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Video en el cual habla sobre el Arte Griego

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Podremos inferir que en el Arte Griego es un conjunto de elementos que forman la cultura griega en general

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Arte griego | Qué es, características, antecedentes, historia, etapas, obras

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El arte griego es una mezcla de elementos que unidos formaron la base de la cultura occidental y de Grecia por medio de la adopción de las culturas antiguas y la perfección de los elementos que ésta incluía, creando un arte nuevo e innovador.

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Se sobresaltas atributos de esta en esta área, la cual abarca esta parte de la cultura Helenística

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El Arte Griego en la antigüedad se caracterizó por su idealismo estético, lo cual implica que el arte representa no la realidad cruda y directa sino una visión idílica y perfecta que se percibe por el uso de la proporcionalidad y equilibrio de los elementos así como por su interés en reflejar en las obras...

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Características en video

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El arte griego. Características generales.

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Como toda área cultura, se divide en decenas de etapas en las cuales hubieron cambios históricos

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El arte griego es el icono de la cultura occidental, sus modelos son tenidos como clásicos, aún en nuestros dias. El arte griego, manifestado en Grecia y sus colonias, comienza entre los años 1100 y 100 antes de Cristo y es uno de los periodos más influyentes de todos los tiempos. Se caracterizó por la representación naturalista de la figura humana, sobre todo en la manera de expresar el movimiento y los sentimientos, tanto en dioses como en humanos, todos ellos unidos en el mito y en la realidad. Paradójicamente se han conservado pocos ejemplares, tanto en lo que respecta a arquitectura como a la escultura de esta etapa, aunque sí de cerámicas y joyas. Los relatos históricos completan la información que se tiene sobre el arte griego. Todas las manifestaciones artísticaas cumplían la función de plasmar acontecimientos civiles y religiosos de carácter público. El arte griego de carácter privado sólo se podía encontrar en elementos funerarios y vajillas, propiedad de familias más ricas.
El Arte Griego clásico se caracterizó por representar figuras humanas naturalistas
- Etapa Geométrica (del siglo X a VIII a. Cto.): no tenemos muchos datos de esta etapa, se denomina así por la decoración de la cerámica, en la que la figura humana aparece muy esquematizada.

- Etapa Arcaica (del siglo VIII a VI a. Cto.): Por su actividad comercial se producen cambios, oriente aporta el naturalismo y el realismo en las representaciones. Aparecen las primeras ciudades y templos, cambios también en la escultura y la cerámica. El periodo arcaico del arte griego ubicado entre los años 650 y 475 aC. es un periodo de búsqueda y experimentación con una impresionante evolución arquitectónica. En cuanto al periodo clásico del arte griego se caracteriza por el equilibrio entre los órdenes dóricos y jónicos, tomando lo mejor de ambos para fusionarlos en una síntesis sublime. La naturaleza se transforma en abstracción manifiesta en dos conceptos estéticos: el perfil y la serenidad griega, que connotaban la búsqueda del hombre helénico de la conjugación entre la excelencia física, espiritual y moral. Se divide en tres subperiodos. El periodo clasico alto del arte griego donde la escultura abandona la sonrisa arcaica para adoptar más simplicidad en las formas. En cuanto a la arquitectura el estilo de las construcciones es una rebelión contra los cánones anteriores más pesados y menos esbeltos. Luego de la victoria griega sobre los persas, hay una necesidad de reconstruir la devastación de la guerra. La mayoría de los templos de la alta época clásica eran de orden dórico.

Esta vasija corresponde al periodo griego conocido como "oriental", donde se incorporan felinos y esfinges, como muestra la fotografia de la cerámica
El periodo clásico medio (c. 448 a.C.-400 a.C.) se desarrolló bajo el liderazgo de Pericles. La arquitectura y la escultura de Atenas alcanzaron entonces una perfección raramente igualada. El El Partenón se construyó en su totalidad
- Etapa Clásica (del siglo V a IV a. Cto.): Grecia ha alcanzado la plenitud en todos los campos, llegan a nosotros los nombres de los grandes artistas en los tres campos del arte. Podemos distinguir dos períodos, Partenón es la muestra acabada de la arquitectura de la época. Se desarrollaron métodos para contrarrestar las distorsiones ópticas; los muros se curvaban levemente hacia arriba y las columnas se tallaban más anchas en el centro que en los extremos (éntasis) y se inclinaban ligeramente hacia el interior. de mármol. El Erecteion es un templo jónico construido hacia el 421-405 a.C. en la Acrópolis de Atenas y otra de las grandes construcciones de este periodo del arte griego. Fidias y Policleto fueron los escultores más importantes del periodo clásico medio. Fidias, el escultor de los dioses y Policleto el de los seres humanos o mortales. Fidias creó la estatua de Zeus en Olimpia, considerada una de las siete maravillas del mundo antiguo y la de Atenea en el Partenón, entre algunas de sus extraordinarias obras. La pintura no posee grandes avances.
Reconstrucción de El Partenón
El periodo clásico final (400 a.C. a 323 a.C.) se caracteriza por una disminución en la producción artística en virtud de la guerra del Peloponeso. Los templos se seguían construyendo en orden dórico aunque sin el porche exterior y se comienzan a utilizar las columnas corintias (columnas jónicas con hojas de acanto en los capiteles). Los teatros se construyen en piedra (se realizaban en madera tradicionalmente). El edificio más impresionante fue el Mausoleo de Halicarnaso, la enorme tumba en honor de Mausolo, otra de las siete maravillas del mundo.

- Etapa Helenística (del siglo III a I a. Cto.): La cultura griega sale de sus fronteras originales y se extiende por el Mediterráneo. Es la etapa más barroca del arte, todo se lleva a sus últimas consecuencias. Roma ya es una potencia mediterránea, y toma las características principales de su arte de Grecia. Grecia acabará siendo parte del Imperio Romano en el siglo I a. Cto.

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El arte griego es el icono de la cultura occidental, sus modelos son tenidos como clásicos, aún en nuestros dias. El arte griego, manifestado en Grecia y sus colonias, comienza entre los años 1100 y 100 antes de Cristo y es uno de los periodos más influyentes de todos los tiempos.

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Etapas dichas en video para ser mejor retratado este arte

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📜Histórico📜 | 🏺La evolución del arte griego 🏛

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Se pitaban temas religiosos, civiles y funerarios y era considerada un arte.

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También se trabajó el retrato y la naturaleza, que con el pasar del tiempo tuvieron gran desarrollo. Al mismo tiempo, los griegos pintaron escenas que representaban el día a día.

El uso de la perspectiva y la geometría

Los griegos, tomaban en cuenta las matemáticas en muchos aspectos de sus vidas y esto también incluyó el arte. En donde lo bello tenía que ver con las leyes, la simetría y el orden, lo mismo que las matemáticas.

En el caso de la pintura, se puede observar en lo poco que se ha encontrado, una evolución de lo que fue la pintura egipcia, en donde principalmente se utilizaban figuras rígidas, de perfil o frontales en donde no existía volumen ni perspectiva.

Los griegos, se encargaron de implementar el volumen y el movimiento, usando la geometría, creando figuras muy similares a lo que hoy en día se conoce como el cubismo. La perspectiva también es aplicada al paisaje, esto se da hacia el siglo V a.C.

El pintor Panfilio, fue uno de los defensores de las matemáticas y que afirmó que la pintura debería basarse en esta disciplina, utilizando también las reglas de proporción.

Escuela de pintura de Sicyon

Sición figura como uno de los primeros centros dedicados al arte en Grecia. Es durante el periodo arcaico en donde se desarrollan diversos movimientos artísticos. La pintura sobre cerámica era muy similar a la corintia y traspasó el territorio, siendo exportada hasta otros lugares.

Uno de los artistas más reconocidos era Butades, que según se afirma, fue el precursor de hacer retratos utilizando arcilla, por otra parte, Canaco fue el autor de mayor renombre para el V a.C.

Durante el siglo IV a.C, Sición vivió la cumbre del movimiento artístico, pues las escuelas de pintura lograron alto reconocimiento por artistas como Eupompo, lo que atrajo a maestros como Apeles y Pánfilo.

Color: figuras negras, pintura en cuatro colores y dibujo

Se sabe que la paleta de colores utilizada por los artistas griegos estaba conformada por los colores: Marrón, púrpura, azul, verde, negro, blanco, rojo y amarillo. Mientras que la pintura que se hizo específicamente sobre cerámica, se limita a 4 pigmentos.

La razón de la limitación de colores, es principalmente, que los colores blanco, negro, rojo y amarillo eran los únicos capaces de soportar las temperaturas del horno en donde se introducían las piezas. Basándose en esta referencia, la pintura griega da la impresión de ser bastante limitada en cuando a su uso de color.

Medios principales

En cuanto a los medios, se utilizaron principalmente superficies como losas de terracota o mármol, tablas elaboradas en madera o muros. Adicionalmente, también se usaron elementos como cuero, pergamino, lino y marfil. Teniendo mayor popularidad la tabla de madera en donde se utilizaba una base de pintura blanca.

Las técnicas empleadas para la mayoría de estas superficies fue la pintura al temple y la encáustica, mientras que para pintar sobre los muros, usaron la técnica de pintura al fresco y también, al temple.

Pintura mural

Uno de los métodos más utilizados para decorar las paredes pertenecientes a los templos, las casas, las tumbas y edificios de carácter público, fue la pintura al fresco.

A pesar de que en años posteriores, la pintura al fresco gozó de gran reputación, específicamente durante el periodo renacentista, en el periodo griego no estaba al nivel de la pintura de panel por ejemplo.

La razón de esto es que la pintura mural tenía la finalidad de tapar o disimular imperfecciones en las paredes cuando estas no tenían un buen acabado y esto debido a los materiales de baja calidad que se utilizaban principalmente para revestirlas.

No obstante, si existe una similitud en la pintura mural y la de panel, es el tema que se reflejaba en ambos. De igual forma, se empleaba el equilibrio, muy común con el resto de las representaciones artísticas de la época, siendo utilizadas composiciones con buenas proporciones en donde no se aglomeraban los elementos seleccionados.

Pintura sobre esculturas

Una de las formas más interesantes de cómo los griegos emplearon la pintura, fue que también lo hicieron sobre las esculturas. La aplicaban sobre todo en la parte correspondiente al cabello o a la ropa, mientras que lo que correspondía a la piel, permanecía en el tono de la piedra con las que se hacían.

Anteriormente y gracias a la referencia de la escultura renacentista, se creía que habían imitado a la antigüedad y que las obras eran dejadas al natural. No obstante, mediantes estudios, se pudo comprobar que había presencia de color en las esculturas griegas, pero que con el pasar del tiempo lo fueron perdiendo.

Pintura cerámica

La cerámica griega evolucionó constantemente, para finales del siglo VI a.C. logró alcanzar un alto nivel de refinamiento, sobre todo en respuesta a la demanda de la vida cotidiana de las altas clases sociales de la época.

Dentro del arte, la cerámica era considerada una de las artes menores pero es el mejor punto de partida para analizar la pintura griega, por lo que nos permite estudiar cómo fue la evolución de la cultura.

El estilo y las técnicas utilizadas por los griegos fueron propias, caracterizadas principalmente por hacer uso de una variedad de formas con originalidad.

En predominio, encontramos elementos geométricos dispuestos en franjas; el barro se compone de tonos amarillos y grises, en donde predominan las figuras rojas sobre un fondo negro o figuras negras sobre fondos rojos.

En cuanto a lo que se representaba, se destacan las formas humanas y animales y para el siglo V a.C. comienza el desarrollo de la cerámica policromada, en donde se añade variedad de colores, sin embargo, es aquí donde otras manifestaciones como los mosaicos y los frescos comienzan a tomar mayor relevancia.

Temas principales

Los griegos, famosos por la mitología, representaban a través de la pintura temas relacionados a las escenas de la vida cotidiana y tradiciones propias de su cultura, así como también leyendas mitológicas o heroicas y juegos atléticos.

Una particularidad es que las obras están firmadas por el artista que las hizo, lo que nos demuestra la importancia y el prestigio del que gozaban.

La mayor referencia que tenemos en la actualidad acerca de la pintura griega son algunas tablas que se han conservado, por otra parte, existe un buen material de análisis en cuanto a la pintura sobre cerámica que permite hacer un acercamiento. Asimismo, gracias a diversos estudios, también se pudo comprobar que las estatuas eran pintadas.

Otra de las formas en las que podemos acceder a información sobre la estética griega es a través de los textos de algunos escritores reconocidos, quienes en sus obras, recogen información que permite un mayor acercamiento tanto a la cultura como a la pintura griega.

Obras principales que han sobrevivido hasta nuestros días

Estas son algunas de las pinturas que se conservan en la actualidad:

El rapto de Perséfone

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🥇 Pintura Griega - estilo, temas y características en Evangogh.org

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También se trabajó el retrato y la naturaleza, que con el pasar del tiempo tuvieron gran desarrollo. Al mismo tiempo, los griegos pintaron escenas que representaban el día a día. Los griegos, tomaban en cuenta las matemáticas en muchos aspectos de sus vidas y esto también incluyó el arte.

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Las esculturas maravillan a decenas de personas que presencian los monumentos antiguos creados por famosos escultores.

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La escultura es la manifestación artística en la que más destacaron los griegos. El tema que más repitieron fue el del cuerpo humano, que sirvió para representar a héroes, divinidades y mortales.

Escultura de Poseidón

Al igual que en su arquitectura , los griegos valoraron especialmente la proporción, el equilibrio y el ideal de belleza. Los materiales que más emplearon fueron el mármol (coloreado) y el bronce.

Kuros

En función de la evolución técnica, pueden distinguirse tres etapas:
Durante la misma las figuras eran representadas normalmente de manera estática (sin movimiento), de frente (ley de la frontalidad) y en posturas rígidas. Sus ojos eran grandes y expresaban una sonrisa forzada (sonrisa arcáica). En ellas se aprecia una clara influencia de la "Kuroi" (jóvenes atletas). escultura egipcia. Son muy representativos de este período los llamados

Discóbolo de Mirón

Las figuras se hicieron más naturales y expresivas, adquiriendo más movimiento y posturas menos forzadas.

Desapareció la ley de la frontalidad. Los escultores se afanaron en la búsqueda de la perfección y la belleza ideal, aplicando estrictos cánones o reglas en sus obras. Fidias (esculturas del Partenón), Mirón, Policleto y Praxiteles fueron los más importantes.

Laocoonte

En este período las esculturas fueron dotadas de mayor dinamismo (movimiento), así como de gran realismo. Ya no se trataba de representar el ideal de belleza, sino la naturaleza tal cual es, fuese alegre o dolorosa, bella o fea o, incluso, trágica (Muerte de Laocoonte y sus hijos).

La escultura griega fue imitada y reproducida por los romanos. Gracias a ellos conocemos cómo fueron muchas de las grandes obras hoy desaparecidas. Al igual que la arquitectura , ejerció una importantísima influencia en estilos más modernos, tales como el renacentista y el neoclásico.

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La escultura es la manifestación artística en la que más destacaron los griegos. El tema que más repitieron fue el del cuerpo humano, que sirvió para representar a héroes, divinidades y mortales. Escultura de Poseidón Al igual que en su arquitectura , los griegos valoraron especialmente la proporción, el equilibrio y el ideal de belleza.

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Despues de la caida de imperio Griego, el arte siguio produciendose. Por supuesto, su vision del mundo, y por ente su arte, cambio.

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El arte griego moderno es el comprendido en el periodo entre la aparición del nuevo estado griego independiente y el siglo XX. Mientras Grecia continental estaba bajo el dominio del Imperio Otomano por un periodo de cuatro siglos, se perdió del Renacimiento y los movimientos artísticos que surgieron en Europa Occidental. Aun así, las islas griegas como Creta, y las Islas Jónicas en particular estuvieron grandes periodos bajo dominios Venecianos u otros poderes europeos regla por lo que era capaz de asimilar mejor los cambios artísticos radicales que ocurría en Europa durante los siglos XIV al XVIII. La Escuela cretense y en particular el Heptaneso son dos ejemplos típicos de los movimientos artísticos en Grecia que siguieron rutas paralelas a las de Europa Occidental.​ Por lo tanto existían diferentes tendencias artísticas emergiendo dentro de la sociedad griega. Puede decirse que el arte griego moderno ha sido predominantemente moldeado por las condiciones socioeconómicas particulares de Grecia, la gran diáspora griega a través de Europa, y la nueva élite social griega, así como influencias artísticas externas, predominantemente de Alemania y Francia.

La Escuela de Múnich

El arte griego moderno empezó a desarrollarse alrededor de la época del Romanticismo. Los artistas griegos absorbieron muchos elementos de sus colegas europeos, resultando en la culminación del estilo distintivo de arte Romántico griego, inspirado en ideales revolucionarios así como en la geografía y la historia del país. Después de siglos de dominio Otomano, pocas oportunidades existían para tener una educación en artes en la Grecia nuevamente independiente, así que el estudio en el extranjero era imperativo para los artistas. Múnich, como centro internacional de las artes en aquel momento, era el sitio donde la mayoría de los artistas griegos del siglo XIX escogieron para estudiar. Más tarde, regresarían a Grecia y transmitir sus conocimientos. Algunos de ellos se quedaron en Múnich, el llamado Atenas del Ambos vínculos académicos y personales desarrollaron entre los primeros pintores griegos y el arte de Múnich el nacimiento de la Escuela "griega de Múnich" de pintura. Nikolaos Gysis era un profesor importante y artista en la Academia de Múnich y pronto se convirtió en una figura principal entre artistas griegos. Academicismo, realismo, pintura de género, retratos de personas de clase media superior, bodegón y pintura de paisaje, a menudo representando características impresionistas, serían reemplazados al final del siglo XIX por Simbolismo, Modernismo, Arte Nouveau, los cuales son principalmente localizados en los trabajos de Nikolaos Gysis, Aristeas y otros.​ El modernismo de principios del siglo XX es también representado por importantes artistas griegos en Múnich. Muchos artistas de la Escuela de Múnich escogieron temas como vida griega cotidiana, costumbres locales, y condiciones de vida. Varios pintores importantes emergieron en este tiempo. Theodoros Vryzakis se especializó en pintura histórica y especialmente se inspiró en la Guerra de independencia griega de 1821. Nikiphoros Lytras se concentró en representaciones realistas de vida griega. Georgios Jakobides dedicó su atención a los niños e infantes y más tarde se convertiría en el primer Director de la nueva Galería Nacional de Atenas. Georgios Roilos fue otro pintor importante del periodo, estrechamente asociado con la Escuela de Múnich, especialmente en su carrera temprana. Konstantinos Volanakis Estuvo inspirado mayoritariamente por el mar griego.​

Otros artistas asociados con la Escuela de Múnich fueron Symeon Sabbides, Yannoulis Chalepas, Leonidas Drosis, así como unos cuantos artistas modernistas que estudiaron en Múnich, incluyendo a Theofrastos Triantafyllidis, Jorgos Busianis, y también Giorgio de Chirico.​

Los escultores sobresalientes del Reino griego nuevo fueron Leonidas Drosis (su trabajo más importante era el extenso ornamento arquitectónico neo-clásico en la Academia de Atenas), Lazaros Sochos, Georgios Vitalis, Dimitrios Filippotis, Ioannis Kossos, Yannoulis Chalepas, Georgios Bonanos y Lazaros Fytalis.

La Escuela de París

Unos cuantos pintores griegos estudiaron en París. A pesar de residir en la capital francesa y seguir las directrices de la Academia de Arte francesa, invariablemente tuvieron sus interpretaciones propias. Jacob Rizos estuvo implicado con el diseño de la gracia femenina, Theodoros Rallis con escenas del Oriente ortodoxo y Nikolaos Xydias Typaldos con retratos, bodegones y pintura de género. Durante este periodo en París se desarrolló el movimiento Impresionista, pero la mayoría de los pintores griegos permanecieron fieles a los preceptos de sus profesores con solo algunos algunos adeptos a este movimiento. El primer impresionista griego fue Périclès Pantazis quién, después de París, se estableció en Bélgica y se convirtió en una parte del grupo vanguardista Circle de la pâte.

Temas y representaciones artísticas

Muchos artistas griegos de este período también se inspiraron en el estilo de El Greco , especialmente cuando creaban arte basado en temas religiosos. Esto se vincula con la idea del arte griego moderno secular del período que hace referencia a los estilos más clásicos, mientras que el arte religioso hizo referencia al arte inspirado por el bizantino. Además, los artistas de las islas jónicas en el siglo XVIII y principios del siglo XIX desempeñaron un papel importante y pionero, que explotó las conquistas del Renacimiento italiano y los talleres barrocos . A medida que persistían los esfuerzos con nuevas direcciones y objetivos, los artistas griegos que emergieron en el mundo durante las primeras décadas del siglo XIX reconectaron el arte griego con su antigua tradición, así como con las misiones de los talleres europeos, especialmente los de la Escuela de Munich , con ejemplos definidos del arte contemporáneo griego de la época, incluyendo las obras de Theodoros Vryzakis y Nikiphoros Lytras .

A principios del siglo XX, la pintura de paisajes prevaleció y el interés de los pintores se dirigió hacia el estudio de la luz y el color. ​ La dependencia de Munich fue menor y París se convirtió en el centro de atención para los artistas de la época. A principios del siglo XX, Demetrios Galanis, contemporáneo y amigo de Picasso , logró un amplio reconocimiento en Francia y fue miembro permanente de la Académie française después de que el crítico Andre Malreaux lo reconociera como un artista capaz de "agitar emociones tan poderosas como las de Giotto ". A finales de siglo, Nikos Engonopoulos logró el reconocimiento internacional con sus concepciones surrealistas tanto de la pintura como de la poesía, mientras que a fines de la década de 1960, Dimitris Mytaras y Yiannis Psychopedis se asociaron con el realismo crítico europeo. El impresionismo fue la influencia original en las principales figuras del arte de la primera mitad del siglo XX, Konstantinos Parthenis y Konstantinos Maleas , mientras que Nikiphoros Lytras se asoció con los grupos de vanguardia de Munich que constituyen el último vínculo conocido con la serie de pintores en la gran tradición de Munich en el arte griego. El desarrollo posterior de estos pintores llevó a otros caminos, pero siempre dentro del marco del movimiento de vanguardia, aunque con una dimensión griega.

Gradualmente, los impresionistas y otras escuelas modernas aumentaron su influencia. A principios del siglo XX, los artistas griegos pasaron de Munich a París. El interés de los pintores griegos, cambia de representaciones históricas a paisajes griegos con un énfasis en la luz y los colores tan abundantes en Grecia. Representantes de este cambio artístico son Konstantinos Parthenis, Konstantinos Maleas, Nikiphoros Lytras y Georgios Bouzianis. Konstantinos Parthenis , en particular, introduce elementos históricos, religiosos y mitológicos que permiten clasificar la pintura griega en el arte moderno . Lo mismo ocurre con los paisajes de Konstantinos Maleas y el expresionismo de Georgios Bouzianis. El período de la década de 1930 fue un hito para los pintores griegos, con Yiannis Tsarouchis , Yiannis Moralis , Nikos Hadjikyriakos-Ghikas , Spyros Vassiliou , Alekos Kontopoulos (introdujo la abstracción en las pinturas griegas) y Spyros Papaloukas entrando en la cúpula del arte griego. Estos pintores intentaron principalmente vincular las principales tendencias europeas con la tradición griega. ​

La segunda mitad del siglo XX ha visto a muchos artistas griegos ampliamente aclamados como Constantine Andreou , receptor de la Legión de Honor francesa , Thodoros Papadimitriou , un escultor internacionalmente aclamado. Giorgio de Chirico fue un influyente pintor griego-italiano surrealista que fundó el arte metafísico . Jannis Kounellis se encuentra entre los pioneros del movimiento artístico Arte Povera . Theodoros Stamos fue un reconocido pintor de expresionismo abstracto . Takis , Chrysa y Constantin Xenakis son artistas de escultura cinética de renombre internacional. Otros artistas griegos notables son Hermon di Giovanno , Varotsos , Dimitris Mytaras, Alekos Fassianos, Theocharis Mores, Dimitris Koukos (1948-), Nikos Stratakis, Steven Antonakos, Kostas Tsoklis, Nikos Hadjikyriakos-Ghikas, Thanassis Stephopoulos, Aggeilka Korovessi, y Yiannis Melanitis.​

Cultura de Grecia

Arquitectura griega moderna

Mycenaean Arquitectura de resurgimiento

Galería nacional de Atenas

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Arte griego moderno - Wikipedia, la enciclopedia libre

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El arte griego moderno es el comprendido en el periodo entre la aparición del nuevo estado griego independiente y el siglo XX. Mientras Grecia continental estaba bajo el dominio del Imperio Otomano por un periodo de cuatro siglos, se perdió del Renacimiento y los movimientos artísticos que surgieron en Europa Occidental.

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El arte griego tuvo gran influencia en el mundo antiguo y aun hoy en día sigue teniendo presencia. Pero, de que forma ha sido influenciado el mundo moderno por el Arte Griego?

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Este arte destaca sobre sus arquitectónicas construcciones las cuales han maravillado en mundo.

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La arquitectura griega es adintelada , no utilizó el arco ni la bóveda. Empleó Dintel como elemento sustentante la , y como material de construcción la piedra caliza (mármol) pintada en diferentes colores. Con el paso del tiempo esos colores han desaparecido casi completamente.

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El arte griego sigue maravillandonos incluso en la actualidad. Te interesaria apreciarlos de primera mano?

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La arquitectura, la cerámica y la escultura occidentales hunden sus raíces en el arte griego, cuyas obras, tras más de dos milenios, están dispersas por una miríada de museos y galerías. Francia, Inglaterra, Alemania, Italia y Grecia conserva las principales obras maestras, aquellas que pudieron conservarse en su estado original o esas otras que, perdidas, podemos aún disfrutar gracias a las copias que hicieron los romanos.

Lo que sigue no es un ranking, pues faltan muchas maravillas. Pero sí es una selección de lo mejor de las distintas y variadas épocas y estilos por los que atravesó ese fenomenal conjunto de creaciones que hoy llamamos arte griego.

Cleovis y Bitón, un sensacional ejemplo del arte griego arcaico

El grupo escultórico de Cleovis y Bitón es uno de los mejores representantes que aún puede verse del arte griego arcaico. Representan un tipo muy común en aquel tiempo: el kuros u hombre joven desnudo, una representación idealizada del atleta y del soldado, fuerte, viril y en plenitud.

Estos dos en concreto son figuras mitológicas. Hijos de una sacerdotisa de Hera llamada Cídipe, la historia cuenta que en una ocasión fueron capaces de tirar del carro que llevaba a su madre a honrar a la diosa, una vez que sus bueyes habían quedado exhaustos.

Son esculturas muy parecidas al estilo de los egipcios. Se caracterizan por una postura rígida y tirante, brazos caídos y pegados al cuerpo, avance ritual de la pierna izquierda y un carácter compacto que impide olvidar que antes de un kuros la escultura fue un bloque de piedra.

Al modelado se le prestaba entonces poca atención. El escultor, de nombre Polimedes de Argos, trazó simplemente unos gruesos incisos allí donde el cuerpo solicita juegos de relieve, como los pectorales o el encuentro de las ingles y el abdomen.

Aunque no es lo habitual, de estas piezas se conoce, gracias a Heródoto, que fueron un encargo de la ciudad de Argos para adornar el Santuario de Delfos. Allí se colocaron aproximadamente en el año 600 a.C. Allí mismo fueron encontradas en el año 1893, y allí se pueden ver aún, más de 2600 años después, en el Museo Arqueológico de Delfos.

El Vaso François, la joya de la cerámica griega

El Vaso François es uno de los más impresionantes ejemplos de la cerámica griega. Mide nada menos que 66 centímetros de alto y está decorado al completo con historias de la mitología griega, monstruos e incluso escenas cómicas. Hasta las asas y la base están profusamente decorados.

En su fabricación se sabe que intervinieron dos autores porque ambos dejaron constancia de su firma. Se trata del alfarero Ergótimos y el pintor Clitias, que colaboraron en esta y otras obras alrededor del año 570 a.C.

Según Antonio Blanco Freijeiro, autor de uno de los mejores libros sobre arte clásico, el Vaso François destaca por "su proporción, elegancia, firmeza y grandiosidad [...] pero a este conjunto de perfecciones constructivas se le une la exquisita decoración de Clitias, que envolvió la superficie externa del vaso en un álbum de más de un centenar de miniaturas dispuestas en franjas horizontales".

Que un vaso de este tamaño y con este imponente y minucioso programa decorativo acabara en Etruria es un ejemplo más de lo bien conectada que estaba por entonces la economía mediterránea, y el alto desarrollo que habían alcanzado los etruscos, capaces de importar semejantes objetos de lujo. Hoy se puede ver en el impresionante Museo Arqueológico de Florencia, uno de los mejores de la ciudad del Renacimiento.

No servía simplemente para decorar. El Vaso François era una crátera de volutas (así llamada por las asas), un recipiente en el que se depositaba el vino, normalmente mezclado con agua, para que los asistentes a un banquete se fueran sirviendo.

Quizá este uso justifica la presencia de varias escenas marcadamente cómicas entre sagrados mitos como el de las exequias de Patroclo. O tal vez sea una prueba más del escaso fanatismo que envolvía la religión griega, sin exigencias morales y tolerante incluso con la ironía.

Para saber más sobre las imágenes representadas, recomendamos la lectura de este artículo.

El ¿Poseidón? del Cabo Artemisio

Se llama Poseidón de Artemision pero sólo la segunda parte de su nombre es segura, pues fue descubierto bajo el mar, en 1928, muy cerca del cabo del mismo nombre.

La identidad de la figura es complicada. Se ha dicho que es Poseidón en el acto de arrojar su tridente, pero ese acto de arrojar el tridente no era nada habitual. Y un tridente no encaja bien con la composición de la figura, como descubrió un grupo de historiadores. Lo que sí sabemos es que el Templo de Sunión estaba dedicado a él.

Se ha dicho también que podría ser Zeus en el acto de lanzar un rayo, pero la posición de las manos tampoco sería idónea. En realidad, el acto que más concuerda con la figura es el lanzamiento de una jabalina, pero la figura no es la de un atleta, que habría de ser más joven, sino la de un dios. Últimamente se le llama Dios de Artemisio.

En cualquier caso, es un figura valiosísima no sólo por su antigüedad (se ha datado en el año 460 a.C.) sino porque representa perfectamente la transición entre el estilo arcaico y el clasicismo. La figura es todavía rígida y carece del naturalismo que estaba por venir, pero ya hay una intención clara de romper el estatismo de la vieja escultura y añadir acción y movimiento.

Está en el Museo Arqueológico Nacional de Atenas.

Los Bronces de Riace o el anuncio del clasicismo

Han sobrevivido milagrosamente tres maravillas del arte griego realizadas en bronce. Una es el Poseidón de Artemisio, otra el Auriga de Delfos. La tercera son estos misteriosos personajes que fueron encontrados por un submarinista cerca de Riace, en la actual Italia, y que son la gran joya del Museo Arqueológico de Reggio Calabria.

A pesar de haber realizado numerosos y concienzudos estudios, los expertos no se ponen de acuerdo sobre la identidad de los dos individuos. Unos dicen que son atletas. Otros dicen que son guerreros. Otros, que son dioses o figuras mitológicas.

Nada está claro excepto su maravillosa calidad y su incalculable valor histórico, pues aquí tenemos, uno frente a otro, el paso del estilo severo, o de transición, al inconfundible estilo clásico. De hecho, el llamado Bronce B es tan, tan asimilable a las esculturas clásicas que hay quien ha defendido la autoría de Fidias, el mayor exponente del arte clásico.

Aquí ya está casi todo lo que hará del arte griego clásico inolvidable: el naturalismo, la elasticidad de los músculos, el apoyo en uno de los dos pies, la ruptura total de la vieja ley de la frontalidad, etc.

Tal vez te interese leer también este recopilatorio: diez templos griegos para viajar al mundo antiguo. Seguirás viajando por Sunión, Atenas, Delfos y otros rincones de Grecia.

El Discóbolo, la obra que hizo trizas la ley de la frontalidad

A mediados del siglo V a.C. Atenas brilló entre todas las ciudades de Grecia, y en Atenas, en aquel tiempo, empezó a florecer Mirón. Esculpiendo dioses, atletas y animales se hizo pronto un hueco entre los grandes del arte griego. Fue verdaderamente profuso y variado en la elección de sus temas, aunque se mantuvo a la vez más apegado a ciertas rigideces del arte clásico.

El Discóbolo, famosísimo, representa a un lanzador de disco en plena acción. En en suelo solo apoya el pie derecho y los dedos del izquierdo. Con la mano derecha impulso el disco hacia atrás para ganar inercia. Su cuerpo, en postura inverosímil para la estatutaria anterior, se inclina y se contrae en el momento previo al violento lanzamiento.

Este atleta es muy distinto a todos los anteriores. Debió sorprender y asombrar a sus contemporáneos, pues cambia radicalmente la relación del espectador y la obra. Si las antiguas estatuas frontales fueron concebidas para verse de frente y solo de frente, el Discóbolo no solo puede admirarse desde cualquier lado sino que casi parece que incita a hacerlo.

Y a pesar de todo, al margen de la postura, el Discóbolo no es una obra excesivamente novedosa. La anatomía sigue siendo casi pre-clásica: los músculos son planos; las facciones, esquemáticas e inexpresivas, y el conjunto no alcanza gran profundidad en el espacio. Admiración y asombro era lo que buscaba, no emoción. Hoy puede verse no el original, pero sí una excelente copia romana en el Museo Nazionale Romano, situada en el Pallazzo Massimo alle Terme.

La Atenea Lemnia, la más bella de las estatuas femeninas

Así lo pensaba al menos Pausanias, que la ensalzó como la mejor de todas las obras de Fidias. La Lemnia se esculpió en época de Pericles para adornar, aún más, la Acrópolis de Atenas. Pero al contrario que la Parthenos, diosa guerrera escondida en el colosal Partenón, esta versión de la diosa se representó como una dispensadora de paz. Por ello lleva la cabeza descubierta, el casco en una mano y la égida sobre el pecho.

La cabeza tiene todos los rasgos propios del arte griego clásico: frente alta, barbilla pequeña, labios menudos y carnosos, mejillas lisas y una línea del perfil casi perpendicular al plano horizontal. El finísimo modelado y la elegante taenia, la cinta lisa y ancha que sujeta el pelo, terminan de acentuar la plasticidad de todo el conjunto.

Contemplar la Lemnia es emocionante, y eso que solo se conservan un par de fragmentos y no del original, sino de copias romanas posteriores. La cabeza se encuentra en el Museo Cívico Arqueológico de Bolonia y, lo que parece ser una copia del cuerpo se puede ver en la Staatliche Kunstsammlungen de Dresde.

Las Parcas de Fidias y sus "paños mojados"

De los frontones del Partenón ya hablamos largo y tendido en el artículo que le dedicamos a dicho edificio. Pero hay un grupo de esculturas que merece ser individualizado y situado aquí, brillando con luz propia entre lo mejor del arte griego.

Estos tres cuerpos mutilados todavía impresionan por la corporeidad y por la vida que transmiten. Se los conoce como Las Parcas, aunque seguramente representan a Afrodita y Artemisa. En ellos se percibe bien la técnica de los llamados "paños mojados", consistente en esculpir los ropajes con tal finura que parecen mojados, pegados por tanto al cuerpo y dibujando sus curvas y ondulaciones. Fidias llevó a esta técnica a una excelencia nunca antes vista, y luego fue imitado una y mil veces. La propia Victoria de Samotracia sería impensable sin este desarrollo previo.

Las Parcas, como todo el frontón del Partenón, pueden verse en la Sala Elgin del Museo Británico. Están en un estado algo precario, pero son las figuras originales que durante dos milenios adornaron el mejor de los templos griegos.

El Doríforo de Policleto, "el canon" del arte griego

El Doríforo es otra de las obras maestras del arte griego que se han perdido. Por suerte su fama fue grande en su tiempo, y los copistas romanos realizaron varias copias que sí se conservan. La mejor, o la mejor conservada, se descubrió en las excavaciones de Pompeya y se conserva en el Museo Arqueológico Nacional de Nápoles.

A pesar de su nombre, el representado es probablemente Aquiles, el héroe de la Ilíada. Y como la Ilíada, el Doríforo se terminó convirtiendo en la escultura más admirada, la más copiada, la que más influyó a escultores posteriores.

Curiosamente es una obra aún apegada a ciertos rasgos del arte arcaico. La separación de ingles y abdomen, o la línea que marca los pectorales, es excesivamente rígida. Lo mismo ocurre con las divisiones de los brazos y las piernas. Lo que Policleto aplicó de forma innovadora fue el canon geométrico que establecía el sistema ideal de las proporciones del cuerpo humano, y en en su forma de hacerlo reveló importantes influencias de los filósofos de us tiempo.

había defendido en el Timeo que los dioses dieron a la cabeza humana una forma esférica como imagen de la figura del universo. La cabeza es perfectamente esférica, pero no es el único círculo. Las curvas del pliegue inguinal y del arco torácico son segmentos de un círculo imaginario cuyo centro estaría en el ombligo.

Por supuesto, lo más llamativo es la posición. Policleto esculpió una obra destinada a contemplarse desde un punto de vista principal, pero el Doríforo no es una obra rígida ni estática. El peso del cuerpo se apoya maravillosamente sobre una de las piernas, y el giro ligerísimo del tronco y la cabeza añade el movimiento justo para dotar al conjunto de vida.

La Afrodita de Cnido, el canon de belleza de los antiguos

"La destreza del escultor ha sido tan acertada que parece que el mármol ha perdido su dureza para moldear la gracia de sus extremidades", dijo de esta escultura Luciano de Samósata. Plinio el Viejo relató que una vez, un joven se enamoró de ella al contemplarla, y el rey Nicomedes de Cos la quiso hasta tal punto que ofreció a la ciudad de Cnido perdonar la deuda de la ciudad. Los cnidios se negaron.

Estamos ante la obra maestra de Praxiteles y la estatua femenina que los antiguos consideraron la más hermosa del mundo. Representa a Afrodita, la diosa del amor, en el acto de tomar un baño.

Toda la obra es un prodigio de sensualidad y delicadeza. La razón de que aparezca desnuda hay que buscarla en las costumbres locales de Cnido, donde Afrodita era venerada, entre otras cosas, como protectora de la navegación, de forma similar a la fenicia Astarté. En toda la región hay representaciones anteriores, muy antiguas, donde a la diosa de la fecundidad se la representa de la misma manera.

Pero Praxiteles convierte la desnudez de la diosa en un logrado elemento erótico gracias a la tersura del modelado, a las formas suaves y mórbidas que se mueven en un perfil sinuoso, la célebre "S" o curva praxiteliana. La vestidura y el ánfora cumplen una función estructural, pues permiten que el cuerpo "rote" ligeramente hacia delante y hacia la izquierda. Es admirable cómo consigue Praxiteles que esas vestiduras, que recuerdan a los paños mojados de Fidias, caigan lánguidamente, despacio, sobre el ánfora. Como dijo Luciano de Samosata, resulta difícil de creer que el material sea el duro y frío mármol.

Como en el caso del Doríforo, el original se perdió. Pero como su fama fue tan grande se hicieron bastantes copias, y algunas de ellas son de excelente calidad. La más conocida está en Roma, en el Museo Nacional Romano del Palazzo Altemps.

El Gálata moribundo y la nueva expresividad del helenismo

Es una de las obras más famosas de los Museos Capitolinos de Roma y una de las más reproducidas, merced a su enorme popularidad entre los viajeros del Grand Tour y a la intensa emoción que transmite.

Situada en el centro de una sala que lleva su nombre ( Sala del Gladiador, pues en principio se pensó erronamente que el caído era un gladiador) representa a una víctima de la guerra emprendida en el siglo III a.C. por los Atálidas de Pérgamo contra los Gálatas (así llamaban aquéllos a las tribus célticas -los galos de los romanos- asentadas en el interior de la actual Turquía). El guerrero, que se muestra con la herida bien visible y próximo a morir, está rodeado de gran solemnidad y representado al estilo de los héroes clásicos, esto es, desnudo. La obra sirve así como recordatorio de la victoria, pero también como homenaje a la valía de los vencidos, que fueron dignos enemigos.

Apareció en el siglo XVII, en la Villa Ludovisi, junto con el Gálata suicida que puede verse hoy en el Palazzo Altemps, y fue adquirida por el museo en el siglo XVIII. Aunque los historiadores no se han puesto de acuerdo sobre su datación, la interpretación más aceptada es la siguiente: que el original griego data del siglo III a.C., que fue un encargo de Átalo I de Pérgamo como conmemoración de la citada victoria de los suyos contra los gálatas turcos, y que la copia expuesta en el museo es una obra romana del siglo I a.C., encargada por Julio César para conmemorar en el ámbito privado otra victoria -la suya- contra los galos, y realizada (esto acreditaría tanto la estima del dictador al original como la confusión de los historiadores) en mármol oriental por un taller de Pérgamo.

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Diez joyas del arte griego, y dónde verlas

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La arquitectura, la cerámica y la escultura occidentales hunden sus raíces en el arte griego, cuyas obras, tras más de dos milenios, están dispersas por una miríada de museos y galerías. Francia, Inglaterra, Alemania, Italia y Grecia conserva las principales obras maestras, aquellas que pudieron conservarse en su estado original o esas otras que, perdidas, podemos aún disfrutar gracias a las copias que hicieron los romanos.

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La historia del arte griego es inmensa. aqui, un enlace para verla de forma resumida.

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¿Qué fue el arte griego?

Se denomina arte griego al conjunto de manifestaciones artísticas producidas en la Antigua Grecia. Estas producciones, especialmente la arquitectura y la escultura, ejercieron una influencia extraordinaria en la cultura occidental hasta el presente. Ciertas formas incluso se expandieron hacia Oriente a partir de las conquistas de Alejandro Magno, dando lugar al desarrollo del estilo greco-búdico o Gandhara en la India.

Las fuentes para conocer el arte griego son los propios restos que se han conservado, aunque deteriorados y dispersos; las copias realizadas por los romanos a partir de la conquista de Grecia y, finalmente, las obras literarias o tratadistas escritas de la antigüedad, ya que la griega fue la primera cultura que escribió acerca del arte y los artistas.

Períodos del arte griego

Se pueden determinar diversos períodos en la evolución del arte griego.

Estilo geométrico

Apareció alrededor del siglo VIII a. C. No se han conservado monumentos de este período, que se caracterizó por la ornamentación de la cerámica con formas geométricas y escenas realizadas con figuras esquemáticas y sintéticas. Entre el 700 y el 600 a. C. este estilo derivó hacia otro más descriptivo y orgánico, conocido como estilo orientalizante.

Período arcaico

El cual se comprende desde finales del siglo VII a. C. hasta el 480 a. C. Durante este período aparecieron las primeras manifestaciones de arquitectura y escultura monumentales realizadas en piedra y destinadas a perdurar.

Esta etapa se caracterizó por la producción de cerámica decorada con escenas mitológicas, literarias y de la vida cotidiana, y por el protagonismo de las representaciones humanas: hombres jóvenes desnudos ( kouros) y mujeres vestidas ( koré) con formas convencionales y algo rígidas.

Además, durante este período el templo griego adquirió sus características particulares y se estableció como el monumento arquitectónico más representativo de la cultura griega.

Período clásico

Abarca desde el 479 a. C. hasta el fin de la guerra del Peloponeso, en el 404 a. C. Corresponde al momento en que el arte y la cultura griega llegaron a su máximo desarrollo.

Luego de una etapa de transición, conocida como período severo, los artistas griegos lograron condensar en sus formas la concepción filosófica de la época. Como consecuencia produjeron obras equilibradas, armónicas y serenas, que respondían al ideal de belleza griego.

En Atenas se reconstruyó la Acrópolis, la cual había sido destruida por las invasiones persas, y se construyó el Partenón, templo dedicado a la diosa Atenea.

Período helenístico

Se desarrolló entre el siglo IV a. C. y el siglo I a. C. Corresponde al período de disolución de las ciudades-estado griegas a partir de la conquista del territorio por Filipo de Macedonia y su incorporación al Imperio macedónico. A partir de la nueva situación de Grecia, los artistas buscaron representar la individualidad, el carácter personal, lo novedoso y lo extraño. Con la expansión del Imperio, las formas griegas se adaptaron a los gustos orientales.

Características del arte griego

Las principales características del arte griego fueron las siguientes:

En sus inicios, el arte griego recibió influencias de las civilizaciones minoica y micénica, y especialmente de Egipto y la Mesopotamia, pero pronto desarrolló características particulares bien diferenciadas.

Se priorizó la representación de la figura humana de acuerdo con un ideal de belleza que respondía a una concepción intelectual y filosófica. Para ello establecieron un canon, es decir, una serie de relaciones entre las partes de las obras que aseguraban el equilibrio y la armonía.

Al mismo tiempo que se buscaba la representación de la figura humana, de acuerdo con el canon idealizado de belleza, existía la intención de representar la vida interior de los personajes.

Tanto las esculturas como los templos estaban pintados para brindar un aspecto naturalista a las formas humanas y a las narraciones representadas.

Se comenzó a valorar la belleza de las obras de arte, más allá de su función conmemorativa, de homenaje o recordatoria. Esto favoreció la aparición de coleccionistas, críticos y teóricos de arte.

Arquitectura en el arte griego

El templo fue la construcción característica de la arquitectura griega. Esta debía responder a ciertas reglas establecidas que aseguraban las adecuadas proporciones y la armonía de la obra. Cada parte del templo estaba en relación con las demás partes, de acuerdo con un orden determinado.

Estos órdenes fueron el dórico, el jónico y el corintio (que en realidad corresponde a una derivación del jónico desarrollada durante el período helenístico).

También construyeron teatros de forma semicircular, aprovechando las laderas de las montañas para instalar las gradas.

Escultura en el arte griego

La escultura en el arte griego se caracterizó principalmente de la siguiente manera:

Esta categoría incluyó tanto las esculturas exentas como los numerosos relieves narrativos que se desarrollaron en los tímpanos, las metopas y los frisos de los templos.

Muchas de las obras escultóricas se realizaban en bronce fundido. La mayoría de estas obras se ha perdido, sin embargo sabemos de su existencia por las copias en mármol del período romano.

Para conseguir el ideal de armonía y equilibrio sin que la escultura perdiera naturalidad, desarrollaron el contraposto, el cual permite representar el cuerpo humano en un reposo dinámico. Esto consiste en presentar una pierna en tensión y la otra en descanso, mientras los brazos alternan la tensión y el reposo de las piernas. De este modo se inclina levemente la cadera en un sentido y la línea de los hombros en el sentido contrario.

La escultura tenía, en general, una función conmemorativa y de homenaje.

Pintura en el arte griego

No se ha conservado prácticamente nada de la pintura griega, pero se sabe de su existencia a través de relatos de la época. En cambio, se han conservado representaciones plásticas bidimensionales en distintos tipos de piezas cerámicas de gran difusión en el Mediterráneo.

Artistas griegos

Algunos de los artistas griegos más importantes son:

Exequias: pintor y ceramista que trabajó aproximadamente entre el 550 a. C. y 525 a. C. en Atenas.

Mirón: escultor activo durante mediados del siglo V a. C.

Policleto: escultor del período clásico que vivió entre 480 y 420 a. C. Escribió un tratado de escultura llamado Canon que no se conserva.

Fidias: uno de los escultores más famosos del período clásico. Se ocupó del diseño y la ornamentación del Partenón.

Praxíteles: importante escultor activo durante el siglo IV a. C.

Gombrich, E. H. Historia del arte. Londres, Phaidon Press Limited. 2008.

Janson, H. W. Historia general del arte. 1. El mundo antiguo. Madrid, Alianza forma. 1995.

Woodford, Susan. Introducción a la Historia del Arte. Grecia y Roma. Barcelona, Gustavo Gilli. 1985.

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Arte griego - ¿Qué fue?, períodos, características, arquitectura y más

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Se denomina arte griego al conjunto de manifestaciones artísticas producidas en la Antigua Grecia. Estas producciones, especialmente la arquitectura y la escultura, ejercieron una influencia extraordinaria en la cultura occidental hasta el presente. Ciertas formas incluso se expandieron hacia Oriente a partir de las conquistas de Alejandro Magno, dando lugar al desarrollo del estilo greco-búdico o Gandhara en la India.