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Pablo Picasso, Les demoiselles d’Avignon ( 1907)

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Pablo Picasso, Les demoiselles d’Avignon ( 1907)

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Tra la fine del 1906 e il luglio del 1907, a Montmartre, nel suo umido atelier privo di luce elettrica e gas (battezzato, poeticamente, "Bateau-Lavoir", lavatoio sul fiume), Pablo Picasso (1881-1973), maestro indiscusso delle avanguardie novecentesche, dipinse Les demoiselles d'Avignon, in italiano ' Le signorine di Avignone' (dal nome di via Avignone, una strada malfamata di Barcellona). Ideato in origine con un significato erotico-allegorico (il suo titolo originario era Il bordello filosofico), e preceduto da numerosissimi studi e abbozzi, il dipinto segna, convenzionalmente, l'esordio del Cubismo.

Un soggetto particolare

Uno schizzo dell'artista testimonia che inizialmente Picasso pensava di raffigurare sette figure, ossia cinque prostitute e due uomini (un marinaio e uno studente), raggruppate all'interno di un bordello e con una natura morta in primo piano. In un secondo tempo, l'artista decise di eliminare gli uomini.

Nell'opera definitiva, la composizione richiama la tipica frontalità della posa fotografica; anche le scelte cromatiche sono una libera interpretazione del bianco e nero, che all'epoca caratterizzava tutte le fotografie. Cinque nudi di donna dalle forme essenziali sono composti con linee angolose e taglienti.

La figura di sinistra, che avanza scostando con la mano una tenda rossa, rimanda palesemente all' arte egizia.

Le due figure centrali hanno invece una impronta più classicistica, giacché la posa con le braccia alzate e raccolte dietro il capo richiama il Prigione morente di Michelangelo e alcune figure femminili del pittore neoclassico Ingres.

In primo piano, in basso, si scorge un tavolino su cui è posata una essenziale natura morta. L'artista non era interessato a rendere il senso dei volumi e quindi non elaborò alcuna ombreggiatura né chiaroscuri. Inoltre, spinto da un desiderio di semplificazione estrema, adottò solo due colori, proponendo semplici variazioni dell'ocra e del blu. Ultimato il dipinto, Picasso intervenne sulle figure già completate: ritoccò la testa della figura di sinistra, conferendole l'aspetto di una maschera, e ridipinse i corpi e i volti delle figure di destra. Il volto della donna in piedi a destra presenta la tipica deformazione grottesca delle maschere africane.

La prostituta accovacciata, con le gambe oscenamente aperte, infrange tutti i canoni della prospettiva rinascimentale: pur essendo ripresa di spalle, mostra il volto allo spettatore. L'artista propone, insomma, una rappresentazione "totale" di questa donna, mostrandone contemporaneamente la parte posteriore e quella frontale.

Quest'opera di Picasso costituisce davvero uno spartiacque nella storia dell'arte novecentesca. Alla sua conclusione lasciò sconcertati tutti quelli che la videro, anche gli amici dell'artista più aperti e culturalmente disinvolti, e venne subito giudicata "immorale". Non a caso, l'artista la tenne nel suo studio fino al 1916. Nel 1920 fu acquistata da un collezionista francese e, nel 1937, dal Museum of Modern Art (MoMA) di New York.

Le fonti d'ispirazione

Alla base della rivoluzionaria ricerca picassiana stanno sostanzialmente due fonti di ispirazione. La prima è l'arte di Cézanne, che Picasso ammirava sconfinatamente tanto da definire la sua pittura "molto più progressista dell'invenzione della macchina a vapore". Già Cézanne, nell'Ottocento, aveva abbandonato la prospettiva rinascimentale, riprendendo le figure da punti di osservazione differenti e creando combinazioni di molteplici vedute. La seconda fonte di ispirazione è la scultura africana: un'arte fortemente concettuale, poco condizionata dall'apparenza visiva, dalla quale Picasso era stato fortemente conquistato.

L'artista riteneva che le maschere ritualistiche di legno possedessero proprio ciò che l'arte europea sembrava aver smarrito: una grande forza espressiva, ottenuta attraverso un'estrema stilizzazione e una tecnica semplice e immediata. Secondo Picasso (ma lo pensavano anche gli espressionisti), lo stile di questi oggetti poteva ancora essere da stimolo per continuare quella ricerca di nuovi linguaggi artistici iniziata da Van Gogh, Gauguin e Cézanne e riprenderne in modo ancora più determinato gli esperimenti.

Al di là del linguaggio rivoluzionario elaborato da Picasso per questa sua opera capitale, Les demoiselles d'Avignon è interessante per il tema affrontato, ossia quello del rapporto fra amore e morte, Eros e Thanatos. Un tema, questo, ampiamente condiviso dagli artisti simbolisti ed espressionisti a cavallo fra i due secoli. È chiaro che le due donne in piedi rappresentano l'offerta seducente e irresistibile della sensualità femminile; al contrario, le maschere africane che coprono-sostituiscono i volti delle figure di destra, in forza del loro aspetto arcaico, misterioso e inquietante, simboleggiano la morte, o quanto meno il timore che questa incute.

Les demoiselles d'Avignon si offre, insomma, come metafora della relazione conflittuale che lega il sesso maschile a quello femminile. È interessante osservare come Picasso, in questa fase della sua carriera, riconoscesse all'arte africana una marcata funzione simbolica ed esorcistica, un valore magico e catartico. D'altro canto, non sfugge che l'artista, nel realizzare Les demoiselles d'Avignon, non si limitò a copiare le tipiche maschere tribali (che ebbe modo di studiare al Museo del Trocadéro) ma, sia pur rispettandone i tratti distintivi della deformazione e della sintesi volumetrica, le rielaborò secondo le proprie necessità.

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Les demoiselles d'Avignon di Picasso - Arte Svelata

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Versione audio: Tra la fine del 1906 e il luglio del 1907, a Montmartre, nel suo umido atelier privo di luce elettrica e gas (battezzato, poeticamente, "Bateau-Lavoir", lavatoio sul fiume), Pablo Picasso (1881-1973), maestro indiscusso delle avanguardie novecentesche, dipinse Les demoiselles d'Avignon, in italiano 'Le signorine di Avignone' (dal nome di via Avignone, una strada malfamata di Barcellona).

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George Braque, Natura morta con asso di fiori (1911)

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George Braque, Natura morta con asso di fiori (1911)

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Georges Braque (1882-1963) è stato, con Pablo Picasso (1881-1973) l'iniziatore del Cubismo. Dopo aver trascorso la giovinezza a Le Havre, frequentando la locale Scuola di Belle Arti, nel 1899 si trasferì a Parigi per completare i suoi studi. La fase iniziale della sua carriera fu influenzata dai fauves, come dimostrano i colori brillanti e le composizioni libere delle sue prime opere. Il 1907 fu invece l'anno della svolta: una retrospettiva su Cézanne, presentata in occasione del Salon d'Automne, e l'amicizia con Picasso, che stava ultimando Les demoiselles d'Avignon, lo spinsero a rivedere le sue idee sull'arte.

Con Picasso, Braque strinse uno dei più importanti sodalizi artistici della storia dell'arte del Novecento e creò il Cubismo, condividendone le tre fasi principali: il Cubismo primitivo (1907-1909) in cui gli oggetti sono mostrati da più punti di vista; il Cubismo analitico (1909-1911), dove le forme vengono scomposte e ricomposte sulla tela; il Cubismo sintetico (1911-1916), che fa uso del collage polimaterico. La collaborazione tra Picasso e Braque si sarebbe interrotta definitivamente verso la fine della fase sintetica, nel 1914, quando questi sarebbe stato chiamato alle armi. Dopo la Grande Guerra, i due pittori avrebbero continuato la propria carriera autonomamente.

L'incontro con Picasso e la fase primitiva

A partire dal 1907, durante la fase del Cubismo primitivo, Braque sottopose le immagini a un processo di drastica semplificazione: le forme furono ridotte a semplici volumi geometrici, analizzati da più punti di vista, e la tavolozza venne ridotta alle sole tonalità del verde e del bruno.

L'esordio cubista di Braque è legato alla pittura di paesaggio. Case a L'Estaque, del 1908, rappresenta un gruppo di case fra gli alberi. La scena, priva di un punto di vista unificante, non segue affatto gli insegnamenti degli antichi maestri: ogni casa, già mostrata senza porte e finestre, come un volume semplice e squadrato, è anche vista secondo una propria, autonoma prospettiva e lo sguardo dell'osservatore è costretto a muoversi da un punto all'altro del dipinto nel vano tentativo di cercare uno stabile riferimento visivo.

Il senso delle proporzioni e delle profondità ne risulta come annullato e le case appaiono ammassate in primo piano. Con tutta evidenza, la cittadina di L'Estaque non è mostrata come può apparire ai nostri occhi, la sua immagine è filtrata dall'azione della memoria. L'opera è insomma il frutto di una pura operazione intellettuale.

La fase analitica

Tra il 1909 e il 1911, l'amicizia tra Braque e Picasso dette vita a quel fertilissimo momento della storia cubista ricordato come Cubismo analitico. Risalgono a questi anni numerose nature morte, dove gli oggetti appaiono smembrati e ricomposti in innumerevoli sfaccettature. A differenza di Picasso, Braque fu sempre guidato da uno spirito più moderato: "Amo la regola che corregge l'emozione, amo l'emozione che corregge la regola", usava dire. All'interno del suo mondo poetico, questo artista taciturno lavorò con un'attenzione sempre viva per l'incanto delle forme naturali.

Per esempio, in Violino e tavolozza, capolavoro "analitico" del 1909, lo strumento è perfettamente riconoscibile, grazie al ponticello e alle corde (sebbene queste siano spezzate) e anche le tonalità del marrone richiamano quelle reali. In alto, sono visibili le pagine dello spartito, sovrastato da una tavolozza. In questo quadro, pittura e musica sembrano volersi fondere in un solo ideale artistico; d'altro canto, l'artista era appassionato di musica e sapeva anche suonare molto bene.

In Pianoforte e mandola, altra opera della fase analitica, la composizione presenta ritmi calcolati con eleganza e armonia: la tastiera del pianoforte, il candeliere con la candela, lo spartito sul leggio si dispiegano sulla tela verticale animandosi in un vivacissimo incastro di piani sfalsati.

La fase sintetica

Anche nei capolavori di Braque realizzati durante il periodo del Cubismo sintetico compaiono di frequente gli strumenti musicali. Il portoghese, del 1912, difficile da leggere come ogni quadro cubista, rappresenta un uomo che suona una chitarra: osservando con attenzione, infatti, si possono riconoscere prima il foro rotondo dello strumento, al centro in basso, e intorno il corpo e il manico della chitarra, poi la mano e il braccio destro dell'uomo seduto e, salendo in alto, si intuiscono i tratti del volto.

Intorno alla figura si trovano lettere e numeri. Già nel 1910, infatti, Picasso e Braque si erano resi conto che le loro immagini frantumate e spesso irriconoscibili si stavano avvicinando troppo all'astrattismo, che loro rifiutavano come linguaggio artistico. Per questo motivo iniziarono a inserire nelle loro opere lettere e numeri, spesso senza un apparente significato, proprio per recuperare un rapporto concreto con la realtà, per offrire al pubblico qualcosa di familiare e di immediatamente riconoscibile e rendere l'immagine più concreta.

Per esempio, in Violino (Mozart Kubelick), del 1912, le forme scomposte del violino campeggiano sullo sfondo di una grande scritta che evoca il nome del grande compositore e di un celebre violinista ceco, Jan Kubelik (1880-1940), di cui Braque sbaglia o storpia il nome. Una curiosità: l'opera nasconde un divertissement verbale: le prime tre lettere della parola Kubelick (Kub) richiamano una diffusa marca di dado da brodo della Maggi, Le Kub, venduto in confezioni di latta cubiche; nel contempo, rimandano al nome stesso di Cubismo.

Picasso e Braque, infatti, divertiti dall'invadente pubblicità di Le Kub che campeggiava nelle strade di Parigi, vollero includere in alcuni loro dipinti un qualche riferimento al prodotto. Si trattò, insomma, di un gioco che anticipò di quasi cinquant'anni quelli, ben più noti e popolari, della Pop Art.

Una nuova concezione dell'arte

Con le loro opere, in nome della scoperta della quarta dimensione legata al fattore tempo, Braque e Picasso distrussero la visione pittorica tradizionale, adottando prospettive multiple e rovesciate. Così facendo, come scrisse nel 1913 Fernand Léger, i due artisti opposero al "Realismo visivo" un "Realismo pensato" e ricercarono la "verità dell'essere dietro alle apparenze percepite dall'occhio". L'arte non doveva essere, secondo loro, espressione del sentimento e dell'emozione ma frutto di un ragionamento, il risultato di un processo prima di tutto mentale.

I quadri cubisti sono, effettivamente, davvero molto diversi da quelli che li avevano preceduti. Cercando una maniera nuova di rappresentare la realtà, Braque e Picasso non si limitarono ad imitare quanto vedevano ma scomposero gli oggetti e lo spazio circostante, indagandone la struttura attraverso un processo prettamente intellettuale. "I sensi deformano, la mente forma", dichiarò Braque. "La verità è al di là di ogni realismo", avrebbe poi rincarato un altro cubista, Juan Gris, "e l'apparenza delle cose non va confusa con la loro essenza". A un primo impatto per il pubblico è certamente più facile superare la distanza dei trecentocinquanta anni che intercorrono tra Rinascimento e Impressionismo che non quella di soli cinquanta che separano Impressionismo e Cubismo.

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Braque e la natura morta cubista - Arte Svelata

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Versione audio: Georges Braque (1882-1963) è stato, con Pablo Picasso (1881-1973) l'iniziatore del Cubismo. Dopo aver trascorso la giovinezza a Le Havre, frequentando la locale Scuola di Belle Arti, nel 1899 si trasferì a Parigi per completare i suoi studi.

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Georges Braque, Case a L’Estaque, (1908)

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Georges Braque, Case a L’Estaque, (1908)

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https://www.arteworld.it/il-sogno-picasso-analisi/

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Pablo Picasso, Ragazza di fronte allo specchio (1932)

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Pablo Picasso, Ragazza di fronte allo specchio (1932)

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https://www.arteworld.it/ragazza-di-fronte-allo-specchio-picasso-analisi/

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https://www.artesvelata.it/guernica-picasso/

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https://www.arteworld.it/donna-che-piange-picasso-analisi/

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Georges Braque, Violino e tavolozza, 1909

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Georges Braque, Violino e tavolozza, 1909