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"Il y a plus inconnu qu'un artiste inconnu, sa femme artiste". C'est le titre de l'essai de Corine Girieud. 

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"Il y a plus inconnu qu'un artiste inconnu, sa femme artiste". C'est le titre de l'essai de Corine Girieud. 

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“Elles ont été oubliées”: une professeure explore les causes de l’invisibilité des femmes artistes dans l’histoire de l’art

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Corine Girieud est enseignante et Docteure en histoire de l’art. Dans sa classe des Beaux-Arts de Montpellier, majoritairement féminine, elle prend conscience que ses cours ne traitent que d’artistes de genre masculin. Elle…

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7 quiz à faire pour tester vos connaissances en art !

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Styles, mouvements, chefs-d’œuvre, artistes... Ces quiz permettent de tester rapidement votre niveau en histoire de l’art.

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Gerda Wegener, peintre amoureuse de la première femme transgenre

Son histoire d'amour avec son mari et muse, devenu femme, a inspiré le film The Danish Girl, sorti en 2016. Portraitiste mondaine, Gerda Wegener a brillé de ses multiples talents dans le Paris des Années folles.

Voir l'épisode

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30 femmes artistes que vous devriez absolument connaître

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Son histoire d'amour avec son mari et muse, devenu femme, a inspiré le film The Danish Girl, sorti en 2016. Portraitiste mondaine, Gerda Wegener a brillé de ses multiples talents dans le Paris des Années folles. Voir l'épisode

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Qui a peint La Jeune Fille à la Perle ?

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Réalisation d'une dystopie avec La photographe Alice Delanghe

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Réalisation d'une dystopie avec La photographe Alice Delanghe

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1ère HIDA 2024-2025

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Projet de réalisation d'une dystopie avec La photographe Alice Delanghe

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Virginie Loze "Un établissement une oeuvre"

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Virginie Loze "Un établissement une oeuvre"

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"Un établissement une œuvre" au lycée de Mirepoix avec l'artiste toulousaine Virginie Loze

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Podcast 2ème partie, Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme

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Podcast 2ème partie, Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme

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Femmes, féminité, féminisme [partie 2/2] by Musée des Augustins

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"Histoire des arts, objectif Bac !" est une série en 6 épisodes sur le programme du baccalauréat enseignement de spécialité : Histoire des arts.

Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme.

Thème récurrent dans l’art, son image est partout, la figure féminine endosse une multitude de statuts au service des œuvres : muse, allégorie, elle est souvent une représentation fantasmée, érotisée, idéalisée.
Modèles aux multiples fonctions sociales, elles sont tour à tour l’incarnation de la sensualité ou de la maternité, du vice ou de la vertu. Une image qui n’a pas de demi-mesure
De la vierge Marie aux saintes, en passant par les très jeunes filles façon « oies blanches » du 19e siècle, aux déesses grecques virginales : comment l’art occidental a été le relai de cet idéal, à la fois comme support moral et reflet de fantasmes masculins ?
Quelles sont les différentes images de la femme ?
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Toutes ces œuvres peuvent être retrouvées dans la base de données du musée via ce lien : www.augustins.org/fr/search?onlyHasImage=true&p=1
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Crédits : Ce podcast est réalisé par l'équipe du musée des Augustins, Toulouse.

* À l'écriture et aux micros : Isabelle Bâlon-Barberis et Marthe Pierot
* Montage : Rémi Roig
* Coordination : Ghislaine Gemin

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Podcast 1ère partie,  Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme

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Podcast 1ère partie,  Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme

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Femmes, féminité, féminisme [partie 1/2] by Musée des Augustins

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"Histoire des arts, objectif Bac !" est une série en 6 épisodes sur le programme du baccalauréat enseignement de spécialité : Histoire des arts.

Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme.

Thème récurrent dans l’art, son image est partout, la figure féminine endosse une multitude de statuts au service des œuvres : muse, allégorie, elle est souvent une représentation fantasmée, érotisée, idéalisée.
Modèles aux multiples fonctions sociales, elles sont tour à tour l’incarnation de la sensualité ou de la maternité, du vice ou de la vertu. Une image qui n’a pas de demi-mesure
De la vierge Marie aux saintes, en passant par les très jeunes filles façon « oies blanches » du 19e siècle, aux déesses grecques virginales : comment l’art occidental a été le relai de cet idéal, à la fois comme support moral et reflet de fantasmes masculins ?
Quelles sont les différentes images de la femme ?
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Toutes ces œuvres peuvent être retrouvées dans la base de données du musée via ce lien : https://www.augustins.org/fr/search?onlyHasImage=true&p=1
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Crédits : Ce podcast est réalisé par l'équipe du musée des Augustins, Toulouse.

* À l'écriture et aux micros : Isabelle Balon-Barberis et Marthe Pierot
* Montage : Rémi Roig
* Coordination : Ghislaine Gemin

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Podcast, un artiste en son temps : Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879)

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Podcast, un artiste en son temps : Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879)

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Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme.

Thème récurrent dans l'art, son image est partout. La figure féminine endosse une multitude de statuts au service des œuvres : muse, allégorie, elle est souvent une représentation fantasmée, érotisée, idéalisée.
Modèles aux multiples fonctions sociales, elles sont tour à tour l'incarnation de la sensualité ou de la maternité, du vice ou de la vertu. Une image qui n'a pas de demi-mesure
De la vierge Marie aux saintes, en passant par les très jeunes filles façon " oies blanches " du 19e siècle, aux déesses grecques virginales : comment l'art occidental a été le relai de cet idéal, à la fois comme support moral et reflet de fantasmes masculins ?
Quelles sont les différentes images de la femme ?

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Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme. Thème récurrent dans l'art, son image est partout. La figure féminine endosse une multitude de statuts au service des œuvres : muse, allégorie, elle est souvent une représentation fantasmée, érotisée, idéalisée.Modèles aux multiples fonctions sociales, elles sont tour à tour l'incarnation de la sensualité ou de la maternité, du vice ou de la vertu.

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Les Lycéens mirapiciens en visite au musée Ingres Bourdelle de Montauban et à l'abbaye de Moissac

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Les Lycéens mirapiciens en visite au musée Ingres Bourdelle de Montauban et à l'abbaye de Moissac

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10-10-2024, journée fédératrice pour nos lycéens Histoire des Arts du lycée de Mirepoix dans deux villes Montauban et Moissac. Ces deux villes ont été labellisées Ville d'Art et d'Histoire en 2009 et 2012 pour leurs richesses patrimoniales. En matinée, les élèves ont pu découvrir plusieurs expositions temporaires au musée Ingres Bourdelle : une portant sur Ingres Delacroix, objets d'artistes et l'exposition de Jean Michel Othoniel. Les élèves HIDA du lycée Michelet de Montauban grâce à leurs enseignants ont présenté des œuvres de différentes époques aux élèves de Mirepoix. Exemples : Louis Lamothe, influencé par Ingres - L'origine du dessin, 1865/Joséphine Calamatta, 1845, Sainte Cécile - née Anne Joséphine Cécile Raoul-Rochette à Paris le 1er mars 1817, élève d’Ingres peintre graveuse Les élèves du Lycée Michelet présentent l'affiche du collectif de femmes artistes crée à New York en 1985. Elles appuient leur discours engagé sur une image célèbre : La Grande Odalisque d'Ingres, affublée de leur masque de gorille. Femme féminité féminisme une thématique au bac. L'après midi le groupe était attendu à l'abbaye de Moissac. Une belle journée de découvertes patrimoniales !

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Les élèves mirapiciens en visite au musée Ingres Bourdelle de Montauban et à l'abbaye de Moissac

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Master-class autour du cinéma d'animation 14 mai (2nde option HIDA) et 27 septembre 2024 (1ère EDS HIDA) - Lycée de Mirepoix - 1ère journée pour les 2nde HIDA : Initiation à la réalisation de la bande annonce d'animation pour le festival "Cinéma d'ici" 2024 de Castelnaudary avec Denys Clabaut organisateur du festival "Cinéma d'Ici" et Guillaume Hoenig réalisateur. - 2ème journée pour les 1ères HIDA et les élèves de 3 établissements de l'Aude au festival "CINEMA D'ICI" de Castelnaudary. Visionnage, atelier et rencontre avec des professionnels du cinéma. Les élèves ont eu la surprise de rencontrer Julie Gayet, productrice, réalisatrice et comédienne engagée. Florence Miailhe récompensée de nombreux prix explique son travail d'artiste réalisatrice de films d’animation avec une démonstration à partir de son film La Traversée et de son court métrage Papillon

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Eduscol : Femmes, féminité, féminisme : au carrefour des pratiques, des revendications et des civilisations

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Eduscol : Femmes, féminité, féminisme : au carrefour des pratiques, des revendications et des civilisations

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éduscol | Ministère de l'Éducation nationale et de la Jeunesse - Direction générale de l'enseignement scolaire

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De nombreuses ressources muséales et pédagogiques permettent d' envisager la femme comme objet de représentation et d' aborder la réappropriation de l'art par les femmes comme vecteur d'émancipation.

Comment ancrer une culture de l'égalité entre les filles et les garçons au sein de l'enseignement d'histoire des arts ? L'exposition virtuelle Les femmes artistes sortent de leurs réserves, publiée sur le site du ministère de la Culture en 2019, reste la ressource la plus complète pour aborder le thème en classe avec les élèves. Elle se décline en cinq entrées : chronologie, milieu artistique, statut, affirmation, icônes. Un dossier numérique Femmes artistes de la BnF complète utilement cette exposition.

Plusieurs musées mettent à disposition des parcours sur le thème des femmes artistes conçus à partir de leurs collections permanentes. Le musée des Beaux-Arts de Bordeaux propose un parcours intitulé L'art au prisme des inégalités hommes-femmes, accessible dès l'école primaire résultat d'un travail partenarial avec l'académie de Bordeaux. Le musée des Beaux-Arts de Lyon met en ligne une exposition virtuelle consacrée à leur représentation. Le musée des Beaux-Arts de Nantes a publié un dossier pédagogique Où sont les femmes ?. Un parcours Femmes, arts et pouvoir au musée d'Orsay interroge le rôle des femmes de 1848 à 1914. Une fresque interactiveElles@CentrePompidou conçue par l'INA et le Centre Pompidou questionne les démarches créatrices des femmes artistes au XX e siècle.

En complément, la base Joconde propose une recherche par nom d'auteurs femmes et le site AWARE indexe une riche information sur les femmes artistes ou les artistes féminines du XX e siècle par ordre alphabétique d'artistes.

Plusieurs scénarios pédagogiques publiés dans Édubase abordent également cette question :

Enfin, des ressources d'accompagnement sur éduscol proposent des pistes de réflexion :

pour le lycée, dans le cadre l'enseignement de spécialité histoire des arts, en classe de première, une analyse de Maman de Louise Bourgeois.

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Femmes, féminité, féminisme : au carrefour des pratiques, des revendications et des civilisations

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Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme

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Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme

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hème récurrent dans l’art, la figure féminine endosse une multitude de statuts au service des œuvres ; muse, image ou symbole, elle est souvent une représentation fantasmée, érotisée, idéalisée et qui peut servir de modèle aux multiples fonctions sociales, tour à tour incarnation de la sensualité, de la maternité, des figures allégoriques liées au sacré, à la dimension politique ou aux vertus.

Cette hyper présence comme sujet ne parvient cependant pas à masquer la relative invisibilité des femmes comme créatrices, alors même que le geste artistique féminin est attesté depuis l’Antiquité. Ancrée dans une approche transhistorique, attentive aux évolutions récentes du contexte social, politique et culturel désormais largement soucieux d’équité et d’égalité, cette question permet de jeter un regard nouveau sur ces créatrices trop souvent restées dans l’ombre d’artistes masculins, voire anonymisées ; rares sont les noms de femmes qui ont traversé les siècles, trop souvent accolés à celui d’un maître, d’un époux, d’un employeur, d’un condisciple masculin.

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Thème récurrent dans l'art, la figure féminine endosse une multitude de statuts au service des œuvres ; muse, image ou symbole, elle est souvent une représentation fantasmée, érotisée, idéalisée et qui peut servir de modèle aux multiples fonctions sociales, tour à tour incarnation de la sensualité, de la maternité, des figures allégoriques liées au sacré, à la dimension politique ou aux vertus.

Cette hyper présence comme sujet ne parvient cependant pas à masquer la relative invisibilité des femmes comme créatrices, alors même que le geste artistique féminin est attesté depuis l'Antiquité. Ancrée dans une approche transhistorique, attentive aux évolutions récentes du contexte social, politique et culturel désormais largement soucieux d'équité et d'égalité, cette question permet de jeter un regard nouveau sur ces créatrices trop souvent restées dans l'ombre d'artistes masculins, voire anonymisées ; rares sont les noms de femmes qui ont traversé les siècles, trop souvent accolés à celui d'un maître, d'un époux, d'un employeur, d'un condisciple masculin.

De la même manière, cette question doit permettre de restituer la richesse des présences féminines dans le domaine des arts, y compris dans leur contribution à la connaissance, la diffusion et la préservation, comme collectionneuses, mécènes, érudites, historiennes, théoriciennes ou conservatrices. En appui sur certaines démarches émancipatrices, elle interroge enfin la revendication d'une place pour les femmes dans les arts, dans des démarches volontaristes liées notamment, pour les décennies les plus récentes, aux combats féministes.

Entre Fridomanie ou Fridophilie : quelle place pour la Fridosceptie ? C'est avec un coup de marteau et un chèque de 34,9 millions de dollars que Frida Kahlo revient à la une des journaux en devenant l'artiste qui a vendu le tableau le plus valorisé de l'art latino-américain, Diego et moi, mis aux enchères par Sotheby's le 16 novembre à New York.

L'ancien record était jusque-là détenu par son mari Diego Rivera, pour Los Rivales, vendu à 9,76 millions de dollars chez Christie's en 2018. Avant cela, un autre tableau d'elle, Deux nus dans la forêt (La Terre même), s'était déjà vendu 8 millions de dollars dans la même maison d'enchères. Cependant, quelle serait la proportion de ces enchères par rapport à la prédominance agressive - et certainement incalculable, en raison de son caractère informel - d'un marketing construit sur son image ? Joséphine Baker (1906-1975), une artiste engagée. Que sa trajectoire soit hors norme ne fait effectivement aucun doute : Née dans la misère, elle devient une diva adulée avant de se lancer dans l'aventure de la Résistance, pour créer dans la dernière partie de sa vie un lieu utopique, le château des Milandes, où des enfants de toutes les couleurs pourraient vivre en harmonie.

Mais hors norme, exotique, originale, ce sont aussi les mots utilisés pour mépriser cette artiste affublée, sur scène, de costumes censés rappeler "l'animalité" qu'on a longtemps vu chez cette danseuse noire. L'histoire de Joséphine Baker est marquée par la situation de l'esclavage aux États-Unis. Elle est née en 1906 dans le Missouri. Sa mère était une métisse indienne et noire alors que son père était d'origine espagnole. Raconter l'histoire de Joséphine Baker, c'est donc parler des ambivalences à son égard, de la manière qu'on a eu de la placer toujours à part : Soit tout en bas, soit tout en haut.

5 artistes engagés dans la Seconde Guerre mondiale. Comment décide-t-on de passer des scènes de cabaret ou des plateaux de cinéma au champ de bataille ?

De la vie mondaine et des feux de la rampe à la clandestinité et à la lutte armée ? Comment Joséphine Baker est-elle devenue un agent de renseignement pour l'état-major du général de Gaulle ? Comment un couple de femmes artistes en vient-il à imprimer des tracts de propagande pour démoraliser l'occupant allemand ? Sous le régime collaborationniste de Vichy, dans une France vaincue et occupée par les armées d'Hitler, de quelle façon les artistes ont-ils manifesté l'appel à la lutte et à la résistance ? Opéra baroque : Opéra des Lumières, de A à Z : Les héroïnes d'opéra ou la défaite des femmes ? Où sont les femmes ? Parcours thématique : Femmes - Musée des Beaux-Arts de Lyon. L'art au prisme des inégalités femmes-hommes. Dictionnaire universel des créatrices.

Des créatrices de tous les continents, de toutes les époques et dans tous les domaines de l'activité humaine sont recensées dans le Dictionnaire universel des créatrices, qui est désormais disponible en accès illimité, sur place et à distance, dans les ressources électroniques de la BnF.

Ce dictionnaire encyclopédique, qui contribue à la mise en valeur du " matrimoine culturel mondial ", permet de mieux connaître ou de découvrir les femmes créatrices en documentant leur vie et leurs œuvres. Il contient non seulement des notices biographiques avec références bibliographiques mais aussi des articles encyclopédiques, par exemple #metoo. À ce jour, la ressource propose plus de 12 000 entrées et bénéficie régulièrement de mises à jour. Femmes artistes - série de podcasts à écouter - France Culture. Avec nos partenaires, nous traitons vos données pour les finalités suivantes : le fonctionnement du site, la mesure d'audience et web analyse, la personnalisation, la publicité et le ciblage, les publicités et contenus personnalisés, la mesure de performance des publicités et du contenu, le développement de produit, l'activation des fonctionnalités des réseaux sociaux.

Vos préférences seront conservées pendant une durée de 6 mois. Meret Oppenheim Mon exposition dossier de l'exposition Kunst Museum Berne. Femmes artistes. En art, les femmes ont toujours eu leur rôle à jouer, en étant muses ou modèles, protectrices et mécènes, commanditaires et collectionneuses ou amatrices éclairées.

En revanche, jusqu'aux années 1960, il leur a été difficile de revendiquer avec force une place légitime en tant qu'artistes, au même titre que les hommes. Depuis quelques décennies, les femmes artistes sont davantage mises à l'honneur dans les institutions culturelles, notamment dans les musées. La formation académique de Louise Bourgeois : Paris-New York. Visite exclusive de l'exposition Dora Maar. She-Bam Pow Pop Wizz ! Les Amazones du Pop. Une exposition-événement pour les 30 ans du MAMAC Au début des années 1960, des héroïnes de papier sortent des cases pour explorer un monde interdit.

Elles ont pour noms Barbarella, Jodelle, Pravda la Survireuse... Elles sont libres, puissantes et sensuelles telles des amazones. Nées d'une culture adolescente, elles incarnent un nouvel idéal qui impulsera une révolution des mœurs sans précédent. À côté de ces représentations de papier, d'autres héroïnes, bien réelles, participent à l'invention d'un langage artistique nouveau - sans doute le plus populaire de la seconde moitié du XXème siècle : le POP.

Leurs œuvres, à l'image des bandes dessinées, regorgent de couleurs arc-en-ciel et vibrantes. Fiche pedagogique She Bam Pow Pop Wizz FR derniere version. Conférence inaugurale de l'exposition "Berthe Morisot (1841-1895)" Visite exclusive de l'exposition "Elles font l'abstraction" Visite exclusive de l'exposition Georgia O'Keeffe. Women Artists. Elles@centrepompidou. The Power of My Hands. The Power of My Hands rend compte de la capacité des artistes à aborder, à partir de leurs histoires personnelles, les questions sociales qui déterminent la condition féminine.

A travers les thématiques du corps, de la sexualité, de la représentation de soi, de la maternité, des croyances, l'exposition interroge comment la question de l'intime chez la femme noire révèle des non-dits et manifeste son rapport au monde. Elle propose une réflexion où s'entremêlent les notions de mémoire, de famille, de spiritualité et d'imagination. Les créations présentées - peinture, poterie, photographie, vidéo, performance, broderie etc. - célèbrent l'énergie émancipatrice du " pouvoir de leurs mains ". Même si certaines de ces artistes ne revendiquent pas d'engagement féministe ou politique radical, les œuvres permettent de partager des expériences individuelles porteuses d'une revendication collective et universelle, résonnant comme un écho au célèbre slogan des années 1970 " personal is political ". Peintres femmes, 1780 - 1830. Le Musée du Luxembourg est prêt à vous accueillir pour l'exposition Peintres femmes. Naissance d'un combat dès que la situation sanitaire le permettra.

On croit volontiers qu'après la gloire d'Elisabeth Vigée Le Brun liée à l'Ancien Régime, il faut attendre la deuxième moitié du XIXe siècle pour trouver des peintres femmes aussi remarquables. Pourtant, c'est entre 1780 et 1830, que le combat de ces dernières a trouvé ses racines : le droit à la formation, la professionnalisation, une existence publique et une place sur le marché de l'art.

Les artistes femmes présentées au Musée du Luxembourg à l'occasion de cette exposition furent tant les actrices de ces changements sociaux que des mutations de l'art du XIXe siècle. Commissariat : Martine Lacas, Docteur en histoire et théorie de l'artScénographie : Loretta Gaïtis, architecte scénographe et Irène Charrat, scénographe. Pas froid aux yeux. Vera Molnar - Musée des beaux arts de Rennes.

Pas froid aux yeux.

Vera Molnar Du 9 octobre au 2 janvier Le Musée des beaux-arts de Rennes organise à l'automne 2021 une importante exposition monographique consacrée à Vera Molnar et réalisée en partenariat avec l'Espace de l'art concret de Mouans-Sartoux, l'année des 97 ans de l'artiste. Pas froid aux yeux : ce titre, lancé à la cantonade comme un défi au temps et à la vie, est celui que Vera Molnar a choisi pour nommer les deux expositions qu'elle présente successivement à l'Espace de l'Art Concret et au musée des beaux-arts de Rennes.

Ce projet d'exposition est une première collaboration entre ces deux institutions culturelles françaises qui ont comme point commun une vraie spécialité dans le domaine de l'art abstrait après 1945 et de l'art concret en particulier. Artistes Femmes, à la force du pinceau. Carte blanche à Anne Imhof, Natures Mortes. Après avoir assiégé le pavillon allemand avec son exposition et performance Faust, récompensée par le Lion d'or à la Biennale de Venise en 2017, Anne Imhof prend possession de l'ensemble du Palais de Tokyo pour composer une oeuvre totale et polyphonique.

Elle y fait fusionner l'espace et les corps, la musique et la peinture, ses oeuvres et celles de ses complices dont l'artiste plasticienne et compositrice Eliza Douglas, et de la trentaine d'artistes invités. ▶ Découvrez Natures Mortes en ligne Formée à la Hochschule für Bildende Künste-Städelschule à Francfort, l'une des plus prestigieuses écoles d'art en Allemagne, et immergée dans la scène musicale et nocturne de la ville, l'artiste s'est imposée en une dizaine d'années comme une fi gure majeure de l'art contemporain au travers d'une oeuvre radicale. Hantée par la peinture, le cycle fugace de la vie et les défl agrations du temps présent, elle y compose ses Natures mortes, memento mori de l'ici et maintenant.

Musique : Eliza Douglas. Anni et Josef Albers. Au-delà de la présentation très complète de leurs créations respectives, il s'agit de la première exposition en France dédiée au couple formé par les deux artistes. C'est en effet ce lien intime et très complice qui leur a permis, tout au long de leur vie, de se soutenir, de se renforcer mutuellement, dans un dialogue permanent et respectueux. Ils ont non seulement produit une œuvre considérée aujourd'hui comme la base du modernisme, mais ont aussi imprégné toute une nouvelle génération d'artistes de leurs valeurs éducatives. Georgia O'Keeffe. Cette exceptionnelle réunion d'œuvres a été rendue possible grâce au soutien des principales collections privées et publiques internationales, principalement nord-américaines : Musée Georgia O'Keeffe de Santa Fe, MoMA, Metropolitan Museum de New York, Whitney Museum of American art, Art Institute de Chicago, Musée Thyssen-Bornemisza de Madrid... Le parcours de l'exposition, délibérément fluide et ouvert, déroule chronologiquement la trajectoire artistique de Georgia O'Keeffe ; des premiers vertiges " cosmiques " que lui inspire l'immensité des plaines texanes en 1910, aux métropoles et aux paysages ruraux de l'État de New York des années 1920-1930, jusqu'au Nouveau Mexique, où elle s'établie définitivement après la Seconde Guerre mondiale.

Lieu déterminant dans la carrière artistique de Georgia O'Keeffe, l'exposition s'ouvre sur un espace consacré à la Galerie 291. Georgia O'Keeffe - Une artiste au Far West - Regarder le documentaire complet. Ahlam Jarban, réfugiée yéménite : "J'ai été la première femme à faire des graffitis au Yémen" C'est un pays dont les médias parlent peu et pourtant, il traverse, d'après l'ONU, "la pire crise humanitaire au monde". 80% de la population, soit plus de 24 millions de personnes, a besoin d'aide ou de protection, plus de 130 000 personnes ont été tuées depuis le début du conflit en 2014 et 3,3 millions déplacées. Selon l'ONU, 50 000 personnes meurent de faim dans des conditions proches de la famille et 400 000 enfants de moins de 5 ans pourraient mourir de malnutrition aiguë. Ahlam Jarban est une graffeuse yéménite. Niki de Saint Phalle : "J'ai décidé très tôt d'être une héroïne. L'important était que ce fût difficile, grand, excitant !"

Tout le monde connaît les "Nanas", ces femmes puissantes, joyeuses, débridées, multicolores. On les doit à Niki de Saint Phalle, créatrice radicale et avant-gardiste décédée en 2002 à 72 ans. Mais son œuvre ne se résume pas à ses sculptures monumentales. Il est temps de découvrir ou redécouvrir ses "tirs" sur des panneaux où sont fixés des objets symboliques et des sacs de couleurs, le tout recouvert de plâtre blanc qu'elle fait exploser à l'aide d'un 22 long rifle. Marie Laurencin : "J'ai passé les concours de l'école des Beaux-Arts, heureusement j'ai toujours été refusée" - Ép. 5/12 - La Nuit rêvée d'Anne de Lacretelle. Politique muséale - "Dans un sens, c'est être féministe, oui" DONNE, LES FEMMES EN MUSIQUE. Héloïse Luzzati : " Le public et les programmateurs sont prêts ". - Présence compositrices. DIVAS. Listen to songs, albums, playlists for free. " Vase de spagyrie ", pièce acousmatique de Julia Hanadi Al Abed (1/5)

Meredith Monk. Conservatoire national supérieur de musique et de danse de Paris. Rencontres FFM. Here We Are! Women in Design 1900 - Today. Ces pionnières de l'art et du design dont les œuvres s'arrachent aujourd'hui sur le marché. Gae Aulenti, architecte et designeuse surdouée. Architecture and Design. Constance Guisset. Andrée Putman - Studio Putman. Portraits de femmes artistes : Danielle Quarante. Musée du Luxembourg. Un ouvrage encyclopédique réhabilite 300 femmes photographes. Genre, réseaux, mode... le point sur la situation des femmes photographes. Qui a peur des femmes photographes ? 1839 à 1945 - 2015-10-14. Qui a peur des femmes photographes ? 1919-1945. Conférence inaugurale : Qui a peur des femmes photographes ? Femmes artistes : Tamara de Lempicka - Musée d'arts de Nantes. Femmes artistes : Sonia Delaunay - Musée d'arts de Nantes.

Femmes artistes : Suzanne Valadon - Musée d'arts de Nantes. Femmes artistes : Marie-Geneviève Bouliard - Musée d'arts de Nantes. Femmes artistes : Joan Mitchell - Musée d'arts de Nantes. La place des femmes dans l'art. Elles font les avant-gardes (1910 - 1930) Le tournant féministe (1960 - 1970) Troubles dans les genres (1980 à nos jours) ORLAN : Le Baiser de l'artiste. Zanele Muholi : Faces and Phases. ♀️ Françoise Héritier. FEMMES AU LOUVRE - Violaine Jeammet. FEMMES AU LOUVRE - Dominique de Font-Réaulx. FEMMES AU LOUVRE - Stéphanie Deschamps-Tan.

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Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme

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Thème récurrent dans l'art, la figure féminine endosse une multitude de statuts au service des œuvres ; muse, image ou symbole, elle est souvent une représentation fantasmée, érotisée, idéalisée et qui peut servir de modèle aux multiples fonctions sociales, tour à tour incarnation de la sensualité, de la maternité, des figures allégoriques liées au sacré, à la dimension politique ou aux vertus.Cette hyper présence comme sujet ne parvient cependant pas à masquer la relative invisibilité des femmes comme créatrices, alors même que le geste artistique féminin est attesté depuis l'Antiquité.

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Origines, restauration de Viollet-le-Duc et enjeux contemporains Anne Amsallem de l’académie de Poitiers

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 Dossier de presse Novembre 2023, Paris de la modernité (PDF de 4.8 Mo)
Source : le Petit Palais

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Arts, ville, politique et société : Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle

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Arts, ville, politique et société : Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle

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Berceau de multiples avant-gardes, de courants artistiques, Paris s’est affirmée, tout au long de la première moitié du XXe siècle, comme la capitale des arts. Avant que ne s’opère au milieu du siècle le basculement qui, comme l’écrit Harold Rosenberg dans son article sur la chute de Paris[1], « ferma le laboratoire du XXe siècle », la capitale française devient le point de convergence des artistes du monde entier, attirés par une nouvelle dynamique créative alliée à de nouvelles formes d’expression et d’existence « bohème ». Les rapprochements entre acteurs clés du mouvement moderne et les artistes venus d’autres pays contribuent, autant qu’ils en sont la conséquence, à la vitalité et à la fertilité de la création artistique. Reste à en analyser les raisons esthétiques, matérielles et politiques.

Cette position centrale de Paris s’observe tout autant dans les différents champs de la création (la peinture, la sculpture, la photographie, l’architecture ; la musique, la danse, les lettres, la mode, etc.), dans l’activité du marché de l’art (et des galeries), que dans l’inscription de la vie artistique dans la géographie de Paris. Les déplacements des foyers de création d’un quartier de la ville à l’autre laissent des traces dans la vie des cafés, cabarets, galeries, ateliers, académies que fréquentent les artistes. Cette question du programme limitatif appelle donc à envisager la vie artistique parisienne, entre création, histoire sociale et contingences politiques des arts.

S’il est vain de fixer arbitrairement les événements ou les dates qui ouvriraient et clôtureraient cette période, il peut en revanche s’avérer particulièrement stimulant d’interroger les éléments de contexte, d’identifier les dynamiques, y compris en termes de politiques culturelles, qui ont favorisé l’émergence de Paris comme capitale des arts, et ce qui a pu conduire à son déclin au milieu du XXe siècle au profit d’autres foyers, notamment américains.

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Berceau de multiples avant-gardes, de courants artistiques, Paris s'est affirmée, tout au long de la première moitié du XXe siècle, comme la capitale des arts.

Avant que ne s'opère au milieu du siècle le basculement qui, comme l'écrit Harold Rosenberg dans son article sur la chute de Paris[1], " ferma le laboratoire du XXe siècle ", la capitale française devient le point de convergence des artistes du monde entier, attirés par une nouvelle dynamique créative alliée à de nouvelles formes d'expression et d'existence " bohème ". Les rapprochements entre acteurs clés du mouvement moderne et les artistes venus d'autres pays contribuent, autant qu'ils en sont la conséquence, à la vitalité et à la fertilité de la création artistique. Reste à en analyser les raisons esthétiques, matérielles et politiques.

Cette position centrale de Paris s'observe tout autant dans les différents champs de la création (la peinture, la sculpture, la photographie, l'architecture ; la musique, la danse, les lettres, la mode, etc.), dans l'activité du marché de l'art (et des galeries), que dans l'inscription de la vie artistique dans la géographie de Paris.

Les déplacements des foyers de création d'un quartier de la ville à l'autre laissent des traces dans la vie des cafés, cabarets, galeries, ateliers, académies que fréquentent les artistes. Cette question du programme limitatif appelle donc à envisager la vie artistique parisienne, entre création, histoire sociale et contingences politiques des arts.

S'il est vain de fixer arbitrairement les événements ou les dates qui ouvriraient et clôtureraient cette période, il peut en revanche s'avérer particulièrement stimulant d'interroger les éléments de contexte, d'identifier les dynamiques, y compris en termes de politiques culturelles, qui ont favorisé l'émergence de Paris comme capitale des arts, et ce qui a pu conduire à son déclin au milieu du XXe siècle au profit d'autres foyers, notamment américains.

Paris Musées. Musée de Montmartre - Paris 18e. Musée d'Art Moderne. Association des Amis du musée des années 30. Cinéma et vie artistique dans le Paris de l'entre-deux guerres. 1900 | Petit Palais. L'exposition " PARIS 1900, LA VILLE SPECTACLE " invite le public à revivre les heures fastes de la capitale française au moment où elle accueille l'Exposition Universelle qui inaugure en fanfare le 20e siècle. Plus que jamais la ville rayonne aux yeux du monde entier comme la cité du luxe et de l'art de vivre. Plus de 600 oeuvres - peintures, objets d'art, costumes, affiches, photographies, films, meubles, bijoux, sculptures... - plongeront les visiteurs du Petit Palais dans le Paris de la Belle Epoque.

Les innovations techniques, l'effervescence culturelle, l'élégance de la Parisienne seront mis en scène comme autant de mythologies de ce Paris dont la littérature et le cinéma n'ont cessé depuis de véhiculer l'image dans le monde entier. Dans une scénographie inventive intégrant le tout nouveau cinématographe au fil du parcours, le visiteur est convié à un voyage semblable à celui des 51 millions de touristes qui affluèrent à Paris en 1900. Audioguide de l'exposition: 5 euros. Paris 1900 - dossier de presse. Le Paris de la modernité | Petit Palais. Après " Paris Romantique (1815-1858) " et " Paris 1900, la Ville spectacle ", le Petit Palais consacre le dernier volet de sa trilogie au " (Le) Paris de la modernité (1905-1925) ".

De la Belle Époque jusqu'aux années folles, Paris continue plus que jamais d'attirer les artistes du monde entier. La Ville-Monde est à la fois une capitale au cœur de l'innovation et le foyer d'un formidable rayonnement culturel. Le parcours présente près de 400 œuvres de Robert Delaunay, Sonia Delaunay, Marcel Duchamp, Marie Laurencin, Fernand Léger, Tamara de Lempicka, Amedeo Modigliani, Chana Orloff, Pablo Picasso, Marie Vassilieff et tant d'autres.

L'exposition montre également des tenues de Paul Poiret, de Jeanne Lanvin, des bijoux de la maison Cartier, un avion du musée de l'Air et de l'Espace du Bourget et même une voiture prêtée par le musée national de l'automobile à Mulhouse. Après la guerre, la galerie Au Sans Pareil, avenue Kléber, s'ouvre à Dada et au Surréalisme. Commissariat : Commissariat : Le Paris de la modernité dossier de presse. Paris : Capitale des Arts, 1900-1968. Quatre quartiers de Paris -Montmartre, Montparnasse, Saint-Germain-des-Prés et le Quartier Latin ont été au cœur d'une activité artistique intense à plusieurs moments cruciaux.

De 1900 à la fin de la Ie Guerre Mondiale, c'est Montmartre qui accueille l'avant-garde. Dans les années 20 et 30, Montparnasse devient à la fois le centre des artistes novateurs et le théâtre d'une brillante vie sociale. Pendant les austères années de la guerre, les cafés de Saint-Germain-des-Prés occupent à leur tour le devant de la scène.

Quant aux années 60, années d'expérimentation et d'engagement politico-artistique, elles culmineront avec les évènements de Mai 68 au Quartier Latin. Amedeo ModiglianiLe Grand Nu, ca. 1919 Huile sur toile 72,4 x 116,5 cm. Museum of Modern Art, New York Mrs Simon Guggenheim Fund, 1950. CHANA ORLOFF. SCULPTER L'EPOQUE | Musée Zadkine | Un atelier-musée. Chana Orloff sculpter l'époque communiqué de presse. OSSIP ZADKINE. UNE VIE D'ATELIERS | Musée Zadkine | Un atelier-musée. Marc Vaux © Adagp, Paris 2022 Le sculpteur Ossip Zadkine et la peintre Valentine Prax, son épouse, ont passé ensemble presque quarante ans, de 1928 à 1967, dans la maison, les ateliers et le jardin de la rue d'Assas.

Quarante ans, c'est justement l'âge que célèbre cette année le musée Zadkine, qui a ouvert en 1982 en ce même lieu, grâce aux legs de Valentine Prax. Pour célébrer cet anniversaire, le musée présente l'exposition Ossip Zadkine. Une vie d'ateliers qui entraîne le visiteur au cœur de l'atelier des deux artistes. Pendant quarante ans, les murs et les arbres de cette demeure ont été témoins du quotidien et de la création du couple d'artistes.

À la fois lieu physique et espace mental, autant nid, abri que poste d'observation, ce foyer-atelier se déploie comme habitacle des œuvres. L'exposition Ossip Zadkine, La Maison-atelier est l'occasion de révéler une partie de ces précieux témoignages et ainsi d'offrir au public une évocation incarnée de l'atelier des deux artistes. 2. 3. GABRIELLE CHANEL. MANIFESTE DE MODE | Palais Galliera | Musée de la mode de la Ville de Paris. {Gauche} Robe, automne-hiver 1964-1965 ; Paris, Palais Galliera / {Droite} Robe, printemps-été 1959 ; Paris, Patrimoine de CHANEL - © Julien T. Hamon À la faveur de sa réouverture après des travaux d'extension, le Palais Galliera, musée de la Mode de la Ville de Paris, présente la première rétrospective en France d'une couturière hors normes : Gabrielle Chanel (1883-1971).

Dans ces années où Paul Poiret domine la mode féminine, Gabrielle Chanel, va dès 1912, à Deauville, puis à Biarritz et Paris, révolutionner le monde de la couture, imprimer sur le corps de ses contemporaines un véritable manifeste de mode. Chronologique, la première partie évoque ses débuts avec quelques pièces emblématiques dont la fameuse marinière en jersey de 1916 ; elle invite à suivre l'évolution du style de Chanel à l'allure chic : des petites robes noires et modèles sport des Années folles jusqu'aux robes sophistiquées des années 30. Gabrielle Chanel. Informations pratiques Tarifs: Billetterie: Accès billetterie.

Jeanne Lanvin | Palais Galliera | Musée de la mode de la Ville de Paris. Sonia Delaunay. Le parcours chronologique, largement documenté, illustre la richesse et la singularité de l'œuvre de Sonia Delaunay marquée par un dialogue soutenu entre les arts. L'ensemble des œuvres choisies révèle une approche personnelle de la couleur, réminiscence de son enfance russe et de son apprentissage de la peinture en Allemagne.

SONIA DELAUNAY Tandis que Robert Delaunay conceptualise l'abstraction comme un langage universel, Sonia Delaunay l'expérimente sur les supports les plus variés (tableaux, projets d'affiches, vêtements, reliures, objets domestiques) et crée à quatre mains avec le poète Blaise Cendrars La Prose du Transsibérien et de la Petite Jehanne de France. Durant la Grande Guerre, son passage en Espagne et au Portugal coïncide avec un premier développement de ses activités dans les domaines du théâtre et de la mode qu'elle commercialise à Madrid dès 1918, puis à son retour à Paris dans les années 1920. Avec le soutien de : Sonia Delaunay - dossier de presse. Gertrude Stein et Pablo Picasso | Musée du Luxembourg. Dossier pedagogique stein picasso. Gertrude Stein et Pablo Picasso | Musée du Luxembourg. Fondation Giacometti - Accueil.

F.Leger - Musée Léger. Fernand Léger - Musées nationaux des Alpes maritimes. Picasso - Musées nationaux des Alpes maritimes. Musée Matisse, Le Cateau-Cambrésis. Musée Zadkine | Un atelier-musée.

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Arts, ville, politique et société : Paris, capitale des arts, première moitié du XXe siècle

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Berceau de multiples avant-gardes, de courants artistiques, Paris s'est affirmée, tout au long de la première moitié du XXe siècle, comme la capitale des arts.

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Ressources Histoire des arts - Pearltrees

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Ressources Histoire des arts - Pearltrees

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L'espace Pearltrees Histoire des arts présente des ressources pour enseigner les programmes de cet enseignement.

En illustration : Pierre Tal-Coat, Amas coquillés, 1970, 130 x 130 cm, huile sur toile, collection particulière
le site officiel de Pierre Tal-Coat

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Ressources Histoire des arts - Pearltrees

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L'espace Pearltrees Histoire des arts présente des ressources pour enseigner les programmes de cet enseignement. En illustration : Pierre Tal-Coat, Amas coquillés, 1970, 130 x 130 cm, huile sur toile, collection particulière le site officiel de Pierre Tal-Coat

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Un artiste en son temps : Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879)

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Un artiste en son temps : Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879)

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L’incendie de Notre-Dame de Paris en 2019 et les débats sur la restauration de la flèche ont mis en lumière le rôle majeur d’Eugène Viollet-le-Duc (1814-1879) dans l’identité patrimoniale de la cathédrale. Si la postérité a essentiellement retenu son action de restaurateur de monuments médiévaux, l’œuvre de Viollet-le-Duc, protéiforme, excède cependant la seule intervention sur le bâti préexistant pour aborder le dessin, l’observation de la nature, celle de l’environnement et la création architecturale.

L’œuvre de Viollet-le-Duc s’inscrit pleinement dans son époque et dans les débats qui l’animent, dont celui sur l’émergence d’une conscience patrimoniale. Artiste prolixe, il combine une position administrative privilégiée pour traiter des questions de restauration monumentale avec une créativité qui s’exprime sur de nombreux monuments médiévaux en alliant le souci décoratif à l’essence architecturale.

Faisant œuvre de professeur et d’historien, Viollet-le-Duc contribue à la transmission et la pérennisation des connaissances. Artiste aux multiples talents, sa précocité, son audace et sa curiosité essaiment sur l’ensemble du territoire. La figure de cet érudit, qui évolue dans un XIXe siècle pétri de connaissances historiques, interroge et fascine l’histoire des arts pour ce qu’elle révèle de l’artiste en son temps.

Considéré comme le précurseur de l’architecture moderne par les uns, trop interventionniste pour les autres, Viollet-le-Duc ne laisse pas indifférent, près de cent cinquante ans après sa mort. L’étude de son œuvre permettra aux élèves de l’enseignement de spécialité d’interroger les grands enjeux des politiques patrimoniales, au premier rang desquelles les questions toujours vives de l’authenticité et de la pérennité inscrites au cœur du travail de restauration.

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Les élèves de 1ère HIDA du lycée de Mirepoix ont découvert via des podcasts les métiers liés à l'exposition et à la photographie : - la découverte des métiers : commissaire d’exposition, chargé.e de projet, médiateur.rice et régiseur.euse. - la découverte du secteur culturel, notamment par des apports concrets basés sur la structure de l'équipe du Bus Mobile Mélanie Mandouil. - la découverte des arts visuels avec « L’Oeil du Cyclope », un outil conçu par l’équipe du Bus. Les élèves ont participé à un jeu de rôle, par la création d'une équipe de centre d'art. De cet atelier d'intelligence collective, les groupes ont fait émerger leur problématique et ont apporté une réponse collective. Nos élèves ont eu une approche de l’image entre découverte artistique et réflexion citoyenne.

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Mémé dit : que l'héritage soit ! Et la transmission fut

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Mémé dit : que l'héritage soit ! Et la transmission fut

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Le projet en quelques mots… Travail en lien avec le thème de terminale HDA : femme, féminité féminisme Conditions et invisibilisation de la femme dans un contexte familial en donnant la parole à nos grands-mères Redonner la parole à des personnes qu’ils n’ont pas forcément connues, et comment peuvent-ils leur inventer une histoire. Travail d’écriture. L’idée est d’arriver avec un objet qui leur évoque cette personne. Merci à la Cie les Atlantes avec Cyrille Atlan( autrice, metteure en scène, marionnettiste) et Paule Atlan (psychologue et comédienne) et à MIMA Filentrope

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Mémé dit : que l'héritage soit ! Et la transmission fut

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2024- "Another dimension" - Un établissement une œuvre en partenariat avec le musée des Abattoirs

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2024- "Another dimension" - Un établissement une œuvre en partenariat avec le musée des Abattoirs

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Le photographe Gaël Bonnefon est venu pendant 4 séances ( mars-avril) rencontrer et travailler avec les élèves de Première EDS Histoire des arts. Dans un premier temps, Gaël Bonnefon a parlé de sa pratique et de son approche photographique autour d’un échange artistique. Dans un second temps, il a présenté de nombreuses références artistiques afin de déterminer les enjeux et les limites du projet. Puis, les élèves ont été amenés à concevoir une série d’images dans leur environnement quotidien et ont été invités à prendre un regard documentaire fictionnel sur le monde.

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Vidéo du Voyage d'étude Histoires des Arts Octobre 2023

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Vidéo du Voyage d'étude Histoires des Arts Octobre 2023

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Voyage d'étude du 18 au 20 octobre 2023 des Terminales HIDA de Mirepoix

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Historien de l'art, architecte des Monuments historiques, inspecteur général des Édifices diocésains, dessinateur, architecte, écrivain

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Historien de l'art, architecte des Monuments historiques, inspecteur général des Édifices diocésains, dessinateur, architecte, écrivain

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Auteur(s) de la notice : BARIDON Laurent

Profession ou activité principale

Historien de l'art, architecte des Monuments historiques, inspecteur général des Édifices diocésains, dessinateur, architecte, écrivain

Sujets d'étude
Histoire de l'architecture, histoire des arts décoratifs, histoire générale de l'art, art russe

Carrière
1834 : professeur suppléant de composition et d'ornement à la " petite école " de dessin (ancienne École royale gratuite de dessin, future École nationale supérieure des arts décoratifs) ; médaille au Salon
1838 : auditeur au Conseil des bâtiments civils et sous-inspecteur des travaux de l'hôtel des Archives du royaume
1840 : architecte chargé de la restauration de l'ancienne église abbatiale de Vézelay ; second inspecteur des travaux de la Sainte-Chapelle
1846 : chef du Bureau des monuments historiques
1848 : membre de la Commission des arts et édifices religieux
1849 : membre de la Commission supérieure de perfectionnement des Manufactures nationales de Sèvres, Gobelins et Beauvais
1853 : inspecteur général des Édifices diocésains
1857 : architecte des Édifices diocésains
1860 : membre de la Commission des monuments historiques
1863 : professeur d'histoire de l'art et d'esthétique à l'École des beaux-arts
1864 : démission du poste de professeur d'histoire de l'art et d'esthétique à l'École des beaux-arts
1874 : démission du poste d'inspecteur des Édifices diocésains

Étude critique

Si l'on considère qu'Eugène Viollet-le-Duc occupa la première chaire où figuraient explicitement les mots " histoire de l'art ", il fut, en France, un des fondateurs de cette discipline. En se basant sur ces mêmes critères institutionnels, il faut toutefois constater que sa carrière de " professeur d'histoire de l'art et d'esthétique " fut remarquablement brève, limitée à sept leçons par le chahut de son auditoire. Cet épisode fameux se déroula entre novembre 1863 et mars 1864, au sein de l'École des beaux-arts dont Viollet-le-Duc avait élaboré une ambitieuse réforme. Il n'y avait sans doute pas de relation directe entre la bruyante réaction des élèves et le contenu des cours professés car les protestataires voulaient marquer leur opposition à ce qui leur paraissait être une ingérence. Ce n'est en effet pas un faible paradoxe que le premier titulaire de cette chaire fondatrice ait été un élément extérieur à l'institution qui l'accueillait et même son ennemi déclaré. Viollet-le-Duc souhaitait pourtant faire œuvre utile en liant la connaissance de l'histoire à la création artistique. C'est cette même conception utilitaire de l'histoire de l'art qui caractérise l'ensemble de sa démarche intellectuelle. Elle visait à refonder une culture artistique nationale en phase avec la modernité naissante.

La bibliographie de Viollet-le-Duc se caractérise par une grande diversité. Son abondante production scientifique comptabilise près de cent trente références, en excluant les textes de diffusion, les billets dans la presse, les rapports pour les administrations patrimoniales et les multiples commissions dont il était membre. Sur ce total, moins de la moitié des textes concerne l'archéologie et l'histoire de l'art proprement dites. La majeure partie des autres publications est consacrée aux questions relatives à l'architecture de son temps, mais près d'un quart de la totalité relève d'autres sujets : géologie, fortifications, alpinisme, politique et société, etc. Parmi les textes d'archéologie et d'histoire de l'art, un cinquième traite d'autres périodes que le Moyen Âge. Enfin, parmi toutes les publications ayant trait à l'art, la diversité des sujets est remarquable, et si l'architecture occupe une place prépondérante, la sculpture, le décor, le mobilier, l'enseignement et les institutions artistiques sont bien représentés. Cette diversité est encore plus remarquable si l'on prend en compte les trois cent quarante-cinq références de sa bibliographie personnelle. Elle témoigne de l'héritage de ses prédécesseurs antiquaires, polygraphes prolixes qui ne craignaient pas d'aborder tous les sujets, des productions de l'homme à celles de la nature. Le catalogue de vente de sa bibliothèque, en partie héritée de son père, témoigne de ce qu'il se défiait des spécialités, tout en reconnaissant que les progrès de la science exigeaient l'abandon de l'encyclopédisme au profit d'un savoir positif. Il l'exerça d'abord sur le patrimoine monumental français du Moyen Âge avant d'élargir ses domaines d'études à la fin de sa vie.
Fonder l'histoire de l'art médiéval
Il est indéniable que les débuts de Viollet-le-Duc dans l'administration des Monuments historiques ont été grandement favorisés par son milieu familial. Son oncle Étienne-Jean Delécluze, ancien élève de Jacques-Louis David et critique d'art, joua un rôle déterminant dans sa formation intellectuelle. Son père, Emmanuel Viollet-le-Duc, était conservateur des résidences royales. Écrivain et bibliophile, il s'intéressait à l'histoire de la littérature. Par leurs relations avec Prosper Mérimée, l'un et l'autre sont à l'origine de la carrière de restaurateur de Viollet-le-Duc comme de son intérêt pour le Moyen Âge. Mais le rapide essor de sa carrière s'explique également par les contextes intellectuel et institutionnel généraux. La naissance de l'histoire de l'art est en effet étroitement liée à l'essor de l'archéologie médiévale. Si Aubin-Louis Millin dispensait à la Bibliothèque nationale de France des cours d'archéologie antique, repris successivement après 1820 par Antoine-Chrysostome Quatremère de Quincy, Désiré Raoul-Rochette et Ernest Beulé, l'archéologie médiévale y était professée plus irrégulièrement par Adolphe-Napoléon Didron. À Caen, en 1830, Arcisse de Caumont dispensait un cours d'antiquités monumentales, rapidement publié. Il s'y montrait soucieux de dépasser la méthode des antiquaires pour parvenir à la construction d'un discours historique. Viollet-le-Duc, de treize ans son cadet, vint à point nommé pour asseoir l'histoire de l'architecture médiévale sur les bases d'une connaissance directe des édifices non pas d'une région, mais de l'ensemble du patrimoine national. Il répondait aux conceptions politiques et culturelles de la Monarchie de Juillet et y participa bientôt pleinement en devenant le premier restaurateur des édifices classés par Prosper Mérimée. En l'accompagnant dans ses tournées d'inspecteur général des Monuments historiques et en s'intéressant à tous les aspects architecturaux et décoratifs de l'art médiéval, il acquit, dès 1840, une connaissance exceptionnelle de ce patrimoine. En 1846, alors qu'il venait d'être nommé chef de bureau des Monuments historiques, il entretint une polémique avec Désiré Raoul-Rochette, professeur d'archéologie antique à la Bibliothèque nationale, qui stigmatisait l'utilisation du " style gothique au XIXe siècle ". Viollet-le-Duc ne manqua pas cette occasion, non de défendre l'art troubadour ou le néo-gothique, mais l'art gothique lui-même dont il qualifiait les édifices de " vraiment nationaux ". Il proposait que " l'étude de l'archéologie [antique] ne devienne que ce qu'elle aurait toujours dû être, l'archéologie, et l'étude de l'architecture française du XIIIe siècle, l'art ". Il lui revenait dès lors d'en écrire l'histoire, en rompant avec les antiquaires et les " archéologues " de la Bibliothèque nationale de France, tous secrétaires perpétuels de l'Académie des beaux-arts.

En choisissant de consacrer deux dictionnaires " raisonnés " à l'architecture et au mobilier, Viollet-le-Duc renouait avec l'idéal encyclopédique de Denis Diderot et Jean Le Rond d'Alembert. Il entendait ainsi traiter de l'architecture dans son ensemble, décor et statuaire inclus. Son objectif était d'appréhender la civilisation française médiévale à travers tous les témoignages de ses productions et de son mode de vie, du vêtement au meuble en passant par les armures ou les ustensiles de cuisine. En voulant insérer l'art médiéval dans son contexte culturel général, il rejoignait ainsi " l'histoire globale " de Jules Michelet et les ambitions de la plupart des historiens romantiques français. Les titres de ses deux ouvrages indiquaient aussi une chronologie et un développement, " du XIe au XVIe siècle " pour le premier, " de l'époque carlovingienne à la Renaissance " pour le second. Or, la forme du dictionnaire semble en contradiction avec l'idée d'écrire l'histoire d'un processus historique, ce que Viollet-le-Duc a implicitement reconnu dans son introduction. Il y affirmait que, de la " décadence romaine à la Renaissance du XVIe siècle, il n'y a qu'une suite de transitions sans arrêts ". Cette conception s'opposait à celle qui présidait au Dictionnaire d'architecture de Quatremère de Quincy, publié entre 1788 et 1825 dans le cadre de L'Encyclopédie méthodique. Adhérant au projet éditorial et scientifique de son ami Charles-Louis-Joseph Panckoucke, le futur secrétaire perpétuel de l'Académie des beaux-arts coupait l'architecture des autres branches de l'arbre du savoir des encyclopédistes. Mais son principal objectif était de proposer une synthèse exhaustive sur une conception de l'architecture très largement héritée de l'antiquité grecque. Dans cette perspective, l'histoire était arrêtée et les innovations se voyaient condamnées par des principes esthétiques empruntant leur terminologie à la morale. Refonte de cet ouvrage, le Dictionnaire historique d'architecture de 1832, malgré son titre, participe de la même conception. Les dictionnaires de Viollet-le-Duc peuvent au contraire être considérés comme des ouvrages historiques, comme on en écrivait alors dans d'autres domaines. Il anticipait le Dictionnaire de la langue française d'Émile Littré de quelques années avec des visées positivistes comparables. À travers l'histoire de l'architecture, il s'agissait de faire celle d'une société et de sa culture. Dans l'introduction du Dictionnaire d'architecture, Viollet-le-Duc proclamait vouloir " rendre compte des transformations successives des arts de l'architecture [et] donner en même temps un aperçu de la civilisation dont cette architecture est comme l'enveloppe ".

Encyclopédies et lexiques, les deux dictionnaires recourent à l'histoire des mots pour faire celle des formes. L'étymologie permet de saisir l'origine des objets ou des éléments, ainsi que l'évolution des usages. Depuis le XVIIIe siècle, de nombreux historiens se référaient à la philologie pour élaborer un modèle d'approche du langage des formes. Mais Viollet-le-Duc voulait être plus précis en établissant de véritables relations chronologiques et géographiques entre le langage et les objets. Ainsi, par exemple, dans l'article " Profil " du Dictionnaire d'architecture, il compara la modénature d'un chapiteau à un mot dont les syllabes seraient les différentes moulures, et par voie de conséquence, l'ensemble du décor à une langue. Il envisageait d'étudier de parlers régionaux, dans leur évolution propre et, par leurs caractères communs, il voulait étudier l'histoire de ce langage des formes qui obéissait aux lois de la science philologique.

Si les dictionnaires ambitionnaient de mettre en œuvre un savoir positif débarrassé de tout pittoresque, il convient de relativiser la scientificité de la démarche adoptée. Les pratiques discursives et graphiques témoignent de la culture romantique de Viollet-le-Duc. Il recourt constamment à un style analogique, fréquent chez les historiens et en particulier chez Jules Michelet. Les multiples métaphores qui émaillent le discours descriptif et historique suggèrent souvent davantage qu'elles ne justifient. Il en va de même des illustrations, insérées dans le texte, selon un dispositif remarquablement précoce s'agissant d'un ouvrage scientifique. Ce mode de présentation, emprunté aux livres illustrés des genres populaires ou romanesques, était bien fait pour charmer l'œil et convaincre l'esprit. Le succès éditorial des dictionnaires en témoigne. Les éléments d'architecture et de mobilier, restaurés et idéalisés, créent un effet de réel destiné à actualiser le Moyen Âge pour le substituer à l'âge d'or antique. À cet égard, chaque article des dictionnaires peut être considéré comme un récit illustré et d'ailleurs, à la fin de sa vie, Viollet-le-Duc en proposa de plus amples versions sous forme d'ouvrages destinée à la jeunesse. L' Histoire d'un hôtel de ville et d'une cathédrale, qui s'inspire très largement d'une des Lettres sur l'histoire de France d'Augustin Thierry, est ainsi un roman dont les personnages principaux et rivaux sont des monuments. Viollet-le-Duc hérite de l'école narrative représentée par Prosper de Barante. L'objectif était à l'évidence de ressusciter le Moyen Âge et de le substituer à l'Antiquité dans la culture visuelle de ses contemporains. Ce qui relève d'une certaine irrationalité romantique est implicite et discret dans les volumes des dictionnaires. Mais le phénomène se révèle parfois au grand jour quand Viollet-le-Duc utilise le procédé du rêve pour relater la visite que lui fit Villard de Honnecourt dans deux articles de la Gazette des Beaux-Arts (1859-1860).
Une histoire de l'art appliquée
Historiques, les dictionnaires entendent tirer des leçons de l'histoire de l'art. Certaines analyses l'explicitent, quand, par exemple, aux colonnettes en délit du chœur de Notre-Dame de Dijon, l'article " Construction " du Dictionnaire d'architecture substitue des supports en fonte - même si Viollet-le-Duc était contre le pastiche que constituait le néo-gothique métallique de Louis-Auguste Boileau. Cet historicisme était opératoire dans la mesure où les leçons de l'art médiéval devaient profiter aux artistes du XIXe siècle. Dans une certaine mesure, le travail de Viollet-le-Duc participait des mêmes objectifs que celui de Augustus-Welby Northmore Pugin ou John Ruskin, voire William Morris, malgré des divergences quant à l'attitude vis-à-vis du progrès et de l'art industriel. En revanche, l'importance accordée à la reconstitution de la relation entre l'architecture, le mobilier et le décor est conforme aux idées des Arts and Crafts. Il faut pourtant encore relativiser ce parallèle - au profit d'un autre, avec Gottfried Semper - quand Viollet-le-Duc, au début des années 1860, entreprit d'étendre les territoires de ses enquêtes historiques au-delà du Moyen Âge. C'est aussi le moment où il ambitionna une carrière d'architecte, avec sa participation, en 1863, au concours de l'Opéra de Paris. Cet échec fut certes un coup d'arrêt, qui ne concerna cependant que l'architecture officielle puisqu'il concrétisa un nombre non négligeable de projets d'architecture privée. La même année, il tentait d'influer directement sur l'art contemporain avec le projet de réforme de l'École de beaux-arts. C'est dans ce cadre qu'il professa, dans la nouvelle chaire " d'histoire de l'art et d'esthétique ", un cours qui en reprenait l'intitulé dans une perspective explicitement heuristique : " Esthétique appliquée à l'histoire de l'art ". L'intérêt de Viollet-le-Duc pour la pédagogie artistique n'était pas nouveau ainsi qu'en témoignent ses articles consacrés à l'enseignement du dessin. Le dernier ouvrage qu'il publia, Histoire d'un dessinateur, atteste de l'attachement à ces questions.

L'éphémère cours de l'École de beaux-arts avait pour objectif de faire pénétrer l'historicisme et le rationalisme dans une institution qui les rejetait. Les sept leçons qu'il put donner se limitèrent à traiter des origines de l'art en Inde, en Égypte, en Grèce et dans l'Empire romain, autant de domaines dont il entendait renouveler l'historiographie et, par ce moyen, conduire ses élèves à reconsidérer leurs références historiques et culturelles. Dans les Entretiens sur l'architecture, parus en deux volumes, il put donner le développement complet de cette histoire en la limitant toutefois à son sujet de prédilection. Le cours entendait au contraire traiter de l'histoire de l'art dans son ensemble et sans exclusive ; un crédit que ne lui accordèrent pas Ludovic Vitet et Ernest Beulé, de l'Institut, lesquels mirent en avant son parti pris pour le Moyen Âge. Mais il y avait bien d'autres principes qui les heurtaient, au plan institutionnel comme au plan conceptuel. La leçon d'ouverture du cours se conclut sur ce passage qui provoqua soudain un stupéfiant silence dans l'assistance. Il y était question de savoir comment les artistes grecs de l'Antiquité auraient traité une locomotive si ce symbole du progrès et de l'industrie leur avait été connu. Selon Viollet-le-Duc, au lieu de l'ignorer ou de la mépriser, ils l'auraient intégré à leur mythologie en lui donnant des attributs et peut-être un visage. Il est peu probable que ce plaidoyer assez provocateur pour les rapprochements de l'art et de l'industrie ait convaincu l'auditoire. Il avait été en outre précédé d'une grande synthèse historique dont les principes anthropologiques avaient dû dérouter plus d'un esprit.

En un sens, il s'agissait d'un remarquable élargissement du territoire de l'histoire de l'art. Jusqu'alors, dans sa lutte contre " les académiciens ", Viollet-le-Duc avait défendu les mêmes thèses que ses prédécesseurs antiquaires et archéologues : l'art du Moyen Âge était d'autant plus digne d'être admiré et étudié qu'il était français. Profitant de la victoire de la génération d'Arcisse de Caumont sur les antiquaires allemands et anglais, marquée par la querelle sur les origines du gothique, il s'attachait à démontrer que toute la tradition classique découlait d'une importation maladroite qui ne convenait ni au climat ni aux mœurs de la France. Ce faisant, il épousait les principes patrimoniaux de la Monarchie de Juillet et de l'administration à laquelle il appartenait. Ce nationalisme ne l'empêchait pas de distinguer des écoles régionales, mais il participait d'une conception politique de la nation, forgée par la bourgeoisie libérale à laquelle il appartenait, tant par ses origines familiales que par ses convictions. Or, les prémices de l'essor de cette classe sociale étaient à rechercher dans le mouvement des communes au XIIe siècle, ainsi qu'il l'affirma à maintes reprises, en se fondant sur les travaux des historiens romantiques et notamment d'Augustin Thierry. L'invention de l'art gothique était selon lui imputable à cette bourgeoisie urbaine dont les artistes étaient les représentants. Leurs créations, en particulier architecturales, manifestaient donc leur opposition au pouvoir féodal comme à celui de l'Église ou des " monastères ". C'était donc à ces " maîtres laïques " qu'il fallait attribuer la révolution artistique et culturelle dont résulta la création de l'art gothique, le seul art national. Cette conception laïque des cathédrales était certes paradoxale. D'autres comme Daniel Ramée avaient tenté de contourner cette difficulté en se référant à la franc-maçonnerie. Ils substituaient ainsi à la symbolique chrétienne une pensée ésotérique qui rattachait le gothique à une longue tradition remontant jusqu'à l'Égypte. Si Viollet-le-Duc était très probablement maçon, cette hypothèse ne retient que temporairement son attention. Elle projetait une ombre de mystère qui disqualifiait une conception esthétique qu'il souhaitait empreinte de rationalité.
Nationalisme et racisme
Après 1860, l'histoire de l'art de Viollet-le-Duc est toujours nationaliste, mais elle repose sur de nouveaux principes. Ils dépassent les cadres historiques et sociaux pour épouser des thèses raciales diffusées par Daniel Ramée et surtout par Arthur de Gobineau dans son Essai sur l'inégalité des races humaines. Dès les premières pages de Cours d'esthétique appliqué à l'histoire de l'art, Viollet-le-Duc affirmait que " les races ne sont pas égales entre elles ", postulant que les " races blanches qui couvrent l'Europe depuis trois mille ans sont infiniment supérieures aux races nègres ". Fort de ce principe, il entreprit de déterminer les grandes caractéristiques de leurs aptitudes respectives. C'est d'ailleurs dans cette perspective qu'il aborda l'étude de l'art grec dont il pensait que le panthéisme était essentiellement hérité des " Aryas ". Empruntant à Gobineau ses principes idéologiques et méthodologiques, il voyait dans les migrations aryennes un des principaux moteurs de l'histoire. Comme les langues, les différents styles étaient nés des rencontres des peuples dont la culture semble se résumer à ce que leur aurait transmis leur origine raciale. Ainsi, dans l'histoire de l'architecture, les différents types de construction découlent de ce critère, antérieurement déterminé par le milieu naturel d'origine : les races jaunes procèdent par " agglutinage " de matière, les " races touraniennes " inventent leur mortier pour agréger les petits matériaux dont elles disposent, les Sémites, privés de bois de hautes futaies, ont pris l'habitude de réaliser de vastes amoncellements de pierre sèche qu'ils peinent à conformer. En revanche les Aryens, parce que les pentes himalayennes leur fournissaient de grands arbres, étaient seuls capables de réaliser de grandes charpentes. Les peuples dont l'architecture valait d'abord par la construction sont donc majoritairement issus des migrations aryennes. L'architecture gothique, dont Viollet-le-Duc exaltait la logique structurelle, en faisait évidemment partie.

Cette histoire raciale rejoignait l'attitude nationaliste promue dans les décennies précédentes. Toujours en suivant Gobineau, Viollet-le-Duc entreprit en 1874 de donner un résumé romanesque et didactique de l'évolution générale de l'architecture. Histoire de l'habitation humaine, reprenant les thèses déjà présentées dans le Cours d'esthétique et dans les Entretiens sur l'architecture, montre comment la construction en charpente a migré à travers le monde pour féconder l'architecture française. Les conceptions de Viollet-le-Duc évoluèrent peu à peu entre 1863 et 1879. Tout en restant convaincu de l'importance des déterminismes raciaux, force lui fut pourtant d'envisager que les races se rencontraient en se mêlant. Dans l'article " Sculpture " du Dictionnaire d'architecture, il tenta même de déduire des proportions de ces mélanges des lois esthétiques : " si le blanc et le noir (ce dernier en proportion minime) se trouvent réunis, l'art se développe rapidement et dans le sens du progrès incessant. Dans le mélange de l'élément blanc et jaune, l'art éclot aussi, mais penche vers l'hiératisme ". Il indiqua même, dans la préface à L'Art russe, que les expressions les plus remarquables sont dues à la fusion des races aryenne et sémite. Néanmoins, il célébrait la volonté des " vrais Russes " d'exhumer leur authentique essence aryenne et la comparait explicitement à sa propre démarche pour ce qui concerne l'art français. Il en concluait que l'art véritable est un instinct qui vient du peuple et non des élites cultivées ouvertes aux influences étrangères.

Ces conceptions racistes eurent une certaine postérité car elles participaient d'une vision globale qui concernait nombre d'historiens de l'art. Elles paraissaient à Viollet-le-Duc plus objectives que d'autres modes d'explication, davantage philosophiques et moins historiques. Les propositions de César Daly, marquées par un symbolique d'essence saint-simonienne, relevaient d'une pensée sociale davantage que d'une conception historique. Celui-ci reprochait d'ailleurs à Viollet-le-Duc d'être trop peu philosophe, comme il reprocha à Hyppolite Taine de n'être pas assez artiste. Pourtant les deux premiers titulaires de la chaire d'esthétique et d'histoire de l'art partageaient certaines notions, théorisées par le philosophe, mais d'abord professées par l'architecte : le milieu, la race et le moment. La notion de race était utile à Viollet-le-Duc et à Taine parce qu'elle semblait les autoriser à envisager des phénomènes globaux dépassant les cadres sociaux et nationaux. Elle contribuait à lier l'homme et ses créations, d'une façon qui leur semblait scientifique puisque l'anthropologie raciale se présentait comme une science de l'homme.
Le paradigme scientifique
Si Gobineau fut une de ses sources essentielles, Viollet-le-Duc utilisa les travaux des premiers anthropologues français Paul Broca et Paul Topinard. L'anthropologie physique lui permettait, en tant qu'artiste, de figurer les races, comme dans les illustrations qui ornent Histoire de l'habitation humaine. Mais elle constituait également un support à l'étude des physionomies dessinées ou sculptées par les artistes du Moyen Âge. Cette source anthropologique représente un ultime emprunt aux sciences de la nature vers lesquelles il s'était tourné pour constituer sa méthodologie archéologique comme son discours historiographique.

Les cabinets de curiosités, en rassemblant côte à côte les productions de l'homme et de la nature, reflétaient les méthodes des antiquaires et des premiers historiens de l'art. Leurs discours étaient profondément influencés par celui de l'histoire naturelle, tant dans l'analyse des objets que dans les méthodologies de leur classification. Arcisse de Caumont avait ainsi proposé des " classes " et des " espèces ", pour établir des " ères " primaire, secondaire et tertiaire. Viollet-le-Duc conservait de ses prédécesseurs l'idée qu'il existait une " flore gothique " sculptée sur les édifices et qu'elle reflétait fidèlement le milieu naturel. Son étude procédait d'une démarche scientifique comparable à celle de l'anatomiste et c'est sans doute pourquoi il réclama dès 1848 la création d'un " musée de sculpture comparée ". Mais son apport décisif consista à renouveler l'ancien paradigme de l'édifice-corps en prenant en compte les découvertes de la physiologie et de la biologie de son temps. D'abord dans la méthode d'approche, profondément marquée par la dissection anatomique afin de faire apparaître la forme et la fonction de chaque élément ; ensuite dans la conception de l'organisme, déterminée par le vitalisme et les découvertes de la biologie.

De nombreux historiens promurent cette approche scientiste et biologique. François Guizot, le plus influent de sa génération, affirmait dès 1823 que l'analyse des documents et des faits relevait d'une " anatomie ". Il préconisait d'étudier " la science des lois cachées qui président au cours des événements " et l'appelait la " physiologie de l'histoire ". Viollet-le-Duc ne procéda pas différemment, " disséquant " les structures dans le but de faire apparaître l'organicité de l'édifice. Celui-ci est présenté comme le produit dynamique d'un équilibre de forces et de tensions dont la structure gothique était selon lui la plus parfaite représentation. Et c'est donc naturellement que Viollet-le-Duc, dans sa conception de la restauration des édifices, se référa à la démarche du paléontologue reconstituant des animaux à partir de fragments afin de restituer leur état originel.

Cet organicisme structurel rejoignait les métaphores naturelles qui, depuis longtemps, avaient cours dans le discours historique. On retrouve chez Johann-Joachim Winckelmann comme chez Arcisse de Caumont les mêmes analogies entre l'histoire de l'art, le cours d'un fleuve, le développement d'une plante ou l'existence humaine. Chez Viollet-le-Duc, " fleuve ", " sève " ou " sang ", l'art " suit son cours " et ses " rives ", a ses poussées de " croissance " et sa " floraison ", s'incarne en un " organisme " possédant une " physionomie ". Mais ces références sont chez lui plus précises parce que contemporaines des grands débats entre Cuvier et Geoffroy-Saint-Hilaire. Sa génération fut profondément marquée par l'accroissement du temps historique, par l'idée de métamorphoses des êtres et des plantes au fil de leur vie, par les transformations des espèces au cours des millénaires. L'historicisme s'en trouvait justifié puisque toutes les créatures se liaient dans le temps et l'espace par des caractéristiques communes et héritées, même si cela n'excluait pas de grandes ruptures assimilables aux catastrophes naturelles.

Il nourrit sa conception de l'histoire d'autres sciences, en particulier la géologie. Il dressa une carte du massif du Mont-Blanc et en étudia la formation dans un livre paru en 1877. Cette approche procède indirectement de ses premiers enthousiasmes de jeune artiste romantique aquarellant des paysages pyrénéens dans le mode sublime. Mais c'est avec un réel savoir scientifique qu'il les aborda après 1860 pour comprendre les lois à l'œuvre dans ces colossales constructions. La formation du globe terrestre, qu'il considérait comme " un grand édifice ", révélait en effet les lois de la nature en acte. Par la structure stratigraphique des roches, elle constituait le témoignage d'une histoire non écrite, idée qu'il partage avec Jules Michelet et Edgar Quinet. Celui qui en comprendrait les lois pourrait retrouver la structure originelle des massifs, et même restaurer la montagne comme le suggèrent certains de ses dessins. Il pensait d'ailleurs que les maîtres-maçons médiévaux, par le principe de la voûte sur croisée d'ogives, avaient retrouvé la forme primordiale des réseaux cristallins granitiques qui avaient servi à voûter le globe terrestre. Cette théorie, étrange reformulation de l'idéalisme platonicien, servait à définir le " Style " dans l'article qui est consacré à cette notion au sein du Dictionnaire d'architecture. Il l'opposait aux styles historiques dépendant de l'évolution progressive de l'art, et introduisait une esthétique immanente, naturelle et scientifique. Il est aisé de faire apparaître les contradictions et la part conjecturale de ces conceptions. Elles étaient dictées par la volonté de faire la synthèse entre l'historicisme et l'idéalisme afin de fonder, à partir de la Nature, une esthétique scientifique.

Dans ses derniers écrits, adoptant un républicanisme modéré, il promut avec d'autant plus de force cette esthétique scientifique qu'elle participait d'une régénération nationale, politique et sociale : " Le rôle de l'art dans les sociétés modernes est une alliance étroite avec la science, et c'est par le peuple que cette alliance se fera ", écrivit-il dans La Science politique en 1878. Pour autant Viollet-le-Duc ne doit pas être considéré comme un des fondateurs de l'art social. Mais il pensait que l'art devait être enseigné dans le cadre scolaire, pour apprendre à voir et à comprendre. Ainsi que l'explicite Histoire d'un dessinateur de 1879, il ne s'agissait pas d'initier les élèves aux subtilités académiques, mais de rapprocher l'art de la technique, afin qu'ils concourent ensemble au progrès général de la société. Cette opinion relève probablement d'une projection de ses conceptions relatives à l'art médiéval, les maîtres-maçons devant servir de modèles aux artistes de son temps. Il espérait que son époque répéterait le XIIe siècle, trouvant dans la bourgeoisie les forces de mener une révolution sociale et culturelle dont l'architecture, avec de nouveaux matériaux et de nouveaux principes structurels, serait la meilleure représentation. Ainsi l'esthétique scientifique était liée à l'idée, implicitement formulée, qu'il puisse exister des lois de développement de l'art et que l'histoire de l'art fût une science.

Les conceptions historiographiques de Viollet-le-Duc procèdent d'une profonde rupture épistémologique. Le temps historique du Moyen Âge est étudié au prisme de l'histoire naturelle, reflétant les débats qui la traversent et l'entourent. Il fut un des premiers historiens de l'art, avec Gottfried Semper, à lier aussi étroitement les approches historiques et scientifiques. Il partagea avec lui le souci d'établir des causalités et des lois tant dans l'analyse des objets que dans l'étude des phénomènes historiques. Si ses conceptions raciales font pencher ses analyses vers un déterminisme réducteur, la volonté d'étudier ensemble l'art et la société a constitué un incontestable apport, malgré d'évidents partis pris. Viollet-le-Duc voulait étudier toutes les productions du Moyen Âge, dans une perspective encyclopédique, afin d'en comprendre tous les aspects en retrouvant ainsi le véritable esprit de l'art national. Ils relèvent de la volonté permanente de trouver dans l'histoire les lois du développement artistique pour les appliquer au présent.

Laurent Baridon

Principales publications
Ouvrages et catalogues d'expositions

Dictionnaire raisonné de l'architecture française du XIe au XVIe siècle. Paris : B. Bance (A. Morel), 1854-1868, vol. 1 ; vol. 2 ; vol. 3 ; vol. 4 ; vol. 5 ; vol. 6 ; vol. 7 ; vol. 8 ; vol. 9 ; vol. 10, table analytique.

Description du château de Pierrefonds. Paris : Bance, 1857.

Description du château de Coucy. Paris : Bance, 1857.

Cité de Carcassonne (Aude). Paris : Gide, 1858.

Dictionnaire raisonné du mobilier français de l'époque carolingienne à la Renaissance. Paris : B. Bance, Vve A. Morel, 1858-1875, vol. 1 ; vol. 2 ;vol. 3 ; vol. 4 ; vol. 5 ; vol. 6 ; vol. 7 ; vol. 8.

Lettres pour la Sicile, à propos des événements de juin et de juillet 1860. Paris : Vve A. Morel, 1860.

Entretiens sur l'architecture. Paris : A. Morel, 1863-1872, 2 vol.

Intervention de l'État dans l'enseignement des Beaux-Arts. Paris : A. Morel, 1864.

Description du château d'Arques. Paris : Vve A. Morel, 1871.

Mémoire sur la défense de Paris, septembre 1870, janvier 1871. Paris : Vve A. Morel, 1871.

Histoire d'une maison. Paris : J. Hetzel, 1873.

Méthode d'enseignement du dessin applicable aux écoles professionnelles ou industrielles proposée par les membres du Comité de rédaction de l'Encyclopédie d'architecture. Paris : A. Morel, 1873.

Mémoire sur la défense de Paris, septembre 1870 - janvier 1871. Paris : Vve A. Morel, 1871.

Histoire d'une forteresse. Paris : J. Hetzel, 1874.

Histoire de l'habitation humaine : depuis les temps préhistoriques jusqu'à nos jours. Paris : J. Hetzel et Cie, 1875.

Le Massif du Mont Blanc, étude sur sa constitution géodésique et géologique, sur ses transformations et sur l'état ancien et moderne de ses glaciers. Paris : J. Baudry, 1876.

Le Massif du Mont Blanc : carte dressée à 1/40.000 par E. Viollet-le-Duc d'après ses relevés et études sur le terrain de 1868 à 1875 avec l'aide du Dépôt topographique de la Guerre et des levés de Mr Mieulet Cap. d'État-major / gravé par Ehrard. Paris : J. Baudry, 1876.

L'Art russe : ses origines, ses éléments constitutifs, son apogée, son avenir. Paris : Vve A. Morel, 1877.

Histoire d'un hôtel de ville et d'une cathédrale. Paris : J. Hetzel, 1878.

Histoire d'un dessinateur, comment on apprend à dessiner. Paris : J. Hetzel, 1879.

" La Cité de Carcassonne (Lettre au directeur des Annales archéologiques) ". Annales archéologiques, I, 1844, p. 448-458.

" De l'art étranger et de l'art national " (Introduction au chapitre III. " De la construction des édifices religieux en France "). Annales archéologiques ; II, 1845, p. 285-290.

" De la construction des édifices religieux en France depuis le commencement du christianisme jusqu'au XVIe siècle ". Annales archéologiques, I, 1844, p. 334-347 ; II, 1845, p. 69-76, 134-141, 318-330 ; III, 1845, p. 321-336 ; III, 1846, p. 266-283 ;

" Construction des voûtes au XIIIe siècle ". Annales archéologiques, VI, 1846, p. 194-205 ; VI, 1847, p. 247-255.

" Réponse aux considérations de l'Académie des beaux-arts sur la question de savoir s'il est convenable au XIXe siècle de bâtir des églises en style gothique ". Annales archéologiques, IV, 1846, p. 333-353.

" Le Style gothique au XIXe siècle ". Annales archéologiques, IV, 1846, p. 325-353.

" Église et Chasse de Saint-Thibault ". Annales archéologiques, V, 1846, p. 189-199.

" Liste des volumes et dessins qui composent la collection Gaignières conservée à la Bibliothèque bodléienne d'Oxford, communiquée par M. Viollet-le-Duc ". Bulletin du Comité historique des arts et monuments, III, 1852, p. 229-256, 269-288 (tiré à part : Imprimerie nationale, 1851).

" Entretien et Restauration des cathédrales de France. Notre-Dame de Paris ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, IX, 1851, col. 3-17, 113-120, 209-217.

" Cérémonies publiques accomplies dans l'église Notre-Dame de Paris. Te Deum chanté le 1er janvier 1852 ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, X, 1852, col. 3-8, 9-12.

" Costumes des figures sculptées sur le retable de la chapelle de Saint-Germer (étoffes, peintures) ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, X, 1852, col. 369-371.

" Essai sur l'origine et les développements de l'art de bâtir en France, depuis la chute de l'Empire romain jusqu'au XVIe siècle ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, X, 1852, col. 35-42, 74-81, 134-146, 242-253, 343-352 ; XI, 1853, col. 8-16 (la suite annoncée n'est pas parue).

" Un mot sur l'architecture en 1852 ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, X, 1852, col. 371-379.

" Encore un mot sur l'architecture en 1853 ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, XI, 1853, col. 49-52.

" Les Ouvriers au XIIIe siècle ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, XI, 1853, col. 3-7.

" Retable de la chapelle de Saint-Germer ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, XI, 1853, col. 435-436.

" Silicatisation des pierres calcaires, suivi de Cathédrale de Paris. Travaux de restauration (Lettre à Monsieur Rochas du 2 mai 1853 de M. Viollet-le-Duc et de M. Lassus) ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, XI, 1853, col. 139-140 (également dans Encyclopédie d'architecture ; III, 1853, col. 153-155).

" Excursion en Allemagne ". Encyclopédie d'architecture, IV, octobre 1854, col. 146-150 ; novembre 1854, col. 161-167 ; décembre 1854, col. 177-183. Encyclopédie d'architecture, V, janvier 1855, col. 3-8 ; avril 1855, col. 49-54 ; mai 1855, col. 67-72, août 1855, col. 113-117. Encyclopédie d'architecture,VI, mars 1856, col. 41-46 ; avril 1856, col. 57-62 ; juin 1856, col. 89-93 ; septembre 1856, col. 137-146 (tiré à part : Lettres adressées d'Allemagne à M. Adolphe Lance, architecte, par M. Viollet-le-Duc, Paris, 1856).

" À Monsieur Adolphe Lance " (lettre de Monsieur Viollet-le-Duc à Monsieur Adolphe Lance). Encyclopédie d'architecture, VI, janvier 1856, col. 4-11 (tiré à part in École impériale des beaux-arts. Distribution des prix et médailles décernés aux élèves de l'École pendant l'année 1854-1855. Paris : imprimerie de Bonaventure et Ducessois, 1855, col. 1-16).

" Les Inondations de 1856. Recherches sur leurs causes et sur les moyens à employer pour les prévenir ". Encyclopédie d'architecture, VI, juillet 1856, col. 105-113 (tiré à part : Bonaventure et Ducessois, 1856).

" Nécrologie. M. Lassus ". Encyclopédie d'architecture, VII, août 1857, col. 113-116.

" M. Lassus. Lettre de M. Viollet-le-Duc ". L'Artiste, 1er juillet 1857, p. 309-310.

" Pavage de la chapelle de Saint-Cucuphas. Abbaye de Saint-Denis. (Lettre de M. Viollet-le-Duc au directeur de la revue) ". Revue générale de l'architecture et des travaux publics, XV, 1857, col. 244-245.

" L'Architecture et les Architectes au XIXe siècle ". L'Artiste, 4 août 1858, p. 225-229 (I), 266-268 (II) ; 5 septembre 1858, p. 22-25 (III), 49-52 (IV) ; 5 octobre 1858, p. 113-116 (V).

" Un cours de dessin ". L'Artiste, V, novembre 1858, p. 154-156 (également dans l'Encyclopédie d'architecture, IX, janvier 1859, col. 1-4).

" Première Apparition de Villard de Honnecourt, architecte du XIIIe siècle ". Gazette des Beaux-Arts, janvier 1859, p. 286-295 ; " Deuxième Apparition de Villard de Honnecourt à propos de la renaissance des arts ". Gazette des Beaux-Arts, janvier 1860, p. 24-31.

" Requête adressée aux Parisiens par un étranger ". Gazette des Beaux-Arts, mai 1859, p. 165-169.

" Antiquités nationales. Collection Gaignières de la Bibliothèque bodléienne d'Oxford ". Revue archéologique, I, 1860, p. 219-222 (tiré à part Paris : Pillet fils aîné, 1860).

" Ruines de Champlieu ". Revue archéologique, I, 1860, p. 44-54.

" L'Église impériale de Saint-Denis ". Revue archéologique, III, 1861, p. 298-310, 345-353.

" L'Enseignement des arts. Il y a quelque chose à faire ". Gazette des Beaux-Arts, mai 1862, p. 393-402 ; juin 1862, p. 525-534 ; juillet 1862, p. 71-82 ; septembre 1862, p. 249-255.

" Album de Villard de Honnecourt, architecte du XIIIe siècle ". Revue archéologique, VII, 1863, p. 103-118,184-193, 250-258, 368-370.

" Cours professés par Viollet-le-Duc à l'école des Beaux-Arts ". Revue des cours littéraires de la France et de l'étranger, I, 1864, 27 février, p. 149-155 ; 23 avril, p. 262-265 ; 11 juin, p. 379-382 ; 2 juillet, p. 423-426 ; 9 juillet, p. 444-446 ; 30 juillet, p. 487-492 ; 1er octobre, p. 629-631 ; 8 octobre, p. 642-645. Rééd. par Viollet-le-Duc Geneviève, éd. Eugène Viollet-le-Duc, esthétique appliquée à l'histoire de l'art. Paris : École nationale supérieure des beaux-arts, 1994.

" Réponse à l'article de L. Vitet : "De l'enseignement des arts du dessin" ". La Revue des deux mondes, 1er novembre 1864 (tiré à part : Paris : A. Morel, 1864).

" De l'architecture dans ses rapports avec l'histoire. Conférence à la Sorbonne du 4 février 1867 ". Gazette des architectes et du bâtiment, IV, 23, 1866, p. 353-364 (paru également dans la Revue des cours littéraires de la France et de l'étranger, IV, 16, 1867, 17, 1867).

" Du diplôme d'architecte ". Gazette des architectes et du bâtiment, V, 1, 1867, p. 17-19.

" Critique : l'art industriel ". Gazette des architectes et du bâtiment, V, 15, 1867, p. 154-157.

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Bibliographie critique sélective
Charenton-le-Pont, La Médiathèque de l'architecture et du patrimoine
Sources identifiées

En complément : Voir la notice dans AGORHA

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(27 janvier 1814, Paris - 17 septembre 1879, Lausanne)

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article de l'Encyclopédie d'histoire numérique de l'Europe

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article de l'Encyclopédie d'histoire numérique de l'Europe

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Encyclopédie d'histoire numérique de l'Europe

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Un des maîtres de l'architecture française du xix e siècle, Eugène Viollet-le-Duc est passé à la postérité en raison d'un profil atypique, d'une personnalité hors du commun et d'un legs exceptionnel : il a reçu une formation non académique (dont on lui a fait le reproche en 1863 lorsque Napoléon III l'a nommé professeur d'histoire de l'art et d'esthétique à l'École des beaux-arts) ; il a produit une œuvre colossale tant appliquée que théorique ; il a occupé une forte position institutionnelle sous trois régimes politiques successifs ; il a cultivé une posture professionnelle complète qui l'a amené, d'une part, à se prononcer sur la création de son temps en suscitant et dominant l'école dite " rationaliste " et, d'autre part, à définir la position française sur la restauration des édifices anciens, le tout aboutissant à un véritable système de pensée qui a étayé sa réussite mais dont la cohérence - ou la rigidité - lui a été, plus tard, vivement reprochée. C'est pourquoi il est surtout connu comme restaurateur alors qu'il a aussi conçu et réalisé des édifices religieux (église Saint-Denis-de-l'Estrée), du mobilier et des décors, des immeubles et maisons de rapport (Paris), plusieurs châteaux (Ambrières, Pupetières, La Flachère, Mérinville).

Constructeur et restaurateur

Il est issu d'un milieu cultivé et libéral par son père, Emmanuel (1781-1857), administrateur des résidences royales sous la monarchie de Juillet, et sa mère Eugénie Delécluze (1785-1832), femme du monde qui tenait un salon parisien fréquenté par Stendhal et Sainte-Beuve. Après avoir fait ses premières armes chez les architectes Jean Huvé (1783-1852), constructeur de la Madeleine à Paris, et Achille Leclère (1785-1852), élève de Charles Percier (1764-1838), il décide de se former non à l'École des beaux-arts, mais par une suite de voyages, en quelque sorte un Grand Tour personnel qui, de 1831 à 1837, l'amène à rassembler les pièces d'une science archéologique du Moyen Âge en France, avant de se rendre en Sicile, à Pompéi et Herculanum, Rome et Venise. De retour à Paris, il collabore aux Voyages pittoresques et romantiques dans l'ancienne France du baron Taylor (1789-1879). Ce concours et le soutien de son oncle Étienne Delécluze (1781-1863), peintre et critique d'art, l'introduisent dans le réseau que Prosper Mérimée (1803-1870) est en train de constituer pour ériger les monuments historiques en maillons de la " chaîne des temps ", comme le demande l'historien et ministre de Louis-Philippe, François Guizot (1787-1874).

L'année même où est établie la première liste des monuments aidés par l'État, en 1840, Viollet-le-Duc est chargé de la basilique Sainte-Marie-Madeleine de Vézelay, puis nommé à la Sainte-Chapelle où il seconde Jean-Baptiste Lassus (1807-1857). Sur ce chantier, dont les choix s'orientent d'emblée vers une restitution de l'état d'origine, honorant la mémoire de Louis IX chère aux catholiques, il apprend à gérer une agence de restauration. Au même moment, à Vézelay, il est confronté, seul, à un édifice roman remarquable, en péril de mort. Les options techniques immédiates qu'il prend le sauvent de la ruine, tandis que sa restauration de la nef élimine trois voûtes gothiques pour recréer une unité stylistique romane, sans preuve matérielle, mais destinée à recréer une ambiance esthétique originelle.

En 1842, il commence les séries de tournée vertigineuses qui le conduisent dans toute la France et prépare avec Lassus le concours pour la restauration de Notre-Dame de Paris, objet d'un grand engouement depuis le roman de Victor Hugo (1831). Les travaux débutent en 1845, visant d'abord à rétablir la flèche, l'ensemble du programme sculpté, dont la galerie des rois de Juda décapités en 1793, et, plus tard (jusqu'en 1864), à appliquer des décors muraux sur les chapelles latérales de la nef, à partir d'une interprétation de la peinture ornementale du Moyen Âge, vue comme un cadrage de l'espace et une leçon de mesure.

Outre des interventions sur plusieurs églises et cathédrales (Troyes, Marseille, Clermont-Ferrand, Narbonne, puis Amiens, Reims), l'architecte ne cesse d'étendre sa palette, s'attaquant au chantier du château de Coucy en 1856 et à celui de la Cité de Carcassonne en 1862. En 1847, il entreprend un projet de restauration controversé pour Saint-Sernin de Toulouse : en revêtant l'abside et les absidioles de pierre de Carcassonne, il en alourdit la silhouette (son souci technique se retourne plus tard contre lui : ce matériau n'ayant pas résisté au temps, on décide, en 1979, de revenir à l'état initial de l'église). En 1857, il intervient sur le palais synodal de Sens où il met à profit l'histoire sociale des lieux, telle qu'il l'interprète, comme guide de sa restauration. Considérant que l'édifice associe fonction civile et religieuse, il y restitue une salle sous voûtes d'ogives de son invention et coiffe les murs de créneaux rapportés.

Le chantier de Pierrefonds, ou la tentative de fonder un art national

Il renforce sa position institutionnelle en entrant en 1860 à la Commission des monuments historiques mais échoue en 1861 au concours pour la construction de l'opéra de Paris, tandis qu'il publie en 1857 une restitution théorique dessinée du château de Pierrefonds. Celle-ci suscite l'enthousiasme de Napoléon III et amorce le projet de restauration qui, avec celle de la cathédrale de Lausanne, décidée en 1872, absorbe toute la fin de sa carrière. La portée de cette restauration exceptionnelle est multiple. À l'extérieur, il reconstitue en archéologue fidèle le système défensif d'un château fort du début du xv e siècle. À l'intérieur, en revanche, à l'exception des étages et des salles du donjon carré, il se donne une liberté d'invention illimitée qui confine à la plus grande fantaisie. Les chambres et salons de l'empereur et de l'impératrice sont des créations sans pastiche dont la polychromie murale a pour objet de modeler l'espace au même titre que la lumière, à l'aide de vifs contrastes dans les appartements privés et de tons sombres dans les parties publiques. La salle des Preuses reçoit une cheminée monumentale aux chapiteaux historiés qui annonce les tendances de l'art 1900. La chapelle, totalement remodelée, acquiert des proportions étonnantes.

À la suite de cette rénovation sans équivalent, Viollet-le-Duc est accusé d'avoir été un suppôt de l'Empire. En réalité, il est animé par la conviction de faire œuvre patriotique en ressuscitant un art national hérité de l'excellence médiévale et en affirmant la supériorité de la France. Après sa proclamation, la République fait sien ce message et adopte le projet réclamé par l'architecte depuis 1855 et proposé en juin 1879, peu avant sa mort : créer un Musée de sculpture comparée, où l'on pourrait démontrer cette prééminence nationale et en transmettre les principes aux artistes contemporains.

Selon Viollet-le-Duc, la restauration ne consiste pas à entretenir, réparer ou refaire un édifice, mais à " le rétablir dans un état complet qui peut n'avoir jamais existé à un moment donné ". Exprimée dans le Dictionnaire raisonné de l'architecture française du xi e au xvi e siècle (1854-1868) - pièce majeure, avec les Entretiens sur l'architecture (1863-1872), d'une production écrite considérable -, cette position repose sur des théories scientifiques du temps (anatomie, paléontologie). Elle vise à construire des modèles typologiques parfaits, à les relier à des valeurs historiques et politiques, à les appliquer aux œuvres traitées en décryptant le " langage muet entre les monuments et les hommes ". Il s'agit d'imaginer les lieux tels qu'ils vivaient dans le passé afin de les restituer dans leur état primitif pour un usage au présent, en affirmant l'adéquation la plus rationnelle entre la forme et la fonction.

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Un des maîtres de l'architecture française du xix e siècle, Eugène Viollet-le-Duc est passé à la postérité en raison d'un profil atypique, d'une personnalité hors du commun et d'un legs exceptionnel : il a reçu une formation non académique (dont on lui a fait le reproche en 1863 lorsque Napoléon

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Jean-Michel Leniaud- page d’histoire sur France Archives

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Jean-Michel Leniaud- page d’histoire sur France Archives

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Projet de gargouille pour la tourelle du transpept sud de l'église de Saint-Nazaire et Saint-Celse de Carcassonne, 1855
© Archives départementales de l'Aude

Projet de travaux à l'Hôtel-Dieu de Narbonne, par Viollet-le-Duc© Archives départementales de l'Aude
Elévation sur la cour, coupe, août 1848

De cet architecte à qui la postérité conféra le rare privilège de désigner un style par son nom on retiendra ici les motifs qui justifient que le bicentenaire de sa naissance soit commémoré. De son œuvre immense on retiendra ses interventions en faveur du patrimoine monumental du pays, ses écrits grâce auxquels l'histoire de l'art s'est peu à peu constituée en science et, enfin, ses réflexions théoriques qui ont contribué à orienter la création architecturale vers une voie nouvelle en abandonnant la tradition historiciste.
L'inventeur du patrimoine national
Lorsqu'en 1840, Prosper Mérimée confie au jeune Viollet-le-Duc, qu'il rencontre alors dans le salon d'Étienne-Jean Delécluze, l'oncle de ce dernier, la responsabilité de la restauration de la Madeleine de Vézelay, nul ne pouvait imaginer les conséquences d'un tel choix sur le patrimoine monumental du pays. Peu à peu chargé des monuments du Moyen Âge les plus importants du pays, Notre-Dame de Paris, Saint-Denis, la citadelle de Carcassonne, le palais des Papes, le château de Pierrefonds, Viollet-le-Duc occupa une place centrale au sein de deux des administrations qui avaient pour mission d'entretenir les trésors architecturaux du pays : le Service des monuments historiques et le Service des édifices diocésains, lui-même chargé des cathédrales. Comme architecte, membre de la Commission des monuments historiques et inspecteur général des édifices diocésains, il eut la charge de diriger de nombreux et considérables chantiers et d'en superviser un nombre encore plus important. Son activité fut telle qu'on peut affirmer que nul ne peut le disputer en influence sur les grands édifices médiévaux du pays, civils, militaires et religieux.

Il forma un nombre considérable d'élèves, dont les plus célèbres furent Victor Ruprich-Robert, Émile Boeswillwald, Prosper Abadie et Anatole de Baudot, rédigea avec Prosper Mérimée le premier recueil d'instructions en matière de restauration monumentale (1848), en théorisa la définition dans une célèbre formule et s'employa à faire en sorte que les monuments pussent, à la faveur d'une restauration, acquérir la forme et la structure qu'ils auraient dû d'emblée posséder ou retrouver celles qu'ils avaient perdues au fil du temps. De sa propre main ou celle de ses disciples, Viollet-le-Duc transforma selon ses vues un nombre considérable d'édifices du Moyen Âge. Il s'en suivit d'acerbes polémiques du vivant de l'architecte et après sa mort qui dénoncèrent le caractère systématique de ses interventions. Il reste aujourd'hui que sa démarche exerça une influence considérable en Europe et en Amérique du Nord, que nombre d'édifices lui doivent leur survie sinon leur résurrection et qu'au total, son œuvre occupe une place déterminante dans l'histoire du patrimoine et de la restauration monumentale.
Un jalon dans la pensée de l'histoire de l'art
En 1863, peu de temps après son échec au concours pour la reconstruction de l'Opéra de Paris, Viollet-le-Duc fut chargé d'une chaire à l'École des beaux-arts dont l'intitulé portait pour la première fois les mots " Histoire de l'art ". Au bout de six mois, l'architecte dut renoncer à sa charge : il n'en reste pas moins que, pour la première fois en France, un tel intitulé était adopté en France. Dans ce domaine disciplinaire, son œuvre est considérable : les deux Dictionnaires raisonnés de l'architecture et du mobilier, les Histoires parues chez Hetzel sur une forteresse, une cathédrale et un hôtel de ville, une maison... Initialement tournée vers le Moyen Âge, la réflexion de Viollet-le-Duc dépasse le cadre de l'architecture et prend en compte tous les secteurs du mobilier et des objets d'art. Puis elle intègre progressivement l'Antiquité et la Renaissance, voire l'Extrême-Orient et les civilisations précolombiennes. Elle tend à proposer une synthèse globale de l'acte de construire et de se meubler et cherche à l'expliquer de façon positiviste selon un système explicatif qui s'étend progressivement en direction des sciences de la vie et de la terre.

De la géologie, il tire l'hypothèse que les croisées d'ogives répondent à un schéma primitif fourni par la loi de cristallisation. De la physiologie, il retient que l'œuvre d'architecture doit se concevoir conformément aux structures élaborées par Bourgery à propos de l'anatomie humaine, mais se montre fasciné par certains détails du monde animal, telle l'organisation de l'aile de la chauve-souris dont le prodigieux encorbellement défie les capacités de construire de son temps. De l'anthropologie, il tire la notion de race, puis se confirme dans la supériorité des productions des Aryas, avant d'admettre l'idée de métissage.

Au total, le projet de Viollet-le-Duc, conçu de façon empirique, tend à proposer selon le principe positiviste un principe explicatif qui prend en compte la totalité des sciences de son temps pour justifier de l'histoire de la création artistique et plus particulièrement de l'architecture.
La théorie architecturale
Viollet-le-Duc a profondément renouvelé la pensée architecturale en la dégageant de la tradition historiciste à laquelle elle était liée. Était-il paradoxal que celui qui avait mis en évidence la rationalité du gothique et engageait à en suivre l'exemple ait conduit l'architecture hors de la répétition des formules connues ? Au fil des ouvrages sa pensée s'affine, en particulier dans les Entretiens sur l'architecture (1863-1872, 2 vol.) et se concentre sur la question de la " grande salle " : comment couvrir la plus grande surface possible avec le minimum de supports ? Il imagine un dispositif de supports obliques qui portent en encorbellement la structure couvrante et utilise un matériau relativement récent, la fonte, qui se substitue à la pierre, pour réaliser de tels supports. Aucune de ses compositions nouvelles ne verra le jour, mais son disciple Anatole de Baudot poursuivra sa réflexion sur la grande salle en l'associant à l'emploi d'autres matériaux, le ciment armé et la brique armée. L'église Saint-Jean-Baptiste de Montmartre donne avec ses lignes Art nouveau, son décor de mosaïque et ses voûtes auto-couvrantes un écho des formes, des décors et des structures auxquels il voulait parvenir.

Associé à la découverte romantique du patrimoine français, acteur essentiel dans le processus de mise en valeur de celui-ci, médiateur incontournable entre l'expression savante du savoir historique et sa mise à disposition d'un large public, penseur héroïquement tourné vers le renouvellement de l'architecture, Viollet-le-Duc compte parmi les figures les plus impressionnantes du XIXe siècle.

Jean-Michel Leniaud
directeur de l'École nationale des chartes

Source: Commemorations Collection 2014

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De cet architecte à qui la postérité conféra le rare privilège de désigner un style par son nom on retiendra ici les motifs qui justifient que le bicentenaire de sa naissance soit commémoré.

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Fanny Journaut de la compagnie "Nouons-nous", est venue durant deux semaines, animer des ateliers marionnettes et masques à la cité scolaire. Un projet lié à sa dernière création "Cogito", un spectacle sur les mots qui "blessent et deviennent ...

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Nos voix intérieures/surmoi 2nde histoire des Arts au lycée de Mirepoix

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Echange entre deux villes d'art et d'Histoire : Mirepoix/Revel

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Padlet ressources - Femmes, féminité, féminisme

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Padlet ressources - Femmes, féminité, féminisme

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Padlet ressources - Femmes, féminité, féminisme

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Un espace qui réunit des informations concernant le thème de spécialité HIDA de Terminale.

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Un établissement une oeuvre avec la plasticienne Françoise Maisongrande en partenariat avec le Musée des Abattoirs

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Un établissement une oeuvre avec la plasticienne Françoise Maisongrande en partenariat avec le Musée des Abattoirs

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Métamorphose de deux espaces à partir d'éléments récupérés au sein de la cité scolaire de Mirepoix

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 OptionsChapitre 5 - Arts - Histoire des arts

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 OptionsChapitre 5 - Arts - Histoire des arts

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Alice Neel - Peindre corps et âme

Fidèle à son sens de la figuration très personnel, la peintre américaine Alice Neel (1900-1984) a consacré sa vie aux laissés-pour-compte, liant la cause féminine à la question sociale. Retour sur le parcours d'une artiste "collectionneuse d’âmes", farouchement indépendante et devenue une icône féministe.

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Sortie Musée des Abattoirs : Niki de Saint Phalle (vendredi 18 novembre 2022)

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Sortie Musée des Abattoirs : Niki de Saint Phalle (vendredi 18 novembre 2022)

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France Inter

Niki de Saint Phalle carré ok ok

France Culture

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À propos du podcast

Niki de Saint Phalle carré ok ok

Une sélection de podcasts pour explorer le parcours de l'unique femme du mouvement des nouveaux réalistes, la première à s'affranchir du pouvoir des hommes sur le marché de l'art.

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Niki de Saint Phalle : une super nana : une sélection des meilleurs podcasts à écouter | Radio France

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AUDIO. Découvrez cette sélection des meilleurs podcasts à écouter gratuitement. Niki de Saint Phalle : une super nana : chroniques, podcasts et émissions de radio du moment, ce qu'il ne fallait pas manquer, extraits de l'actualité et des archives de Radio France.

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Visite guidée à la Coopérative-musée Cérès Franco et rencontre atelier avec un potier (mardi 27 septembre 2022)

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Visite guidée à la Coopérative-musée Cérès Franco et rencontre atelier avec un potier (mardi 27 septembre 2022)

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Par CLAUDY FALGA, publié le mardi 4 octobre 2022 14:45 - Mis à jour le mardi 4 octobre 2022 14:45

Ce mardi 27 septembre, 40 lycéens mirapiciens ont passé une journée à la Coopérative Musée Cérès Franco dans l'Aude à Montolieu , très joli village des arts et des livres, accompagnés par leurs enseignants

Ce mardi 27 septembre, 40 lycéens mirapiciens ont passé une journée dans l'Aude à Montolieu, très joli village des arts et des livres, accompagnés par leurs enseignants, mesdames Falga et Sénizergues et M. Bourdoncle . Ils ont tous fait le choix d'étudier l'Histoire des arts soit en ayant l'option en seconde, soit en prenant la spécialité pour le baccalauréat. Outre la découverte du patrimoine, les jeunes ont été accueillis à la fondation Cérès Franco pour visiter une magnifique exposition de peintures et sculptures "Féminin plurielles" guidés par la médiatrice et artiste Laetitia Grün. Cette ancienne coopérative viticole expose régulièrement les œuvres de la collectionneuse et propose des ateliers scolaires. Ainsi, les lycéens ont rencontré un artisan potier Boris Lelong, écouté le récit de son parcours et sa conception du travail de la céramique puis, à leur tour, ils ont travaillé la terre en s'inspirant de ce qu'ils avaient vu. Ce fut un bonheur de voir le plaisir de chacun à modeler pour s'exprimer en toute liberté !

Durant le quartier libre de midi, les élèves ont poussé la porte des librairies et galeries, s'attardant aussi avec joie à l'Apostrophe, ancienne manufacture de drap reconvertie en lieu de résidence artistique, gîte, restaurant et espace de plein air pour des concerts.

Une journée qui se voulait fédératrice pour ces 3 niveaux et qui fut bien remplie, riche en découvertes et en partage artistique !

Boris explique aux élèves son métier de potier
9 Photos

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Rentrée sous le signe des arts au lycée de Mirepoix

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Par CLAUDY FALGA, publié le mardi 4 octobre 2022 14:45 - Mis à jour le mardi 4 octobre 2022 14:45 Ce mardi 27 septembre, 40 lycéens mirapiciens ont passé une journée à la Coopérative Musée Cérès Franco dans l'Aude à Montolieu , très joli village des arts et des livres, accompagnés par leurs enseignants Ce mardi 27 septembre, 40 lycéens mirapiciens ont passé une journée dans l'Aude à Montolieu, très joli village des arts et des livres, accompagnés par leurs enseignants, mesdames Falga et Sénizergues et M.

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Le  centre d'art contemporain La Centrale à Bruxelles a célébré le cinquantenaire de 1968 à travers une exposition sur l'art engagé. Parmi les artistes présentés, les Guerilla Girls, groupe anonyme de femmes artistes devenues des figures historiques de l’artivisme. Elles dénoncent, entre autres, le manque de visibilité des femmes dans les musées et les institutions culturelles.

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Le centre d'art contemporain La Centrale à Bruxelles a célébré le cinquantenaire de 1968 à travers une exposition sur l'art engagé. Parmi les artistes présentés, les Guerilla Girls, groupe anonyme de femmes artistes devenues des figures historiques de l'artivisme. Elles dénoncent, entre autres, le manque de visibilité des femmes dans les musées et les institutions culturelles.

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Les Guerrilla Girls ou l'art du combat | ARTE

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Le centre d'art contemporain La Centrale à Bruxelles a célébré le cinquantenaire de 1968 à travers une exposition sur l'art engagé. Parmi les artistes présentés, les Guerilla Girls, groupe anonyme de femmes artistes devenues des figures historiques de l'artivisme. Elles dénoncent, entre autres, le manque de visibilité des femmes dans les musées et les institutions culturelles.

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Kreatur n°4 - Art : cherchez la femme - 2018 -33mn

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Kreatur n°4 - Art : cherchez la femme - 2018 -33mn

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Évaporation : nom féminin. Transformation sans ébullition d'un liquide en vapeur. Les femmes artistes s’évaporent ! Quand 6 étudiants en art sur 10 sont des femmes, elles ne sont plus que 4 sur 10 à être effectivement actives dans leur vie d’artiste et les hommes représentent 90% des artistes récompensés par leurs pairs. Pourquoi et comment inverser la vapeur ?

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Évaporation : nom féminin. Transformation sans ébullition d'un liquide en vapeur. Les femmes artistes s'évaporent ! Quand 6 étudiants en art sur 10 sont des femmes, elles ne sont plus que 4 sur 10 à être effectivement actives dans leur vie d'artiste et les hommes représentent 90% des artistes récompensés par leurs pairs. Pourquoi et comment inverser la vapeur ? Kreatur vous dit tout.

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Kreatur n°4 - Art : cherchez la femme | ARTE

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Évaporation : nom féminin. Transformation sans ébullition d'un liquide en vapeur. Les femmes artistes s'évaporent ! Quand 6 étudiants en art sur 10 sont des femmes, elles ne sont plus que 4 sur 10 à être effectivement actives dans leur vie d'artiste et les hommes représentent 90% des artistes récompensés par leurs pairs.

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Pour vous aider à préparer les concours d'entrée au département des restaurateurs (concours d'admission en 1ère année et examen d'admission directe en 2e, 3e et 4e année), l'institut national du patrimoine met à disposition les rapports des jurys.

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4 émissions sur la place des femmes dans l'histoire de l'art.

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Femmes artistes - série de podcasts à écouter - France Culture

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Femmes artistes - série de podcasts à écouter - France Culture

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Comment a-t-on écarté les femmes des académies royales ? du métier d'artiste ? Quelles sont les qualités "féminines" que l'on a longtemps et exclusivement reconnues aux œuvres des femmes ? Quel que soit le genre artistique dans lequel elles avaient choisi de s'exprimer - peinture, musique ou littérature - quels sont les genres réputés "mineurs" auxquels on les a longtemps cantonnées ? Mais les femmes ne sont pas que des victimes des rapports de domination masculin/féminin, elles sont nombreuses à avoir été actrices de leur carrière, à avoir réussi à affirmer leur droit à créer - et pas seulement à procréer - et cela bien avant l'invention de la notion d' empowerment. Retour en quatre émissions sur la place des femmes dans l'histoire de l'art.

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Femmes artistes - série de podcasts à écouter - France Culture

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Comment a-t-on écarté les femmes des académies royales ? du métier d'artiste ? Quelles sont les qualités "féminines" que l'on a longtemps et exclusivement reconnues aux œuvres des femmes ? Quel que soit le genre artistique dans lequel elles avaient choisi de s'exprimer - peinture, musique ou littérature - quels sont les genres réputés "mineurs" auxquels on les a longtemps cantonnées ?

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Exposition "Artemisia : Pouvoir, gloire et passions d'une femme peintre (1593-1654)"

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Exposition "Artemisia : Pouvoir, gloire et passions d'une femme peintre (1593-1654)"

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Exposition "Artemisia : Pouvoir, gloire et passions d'une femme peintre (1593-1654)"

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Alexandra Lapierre vous présente l'exposition "Artemisia : Pouvoir, gloire et passions d'une femme peintre (1593-1654)" - Musée Maillol à Paris du 14 mars 2012 au 15 juillet 2012. http://www.mollat.com/livres/artemisia-1593-16953-pouvoir-gloire-passions-une-jeune-peintre-exposition-paris-fondat-9782070136803.html http://www.mollat.com/livres/alexandra-lapierre-artemisia-9782266225144.html Notes de Musique : Vergine Bella - Madrigal da sonar - 20 - Vergine bella che di sol vestita

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Gymnastique - Où sont les femmes peintres de la Renaissance ? - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Gymnastique - Où sont les femmes peintres de la Renaissance ? - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Gymnastique - Où sont les femmes peintres de la Renaissance ? - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Elles égalent Léonard de Vinci, Le Titien et Botticelli... Pourtant, depuis 500 ans, leurs œuvres dorment dans les greniers des églises et musées de Florence. Aujourd'hui, à la tête de la fondation Advancing Women Artists, Linda Falcone se bat pour restaurer plus de 2000 tableaux des oubliées de la Renaissance et combler les annales de l'histoire de l'art.

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Femme d’art ( avec des podcasts sur les femmes dans l’art)

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Femme d’art ( avec des podcasts sur les femmes dans l’art)

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Le média des femmes qui font le monde de l'art

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Les textes biographiques/ Parcours thématiques/

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Aware : création en 2014, l’association AWARE travaille à rendre visibles les artistes femmes des XIXe et XXe siècles

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Aware : création en 2014, l’association AWARE travaille à rendre visibles les artistes femmes des XIXe et XXe siècles

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Villa Vassilieff - 21, avenue du Maine 75015 Paris (France) - info[at]aware-art[.]org - +33 (0)1 55 26 90 29

© 2023 Archives of Women Artists, Research and Exhibitions.
Tous droits réservés dans tous pays/All rights reserved for all countries.

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Page d'accueil - AWARE Women artists / Femmes artistes

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AWARE : Archives of Women Artists, Research and Exhibitions vise à créer, indexer et diffuser des informations sur les femmes artistes du XXe siècle.

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Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842).-Toute une vie par Perrine Kervran, France Culture (58mn)

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Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842).-Toute une vie par Perrine Kervran, France Culture (58mn)

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À travers ses portraits, dont les plus célèbres auprès du public furent les représentations de Marie-Antoinette, c'est en effet tout l'Ancien Régime qui défile sous nos yeux. "Madame" Vigée Le Brun peint la Cour, les puissants, les élégantes, les modes, un art de vivre...

Une première rétrospective consacrée à l'ensemble de son œuvre au Grand Palais rend aujourd'hui un juste hommage à l'éblouissante portraitiste et coloriste que fut Vigée Le Brun.

Sa peinture cultivée, dans la lignée de Rubens, de Raphaël, de Van Dyck, a l'art de transcrire la transparence d'une carnation, les vibrations d'un visage, le drapé et la sensualité des étoffes. Loin d'être compassée, Vigée Le Brun capte la vie. Elle fut une femme libre, indépendante financièrement, qui revendiqua son statut d'artiste. Aucun lien, aucun événement ne parvinrent à entraver sa liberté. C'est une trajectoire exceptionnelle que la sienne.

Elle naquit la même année que Marie-Antoinette, en 1755, au sein d'une famille d'artistes, connut la gloire dès sa quinzième année, fréquenta l'élite et les artistes de son temps, fut admise en 1783 à la très prestigieuse et masculine Académie Royale de peinture qui n'acceptait que cinq femmes en son sein, portraitura la Cour de France et les royautés d'Europe, fut acclamée dans tous les pays européens dans lesquels elle séjourna durant son exil de douze ans et fut reçue dans les académies les plus prestigieuses du monde.

Était-elle en porte-à-faux avec les idées de son temps ? Certes, mais elle fut aussi une femme des Lumières par sa sensibilité, son goût des voyages, le sentiment "rousseauiste" de la nature et son penchant pour le pittoresque. Aspect moins connu de son œuvre : Elle réalisa de nombreux pastels de paysages lors de son intrépide traversée de l'Europe pendant les années d'émigration.

De retour en France, elle resta d'une fidélité absolue à ses convictions royalistes, dédaigna les fastes et les honneurs de l'Empire, mais continua à vivre l'actualité culturelle de son temps, recevant dans son salon la nouvelle génération des poètes et des musiciens romantiques. Dans les dernières années de sa vie, elle troqua la palette pour la plume, portraiturant en mots dans ses Souvenirs, ce monde disparu qu'elle avait tant admiré.
Rediffusion du 07.11.2015

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À LIRE AUSSI

Intervenants

Cécile Berly, historienne

Xavier Girard, historien de l'art

Geneviève Haroche-Bouzinac, biographe d'Elisabeth Louise Vigée Le Brun

Xavier Salmon, conservateur général du patrimoine, commissaire avec Joseph Baillio de l'exposition consacrée à Elisabeth Louise Vigée Le Brun au Grand Palais (23.09.2015 - 11.01.2016)

Textes lus par Yasmine Modestine.

Pour aller plus loin

Le fabuleux destin d'Elisabeth Vigée Le Brun, peintre de Marie-Antoinette, un documentaire de Jean-Frédéric Thibault, réalisé par Arnaud Xainte (ARTE France, Illégitime Défense, en partenariat avec la RMN, 94 mn, 2015).

Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1755 -1845), portraitiste de la Reine, sur le site du Château de Versailles.

Élisabeth Vigée Le Brun en 5 chefs-d'œuvre, sur le site Connaissances des arts.com (29.03.2021).

Élisabeth Vigée Le Brun en 2 minutes, un article de Claire Maingon sur le site BeauxArts.com (08.03.2020).

Demain, retrouvez Walt Disney (1901-1966), un documentaire de Barbara Turquier, réalisé par Gilles Davidas.

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Elisabeth Louise Vigée Le Brun (1755-1842)

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À travers ses portraits, dont les plus célèbres auprès du public furent les représentations de Marie-Antoinette, c'est en effet tout l'Ancien Régime qui défile sous nos yeux. "Madame" Vigée Le Brun peint la Cour, les puissants, les élégantes, les modes, un art de vivre...

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"Elles font l'art" : visite privée au Centre Pompidou - Culturebox

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"Elles font l'art" : visite privée au Centre Pompidou - Culturebox

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"Elles font l'art" : visite privée au Centre Pompidou

culture 26 min tous publics

présenté par : Noëmie Roussel

Où sont les femmes ? Confinées dans l'ombre depuis des siècles, les femmes artistes gagnent enfin la reconnaissance des musées. C'est notamment le cas au Centre Pompidou, depuis plusieurs années. Mais cette visibilité a été acquise au prix d'une lutte importante et après un processus d'invisibilisation de leurs créations. Dans cette émission de 40 mn environ, Noëmie Roussel nous emmène à la découverte de ces femmes artistes qui ont marqué l'Histoire de l'art du 20è siècle ​ jusqu'à nos jours. L'émission se déroule intégralement au Centre Pompidou, avec la participation de différentes intervenantes, dont la conservatrice et commissaire d'exposition, Christine Macel, l'artiste contemporaine Agnès Thurnauer et la chorégraphe et performeuse Ola Masciejevska.

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Culturebox, l'expo "Elles font l'art" : visite privée au Centre Pompidou

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Où sont les femmes ? Confinées dans l'ombre depuis des siècles, les femmes artistes gagnent enfin la reconnaissance des musées. C'est notamment le cas au Centre Pompidou, depuis plusieurs années. Mais cette visibilité a été acquise au prix d'une lutte importante et après un processus d'invisibilisation de leurs créations.

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Alice Guy, pionnière dont le nom a été effacé de l’histoire du septième art.

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Alice Guy, pionnière dont le nom a été effacé de l’histoire du septième art.

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Résidence d'artiste avec Emmanuel Audibert à la cité scolaire avril 2022                https://www.ladepeche.fr/2022/04/21/les-eleves-travaillent-avec-des-artistes-10249036.php

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Résidence d'artiste avec Emmanuel Audibert à la cité scolaire avril 2022                https://www.ladepeche.fr/2022/04/21/les-eleves-travaillent-avec-des-artistes-10249036.php

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mécanique, musique, mouvement, programmation, écriture, lieu de l'installation, maquette, 1% artistique, labyrinthe, cité scolaire, cité médiévale, patrimoine industriel, patrimoine historique,bleu et rouge...

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Depuis 1995 la compagnie d éplie un langage théâtral presque parlé, presque acrobatique, très musical, des caprices de bidouilleurs, collectifs, en tête-à-tête, seuls, poétiques et décalés.

Ses projets de création soucieux des temps longs sont occasion à rencontrer autrement des artistes et un public.

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Depuis 1995 la compagnie 36 du mois explore, développe, déplie un langage théâtral presque parlé, presque acrobatique, très musical, des caprices de bidouilleurs, collectifs, en tête-à-tête, seuls, poétiques et décalés. Ses projets de création soucieux des temps longs sont occasion à rencontrer autrement des artistes et un public.

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Participation au Prix Lycéen de la Bande dessinée de Colomiers 2021-2022 -DAAC-Jeunes en librairie et Occitanie livres

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Participation au Prix Lycéen de la Bande dessinée de Colomiers 2021-2022 -DAAC-Jeunes en librairie et Occitanie livres

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Rencontre et discussion autour de la Bande dessinée et réalisation d'un fanzine avec Delphine Panique pour les 1ère HDA. Les élèves découvrent les métiers du livre avec la libraire Coralie Lourde

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Jeunes en librairie au Lycée de Mirepoix

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Histoires de femmes artistes, lutter pour créer – série de podcasts à écouter – France Culture

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Histoires de femmes artistes, lutter pour créer – série de podcasts à écouter – France Culture

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À propos de la série

Quelle place pour les femmes artistes dans des sociétés misogynes ? Quelle place dans l'histoire de l'art ? De la peintre Artemisia Gentileschi à la plasticienne Anni Albers, en passant par la sculptrice Camille Claudel et par la cinéaste Alice Guy, quatre portraits de femmes artistes.

Artistes femmes, histoire d'un combat !

Quelle place pour les femmes artistes dans des sociétés misogynes ? Quelle place dans l'histoire de l'art ? De la peintre Artemisia Gentileschi à la plasticienne Anni Albers, en passant par la sculptrice Camille Claudel et par la cinéaste Alice Guy, quatre portraits de femmes, d'artistes qui ont lutté pour créer, lutté pour exister.

Provenant de l'émission

Le Cours de l'histoire, du lundi au vendredi de 9h à 10h sur France Culture

Du lundi au vendredi, "Le Cours de l'histoire" remet au goût du jour le récit de l'histoire, réservant un traitement à toutes ses occurrences dans l'espace public comme dans les productions culturelles, tout en restant très attentif à l'actualité de la recherche.

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Histoires de femmes artistes, lutter pour créer : un podcast à écouter en ligne | France Culture

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Quelle place pour les femmes artistes dans des sociétés misogynes ? Quelle place dans l'histoire de l'art ? De la peintre Artemisia Gentileschi à la plasticienne Anni Albers, en passant par la sculptrice Camille Claudel et par la cinéaste Alice Guy, quatre portraits de femmes artistes.

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Synectron (projet Occitavenir 2021)       Rencontre pour les 3 niveaux avec la compagnie La Ménagerie Échange avec les artistes vidéastes sur leurs métiers et leurs productions.  Temps particulier de création avec les terminales pour du repérage et la construction d’un scénario en vue de la production d’un ﬁlm collectif.             

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Synectron (projet Occitavenir 2021)       Rencontre pour les 3 niveaux avec la compagnie La Ménagerie Échange avec les artistes vidéastes sur leurs métiers et leurs productions.  Temps particulier de création avec les terminales pour du repérage et la construction d’un scénario en vue de la production d’un ﬁlm collectif.             

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Une déambulation de deux adolescents reliant les dédales de la cité scolaire au patrimoine médiéval bâti de Mirepoix, un voyage intérieur mêlant pixilation, vidéo et dessin animé ... Réalisé par les élèves de la 2nde à la Tles en option histoire des arts, dont le titre a été emprunté à l’œuvre cubiste de l'artiste grecque Nausicaa Pastra réalisée au lycée en 1969 (dans le cadre du 1% artistique).

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Une déambulation de deux adolescents reliant les dédales de la cité scolaire au patrimoine médiéval bâti de Mirepoix, un voyage intérieur mêlant pixilation, vidéo et dessin animé ... Réalisé par les élèves de la 2nde à la Tles en option histoire des arts, dont le titre a été emprunté à l'œuvre cubiste de l'artiste grecque Nausicaa Pastra réalisée au lycée en 1969 (dans le cadre du 1% artistique).

- MIMA - Drac Occitanie - Région Occitanie - Avec le soutien du dispositif Occit'Avenir - Ville de Mirepoix - Cité scolaire de Mirepoix

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Une déambulation de deux adolescents reliant les dédales de la cité scolaire au patrimoine médiéval bâti de Mirepoix, un voyage intérieur mêlant pixilation, vidéo et dessin animé ... Réalisé par les élèves de la 2nde à la Tles en option histoire des arts, dont le titre a été emprunté à l'œuvre cubiste de l'artiste grecque Nausicaa Pastra réalisée au lycée en 1969 (dans le cadre du 1% artistique).

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Romans pour le café littéraire (romans présents au CDI)

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Romans pour le café littéraire (romans présents au CDI)

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Café littéraire 1ères du 10 décembre 2021 autour des romans sur l'Histoire des arts + rencontre avec la libraire de Mirepoix

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Café littéraire 1ères du 10 décembre 2021 autour des romans sur l'Histoire des arts + rencontre avec la libraire de Mirepoix

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Art et féminisme                                         (Podcast)The Frame - Frida Kahlo by Centre Pompidou         

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Art et féminisme                                         (Podcast)The Frame - Frida Kahlo by Centre Pompidou         

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The Frame - Frida Kahlo by Centre Pompidou

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Bienvenue dans Un podcast, Une œuvre, le podcast du Centre Pompidou qui questionne art et société.

Frida Kahlo est aujourd’hui une icône populaire de liberté. Peintre prolifique, elle brille dans l’histoire par sa créativité, sa force de caractère et sa façon de bousculer les codes. Découvrez dans son autoportrait les multiples facettes d’une artiste révolutionnaire qui a fait de sa vie un combat.
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Crédits :

Écriture et réalisation : Elsa Daynac
Lectures : Pauline Caupenne, Hélène Bressiant
Extraits musicaux : Barabara, Inti-Illimani, Juliette Greco et Catherine Delasalle

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Art et féminisme                                                (Podcast)  Femme sans tête - Nil Yalter by Centre Pompidou                                                                                                   

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Art et féminisme                                                (Podcast)  Femme sans tête - Nil Yalter by Centre Pompidou                                                                                                   

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Femme sans tête - Nil Yalter by Centre Pompidou

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Dans cette œuvre, Nil Yalter inscrit sur son ventre un texte philosophique qui parle… de clitoris. Réalisée en 1974, en plein essor du mouvement féministe, la vidéo de cette artiste franco-turque est tout autant une revendication du plaisir féminin qu’une dénonciation des mutilations sexuelles imposées aux femmes. Découvrez les revendications jubilatoires de Nil Yalter en écoutant cet épisode d’ « Un podcast, une œuvre ».

Crédits
Écriture et réalisation : Elsa Daynac
Lectures : Hélène Bressiant, Pauline Caupenne
Extraits musicaux : Giedré, Jeanne Cherhal, Anne Sylvestre et Colette Renard

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Art et féminisme                                                   (Podcast)  Victims, The War - Nancy Spero by Centre Pompidou   

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Art et féminisme                                                   (Podcast)  Victims, The War - Nancy Spero by Centre Pompidou   

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Victims, The War - Nancy Spero by Centre Pompidou

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Découvrez l’engagement artistique et radical de Nancy Spero contre la guerre du Vietnam à travers son œuvre Victims. Pour l’artiste américaine, sexe masculin et violence sont liés. Elle dessine et peint des bombes sanglantes et phalliques qui crient sur le papier. Restée dans l’anonymat et dans l’ombre de son mari l’artiste Leon Golub jusque dans les années 1970, elle décide de faire de son art un cri, à une époque où les rapports de genre dans l’art et dans la société se mettent à changer.

« Son art sera un engagement, une réaction au temps présent, au bruissement du monde, au claquement des bombes. » Elsa Daynac 

Crédits 
Ecriture et réalisation : Elsa Daynac
Direction éditoriale et production : Clara Gouraud
Mixage : Ivan Gariel
Habillage musical : Nawel Ben Kraiem et Nassim Kouti
Lectures des textes de Nancy Spero : Astrid adverbe
Lectures de Judith Butler et Hamda Khamis : Claire Olivier
Interview de Jean Frémont, Galerie Lelong, et de Marie Buscato, sociologue du genre
Archive de conférence Un dimanche, une œuvre, par Elisabeth Lebovici en 2005
Extraits musicaux : Miossec, Fabienne, Eddy de Pretto, Angèle et Clara Lucciani

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Art et féminisme (Podcast) Tirs avec Niki De Saint-Phalle du Centre Pompidou

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Art et féminisme (Podcast) Tirs avec Niki De Saint-Phalle du Centre Pompidou

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Tirs - Niki de Saint Phalle by Centre Pompidou

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Bienvenue dans Un podcast, Une œuvre, le podcast du Centre Pompidou qui questionne art et société.

Dans cet épisode, partez à la rencontre des Tirs de Niki de Saint Phalle. À une époque où les femmes n’avaient ni le droit de travailler ni d’ouvrir un compte en banque sans l’autorisation de leur mari, Niki de Saint Phalle prend les armes et tire sur les injustices sociales. Par ce geste à la fois destructeur et créatif, elle se reconstruit et se réinvente, et nous invite, à notre tour, à réinventer la place des femmes dans la société, et dans le musée.

« Si tout est une histoire de pouvoir de phallus, Niki va montrer qu’il existe le pouvoir de l’utérus. » Elsa Daynac

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Les 2nde option HDA au Mémorial  de Rivesaltes dans le cadre "livre et lecture" organisé par l'Association Occitanie livre et lecture 03 décembre 2021

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Les 2nde option HDA au Mémorial  de Rivesaltes dans le cadre "livre et lecture" organisé par l'Association Occitanie livre et lecture 03 décembre 2021

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Les lycéens mirapiciens au camp de Rivesaltes en présence de l'exposition Josep Bartoli

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Cie Belova - Iacobelli | Théâtre                                                           

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Spectacle Tchaïka à Lavelanet 30 novembre

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Spectacle Tchaïka à Lavelanet 30 novembre

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Tchaïka est le premier spectacle de la Compagnie Belova – Iacobelli.  Dans les coulisses d’un théâtre, une vieille actrice au crépuscule de sa vie ne sait plus ce qu’elle fait là. S’approchant d’elle, une femme lui rappelle la raison de sa présence : interpréter le rôle d’Arkadina dans “La mouette” de Tchekhov.

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L'actrice et metteuse en scène chilienne Tita Iacobelli et la marionnettiste belgo-russe Natacha Belova se sont rencontrées en 2012 à Santiago du Chili dans le cadre du Festival La Rebelión de los Muñecos.

En 2015, elles créent un laboratoire de recherche autour du théâtre contemporain de marionnette dans la même ville. À la fin de cette expérience de deux mois, elles décident de créer ensemble un spectacle.

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L'actrice et metteuse en scène chilienne Tita Iacobelli et la marionnettiste belgo-russe Natacha Belova se sont rencontrées en 2012 à Santiago du Chili dans le cadre du Festival La Rebelión de los Muñecos. En 2015, elles créent un laboratoire de recherche autour du théâtre contemporain de marionnette dans la même ville.

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 A la fenêtre...Rêverie photographique avril-mai 2020

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 A la fenêtre...Rêverie photographique avril-mai 2020

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5 conférences de Michel Pastoureau depuis le Musée du Louvre

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5 conférences de Michel Pastoureau depuis le Musée du Louvre

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n°1 : L'historien face à la couleur

n°2 : Pigments et colorants (vue au cinéma)

n°3 : Pratiques et codes vestimentaires

n°4 : Les couleurs du blason et leurs symboliques

n°5 : La ''révolution bleue'' des XIIe et XIIIe siècles

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Sortie fédératrice : Musée du Livre à Montolieu 23 septembre

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Sortie fédératrice : Musée du Livre à Montolieu 23 septembre

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Vous êtes ici : Accueil › › Lycée › Page courante : Histoire des arts à MONTOLIEU Blog

Par admin cite-scolaire-mirepoix, publié le lundi 18 octobre 2021 15:08 - Mis à jour le lundi 18 octobre 2021 15:08

Histoire des arts à MONTOLIEU, des rencontres et des découvertes passionnantes !

Cette année, 42 élèves du lycée de Mirepoix ont choisi de suivre des cours en Histoire des arts (option en seconde, spécialité pour le bac en première et terminale) ! Cette discipline connaît un véritable succès auprès des jeunes qui sont curieux et motivés par toutes les formes artistiques à découvrir. Ils se constituent une culture générale riche qui ouvre sur nombreux débouchés professionnels (tourisme, web master, architecture, cinéma, métiers du patrimoine, édition ...).

Leurs enseignants, Mmes Falga et Sénizergues et M. Bourdoncle, ont proposé dès la rentrée le jeudi 23 septembre une sortie fédératrice pour les 3 niveaux à Montolieu, village des arts et du livre.

La fondation Franco-Ceres avait proposé un partenariat culturel avec le lycée. Elle a offert une collation sympathique aux lycéens dès leur arrivée. Pour visiter l'exposition " Les voleurs de feu ", la médiatrice Laetitia Grün a proposé des œuvres clef pour comprendre la diversité de la collection et la démarche artistique de la collectionneuse. Au cours de la matinée, les élèves ont pu écrire de petits textes personnels sur des tableaux coup de cœur qui ont ensuite été lus.

Le temps ensoleillé a encouragé les jeunes lors de leur quartier libre à explorer les petites rues du village, ses librairies et ateliers d'artistes et tous ont adoré la Manufacture qui présentait des expositions d'artistes originales dans un décor atypique de friche industrielle.

Deux ateliers étaient possibles l'après-midi : l'un au Musée du livre avec une conférence sur l'histoire de l'écriture par la calligraphe Lucile Gesta et l'autre à la Fondation sur la question du portrait en peinture avec une réalisation plastique.

Tous sont revenus enchantés avec leur autoportrait, des livres chinés, une affiche d'art brut et des souvenirs joyeux plein la tête !

L'équipe s'est jurée d'y retourner l'an prochain en vue d'un travail spécifique sur la place des femmes dans le monde de l'art.

Dans cette dynamique collective, un projet cofinancé par la région (Occitavenir) et l'association filentrope va être réalisé en Octobre et Novembre sur l'établissement et la ville de Mirepoix : la compagnie toulousaine La ménagerie interviendra pour écrire, tourner et dessiner un court métrage d'animation intitulé " D'une cité à l'autre " avec les jeunes mirapiciens.

L'espoir de recréer du lien sur le terrain revient en cette rentrée 2021. Croisons les doigts pour que l'aventure continue !

Histoire des arts à MONTOLIEU, des rencontres et des découvertes passionnantes !
22 Photos

Le Lycée Polyvalent de Mirepoix réuni en son sein un Lycée Général et Technologique (LGT) ainsi qu'un Lycée Professionnel (SEP).

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Vous êtes ici : Accueil › › Lycée › Page courante : Histoire des arts à MONTOLIEU Blog Par admin cite-scolaire-mirepoix, publié le lundi 18 octobre 2021 15:08 - Mis à jour le lundi 18 octobre 2021 15:08 Histoire des arts à MONTOLIEU, des rencontres et des découvertes passionnantes !

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Classe de terminale, spécialité
À compter de septembre 2021

Publication des programmes limitatifs d'histoire des arts en lycée pour l'année scolaire 2021-2022 et 2022-2023
Les programmes limitatifs d'histoire des arts à compter de la rentrée scolaire 2021 ont été publiés au bulletin officiel du 1er juillet 2021 :

Ressources proposées par le portail national HDA Eduscol

Ressources des académies

Autres ressources

Cindy Sherman : parcours filmé et ressources autour de l'exposition de 2020-2021 à la Fondation Vuitton

Guerrilla girls : présentation de l'exposition lorraine de 2016-2017. Des visuels d'affiches de l'exposition sont disponibles dans le dossier de presse.

L'histoire par les femmes : site rappelant l'existence des femmes militantes, artistes, scientifiques, sportives, aventurières ou politiques qui ont fait basculer l'histoire de l'humanité, d'une manière ou d'une autre

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Ressources autour de la question Objets et enjeux de l'histoire des arts : femmes, féminité, féminisme

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Classe de terminale, spécialité À compter de septembre 2021 Publication des programmes limitatifs d'histoire des arts en lycée pour l'année scolaire 2021-2022 et 2022-2023 Les programmes limitatifs d'histoire des arts à compter de la rentrée scolaire 2021 ont été publiés au bulletin officiel du 1er juillet 2021 : Cindy Sherman : parcours filmé et ressources autour de l'exposition de 2020-2021 à la Fondation Vuitton Guerrilla girls : présentation de l'exposition lorraine de 2016-2017.

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(Suite) La Coopérative Musée CÉRÈS FRANCO à Montolieu Sortie du 23-09-2021

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(Suite) La Coopérative Musée CÉRÈS FRANCO à Montolieu Sortie du 23-09-2021

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Brésilienne et Parisienne d’adoption, historienne et critique d’art, commissaire d’exposition et galeriste, Cérès Franco n’a cessé tout au long de sa vie de collectionner des œuvres d’artistes du monde entier qu’elle a réunis pour leur liberté créative, leur authenticité, leur goût pour la figuration et la couleur.

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Cérès Franco naît en 1926 au Brésil. Au gré de ses lectures et découvertes, elle développe très tôt une passion pour les arts. Après avoir suivi des études d'histoire de l'art à l'université de Columbia et à la New School de New York, elle part compléter sa formation en Europe. En 1951, elle s'installe à Paris qu'elle prend comme base, visite les grands musées et galeries d'Europe et devient critique d'art. Elle se passionne pour toutes les formes d'expérimentations picturales, mais elle est spontanément attirée par celles dont les modes d'expression contournent ou remettent en cause les normes et les codes en vigueur. C'est ainsi qu'elle s'attache par exemple aux artistes qui ont fondé le mouvement CoBrA.

En 1962, elle organise sa première exposition de peinture à Paris où elle demande aux artistes de travailler sur un format ovale ou rond. Cette exposition s'intitule L'Œil de Bœuf. Ce nom deviendra l'emblème des différentes manifestations qu'elle concevra par la suite, et le nom de la galerie qu'elle ouvrira dix ans plus tard. L'année suivante, elle réalise également sous le patronage de Jean Cocteau, une grande exposition à Paris, Formes et magie. Elle y rassemble des sculptures de Picasso, Henri Laurens, Max Ernst, Takis, Dodeigne, Arp, César, Etienne Martin, Germaine Richier, etc.

En 1965 et 1966, elle présente une sélection d'artistes vivants à Paris au Musée d'art moderne de Rio de Janeiro : Opinio 65 puis Opinio 66. Le gouvernement brésilien la charge en 1972 d'organiser la sélection des meilleurs artistes pour la Triennale d'art naïf de Bratislava. La section brésilienne reçoit le prix de la meilleure sélection nationale.

Dans sa galerie, qui voit le jour en 1972, elle soutient des artistes issus de la Nouvelle Figuration qui s'opposaient au minimalisme pictural de l'époque, mais également des artistes en exil venus d'Amérique du Sud et d'Europe de l'Est, fuyant les dictatures de leurs pays et qui trouvaient, alors en Paris, un lieu où s'exprimer en toute liberté. Marcel Pouget, Jean Rustin, Michel Macréau, Jacques Grinberg, Corneille, Abraham Hadad et tant d'autres comptent aussi parmi ses invités. Parallèlement, et sous l'œil bienveillant de Jean Dubuffet, elle montre plusieurs artistes qualifiés - à l'époque - d'artistes bruts ou singuliers (Stani Nitkowski, Jaber, Chaïbia, Christine Sefolosha).

La galeriste noue des liens d'amitié forts et se nourrit d'échanges complices avec tous ces artistes. Elle aime aussi vivre entourée de leurs œuvres qui se retrouvent donc tout naturellement dans sa collection. Année après année, la collection s'enrichit pour compter aujourd'hui plus de 1 700 œuvres.

En 1994, Cérès Franco acquiert deux maisons à Lagrasse dans les Corbières et y installe sa collection qu'elle ouvre au public. En rejoignant la Coopérative de Montolieu en 2015, l'idée de transférer cette collection de façon pérenne en terre audoise fait son chemin. Fruit de rencontres et d'amitiés, la collection Cérès Franco permet de retracer la vie d'une femme qui a marqué les milieux artistiques en défendant des artistes, en toute indépendance et en s'intéressant à des formes d'art qui n'ont pas toujours leur place dans les musées et qu'Itzhak Goldberg appelle " la face cachée de l'art contemporain ".

Résolument internationale, la collection de Cérès Franco est constituée d'un ensemble exceptionnel de plus de 1 700 œuvres de la seconde moitié du XXe siècle et du XXIe siècle. Naïfs brésiliens et européens, art populaire sud-américain, art brut, autodidactes, singuliers ou encore artistes historiques issus du mouvement CoBrA ou de la Nouvelle figuration, la provenance des œuvres traduit un goût éclectique pour un art situé en marge des grands courants adoubés par les institutions et la critique, à savoir l'art abstrait et conceptuel d'après-guerre. Longtemps boudées, ces productions connaissent, depuis quelques années seulement, un regain de visibilité et de reconnaissance au sein des grands musées internationaux (Centre Georges Pompidou, Musée d'art moderne de la Ville de Paris, Musée d'art et d'Histoire du Judaïsme, LaM à Villeneuve d'Asq), mais également auprès des collectionneurs.

Sa collection a pour spécificité de réunir sous un même toit des œuvres réalisées avec des techniques très diverses (peintures, sculptures, dessins, gravures, installations, etc.) et un large éventail de courants figuratifs, où sans volonté de hiérarchie, l'art populaire côtoie celui des singuliers et des courants plus académiques. Si bien des œuvres échappent au jeu des définitions et des catégories, certaines tendances se dessinent. Au cours des cinquante dernières années, les choix artistiques de Cérès Franco ont été marqués notamment par :

Son goût prononcé pour l'art naïf et l'art populaire avec une collection d'ex-voto brésiliens, de masques mexicains et de nombreuses œuvres d'artistes naïfs brésiliens ;

Son goût pour des artistes de l'imaginaire avec le groupe CoBrA (courant des années 1950 qui valorise une expressivité plus spontanée) avec le peintre Corneille qui fait partie de ses grandes rencontres et avec de nombreux peintres autodidactes comme Chaïbia, Jaber, Christine Sefolosha ou Philippe Aïni ;

Le soutien de Jean Dubuffet, qui a orienté vers elle de nombreux artistes, à commencer par le peintre Stani Nitkowski qui figure en bonne place dans sa collection.

À l'époque, le terme d'art brut était en vogue et la collection de Cérès Franco a d'ailleurs été associée à cette forme d'art. Aujourd'hui, il serait plus approprié de parler d'artistes outsider.

La rencontre avec l'œuvre de Michel Macréau en 1960. L'écriture avant-gardiste de ce peintre déterminera beaucoup de ses choix ultérieurs. Michel Macréau sera associé pour certains à la Nouvelle Figuration, courant esthétique qu'a défendu Cérès Franco, reprenant à son compte cette appellation, et présentant dans la foulée les artistes Marcel Pouget et Jacques Grinberg et bien d'autres, tous issus des écoles des beaux arts.

L'unité d'un regard
" Les grandes collections ont toujours été faites par des individus, non des institutions, et sur des coups de cœur, des partis-pris, de façon essentiellement subjective, en suivant la loi du goût personnel et de la sensibilité ", estimait Laurent Danchin. Cette remarque s'applique tout à fait aux conditions dans lesquelles a été constituée la collection Cérès Franco. Au-delà des nombreux courants artistiques, elle reflète avant tout, et avec une cohérence rare, le regard d'une collectionneuse insatiable, passionnée et exigeante qui a porté son choix vers des œuvres figuratives fortes, d'une grande intensité chromatique. La figure humaine, incarnation des inquiétudes mais aussi des joies de l'existence, et l'authenticité du geste sont au centre des préoccupations de ces artistes, qu'ils soient autodidactes ou qu'ils aient suivi un cursus académique.
Un miroir actuel de nos interrogations
Une des originalités de sa collection tient justement à ce qu'elle restitue aujourd'hui plus que jamais, dans une troublante concomitance avec l'actualité, le questionnement que les artistes posent sans relâche à leurs contemporains, parce qu'il est dans leur rôle d'éclairer une société qui se cherche ou qui s'interroge sur son devenir. La plupart d'entre eux répondent au besoin impérieux d'exprimer comme une libération les émotions les plus vives, les sentiments les plus intimes ou les blessures les plus douloureuses qu'ils portent en eux. " C'est une femme qui n'avait peur de rien, et qui s'ouvrait à des artistes difficiles ", a confié encore Laurent Danchin à propos de Cérès Franco. Et en effet, toutes les œuvres qu'elle a rassemblées répondent aux engagements artistiques qu'elle a toujours proclamés à partir de ce mélange culturel subtil qui est le sien. Les œuvres peintres, sculptées ou dessinées par différentes générations de peintres et de créateurs portent témoignage de la richesse et du talent de leurs auteurs autant que de son propre engagement artistique personnel.

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Cérès Franco naît en 1926 au Brésil. Au gré de ses lectures et découvertes, elle développe très tôt une passion pour les arts. Après avoir suivi des études d'histoire de l'art à l'université de Columbia et à la New School de New York, elle part compléter sa formation en Europe.

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Hito Steyerl, How Not To Be Seen: A Fucking Didactic Educational .MOV File, 2013

© Hito Steyerl / Andrew Kreps Gallery

" Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? " : voilà la bombe lancée en 1971 par l'historienne Linda Nochlin. Soit un article, devenu culte, dans lequel elle reprend alors la question ingénue d'un ami galeriste, et y répond en éclairant les conditions de l'empêchement des artistes femmes. Près de cinquante ans plus tard, trois universitaires américaines (Lucinda Gosling, Hilary Robinson et Amy Tobin) s'unissent pour mettre en lumière le rôle primordial des artistes au sein des luttes féministes. Ou comment, par l'image, se façonne tout un combat. Retour, en cinq questions, sur l'écriture de ce (très) beau livre, qui évoque aussi bien l'éducation et les conditions d'exposition que l'impact politique de l'art au féminin.

Lucinda Gosling, Hilary Robinson, Amy Tobin, L'art du féminisme. Les images qui ont façonné le combat pour l'égalité, 1857-2017, 2019

" Berthe Morisot a réussi, grâce à son environnement riche et bourgeois, à utiliser son éducation artistique pour se forger une carrière. "

Lucinda Gosling

La première artiste sur laquelle vous écrivez est Berthe Morisot : pourquoi ce choix ?
Lucinda Gosling : Berthe Morisot est intéressante car elle était au centre du premier mouvement artistique véritablement perturbateur - les impressionnistes - et peignait dans un style extrêmement avant-gardiste pour l'époque ; pourtant, ses sujets sont souvent empruntés à la sphère domestique, avec des membres de sa famille, des intérieurs à la mode, etc.
J'aime cette dichotomie et le fait qu'elle ait fait ses propres choix. Les femmes peintres des générations précédentes devaient généralement leur succès à leurs clients, mais Berthe Morisot a réussi, grâce à son environnement riche et bourgeois, à utiliser son éducation artistique pour se forger une carrière, choisir ses sujets et exposer ses peintures aux côtés de peintres hommes. Son travail est le reflet d'un univers féminin, certes privilégié mais souvent contraint, et rendu avec un talent à couper le souffle.
Quel rôle l'imagerie féministe a-t-elle joué dans la lutte pour le vote des femmes ?
Lucinda Gosling : L'art et le mouvement des suffragettes étaient intimement liés ; encore aujourd'hui, nous associons ce dernier à certaines images puissantes. De nombreuses militantes étaient artistes, ce qui n'est en rien surprenant si l'on pense aux obstacles qu'elles pouvaient également rencontrer dans le monde de l'art. Elles ont utilisé leurs compétences de dessinatrices pour créer l'une des premières " identités visuelles " du monde... Et il est intéressant de comparer l'art des suffragettes, qui était toujours d'une grande qualité, avec celui de la campagne anti-droit de vote des femmes, souvent rudimentaire et vulgaire. Des bannières conçues par Mary Lowndes aux peintures murales de Sylvia Pankhurst, l'art des suffragettes présente une vision forte, intelligente et digne du mouvement des femmes, avec de nombreuses figures allégoriques symbolisant la lutte pour l'égalité. Ce qui est également intéressant, c'est que les suffragettes ont célébré leur féminité au lieu de la dissimuler, par exemple en s'habillant à la mode, ou en donnant aux mères et aux femmes âgées une place aussi importante qu'aux femmes actives et instruites.

Caroline Watts, Bugler Girl, 1908

© Alamy / Pictorial Press Ltd

" Pour les artistes femmes, et en particulier pour les artistes influencées par le féminisme, les autoportraits offraient la possibilité de mettre en image une identité. "

Amy Tobin

Votre livre est illustré de nombreux portraits, de Mary Cassatt à Zanele Muholi en passant par Tamara de Lempicka... Pourquoi ce genre est-il particulièrement populaire chez les femmes artistes ?
Lucinda Gosling : Pendant des siècles, les femmes ont été représentées par des artistes hommes. Au XIX e siècle, les femmes artistes commencent à se représenter elles-mêmes et les unes les autres, avec leur propre vocabulaire. Le regard masculin ( male gaze) commence à être remis en question par le regard féminin, et les portraits d'artistes femmes, représentées en vêtements de travail avec des chevalets, sont particulièrement puissants. Aussi, la variété de portraits que comporte notre livre met en évidence l'impossibilité à ranger l'art des femmes dans un certain style. Dans ma section, j'ai choisi de placer des nus de Gwen John et de Suzanne Valadon aux côtés d'autoportraits de Tamara Lempicka et de Claude Cahun : autant d'images et d'idées expérimentales, modernes et vivifiantes, qui montrent que les femmes remettaient en question les idées préconçues les concernant.

Amy Tobin : Les autoportraits sont importants pour beaucoup d'artistes car ils leur permettent de se représenter à travers leur propre vision : ce sont, en quelque sorte, des manifestes. Pour les artistes femmes, et en particulier pour les artistes influencées par le féminisme, les autoportraits offraient la possibilité de mettre en image une identité, et ce souvent dans le contexte d'un monde de l'art hostile, où être une femme artiste était soit impossible, soit risible. Mais il y a dans le livre de nombreuses artistes qui vont au-delà de la simple affirmation de leur présence : leurs autoportraits se lisent comme des manuels pour exister et survivre en dehors des normes imposées par le genre, la sexualité, la race et la classe sociale. Les autoportraits permettent aux femmes de créer de nouveaux mondes.

À gauche: Gwen John, Nude Girl, 1090-1910 / À droite: Suzanne Valadon, Reclining Nude, 1928

© Tate, London 2018 / © Metropolitan Museum of Art / Robert Lehman Collection, 1975

Pourquoi le corps est-il devenu une question artistique et politique essentielle ?
Amy Tobin : Le corps a longtemps été un territoire politique clé pour les droits des femmes et le féminisme - que ce soit pour les normes de beauté, l'intimité et le désir, la reproduction sexuelle ou la violence. Nous associons souvent le body art aux années 1960 et 1970, mais le corps a très tôt été une préoccupation importante. Dans une société patriarcale et hétérocentrée, le corps des femmes est un lieu de désir et de contrôle. Et ce désir ne s'arrête pas au sexe, il contamine tous les autres aspects de la vie et de l'art, se mêle à des notions de beauté, donc de moralité, et devient un prétexte pour l'empêchement des femmes. Une femme artiste ne peut y échapper, c'est pourquoi elles sont nombreuses à s'y attaquer, que ce soit par la subversion, l'humour ou la transformation. Le but ? Montrer, perturber et idéalement dépasser cette image (...). Dans un monde de plus en plus visuel, les artistes ne se concentrent plus seulement sur les représentations de la femme dans l'art, mais regardent également vers la publicité, la pornographie, le cinéma et la télévision - et maintenant, les réseaux sociaux.
À quoi ressemble l'art féministe aujourd'hui ?

Lynn Hershman Leeson, Roberta's Construction Chart 1, 1975

Amy Tobin : Il est impossible de dire à quoi ressemble l'art féministe aujourd'hui, et l'art réellement féministe n'a jamais été un style ou un mouvement particulier (...). Néanmoins, nous sommes à un moment différent de celui des années 1970 et 1980 : les féministes ont dû réfléchir aux liens qui les unissaient à d'autres mouvements de défense des droits, tels que Gay Liberation et Civil Rights, pour forger des relations de solidarité. (...) Compte tenu du monde actuel, bien plus connecté qu'auparavant, les féministes peuvent donc communiquer autour de leurs oppressions communes et de leurs différences. Aussi, de nombreuses artistes influencées par le féminisme se tournent vers l'Histoire, en particulier vers les années 1970, et ressuscitent des questions posées par la génération précédente. Car, contrairement aux historien.ne.s de l'art qui travaillent sur ces thèmes, les artistes travaillent de façon créative - et font vivre ce travail dans le temps présent.

Publié le 26 septembre 2019

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Qu'ont apporté les artistes aux luttes féministes ?

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" Pourquoi n'y a-t-il pas eu de grandes artistes femmes ? " : voilà la bombe lancée en 1971 par l'historienne Linda Nochlin. Soit un article, devenu...

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La semaine dernière, Museum TV vous proposait de découvrir 5 grandes artistes féminines qui ont marqué leur temps. De Artemisia Gentileschi à Marie Cassatt , en passant par Berthe Morisot, ces peintres sont des figures majeures de leur mouvement. Aujourd'hui, nous vous proposons de découvrir 5 autres artistes célèbres qui les ont suivies.
Camille Claudel (1864-1943)

Camille Claudel à l'âge de 20 ans, photographe inconnu

Sculptrice et artiste peintre française, Camille Claudel est la sœur du poète Paul Claudel. Ses œuvres sculpturales, à la croisée du réalisme et de l' impressionnisme, s'apparentent au mouvement de l' art nouveau qui s'appuie sur l'esthétique des lignes courbes. Si son art est associé à ce mouvement pictural, c'est car l'artiste maîtrisait à la perfection les courbes et les méandres.

Élève de Auguste Rodin, dont elle sera également la maîtresse pendant une dizaine d'années, elle participe à la conception de certaines sculptures du maître, en qualité d'assistante, comme le groupe statuaire des "Bourgeois de Calais" ou encore l'immensément célèbre sculpture "". Rodin dira d'elle qu'elle exerce une influence certaine sur lui et qu'elle est sa meilleure conseillère.

S'accordant une liberté dans son art qui choque de la part d'une femme pour l'époque, Camille ne se voit passer que très peu de commandes. La manière dont elle sculpte ses nus est jugée comme trop crue.

Aujourd'hui considérée comme une artiste majeure de la sculpture, Camille Claudel finit sa vie dans une grande précarité et empreinte à une folie qui la fera interner.

Marie Laurencin (1883-1956)

" Avec ta robe longue, tu ressemblais à une de Marie Laurencin" chante Joe Dassin en 1975 dans sa sublime chanson " L'été indien".

Marie Laurencin par Carl Van Vetchen (1949)

Artiste figurative française, Marie Laurencin est également graveuse et illustratrice. Associée à la naissance de l' art moderne, période initiée par Edouard Manet et les impressionnistes, Marie Laurencin est à l'origine d'un processus de création qui lui est propre, alliant fauvisme et cubisme, qualifié de nymphisme.

Élève à l' école de Sèvres et Académie Humbert, elle devient très vite son propre modèle et se perfectionne dans les autoportraits. Accusée et moquée pour son style qui est qualifié de mièvrerie féminine, l' artiste ne baisse cependant pas les bras et persiste dans la création de son style personnel, évoluant au début du XXème siècle vers des tons pastels : gris, bleu, rose.

En 1930, elle participe au salon des femmes artistes modernes, reconnaissant au même moment la réelle difficulté d'être une femme dans un monde originellement réservé aux hommes.

Tamara de Lempicka (1898-1980)

Une artiste libérée qui ne connait pas le tabou, une femme libre qui ne dépend que d'elle même, une peintre moderne qui ne s'assujettie d'aucune injonction. C'est de cette manière que l'on pourrait décrire Tamara de Lempicka, peintre art déco d'origine polonaise.

Elle conduit, flirte en public avec des hommes, et surtout, représente les femmes dans toute leur sensualité et leur intimité dans son œuvre. Exilée de Saint Pétersbourg, où elle a grandi, à cause de la révolution d'octobre 1917, elle trouve refuge à Paris. Traumatisée par les guerres et révoltes qu'elle connaît au cours de sa vie et qui la chamboulent, elle utilise l' art comme une arme pour réparer les outrages qu'elle a subi.

Influencée par le futurisme italien et les avant-gardes polonaises, elle est l'élève de Maurice Denis qui lui insuffle l'idée que l' art doit être décoratif.

Ouvertement bisexuelle, à l'instar de sa contemporaine Frida Kahlo, Tamara de Lempicka est une figure de l' émancipation féminine, dans son art comme dans sa vie personnelle. Malgré une production d' œuvre modeste, la peintre est considérée comme une grande artiste de son temps.

Frida Kahlo (1907-1954)

Comment parler des grandes femmes qui ont fait l' Histoire de l'Art sans mentionner l'une des plus renommées d'entre elles ? Frida Kahlo est, à juste titre, l'une des plus célèbre peintre de l'histoire.

Frida Kahlo
© TFV International

Féministe engagée, artiste au destin tragique, vous pouvez retrouvez un article que Museum TV a publié à ce sujet en cliquant ici.

Autodidacte de la peinture, l' artiste se spécialise dans les autoportraits lorsqu'elle se retrouve alitée pendant 3 mois suite à un très grave accident de bus. A l'aide d'un miroir, elle se peint, en position couchée, avec une exactitude remarquable.

Artiste réaliste, elle est notamment connue pour son tableau " La colonne brisée", exprimant toute la souffrance que la peintre mexicaine a endurée au long de sa vie. Entre 1925 et 1954, année de sa mort, Frida Kahlo réalise 143 œuvres dont 55 autoportraits.

Niki de Saint Phalle (1930-2002)

Voilà une artiste que l' art a sauvé. Niki de Saint Phalle a subi un bon nombre de drames dans sa vie : le viol par son père lorsqu'elle est âgée de 11 ans, une dépression nerveuse la conduisant à l'hôpital psychiatrique où elle reçoit des électrochocs... Son parcours l'a ainsi poussé à devenir une artiste, exprimant par ses oeuvres tout son mal-être et l'aidant a en sortir :
" J'ai commencé à peindre chez les fous... J'y ai découvert l'univers sombre de la folie et sa guérison, j'y ai appris à traduire en peinture mes sentiments, les peurs, la violence, l'espoir et la joie. "

Niki de Saint Phalle en 1964
© Erling Mandelmann

Profondément féministe, la peintre du groupe des nouveaux-réalistes dénonce le patriarcat avec ses célèbres nanas, sculptures représentants le corps féminin, le célébrant dans toute ses formes et ses rondeurs, remplies de couleurs vives et de surfaces décoratives. Commencées à la fin des années 60, ces sculptures s'opposent à la série violente des " tirs", où l' artiste extériorise le mal qui l'a ronge en tirant, à la carabine, de la peinture sur des toiles immaculées.

Nana à Montreal
© art_inthecity

Retrouvez Niki de Saint Phalle dans "Niki de Saint-Phalle, un rêve d'architecte", le jeudi 1er avril à 20h30 (UTC +1) sur Museum TV !

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Les plus grandes artistes féminines au cours de l'Histoire - partie 2 - MuseumTV

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La semaine dernière, Museum TV vous proposait de découvrir 5 grandes artistes féminines qui ont marqué leur temps. De Artemisia Gentileschi à Marie Cassatt , en passant par Berthe Morisot, ces peintres sont des figures majeures de leur mouvement. Aujourd'hui, nous vous proposons de découvrir 5 autres artistes célèbres qui les ont suivis.

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Les plus grandes artistes féminines au cours de l'Histoire - partie 1 - MuseumTV

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Au cours de l'Histoire, les noms de grandes femmes, piliers et précurseurs dans l'art se sont succédé. Museum TV vous présente aujourd'hui 5 d'entre elles. L'une des plus célèbre peintre féminine du 17ème siècle naît à Rome le 8 juillet 1593.

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S'ORIENTER DANS LES MÉTIERS DE L'ART ET DE LA CULTURE

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Femmes, féminité, féminisme ; Objets et enjeux de l'histoire des arts 

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Femmes, féminité, féminisme ; Objets et enjeux de l'histoire des arts 

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L'impressionnisme est un mouvement artistique du XIXe siècle, né dans les années 1860 et qui prend fin dans les années 1890. Claude Monet, Auguste Renoir, Berthe Mor

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Tokyo

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La vallée de la Seine 1830-1900

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Collection iconographique de la Bibliothèque Nationale

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Plusieurs millions de documents consultables et téléchargeables gratuitement : livres, manuscrits, cartes et plans, estampes, photographies, affiches, revues, fascicules de presse et journaux, enregistrements sonores, partitions

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Vidéomuseum : Réseau des collections publiques d'art  moderne et contemporain

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Vidéomuseum : Réseau des collections publiques d'art  moderne et contemporain

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Videomuseum - Réseau des collections publiques d'art moderne et contemporain

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Videomuseum est un réseau de musées et d'organismes gérant des collections d'art moderne et contemporain (musées nationaux, régionaux, départementaux ou municipaux, Cnap (collection du Fnac), Frac, fondations) qui se sont regroupés pour développer, en commun, des méthodes et des outils utilisant les nouvelles technologies de traitement de l'information afin de mieux recenser et diffuser la connaissance de leur patrimoine muséographique.

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L'Histoire par l'image explore les événements de l'histoire de France et les évolutions majeures de la période 1643-1945.

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Vidéos Histoire des Arts

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Les Moissonneurs

Le Bonheur est dans le pré ? (13 min)
Holbein
Le Marchand Georg Gisze

Le Monde mis en boîte (11 min) - Nouveau
Botticelli
La Naissance de Vénus (1483/85)

Cet obscur objet du désir (13 min)
Van Gogh
La Nuit étoilée (1889)

La Nuit étoilée contre la ville moderne ? (11 min)
Delacroix
La Liberté guidant le peuple

Icône malgré elle ? (27 min)

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Les Moissonneurs Le Bonheur est dans le pré ? (13 min) Holbein Le Marchand Georg Gisze Le Monde mis en boîte (11 min) - Nouveau Botticelli La Naissance de Vénus (1483/85) Cet obscur objet du désir (13 min) Van Gogh La Nuit étoilée (1889) La Nuit étoilée contre la ville moderne ?

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Bibliothèque Numérique de l'Institut National d'Histoire des Arts

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Bibliothèque Numérique de l'Institut National d'Histoire des Arts

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Institut national d'histoire de l'art - INHA

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L'Institut national d'histoire de l'art (INHA) exprime sa solidarité avec le peuple ukrainien dans sa lutte contre l'invasion. L'Institut témoigne également son soutien à toutes celles et tous ceux qui, en Biélorussie et en Russie, se mobilisent contre le forfait perpétré en leur nom.

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Une province française du IXè au XIVè siècles : Le Languedoc

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Période 1 : des origines des arts au Ve siècle                         _  l’Égypte de la XVIIIe dynastie, du XVIe au XIIIe siècle av. JCBabylone, du XIIe au VIe siècle av. JC    

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Période 1 : des origines des arts au Ve siècle                         _  l’Égypte de la XVIIIe dynastie, du XVIe au XIIIe siècle av. JCBabylone, du XIIe au VIe siècle av. JC    

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Le pharaon Akhenaton : révolution politique et religieuse, le culte d’Aton, les temples égyptiens, la cité de Tell Amarna et la vie quotidienne. Le tombeau du Pharaon Toutankhamon (découverte, rites et matériel funéraire, Egyptomania...)

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Poème "Liberté" mis en voix et en images 2021

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Poème "Liberté" mis en voix et en images 2021

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"Liberté" de Paul Eluard  par les élèves de l'enseignement Histoire des Arts au Lycée de Mirepoix 09

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Serge BINOTTO concepteur de la maison ronde à Mirepoix

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Serge BINOTTO concepteur de la maison ronde à Mirepoix

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Ariège : la maison Jean Prouvé de Mirepoix en danger

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Une rapide présentation par Renaud Barrès, architecte et ancien directeur du CAUE de l'Aude, de la vie de Jean Prouvé, de ses idées et de son œuvre, notamment à la lumière de la philosophie de l'École de Nancy suivie de... " Construire avec Jean Prouvé " par Serge Binotto (à partir de 24 minutes)

Architecte, Serge Binotto a été l'assistant de Jean Prouvé au Cnam, puis son collaborateur au bureau d'étude " Les blancs manteaux ". Pour ses parents, il a conçu une maison à Mirepoix (Ariège) inspirée des principes constructifs de Prouvé.

Cette conférence a été donnée à la Maison de l'Architecture et de l'Environnement de l'Aude, à Carcassonne, le 21 mai 2015, à l'invitation du CAUE de l'Aude et à l'occasion du Mois de l'Architecture 2015, dans le cadre du cycle "Les grands architectes qui ont fait le XXème siècle".

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Une rapide présentation par Renaud Barrès, architecte et ancien directeur du CAUE de l'Aude, de la vie de Jean Prouvé, de ses idées et de son œuvre, notamment à la lumière de la philosophie de l'École de Nancy suivie de...

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Conférence/débat Serge BINOTTO Collaborateur de Jean Prouvé de 1961 à 1979 le 15 nov. 2018 à l'ENSA Toulouse

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Conférence/débat Serge BINOTTO Collaborateur de Jean Prouvé de 1961 à 1979 le 15 nov. 2018 à l'ENSA Toulouse

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Conférence Serge Binotto
conférence / débat de SERGE BINOTTO Collaborateur de Jean Prouvé de 1961 à 1979 le 15 nov. 2018 à l'ENSA Toulouse
Rencontre organisée par l'atelier de projet architectural et urbain " Patrimoine(s) en projet - Habitat collectif du XXe siècle, préexistence et architecture de la modification " Nathalie Prat et Anne Sassus, avec les ateliers " Territoire - Matière d'architecture " Raphaël Van der Beken et " De la matière aux matériaux " Laurent Gaudu et le séminaire " Patrimoines : théories et dispositifs " Françoise Blanc et Rémi Papillault.
Avec la participation de Barthélémy Dumons, architecte, président de l'association Maison Ronde.
Bras droit de Prouvé pendant plus de 18 ans, Serge Binotto partage avec lui les traits d'un découvreur autodidacte, passionné de construction. Son maître devenu ami, lui confie d'importants projets, comme les halles d'Alpexpo à Grenoble, aujourd'hui labellisées patrimoine XX , les façades courbes du siège du parti communiste d'Oscar Niemeyer, le campanile de la chapelle de Ronchamp, le pavillon Le Corbusier à Zurich, les stations Total sur plan circulaire, les arcs 2000, etc. Il n'a pas 30 ans lorsqu'il réalise la maison Ronde de Mirepoix pour ses parents, aujourd'hui inscrite comme monument historique. Jean Prouvé lui permet d'enseigner très jeune à ses côtés au Centre National des Arts et Métiers (CNAM), et sa carrière d'enseignant se prolongera à l'ESAG auprès de Guillaume Met de Penninghen, puis à l'ENSCI fondée sous le parrainage de Jean Prouvé et Charlotte Perriand. Sans complexe, seul et sans appuis, il se lance dans des entreprises risquées, menées à bien avec force de ténacité et d'esprit d'invention. [... Serge Binotto a aujourd'hui 80 ans. Il est selon ses dires " n homme heureux " " . La construction et l'innovation lui tiennent toujours à coeur. Il rend hommage à Jean Prouvé et à tous ses professeurs qui lui ont permis d'apprendre, d'entreprendre et lui ont donné la volonté de remettre cent fois sur le mŽétier son ouvrag

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conférence / débat de SERGE BINOTTO Collaborateur de Jean Prouvé de 1961 à 1979 le 15 nov.

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Une maison Jean Prouvé en Ariègepar Barthélémy Dumons, architecte

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Une maison Jean Prouvé en Ariègepar Barthélémy Dumons, architecte

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￼Les rencontres régionales de l'ingénierie 2018 / ￼La reprise de l'activité économique en architecture / ￼Autour du travail de Serge Bin... See More

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￼Les rencontres régionales de l'ingénierie 2018 / ￼La reprise de l'activité économique en architecture / ￼Autour du travail de Serge Binotto / ￼Mairie de Mireval-Lauragais (11) / ￼Habiter le delta du Méko