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L’art déco était un pastiche de plusieurs styles différents, parfois contradictoires, unis par un désir d’être moderne. Dès ses débuts, l’Art déco a été influencé par les formes géométriques audacieuses du cubisme; les couleurs vives du fauvisme et des ballets russes; l’artisanat mis à jour du mobilier des époques de Louis Philippe et de Louis XVI; et les styles exotiques de la Chine et du Japon, de l’Inde, de la Perse, de l’Egypte ancienne et de l’art maya. Il a présenté des matériaux rares et coûteux, tels que l’ébène et l’ivoire, et l’artisanat exquis. Le Chrysler Building et d’autres gratte-ciel de New York construits dans les années 1920 et 1930 sont des monuments de style Art déco.

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Art Deco, also called style moderne, movement in the decorative arts and architecture that originated in the 1920s and developed into a major style in western Europe and the United States during the 1930s. Its name was derived from the Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, held in Paris in 1925, where the style was first exhibited. Art Deco design represented modernism turned into fashion. Its products included both individually crafted luxury items and mass-produced wares, but, in either case, the intention was to create a sleek and anti-traditional elegance that symbolized wealth and sophistication.

The distinguishing features of the style are simple, clean shapes, often with a "streamlined" look; ornament that is geometric or stylized from representational forms; and unusually varied, often expensive materials, which frequently include man-made substances (plastics, especially Bakelite; vita-glass; and ferroconcrete) in addition to natural ones ( jade, silver, ivory, obsidian, chrome, and rock crystal). Though Art Deco objects were rarely mass-produced, the characteristic features of the style reflected admiration for the modernity of the machine and for the inherent design qualities of machine-made objects (e.g., relative simplicity, planarity, symmetry, and unvaried repetition of elements).

Among the formative influences on Art Deco were Art Nouveau, the Bauhaus, Cubism, and Serge Diaghilev's Ballets Russes. Decorative ideas came from American Indian, Egyptian, and early classical sources as well as from nature. Characteristic motifs included nude female figures, animals, foliage, and sun rays, all in conventionalized forms.

Most of the outstanding Art Deco creators designed individually crafted or limited-edition items. They included the furniture designers Jacques Ruhlmann and Maurice Dufrène; the architect Eliel Saarinen; metalsmith Jean Puiforcat; glass and jewelry designer René Lalique; fashion designer Erté; artist-jewelers Raymond Templier, H.G. Murphy, and Wiwen Nilsson; and the figural sculptor Chiparus. The fashion designer Paul Poiret and the graphic artist Edward McKnight Kauffer represent those whose work directly reached a larger audience. New York City's Rockefeller Center (especially its interiors supervised by Donald Deskey; built between 1929 and 1940), the Chrysler Building by William Van Alen, and the Empire State Building by Shreve, Lamb & Harmon are the most monumental embodiments of Art Deco. During the 1930s the style took over South Beach in Miami, Florida, producing an area known as the Art Deco historic district.

Although the style went out of fashion in most places during World War II, beginning in the late 1960s there was a renewed interest in Art Deco design. Into the 21st century Art Deco continued to be a source of inspiration in such areas as decorative art, fashion, and jewelry design.

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Art Deco | Definition, Characteristics, History, Artists, Architecture, & Facts

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Art Deco, movement in decorative arts and architecture in Europe and the United States during the 1920s and '30s. Its distinguishing features include simple, clean shapes, often with a streamlined look; ornament that is geometric or stylized from representational forms; and unusually varied materials.

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High-impact glamour, elaborate motifs, geometric silhouettes, rich colors, and nostalgic drama all come to life in Art Deco architecture and design. First emerging in Europe in the 1920s, this movement was born out of a desire to reflect notions of progress and modernity while also beautifying the mundane and mass-produced. And since Art Deco thrived between the two major world wars, it reflects the historical ups and downs of the period, from the opulent speakeasies of the prohibition era to the industrial scraps of repurposed metal that became necessary during the major depression. And today designers are breathing new life into this Old World style.

What Is Art Deco?

Art Deco is an art, architectural, and design style characterized by bold, geometric patterns and shapes, symmetrical arrangements, glamor, luxury, and the use of a variety of materials including aluminum, stainless steel, and plastic. The movement was inspired by industrialization and technical progress and it flourished during the 1920s-1940s.

If you love history, art, and design and want to take style notes from Art Deco architecture, scroll through the 14 striking examples below.

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Art Deco Architecture That Has Us Taking Style Notes

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High-impact glamour, elaborate motifs, geometric silhouettes, rich colors, and nostalgic drama all come to life in Art Deco architecture and design. First emerging in Europe in the 1920s, this movement was born out of a desire to reflect notions of progress and modernity while also beautifying the mundane and mass-produced.

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De longues lignes avec des arrêtes vives

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Les origines de l’art remontent aux années 1900-1910. Durant cette période un nouveau mouvement en réaction contre l’Art nouveau voit le jour en France et dans divers pays étrangers comme l’Allemagne, les Pays-Bas ou encore la Belgique. On commence à s’orienter vers des lignes simples, des compositions classiques, en quelque sorte vers un retour à l’ordre et la sobriété. Fini les décorations encombrantes et exubérantes. Cette évolution de goût et de concept est introduite à Bruxelles entre 1905 et 1911, même si on note déjà des signes de passage de l’Art nouveau à l’Art déco dans les travaux d’Henri Bellery-Desfontaines dès 1902-1904. Au fil des ans, l’Art déco s’impose peu à peu.

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Art Nouveau and Art Deco : Caractéristiques, Différences et Influences - Coloriages difficiles pour adultes

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L’Art Nouveau et l’Art Déco sont deux mouvements artistiques qui ont eu un impact significatif sur l’architecture, la mode et les arts décoratifs au cours des dernières décennies. Bien que ces deux mouvements aient des…

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L'art déco, parfois appelé Deco, est un style d'arts visuels, d'architecture et de design qui est apparu en France juste avant la Première Guerre mondiale. Art Déco a influencé la conception de bâtiments, meubles, bijoux, mode, voitures, cinémas, trains. , les paquebots et les objets de la vie quotidienne tels que les radios et les aspirateurs. Il a pris son nom, abréviation d'Arts Décoratifs, de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes (Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes) qui s'est tenue à Paris en 1925. Il combinait des styles modernistes avec un artisanat raffiné et des matériaux riches. À son apogée, Art déco représentait le luxe, le glamour, l'exubérance et la foi dans le progrès social et technologique.

Terme descriptif appliqué à un style d'arts décoratifs qui a été largement diffusé en Europe et aux États-Unis durant les années 1920 et 1930. Dérivé du style rendu populaire par l'Exposition Internationale des. Arts Décoratifs et Industriels Modernes qui s'est tenue à Paris en 1925, le terme a été utilisé seulement depuis la fin des années 1960, quand il y avait un regain d'intérêt pour les arts décoratifs du début du 20e siècle. Depuis lors, le terme "Art déco" une grande variété d'œuvres produites pendant l'entre-deux-guerres, et même celles du Bauhaus allemand. Mais l'Art Déco était essentiellement d'origine française, et le terme ne devrait donc s'appliquer qu'aux œuvres françaises et à celles des pays directement influencés par la France.

L'art déco était un pastiche de plusieurs styles différents, parfois contradictoires, unis par un désir d'être moderne. Dès ses débuts, l'Art déco a été influencé par les formes géométriques audacieuses du cubisme; les couleurs vives du fauvisme et des ballets russes; l'artisanat mis à jour du mobilier des époques de Louis Philippe et de Louis XVI; et les styles exotiques de la Chine et du Japon, de l'Inde, de la Perse, de l'Egypte ancienne et de l'art maya. Il a présenté des matériaux rares et coûteux, tels que l'ébène et l'ivoire, et l'artisanat exquis. Le Chrysler Building et d'autres gratte-ciel de New York construits dans les années 1920 et 1930 sont des monuments de style Art déco.

Dans les années 1930, pendant la Grande Dépression, le style Art déco est devenu plus modéré. De nouveaux matériaux sont arrivés, y compris le chromage, l'acier inoxydable et le plastique. Une forme plus élégante du style, appelé Streamline Moderne, est apparue dans les années 1930; il présentait des formes courbes et des surfaces lisses et polies. L'art déco est l'un des premiers styles véritablement internationaux, mais sa domination a pris fin avec le début de la Seconde Guerre mondiale et la montée des styles strictement fonctionnels et sans fioritures du modernisme et du style international d'architecture qui a suivi.

Appellation
Art Déco prend son nom, abréviation d'Arts Décoratifs, de l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes tenue à Paris en 1925, bien que les divers styles qui caractérisent Art Déco avaient déjà paru à Paris et à Bruxelles avant la Première Guerre mondiale.

Le terme arts décoratifs a été utilisé pour la première fois en France en 1858; publié dans le Bulletin de la Société française de photographie.

En 1868, le journal Le Figaro utilise le terme objets d'art décoratifs pour désigner des objets de décors créés pour le Théâtre de l'Opéra.

En 1875, les designers de meubles, les créateurs de textiles, de bijoux et de verreries et autres artisans se voient officiellement attribuer le statut d'artistes par le gouvernement français. En réponse à cela, l'École royale gratuite de dessin fondée en 1766 sous le roi Louis XVI pour former des artistes et des artisans dans les métiers d'art, a été rebaptisée École nationale des arts décoratifs (l'École). nationale des arts décoratifs). Il a pris son nom actuel d'ENSAD (École nationale supérieure des arts décoratifs) en 1927.

Au cours de l'Exposition de 1925, l'architecte Le Corbusier rédige une série d'articles sur l'exposition de son magazine L'Esprit Nouveau sous le titre "1925 Expo: Arts Déco" qui sont regroupés dans un livre intitulé "L'art décoratif d'aujourd'hui". hui " (Art décoratif aujourd'hui). Le livre était une attaque énergique sur les excès des objets colorés et somptueux à l'exposition; et sur l'idée que des objets pratiques tels que des meubles devraient avoir n'importe quelle décoration; sa conclusion était que " la décoration moderne n'a pas de décoration ".

Le titre abrégé " Arts Deco " que Le Corbusier a utilisé dans les articles et le livre a été adapté en 1966 pour le titre de la première exposition moderne sur le sujet, appelé Les Années 25: Art déco, Bauhaus, Stijl, Esprit nouveau, qui couvrait la variété de grands styles dans les années 1920 et 1930. Le terme Art déco a ensuite été utilisé dans un article publié en 1966 par Hillary Gelson dans le Times (Londres, 12 novembre), décrivant les différents styles de l'exposition.

L'Art Déco a gagné en popularité en tant que label stylistique largement appliqué en 1968 lorsque l'historien Bevis Hillier a publié le premier livre académique majeur sur le style: Art Déco des années 20 et 30. Hillier a noté que le terme était déjà utilisé par les marchands d'art et cite le Times (2 novembre 1966) et un essai intitulé "Les Arts Déco" dans le magazine Elle (novembre 1967) comme exemples d'utilisation antérieure. En 1971, Hillier organise une exposition au Minneapolis Institute of Arts, qu'il détaille dans son livre intitulé The World of Art Deco.

Origines

Société des artistes décoratifs (1901-1913)
L'émergence de l'art déco était étroitement liée à la montée en puissance des artistes décoratifs, considérés jusqu'à la fin du XIXe siècle comme de simples artisans. Le terme "arts décoratifs" a été inventé en 1875, donnant aux concepteurs de meubles, textiles et autres décors un statut officiel. La Société des artistes décorateurs, ou SAD, a été fondée en 1901 et les artistes décoratifs ont reçu les mêmes droits d'auteur que les peintres et les sculpteurs. Un mouvement similaire s'est développé en Italie. La première exposition internationale entièrement consacrée aux arts décoratifs, l'Esposizione international d'art décoratif moderne, s'est tenue à Turin en 1902. Plusieurs nouveaux magazines consacrés aux arts décoratifs ont été fondés à Paris, notamment Arts et décoration et L'Art décoratif moderne. Des sections d'arts décoratifs ont été introduites dans les salons annuels de la Société des artistes français, et plus tard au Salon d'automne. Le nationalisme français a également joué un rôle dans la résurgence des arts décoratifs; Les designers français se sont sentis mis au défi par l'augmentation des exportations de meubles allemands moins chers. En 1911, le SAD proposa la tenue d'une grande exposition internationale d'arts décoratifs en 1912. Aucun exemplaire des styles anciens ne devait être autorisé; seulement des œuvres modernes. L'exposition a été reportée jusqu'en 1914, puis, à cause de la guerre, reportée jusqu'en 1925, date à laquelle elle a donné son nom à toute la famille des styles connus sous le nom de Déco.

Les grands magasins et créateurs de mode parisiens ont également joué un rôle important dans l'essor de l'Art Déco. Des entreprises établies comme le bagagiste Louis Vuitton, la firme d'argenterie Christofle, le verrier René Lalique, les bijoutiers Louis Cartier et Boucheron, qui ont tous commencé à concevoir des produits dans des styles plus modernes. À partir de 1900, les grands magasins ont recruté des artistes décoratifs pour travailler dans leurs studios de design. La décoration du Salon d'Automne 1912 avait été confiée au grand magasin Printemps. Au cours de la même année, le Printemps crée son propre atelier appelé " Primavera ". En 1920, Primavera emploie plus de trois cents artistes. Les styles vont des versions modernisées des meubles Louis XIV, Louis XVI et surtout Louis Philippe réalisés par Louis Süe et l'atelier Primavera aux formes plus modernes de l'atelier du grand magasin Au Louvre. D'autres designers, dont Émile-Jacques Ruhlmann et Paul Foliot, ont refusé d'utiliser la production de masse et ont insisté pour que chaque pièce soit fabriquée individuellement à la main. Le style art déco du début a présenté des matériaux luxueux et exotiques tels que l'ébène, l'ivoire et la soie, des couleurs très vives et des motifs stylisés, en particulier des paniers et des bouquets de fleurs de toutes les couleurs, donnant un look moderniste.

Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913)
Le Théâtre des Champs-Élysées (1910-1913), d'Auguste Perret, fut le premier bâtiment Art Déco à Paris. Auparavant, le béton armé n'était utilisé que pour les bâtiments industriels et d'appartements, Perret avait construit le premier immeuble moderne en béton armé à Paris, rue Benjamin Franklin, en 1903-04. Henri Sauvage, un autre futur architecte Art Déco important, en construisit un autre en 1904 au 7 rue Trétaigne (1904). De 1908 à 1910, Le Corbusier, 21 ans, travaille comme dessinateur dans le bureau de Perret, apprenant les techniques de la construction en béton. Le bâtiment de Perret avait une forme rectangulaire propre, une décoration géométrique et des lignes droites, les futures marques d'art déco. Le décor du théâtre était aussi révolutionnaire; la façade était ornée de plaques de sculpture Art Déco d'Antoine Bourdelle, d'un dôme de Maurice Denis, de tableaux d'Édouard Vuillard et d'un rideau Art déco Ker-Xavier Roussel. Le théâtre est devenu célèbre en tant que lieu de nombreuses premières représentations des Ballets Russes. Perret et Sauvage sont devenus les principaux architectes Art Déco à Paris dans les années 1920.

Salon d'Automne (1912-1913)
À sa naissance entre 1910 et 1914, Art Déco était une explosion de couleurs, avec des teintes vives et souvent heurtées, souvent dans des motifs floraux, présentées dans des meubles rembourrés, des tapis, des écrans, des papiers peints et des tissus. De nombreuses œuvres colorées, dont des chaises et une table de Maurice Dufrene et un tapis Gobelin brillant de Paul Follot, ont été présentées au Salon des artistes décorateurs de 1912. En 1912-1913, le designer Alfred Karbowsky a réalisé une chaise à fleurs avec un motif de perroquet pour le pavillon de chasse du collectionneur d'art Jacques Doucet. Les designers de mobilier Louis Süe et André Mare ont fait leur première apparition à l'exposition de 1912, sous le nom de l'Atelier Française, combinant des tissus colorés avec des matériaux exotiques et coûteux, y compris l'ébène et l'ivoire. Après la Première Guerre mondiale, ils sont devenus l'une des plus importantes firmes françaises de design d'intérieur, produisant le mobilier des salons et des cabines de première classe des paquebots transatlantiques français.

Les couleurs vives de l'Art Déco sont venues de nombreuses sources, y compris les décors exotiques de Leon Bakst pour les Ballets Russes, qui ont fait sensation à Paris juste avant la Première Guerre mondiale. Certaines des couleurs ont été inspirées par le mouvement Fauvisme précédent dirigé par Henri. Matisse; d'autres par l'orphisme de peintres tels que Sonia Delaunay; d'autres par le mouvement connu sous le Nabis, et dans le travail du peintre symboliste Odilon Redon, qui a conçu des écrans de cheminée et d'autres objets décoratifs. Les couleurs vives sont une caractéristique du travail du couturier Paul Poiret, dont le travail a influencé à la fois la mode Art déco et le design d'intérieur.

Maison cubiste (1912)
Le style d'art connu sous le nom de cubisme est apparu en France entre 1907 et 1912, influençant le développement de l'art déco. Les cubistes, eux-mêmes sous l'influence de Paul Cézanne, s'intéressaient à la simplification des formes à leurs essentiels géométriques: le cylindre, la sphère, le cône.

En 1912, les artistes de la Section d'Or exposent des œuvres beaucoup plus accessibles au grand public que le cubisme analytique de Picasso et de Braque. Le vocabulaire cubiste était prêt à attirer la mode, le mobilier et les designers d'intérieur.

Dans les écrits de 1912 d'André Vera. Le style Le Nouveau, publié dans la revue L'Art décoratif, exprime le rejet des formes Art Nouveau (asymétriques, polychromes et pittoresques) et appelle à la sobriété volontaire, à la symétrie manifeste, à l'ordre et à l'harmonie, thèmes qui deviendront finalement commun au sein de l'Art Déco; mais avec le temps, le style Deco était souvent extrêmement coloré et tout sauf simple.

Dans la section Art Décoratif du Salon d'Automne de 1912, une installation architecturale a été exposée sous le nom de La Maison Cubiste. La façade a été conçue par Raymond Duchamp-Villon. La maison Louis Süe et André Mare, qui avaient fondé en 1912 une société appelée Atlelier Français, décoraient la maison. La Maison Cubiste était une installation meublée avec une façade, un escalier, des rampes en fer forgé, une chambre, un Salon-le Salon Bourgeois, où étaient accrochés les tableaux d'Albert Gleizes, Jean Metzinger, Marie Laurencin, Marcel Duchamp, Fernand Léger et Roger de La Fresnaye. Des milliers de spectateurs au salon ont traversé le modèle grandeur nature.

La façade de la maison, conçue par Duchamp-Villon, n'était pas très radicale selon les normes modernes; les linteaux et les frontons avaient des formes prismatiques, mais sinon la façade ressemblait à une maison ordinaire de l'époque. Les chambres ont été meublées par Mare avec des fauteuils de style néo-Louis XVI et Louis-Philippe et des canapés qui ont été mis à jour avec des caractéristiques plus angulaires pour faire de l'ourlet avec les peintures cubistes. Le critique Emile Sedeyn a décrit le travail de Mare dans la revue Art et Décoration: "Il ne s'embarrasse pas de simplicité, car il multiplie les fleurs partout où elles peuvent être mises, l'effet qu'il recherche est évidemment celui du pittoresque et de la gaieté. L'élément cubiste a été fourni par les peintures. Malgré sa sobriété, l'installation a été attaquée par certains critiques comme extrêmement radicale, ce qui a contribué à son succès. Cette installation architecturale a ensuite été exposée au 1913 Armory Show, New York, Chicago et Boston. Grâce à l'exposition, le terme "cubiste" a commencé à s'appliquer à tout ce qui était moderne, des coupes de cheveux féminines aux vêtements en passant par les représentations théâtrales.

Le style cubiste a continué dans l'art déco, même si Deco s'est diversifié dans de nombreuses autres directions. En 1927, les cubistes Joseph Csaky, Jacques Lipchitz, Louis Marcoussis, Henri Laurens, le sculpteur Gustave Miklos et d'autres collaborent à la décoration d'un Studio, rue Saint-James, Neuilly-sur-Seine, conçu par l'architecte Paul Ruaud et propriété du créateur de mode français Jacques Doucet, également collectionneur d'art postimpressionniste d'Henri Matisse et de peintures cubistes (dont Les Demoiselles d'Avignon, qu'il a acheté directement à l'atelier de Picasso). Laurens a conçu la fontaine, Csaky a conçu l'escalier de Doucet, Lipchitz a fait le manteau de cheminée et Marcoussis a fait un tapis cubiste.

Outre les artistes cubistes, Doucet a fait appel à d'autres designers d'intérieur déco pour la décoration de la maison, dont Pierre Legrain, responsable de l'organisation de la décoration, Paul Iribe, Marcel Coard, André Groult, Eileen Gray et Rose Adler . Le décor incluait des pièces massives en ébène de macassar, inspirées de l'art africain, et des meubles recouverts de cuir marocain, de peau de crocodile et de peau de serpent, ainsi que des motifs de motifs africains.

Influences
L'Art Déco n'était pas un style unique, mais une collection de styles différents et parfois contradictoires. En architecture, l'Art Déco a été le successeur et la réaction contre l'Art nouveau, un style qui a prospéré en Europe entre 1895 et 1900, et a progressivement remplacé les Beaux-Arts et le néoclassique qui prédominaient dans l'architecture européenne et américaine. Eugène Grasset écrivit et publia en 1905 la Méthode de Composition Ornementale, Éléments Rectilignes, dans laquelle il explorait systématiquement les aspects décoratifs (ornementaux) des éléments géométriques, des formes, des motifs et de leurs variations, en contraste avec (et en contraste) l'art ondulé. Nouveau style d'Hector Guimard, si populaire à Paris quelques années plus tôt. Grasset a insisté sur le principe selon lequel diverses formes géométriques simples comme les triangles et les carrés sont à la base de tous les arrangements de composition. Les bâtiments en béton armé d'Auguste Perret et d'Henri Sauvage, et notamment le Théâtre des Champs-Elysées, offraient une nouvelle forme de construction et de décoration copiée dans le monde entier.

En décoration, de nombreux styles différents ont été empruntés et utilisés par Art Déco. Ils ont inclus l'art pré-moderne du monde entier et observable au Musée du Louvre, au Musée de l'Homme et au Musée national des Arts d'Afrique et d'Océanie. Il y avait aussi un intérêt populaire en archéologie en raison des fouilles à Pompéi, Troy, et la tombe de la 18ème dynastie Pharaon Toutankhamon. Des artistes et des designers ont intégré des motifs de l'Égypte ancienne, de la Mésopotamie, de la Grèce, de Rome, de l'Asie, de la Méso-Amérique et de l'Océanie avec des éléments de l'âge de la machine.

Les autres styles empruntés comprenaient le constructivisme russe et le futurisme italien, ainsi que l'orphisme, le fonctionnalisme et le modernisme en général. L'Art Déco a également utilisé les couleurs et les conceptions conflictuelles du fauvisme, notamment dans les œuvres d'Henri Matisse et d'André Derain, qui ont inspiré les créations de textiles art déco, de papier peint et de céramique peinte. Il a pris des idées du vocabulaire de haute couture de la période, qui a comporté des conceptions géométriques, des chevrons, des zigzags, et des bouquets stylisés de fleurs. Il a été influencé par les découvertes en égyptologie, et l'intérêt croissant pour l'Orient et l'art africain. À partir de 1925, il fut souvent inspiré par une passion pour les nouvelles machines, telles que les dirigeables, les automobiles et les paquebots. En 1930, cette influence donna naissance au style Streamline moderne.

Style de luxe et de modernité
L'art déco était associé à la fois au luxe et à la modernité; il combinait des matériaux très coûteux et un savoir-faire exquis mis dans des formes modernistes. Rien n'était bon marché à propos de l'Art déco: les meubles incluaient des incrustations d'ivoire et d'argent, et des bijoux Art déco combinaient des diamants avec du platine, du jade et d'autres matériaux précieux. Le style a été utilisé pour décorer les salons de première classe des paquebots, des trains de luxe et des gratte-ciel. Il a été utilisé dans le monde entier pour décorer les grands palais de cinéma de la fin des années 1920 et 1930. Plus tard, après la Grande Dépression, le style a changé et est devenu plus sobre.

Un bon exemple du style de luxe de l'Art déco est le boudoir de la créatrice de mode Jeanne Lanvin, conçu par Armand-Albert Rateau (1882-1938) réalisé entre 1922-25. Il était situé dans sa maison au 16 rue Barbet de Jouy, à Paris, qui fut démolie en 1965. La salle fut reconstruite au Musée des Arts Décoratifs de Paris. Les murs sont recouverts de lambris moulurés sous les bas-reliefs sculptés en stuc. L'alcôve est encadrée de colonnes de marbre surmontées de bases et d'un socle en bois sculpté. Le sol est en marbre blanc et noir, et dans les armoires des objets décoratifs sont étalés sur un fond de soie bleue. Sa salle de bain avait une baignoire et un lavabo en marbre de Sienne, avec un mur de stuc sculpté et des raccords en bronze.

En 1928, le style est devenu plus confortable, avec des fauteuils club en cuir profonds. L'étude conçue par l'entreprise parisienne Alavoine pour un homme d'affaires américain en 1928-1930, maintenant au Brooklyn Museum, avait une caractéristique américaine unique. Depuis qu'il a été construit pendant la prohibition, lorsque l'alcool était interdit, il comprenait une barre secrète cachée derrière les panneaux.

Dans les années 1930, le style avait été quelque peu simplifié, mais il était encore extravagant. En 1932, le décorateur Paul Ruoud réalise le Salon du verre pour Suzanne Talbot. Il comportait un fauteuil serpentin et deux fauteuils tubulaires d'Eileen Gray, un plancher de dalles en verre argenté mat, un panneau de motifs abstraits en laque argent et noir et un assortiment de peaux d'animaux.

Salon international des arts décoratifs et industriels modernes (1925)
L'événement qui a marqué le zénith du style et lui a donné son nom était l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes qui a eu lieu à Paris d'avril à octobre 1925. Il a été officiellement sponsorisé par le gouvernement français, et a couvert un site en Paris de 55 hectares, allant du Grand Palais sur la rive droite aux Invalides sur la rive gauche, et le long des berges de la Seine. Le Grand Palais, la plus grande salle de la ville, était rempli d'expositions d'arts décoratifs des pays participants. Il y avait 15 000 exposants de vingt pays différents, dont l'Angleterre, l'Italie, l'Espagne, la Pologne, la Tchécoslovaquie, la Belgique, le Japon et la nouvelle Union Soviétique, bien que l'Allemagne n'ait pas été invitée à cause des tensions après la guerre. l'exposition, a refusé de participer. Il a été visité par seize millions de personnes au cours de sa course de sept mois. Les règles de l'exposition exigeaient que tout travail soit moderne; aucun style historique n'a été autorisé. Le but principal de l'exposition était de promouvoir les fabricants français de meubles de luxe, de porcelaine, de verre, de métal, de textiles et d'autres produits décoratifs. Pour promouvoir davantage les produits, tous les grands magasins parisiens et les grands designers ont leurs propres pavillons. L'exposition avait un but secondaire dans la promotion des produits des colonies françaises en Afrique et en Asie, y compris l'ivoire et les bois exotiques.

L'Hôtel du Riche Collectionneur était une attraction populaire à l'Exposition; Il expose les nouveaux modèles de meubles d'Emile-Jacques Ruhlmann, ainsi que des tissus Art Déco, des tapis et un tableau de Jean Dupas. Le design intérieur a suivi les mêmes principes de symétrie et de formes géométriques qui le distinguent de l'Art Nouveau, et des couleurs vives, un artisanat raffiné, des matériaux rares et coûteux qui le distinguent des fonctionnalités strictes du style moderniste. Tandis que la plupart des pavillons étaient richement décorés et remplis de meubles de luxe faits à la main, deux pavillons, ceux de l'Union Soviétique et Pavillon du Nouveau Esprit, construits par le magazine de ce nom dirigé par Le Corbusier, ont été construits dans un style austère. murs blancs et sans décoration; ils étaient parmi les premiers exemples de l'architecture moderniste.

Grattes ciels
Les gratte-ciel américains ont marqué le sommet du style Art déco; ils sont devenus les bâtiments modernes les plus hauts et les plus reconnaissables du monde. Ils ont été conçus pour montrer le prestige de leurs constructeurs par leur taille, leur forme, leur couleur, et leur illumination dramatique la nuit. Le premier gratte-ciel new-yorkais, le Woolworth Building, en style néoclassique, fut achevé en 1913, et le American Telephone and Telegraph Building (1924) comportait des colonnes ioniques et doriques et un hypostyle dorique classique avec une frise. L'American Radiator Building de Raymond Hood (1924) combine des éléments modernes gothiques et déco dans la conception du bâtiment. La brique noire sur la façade du bâtiment (symbolisant le charbon) a été choisie pour donner une idée de la solidité et donner au bâtiment une masse solide. D'autres parties de la façade étaient recouvertes de briques dorées (symbolisant le feu) et l'entrée était décorée de marbre et de miroirs noirs. Un autre gratte-ciel Art Déco fut le Guardian Building de Detroit, inauguré en 1929. Conçu par le moderniste Wirt C. Rowland, le bâtiment fut le premier à utiliser l'acier inoxydable comme élément décoratif et l'utilisation intensive de motifs colorés à la place des ornements traditionnels.

L'horizon de New York a été radicalement changé par le Chrysler Building à Manhattan (achevé en 1930), conçu par William Van Alen. C'était une publicité gigantesque de soixante-dix-sept étages pour les automobiles Chrysler. Le sommet a été couronné par une flèche en acier inoxydable, et a été décoré par déco " gargouilles " sous la forme de décorations de bouchon de radiateur en acier inoxydable. La base de la tour, trente-trois étages au-dessus de la rue, était décorée de frises colorées art déco, et le hall était décoré de symboles art déco et d'images exprimant la modernité.

Le bâtiment Chrysler a été suivi par l'Empire State Building par William F. Lamb (1931) et le RCA Building (maintenant le Comcast Building) au Rockefeller Center, par Raymond Hood (1933) qui ont complètement changé l'horizon de New York. Les toits des bâtiments étaient décorés de couronnes Art Déco et de flèches recouvertes d'acier inoxydable, et, dans le cas du Chrysler, de gargouilles Art déco aux ornements de radiateurs, tandis que les entrées et les halls étaient richement ornés de sculptures Art déco, céramique et design. Des bâtiments semblables, mais pas aussi grands, sont apparus bientôt à Chicago et dans d'autres grandes villes américaines. Le bâtiment Chrysler a été bientôt dépassé en hauteur par l'Empire State Building, dans un style déco légèrement moins somptueux. Rockefeller Center a ajouté un nouvel élément de design: plusieurs grands bâtiments regroupés autour d'une place ouverte, avec une fontaine au centre.

Art déco tardif
En 1925, deux écoles concurrentes différentes coexistent au sein de l'Art Déco: les traditionalistes, qui ont fondé la Société des Artistes Décoratifs; le créateur de mobilier Emile-Jacques Ruhlmann, Jean Dunard, le sculpteur Antoine Bourdelle et le designer Paul Poiret; ils combinaient des formes modernes avec l'artisanat traditionnel et des matériaux coûteux. De l'autre côté se trouvaient les modernistes, qui rejetaient de plus en plus le passé et voulaient un style basé sur les progrès des nouvelles technologies, la simplicité, le manque de décoration, les matériaux peu coûteux et la production de masse. Les modernistes ont fondé leur propre organisation, l'Union française des artistes modernes, en 1929. Ses membres comprenaient les architectes Pierre Chareau, Francis Jourdain, Robert Mallet-Stevens, Corbusier, et, en Union soviétique, Konstantin Melnikov; la créatrice irlandaise Eileen Gray et la créatrice française Sonia Delaunay, les bijoutiers Jean Fouquet et Jean Puiforcat. Ils ont violemment attaqué le style traditionnel de l'art déco, qui, selon eux, était créé uniquement pour les riches, et insisté sur le fait que des bâtiments bien construits devraient être disponibles pour tous, et que cette forme devrait suivre la fonction. La beauté d'un objet ou d'un bâtiment résidait dans le fait qu'il était parfaitement propre à remplir sa fonction. Les méthodes industrielles modernes signifiaient que les meubles et les bâtiments pouvaient être fabriqués en série et non fabriqués à la main.

L'architecte d'intérieur Art Déco Paul Follot a défendu l'Art Déco de cette manière: "Nous savons que l'homme ne se contente jamais de l'indispensable et que le superflu est toujours nécessaire ... Sinon, il faudrait se débarrasser de la musique, des fleurs et parfums..! " Cependant, Le Corbusier était un publiciste brillant pour l'architecture moderniste; il a déclaré qu'une maison était simplement "une machine à vivre", et a inlassablement promu l'idée que l'Art déco était le passé et que le modernisme était l'avenir. Les idées de Le Corbusier ont été progressivement adoptées par les écoles d'architecture, et l'esthétique de l'Art déco a été abandonnée. Les mêmes caractéristiques qui ont fait la renommée de l'Art Déco au début, son artisanat, ses riches matériaux et son ornement, ont conduit à son déclin. La Grande Dépression qui a débuté aux États-Unis en 1929 et a atteint l'Europe peu après, a considérablement réduit le nombre de clients aisés qui pouvaient payer pour l'ameublement et les objets d'art. Dans le climat économique de la dépression, peu d'entreprises étaient prêtes à construire de nouveaux gratte-ciels. Même la firme Ruhlmann a eu recours à la production de meubles en série plutôt qu'à des articles individuels faits à la main. Les derniers bâtiments construits à Paris dans le nouveau style étaient le Musée des Travaux Publics d'Auguste Perret (devenu le Conseil Economique, Social et Environnemental français) et le Palais de Chaillot par Louis-Hippolyte Boileau, Jacques Carlu et Léon Azéma, et le Palais de Tokyo de l'Exposition internationale de Paris en 1937; ils regardaient le grandiose pavillon de l'Allemagne nazie, conçu par Albert Speer, qui faisait face au pavillon socialiste-réaliste tout aussi grandiose de l'Union soviétique de Staline.

Après la Seconde Guerre mondiale, le style architectural dominant devint le style international mis au point par Le Corbusier et Mies Van der Rohe. Une poignée d'hôtels Art déco ont été construits à Miami Beach après la Seconde Guerre mondiale, mais ailleurs le style a largement disparu, sauf dans le design industriel, où il a continué à être utilisé dans le style automobile et des produits tels que les juke-box. Dans les années 1960, il a connu une modeste reprise académique, en partie grâce aux écrits d'historiens de l'architecture tels que Bevis Hillier. Dans les années 1970, des efforts ont été faits aux États-Unis et en Europe pour préserver les meilleurs exemples d'architecture Art déco, et de nombreux bâtiments ont été restaurés et réaménagés. L'architecture postmoderne, apparue dans les années 1980, comme l'Art Déco, comporte souvent des éléments purement décoratifs. Deco continue d'inspirer les designers, et est souvent utilisé dans la mode contemporaine, des bijoux et des articles de toilette.

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L'art déco, parfois appelé Deco, est un style d'arts visuels, d'architecture et de design qui est apparu en France juste avant la Première Guerre mondiale. Art Déco a influencé la conception de bâtiments, meubles, bijoux, mode, voitures, cinémas, trains. , les paquebots et les objets de la vie quotidienne tels que les radios et les aspirateurs.

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10 Most Famous Art Deco Artists and Designers - Artst

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10 Most Famous Art Deco Artists and Designers - Artst

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The Art Deco movement is one that truly transformed the world of artistic expression and shaped much of the styles and artists that came after it. First appearing in France at the beginning of the 20th century, Art Deco was the first time in history that artists from both the fine arts, as well as .…

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At the turn of the 18th century, Fischer was at the height of his career. In a visible sign of his success as a court architect, he was raised to the nobility in 1696. The imperial alliance with Prussia, Holland, and England during the War of the Spanish Succession enabled Fischer, in 1704, to visit those countries and to study their architecture, particularly in relation to Palladio. The result was a remarkable change in his architectural style. In 1707 he went to Venice to study Palladian architecture at its source. The result was his development of a new type of "Palladian" palace facade, classical in its proportions but enlivened with richly sculptured decoration. It consists of a central projection accentuated by a giant order and surmounted by a triangular pediment and of relatively unarticulated lateral sections. Its models were English and North German Baroque interpretations of Palladian architecture as well as the works of Palladio himself and of his Italian followers. Fischer's major achievements in this field are the facades of the Bohemian Chancellery (1708-14) and Trautson Palace (1710-16), both in Vienna, and of the Clam-Gallas Palace (begun 1713), in Prague, which were imitated by architects all over the Habsburg empire.

During the first 10 years of the 18th century, however, Fischer designed fewer buildings than in the years before. His time was taken up by his administrative duties as chief inspector of court buildings and his work on a great history of architecture, Entwurf einer historischen Architektur. His book, which reveals the wide range of his learning, was the first comparative history of the architecture of all times and all nations; it included significant specimens of Egyptian, Persian, Greek, Roman, Muslim, Indian, and Chinese architecture, illustrated by engravings with explanatory notes. Some of the archaeological reconstructions that appeared in the book were among the best of Fischer's time. At the end of the historical survey he placed his own achievements, which he saw as a logical continuation of the Roman tradition of architecture. The book was published in 1721.

Final projects.

When his second imperial patron, Joseph I, died in 1711, Fischer's position as the principal architect at the Viennese court was no longer uncontested. Many preferred the more pleasing and less demanding architecture of his rival Johann Lucas von Hildebrandt to Fischer's lofty conceptions. Yet he was also able to gain the favour of Charles VI, to whom he dedicated his history of architecture in manuscript in 1712, and to obtain the commission for the building of the Karlskirche (Church of St. Charles Borromeo; begun 1715).

Charles had vowed to build the Karlskirche as an offering to his patron saint for the city's deliverance from an epidemic of the plague. In its imperial grandeur the building Fischer conceived not only glorified St. Charles but was also a monument to the emperor himself. In this church he attempted to incorporate and harmonize the main ideas contained in the most important sacred buildings of past and present, beginning with the Temple of Jerusalem and including the Pantheon and St. Peter's in Rome, the Hagia Sophia in Istanbul, and also the Dôme des Invalides in Paris and St. Paul's in London. The relatively independent parts of the building-a pair of Roman triumphal columns, low towers, a high oval dome, a central portico modeled after a Roman temple facade, a transept and presbytery-are harmonized to form a visual unity from whatever point they are seen. The complex formal and symbolic structure of the building is the result of its twofold function. For example, the most striking feature of the church-the pair of giant triumphal columns on either side of the portico-is decorated with spiral reliefs glorifying the life of St. Charles. The pair of columns, however, also alludes to the emperor's emblem, the "pillars of Hercules."

Fischer did not live to see his masterpiece completed, but his son Joseph Emanuel Fischer von Erlach completed the church with some alterations. Joseph Emanuel also completed the Imperial Stables (1719-23) and built, according to his father's designs, the Imperial Library (designed 1716, built 1723-37), the interior of which was the most imposing library hall of its time.

Legacy

In a highly idealistic formal synthesis, Fischer tried to combine the achievements of past and present, mixing forms from ancient Roman, Renaissance, Italian Baroque, and French Baroque architecture to find a new and unique solution for each architectural problem. The leading principle of his building was the integration of various plastically conceived elements, complete in themselves, by dynamic contrast.
Hans Aurenhammer The Editors of Encyclopaedia Britannica

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Johann Bernhard Fischer von Erlach - Foreign travels and change of style.

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At the turn of the 18th century, Fischer was at the height of his career. In a visible sign of his success as a court architect, he was raised to the nobility in 1696.

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Objectif de cette leçon :

Entrer dans une nouvelle décennie signifie que l'on entre aussi dans une nouvelle époque stimulante. Si l'on prend le temps d'y penser, chaque décennie de notre vie nous a apporté d'incroyables nouvelles choses, nous avons traversé des périodes de doute comme des périodes de prospérité, et l'entrée dans les années 2020 peut être excitante ou inquiétante selon notre perspective et où nous nous imaginons dans 10 ans. Avant d'aller plus loin dans l'année 2020, jetons un coup d'œil en arrière aux années 1920 pour voir à quoi ressemblaient le monde de l'art durant ces fameuses Années folles, la période où Fitzgerald à situé son Gatsby. Par conséquent, ce cours sera focalisé sur l'Art Déco, un mouvement artistique qui est devenu synonyme de cette période et qui a continué à inspirer le monde du design, les artistes et les architectes comme toutes les personnes qui se demandent à quoi pouvait bien ressembler la vie d'une garçonne dans un bar clandestin de New York. Durant ce cours nous nous concentrerons sur l'histoire de l'Art Déco et son héritage dans l'architecture et dans l'art.

Cette leçon est idéale pour les élèves de collège ou de lycée. Elle peut être utilisée en atelier ou en cours d'histoire de l'art.

Pour commencer :
1) Suscitez la réflexion des étudiants concernant les années 1920 et le style Art Déco en posant des questions qui lanceront la discussion. Prenez en note les réponses des élèves sur le tableau. Vos questions peuvent inclure les suivantes:

Qu'est-ce qui vous vient à l'esprit lorsque vous pensez aux années 1920 ?

Quel style esthétique vous vient à l'esprit lorsque vous pensez aux années 1920 ? ** Lister les réponses par groupe pourra vous être utile lorsque vous évoquerez les thèmes typiquement Art Déco plus tard dans la leçon.**

L'Art Déco vous fait plus penser aux œuvres d'arts traditionnelles, comme les sculptures, les tableaux etc, où aux travaux d'architecture?

Connaissez-vous des artistes, architectes, œuvres d'art ou des édifices qui vous rappellent le mouvement Art Déco ?

Selon vous, qu'est-ce qui a contribué à l'ascension du mouvement Art Déco?

2) Définitions à garder à l'esprit :

Art Déco: un mouvement artistique populaire des années 1920 et 1930 caractérisé par des lignes audacieuses, des formes géométriques, des zigzags et l'usage de nouveaux matériaux (comme le plastique). (Merriam-Webster)

Art Nouveau: un mouvement artistique né à la fin du 19° siècle, principalement caractérisé par par des lignes sinueuses et des formes de feuillage.(Merriam-Webster)

de Stijl:

un cercle d'artistes abstraits néerlandais ont lancé ce style artistique basé sur une géométrie stricte de lignes horizontales et verticales.(Tate Modern)

une école d'art fondée aux Pays-Bas en 1917 qui fait typiquement usage de formes rectangulaires et des couleurs primaires et noir et blanc et un équilibre asymétrique. (Merriam-Webster)

Bauhaus: une école révolutionnaire d'art, d'architecture et de design, fondée par Walter Gropius à Weimar en Allemagne en 1919. (Tate Modern)

3) La leçon
Partie I : Qu'est-ce que c'est l'Art Déco ?

Style iconique, l'Art Déco (abréviation d'Arts Décoratifs) est généralement une esthétique facilement reconnaissable. Elle met l'accent sur des lignes fortes, des formes géométriques et des matériaux audacieux et créé un style qui se démarque clairement en comparaison aux autres styles d'art et d'architecture de périodes différentes. Le mouvement a vraiment débuté en 1925 mais son ascension ne s'est pas faite en un jour. Le mouvement a aussi subi quelques changements, il est habituellement divisé en deux phases. La première et la seconde phase de l'Art Déco gardent certains grands principes en commun mais chaque courant s'est transformé pour correspondre à l'environnement et le temps dans lequel il évoluait.

L'Art Déco s'est construit sur des fondements mis en place par les principes du Bauhaus, du mouvement de Stijl, du Cubisme, du Constructivisme et du Futurisme. Le mouvement a également très vite adopté les nouvelles technologies, ce qui signifie que les matériaux utilisés n'étaient pas toujours des plus traditionnels. Aux débuts du mouvement, les œuvres Art Déco étaient réalisées avec des matériaux raffinés très onéreux, puis le mouvement a ensuite intégré des matériaux plus abordables comme le plastique. Ce mouvement a inspiré l'architecture et l'art à travers le monde. En visitant les plus grandes villes du monde, de Rio de Janeiro à Moscou, vous êtes sûr de de voir des éléments Art Déco.

Comme tous les mouvements, l'Art Déco est caractérisé par un certain nombre de repères visuels:

La répétition

Des designs linéaires et géométriques utilisant des motifs à chevron, triangulaires ou en forme de zigzag

Des lignes et des formes simplifiées

De longues lignes avec des arrêtes vives

Des panneaux décoratifs en bas relief

Des façades avec rétrécissement échelonné (en terme d'architecture)

Des fenêtres décorées à motifs (en terme d'architecture)

Utilisation de matériaux comme le plastique, la Bakélite, l'acier inoxydable et le chrome

Partie II : L'histoire de l'Art Déco

Si l'Art Déco en tant que mouvement semble être exactement ce dont les années 20 avaient besoin de bien des façons, c'est parce que ce n'est pas quelque chose qui a soudainement surgit de la scène artistique. Ce mouvement n'est en fait pas nouveau, il s'est construit lentement. Au sortir de la Première Guerre mondiale, beaucoup de gens pouvaient désormais envisager l'avenir, et ceux qui avaient de l'argent à dépenser, encore plus. " Le mouvement est né d'une envie, d'un désir agressif de se débarrasser du passé et de se tourner pleinement vers l'avenir dans toute sa gloire, créé par l'homme et mené par les machines. ". Au final, l'Art Déco aura été un mouvement de courte durée, puisque moins de 20 ans s'écouleront avant le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale, mais il a été florissant et a brillé pendant un temps.

Au début du 20° siècle, l'Art Nouveau, qui a émergé du mouvement Arts & Crafts, ou Arts et Artisanats, était l'un des styles les plus populaires. Le style Art Nouveau peut être illustré par le Métro de Paris par exemple. L'Art Nouveau, basé sur des formes végétales et la nature en général, est bien plus orné que le style Art Déco, mais il est considéré comme étant à l'origine de l'Art Déco. Sans l'Art Nouveau, il est fort probable que les Années folles n'aient pas ressemblé à ce que nous connaissons.

Après avoir commencé à prendre de la vitesse en Europe, c'est ailleurs que le mouvement s'est développé. En 1925, l'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes s'est tenue à Paris. Couvrant plus de 24 hectares, au cœur de la capitale française, l'exposition a duré six mois. Plus de 16 million de personnes s'y sont rendues pour voir les œuvres de plus de 15 000 artistes, architectes et designers confondus. L'exposition a propulsé le mouvement dans le monde du grand public et cela a considérablement impacté la trajectoire du mouvement Art Déco.

Bien que né en Europe, les idéaux Art Déco ont réellement pris leur envol aux États-Unis. Pourtant, lors de l'exposition internationale en 1925 aucun artiste américain n'était présent, sur les ordres d'Herbert Hoover, alors Secrétaire du Commerce, qui n'a autorisé aucun artiste ou designer à participer à l'événement. Au lieu de cela, Hoover a envoyé une équipe composée d'architectes, d'artistes et de designers américains pour assister à cette exposition, dans une sorte de mission de reconnaissance. L'année suivante, les États-Unis ont organisé une exposition similaire: "A Selected Collection of Objects from the International Exposition Modern, Industrial and Decorative Arts", qui a été présentée dans plusieurs grandes villes américaines.

Le mouvement Art Déco a coïncidé avec une croissance fulgurante aux États-Unis, par conséquent ce style a été utilisé dans un grand nombre de constructions comme le Radio City Music Hall des architectes Edward Durell Stone et Donald Deskey. L'Art Déco est devenu un emblème de la ville moderne, exactement comme les gratte-ciels à la même période. Une fois achevé en 1930, le Chrysler Building, conçu par William van Allen, est devenu le symbole de l'apogée du style Art Déco.
** Ici, montrez aux étudiants une photo du Chrysler Building, cherchez à savoir s'ils parviennent à identifier ces caractéristiques Art Déco avant de continuer la discussion sur l'édifice. Assurez-vous aussi de mentionner ses gargouilles inhabituelles !**
La couronne élégante du bâtiment, composée de triangles rayonnants imite le lever du soleil vertigineusement haut sur la ville. Ses longues lignes et ses courbes lisses accentuent sa hauteur. A quoi s'ajoutent des gargouilles très stylisées, ressemblant plus à des ornements de capot de voiture qu'à des gargouilles traditionnelles. Tous ces aspects en font une belle œuvre d'architecture Art Déco.

L'Art Déco était apprécié par une majorité de personnes mais il avait bien évidemment ses détracteurs. Le Corbusier était de ceux qui n'appréciaient pas ce style. Il a été l'un des premiers à utiliser l'abréviation "Art Déco" pour faire référence aux Arts Décoratifs. Lorsqu'il utilisait cette abréviation, qui a finalement perduré, Le Corbusier critiquait l'esthétique du mouvement.

Pendant le Seconde Guerre mondiale, l'Art Déco cessa d'être à la mode et n'a plus été utilisé jusqu'aux années 1960 où il a connu une résurgence. L'Art Déco a alors été revisité et l'est encore aujourd'hui. Ce style résonne différemment aujourd'hui en tant que symbole de l'entre deux guerres et les difficultés de la Grande Dépression des années 30.

Partie III : Les phases de l'art déco et le style " paquebot " ou streamline moderne

Le mouvement Art Déco s'est divisé pour une raison simple: l'arrivée de la Grande Dépression. Au début de la période Art Déco, l'économie était florissante donc la première phase de l'Art Déco regorge de matériaux luxueux et onéreux, pour vous faire une idée, pensez par exemple au film Gatsby le magnifique. Cependant, dès le début de la Grande Dépression avec le "mardi noir" ( le 29 Octobre 1929 le Krach boursier de New York est considéré comme le jour marquant le début de la Grande Dépression), l'économie américaine a connu un effondrement et ses effets allaient être ressentis à travers le monde.

Alors que la dépression s'installait à travers le monde, l'Art Déco se transformait et entrait dans sa seconde phase. Durant cette période, les matériaux les plus chers étaient remplacés par des matériaux plus abordables et le style a été allégé de manière générale. Pendant cette seconde phase, les structures Art Déco sont devenues plus austères, ce qui était pragmatique et conceptuel. En architecture, la seconde phase a délaissé la verticalité pour se concentrer sur des structures basses symbolisant la force.

De la seconde phase du mouvement Art Déco est né le style Paquebot aux États-Unis. Le style paquebot a gardé les principes de la seconde phase du mouvement Art Déco auquel il a ajouté certains éléments du mouvement Allemand de la Nouvelle Objectivité, pour créer un style plus ou moins dépourvu de décoration. En ce qui concerne l'architecture et le design, le mouvement a fait usage de courbes nettes, de lignes horizontales, des grands ensembles de fenêtres, des briques de verre et des hublots.
4) Conclusion / Activité:
Pour conclure un atelier d'art sur le style Art Déco, demandez aux élèves de créer une œuvre dans un style Art Déco. Pour une classe plus autonome, ils peuvent choisir eux même la façon dont ils veulent mener leur projet. Si vous avez une classe qui a besoin d'être plus guidée, vous pouvez penser à une œuvre sous forme d'affiche, reflétant les styles élégants des publicités Art Déco, etc.

Si cette leçon est utilisée pour un cours d'histoire de l'art, vous pouvez laisser les élèves choisir un bâtiment Art de Déco et faire plus de recherches à son sujet, en notant quels aspects se rapprochent du mouvement Art Déco, et quels éléments s'en éloignent. Ils peuvent trouver ce bâtiment en ligne ou chercher des bâtiments reprenant des thèmes Art Déco dans votre ville, qu'ils soient d'époque Art Déco ou plus récents.

Pour approfondir votre lecture :
Art Deco by The Art Story Art Deco's Streamlined Designs Envisioned a Glamorous Future Art Nouveau and Art Deco History Art Deco by Tate Art Deco Style 1925 - 1940
Photos supplémentaires :

Plus de critique d'art, plus de leçons d'art :
Une Leçon de Restitution: une plongée dans la question de l'expropriation d'art, la Seconde Guerre mondiale et au-delà
Une Leçon de Street Art: comment un mouvement né du graffiti a fait son entrée dans le monde de l'art, Part ie I, Part ie II, et Part ie III

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Objectif de cette leçon : Entrer dans une nouvelle décennie signifie que l'on entre aussi dans une nouvelle époque stimulante. Si l'on prend le temps d'y penser, chaque décennie de notre vie nous a apporté d'incroyables nouvelles choses, nous avons traversé des périodes de doute comme des périodes de prospérité, et l'entrée dans les années 2020 peut être excitante ou inquiétante selon notre perspective et où nous nous imaginons dans 10 ans.

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Beige and Brown Simple Modern Timeline Diagram Graph (1)

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Le Chrysler Building est un gratte-ciel de la ville de New York, aux États-Unis, situé à l'intersection de la Lexington Avenue et de la , dans le quartier de Midtown au sud de l' arrondissement de Manhattan.

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William Van Alen — Wikipédia (wikipedia.org)

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William Van Alen was born in Brooklyn, New York in 1883. He attended Pratt Institute while working for the architect Clarence True. He also studied for three years at the Atelier Masqueray, the first independent architectural atelier in the United States, founded by Franco-American architect Emmanuel Louis Masqueray.

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The Chrysler Building is a classic Art Deco skyscraper located in the East-Midtown area of Manhattan. At 319.5 m (1048 ft) high, the building held the title of the world's tallest building when it was completed in 1930. However, this was only to last 11 months before being surpassed by the Empire State Building in 1931. Nonetheless, it was the first man-made structure taller than 1,000 ft, and is still the tallest brick building in the world (albeit having an internal steel skeleton).

The building was conceived by architect William Van Alen and contractor William H. Reynolds. Van Alen's original design comprised a decorative 'diamond' crown and showroom windows. The ambition of such a design proved too expensive for Reynolds who sold the lease to the industrialist Walter Chrysler. Chrysler wanted to rejuvenate the East 42nd Street area and commissioned Van Alen to redesign the building in a drive to making it the tallest in the world.

This ambition was kept a secret. 40 Wall Street was being built simultaneously and it was believed it would secure the title of world's tallest. The additional 185 ft spire was delivered to site and erected in 90 minutes, surpassing 40 Wall Street just as the project team celebrated without realising they had been beaten.

The Chrysler Building is seen as a leading example of Art Deco architecture, and is distinctive due to its terraced crown and ornamentation based on the Chrysler automobile designs of the time. The crown was designed by Van Alen as seven terraced arches that make up a cruciform groin vault built into seven concentric members mounted one behind the other with transitioning setbacks.

The corners of the 61st floor are decorated with protruding gargoyles that depict American eagles in homage to the hood ornaments of the Plymouth automobile, while the corners of the setback 31st floor feature replicas of the 1929 Chrysler radiator caps.

The building, with its stepped spires, is constructed using masonry with a steel frame and stainless- steel cladding. The cladding is ribbed and riveted in a radiating sunburst motif with triangular vaulted windows. The crown is clad in a silver austenitic stainless steel manufactured in Germany.

The bricks were hand-laid, but with the construction being carried out very quickly - at an average of four floors a week.

Inside, the building is known for its lavish lobby area, decorated with onyx, steel, red Moroccan marble walls and sienna-coloured floor. The artist Edward Trumbull painted the murals on the ceiling.

The building served as the headquarters of the Chrysler Corporation from 1930 to 1957 when it was purchased by real estate moguls Sol Goldman and Alex DiLorenzo. It was later sold to the Massachusetts Mutual Life Insurance Company who refurbished the façade and renovated the building in 1978. In 2008, the Abu Dhabi Investment Council purchased a 90% stake in the building.

In 1976, the Chrysler Building was declared a National Historic Landmark. In 2005, New York's Skyscraper Museum conducted a survey of prominent construction experts and found that 90% chose the Chrysler as their favourite skyscraper in New York. In 2007, the building was ranked ninth on the list of America's Favourite Architecture by the American Institute of Architects.

It has featured in numerous film and TV productions; most notably, 'Godzilla', 'Armageddon', 'Deep Impact', 'Fantastic Four: Rise of the Silver Surfer', ' Sex and the City' and 'Spider-Man'.

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Chrysler Building - Designing Buildings - Share your construction industry knowledge. The Chrysler Building is a classic Art Deco skyscraper located in the East-Midtown area of Manhattan. At 319.5 m (1048 ft) high, the building held the title of the world's tallest building when it was completed in 1930.

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Reimagining the most legendary skyscraper in the world

Inspired improvements in development, including new retail arcade, full floor of tenant amenities, concierge services, destination dining and entertainment, and reinvention of The Cloud Club lounge, bar, and event space, all curated by the visionary tastemakers of RFR.

Full floors of 7,600 sf to 44,000 sf

Block up to 120,000 sf and prebuilts from 2,000 to 5,000 sf

For Leasing Opportunities

Floor

RSF

Possession

Plan

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Inspired improvements in development, including new retail arcade, full floor of tenant amenities, concierge services, destination dining and entertainment, and reinvention of The Cloud Club lounge, bar, and event space, all curated by the visionary tastemakers of RFR.

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analyser une architecture (Chrysler building)

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CHRYSLER Building - HISTOIRE des ARTS - Cycle 3 - ÉDUCATION NATIONALE (ecoles-colleges.com)

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Qu'est ce que l'Art Déco ? | Définition et Artistes

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Accédez à la définition de l'Art Déco, ainsi qu'à une explication de son évolution, au fil d'exemples d'oeuvres et d'artistes majeurs.

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 l’Art Déco est caractérisé par un certain nombre de repères visuels:

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 l’Art Déco est caractérisé par un certain nombre de repères visuels:

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La répétition

Des designs linéaires et géométriques utilisant des motifs à chevron, triangulaires ou en forme de zigzag

Des lignes et des formes simplifiées

De longues lignes avec des arrêtes vives

Des panneaux décoratifs en bas relief

Des façades avec rétrécissement échelonné (en terme d’architecture)

Des fenêtres décorées à motifs (en terme d’architecture)

Utilisation de matériaux comme le plastique, la Bakélite, l’acier inoxydable et le chrome

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Mouvement artistique populaire durant les années 1920 et 1930, (mettant en avant un style plus géométrique qui prône un retour au classicisme.)
caractérisé par des lignes audacieuses, l’usage de nouveaux matériaux ....

Le terme « Art déco » est l’abréviation de « Arts décoratifs ». Cette appellation artistique est en partie due à l’Exposition internationale des arts décoratifs de Paris, en 1925.

c’est un retour à l’ordre, ou l'on va mettre en avant l’harmonie et la symétrie.

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https://99designs.fr/blog/histoire-design-genres-mouvements/le-design-art-deco/

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Le mouvement Art déco a vu le jour dans une ambiance de fête. En 1925, la même décennie qui a vu naître Gatsby le Magnifique, la démocratisation de la voiture, le premier film avec du son, le terme " design graphique ", et (surtout !) les cocktails mimosa, la communauté artistique parisienne se rassemblait pour une exposition pas comme les autres .

Superbe design d'affiche inspirée du style Art déco, réalisée par hadynoody.

Cette exposition rassembla aussi bien des travaux de ferronnerie d'art que des pièces entièrement décorées, le tout à la mode du moment. Plus de 16 millions d'amateurs d'art se rendirent à cette exposition, venus de part et d'autre du monde. Le but était de célébrer et de légitimer les "arts décoratifs" auprès du grand public et des médias. Et cela a fonctionné, puisque cette exposition a permis d'établir, à elle seule, l'un des mouvements stylistiques les plus persistants de l'histoire : l'Art déco.

Au cours des années, l'Art déco s'est fait une place dans toutes les disciplines, du design graphique au design de meubles, en passant même par le monde numérique du jeu vidéo . Bien que ses heures de gloires soient définitivement derrière nous, le mouvement Art déco a laissé sa marque dans le monde entier, notamment dans le domaine de l'architecture, avec des lignes d'horizon partout dans le monde, qui continuent d'exister dans notre quotidien. Les graphistes qui souhaitent ajouter une grandeur égale à celle du Chrysler Building dans leurs designs seront ravis d'en apprendre plus sur le mouvement Art déco.

Les caractéristiques du style Art déco
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Comme pour la plupart des mouvements stylistiques, les caractéristiques des designs Art déco (dont beaucoup trouvent leurs origines avant 1925) sont nées du contexte historique de l'époque.

L'affiche Art déco emblématique de A.M. Cassandre. Via pinimg.com.

Au début des années 1900, alors que la révolution industrielle a explosé le siècle passé, l'ingénierie mécanique n'est plus la force dominante, laissant ainsi la place au design. Vous auriez alors choisi de voyager dans tel ou tel train non pas en fonction de leur nombre de chevaux respectifs, mais plutôt en fonction de l'opulence des cabines passagers. Les fabricants sont en compétition les uns avec les autres en proposant des services et produits modernes de plus en plus luxueux et éclatants. Ce qui conduit ainsi les gens à associer les merveilles mécaniques à l'extravagance et au chic. Le Titanic en est l'exemple le plus probant.

Les autres mouvement artistes qui se développent à la même époque ont préparé le terrain à l'Art déco, qui a emprunté ses abstractions extrêmes au cubisme, et ses formes rectilignes au futurisme.

Chacun de ces facteurs a participé à créer le style Art déco, qui se reconnaît à ses caractéristiques propres :

Symétrie

Formes superposées

Lignes complexes

Géométrie rectiligne

Courbes aérodynamiques

Couleurs métalliques (or, chrome...)

Cette liste peut paraître arbitraire et peut-être même applicable à d'autres courants artistiques, mais les éléments les plus importants qui permettent de déterminer si tel ou tel design appartient véritablement au style Art déco sont beaucoup plus abstraits que cela. Par exemple, l'aspect théâtral, l'excès, ainsi qu'un certain optimisme ambitieux pour le monde moderne et son avenir.

Dans cet article, nous explorerons ces différents aspects pour mieux comprendre comment ils se manifestent dans le style Art déco.

Théâtre et lumières
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Times Square était l'un des symboles de la vie urbaine des années 1920. Via walksofnewyork.com.

L'Art déco est avant tout un style audacieux qui ne s'excuse pas d'attirer l'attention sur lui. En ce sens, le style représente très bien l'esprit de son époque, où la meilleure réponse possible face à la prohibition était tout simplement de faire la fête. Les nouvelles avancées technologiques comme l'ampoule électrique transforment alors les grandes villes en de superbes spectacles de lumières, et Times Square, avec ses théâtres, ses concerts et ses panneaux publicitaires lumineux, devient l'épicentre de la culture.

Les designs Art déco reflètent souvent cet incroyable spectacle en jouant sur les formats, les contrastes et les ornementations aventureuses. Plus concrètement, on retrouve de nombreux triangles (bases en bas et pointes en haut) dans les designs Art déco, de sorte à représenter les lumières de scène, ou encore le soleil. Le but étant de faire du design lui-même la vedette du show.

De fins triangles orientés vers le haut créent des rayons. Design réalisé par ChiChiya.

Géométrie symétrique et line art moderne
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Les pièces présentées à l'exposition de 1925 qui a vu naître l'Art déco devaient répondre à un seul critère : elles devaient être modernes. La modernité a toujours été le soucis principal des designs Art déco.

Les artistes expriment généralement le concept de modernité avec des formes géométriques, tandis que les formes organiques, plus douces et courbes, représentent davantage la nature. L'architecture réalisée par les hommes est, à leurs yeux, plus précise et mathématique. Les lignes sont au centre des plans architecturaux des fameux "skyscrapers", tous nouveaux à l'époque, et qui ont changé le paysage urbain. C'est ainsi que la ville, symbole de la vie moderne, est alors représentée par des lignes droites précises et allant toujours plus haut.

Les lignes des design Art déco apparaissent souvent aussi mécaniques et compliquées que les rouages d'une horloge suisse, tandis que la symétrie des compositions leur confère la stabilité d'un immeuble tout entier. Cela peut être particulièrement utile pour décorer des designs rectangulaires, comme les emballages produits ou des cartes de visite, où les lignes Art déco agiront comme un cadre. Optez pour une finition dorée ou chromée pour ajouter une petite touche "flashy" inspirée par les machines.

Mouvement et courbes aérodynamiques
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Comme mentionné plus tôt, les formes arrondies sont typiquement associées aux éléments statiques de la nature, comme les arbres et les collines. Les graphistes Art déco, en revanche, se sont servis des courbes pour représenter l'idée du mouvement.

Le design industriel Norman Bel Geddes voyait le futur de manière arrondie. Via UT Austin.

L'idée de mouvement fut centrale dans les années 20 et 30. Non seulement la ville grandissait à toute allure, mais les moyens de transports avaient eux aussi évolués, et nous sommes passés des charrettes tirées par des chevaux aux voitures, trains et avions, pour ainsi dire du jour au lendemain. Cela a conféré à la ville une certaine rapidité et un mouvement que les artistes ont cherché à représenter à l'aide de courbes aérodynamiques, mais aussi en exagérant les traits de la machine moderne, de sorte à lui donner un look futuriste.

D'un point de vue purement esthétique, les cercles peuvent également être utiles pour contraster les formes géométriques plus "dures" ce qui explique pourquoi beaucoup de typographies Art déco mélangent lignent strictes avec des courbes exagérées. Les graphistes ont également incliné les lignes droites de façon à suggérer la notion de mouvement.

Cette mascotte de voiture en verre de l'époque utilise des ligne rigides pour indiquer non pas la stabilité mais le mouvement. "Spirit of the Wind" réalisé par René Lalique.

Influences de l'Egypte ancienne
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Les portes d'ascenseur du Chrysler Building sont ornées d'égyptien. Via pinimg.com.

En plus d'avoir vu naître bon nombre d'avancées industrielles et technologiques, le début du 20e siècle est également la période à laquelle les archéologues ont fait des découvertes majeures en Égypte, culminant avec la découverte de la tombe du roi Tut en 1922. Le buzz médiatique et culturel qui a suivi a même été nommé l'"égyptomania" et a influencé de nombreuses disciplines, dont le cinéma (La Momie, Cléopâtre, etc.), la mode avec notamment les robes des "flappers", et l'architecture (l'obélisque du Washington Monument).

Bien que l'on puisse penser que l'Égypte était à des milliers de kilomètres (au sens propre et figuré) de la tendance Art déco, inspirée des machines et du futurisme, le mouvement urbain Art déco des années 1920 et l'Égypte ancienne avaient beaucoup en commun. Soit, une certaine obsession pour une architecture monumentale, la sacralisation des biens matériels, et une mode vestimentaire flashy et extravagante. En fin de compte, l'Art déco a tendance à emprunter beaucoup à l'Égypte ancienne, avec ses pyramides, ses éventails et ses ailes stylisées.

Posters de propagande et illustrations taillée au burin
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Ce bas-relief Art déco réinvente le travailleur industriel en mélangeant inspiration grecque et lignes modernes. Réalisé par René Paul Chambellan, via Dean Johnson.

En plus de la résurgence de l'art antique égyptien, de nombreux artistes du mouvement Art déco ont ré-imaginé l'iconographie religieuse classique à la mode moderniste/urbaniste de l'époque. Les gratte-ciel deviennent alors les temples modernes. Si les artistes de la renaissance ont été largement préoccupés par les représentations réalistes des personnages de la Bible et de la mythologie grecque, l'invention de l'appareil à photo a libéré les beaux arts de cette nécessité de réalisme. Ainsi, les artistes Art déco se sont essayés à réinventer les grands classiques, mais dans un style moderne, où les muscles et les drapés sont représentés à l'aide de lignes tranchantes.

Cette résurgence a inspiré la peinture et les illustrations Art déco, où les figures sont stylisées à la façon des haut-reliefs , des hiéroglyphes et des personnages historiques représentés sur les pièces de monnaie courantes. L'effet voulu était de mettre à égalité le sujet d'une affiche et les divinités, ce qui convenait très bien à cette période de l'histoire qui voit naître le concept de célébrité. Bien que cela avait souvent des sous-tons de propagande, les graphistes d'aujourd'hui peuvent s'inspirer de cette esthétique pour leurs illustrations 2D comprenant des couleurs "flat", de légères ombres et des lignes tranchantes.

Réalisé par C!N.

Des décennies plus tard, le design Art Déco perdure
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Comme pour beaucoup de mouvements, le courant Art déco a finalement été étouffé par son rival. Avec la Deuxième guerre mondiale à l'horizon, les tendances stylistiques se sont ensuite attachées davantage à l'utilitarisme et à la frugalité. De nos jours, le focus est sur l'interactivité et la facilité d'utilisation des designs, résolument minimalistes.

Il est intéressant de voir à quel point l'Art déco est toujours présent dans les designs contemporains, vu que le style est résolument imprégné de son époque. Encore aujourd'hui, on pense immédiatement aux années 20 et 30 lorsque l'on voit un design Art déco ! Impossible de ne pas se remémorer la joie de vivre de l'époque, avec son champagne et son jazz swing, et c'est peut-être pour cela que le style Art déco continue de faire rage.

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Le design Art Déco : tout ce que vous devez savoir sur ce mouvement emblématique - 99designs

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Le mouvement Art déco est né dans une ambiance de fête pendant l'Exposition internationale des Arts décoratifs et industriels modernes. Au fil du temps, l'Art déco s'est fait une place dans nombre de domaines, design graphique, design de meubles ou jeu vidéo. Petite présentation de ce mouvement toujours populaire.