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Pablo Picasso et Alexander Calder sont deux grands artistes du siècle contemporain. Mais le premier réalisent des peintures cubistes et plutôt massives tandis que le deuxième a créé beaucoup de structures lègères et aériennes et c'est la somme des deux qui rend cette exposition intriguante. On peut voir dans cette exposition énormément de vide, on peut même dire que ces artistes défient les limites dimensionelles de l'espace. Puisque les oeuvres de Calder peuvent être à la fois d'une finesse très légère et être très grandes qu'au final ses oeuvres prennent de la place malgré le fait qu'elle soit très légères. Le fait que les murs soient de couleur blanche permet d'avoir l'illusion d'un plus grand espace. Mais le plus intéréssant et que l'on retrouve des oeuvres un peu partout: dans la cour, dans l'escalier, dans les salles. Cela rentre complètement dans le thème du vide et de l'espace et permet aux spectateurs de rentrer dans ce thème et de s'y promener.
Croquis:

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ART ET POÉSIE : Joan Miró, Peinture ("Escargot, femme, fleur, étoile"), 1934, huile sur toile, Musée National d'art Reina Sofia

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Pour ce projet j'ai décidé d'instaurer l'architecture dans mon oeuvre. L'idée est simple, j'ai pris une sphère en plexiglas afin de représenter le monde. Un monde est composé d'artificiel et de naturel et c'est cette opposition là que j'ai cherché à représenter. J'ai donc séparé ma sphère en deux parties à l'aide d'un carton que j'ai peint côté artificiel en noir et côté naturel en blanc car ce sont deux couleurs qui s'opposent. Ainsi nous avons d'un côté de la végétation et de l'autre des bâtiments. Deplus, pour moi chaque personne possède deux mondes différents. D'un côté le monde du travail et de l'autre le monde du repos. Encore une fois ce sont deux idées qui s'opposent. J'ai représenté le travail par des bâtiments nuancés par des couleurs plus ou moins sombres (couleurs allant du gris clair au noir). Nous savons que le travail est une source de stress ce qui n'est pas une chose positive d'où ces couleurs. Deplus il existe différents degrés de stress d'où les différentes tailles des bâtiments. La particularité de ces derniers est qu'ils ne possèdent pas de fenêtre leur donnant un aspect flou comme le stress. L'autre côté représente donc la nature qui s'oppose à l'industrie, mais représente aussi la zenitude. «Après les efforts le réconfort» est un proverbe qui idéalise bien mon idée car après avoir travaillé tous le monde recherche un petit coin confortable afin de se reposer dans le calme. Pour rappeler le côté coconing que l'on recherche j'ai créé un petit arbre à l'aide de curdons mais surtout de coton que j'ai peint de manière nuancé avec de l'encre rose afin de le démarquer des couleurs sombre de l'autre "monde". La bandelette hachurée de noir et blanc sur le côté est présente pour rappeler la principale idée : l'opposition. Pour moi tout le monde possède deux mondes: un monde objectif et un monde subjectif.

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ART ET POÉSIE : Guillaume Apollinaire, La colombe poignardée et le jet d'eau, 1913-1916, Calligramme

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Apollinaire, La colombe poignardée et le jet d'eau,

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ART ET POÉSIE : Jacques Dupin et Joan Miró, Extrait de L'Embrasure, 1970, poème manuscrit enluminé à la gouache et à l'encre sur papier vélin, collection particulière, Paris

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A lire en lien avec "Présentez-vous artistiquement" : Maquette du monument à la troisième internationale de Vladimir Tatline

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A lire en lien avec "Présentez-vous artistiquement" : Maquette du monument à la troisième internationale de Vladimir Tatline

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Maquette / Équilibre / Sculpture - Architecture / Spirale / Construction / Socle

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Pour ce projet d'archi-peinture, j'ai décidé de dessiner une architecture que j'ai moi-même imaginé. La construire au bord d'une source d'eau lui donnerai un petit côté romantique mais permettrait surtout la réflexion des vitraux. Certains trouvent qu'elle ressemble au Burj Al-arab pour sa forme (hôtel situé à Dubaï), d'autres y ont vu une église sûrement à cause de ses vitraux multicolores. D'où le but de ne pas lui donner de fonctions afin de laisser le spectateur en faire ce qu'il souhaite. Ce que l'on peut voir dès le premier regard est que c'est une construction de 5 étages. On remarque ensuite les vitraux composé exactement de 4 couleurs (rouge, bleu, vert émeraude, et jaune) de 2 teintes différentes, pour cela j'ai utilisé deux types de peintures: l'aquarelle qui rappelle le côté transparent des vitres, et l'acrylique étant une peinture consistante peut se refléter sur "l'eau" que j'ai ici remplacé par du plastique. Les vitraux donnent un certain aspect gothique à mon oeuvre mais le fait qu'ils sont divisés en différentes formes géométriques lui donnent un aspect moderne et rend ainsi hommage à Sophie Taeuber-Arp qui travaillait beaucoup la géométrie dans ses oeuvres. Mon dessin d'architecture est vu de face et ce que l'on peut percevoir après les vitraux c'est des traits verticaux noirs et blancs. On peut croire qu'ils font partis du décor et qu'ils sont là pour jouer un contraste avec les couleurs mais en réalité ceci est une illusion d'optique puisque si l'on regarde de profil (voir croquis à droite) on voit que ces traits noirs sont des barrières servant aux balcons permettant ainsi de séparer les étages. Le fait que le bâtiment reste de couleur blanche autour permet de faire ressortir les couleurs. J'ai ensuite repasser les contours au feutre noir pour faire ressortirr la couleur blanche de l'architecture. Et pour lui donner un côté vintage, j'ai peint la porte de couleur marron brut et j'ai laissé exprès mes traits de contructions au niveau des vitraux.

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Dorothea Lange est une photographe Américaine née le 26 mai 1985 et décédée le 11 octobre 1965. Elle a réalisé beaucoup de travaux durant la Grande dépression ( dite aussi crise économique des années 1930) afin de capturer des clichés importants de l'entre-deux-guerres aux États-Unis rendant ainsi une production très riche. Le thème de ces photos est la politique du visibles. On retrouve diverses photos de sans-abris, de migrants, ou encore des internements Américains d'origine japonaise. Ce sont bien-sûr des clichés en noir et blanc où la photographe cherche à capter l'expression, souvent neutre et triste, des personnes. Cette exposition montre les convictions politiques de Dorothea tout en montrant l'importance de la photographie documentaire qui permet ainsi de retracer une partie de l'histoire et d'être servis comme témoignages. J'ai réalisé deux croquis, l'un d'une mère migrante avec ses enfants ( Migrant Mother) ; l'autre d'un homme en tenue de travail en pleine pause. Migrant Mother est sûrement l'un des clichés les plus connus car il représente à lui-même la période de la grande dépression. Il en est même devenu un symbole grâce au regard de la mère décoiffée, calme, penseuse, triste mais forte car ses enfants sont apeurés et ont besoin de réconfort. J'ai surtout cherché à représenter l'expression faciale de la mère car pour moi c'est ce qui fait le charme de la photo. Mon deuxième croquis représente un homme assis et fumant une pipe. Mais le plus intéréssant est la manière dont il regarde l'objectif. On dirait qu'il lance un défi à la personne le regardant. On peut noter d'ailleurs son numéro de sécurité social tatoué sur son bras.
Et puis pour finir du point de vue de la scénographie, on reste sur quelque chose de classique c'est-à-dire des photos accrochés sur les murs ou dans de longues tables sous vitrine, mais permettant ainsi une visite calme et agréable.

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Pour ce projet dont le thème est une présentation artistique de soi-même, jai décidé de représenter deux activités très différentes, que j'adore pratiquer et qui me représente plutôt bien physiquement. La première est le théâtre, pour cela j'ai fabriqué une scène de théâtre à l'aide de carton que j'ai ensuite peint en noire. Je suis une personne très ouverte d'esprit et j'aime énormément parler, ainsi je dirai que cette activité est faite pour moi tout comme mon entourage me le dit assez souvent. J'ai ensuite installé à l'intérieur un manège en tourbillon que j'ai créé à l'aide de fils électriques et d'allumettes, le tout tenu grâce au corps d'une chaise roulante posée à l'envers au centre de ma scène. Cette construction représente mon deuxième loisir, c'est-à-dire les sensations fortes, les sports extrêmes et les jeux qui sont censés être significatifs de ma joie et de ma bonne humeur. Pour jouer avec les contrastes de la scène peint en noire, j'ai peint mon "manège" avec des couleurs chaudes. J'ai ensuite recouvert toute ma présentation d'un rideau quand à lui peint avec des couleurs froides et  je dirais même glaciales du côté extérieur, et avec des couleurs chaudes du côté intérieur. Ce rideau est ce qui représente le plus mes traits de caractères. Il est la limite entre l'image que je me donne et ce que je suis réellement. Une personne ne me connaisssant pas me trouvera froide, méchante, renfermée comme si elle venait seulement observer mon oeuvre mais pour mieux me connaître, il faudrait qu'elle arrive à trouver l'entrée pour pouvoir accéder au coeur de l'oeuvre et ainsi découvrir une nouvelle facette de moi-même et faire partie de mon entourage, qui eux me décrivent généralement comme une fille très chaleureuse, attentionnée, et joyeuse.

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Pour ce projet de mise en scène d'une gravure, j'ai décidé de graver le Taj Mahal, construction indienne construite sous les ordres de l'empereur Shah Jahan. Je l'ai choisi pour son unique couleur blanche (marbre), sa magnifique architecture, mais surtout pour l'histoire qu'il nous révèle. Le Taj Mahal a été construit en 1630 après la mort de la femme de l'empereur. On peut voir cet acte là comme une déclaration d'amour mais aussi comme une histoire d'amour sans fin. Ainsi j'ai mis en scène l'estampe (de couleur rouge) de ma gravure au centre d'un livre aux feuilles blanches, pour laisser le choix aux spectateurs d'imaginer un amour infini ou non, et à la couverture peinte en rouge , couleur de l'amour. Je n'ai pas fais en sorte que la couche de peinture rende la couverture lisse mais rajoute plutôt du relief avec des sortes de piques pour montrer que cette histoire n'est pas comme les autres et ainsi la rendre unique. Pour finaliser le tout, j'ai rajouté une rose blanche, fleur rappelant la pureté et la chasteté de leur amour, au centre du livre comme si je déposais celle-ci sur la tombe de la femme de l'empereur afin de lui rendre hommage. Dans ce projet j'ai seulement utilisé deux couleurs très fortes niveau sentimental puisque le rouge désigne la puissance de l'amour et le blanc la pureté de ce dernier.