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Cette fresque peinte par le célèbre artiste du trecento (XIVe siècle) Lorenzeti se trouve dans la salle du gouvernement dans le palais de Sienne. Sur cette fresque on retrouve la pensée d’Aristote ce qui prouve que Lorenzeti a lu le Quadrivillum (arithmétique, géométrie, astronomie, musique) et le Trivillum (grammaire, réthorique, dialéctique) avec la femme aux 2 justices : la justice commutative et la justice distributive (aide sociale)

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Ces fresque qui ne sont pas cohérentes sont appelées des grotestques. Nous en avons retrouvé dans les anciennes maisons romaine telle que la Domus Aurea du célèbre empeureur romain Néron

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De la galerie des Offices, nous pouvions apercevoir le corridor imaginé par le célèbre artiste Vasari à la demande de la plus puissante et influente famille de Florence : les Médicis.
Cela leur permettait de se déplacer sans être dérangés. Le corridor faisait à peu près 1km de long et parcourait Florence. Ce dernier causa des problèmes car lors de sa construction certaines familles possédant les maisons tours que l’on aperçoit sur la photo ne voulaient que le corridor passe dans leur maison. Néanmoins, grâce à son génie Vasari réussit avec succés ce « passage secret » .

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Ceci est une sculpture intitulée "l'esclave". Elle a été faite par MicelAnge et elle est présente à l'académie des Beaux Arts. On voit ici représenté Atlas; on le reconnaît grâce à la position de son corps (on voit que c'est un homme qui porte quelque chose sur son dos) puisque le non finito ne nous permet pas de connaître son visage (donc anonyme). On voit aussi très bien la technique du non finito, très souvent utilisée par MichelAnge. Cette technique consiste à ne pas tailler ni sculpter une partie de l'oeuvre afin de rajouter de l'expressivité. Ici, il y a plus de non finito que de partie achevée. Grâce à cela, on a l'impression que l'homme est piégé par la pierre mais aussi qu'il sort du bloc ce qui donne plus de vivant à l'oeuvre. On voit aussi le travail de l'artiste en cours ce qui permet de nous faire comprendre la difficulté de la tâche. Ceci est aussi une manière pour MichelAnge de rester humble par rapport à Dieu, qui est le grand créateur. Pourtant, le non finito n'a pas été fait exprès. On reconnaît facilement le travail de MichelAnge grâce à l'inachevé, au modelé du corps et au mouvement de la sculpture. Je trouve cette sculpture surprenante puisqu'on s'attendrait à ce qu'une oeuvre qui n'est, presque pour la moitié, pas terminée, ne transmette aucune émotion. Cependant, au contraire, l'expressivité est d'autant plus présente que l'on ne connaît pas la totalité de la figure. On en voit juste assez pour s'imaginer une histoire derrière cet homme piégé qui tente de s'échapper bien qu'il est un gros fardeau sur le dos.

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Sénéchal Juliette

Le dernier jour, nous avons visité la plus ancienne synagogue d’Europe. Nous y avons vu de nombreuses chose, comme un rouleau de la Torah ainsi que le balcon des femmes, qui ne peuvent pas se trouver avec les hommes dans la partie principale de la synagogue car elles sont considérées plus proche de dieu, puisqu’elles peuvent donner vie à un être humain.

Ce qui m’a le plus plus dans la synagogue sont les dessins muraux (dessins floraux et étoiles de David)

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Les conditions d’un bon gouvernement de Lorenzetti +1

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Les conditions d’un bon gouvernement de Lorenzetti +1

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Sénéchal Juliette

Dans les conditions d’un bon gouvernement, Lorenzetti reprend la pensée d’aristote: d’après ce dernier, il existerait deux types de justices: la justice commutative ( tout est au même prix pour tout le monde) et la justice distributive (aides peuvent être fournies à ceux qui en ont le plus besoin).

Sur la fresque, la justice est représentée par un ange qui tient une balance, d’un côté se trouve la justice commutative(à droite) et de l’autre la justice distributive (à gauche).

Cette référence a aristote, et donc à l’antiquité montre que Lorenzetti était un homme cultivé.

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Cette décoration une marqueterie de marbre. On voit un femme tenir en équilibre sur une barque et une balle, représentant la chance.
La marqueterie est une techn qu’il est possible de réaliser avec du marbre ou avec du bois.
La marqueterie de marbre consiste à incruster de morceaux de marbre différents dans un gros bloc de marbre tansdis que la marqueterie de bois consiste à superposer plusieurs plaques de bois.

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Sénéchal Juliette
La maesta( La Vierge et l’Enfant en majesté ) de Duccio (retable) est Fidèle à l’époque bizantine, en effet la présence d’un fond d’or qui rappelle la lumière du Christ, la position hiératique des personnages ainsi que le fait fait que les personnages les plus importants soit les plus grands rappellent les icônes byzantines.

La présence de la couleur bleu symbolise la royauté et le rouge le sacrifice de Jésus (Marie sait déjà que son bébé vas se sacrifier).

Un retable est la partie postérieure et décorée d’un autel. La technique utilisée est celle du tempéra sur bois. La perspective inversée est faite de manière à ce qu’elle se dirige vers nous et nous insiste à prier.

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Vu de Florence depuis le toit du Duomo ( 468 marches)

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C’est une partie du corridor de Vasari. Le corridor a été construit par Vasari. Il va du Plazzo Vecchio au Palazzo Pitti, traverse l’Arno ( fleuve de Florence) sur le ponte vecchio et traverse également plusieurs petites maisons. Il permet au Medici de pouvoir sortir sans être vu et reconnu. Le couloir mesure plus d’un kilomètre.

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La naissance de Venus est un tableau mondialement connu peint par Botticelli. Pour ce tableau il utilisé technique appelé Tempera ou détrempe

Cette technique consiste à mélanger des pigments avec de l’œuf émulsionné ou de la colle animale .

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Sénéchal Juliette

Le 4ème jour de notre voyage, nous avons bravé le froid et la pluie pour nous rendre à l’institut français de Florence afin de découvrir un metier d’art: la sculpture!

Nous avons alors reproduit, avec de l’argile, le symbole de Côme 1er de Médicis qui est une tortue munie d’une voile, car celui ci se “hâtait lentement”.

La technique que nous avons utilisée et celle du bas relief.Nous avons passé un très bon moment!

Ci-joint ce trouve mon travail.

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Ici, nous avons vu la chaire de la Cathédrale de Sienne. Le prêtre montait sur cette chaire qui faisait office d'estrade. Cette chaire a fini été réalisée par l'architecte Nicolas Pisano en 1268 (commandée trois ans auparavent).
Au centre, nous pouvons voir les arts libéraux qui sont représentés: d'une part le trivium (grammaire, dialectique, rhétorique) et d'autre part le quadrivium (artithmétique, astronomie, géométrie et musique).

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Liz Roussard
voici le mausolée des Médicis, ici le tombeau de Cosme. Ce mausolée est entièrement fait en marbre. Le marbre n'a pas été choisi au hasard, le marbre est un matériel incorruptible, il signifie donc l'éternité. Les Médicis voulaient être éternels. On retrouve sur tous les tombeaux le blason avec les besants (car ils étaient banquiers à l'origine).

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Liz Roussard
En sortant de l'atelier sculpture que nous avons fait, nous nous sommes arrêtés dans l'église ognissanti, en italien, "église de tous les saints". La façade baroque avec une représentation de luca ou pierrot de la Rubbia m'a beaucoup plu. C'est une église d'origine franciscaine. A l'intérieur se trouvent les œuvres de Giotto et Botticelli. Ici sont gardés les tombeaux de Botticelli, santarelli et Vespucci.
Cette église m'a énormément marqué bien que nous y soyons restés très peu de temps.

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Aujourd'hui, nous avons vu ce retable qui se trouve dans la Galerie des Offices de Florence. Un retable est la partie postérieure et décorée d'un autel, qui surmonte verticalement la table. Sur ce retable, on peut y voir une vierge en maestra (vierge sur son trône avec son enfant le Christ représenté à ses côtés). Cette oeuvre est d'inspiration byzantine car elle a un fond d'or. Deux couleurs symboliques sont présentes sur ce retable: d'une part le bleu qui représente la royauté et d'autre part le rouge qui représente le sacrifice (la vierge sait qu'elle va devoir sacrifier son enfant).

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Liz Roussard
Cette statue a été réalisé par Pazzi, elle est située devant à gauche de la basilique de santa croche. C'est une statue en marbre de Carrare. Cette statue représente Dante, auteur des vies, il est le "père du style nuevo" ou de la langue italienne. On reconnait Dante avec son
bonnet frégien. C'est un hommage par la ville de Florence à Dante car il avait été exilé, il est enterré aujourd'hui à Ravenne. Il est aussi représenté dans la divine comédie de Vasari à l'intérieur de la basilique.
cette photo a été prise lors du second jeu de piste ; "Tu apprendras le style nuevo auprès de lui".

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Ce matin, nous avons visité le baptistère. Ce lieu, où les Florentins se faisaient autrefois baptiser (ils rentraient dans une piscine qui se trouvait au centre), est de forme octogonal. Cette forme fait allusion aux sept jours de la création et au huitième (= moment du baptême). Les "non-baptisés", ne pouvant pas rentrer dans l'Eglise avant le sacrement du baptême, venaient dans ce bâtiment.
Ici, on y voit un Christ en Gloire et en Majesté. On peut voir que le Christ a la main gauche en position fermée et dirigée en direction de l'enfer ainsi que la main droite en position ouverte et en direction du paradis. On peut aussi y voir un Christ en Gloire ainsi qu'en pentocrator puisqu'il fait un signe de la main.
J'ai beaucoup aimé cette oeuvre puisqu'elle explique d'une façon très explicite le choix que l'homme à a prendre: l'enfer (contre le Christ et à sa gauche), ou le paradis (avec le Christ et à sa droite). L'explicité de cette oeuvre en fait une oeuvre compréhensive de la part de n'importe qui, même de la part des analphabètes.

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Aujourd'hui, j'ai beaucoup aimé cette sculpture surnommée "la tête de courge". Elle tire son surnom de la calvitie et de la forme du crâne de l'homme représenté. Cette sculpture est présente dans le Musée dell'Opéra del Duomo de Florence. Cette statut de Donatello est très réussie puisque l'expressivité du visage est tournée à l'extrême.

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Aujourd'hui, j'ai présenté le David de Donatello qui est une sculpture datant du XVe siècle. Cette sculpture  est la parfaite représentation d'un héros puisqu'elle représente ce dernier, le glaive à la main, qui vient de tuer le géant Goliath. Il foule la tête de ce dernier à ses pieds.
Le héros est de petite taille (1m 58 cm). On peut aussi voir que tout le poids du corps repose sur une seule et unique jambe ce qui met en évidence un contraposto nerveux. En outre, ce David est historique puisqu'il est le premier grand nu de bronze fondu depuis l'Antiquité (technique de fonte de bronze à la cire perdue).
J'aime ce David car il renvoie une grande fierté dans son regard et dans les expressions qu'il porte sur son visage.

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La fresque d’un bon gouvernement dans la campagne 

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La fresque d’un bon gouvernement dans la campagne 

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Juliette Sénéchal

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L’adoration des rois mages a été réalisé par Gentile da Fabriano pendant le Trecento, l’œuvre occupa l’artiste pendant 3 ans.

Cette œuvre est d’un style gothique.

En bas de l’œuvre nous pouvons voir des prédelles qui servaient à mettre des reliques de saint.

Nous observons des pilastres également sur les côtés.

L’œuvre possède différentes temporalités : les différentes parties du voyage des mages pour se rendre auprès du Christ.

Au premier plan nous voyons que le plus vieux des rois mages s’incline de Jésus, ce gens de nous fait nous rendre compte de l’importance de l’évènement.

Les rois mages symbolisent les trois parties du globe car l’Amérique n’a pas encore été découvert à l’époque.

Ces trois rois mages apportent tous les présents les plus précieux de leur contrée :

De l’or

De l’encens

De la myr

L’exotisme est présent avec le singe derrière les mages.

La scène est très vivante, par exemple : l’homme qui remet les éperons.

J'aime beaucoup cette œuvre car j'apprécie la présence des différentes temporalités. L'exotisme et le vivant de la scène apporte plus de détails à la scène.

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La frise du bon et du mauvais gouvernement de Lorenzetti +2

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La frise du bon et du mauvais gouvernement de Lorenzetti +2

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Sénéchal Juliette
Ambrogio Lorenzetti est un peintre Italien du 13eme et 14eme siècle.

Le Bon et le Mauvais Gouvernement furent commandées à Ambrogio Lorenzetti par le Gouvernement des Neufs, qui gouverna Sienne de la fin du 13eme siècle au milieu du 14eme, à un moment où cette ville connaît l’apogée de sa puissance et de sa richesse en étant l’une des quinze villes les plus importantes d’Europe.

En associant dans ces fresque des allégories, des références à l’Antiquité ainsi qu’un souci du réel, le peintre montre une culture littéraire, visuelle et technique supérieure à celle d’un simple peintre. La richesse des références de cet artiste, puisant dans les recherches initiées par ses prédécesseurs (Duccio, Cimabue, Giotto), montre que Sienne est l’un des foyers artistiques majeurs de la période de transition entre le Moyen age et la Renaissance.

L’artiste s’adresse à la population de Sienne,il lui montre pourquoi il devrait être favorable au gouvernement des Neufs, c’est une forme de propagande.

Les fresques des Effets du bon et du mauvais gouvernement se trouve à l’intérieur de la Salle des Neuf du Palazzo Pubblico de Sienne, elles constituent un vaste ensemble occupant trois murs de la salle. Chaque mur peint est divisé en trois sections horizontales – de haut en bas : une suite de médaillons, une scène dans un paysage et un lambris peint.

En tournant notre regard sur la paroi de droite, nous n’avons pas pu rester insensibles aux images reproduisant les effets du Bon gouvernement. Ambrogio Lorenzetti a peint dans de merveilleux détails ses caractéristiques et ses conséquences. La douceur de vivre et la beauté de cette ville, que l’on reconnait comme étant Sienne, sont accompagnées de la croissance économique. Tout le monde s’affaire et travaille à chaque coin de rue ; les paysans et les  citadins échangent leurs produits et leurs paroles. Les enfants jouent. Les jeunes filles dansent, une femme en rouge va se marier et fonder une nouvelle famille dans un cadre de bonheur et de paix. Les hommes sont le centre de tout.

Nous trouvons, à côté des effets du bon gouvernement sur la ville, les effets du bon gouvernement sur la campagne, nous y trouvons une campagne riche, une terre fertile et propice au commerce et à l’exportation , en effet nous voyons un certain nombre de travailleurs dans les champs biens cultivés ainsi que de marchands. Aussi,le vas et vient incessant des hommes et des animaux représente le commerce important.Encore,nous pouvons observer des hommes à cheval qui sont entrain de se rendre à la campagne, nous voyons qu’ils sortent d’une ville, ils ont l’air d’appartenir à une classe sociale aisée, ce qui montre bien la richesse de cette campagne, il s’agit d’une compagnie à cheval qui part pour la chasse, et qui s'arrête auprès d'un aveugle qui demande la charité. Les deux thèmes majeurs de cette partie de la fresque sont la solidarité et la richesse.

En résumé, cette fresque de propagande pour le gouvernement des Neufs annonce la modernité:

d’abord avec une conversation du travail qui rend l’homme libre, chacun est intégré dans la société, l’homme est au centre de tout.

Et puis avec un paysage profane (c’est la premiere fresque qui représente des gens heureux au travail)

C’est la première fresque qui présente un paysage (même si le manque de perspective montre très clairement que l’œuvre date toujours du moyen-âge)

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Sénéchal Juliette

La cathédrale de  « Santa Maria del fiore », aussi  appelé le « Duomo » a été édifiée au 13eme siècle.

Le mot « cathédrale » vient du nom « cathédre » qui signifie «fauteuil de l’évêque» en effet, dans une cathédrale vit un évêque, au contraire des basiliques, qui sont en l’honneur d’un Saint.

Le Duomo est de style gothique, comme en atteste ses arcs brisés qui permettent sa hauteur importante. La cathédrale est bâtit sur un plan en croix latine.

Les différents marbres utilisés sont le marbre blanc de Carrare et le marbre vert et rose de Prato.

Pendant 80 ans, la cathédrale n’a pas eu de dôme car sa construction était trop longue et que son architecte était mort.

Puisqu’on se demandait comment un dôme aussi grand pouvais être réalisé(environ 45,5 m), un concours fut mis en place. C’est Brunelleschi qui le remporta : après avoir perdu le concours des portes du paradis du Baptistaire contre Ghiberti, il était parti à Rome et avait découvert le panthéon, dont il s’inspira pour le dôme de la cathédrale.

La cathédrale est inscrite au patrimoine de l’UNESCO depuis 1982.

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C’est la chair de la cathédrale de Sienne, une chair est une estrade où monte le prêtre pour s’adresser au public, cette estrade permet à un plus grand nombre d’entendre les paroles du prêtre.

Cette chair a été réalisée par Nicola Pisano fut commandée 1265 et est achevée 3 ans plus tard est sans doute la plus grande réussite de Nicole Pisano.

La chair de la cathédrale de sienne possède une forme orthogonale, avec des colonnes corinthiennes.

Les colonnes sont des stylophores car ce sont des animaux qui portent les colonnes.

Lorsque le prêtre monte en chair, les lions des colonnes s’assurent que le prêtre ne fasse pas d’hérésies.

Au centre nous pouvons admirer les arts libéraux :

Le trivium : grammaire, dialectique, rhétorique

Le quadrivium : arithmétique, astronomie, géométrie et musique.

Cet ensemble d’enseignement est commun dans tout l’Europe médiévale.

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Cette oeuvre nommé "l'esclave barbus" fait partit d'un groupe de statut en non finito sculpter par Michel Ange au XVIs.

Le non finito est une technique consistant à laissé une oeuvre inachevé pour lui donner une posture figé donnant l'impression de se débattre de leur bloc de marbre.

On peut voir cette technique sous un autre œil, en effet cette inachèvement de la statut permet de voir la structure, l'évolution de la sculpture dans la vision de l'artiste

Ces œuvres devait à la base être dans un mausolée  au Vatican qui aurait dû  accueillir la dépouille de Jules  II le pape. Ces esquisse des Prisonniers après la mort de Michel-Ange ont été donné à Cosme I de Médicis qui les mit dans sa grotte du Buontalenti

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Sénéchal Juliette

Cette horloge qui se trouve sur la façade intérieure du principal accès du Duomo, présente la particularité d’être « antihoraire », c’est-à-dire que son unique aiguille tourne dans le sens inverse des aiguilles d’une montre!

Datant du 15eme siècle, cette horloge possède un mécanisme très complexe qui marche encore aujourd’hui. Son but est de définir la durée en fonction du moment ou la nuit tombe: elle compte le nombre d’heures qui passent à partir de la tombée de la nuit. À cette fin, elle fait l’objet d’un réglage hebdomadaire.

L’indication des heures figure sur vingt-quatre cases disposés en cercle.

Cette horloge a été installée à l’intérieur de la cathédrale en 1443 et sa décoration est l’œuvre du peintre florentin Paolo Ucello.

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L'oeuvre “Baptême du Christ” a été peinte vers la fin du XV ème siècle. Elle fut commencée par Verrocchio et achevée par Léonard de Vinci.  Elle représente saint Jean Baptiste donnant le baptême au Christ dans les eaux du Jourdain.

Jean Baptiste tient dans sa main gauche un rouleau où l'on peut lire Ecce Agnus, ce qui signifie « Voici l'Agneau » en latin.
J'aime beaucoup les couleurs de cette toile et les aureole au dessus des têtes des personnages.

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Le David de Michel-Ange est un nouveau David par rapport à celui deVerrocchio et de Donatello car tous d’abord il est en marbre au lieu du bronze. Il est représenté en homme au lieu d’un enfant. Il est montré avant da bataille avec Goliath, avec un regard déterminé, sûr de lui. On retrouve des traits antiques comme le canon de beauté. Michel-Ange utilise aussi le magnétisme.

Le David de Michel-Ange est représenté nu, la déformation des pieds et des mains, accentue l’intériorité du personnage, sa force et sa supériorité. Dans l’antiquité le personnage de David est décrit comme quelqu’un à la beauté incroyable et inégalable, ce qu’à bien été respectée par Michel-Ange. De plus il est représenté avec un sex au repos car cela montre son intelligence qui montre qu’il domine son corps (le symbole du peuple contre la tyrannie.

Contrairement à l’androgyne de Donatello, ce David est un nu viril, un jeune athlète au corps imposant. Alors que les deux précédents exhibaient le glaive avec lequel ils venaient de trancher la tête de Goliath, ce David est représenté avant le combat, et se tient prêt à défier le géant. Son contrapposto est donc nerveux et trahit l’appréhension du héros. Il a le regard distant, presque fuyant : il fait face à son destin et remet sa vie entre les mains de Dieu.

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Aujourd'hui, nous avons visité la Synagogue et le Museo Ebraico de Florence. Cette magnifique Synagogue qui est très grande et décorer dans le soucis du détail, est la toute première Synagogue européenne. En observant l'intérieur, nous avons pu constater que la disposition des bancs est parallèle aux murs latéraux du bâtiment et non perpendiculaire comme dans les églises chrétiennes. Nous avons aussi appris que les hommes et les femmes étaient séparés lors des temps de prière : les hommes se trouvent en bas, près de l'autel, tandis que les femmes sont au premier étage. Une magnifique visite, qui m'a fait découvrir pour la première fois l'organisation d'une synagogue et qui clos notre voyage Florentin.

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... met en évidence un contraposto nerveux. On note aussi que, dans le fil droit de l'esthétique de l'inachevé, le non finito propre à Michel-Ange, on peut voir que le haut de la tête montre un peu de la surface initial du bloc avec une petite fissure non travaillée. De même Michel-Ange utilise la disproportion dans les mains. Cette oeuvre me passionne car je trouve qu'elle est pourvue d'une richesse artistique absolument colossal. On note aussi, que le musée ayant été construit pour cette oeuvre, la lumière se propage parfaitement sur toute la surface de cette dernière (la lumière se propage à 360 degrés).

Axel Salahud 2nde B

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Sur cette photo, nous pouvons voir la Cathédrale Santa Maria del Fiore (le duomo de Florence) qui est une cathédrale datant du XIIIe siècle et qui possède un style gothique/renaissance. Sa construction, qui durera 157 ans, eu plusieurs architectes dont Giotto. Après être monté en haut de cette cathédrale (463 marches, vue extraordinaire !), nous somme allés en face, au Musée du Duomo, d'où a été prise cette photo.

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8h30 |
Petit-déjeuner

9h00 |
Valises faites et inspection des chambres - Retour des clés pour 9h30 dernier délai

10h00 |
Visite de la Synagogue et du Museo Ebraico :Via Luigi Carlo Farini 6, 50121, FirenzeRéservation avec visite en anglais  - Paiement en ligne effectué

11h15 |
Bilan du voyage à la Maison des Oblates

12h00 |
Départ de la maison des Oblates

12H30 |
RDV devant l’arrêt de bus

12H45 |
Transfert en navette de Florence Place Santa Maria Novella à l’aéroport de Pise – AUSTRADALE départ 12h45

13h55 |
Arrivée à Pise Aéroport - ouverture dépôt des bagages 14h10 - Attention: Fermeture à 15h30 ! Réservation : ET6B6M7

14H00 |
Pique-Nique à l’aéroport

16h10  |
Pise départ vol EASYJET Pise/Paris Numéro de vol : EZY4208

17h55  |
Arrivée à Paris Orly Terminal OUEST

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Le dernier jour, pour bien terminer notre voyage, nous avons visité la plus ancienne synagogue d’Europe. C’était la première fois que j’entrais dans une synagogue !

Elle est très grande et très décorée à l’intérieur.
Nous sommes allés au premier étage, là où les femmes s’asseyaient. En effet, j’ai pu remarquer qu’une synagogue n’est pas organisée comme une église, les bancs entourent l’autel et seuls les hommes sont acteurs de la cérémonie car les femmes sont considérées comme étant très proches de Dieu. Pendant la prière, les hommes sont séparés des femmes. Nous trouvons les sept bougies, symboles des sept jours de la création et l’étoile de David. On nous a même montré un rouleau de la Torah (livre le plus saint et le plus révéré du judaisme) qu’aucune main de ne peut toucher.

Cette visite était très courte mais très enrichissante.

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Dans la salle des tombeaux de Laurent le Magnifique et de Julien de Médicis (chapelle des Médicis), nous trouvons quatre allégories : le jour, la nuit, l’aurore et le crépuscule représentant le temps qui passe ainsi que l’immortalité de l’âme et de l’art.

Ma préférée est l’allégorie de la nuit, une femme caractérisée par un diadème au croissant lunaire, un masque grimacant, un hibou, des coquelicots et un marbre plus lumineux parce que j’apprécie le choix de ses symboles et elle interpelle, étant plus lumineuse que les autres.

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Juliette Sénéchal
Un clavecin est un instrument dont les cordes sont pincées par des sautereaux, au bout desquels se trouvent des plectres, alors que sur le piano les cordes sont frappées par des marteaux.

Nous pouvons observer ce mécanisme sur la vidéo ci jointe.

Le clavecin est considéré comme « l’ancêtre du piano »; il est, en effet le prédécesseur de l’instrument que l’on connaît bien aujourd’hui. Maintenant nous n’utilisons plus que le piano car celui-ci permet différents contrastes d’intensité que le clavecin ne peut pas faire.

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Juliette Sénéchal
Le mécanisme du piano entraine les marteaux pour qu’ils frappent les cordes lorsqu’une touche est enfoncée afin de faire une note.
Nous pouvons observer ce mécanique dans la video ci-jointe.
Nous remarquons aussi que le plus la corde frappée est courte, le plus la note sera aiguë, et inversement (plus la corde est longue, plus la note sera grave).
L’invention du piano( le « piano forte »—> le « doux- fort »), par Christo Fori, marque une révolution musicale et l’apparition du romantisme (= l’expression des sentiments)

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Ce sont des reliquaires, conservés dans la crypte, contenant des reliques. Ceux-ci contient des fragments du corps d'un saint . C'est impressionnant comment ils ont eu l'idée d'en faire des oeuvres d'art et de les exposer dans un musée.

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DARDELLE Ehouarn, GAILLARD DE LUCA Phoebée-Luz, MARCILHACY Valentine 

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DARDELLE Ehouarn, GAILLARD DE LUCA Phoebée-Luz, MARCILHACY Valentine 

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Ceci est la photo en réponse à la question « sous une loggia, tu figureras l’an vertu cardinale qui te représente ». Nous sommes sous la loggia de la Piazza Della Signoria. On peut me voir tenant un miroir (ici le téléphone) pour vérifier mes arrières. Dans ce « miroir », on voit Ehouarn qui arrive, il représente un « danger » qui s’approche et qui est repéré par le miroir. On voit donc que c’est la prudence qui est représentée. De plus, on voit le serpent en bas, un autre attribut de la prudence.

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Sur la photo ci-contre, Juliette et moi de répondre à l’énigme suivante " tu longeras tel un Médicis le corridor Vasari ". En effet, nous marchons tels des Médicis, avec des besants d’or dans les mains. On peut apercevoir le corridor Vasari en arrière plan .

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Jeu de piste
« tu te mettras sous la protection de saint Marc »
Ici on peut voir la statue de saint Marc dans une’ niche. Avec Pauline nous demandons la protection de saint marc.

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Le tombeau de Laurent de Médicis a été fait par Michel-Ange. On peut voir une statue qui représente Laurent le Magnifique, assis, semblant pensif, en pleine réflexion. Il est habillé de façon romaine antique, comme un commandant.

On remarque que sur le sarcophage se trouve deux personnes, un homme et une femme tout deux nus. La femme représente l’aurore, on la reconnaît car elle semble se réveiller, de plus elle s’étire. Puis, l’homme représente le crépuscule car il semble très fatigué, comme s’il avait passé une longue journée.

Dans cette salles se trouvent en tout quatre allégories, elles représentent le temps, l’immortalité de l’âme et de l’art.

Le regard de Laurent le Magnifique est tourné vers une statue de la Vierge Marie portant son enfant (la Vierge à enfant).

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Le David de Michel-Ange : Axel Salahud J6

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Le David de Michel-Ange : Axel Salahud J6

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En sculptant ce jeune athlète puissant, Michel-Ange a voulu que sa sculpture soit l’an parfaite représentation de la « magnification du nu viril ». Contrairement aux David de Donatello et de Verrocchio où les David sont représentés après le combat, Michel-Ange a choisi de représenté son David avant le combat qui l’oppose au géant Goliath. De même, les deux autres David sont représentés comme de jeunes adolescents à la beauté assez androgyne tandis que le David de Michel-Ange est représenté tel un adulte viril et puissant. On peut voir que tout le poids du corps repose sur la jambe droite ce qui met en évidence j’ c

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ZHANG Appoline ; BOUKAIBA Lahna ; SALAHUD Axel (Jour 6)

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ZHANG Appoline ; BOUKAIBA Lahna ; SALAHUD Axel (Jour 6)

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Ceci est la photo en réponse à la question 1, à savoir : « Tu longeras tel un Médicis le corridor Vasari ». Ici, en réponse à la question, on peut voir Appoline et Lahna qui longe discrètement le corridor Vasari tel des Médicis.

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On peut apercevoir le corridor Vasari construit par celui ci Cette structure longue d'un kilomètre est créée pour des raisons pratiques surtout  pour relier les bureaux des Médicis dans l'actuelle Galerie et le Palazzo Pitti. Elle contenait la collection la plus ancienne d'autoportraits du XVIe siècle au XXe siècle, ainsi qu'une collection de peintures du XVIIe siècle au XVIIIe siècle où on représentait d’ importants épisodes de l'histoire de Florence. Cette photo a été prise lors du jeu de piste et j’en la trouve tout silpleme’t magnifique

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Liz Roussard
Voici Anna maria Louisa de Médicis (en italien). Elle est la dernière descendante de la famille des Médicis, elle n’a pas eu d’enfant. Elle est en bronze. Comme elle n’avait pas d’ héritiers elle a légué toute sa fortune à la ville de Florence. Cette œuvre est a l’entree de La Chapelle des Médicis. À côté d’elle (on ne voit pas) se trouve des reliquaires (où se trouve des reliques, c’est à dire des restes de saints, ici les Médicis).

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Cette photo montre le tombeau d’un général Médicis. Ce tombeau est présent dans le mausolée des Médicis où sont aussi disposés les corps de Laurent le magnifique, de son frère et d’un autre capitaine. Cette chapelle a été faite par Michel-Ange. On peut voir trois personnages au-dessus de ce tombeau. Le plus haut symbolise un des deux visages de l’homme selon Platon (donc inspiration antique); l’action. Allongés sur le tombeau, il y a à gauche la femme qui symbolise la nuit et à droite, l’homme qui symbolise le jour. On reconnaît la nuit à son diadème avec le croissant lunaire, le hibou qui est connu pour être un animal vivant la nuit, les cocquelicots à ses pieds, on voit aussi que son corps est poli par le clair de lune et le masque grimaçant qui donne des cauchemars. Le jour, quant à lui, a le visage inachevé (avec la technique du non finito) pour représenter l’aveuglement causé par le soleil. En face de ces deux allégories, on en trouve deux autres; le crépuscule et l’aurore. Ces 4 personnages représentent le temps qui passe ainsi que l´immortalité de l´âme si elle se tourne vers Dieu. Cela symbolise aussi l’immortalité de l’art (l’artiste meurt mais son œuvre reste). Je trouve ces deux sculptures vraiment magnifiques et très représentatives de ce qu’elles doivent symboliser. Elles sont impressionnantes par leur taille et leur allure. On reconnaît très bien ici l´oeuvre de Michel-Ange par le modelé du corps, le non finito pour plus d´expressivité et le mouvement.

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Cette œuvre est une des quatre allégories représentées par Michel-Ange. Elle représente la nuit. Les autres représentent le jour, l’aurore est le crépuscule.
Pour déterminer qu’il s’agit de la nuit certains détails sont à observés.
D’abord la femme représentée porte un diadème avec le croissant lunaire.
Ensuite à ses pieds, des coquelicots et un hibou.
Enfin le masque de cauchemars est également présent.
Quand on peut voir cette œuvre en vrai, on remarque par rapport aux trois autres qu’elle est particulièrement blanche. Cette lumière due à la lumière de la lumière de la lune.

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JEU DE PISTE NIVEAU 2

1. tu longeras tel un Médicis le corridor Vasari.

2. Au Cortile  tu rencontreras le père de la patrie.

3. Sous sa figure serpentine, tu seras toi aussi tout étiré

4. Tu te mettras sous la protection de Saint Marc

5. Tu adopteras un enfant abandonné encore emmailloté

6. À sa porte, tu laisseras ton « silice »

7. Tu apprendras le dolce stil nuovo auprès de lui

8. Sous une fenêtre à baies géminées, tu joueras au calcio.

9. Sous une loggia, tu figureras la vertu cardinale qui te représente

10. A l’ombre d’une maison tours, tu signeras ton œuvre de ton monogramme

11. Vous protégerez la princesse au côté de saint Georges face au dragon

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| JEUDI 24 JANVIER 2019
| 8h00 | Petit-déjeuner

| 9h00 |
Visite des Chapelles des Médicis : Chapelle des Princes de plan octogonal renfermant des monuments funéraires et tombeaux des Médicis réalisés par Michel-Ange dans la Nouvelle Sacristie) entrée gratuite pour groupes scolaires (-18 ans) - visite sur réservation / horaires : 8h30-17h  (fermé les 2 e et 4 e dimanche du mois et les 1 er, 3 e et 5e lundi du mois) NUMERO DE RESERVATION : 7443822

| 10h30 |
Visite de la Bibliothèque Laurentienne + Visite de l'église Renaissance de San Lorenzo, paroisse de la famille des Médicis : ancienne Sacristie décorée par Donatello, monument funéraire de Verocchio… accès : 3,50 € par personne / horaires : 10h-17h (visite à partir de 13h30 le dimanche de mars à octobre)

| 12h30 |
Déjeuner libre

| JEUDI 24 JANVIER 2019
| 14h00 | Visite de la Galerie de l’Académie, Académie des Beaux Arts qui renferme des œuvres de Michel-Ange et une collection de peintures du Moyen Age et de la Renaissance)/ entrée gratuite pour groupes scolaires (-18 ans) / horaires : 8h30-18h50 (fermé lundi) NUMERO DE RESERVATION : 7443812
|
| Musée des instruments de musique - Piano de Cristofori billet inclus avec la galerie de l’Académie
| 15h30 | Visite de la Piazza della Santissima Annunziata à deux pas de San Marco. Très jolie place dessinée par Brunelleschi, bordée par le Spedale degli Innocenti (hôpital des Innocents) de Brunelleschi.
| 16h00 |
Jeu de piste Niveau 2
|
17h30 |
Temps libre
18h30  | Dîner au restaurant

20h00  | Retour à la Maison des Oblates

21h00 |
Interrogation p. 68, 69, 70, 71, 72, 73, 74, 75, 76, 77, 65, 66, 67 + Jeu de piste Niveau 2

22h00 |
Extinction des feux

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| MERCREDI 23 JANVIER 2019 FLORENCE
| 7h30  | Petit-déjeuner
| 9h30 | Visite du Palazzo Vecchio (palais gothique renfermant un musée décoré de peintures et sculptures à la gloire des Médicis, Salon des Cinq Cents) Octobre - Mars : lun/mar/mer/ven/sam/dim   9 - 19h/ jeudi   9 - 14 h Réservation FAITE auprès Area servizi educativi e didattici Visite en français à 9h30 Se présenter 15 mins avant. 4 euros par personne A PAYER SUR PLACE Visite en français  « Guidati da Giorgio Vasari »
| 11h15  | Direction Santa Maria Novella pour bus direction Sienne
| 12h30  | Arrivée Piazza del Campo
| 13h00 |  Déjeuner libre

| 14h30 | Visite du Palazzo Pubblico - Museo Civico
Réservation - Confirmation OK. Franca Muzzi -
| 15h30 |
Visite de la Cathédrale de Sienne Il Duomo Santa Maria della Scala : Réservation confirmée n°2704108 A payer sur place à la caisse directement
| 17h00  | Temps libre dans Sienne
| 18h00  | Retour à Florence
| 19h00  | Dîner au restaurant
| 20h00 | Retour à la Maison des Oblates
21h00 | Interrogation p  8, 78, 79, 80, 81, 82, 83, 84, 85
| 22h00  | Extinction des feux

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Cette œuvre qui s’intitule « Les effets du bon et du mauvais gouvernement » est une fresque réalisée au XIVe siècle par un grand artiste du trechendo : Lorenzeti. Cette œuvre se trouve dans le palais de Sienne (centre politique de Sienne) et plus précisément dans la salle du gouvernement des Neuf. Cette fresque était destinée à ce gouvernement afin qu’ils aient cette dernière sous les yeux lors de la prise de décisions pour leur cité. Cette fresque compare deux effets de deux gouvernements différents : d’une part l’effet qu’aurait un bon gouvernement régie par le bien commun et vu aux deux saisons les plus productives (printemps, été), et d’autre part l’effet qu’aurait un mauvais gouvernement régie par l’opression et vu sous les deux saisons les moins productives (automne, hiver).
Plus en détails, dans la partie des effets d’un bon gouvernements, nous distinguons au gauche les effets du bon gouvernement dans la ville et à droite les effets du bon gouvernement à la campagne. L’artiste annonce la modernité avec cette conception du travail qui rend libre l’homme. Il fait des références à l’antiquité grâce à de nombreuses allégories. On sent que l’artiste a une grande inspiration médiévale lorsqu’il créer l’oeuvre Puisqu’il mélange Le temporel ainsi que le spirituel mais aussi qu’il fait varier l’an taille des personnages en fonction de importance (les personnages importants sont plus grands que les autres). On remarque aussi que le lien entre la ville et la campagne est fait : de ce fait la ville est indispensable à la campagns et la campagne est indispensable à la ville. Je trouve cette œuvre très interessante du fait de l’an minutie présente dans les détails.

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La chaire de la cathédrale de Sienne a été conçue par Nicola Pisano au XVI e siècle. Une chaire est une tribune élevée où le prêtre prêche. Elle a une tribune octogonale et 9 colonnes dont 8 sont soutenues par des stylophores ( animaux porteurs de colonnes), les lions, et la dernière, colonne centrale représente les arts libéraux (quatrivium et trivium).

Pour éviter que le prêtre professe des hérésies, les lions mangent les hérésies: ils sont gardiens de la maison de Dieu.

En hauteur, nous retrouvons des tableaux reprenant la vie de Jésus. Cette chaire est faite de marbre de Carrare et est inspirée de l’Antiquité.
À travers cette chaire, Pisano nous transmet sa connaissance solide des étapes de la vie du Christ.
Les expressions « être assis dans la chaire de mensonge » et « être titulaire d’une chaire » signifient professer des hérésies et être responsable d’un département d’une matière spécifique (commun en Angleterre et aux USA).

J’ai aimé cette œuvre parce que sa structure a quelque chose de romantique et de merveilleux. Le marbre est extrêmement bien taillé et proportionné: tout est dans la finesse. De plus, l’utilisation de lions comme stylophores apportent de l’exotisme à cette œuvre antique.

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« Les effets du Bon et du mauvais gouvernement » est une fresque réalisée par Lorenzetti au XIV e siècle. Elle est conservée dans le palais de Sienne (centre politique), dans la salle du gouvernement des Neuf. Cette fresque a pour objectif de comparer un bon gouvernement dirigé par le Bien commun vu sous les plus belles saisons (printemps/été) avec un mauvais gouvernement organisé par la tyrannie et vue sous les rudes saisons (automne/hiver). Nous pouvons alors parler de propagande puisqu’elle met en avant le Bien commun, l’homme et la juste répartition des rôles de chacun dans la société en  les mettant en parallèle avec le pire. Elle est destinée au gouvernement des Neuf.

Dans la partie de la frise que j’ai choisi, il est question de la conception du travail qui rend libre l’homme et permet à chacun de s’intégrer dans la société. Nous distinguons à gauche, « les Effets du BonGouvernement dans la ville » et à droite, « les Effets du Bon Gouvernement à la campagne ».

Cette fresque est présentée entre deux frises: celle du dessus représente les saisons et celle du bas, les art libéraux qui rendent libre (le quadrivium et le trivium).

Nous observons sur la partie traitant la ville, l’activité et le commerce de cette dernière et concernant la campagne et les champs, un mixte des temporalités avec la semence et la récolte. C’est d’ailleurs le premier paysage de la peinture occidentale.

C’est aussi la première représentation profane d’une frise de l’histoire de l’art, du quotidien: des gens heureux au travail.

Elle est typiquement médiévale grâce au mélange du religieux et du profane ainsi que le temporel et le spirituel et la variation des personnages en fonction de leur importance. Mais exprime aussi une modernité due à l’importance donnée au paysage, la scène de la vie quotidienne et l’homme placé au cœur de l’œuvre.

Je me suis arrêtée sur cette œuvre car elle a une vraie signification : elle regroupe tous les idéaux et les espérances de l’époque tout en prenant un parti. Elle est très grande et le lien entre la ville et la campagne est remarquable. L’œuvre semble animée tout en étant calme. Le spectateur contemple l’oeuvre d’un regard lointain et peut l’analyser avec un regard extérieur. Néanmoins, je pense que contempler l’œuvre sans informations complémentaires ne lui rendrait pas justice.

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Voici une partie d'un des trois pants de mur de la fresque de Lorenze Ti (artiste du XIV ème siècle). Cette fresque s'appelle l'effet de bon et du mauvais gouvernement. Cette une fresque de propagande pour le gouvernement des 9. La fresque central représente la justice qui est divisé en deux parties: la justice commutative= tous le monde est égaux par rapport à la loi et la justice distributive= qui aide les gens en fonction de leur revenu et de leur besoin (c'est une justice social). On retrouve aussi les vertus de theologale (fois,charité, inspirance), des allégories des vertus cardinales.

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Cette œuvre de Lorenzeti est intitulé Les effets du bon et mauvais gouvernement, Lorenzeti l’a peint pour le gourvernement des 9, c’est une fresque de propagande qui montre l’impact du gouvernement sur la société. Il n’y a pas que ce tableau, en effet celui s’étend sur trois murs celui que vous voyez est la représentation selon Lorenzeti d’un bon gouvernement, il montre ce qu’un gouvernement doit avoir pour qu’il soit bien.

On peut voir que Lorenzeti reprend la pensée d’Aristote : deux types de justices, la justice commutative c’est à dire par exemple le même prix pour tous (peu importe les classes sociales) puis la justice distributive qui est par exemple les allocations. L’homme en grand est le bien commun, au dessus de lui se trouvent la foi, l’espérance et la charité qui sont les vertus théologales. Aux côtés du bien commun se trouvent les vertus Cardinals : la force, la tempérance, la justice, prudence avec en plus la paix et la magnanimité. Le bien commun est habillé comme un pape, et en plus ses vêtements sont aux couleurs de Sienne (blanc et noir). En dessous de lui on peut voir la louve et Romulus et Remus, qui sont les symboles de Sienne.

Cette œuvre est à la fois moderne et à la fois du temps du moyen âge. Moderne car c’est la première représentation du profane, l’homme est au centre de tout et car il y a des références à l’Antiquité (par exemple l’allégorie de la sécurité) l’œuvre est à la fois médiéval car il mélange le religieux au profane, les personnages sont grands ou petits par rapport à leur importance.

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Ce matin , nous avons assisté à une visite guidée faite par Vasari lui même ! Le palazzo Vecchio est situé sur la Piazza della Signoria. Il fut construit de 1299 à 1314 sur les plans d’Arnolfo di Cambio . D’abord la résidence des Prieurs sous le nom de Palazzo de la Signoria puis nommé Palazzo Ducale sous Cosme Ier. Quand celui-ci occupa le Palazzo Pitti, il devint le Palazzo Vecchio et abrite aujourd’hui le Conseil Municipal de Florence.Le toit est magnifique ainsi que les fresques

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Ceci est une des trois fresques constituants l’œuvre de Lorenzzeti, un artiste siennois du XIVème siècle, intitulées « Les effets du bons et du mauvais gouvernement ». Cette fresque en trois parties a été commandées par « Le gouvernement des neufs » à valeur de propagande pour montrer comment gérer la ville et la campagne. Elle est donc placée dans la salle où les dirigeants des neufs quartiers de Sienne débattaient et prenaient des décisions à propos de la cité. Cette salle est donc présente dans le palais civique de Sienne. Il s’agit, sur cette partie de la fresque, des conditions ou bien des allégories du bon gouvernement. On peut voir un personnage central, plus grand que les autres, il s’agit du Bien Commun. Au-dessus de sa tête, nous trouvons trois anges qui correspondent aux vertus théologales; soit la foi, la charité et l’espérance. Au côté de ce grand personnage représentant le Bien Commun, il y a plusieurs personnages allégoriques. Il s’agit des 4 vertus cardinales donc la justice, la tempérance, la prudence et la force auquelles s’ajoutent la magnanimité et enfin la paix. On voit en-dessous de ce même grand personnage, la louve allaitant Romulus et Rémus, symbole de Sienne. Le personnage à l’extrême gauche du Bien Commun, la justice, a coupé la tête d’un homme ayant commis un crime envers la cité. J’ai beaucoup apprécié cette œuvre car je trouve qu’elle résume et illustre très bien ce qu’est un bon gouvernement. Les images sont très parlantes et explique clairement ce que l’auteur veut exprimer. Le message que ce-dernier veut transmettre est donc compréhensif en un coup d´oeil.

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Liz Roussard
Ici, on peut observer une des figures des vertus cardinales : la prudence. Les vertus cardinales sont composées de la purdence, la force, la temperance et la justice. Celle ci a ete peinte par Vasari dans le palacio Vecchio. Prudence se regarde dans un miroir pour guetter si l’ennemi approche non. Elle est toujours accompagnée d’un serpent. Prudence est au preferee de Cosme l’ancien

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Bonjour à tous .Profitez bien
MA DUGUE

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Nous sommes allées au Musée des offices et l'un des premières choses que nous avons vus sont ces fresques au plafond désigné par Vasari (ancien bureau). Ces motifs s'appellent les grotesques (vienr du mot grotte) car ces fresques sont incohérentes. On pouvait en trouver dans les maisons romaines comme dans la maison de Néron (la domus aurea)

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La Sainte Famille à la tribune ou tondo Doni est une oeuvre réalisé par Michel-Ange en 1504(16ème siècle) avec la technique de la tempera et l'huile sur toile . Dans un courant de Renaissance Italienne. Sur cette œuvre nous pouvons apercevoir Jean-Baptiste et la Vierge Marie ainsi que Jésus et Joseph. C'est le passage de l'ancien testament(caractérisé par les personnes nus à l'arrière, paganisme) plan)nouveau(caractérisé par Jean-Baptiste, la Vierge Marie, Jésus et Joseph). Cette oeuvre me plaît car ce n'est pas une vierge à l'enfant classique. Elle est représenté en mouvement et avec des couleurs beaucoup plus clair que celle que nous avons vus précédemment

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Le Duomo est fait en différents marbres de triangle couleurs : le rouge, le vert et le blanc.
La façade est imposante car la cathédrale rivalise avec s’autre villes

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Le diptyque des ducs d’Urbino est une œuvre du peintre de la Renaissance, Pietro della Francesca. C’est une tempéra sur bois. Il disposait d’une présentation originale à la manière d’un livre. Il est recto-verso. Au recto, y ont été représentés les portraits de deux époux ayant 30 ans d’écart: les ducs d’Urbino; Frédéric di Montefelto et Battista Storza (très jeune et intelligente). Une fois refermé, les deux portraits se touchaient, s’embrassaient. Leur amour était scellé à jamais. Cette œuvre a été commandé par le duc d’Urbino à la mort de sa femme.Il est fidèle à l’Antiquité avec les portraits de profils comparables aux empereurs sur les pièces de monnaie. Ce côté est plus plaisant, plus noble.

Cette représentation va respecter les convenances avec les portraits de grandeur nature et le fait de ne pas représenter l’œil borgne du duc. Pour cela, les positions traditionnelles de l’homme et de la femme vont s’inverser.

Au verso, nous trouvons leur triomphe et celui de leurs valeurs (intériorité des personnages): leur amour est au delà du physique. Y sont représentées les 4 vertus cardinales : la justice, la force, la tempérance et la prudence et les 3 vertus théologales : foi, espérance et charité.

Ce diptyque se résume à l’éloge d’un homme aimant profondément sa femme et donc à une commémoration. C’est cette vision idéalisée de l’amour qui me marque. Je trouve cela tellement poétique et tellement pur. Qui ne rêverait pas d’une idylle éternelle ?!

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Les décors grotesques sont directement inspirés des fresques des maisons romaines découvertes à l'époque de la renaissance à Rome. Ces décors du musée des offices sont issues de la domus aurea de Néron. Ce sont des décors très exotiques, très naturalistes

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La Méduse peinte par Le Caravage se situe au Palais des Offices. Selon les Métamorphoses d'Ovide, la Medise fut tuée par Persée

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Ici on peut voir l’ancienne chapelle des Pazzi dans l’eglise de Santa Croche, réalisée en’ pietra serena. On peut observer le tétramorphe. Le tétramorphe est la représentation des évangélistes Luc, Marc, Jean et Matthieux. Luc représente le taureau, Marc le lion, jean l’aigle et matthieux l’homme. Cette chapelle est un bâtiment a caissons,il y a un puit de lumière. Le cercle posé sur le carré représente l’éternité, l’inifni

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Ce tableau ,intutilé la Naissance de Vénus , fut peint par Sandro Botticelli. Il est aujourd’hui exposé à la galerie des Offices à Florence. J’ai beaucoup aimé cette oeuvre. En effet, je n’ai pas été choquée par cette oeuvre mais un peu surprise tout de même par la nudité si évidente de Venus. Mais cette nudité reste tout de même solennel dans la façon représentée. Même si elle est évidente , elle n’est en aucun cas vulgaire ou indécente.

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Cette oeuvre se nomme le Tondo Donni, de Michel-Ange. Au centre, on voit Saint Jean-Baptiste qui donne Jésus, bébé, à Marie. En arrière-plan on remarque des personnages nus, qui symbolisent le paganisme. À l’inverse, Marie et Jésus représentent le christianisme. Saint Jean-Baptiste symbolise donc le passage du païen au chrétien. J’ai apprécié cette oeuvre car il ne s’agit pas d’une représentation traditionnelle de la Vierge et son enfant: on ne voit pas d’auréole sur ces personnages. C’est aussi la première fois que je vois ce type d’oeuvre religieuse, car normalement celles-ci représentent des scènes connues de la Bible, alors que cette scène est plus allégorique et donc plus intéressante pour moi.

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Ce retable représente l’Annonciation de Simone Martini, artiste de Sienne mais également artiste primitive du Trecento . C’est un polyptyque harmonisant le style byzantin avec le fond d’or et le style gothique avec les arcs brisés et les pinacles. Il est réalisé à la technique de la Tempéra (pigments mélangés à un liant de jaune d’oeuf).

Au centre, nous trouvons un vase de fleurs  de lys et l’ange tient dans sa main une branche d’olivier. Au dessus sont rassemblés des petits anges autour d’une colombe, symbole de la paix.

Ce tableau est annonciateur  de la Renaissance en humanisant les personnages grâce à l’usage des expressions faciales. Nous pouvons remarquer l’expression dégoûtée de la vierge et la retenue de l’ange.

À gauche, nous apercevons le représentant de Florence et à droite, une saint martyre.

J’ai aimé cette œuvre car je trouve que l’omniprésence de l’or la fait rayonner, la lumière qu’elle émet rempli l’espace. Mais aussi, le début du « Ave Maria » peint minutieusement par l’artiste avec un certain relief est très original: la Grammaire se mélange à l’Art.

Cette oeuvre est conservée au musée des Offices.

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Le bureau des offices de Florence, dont Vasari est l’architecte, possède des fresques incohérentes sur le plafon. Ces fresques sont grotesques et ne sont par conséquent pas ordonnées. Par ailleurs, ces décors grotesques sont inspirés des fresques des maisons romaines (= issus de la maison de Néron : la domus auréa). Je trouve ces scènes très intéressentes car elles se distinguent des autres par leur exceptionnelle originalité.

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Cette œuvre de Paolo Uccello représente la bataille de San Romano en 1432, elle a opposé les florentins aux siennois. Normalement, cette œuvre est constituée de deux autres tableaux, mais les deux manquant se trouvent à Londres et au Louvre. Les trois devaient normalement être sur trois murs (un sur chaque) cela augmentera l’effet de perspective. On suppose que le panneau qui est aux Offices (celui de la photo) est potentiellement le panneau principale de l’œuvre complète (on trouve la signature de l’artiste que sur celui la). On remarque que le tableau est découpé en différentes parties, cela créer une tentavive de perspective, ce tableau est moderne.

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Ceci est un retable.
Un retable est un tableau que l’on pose derrière l’autel.
Sur ce retable, il s’agit d’une vierge en maestat. Cela signifie qu’en la vierge Marie est représentée sur son trône avec l’enfant christ.
Elle est vêtu de bleu. Le bleu est le signe de la royauté.
On remarque aussi un peu de rouge sur cette œuvre, symbole du sacrifice.
La vierge sait donc que son enfant va être sacrifié.
Cette œuvre est celle de Dusho.
Il a utilisé une technique celle de la perspective inversée.
Elle consiste à nous mettre au centre de l’oeuvre.
On l’a remarque car les lignes du trône sont pointées vers nous.
Elle appartient au style byzantin car elle est composée d’un fond d’or.

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Ceci est un retable (tableau posé derrière l’autel) exposé à la galerie des offices. Cette galerie avait avant d’en devnir un musée, une fonction administrative et elle est l’œuvre de Vasari. L’auteur de ce retable est Duccio, qui est un artiste primitif du tresciento. On peut voir sur ce retable, qui représente une maesta c’est à dire y une vierge à l’enfant en majesté, une forte inspiration byzantine puisque le fond est doré et les personnages sont hiératiques et sans expressions. Il y a aussi une hiérarchie des personnages puisque les plus importants (ici la Vierge et le Christ) sont plusieurs grands que les autres (anges). Il y a aussi une perspective inversée puisque les lignes s’en dirigent vers nous (le spectateur) pour nous interpeller et, dans ce cas, nous inviter à prier. J’ai vu dans ce meme usées plusieurs maesta sur des retables, et celui-ci est celui qui m’a m’en plus touché. J’aime le fait qu’on soit impliqué dans l’oeuvre grâce à cette perspective inversée.

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Les élèves au travail...

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Sur cette fresque nous pouvons observer la Cène, le dernier repas de Jesus avec ces apôtres, lors de ce repas,il consacra le pain et le vin. Cette fresque a été réalisée par Fra Angeliquo, une fresque est un enduit frais recouvert rapidement de peinture. Fra Angeliquo a réalisée cette fresque dans une cellule d’un moine dans l’abbaye de Santa Marco sur l’ordre des dominicains, qui étaient connus pour être théologiens.
J’aime bien cette fresque car elle montre un moment décisif dans la vie de Jesus qui sait qu’il va mourir. Par rapport au autre cellule elle ne montre pas crucifixion de Jésus.

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En visitant le musée du Bargello à Florence, une oeuvre, qui a nous a été présenté par Axel, m'a particulièrement plu.
Le David de Donatello est une représentation parfaite d'un héro, mesurant 158 cm.
Cette sculpture a la particularité d'être la première sculpture faite avec la technique de la fonte de bronze à la cire perdue depuis l’Antiquité.
Nous observons également le contraposto de la sculpture, nous renseignant sur l'inspiration antique que l'auteur a eu.
J'ai particulièrement apprécié l'expression du visage de David et l'attitude dégagée par celui-ci
La recherche du mouvement est très remarquable car nous avons l'impression que la sculpture va se mouvoir d'un moment à l'autre.

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Cette église du XIIIe siècle est une église appartenant a l’ordre des franciscains et a été financée par de riches familles florentines de l’epoques (Pazzi ou encore pitis). Cette église fait office de « Panthéon » de Florence puisque de nombreux hommes qui ont illustré la ville a une époque y sont enterrés (on y trouve ld tombe de Michel-Ange, de Machiavel, de Galilée, de Guiberti ainsi qu3 le cénotaphe de Dante). Les arcs-doubleaux brisés témoignent du style gothique de l’église. Le toit est quand à lui en charpente peinte. La notion d’Humanisme est très présente dans cette église.

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Jeu de piste niveau 1: Phoebée Gaillard de Luca, Léa Bou Antoun,Paul Mayeux

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Jeu de piste niveau 1: Phoebée Gaillard de Luca, Léa Bou Antoun,Paul Mayeux

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Aujourd'hui durant le jeux de piste nous avons dû prendre une photo sous le blason des Medécis et en créant notre propre blason. Sur notre blason nous pouvons apercevoir le signe de la paix, car nous la pronoms dans notre pays( la France) mais aussi dans tous les pays du monde. Nous estimons aussi beaucoup notre pays car nous le trouvons beau et c'est pourquoi nous avons mis une couronne (comme une figure imperiale). Ensuite nous voyons le blason de Lübeck pour marquez l'opportunité qui nous a été proposé par ce lycée qui nous fait découvrir de belle chose dans cette ville incroyable qui est Florence. Les petites feuilles sont des éléments de décoration et pour apporter de la gaîté et du natiralisme

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Juliette Sénéchal.
L’annonciation est une fresque (technique picturale qui conciste a peindre sur de l’enduit frais, sur un mur) qui fut peinte dans le couvent de San Marcos par Fra Angelico, qui était lui même un frère dominicain de ce couvent.
La fresque se situe dans le couloirs des dortoirs (où se trouvaient les cellules de tout les moines).
Elle décrit l’annonce à Marie , par l’ange Gabriel, qu’elle porte l’enfant de Dieu.
Cette fresque est très vivante (Marie et l’ange Gabriel ont tout les deux des émotions sur le visage et leurs bras en forme de croix dégagent pour Marie, un signe d’acceptation et pour l’ange Gabriel, un signe de salutation et de bienveillance) et utilise la thechnique de la perspective que l’on remarque tout particulièrement grâce aux poteaux de la loggia.
Il existe beaucoup d’autres représentations de cette scène, toutes s’en ressembles plus ou moins.

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C'est sur cette place que se déroule une des scènes du film qui rend hommage à la magnifique beauté de Florence. Metci

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Ce tableau est présenté dans la cellule de Savonarolle. Il présente la Piazza della Signoria sous son influence. A la fin du XV e siècle, le moine Savonarolle met en place une théocratie et critique la décadence de l’Eglise de l’époque. Comme nous pouvons le voir ci-dessous, il organise des autodafés (bûchés des vanités) pour brûler les oeuvres littéraires et artistiques. Il dispose de l’armée des anges: des enfants manipulés qui faisaient de la délation. Les Médicis sont chassés du pouvoir par les florentins influencés par les prédications de Savonarolle. Le pape, considérant que ce moine a trop de pouvoir, l’excommunie et menace Florence d’Interdit.
Florence, épouvantée le soumet à l’épreuve de l’Ordalie: épreuve ou issue déterminée par Dieu.

Finalement, il évite l’Ordalie et se fait pendre puis brûler.

Je trouve cette œuvre très intéressante et importante car ayant eu la chance de m’être rendue sur la place de nos jours, je peux nettement considérer l’évolution du lieu et son histoire.

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Ce miroir reflète, sous mes pieds, Jésus et un soldat romain reconnaisable à son casque, peut etre celui qui a percé Jésus..

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Cette cellule, aux apparences normales, cache en realité un trésor sur le plafond du sol

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tu iras commander une bague auprès du meilleur orfèvre de la ville.

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Exceptionnel ‼️Quelle chance de profiter de ces beautes

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Ici on peut observer différentes sortes de chapiteaux corheitiens. Ils étaient situées à la sortie du musée de San Marco. San Marco est est une abbaye dominicaine transformée en musée.

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Aujourd'hui nous avons visité un atelier de cuir. Nous avons montré différent type de cuir du synthétique jusqu'à la peau de crocodile ou encore d'autruche. La chose la plus impresionante était quand un des artisans nous a montré comment il pose la feuille d'or sur le cuir. Il le fait avec des instruments (avec des motifs dessus) spéciaux qu'il met dans les flammes pendant quelques minutes, puis dans l'eau pour vérifier si cette objet est à bonne temperature pour toucher la feuille d'or.

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Il s’agit ici d’une enluminure à l’intérieur d’un antiphonaire que l’on a vu dans la bibliothèque du couvent San Marco dans lequel vivaient autrefois l’ordre des Dominicains fondé par Dominique de Guzmán. Sur cette enluminure, nous observons que la couleur bleue est très présente. Cette dernière est obtenue grâce au pigment Lapis Lazuli qui faisait preuve de richesse. À l’époque afin d’obtenir la « peinture » il fallait extraire le pigment de la pierre puis le mélanger à de l’huile, de l’oeuf (jaune ou blanc) ou de la colle animale.

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Cette église appartient à l’ordre des Franciscains a été financée par d’en grandes familles florentines telles qu’en les Pazzi ou encore les Pitis.Il fait office de « Panthéon » de Florence car de nombreux hommes qui ont illustré Florence à une époque y sont enterrés (tombe de Michel-Ange, de Machiavel, de Galilée, de Guiberi, ainsi que cénotaphe de Dante). Il y a, entre autre, trois portails, trois tympans, un lyntos ainsi que des frontons). Les arcs brisés témoignent du style gothique de l’église.

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Senechal Juliette
Cette sculpture très expressive est aujourd’hui conservée au museo del Duomo. Une copie est tout de même visible à sa place original, qui est sur le campanile.
Donatello a rendu la statue tres vivante, on le voit principalement grâce à son regard, l’expression de son visage ainsi que le drapée de sa toge.
La statue paraissait tellement vivante et Donatello s’attendait tellement à ce qu’elle se mette à bouger, que la légende raconte qu’il lui aurait crié « parle, mais parle donc, ou vas t’en au diable! »

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Magnifffffique

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Cette œuvre est conservée dans le monastère San Marco, chez les dominicain. Cette fresque est ma préférée grâce aux parties du corps détachées apportant une dimension abstraite, mystérieuse. Le personnage principal, Jesus, a les yeux bandés : on peut supposer qu’il fait confiance, qu’il est confiant. Tout le mystère de cette œuvre est dans l’anatomie détachée d’un corps qui entoure Jésus . Chaque pièce paraît s’animer. Nous distinguons une tête d’homme qui semble lui apporter le souffle de vie, de Dieu et des mains vivantes. Jésus porte une pierre dans sa main gauche pour construire son Eglise et tient un bâton de guide dans sa main droite. Le fond bleu rappelle le Ciel.

A ses pieds, nous retrouvons Marie qui est pensive et Saint Dominique, intellectuel, plongé dans un ouvrage.

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Stella Mamou, Appoline Zhang, Roman Giovannone

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Stella Mamou, Appoline Zhang, Roman Giovannone

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Jeu de piste niveau 1; photo répondant à la question :
près du Marzocco tu récupèreras un lys.
Ici Romane « tient » la fleur de lys  que l’on retrouve en dessous du Marzocco (statue du lion)grâce à la façon dont la photo a été prise.