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Una mappa per studiare, memorizzare, ripassare ed elaborare i nuclei principali della Musica Rock

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Una mappa per studiare, memorizzare, ripassare ed elaborare i nuclei principali della Musica Classica

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Periodo classico della musica   (1750 -1830) gruppo A

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Il rock è un genere della popular music sviluppatosi negli Stati Uniti e nel Regno Unito nel corso degli anni cinquanta e sessanta del XX secolo. Negli anni il termine rock è diventato un termine generico utilizzato per indicare una grande varietà di sottogeneri musicali che si sono sviluppati nel corso del tempo. È un'evoluzione del rock and roll, un genere che attingeva direttamente dai generi blues e rhythm and blues della musica afroamericana e dalla musica country. La musica rock ha anche attinto fortemente da una serie di altri generi come il blues elettrico e il folk e ha incorporato influenze dal jazz, dalla classica e da altri stili musicali. Musicalmente il rock è incentrato sull'uso della chitarra elettrica, solitamente accompagnata dal basso elettrico e dalla batteria. Di solito, il rock è basato su canzoni con un tempo in 4/4 che utilizza una forma strofa-ritornello, ma il genere è diventato estremamente vario. Come la musica pop, i testi spesso enfatizzano l'amore romantico ma affrontano anche un'ampia varietà di altri temi che sono spesso sociali o politici.

I musicisti rock a metà degli anni '60 iniziarono a privilegiare l'album sul singolo come forma principale di espressione e consumo di musica registrata, con i Beatles in prima linea in questo sviluppo. I loro contributi hanno conferito al genere una legittimità culturale nel mainstream e hanno avviato un'era di album rock che ha dominato l'industria musicale nei decenni successivi.Nel periodo del "classic rock" della fine degli anni '60, erano gi emersi numerosi sottogeneri distinti di musica rock, inclusi ibridi come blues rock, folk rock, country rock, southern rock, raga rock e jazz rock, molti dei quali hanno contribuito allo sviluppo del rock psichedelico, influenzato dalla controcultura degli anni 1960 psichedelica e hippy. Nuovi generi emersi successivamente includevano il rock progressivo, che estendeva gli elementi artistici, il glam rock, che metteva in risalto lo spettacolo e lo stile visivo, e il sottogenere vario e duraturo dell'heavy metal, che enfatizzava il volume, la potenza e la velocità. Nella seconda metà degli anni '70, il punk rock ha reagito producendo critiche sociali e politiche essenziali ed energiche. Il punk ha avuto un'influenza negli anni '80 sulla new wave, sul post-punk e infine sul rock alternativo.

Negli anni novanta si è assistito alla diffusione del grunge, del britpop, dell'indie rock e del post-rock.[3] Da allora sono emersi ulteriori sottogeneri fusion, inclusi pop punk, rock elettronico, rap rock e rap metal, oltre a tentativi consapevoli di rivisitare la storia del rock, inclusi i revival garage rock/post-punk e techno pop nei primi anni 2000. La fine degli anni 2000 e 2010 ha visto un lento declino della popolarità e della rilevanza culturale della musica rock tradizionale, con l'hip hop che lo ha superato come genere più popolare negli Stati Uniti. Negli anni '20, la pandemia di COVID-19 ha avuto un forte impatto sulla scena rock, con molte esibizioni dal vivo cancellate o posticipate e alcuni artisti che hanno fatto ricorso a esibizioni online; l'inizio del decennio ha visto anche un revival della musica pop punk.

La musica rock ha inoltre contribuito al diffondersi di movimenti culturali e sociali, portando alla nascita di sottoculture come i mod e i rocker nel Regno Unito e la controcultura hippie, che, da San Francisco, si diffuse negli Stati Uniti negli anni sessanta. In modo analogo, la cultura punk degli anni settanta ha poi portato alla nascita delle sottoculture goth ed emo. Continuando una parte della tradizione folk delle canzoni di protesta, una delle manifestazioni iniziali del rock è stata espressione della rivolta giovanile contro il consumismo e il conformismo, fenomeno poi ribaltato a partire dagli anni ottanta con la diffusione del glam e del pop rock.

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Attività multidisciplinare: perfetta per promuovere l'apprendimento e condividere conoscenze!

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Attività multidisciplinare: perfetta per promuovere l'apprendimento e condividere conoscenze!

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A seguire troverete degli esercizi didattici e interattivi, utili per sperimentare quanto da voi appreso nelle discipline di Storia dell' Arte e di Educazione Musicale. Buon Lavoro!

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Il jazz è un genere musicale nato tra la fine dell’Ottocento e l’inizio del novecento degli Stati Uniti d’America da musicisti di colore. E’ caratterizzato da una sonorità eterogenea vivace e brillante. Attraverso l’improvvisazione i musicisti eseguono la melodia del brano secondo la propria sensibilità, cambiando a piacere note e ritmo secondo l’ispirazione del momento. Il ritmo è sincopato.
Le voci dei cantanti godono di grande libertà: significativa è la tecnica dello scat (che consiste nell’utilizzo di sillabe prive di significato per imitare il suono di alcuni strumenti). Le formazioni più comuni sono: duo, trio, quartetto, quintetto e le jazz bands, formate da una sezione melodica e una ritmica.
Il blues nasce dei work songs e dagli spirituals e narra in origine la triste condizione dei Neri; è caratterizzato dalle cosiddette blue notes, che rendono il suo carattere vago e triste.
Verso la fine dell’Ottocento nella città di New Orleans nascono le prime jazz bands. Nei primi decenni del Novecento il jazz conquista anche New York e Chicago. Le case discografiche iniziano a pubblicare i dischi di jazz che, diffusi dalla radio, hanno grande successo. Con la ripresa economica dopo la crisi del 1929 inizia l’era dello swing, un jazz fa ballare molto dinamico e di facile ascolto, eseguito da orchestre chiamate big bands. Fra le grandi orchestre di questo periodo ricordiamo quella di Benny Goodman.
Dopo la Seconda guerra mondiale i musicisti neri rivoluzionano il jazz: nasce il bepop, uno stile dal ritmo più irregolare e sonorità meno orecchiabili, eseguito da piccole bamd. Il bepop ha i suoi maggiori interpreti in “Dizzy” Gillespie e Charlie Parker.
Negli anni Sessanta nasce il free-jazz, caratterizzato da un’improvvisazione libera da schemi e di difficile ascolto. Il jazz riguadagna l’attenzione del pubblico con il jazz-rock che nasce alla fine degli anni Sessanta. L’organico strumentale si arricchisce di strumenti elettrici e di effetti elettronici. I ritmi sono di più facile presa sul pubblico e le melodie più facili da ricordare. Il musicista della svolta verso il rock è Miles Davis.
Dagli anni Settanta il jazz ha continuato il suo cammino avvicinandosi ad altri generi musicali. Negli anni Ottanta per indicare le contaminazioni fra generi musicali diversi viene utilizzato il termine fusion. Due sono le tendenze principali del jazz di questo periodo: da una parte la contaminazione rock, utilizzando sonorità più moderne; dall’altra l’incontro con le musiche etniche e folcloriche, in particolare quella indiana e quella africana, nella quale il jazz ha le proprie radici.
Oggi il jazz è costituito da una varietà di tendenze. La sperimentazione e la ricerca sono molto praticate dai jazzisti, tuttavia la corrente principale afferma la continuità con la tradizione, in particolare con il bepop. I musicisti utilizzano a questo proposito una strumentazione acustica e improvvisano su delle melodie celebri

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Col termine musica classica ci si riferisce alla musica colta, sacra e profana, composta o avente radici nel contesto della cultura occidentale. Essa abbraccia approssimativamente un arco di tempo che comincia dall'XI secolo e si estende fino al XX secolo o, a seconda delle convenzioni, fino all'età contemporanea. Tale periodo include, in particolare, il periodo caratterizzato dallo sviluppo e impiego prevalente dell'armonia tonale, codificata tra il XVII e il XIX secolo. In contesti più specializzati il termine "musica classica" può essere anche riferito, in senso più restrittivo, al periodo musicale detto Classicismo, ma nel linguaggio comune l'espressione è intesa nel suo significato più esteso .

I confini della categoria sono sfumati e opinabili, in quanto il marchio di classicità viene in genere assegnato dai posteri; dunque, ciò che oggi si definisce "classico" non lo era necessariamente ai tempi in cui venne composto. In particolare, a seconda dei contesti il concetto di "musica classica" può includere o no la musica colta contemporanea. L'indicazione di "musica classica" in riferimento alla musica colta europea appare agli inizi del XIX secolo, allo scopo di "canonizzare" il periodo che va da Bach a Beethoven, passando per Händel e Mozart, come l'epoca d'oro della musica e i primi riferimenti a tale utilizzo, secondo quanto riportato nell'Oxford English Dictionary, risalgono intorno al 1836.

Data l'estremamente ampia varietà di forme, stili, generi e periodi storici generalmente percepiti come "musica classica", è difficile individuare delle caratteristiche comuni che possano caratterizzare tutte le opere di questo tipo. Le descrizioni più tipiche sono vaghe e di vario genere, facendo magari riferimento alla prospettiva storica (qualcosa "composto molto tempo addietro", una dichiarazione piuttosto discutibile se si considera lo stesso concetto di musica classica contemporanea). Tuttavia, ci sono caratteristiche che la musica classica condivide con pochi o nessun altro genere di musica. Tra le caratteristiche determinanti, vi sono l'adozione di un sistema di notazione musicale che ha permesso il passaggio dalla tradizione orale alla letteratura scritta, alterando profondamente la trasmissione della musica e cambiando radicalmente sia il modo di studiare e comunicare sia quello di trasmettere ai posteri il repertorio. Altro punto chiave, reso possibile dal passaggio dalla cultura musicale orale a quella scritta, è lo sviluppo di un'armonia solida e metodica che rende possibile la costruzione di composizioni musicali di dimensioni e complessità notevoli, senza precedenti e non comparabili con le altre culture musicali, grazie anche all'introduzione della tecnica della modulazione e la sua applicazione alla costruzione del discorso musicale, permettendo maggiore varietà.

La storia della musica classica copre un lungo arco temporale, durante il quale c'è stata una continua evoluzione dello stile musicale e delle tecniche esecutive. Convenzionalmente si individuano dei periodi storici sufficientemente caratterizzati, tuttavia tale ripartizione (come sempre nella storiografia) è solo formale. L'evoluzione è stata continua e graduale e spesso disomogenea dal punto di vista geografico, per cui qualsiasi paletto temporale è da considerarsi puramente indicativo. Inoltre stili diversi spesso si distinguono sotto diversi aspetti e principi.

Un'altra questione importante nella visione della storia della musica classica è la tendenza a focalizzare l'attenzione su un numero limitato di compositori e di figure musicali, arrivando talvolta ad identificare interi stili o periodi in pochi nomi. Anche questa ovviamente è una tendenza riduttiva, in quanto i "grandi" compositori, per quanto siano eccellenti sul profilo estetico e abbiano ricoperto un ruolo di notevole importanza nell'evoluzione della musica, sono solo la punta di un panorama musicale molto più complesso, popolato di molte altre figure meno note al pubblico ma anch'esse di grande importanza storica, e nel quale si trova moltissima altra produzione musicale di eccellente qualità legata a nomi molto meno celebrati.

Il punto centrale è legato al fatto che la moderna visione della musica classica non deriva linearmente dall'importanza artistica o storica, ma è filtrata dalle modalità sociali tramite le quali la musica stessa passa alla massa degli ascoltatori, in primo luogo l'istituzione del concerto pubblico, affermatosi nell'Ottocento. Per tale motivo il "repertorio celebre" odierno non riflette necessariamente l'importanza storica e la qualità estetica della musica, ma riflette soprattutto la musica che poteva essere inserita nei programmi da concerto ottocenteschi, ulteriormente filtrata dall'apprezzamento della borghesia che costituiva il pubblico di tali concerti. Per tale motivo ad esempio Beethoven è enormemente più noto di Desprez, nonostante la qualità artistica e l'importanza storica della musica di quest'ultimo non siano affatto inferiori a quella di Beethoven; la produzione del grande fiammingo infatti è essenzialmente polifonia sacra e, in misura minore, profana, che non trovava posto nel repertorio da concerto ottocentesco che ha invece consacrato al grande pubblico Beethoven e altri nomi eccellenti.

La visione della musica è quindi condizionata dalla storia della ricezione della musica stessa, e varia nel tempo anche in seguito all'evoluzione dei contesti sociali nei quali la musica si inseriva, spesso in maniera molto precisa e funzionale. Quindi per l'evoluzione del panorama religioso la raffinatissima polifonia sacra rinascimentale rimane poco conosciuta, analogamente per la trasformazione del teatro da salotto mondano e sfarzo delle corti a moderna sala da concerto si è perso l'interesse per il teatro d'opera del Seicento e, salvo poche eccezioni, del Settecento. Nel corso del Novecento tuttavia si è sviluppata tantissimo la storiografia musicale e, soprattutto a partire dagli anni Sessanta/Settanta, la filologia musicale e lo studio della prassi esecutiva storica, grazie alle quali moltissima musica del passato è stata studiata e viene nuovamente eseguita e registrata.

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La musica pop, traduzione del termine inglese pop music, è un genere musicale appartenente all'insieme della popular music, che trova origine, nella sua forma moderna, come derivazione del rock and roll.
Nella lingua inglese, i termini popular music e pop music sono spesso usati impropriamente in modo intercambiabile. Il termine popular music si riferisce alla musica di gradimento generale nell'epoca moderna, mentre la notazione di pop music si riferisce ad uno specifico genere musicale. Secondo alcuni, la musica pop «indica un campo più ristretto e definito rispetto a quello di popular music».

La musica pop è «contraddistinta da alcuni aspetti specifici che riguardano il periodo storico di produzione, le forme testuali e linguistiche, gli attori sociali coinvolti, il modo in cui essi costruiscono la propria identità e, soprattutto, il rapporto con i mezzi di comunicazione di massa. In altre parole, la musica pop è un macrogenere musicale contemporaneo che comprende tutti i sottogeneri specifici della canzone popolare sviluppatisi a partire dall'avvento del rock and roll, contraddistinti dalla diffusione intermediale su supporti fonografici e mezzi di comunicazione».

La musica pop moderna nasce nella metà degli anni cinquanta negli Stati Uniti e nel Regno Unito. Se negli anni sessanta in Italia il termine era poco usato in favore del più generico "musica leggera", sul finire del decennio veniva usato per indicare genericamente tutti quei gruppi che uscivano dalle forme imposte dalla canzonetta, e che vedevano nel Festival di Sanremo il loro motore principale. Venivano quindi inseriti senza distinzione nella definizione di pop gruppi musicali che andavano dalla musica beat al rock psichedelico e al rock progressivo. Solo in seguito il termine "pop" fu usato con l'accezione con cui ci si riferisce a livello internazionale, con la classificazione e distinzione del rock come specifico genere.

Michael Jackson, soprannominato Re del Pop, è riconosciuto dal Guinness dei primati come il primo «artista di maggior successo di tutti i tempi». La cantante femminile di maggior successo nel mondo della musica pop è invece Madonna, a sua volta soprannominata Regina del Pop. Britney Spears è invece definita la Principessa del Pop.

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Pronti a scatenarvi???

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Pop Hits 2021 | Maroon 5, Rihanna, Dua Lipa, Bruno mars, Ed Sheeran, Ava Max, Ariana Grande

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Mappa concettuale "La musica leggera italiana"

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Mappa concettuale "La musica leggera italiana"

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Il termine ''musica leggera'' nacque in Italia per definire la musica popolare italiana.
In Italia, dagli anni trenta è stata popolarizzata, inizialmente attorno alle trasmissioni radiofoniche e, nel dopoguerra, Festival di Sanremo e con l'apice tra il 1964 e il 1968, un tipo di musica leggera non derivante dalla tradizione melodica italiana ma ricca di stratificazioni e influenze dell'operetta mitteleuropea, del café chantant francese e dei ritmi latino americani conosciuti sulle navi da crociera.

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"La sofferenza in amore è un vuoto a perdere:nessuno ci può guadagnare, tranne i cantautori che ci fanno le canzoni". Massimo Troisi

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"e con le mani, amore, per le mani ti prenderò e senza dire parole nel mio cuore ti porterò. e non avrò paura se non sarò bella come dici tu, ma voleremo in cielo in carne e ossa, non torneremo più"

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Dalla De Gregori-La donna Cannone/Caruso

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Il mio disegno non era il disegno di un cappello.
Era il disegno di un boa che digeriva un elefante.
Affinche’ vedessero chiaramente che cos’era, disegnai l’interno del boa.
Bisogna sempre spiegargliele le cose, ai grandi.

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Nella vita, si sa, le verifiche non finiscono mai...

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Invito alla lettura "Alta fedeltà" di Nick Hornby 

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Invito alla lettura "Alta fedeltà" di Nick Hornby 

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Hornby fa in modo che il suo protagonista si chieda: "Cosa è venuta prima, la musica o la sofferenza? Ascoltavo la musica perché soffrivo o soffrivo perché ascoltavo la musica? Sono tutti quei dischi che ci fanno diventare malinconici?"

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"Uno scrittore che sa essere al tempo stesso brillante, arguto ed emotivamente generoso."The New York Times"I libri di Nick Hornby ci guardano dritti negli occhi e ci dicono la verità su vite che, a essere sinceri, non sono molto diverse dalle nostre."The Observer Review"Una voce davvero autentica."The GuardianI VENT'ANNI DI UN LIBRO MEMORABILE600.000 COPIE VENDUTE IN ITALIA"Nessuno è brillante e coinvolgente come Nick Hornby nel ritrarre i sentimenti e i problemi di ognuno."

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«Andy Warhol è uno spasso
Lo appendo alla mia parete
Andy Warhol, schermo d’argento
Non li si può assolutamente distinguere.» [D. Bowie]

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Go
So one, two, three, take my hand and come with me
Because you look so fine that I really wanna make you mine

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Qualcosa l'aveva lasciata presagire il titolo del New York Times, che dopo la vittoria dell'Eurovision 2021, aveva posto un quesito: "Possono conquistare il mondo?". I mesi successivi alla vittoria, soprattutto con i risultati di brani come "Beggin'" e "I wanna be your slave" con la collaborazione di Iggy Pop, sembra abbiano dato una dimensione internazionale ai Maneskin, che con la presentazione del brano "Mammamia" sono volati direttamente negli Stati Uniti, su una delle poltrone preferite nella seconda serata americana: quella del Jimmy Fallon Late Show. Infatti i quattro membri della band si sono esibiti prima con la cover del brano di Frankie Valli e dei Four Season, per poi concludere la loro esibizione con " Mammamia", la nuova hit accompagnata dal video ufficiale. Ma gli Stati Uniti diventano anche terra di conquista per i Maneskin che nelle scorse ore hanno esordito con il concerto tutto esaurito al Bowery Ballroom di New York, per poi volare a Los Angeles al Roxy Theatre il 1° novembre. A sorprendere tutti però è la loro partecipazione al concerto dei Rolling Stones a Las Vegas del prossimo 6 novembre, un'apparizione che ha sconvolto anche la stampa americana.

La conquista dell'America da parte dei Maneskin

Con l'ospitata al Jimmy Fallon Late Show, i Maneskin hanno aperto un altro capitolo della loro carriera: una delle poltrone più importanti della televisione pubblica americana ha ospitato Damiano David, Victoria De Angelis, Thomas Raggi e Ethan Torchio, che si sono esibiti nella proverbiale cover, originariamente presentata a X Factor, di " Beggin'" per poi divertire il pubblico con il nuovo singolo " Mammamia". Un successo che la stampa americana ha molto apprezzato, soprattutto per l'annuncio dei loro prossimi concerti negli Stati Uniti, soprattutto quello del prossimo 6 novembre, quando a Las Vegas saranno ospiti sul palco dei Rolling Stones. Basta vedere come hanno reagito alla loro esibizione, per esempio con Loudwire che ha commentato: "La trasmissione ha simboleggiato gli enormi progressi che i Maneskin hanno fatto negli Stati Uniti quest'anno. All'inizio del 2021, la maggior parte dei fan della musica americana non avevano idea di chi fossero. Ora, con una canzone in vetta alle classifiche che alimenta la loro ascesa, il gruppo è forse la più grande band nel mainstream, facendo arrivare in radio una dose di musica rock che mancava da tempo".

L'incoronazione di Forbes

Tra i primi giornali a sublimare il successo dei Maneskin c'è sicuramente Forbes. La rivista ha osservato quanto entusiasmo ha creato in rete il fenomeno Maneskin, ricordando anche la loro prossima apparizione sul palco di Las Vegas il prossimo 6 novembre, quando saranno ospiti dei Rolling Stones. Forbes ha anche parlato dei numeri raccolti dalla band romana, oltre 38 milioni di ascoltatori mensili su Spotify, una spinta propulsiva paragonabile, anche se con numeri diversi, solo al successo dei Greta Van Fleet: "C'è quasi un elemento surreale nel vedere i Måneskin, una giovane rock band originale di nuova generazione, raggiungere un successo così rapido e una valutazione unanime. La musica rock, per di più il rock europeo, non ha ottenuto questo livello di visibilità in quelli che sembrano decenni. Se i Maneskin sono in grado di raggiungere un pubblico simile qui negli Stati Uniti, potrebbero facilmente essere uno dei più grandi gruppi rock di questo secolo".

Dal record Billboard alla somiglianza con Iggy & The Stooges

Non da meno Billboard che ha definito un'incredibile scoperta i Maneskin, che sono riusciti in qualcosa in cui nemmeno gli ABBA o Celine Dion, vincitori anche loro dell'Eurovision: avere due singoli nella top 10 nello stesso momento. Infatti il gruppo romano ha piazzato "I wanna be your slave" al quinto posto e la cover "Beggin" al sesto posto nella classifica ufficiale dei singoli. Il portale Kerrang ha trovato molto divertente e vivace l'esibizione dei Maneskin durante il Late Night di Jimmy Fallon ma è la britannica NME a riservare una delle riflessioni più precise sulla band romana: "Gli oppositori proveranno a spazzarli via come la novità del momento, ma i Maneskin non scherzano. Non sono un mix di antiche glorie rock'n'roll, ma stanno provando davvero a viverlo". NME ha provato anche a delineare i confini musicali in cui i Maneskin si muovono, affermando: " Hanno molto più in comune con Iggy & The Stooges che con i The Darkness, e sembrano più la band da adorare all'altare dei Placebo e leggere dal playbook dei Velvet Goldmine, che ai riff dei Steel Panther. Bam, grazie Maneskin".

L'entusiasmo di Drew Barrymore

Tra i fan famosi della band romana da qualche giorno rientra ufficialmente anche l'attrice americana Drew Barrymore che ha mostrato tutto il suo entusiasmo per i Maneskin proprio nei camerini di Jimmy Fallon. L'attrice, infatti, ha postato su TikTok un video in cui mostra il momento in cui ha incontrato Damiano, Victoria, Thomas ed Ethan. Si vede Barrymore che parla con la band, entusiasta, con tanto di espressione sorpreso del viso e poi una foto posata con tutti insieme.

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La stampa Usa esalta i Maneskin: "Uno dei più grandi gruppi rock di questo secolo"

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I Maneskin alla conquista del nuovo continente potrebbe essere il titolo del momento della band romana, che dopo aver assaporato le luci della ribalta con l'ospitata al Jimmy Fallon Late Show, ha conquistato definitivamente anche la stampa americana. Loudwire li ha incoronati come 'la band più grande del mainstream' in questo momento.

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R ock and roll ‹ròk ënd róul› (o rock ’n’ roll ‹ròk n róul›) locuz. ingl. (propr. «ondeggia e rotola»), affermatosi intorno al 1955 negli Stati Uniti d’America e di qui diffusisi in Europa e nella maggior parte degli altri paesi assumendo, soprattutto presso i più giovani, anche il valore di un fenomeno di costume, come simbolo di malessere e manifestazione di protesta e ribellione.

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Dagli anni Sessanta, il rock giunge in Europa, specialmente in Inghilterra, dove si formano gruppi di successo come i Beatles, i Rolling Stones, gli Who. I giovani suonano nella band anche in Italia, Francia, Germania, con una forte diffusione della pratica musicale. Ascolta Twist & Shout dei Beatles.

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The Beatles - Twist & Shout - Performed Live On The Ed Sullivan Show 2/23/64

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Il mondo del cinema non è mai stato immune dal fascino della musica, così ha raccontato molte delle sue storie. Corri a prendere i pop corn e preparati a questa carrellata cinematografica.

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Stone Music - Il Portale in cui batte un vero cuore rock

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15 film sul mondo del rock che devi assolutamente vedere

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Prendi i pop corn: eccoti una lista di 15 film sul mondo del rock che devi assolutamente vedere.

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Quiz Musica Rock: vuoi metterti alla prova? Fai il Test!

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Quiz musica Rock: sai tutto su questo genere musicale? Mettiti alla prova e su artisti, band e avvenimenti importanti della storia del rock! Fai il test!

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Wordwall - Crea lezioni stimolanti e divertenti in poco tempo

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1) Chi E' Damiano David Dei Maneskin? a) un cantante b) Un Chittarista 2) Chi E' Thomas Raggi? a) Un Chittarista b) un Bassista 3) Chi E' Victoria De Angelis? a) una bassista b) un batterista 4) Chi E' Ethan Torchio? a) Un bassista b) Un Cantante

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1) Chi E' Damiano David Dei Maneskin? 2) Chi E' Thomas Raggi? 3) Chi E' Victoria De Angelis? 4) Chi E' Ethan Torchio?

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Il punto più alto della stagione d'oro del rock venne toccato nell'agosto del 1969 a Woodstock, festival ribattezzato per l'occasione «tre giorni di pace, amore e musica», dove si riunirono gruppi come Crosby, Stills, Nash & Young , Santana, Blood Sweat & Tears, Who, Creedence Clearwater Revival e cantanti come Jimi Hendrix e Janis Joplin.

Con Woodstock si chiude la stagione eroica degli anni Sessanta. In seguito, nel giro di pochissimo tempo, alcuni dei principali eroi del rock morirono stroncati dalla droga, come Jimi Hendrix e Janis Joplin.

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Di santini2016 -

La correlazione tra musica e arte non è assolutamente rara nella storia. Tantissimi sono stati gli esempi di connessione tra due discipline artistiche e culturali che hanno determinato un progresso, un cambiamento, nella storia umana. La prima e più importante affinità è quella che riguarda gli intenti e la natura di arte e musica: mai convenzionali, mai banali, da sempre estranee ai meccanismi e ai contesti di una determinata epoca. Per sottolineare al meglio ciò di cui stiamo parlando, vogliamo parlarvi di alcune canzoni rock ispirate all'arte: canzoni che, in qualche modo, possiedono qualche richiamo ad artisti o opere d'arte passate alla storia.

Canzoni rock ispirate all'arte: Andy Warhol di David Bowie

La prima delle canzoni rock ispirate all'arte è, senza dubbio, Andy Warhol di David Bowie. Se quest'ultimo interpretò l'arte nel suo senso più recondito e intimo, attraverso le sue trasformazioni che determinarono una personalità sempre nuova e rinnovata, il primo ha avuto a che fare col rock attraverso le celebri copertine: tra tutte, quella del primo album dei Velvet Underground.

Andy Warhol è una ballata presente all'interno dell'album Hunky Dory. Il duetto di chitarre in stile flamenco evidenzia un brano di grande livello, che celebra la figura di Warhol attraverso il motto wildiano "Art for Art's Sake": l'arte per l'arte, al punto di rendere la propria stessa vita un'opera di grande livello.

Pablo Picasso dei Modern Lovers e le altre dediche di Jonathan Richman

Uno dei più grandi cultori della connessione tra rock e arte è stato sicuramente Jonathan Richman, fondatore della band Modern Lovers. La formazione rock statunitense ha celebrato, attraverso un brano, la figura di Pablo Picasso: la hit degli anni '70 esalta il fascino del pittore spagnolo, in grado di attirare a se le donne grazie alla sua arte e alla sua figura, che contrastano i suoi difetti fisici e la statura minuta.

Non ci si deve comunque stupire di una canzone di questo tipo: Jonathan Richman ha, in più riprese, realizzato canzoni rock ispirate all'arte, divenendo uno dei più emblematici in questa connessione. Insieme a Pablo Picasso, sono da segnalare Vincent Van Gogh, Salvador Dalì e No One Was Like Vermeer.

Monna Lisa di Ivan Graziani

Prezioso esempio di canzoni rock ispirate all'arte, benché in questa canzone sia presente anche il fattore storico e cronachistico, ci porta anche in Italia: Mossa Lisa di Ivan Graziani è uno degli esempi più belli che possiamo presentare all'interno di questa lista.

La ballata rock dalle marcate influenze blues narra del furto della Gioconda, l'opera più celebre di Leonardo Da Vinci e forse della storia dell'arte, avvenuto nel 1911. A sottrarre il quadro dal Louvre fu un tale Peruggia che, nel tentativo di compiere un'estrema opera di patriottismo, si fa prendere dall'ossessione che lo porta quasi a distruggere il dipinto dei dipinti.

Innuendo dei Queen

L'ultima tra le canzoni rock ispirate all'arte è Innuendo dei Queen; forse la canzone per eccellenza che può indicare la connessione tra la musica e l'arte stessa, più che fortemente presente all'interno del videoclip ufficiale del brano. Per quanto misterioso, profetico e incredibile sia questo video, esso contiene anche dei precisi dettagli artistici di grande livello.

I quattro membri dei Queen, presenti nel video sotto forma di proiezione cinematografica, rientrano tutte in correnti artistiche differenti: Freddie Mercury, che sembra assomigliare ad un disegno a pastello o ad un tratto di matita su foglio, ricorda molto i disegni tecnici di Leonardo Da Vinci; Brian May, realizzato con punti e linee propri dell'arte stilografica, è un prezioso riferimento a Jackson Pollock; Roger Taylor è, invece, una preziosa opera astratta di Vasilij Kandinskij mentre, infine, John Deacon rappresenta l'opera cubista per eccellenza di Pablo Picasso.

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Le canzoni rock ispirate all'arte: da David Bowie ai Queen - R3M

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Le più celebri canzoni rock ispirate all'arte, che dimostrano il bellissimo collegamento tra arte e musica nella storia: le conoscevate tutte?

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Pezzi jazz indimenticabili che hanno fatto la storia di questa musica.

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Musica jazz: cos’è, storia e artisti principali del genere popolare ma colto che ha dato vita alla gran parte dei generi più famosi del Novecento.

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“Ogni volta che chiudo gli occhi per soffiare nella mia tromba, guardo nel cuore della buona vecchia New Orleans… Mi ha dato qualcosa per cui vivere”.

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Biografia * Bocca a sacco

Louis Daniel Armstrong, trombettista jazz, è uno dei massimi esponenti di questo genere di musica e colui che ha dato un'impronta del tutto nuova alla musica afroamericana. Per quanto concerne la sua nascita vi è un piccolo retroscena che definisce anche un piccolo giallo. Armstrong ha sempre dichiarato di essere nato il 4 luglio (giorno di festa nazionale negli Stati Uniti) del 1900 ma, in realtà, studi recenti hanno dimostrato che il grande trombettista è nato il 4 agosto del 1901.

In particolare, sono da segnalare le ricerche sovvenzionate proprio da New Orleans, la sua città natale, ed effettuate da Tad Jones, il quale sembra che abbia trovato i certificati originali di battesimo del "re del jazz". Secondo questi atti, "Satchmo" (questo il soprannome che gli verrà affibbiato: significa, grosso modo, "bocca a sacco"), si era invecchiato di un anno e un mese, forse per risolvere alcuni problemi legati ai suoi esordi giovanili a Chicago e New York, dove non voleva sembrare più giovane di quello che era.

Louis Armstrong ebbe un'infanzia travagliata. I genitori si separano poco prima della sua nascita e il piccolo viene affidato alla nonna materna Josephine, mentre la madre, con tutta probabilità, si prostituiva.

Le sue giornate trascorrono in bilico fra l'emarginazione e la delinquenza anche se, fortunatamente, un grande interesse nasce dentro di lui, un antidoto capace di allontanarlo da pericolose deviazioni e nello stesso tempo di "sollevarlo" da quello squallido ambiente: la musica.

Ancora troppo giovane per suonare la tromba o per apprezzarne potenzialità e sfumature, si limita in quel periodo a cantare in un gruppo locale assai peculiare, dato che come palcoscenico aveva unicamente le strade.

La pratica estemporanea, il canto di getto e a squarciagola gli permettono comunque di sviluppare un'ottima intonazione e un notevole senso dell'improvvisazione, e non dimentichiamoci che di fatto quest'ultima è la caratteristica principe che distingue il jazz.

Ma la vita di strada è pur sempre la vita di strada, con tutti i pericoli e i disagi che essa comporta. Louis, pur volendo, non può del tutto estraniarsi da quel contesto. Un giorno viene addirittura sorpreso a sparare con un revolver sottratto ad uno dei compagni della madre, per festeggiare la fine dell'anno. La conseguenza è che viene trasferito in un riformatorio per circa due anni, anche perché il tribunale aveva riconosciuto la madre inabile alla crescita della prole. Da ciò nasce forse l'ansia d'amore che contrassegna la sua vita, che vedrà scorrere davanti a sè due mogli e moltissime relazioni.

Anche in riformatorio Louis Armstrong trova il modo di far musica: entra a far parte prima del coro dell'istituto e successivamente della banda, dove inizia suonando il tamburo. Prende anche le prime lezioni di cornetta. Il merito è tutto del suo maestro, Peter Davis, che gli dà l'opportunità di studiare i rudimenti di questa sorta di "succedaneo" della tromba. La banda dell'istituto è molto amata dagli abitanti e gira le strade suonando melodie in voga all'epoca come la celeberrima "When the Saints Go Marchin'in" che, recuperata parecchi anni dopo, diventerà uno dei suoi cavalli di battaglia.

Uscito dal riformatorio inizia a frequentare pub e locali nella speranza che gli si presenti la possibilità di suonare in qualche orchestra. In uno di questi vagabondaggi serali incontra Joe Oliver, considerato il migliore cornettista di New Orleans (già chiamato "King Oliver"). Tra i due s'instaura un ottimo rapporto, tanto è vero che Oliver, in procinto di trasferirsi, chiede a Kid Ory (altro celebre trombettista del jazz) di essere sostituito proprio da Louis.

Solo dal novembre del 1918, incentivato dal lavoro sui "riverboats" (i battelli che navigavano sul fiume Mississippi), Armstrong impara a decifrare le partiture, diventando in questo modo un musicista completo. Dopo qualche anno di questo regime non proprio riposante (lavorare sui battelli era molto faticoso), nel 1922 si trasferisce a Chicago, lasciando una New Orleans che, gradualmente, "corrompeva" sempre di più il suo gusto musicale, fino a rispolverare un vetusto e annacquato folclore.

Armstrong in quel momento della sua maturazione artistica stava invece seguendo un'altra strada, completamente diversa, improntata sul rigore polifonico delle linee musicali e, per altri versi, sul tentativo di conferire al solista un ruolo insieme egemone e integrato nel tessuto musicale.

Fortunatamente viene ingaggiato da King Oliver nella sua "Creole Jazz Band", nella quale ha la possibilità di proporsi come solista e di far spiccare l'estremo virtuosismo che ormai ha acquistato con il suo strumento. È infatti opinione comune di appassionati e storici, affermare che "Satchmo" avesse inventiva, fantasia ritmica e melodica, unite ad un'impressionante volume sonoro e ad un'inconfondibile timbro.

Dopo una serie di tournée, si arriva al 1924, anno particolarmente importante per "Satchmo". Si sposa, lascia l'orchestra di Oliver ed entra nella big Band di Fletcher Henderson, un colosso del jazz che disponeva di una delle migliori orchestre del tempo, zeppa di solisti di pregio. Come riprova del salto di qualità, Armostrong ha l'opportunità di incidere brani con Sidney Bechet, Bassie Smith e molti altri.

Successivamente decide di intraprendere la carriera da solista. Registra "Hot Fives and Hot Sevens" trasformando così il jazz in una delle più alte espressioni della musica, con la sua tromba chiara e brillante e la sua voce sporca pescata direttamente dal fondo della gola.

Da allora è solo un susseguirsi di successi, all'ombra però di alcune voci critiche che denunciano limiti e scadimenti del fenomeno Armstrong. Louis viene addirittura accusato di essere uno zio Tom a causa dell'ambiguità verso i fratelli neri. Ma proprio per la sua presenza carismatica contribuisce a rompere ogni barriera razziale diventando una delle prime star di colore nella musica. La sua vita, oltre ai concerti dal vivo e alle tournée, si arricchisce di collaborazioni (ad esempio con Zilmer Randolph), e comincia anche ad aprirsi al cinema, apparendo in alcune pellicole; tra queste ne ricordiamo una, "Alta società" (High society) del 1956, di Charles Walters, con Grace Kelly, Bing Crosby e Frank Sinatra, in cui il musicista introduce e conclude la prima e l'ultima scena del film.

Diventato ormai un'icona (e qualcuno dice anche la macchietta di se stesso), Louis Armstrong negli ultimi anni era certo diventato l'ambasciatore del jazz nel mondo, ma ha anche prestato la sua immagine ad una serie di eventi assai discutibili sul piano artistico.

In quella fase della sua carriera il Maestro non era più in grado di prendere decisioni autonome ma si faceva "gestire" da funzionari senza troppi scrupoli.

Dopo questo triste declino, il re del jazz muore il 6 luglio 1971 nella sua casa nel Queens a New York.

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Louis Daniel Armstrong, trombettista jazz, è uno dei massimi esponenti di questo genere di musica e colui che ha dato un'impronta del tutto nuova alla musica afroamericana. Per quanto concerne la sua nascita vi è un piccolo retroscena che definisce anche un piccolo giallo.

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"What a wonderful world" di Louis Armstrong

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"What a wonderful world" di Louis Armstrong

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What a Wonderful World è una famosa canzone scritta da Bob Thiele (con lo pseudonimo George Douglas) e George David Weiss, è interpretata per la prima volta da Louis Armstrong nel 1967. Il brano riacquistò nuova popolarità in seguito al suo uso nel film Good Morning, Vietnam nel 1988.

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Louis Armstrong - What A Wonderful World

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E infine, al piano, Danny Boodmann T.D. Lemon Novecento.
Il più grande. (Via musica)
Lo era davvero il più grande. Noi suonavamo musica, lui era qualcosa di diverso.
Non esisteva quella roba prima che la suonasse lui e quando lui si alzava dal piano non c’era più, e non c’era più per sempre, la musica.

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Il Virginian era un piroscafo. Negli anni tra le due guerre faceva la spola tra Europa e America, con il suo carico di miliardari, di emigranti e di gente qualsiasi. Dicono che sul Virginian si esibisse ogni sera un pianista straordinario, dalla tecnica strabiliante, capace di suonare una musica mai sentita prima, meravigliosa.

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L’orchestra jazz, come è composta e quali strumenti usa

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Createsi attorno agli anni ’20, in quella conosciuta come swing era, l’orchestra jazz si affermò ben presto come principale riproduttrice di musica da ballo, e dato che non esistevano ancora sistemi di amplificazione, avevano bisogno di numerosi strumenti per creare un volume adeguato, ecco perché in inglese sono definite big band.

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Esiste un solo bene, la conoscenza, e un solo male, l’ignoranza.
(Socrate)

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“Se non è mai stata nuova e non invecchia mai allora è una canzone folk.”

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Canzoni e Tradizioni - Il meglio del Folklore Italiano vol.1

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Musica Folk Siciliana (6/9): Tarantella Siciliana

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La musica folk è un genere di musica tradizionale, spesso rurale, che è stata originariamente tramandata da generazioni attraverso tradizioni orali. Le origini della musica popolare non sono conosciute con precisione, ma si stima che siano vecchie come la comunità di origine. A volte la musica popolare è usata per riferirsi alla musica i cui compositori non sono conosciuti e ciò che è riconosciuto da un gruppo di persone, gente, come loro. La musica folk è talvolta vista come l'espressione originale della cultura passata o di ciò che sta per scomparire, preservare o ciò che è stato riportato in vita.
Inoltre, con il termine "musica folk" si intende sia la musica tradizionale, per la quale in inglese si usa la definizione di Traditional folk music, sia la musica da essa derivata, per la quale in inglese si usa generalmente la definizione di contemporary folk music o folk revival music.

La Traditional folk music, che coincide con la nostra musica tradizionale o folklorica, è stata definita in vari modi: come "musica trasmessa oralmente" e suonata abitualmente da tempo immemorabile, come "musica delle classi più povere" o ancora come musica creata da "compositori sconosciuti". Ciò che è certo è che la musica folklorica viene distinta dalla musica popolare e dalla musica colta, viste come tre macrocategorie che assieme formano un "triangolo assiomatico".

A partire dalla metà del XX secolo molti artisti iniziarono a sviluppare nuove forme di musica popolare ispirate alle musiche folk tradizionali, alle quali gli inglesi si riferiscono oggi con i termini di contemporary folk music o folk revival music, includendo in queste definizioni anche alcuni tipi di musica folklorica chiamati world music. Questo processo, che vide il proprio apice negli anni '60, va però distinto dalle derivazioni più recenti della musica tradizionale. Molte, sono state in passato, le piccole rinascite della musica folk, anche se questo termine mal si addice alle nuove forme musicali create durante questi periodi di revival. Per questi nuovi generi musicali vengono più appropriatamente usati termini come folk rock, folk metal, Progressive folk, Indie folk ed altri ancora, che ne sottolineano la derivazione. Non si possono infatti definire folk music le linee melodiche scritte oggi, che quindi rientrano nella musica popolare, e gran parte della musica che si confonde con elaborazioni di canti arcaici è invece opera di autore.

Nella lingua italiana viene spesso usata impropriamente la dicitura Musica popolare (in Inglese Popular music) come sinonimo di Musica folclorica o Musica tradizionale, con il quale ci si riferisce invece a musica scritta con il linguaggio del popolo e pensata per il popolo, intesa quindi come "di gradimento generale, diffuso, popolare".

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Il mondo della musica ha sempre suscitato un notevole interesse e nel corso degli anni della storia umana, essa ha subito numerosi cambiamenti adottando tecniche sempre più originali e nuove. La musica, nasce dalla necessità di espressione popolare che riesce a manifestare i diversi sentimenti tramite l'emissione di suoni. Tra i numerosi suoni e melodie, possiamo trovare tantissime tipologie di musica: dalla musica rock a quella classica, fino ad arrivare a quella pop a quella più commerciale. In questa breve guida, ci occuperemo di illustrare i diversi aspetti di un tipo di musica meno conosciuta: la musica Folk. Nei passi che seguono, troverete una breve spiegazione sulla storia di questa musica, conosciuta anche con il titolo di musica popolare.

Passione per la musica popolare

Amare le tradizioni popolari

La musica Folk, ha origini molto antiche e nasce come espressione del popolo durante determinate manifestazioni. Essa è composta da elementi folkloristici, in altri termini da tutti quei tipi di melodie provenienti da tribù le cui tradizioni sono andate perse nel corso dei secoli. Il timbro comune di tale sinfonia, prende spunto da quello folkloristico, utilizzando i suoi linguaggi e le sintonie caratteristiche del genere musicale. Tali ramificazioni devono essere distinte dal testo pop, il quale non indica una categoria riguardante civiltà, ma rappresenta più che altro brani più leggeri. Dalle sue origini ad oggi, questo genere musicale ha subito numerose variazioni divenendo un genere ormai quasi inutilizzato.

Il genere di musica Folk, possiede caratteristiche particolari che la distinguono dalle altre. Questa è legata a determinati aspetti culturali, ovvero ai dispositivi con cui viene riprodotta ed ai balli tipici d'accompagnamento. Nei componimenti tradizionali nostrani, invece, ogni strumento ha un ruolo ben definito in base alla regione a cui appartiene. Questi componimenti, vanno a manifestarsi specialmente nel corso di feste e sagre del paese. Sfortunatamente, le composizioni folk vengono sempre più spesso modificate da melodie popolari, perdendo così le originali caratteristiche distintive.

Ai nostri giorni, sono veramente pochi gli artisti che riproducono pezzi di questo genere di musica. Essi, svolgono per lo più la loro attività prevalentemente nella feste di piccoli borghi, senza avere troppa visibilità nel mondo che li circonda. Vi sono tuttavia determinati stereotipi della tradizione del nostro paese che raggiungono un discreto successo, come ad esempio quella napoletana o per quelle delle musiche tradizionali del Salento o della Sicilia. Nella zona settentrionale del nostro paese, è possibile trovare invece una tipologia di acustica con cadenze celtiche e/o balcaniche, con notevole importanza riguardo il canto corale. In tali zone del territorio, la ballata riscontra un notevole successo, ovvero quel canto popolare legato solitamente ad eventi tragici. Tra gli strumenti più utilizzati per questo tipo di ballata vi sono sicuramente la zampogna, il mandolino ed il tamburello.

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14/10/2019

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Le prime sere d'autunno trascorse in casa sono una vera coccola per lo spirito, ancor più se accompagnate da tè caldo, una lettura avvincente e un po' di musica folk di sottofondo. Lasciatevi cullare da questi 7 singoli per un momento di relax.

Chitarra, camicia a quadrettoni e una coperta per stare al caldo: è tutto pronto per una dolce serata a ritmo di musica folk. Per creare un'atmosfera ancora più autentica, preparate una fonduta dolce e salata e non dimenticate di abbrustolire anche i marsh mallows!

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