideradas como de estatus divino y no solo un estatuilla de una mujer.

El papel de lo femenino es bastante diverso, sin embargo es algo ambiguo al hablar del departamento de lo divino. En algunos períodos las mujeres se las ha considerado como las diosas madres que sustentan la vida, en otros son figuras secundarias que complementan la historia de un dios patriarcal, y un tiempo más contemporáneo se asocia más con un canon de belleza.

"Venus de Lespugue" Museo del hombre, París. (M.H., dép. Anthropologie, n.º 38-189)

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‎Mujer Incómoda con Vanessa Rosales: Ep. 6.2 El miedo histórico hacia lo femenino: Diosas madre, divinidad tempestuosa en Apple Podcasts

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‎Programa Mujer Incómoda con Vanessa Rosales, ep. Ep. 6.2 El miedo histórico hacia lo femenino: Diosas madre, divinidad tempestuosa - 24 feb 2021

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Figurilla alargada de terracota. Cucuteni Tardío de Vykhvatintsi.

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Figurilla alargada de terracota. Cucuteni Tardío de Vykhvatintsi.

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Nombre de la obra: Figurilla alargada de terracota. Cucuteni Tardío de Vykhvatintsi.
Técnica: Escultura de Terracota
Dimensiones: 14,7 cm
Fecha: IV milenio A.E.

La estatuilla alargada de terracota perteneció a la cultura Cucuteni, que tuvo lugar entre el 4500 y el 3000 a.C. en lo que actualmente es Moldavia, Rumania y los valles de los ríos Bug y Dniéster.

La figura representa una figura femenina de pie, sus atributos a diferencia de otras figurillas no están exagerados. Hay un triángulo sobre el abdomen de esta, enmarcando el útero. Sus contornos están delimitados por una serie de hendiduras circulares que entran en el cuerpo de ésta, estos a su vez contrastan con las formas triangulares en sus terminaciones, en su rostro y en el resto de su figura. Su cintura es considerablemente delgada, sus caderas son su elemento más pronunciado junto con sus ojos.

Aunque su feminidad no está exagerada, la cultura Cucuteni atribuía sus cultivos y subsistencia a los ríos cercanos, veía el agua como una deidad esta era asociada con la figura de un pájaro; la forma de la cara triangular a afilada de la figurilla es relacionada con estos simbolismos. Su carácter divino también está marcado en su vientre y caderas, al estar enmarcado en un triángulo, es una relación directa con el útero de la figurilla el cual y su fertilidad o condición de dadora de fertilidad.

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Nombre de la obra: Tefnut e Isis ante el faraón Ptolomeo II

Técnica: Bajo Relieve sobre piedra arenisca

Fecha: 570-526 a. C. dinastía helenística

Origen: File, Asuán

Ubicación: Isla Agilkia, en el lago Nasser.

Tefnut era la antigua deidad de la humedad, del rocío que conserva la vida. Isis era la diosa de la magia y la diosa

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Nombre de la obra: Batalla de Marduk contra Tiamat

Técnica: Bajo Relieve sobre yeso

Dimensiones: 240.70 x 362.70 cm

Fecha: 865-60 BC

Origen: Iraq, North: Nimrud: Temple of Ninurta

Ubicación: The British Museum

Esta obra se encontró en el norte de Irak, hacia el 865 BC en el templo de Ninurta, otra divinidad asociada a la agricultura y la sanación. Sin embargo la obra ahora reside en El Museo Británico.

El arte mesopotámico la mayoría de sus tablillas cuentan con figuras de perfil en bajo relieve. Sus características son en la mayoría los rasgos necesarios para entender un rostro, un brazo y en su mayoría compuestos por figuras trapezoidales. Algo particular es el movimiento, en la mayoría de estas obras vemos una intención por demostrar acciones, pasos, en este caso es la batalla entre el nuevo cielo y la antigua oceánide.

El relieve divide una misma escena entre dos personajes, los cuales al igual que gran parte del panteón mesopotámico son antropomórficos y son alados. A la derecha está Marduk el dios del cielo, lo masculino; una divinidad celeste que existió posterior a la gran creación de dioses primordiales. En sus manos observamos una extraña forma de tridentes, los cuales se pueden asociar con rayos o truenos, que por la forma como se disponen identificamos que es una pose ofensiva o de caza. En su mano algo que parecería parte de su armadura se asemeja mucho a un reloj moderno.

A la izquierda está Tiamat, lo femenino, es una deidad ctónica y primordial. Es la diosa del mar que también se asocia con la fertilidad al ser la madre de todos los ríos. Vemos que su forma es reptílica, escamosa, una deidad antigua que pertenece a la tierra previo a la llegada de su contraparte masculina. Ella engendró el mundo y a los dioses posteriores a ella, es el caos personificado que se manifiesta como este monstruo acuático.

Haciendo un paralelismo con la obra anterior, vemos presentes estos elementos primigenios del agua. La idea de serpiente y de ave condensados en un mismo cuerpo, así como esta figura que representa la fertilidad. Una deidad femenina que fue reinterpretada como un monstruo, significando el cambio del matriarcado al patriarcado.

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Artemis, Goddess of the Hunt & Venus de Milo

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Artemis, Goddess of the Hunt & Venus de Milo

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Las divinidades grecorromanas no jugaron sólo un papel de figuras creacionistas, van más allá de su rol cosmogónico y toman personalidades. En estos dioses se proyectaron vivencias mundanas, emociones y pasiones resultado de su “interacción” con humanos.

A la izquierda vemos a Artemisa, una diosa con atributos en contradicción. Representa uno de los cambios históricos más grandes para la feminidad divina en la historia, es una mujer con una característica celeste como diosa de la luna. Es a su vez la diosa de la caza y de los animales, y su parte contradictoria más interesante, como luna tiene el papel de dar fertilidad al mundo, pero con el carácter humano de la virginidad. La escultura recarga el peso de su pierna derecha creando la ilusión de dos movimientos, el caminar y el sacar una flecha de su carcaj.

A la derecha está Afrodita, la diosa del amor carnal, de la belleza pero es a su vez una deidad ctónica que surge del agua y la tierra, que encarna la fertilidad. Es la unión entre las diosas primitivas y la dignificación de atributos femeninos desde el ojo masculino. Las representaciones de afrodita se dan desde la vulnerabilidad, una mujer desnuda o semidesnuda, con el indicio de en algún punto haber estado cubierta por algún tipo de tela que ahora cuelga en su regazo. La Grecia helenística se interesó más en la humanidad que en la divinidad de sus obras. También en mostrar piezas cotidianas, con poco o casi nada de movimiento primando figuras estáticas.

Ambas obras están fuertemente marcadas por la mirada paternalista de la sociedad. Mientras que los símbolos de artemisa residen en sus manos (las flechas y el venado), su ropa (virginidad) y su cabeza (la luna) creando una pieza de poder femenino; Afrodita está semidesnuda mostrando símbolos de fertilidad pero a su vez es un símbolo sexual, encarna la lujuria humana. En algunos casos se la muestra intentando cubrirse, mostrando lo que parece ser vergüenza, creando una pieza de sumisión femenina.

Ambas son arquetipos de lo que era la mujer en la sociedad, una joven doncella o una mujer destinada a la sumisión del hombre.

Nombre de la obra: Venus de Milo

Técnica: escultura en mármol

Dimensiones: 194 cm

Fecha: 150-125 a.C.

Origen: Milos, Grecia. 1820

Ubicación: Louvre Museum, Paris

Nombre de la obra: Artemis, Goddess of the Hunt

Técnica: Escultura en mármol

Dimensiones: 201 cm

Fecha: ~325 a.C.

Origen: Roma

Ubicación: Louvre Museum, Paris

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RE5 / Coins of the Roman Empire in the British Museum, vol.V: Pertinax to Elagabalus

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Producción 211-217 a.C.
Peso: 5.06 gramos

Nombre de la obra: Moneda de Julia Domna/Selene

Técnica: bajo relieve sobre plata

Dimensiones: eje circular

Fecha: 211-217 BC

Origen: Imperio Romano

Ubicación: The British Museum

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RR1 / Coins of the Roman Republic in the British Museum: vol. 1 aes rude, aes signatum, aes grave, and coinage of Rome from B.C. 268.

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Nombre de la obra: Moneda de Selene

Técnica: bajo relieve sobre plata

Dimensiones: eje circular

Fecha: 45 BC
Origen: Rome Republic

Ubicación: The British Museum

La moneda de Selene es una moneda en bajorrelieve de plata perteneciente a la República Romana, producida en el siglo 45 BC bajo el mandato de Caracalla. Actualmente la pieza se encuentra en el repositorio de monedas y medallas del Museo Británico.

La pieza nos muestra en la parte izquierda del perfil el rostro de Selene, la diosa de la luna. con un tocado o corona con formas puntiagudas los cuales harían alusión a los rayos de la luna. En la parte derecha nos muestra a Selene de cuerpo completo sobre su carruaje con el cual mueve la luna en el cielo nocturno. En esta cara de la moneda se aprecia una medialuna creciente y una diadema con esa misma forma sobre su cabeza.

La moneda al ser de plata aún conserva su color grisáceo aunque opacado por el tiempo, algunos de sus detalles están borrosos pero de las inscripciones se pueden distinguir la palabra diosa y la palabra luna en romano antiguo. Algo importante sobre el material de la moneda es que tras el paso de intercambios comerciales con bueyes y ovejas, la civilización Romana hizo sus primeras monedas de cobre desde mediados del siglo 3 a.C. Estas fueron reemplazadas posteriormente por las monedas de plata hacia el 200 d.C.

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Izquierda: Nave Espacial (1980). Photographed in 1990. Derecha: Saludo al astronauta (1964).

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Nombre de la obra: Nave Espacial

Técnica: Escultura de hierro

Dimensiones: 450 x 720 cm

Fecha: 17 de abril de 1980

Origen: Bogotá, Colombia

Nombre de la obra: Saludo al Astronauta

Técnica: Escultura de metal

Dimensiones: 360 x 60 cm

Fecha: 1964

Origen: Bogotá, Colombia

Estas dos obras comparten una narrativa similar, pese a tener una diferencia de casi 20 años, son objetos concebidos por Eduardo Villamizar como dispositivos propios para llegar a otro mundo, o para habitar otros mundos. En la izquierda vemos la “Nave Espacial'' que diseñó, una escultura de hierro, de grandes dimensiones similares a un tanque de guerra, con una serie de pliegues que dan la idea de estar listo para desplazarse por la superficie de Marte. En su parte superior salen tres picos, puntas o lo que más recuerdan, cañones; es un artefacto que se asemeja a las descripciones de los antiguos carros de los dioses griegos. A la derecha está una escultura llamada ”Saludo al Astronauta” una obra moldeada en Bogotá y posteriormente llevado al desierto de Sabrinsky, un paraje con una topografía que lleva a imaginar escenarios de otros mundos. Este artefacto es mucho más esbelto en comparación al de la izquierda, está hecho en un metal claro, blanco que contrasta con el paisaje en lugar de mimetizarse con este. Tiene ángulos más claros y ortogonales, casi como una serie de planos que crean un espacio abstracto. La pieza parece ser el complemento de algo, tal vez solo un punto o monumento desde el cual vislumbrar el cielo.

Al comparar la forma de las obras vemos que la “Nave Espacial” es mucho más voluminosa, tiene un color cobrizo oxidado que denota el paso del en este mismo, y pese a ser metal y macizo, da la sensación de moverse con cierta facilidad. Mientras que el de la derecha pese a ser esbelto y alto, parece ser un objeto estático. Dos objetos creados con cualidades y propiedades distintas, pero pensados bajo esa misma idea de conquistar el espacio.

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Las Catacumbas de Marcelino y Pedro son unas antiguas catacumbas situadas en la antigua Vía Labicana de Roma. Su nombre hace referencia a los mártires cristiano

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Nombre de la obra: Adam and Eve

Técnica: Fresco sobre catacumba

Fecha: 300 d.C.

Origen: Roma Paleo-Cristiana

Ubicación: Catacumbas de Santa Elena, Roma

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Siglo IX d.C., Santa Sofía, Estambul, Turquía. El mosaico se encuentra en la semicúpula del ábside de Santa Sofía. 

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Nombre de la obra: La Virgen con el niño

Técnica: Mosaico

Dimensiones: 400 cm alto

Fecha: 865 d.C.

Origen: Imperio Bizantino

Ubicación: Basílica de Santa Sofía, Estambul

La obra se encuentra dentro de la Catedral de Santa Sofía, un mosaico sobre el ábside de la cúpula central perteneciente al imperio Bizantino, tras la expansión del Cristianismo en Europa. Datada del siglo IX d.C en la actual ciudad de Estambul, Turquía. El mosaico se compone de la figura de la virgen sobre un trono, cubierta por una túnica de un azul bastante oscuro. Apenas se notan sus facciones, ya que su cabello está recogido en una tela blanca que se vislumbra bajo su capa. Sus rostros son casi inexpresivos y está coronada por un círculo rojizo oscuro que alude a la clásica aureola que llevan los santos en las representaciones cristianas. Sobre la virgen encontramos a Cristo, un joven vestido de un color dorado y una aureola mucho más radiante que la de su madre. La mano izquierda de la virgen se posa sobre su hombro y la derecha sobre su rodilla;su cabello si está presente, con un color radiante que alude bastante a la iconografía de Apolo en la roma previa.

Entrando en algunos detalles, podríamos interpretar la vestimenta de la virgen casi como el cielo o el firmamento, y a Cristo como el sol mismo que ilumina el firmamento. Otra característica a resaltar es el paso de la feminidad a un segundo plano, aquí no hay características sexuales o reproductivas a la vista o exageradas; es una arte mucho más sobrio, de contemplación y que intenta ser puro para evocar sólo lo necesario de la obra. Al pasar a un segundo plano, la virgen actúa casi como un trono para el niño, es inexpresiva, casi como un fondo, no es la madre creadora, es una figura que cumplió un fin, que tiene una responsabilidad solo con su hijo.

Ambas figuras tienen una visión bastante occidental, el color de su piel es blanca, sus pómulos y nariz son finas, sin mencionar el cabello rubio de Cristo, vemos la apropiación que tiene este mito y como se sincretiza el cristianismo con el mundo romano.

Siglo IX d.C., Santa Sofía, Estambul, Turquía. El mosaico se encuentra en la semicúpula del ábside de Santa Sofía.

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Altura: de 311 a 377 cm
Ancho: de 290 a 473 cm
Lugar de producción: París (realización de los cartones que sirvieron de base)
Períodos: Siglo 13-14
Técnica: tapiz

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Nombre de la obra: Iglesia de de Saint-Étienne

Técnica: Arquitectura Románica

Fecha: 1063-1097 AD

Origen: Orden de Cluny

Ubicación: Nevers, Francia

A la izquierda apreciamos la Iglesia de Saint-Étienne, ubicada en Nevers, Francia; dio inicio a su construcción en 1063. Es una edificación religiosa de planta latina o cruz latina, con muros densos y pesados que restringen la disposición de vanos para la entrada de la luz; así como carente de ornamentación o detalles en su interior. A la derecha se encuentra Notre-Dame de Amiens, una catedral ubicada en Amiens, Francia, comisionada en 1220 y completada en 1401 durante la consolidación de lo que después se conocería como el Gótico Radiante durante el Gótico Clásico. La edificación parte de una planta de Cruz latina, con tres naves que se curvan en bóvedas de crucería o nervadas las cuales distribuyen mejor las cargas disminuyendo las dimensiones de los muros y permitiendo un mayor paso de luz; al ser estructuras más ligeras se dieron una serie de libertades con las terminaciones de las nervaduras y el diseño de los contrafuertes como ornamentos.

Saint-Étienne fue pensado bajo los lineamientos de un monasterio, un lugar simple con el propósito de ser de culto encomendado a Cristo, La Virgen y los santos mártires. Su planta es una cruz latina de tres naves coronada por una bóveda de cañón, aquí la luz es escasa debido a la dimensión de sus gruesos pilares y grandes arcos dificultan el paso de ésta a través de los grandes muros de piedra. Por el otro lado Notre-Dame fue pensado para ser “la biblia en piedra” por sus múltiples relieves e iconografías del antiguo y nuevo testamento, se encuentra lleno de ornamentación y detalles. El rosetón es la pieza que corona su fachada, encomendado a La Virgen María; aquí la luz es un elemento de diseño, no solo permite el paso de la luz creando un ambiente misterioso al interior de la catedral, debido a que sus bóveda nervadas, sus muros son delgados y permiten la continuidad de grandes vitrales, desplegando rayos de luz que guían hacia el altar.

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Nombre de la obra: Catedral de Notre-Dame de Amiens

Técnica: Arquitectura Gótica

Dimensiones: 42.30 m 112.7 m

Fecha: 1220 AD

Origen: Gótico Clásico

Ubicación: Amiens, Francia

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Siglo XV AD, Virgen y el Niño, London National Gallery.

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Madonna in trono col Bambino e quattro angeli

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Madonna in trono col Bambino e quattro angeli

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Nombre de la obra: Madonna in trono col Bambino e quattro angeli

Técnica: Óleo sobre tabla

Dimensiones: 135,5×75 cm

Fecha: 1426 A.D.

Origen: Italia

Localización: National Gallery de Londres, Reino Unido

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Prometeo trayendo el fuego. COSSIERS, JAN. Copyright de la imagen ©Museo Nacional del Prado

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Nombre de la obra: Prometeo Trayendo el Fuego

Artista: Jan Cossiers   Boceto: Pedro Pablo Rubens

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 182,5×113 cm

Fecha: 1636-1638 A.D.

Origen: Madrid, España

Localización: Museo Nacional del Prado, Madrid, España

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Siglo XVII, Apolo y Dafne, Museo Borghese, Italia 

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Nombre de la obra: Apollo and Daphne

Artista: Gian Lorenzo Bernini

Técnica: Cincel sobre mármol

Dimensiones: 243 cm

Fecha: 1622-1625 A.D.

Localización: Galería Borghese, Roma, Italia

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Nombre de la obra: The Death of a Gravedigger

Artista: Carlos Schwabe

Técnica: Óleo sobre lienzo

Dimensiones: 90×64 cm

Fecha: 1895 A.D.

Origen: París, Francia

Localización: El Museo de Orsay, París, Francia

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Siglo XIX, Pintura surrealista, Las espigadoras; Francia 

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Nombre de la obra: Las Espigadoras

Artista: Jean-Francois Millet

Técnica: Óleo sobre lienzo

Fecha: 1857 A.D.

Origen: París, Francia

Localización: El Museo de Orsay, París, Francia

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Hola Juan David.
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