# data[].attributes.body
00:03:34

# data[].attributes.attachment_link.title
Der Sandmann — Regie: Robert Wilson — Düsseldorfer Schauspielhaus — Trailer

# data[].attributes.body
Um unser Stück Lulu als Basis für Interpretationen & Anwendung auf die heutige Zeit zu nutzen, kann man Masken bzw. maskenhafte Schminke nutzen.
Hier würde ich vor allem weiße oder einheitliche Farben nehmen, damit wir als Schauspieler:Innen als Leinwand dienen und allgemeine gesellschaftliche Werte verkörpern.
Dann sind wir weniger individuell und man kann die verschiedenen Persönlichkeiten auf mehr beziehen.
Ich würde es gezielt für alle Rollen nutzen.

"What is it?"

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Detailansicht öffnen

"I am still kicking": Robert Wilson im September 2021 in Paris, wo der amerikanische Regisseur seinen 80. Geburtstag feiert.
(Foto: Joel Saget/AFP)

Von Christine Dössel

Eigentlich sollte das hier ein Interview werden, Frage und Antwort. Doch sich mit Robert Wilson zu einem Gespräch zu verabreden, ist kompliziert, selbst in Zeiten, da man sich auch online begegnen kann. Wilson ist noch immer der ubiquitäre Großkünstler, der von Projekt zu Projekt durch die Welt jettet (seinen CO₂-Ausstoß berechnen wir mal lieber nicht). Amerika - Deutschland - Italien - Frankreich - Bulgarien, sein Terminkalender ist voller als der von manch einem Staatschef. Aber der Goodwill ist da. Nicht nur, weil der amerikanische Welttheatermacher schon immer ein hervorragender Vermarkter seiner selbst war und dafür jede Gelegenheit nutzt. Er ist einfach auch ein sehr freundlicher Mensch.

Also versuchen wir es per Whatsapp-Telefonat (ohne Video) während seiner Zugfahrt von Rom nach Florenz. Offenbar sein einziges Zeitfenster. Aber Pech: "Bob", wie ihn alle nennen (und er sich auch), ist über Nacht krank geworden. Erhöhte Temperatur. Er hustet, die Nase klingt zu. Auch die Verbindung ist nicht die beste. Hello? Can you hear me? Wir vertagen uns auf später, wenn er in seinem Hotel ist. Dort ist dann zwar die Akustik besser, nicht aber Bobs Zustand. Er hustet, entschuldigt sich, gibt sich Mühe, dass die Stimme nicht wegsackt. Anstrengend. Für beide Seiten. Er sagt, er habe zwanzig Minuten Zeit, "Maximum". Fortsetzung am nächsten Tag? Keine Chance. Da fliegt er nach Paris, hat ein Casting an der Oper, danach ein Dinner und so fort ... Er bietet an, zwischen den Terminen die restlichen Fragen schriftlich zu beantworten. Er ist, wie gesagt, ein höflicher Mensch.

Lange vor Christoph Marthaler hat er im Theater die Langsamkeit entdeckt und die Zeit gedehnt

Ein kurzer Einblick in das rastlose Leben des Robert Wilson, der doch eigentlich dafür bekannt ist, dass er in seinen formstrengen, hoch stilisierten Arbeiten die Zeit anhält, entschleunigt, zeitlupenhaft dehnt. Dessen künstlerischer Kosmos die Stille ist und das, was sie an Monstern und Fantastischem gebiert. Lange vor Christoph Marthaler war Wilson der Entdecker der Langsamkeit im Theater. Und lange vor Frank Castorf schuf er mit seinen großformatigen, normsprengenden Performances die längsten Inszenierungen. "The Life and Times of Josef Stalin" 1973 dauerte zwölf Stunden. Das Wüstenlandschafts-Stück "KA MOUNTAIN and GUARDenia Terrace" beim Shiraz-Theaterfestival in Iran zog sich 1972 über eine ganze Woche. Die Performer kippten reihenweise um und mussten ins Krankenhaus, weil sie dehydriert waren und der manisch jegliche Zeitstruktur aufbrechende Regisseur vergessen hatte, auch mal Schlaf einzuplanen.

Geboren wurde Robert Wilson am 4. Oktober 1941 in Waco, Texas. Tiefste Provinz. Der Vater ein erfolgreicher Geschäftsmann ohne Sinn für Kunst, die Mutter "kühl und distanziert". Bob wächst mit einer Sprachstörung auf, er stottert, ist ein Außenseiter, einsam, sensibel. Erst durch die Begegnung mit der Tänzerin Byrd Hoffman, die Ballettunterricht für Kinder gibt, überwindet er mit 17 seine Sprachbehinderung. Später, 1968, wird er sein experimentelles Performance-Kollektiv "The Byrd Hoffman School of Byrds" nach ihr benennen. Manche sehen bis heute den therapeutischen Aspekt von Wilsons Theater. Seinem Vater zuliebe schreibt er sich zunächst für Betriebswirtschaft an der Universität von Texas ein, geht 1962, nachdem er sich als schwul geoutet hat, dann aber nach New York und studiert Architektur. Prägend für ihn werden die Tanzaufführungen von George Balanchine, Merce Cunningham und Martha Graham. Schon damals interessierte ihn psychologisches Theater nicht die Bohne. Dafür umso mehr der Körper und dessen Behauptung im Raum.

Während seines Studiums arbeitete er mit behinderten Kindern. Es war ein 13-jähriger taubstummer Junge, der ihn überhaupt zu seinem ersten großen Stück inspirierte, der Afroamerikaner Raymond Andrews, der als "zurückgeblieben" galt und in eine Anstalt für straffällige Jugendliche eingewiesen werden sollte. Wilson erzählt, wie er es schaffte, diesen schwarzen Jungen 1967 zu adoptieren, was "nahezu unmöglich" gewesen sei für einen "weißen, jungen, schwulen Mann". Gemeinsam entwickelten sie die stumme Sieben-Stunden-Performance "Deafman Glance" (1970), die in die Welt dieses Gehörlosen führte, eine Welt der visuellen Zeichen und Signale. Es wurde ein phänomenaler Erfolg. Auch in puncto Inklusion, aktuell ein Bestreben sehr vieler Theater, war Wilson mithin seiner Zeit weit voraus. Besonders wichtig wurde für ihn die bis heute andauernde Zusammenarbeit mit dem autistischen Künstler Christopher Knowles, den er kennenlernte, als dieser elf Jahre alt war, ein Junge, der in Begriffen der Mathematik dachte und sprach. Seine kryptischen Texte flossen in viele Stücke ein, den Anfang machte 1974 "A Letter for Queen Victoria".

"Einstein on the Beach" war ein Meilenstein in der Theater- und Musikwelt des 20. Jahrhunderts

1976 dann "Einstein on the Beach", die Oper mit der Minimal Music von Philip Glass und den Choreografien von Lucinda Childs, ein Meilenstein in der Theater- und Musikwelt des 20. Jahrhunderts, uraufgeführt beim Festival in Avignon. Enigmatische Bilder auf einer Wahnsinnsbühne, keine lineare Handlung, kein Biopic über Albert Einstein, eher Musik- und Bewusstseinsstrom gewordene Relativitätstheorie. Ein Rausch aus Silben, Zahlen, Versen, Klängen. Bahnbrechend. Zu den Fans zählte Susan Sontag, die behauptete, sie habe das Stück vierzigmal gesehen.

Robert Wilsons Karriere als global agierender Avantgardist und Hochglanzminimalist, auch: Jetset-Protagonist, war von da an nicht mehr aufzuhalten. Sein überhaupt nicht an Narration und Sinnproduktion interessierter Stil der Schönheit, Poesie und Abstraktion wurde Kult, hat Menschen verzaubert und süchtig gemacht. Vor allem in Europa, und speziell in Deutschland, wo Wilsons Traumwelten-Design das politische Theater der Siebzigerjahre aufweichte, wurde der Texaner als Bühnenmagier gefeiert, ja, vergöttert.

Stücke wie "Death Destruction & Detroit", 1979 an der Berliner Schaubühne, oder das Mammutprojekt "the CIVIL warS", dessen einzelne Teile in vier verschiedenen Ländern herauskamen (ursprünglich für die Olympischen Spiele 1984 in Los Angeles geplant), waren spektakulär. Seit Mitte der Achtzigerjahre adaptiert und inszeniert der Allrounder Wilson - er ist Bühnenbildner, Maler, Video- und Installationskünstler, Licht- und Objektdesigner in einem - auch Stücke anderer Autoren. Am Hamburger Thalia-Theater triumphierte er 1990 mit seinem "Black Rider"; das Libretto (nach Webers "Freischütz") lieferte der Beat-Poet William S. Burroughs, die Musik kam von Tom Waits. Das Stück wurde ein Welterfolg - und ein Klassiker des Repertoires. In der kommenden Saison wird Wilson nach langer Zeit wieder am Thalia-Theater inszenieren, und er verrät auch schon, was: ein Stück, basierend auf den Schriften von Stephen Hawking. Er tut sich dafür mit der libanesischen Schriftstellerin Etel Adnan zusammen. Prominente Kollaborateure hatte der feinsinnige Charismatiker schon oft, von Heiner Müller über Jessye Norman bis hin zu Marina Abramović oder, in seinen grandios langsamen, grandios hochauflösenden "Video-Porträts", Lady Gaga.

Das deutsche Theater blieb sein liebstes Terrain, vor allem am Berliner Ensemble hat er viel gemacht. "Lulu" mit Angela Winkler, "Shakespeares Sonette" mit dem Musiker Rufus Wainwright, "Faust I und II" mit Herbert Grönemeyer. Seine "Dreigroschenoper" von 2007 war ein Dauerbrenner mit 300 Aufführungen. Unverkennbar stets Wilsons Ästhetik (seine Kritiker sprechen von Masche, Manier): puppenhafte Schauspieler mit weiß geschminkten Gesichtern und expressionistischer Stummfilm-Gestik. Viel Scherenschnitt- und Schattentanzoptik, mechanische Bewegung im Raum. Dazu das Licht, mit dem bei Wilson jede Schöpfung beginnt: perfekt ausgefeilt bis ins Detail. Große Kunst ist das oft. Manchmal auch großes Kunsthandwerk.

"Deutsche Schauspieler und Regisseure brauchen immer einen Grund, etwas zu tun."

Dass er ein Oberflächenkünstler ist, der den Effekt bedient und sich um Interpretation nicht schert, hat Wilson oft gesagt, und er sagt es auch jetzt wieder, hustend am Telefon: "Deutsche Schauspieler und Regisseure brauchen immer einen Grund, etwas zu tun." Er sei da anders, er komme von der Zen-Philosophie, "ich brauche keinen Grund. Das Geheimnis liegt an der Oberfläche."

Opern, Installationen, Lecture-Performances, Ausstellungen - der umtriebige Wilson hat stets mehrere Sachen gleichzeitig am Köcheln. Seine Homebase ist das 1992 von ihm auf Long Island gegründete Watermill Center, ein Performancezentrum, in dem junge Künstler und Kreative sich ausprobieren können, eine Art Thinktank und Labor, aber auch eine Robert-Wilson-Kultstätte. Seine Kunstsammlung mit Fundstücken und Objekten aus aller Welt ist dort ebenso untergebracht wie schon jetzt sein geistiges Erbe. Eine ganze Phalanx von Wilson-Assistenten hält die Maschinerie am Laufen. Der Meister ist fast nur im Sommer da.

Seinen 80. Geburtstag an diesem Montag feiert Wilson in Paris, wo das Théâtre de la Ville gerade zwei Stücke von ihm zeigt und Ende Oktober auch sein "Jungle Book" wieder aufnehmen wird. Dann muss er nach Sofia, wo er Shakespeares Alterswerk "Der Sturm" inszeniert. In Italien hat er gerade eine Ausstellung zu Jack Kerouac vorbereitet, davor gastierte er mit "Oedipus" in Budapest. So düst er dahin, der unermüdliche Major Bob, ewiger Raumfahrer in den Sphären der Kunst. Er kann nicht anders. "Die Kunst", sagt er, "ist mein Leben."

# data[].attributes.attachment_link.description
Von Christine Dössel Eigentlich sollte das hier ein Interview werden, Frage und Antwort. Doch sich mit Robert Wilson zu einem Gespräch zu verabreden, ist kompliziert, selbst in Zeiten, da man sich auch online begegnen kann. Wilson ist noch immer der ubiquitäre Großkünstler, der von Projekt zu Projekt durch die Welt jettet (seinen CO₂-Ausstoß berechnen wir mal lieber nicht).

# data[].attributes.headline
Finden Sie Beispiele für Wilsons Regieelemente: große Bilder (Design, Symbolik, Licht), Tempo/ Entschleunigung, puppenhaftes / marionettenartiges Spiel,...

# data[].attributes.subject
Finden Sie Beispiele für Wilsons Regieelemente: große Bilder (Design, Symbolik, Licht), Tempo/ Entschleunigung, puppenhaftes / marionettenartiges Spiel,...

# data[].attributes.attachment_link.title
Страсти по Адаму - Роберт Уилсон 2015 | Adam`s passion -  Robert Wilson 2015

# data[].attributes.attachment_link.description
Renowned theater director and visual artist Robert Wilson

# data[].attributes.body
Musikalisierung und Simultanität.
Nicht einheitlich und schön,  sondern überfüllt

02:17:00

# data[].attributes.body
4:25-4:30, wechsel von, Tempo, durch eine synchrone Bewegung. Tempo nar verlangsamt, die Bewegung aber ist schnell.

# data[].attributes.attachment_link.title
ГемлетМашина - Роберт Уилсон 1986 | Die Hamletmaschine - Robert Wilson 1986

# data[].attributes.body
Direkt zu Beginn (min 1:20) wird die Emotion "Angst" sehr plakativ/puppenhaft dargestellt. Dadurch wirkt sie intensiver und der Fokus ist gezielt auf der Schauspieler:In.

# data[].attributes.attachment_link.title
ГемлетМашина - Роберт Уилсон 1986 | Die Hamletmaschine - Robert Wilson 1986

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
"Ich mache Theater, keine Sinndeutungen" - Wortwechsel zwischen Robert Wilson und der Filmregisseurin Katharina Otto-Bernstein.

Absolute Wilson von Katharina Otto-Bernstein ist ein Dokumentarfilm über das Leben und Werk des amerikanischstämmigen Robert Wilson, einem der Produktivsten der derzeit auf dem europäischen Kontinent arbeitenden Theaterregisseure. Nachdem er sich in den USA in den 1970er Jahren mit Arbeiten wie Deafman Glance (1970) und Einstein on the Beach (1976) eine Reputation verschafft hatte, konzentrierte sich Wilson in den letzten Jahrzehnten darauf, in Westeuropa zu arbeiten. Dort gibt es in Ländern wie Deutschland und Frankreich ein wesentlich ausgeprägteres System staatlich subventionierter Theater als in den Vereinigten Staaten.

Wilsons künstlerische Wurzeln liegen in den 1960er Jahren, als er mit dem angesehenen Choreographen George Balanchine, Merce Cunningham und Martha Graham, und Musikern wie John Cage und später Philip Glass zusammenarbeitete. Im Gegensatz zu nahezu jedem anderen zeitgenössischen Regisseur strebt Wilson Kontrolle und Einfluss über alle verschiedenartigen Elemente seiner Stücke an. Dadurch fügt er Tanz, Bühnenbild, Beleuchtung und Kostüme (er tritt auch selbst gelegentlich in seinen Produktionen auf) zu seiner eigenen Version des Wagnerianischen Gesamtkunstwerks zusammen. Während des Sommers eines jeden Jahres lehrt Wilson, unabstreitbar ein Workaholic, das Theaterhandwerk am Watermill Centre in der Nähe von New York.

Über die Jahre hat Wilson eine beachtliche und enthusiastische Unterstützungslobby für seine Arbeit aufgebaut. Die kürzlich verstorbene Kritikerin Susan Sonntag, die angab Deafman Glance mehrmals gesehen zu haben, schlussfolgerte dass Wilsons Theaterkarriere "die größte unserer Zeit" sei. Im Film Otto-Bernsteins würdigen auch Musiker wie David Byrne, der ehemalige Creative Director des Pariser Opernhauses, Charles Fabius, die Opernsängerin Jessye Norman und viele andere führende Künstler die Arbeit von Wilson.

In den 1960ern und 1970ern lehnte Wilson die anarchische Revolte gegen das traditionelle Theater ebenso ab, wie den, mit in New York arbeitenden Ensembles wie das Living Theatre und das Open Theatre verbundenen kollektivistischen Ansatz. Er bevorzugte ein wesentlich formaleres, ausgeklügelteres und beinahe barockartiges Theater, über das er ein hohes Maß an Kontrolle ausübte. Seine Produktionen tendieren dazu, ziemlich bewusst formal, kalt und unnahbar, ohne viel menschliche Interaktion oder dramatischen Inhalt zu sein. Text und Dialog waren stets weit unten auf seiner Prioritätenliste. In seiner Hamlet version von 1993 verwarf Wilson beinahe zwei Drittel von Shakespeares Text, um ein einstündiges Drama zu produzieren. Zuvor, 1973, führte er Regie und produzierte, etwas, das als eine zwölfstündige "Stille Oper" beschrieben wird, betitelt mit The Life and Times of Joseph Stalin. Das Stück wurde ohne Drehbuch aufgeführt und basierte im Wesentlichen auf Wilsons eigenen Bühnenanweisungen.

In einem Text von 1982 beschreibt Wilson seine Beziehung zum geschriebenen Wort: "Wenn ich diese Zeilen schreibe, denke ich nicht darüber nach, wer sie sprechen wird oder was sie bedeuten. Ich denke nicht über Gefühle oder Ideen nach. Es ist lediglich etwas, um es auf einer Bühne zu hören."

Möglicherweise resultiert Wilsons Unbehagen mit dem gesprochenen Wort und der Handlung aus seiner pädagogischen Arbeit mit behinderten und autistischen Personen, aber es ergänzt sicherlich das Aufkommen ideologischer Tendenzen in den 1970er Jahren, die vermehrt in Frage stellten, dass die Sprache die objektive Welt akkurat widerspiegeln kann. Arthur Holmberg, der über Wilson schreibt, platziert diesen entschieden im Wirkungskreis postmoderner Kunst und Kultur. Holmberg beschreibt Wilson als Begründer einer "radikalen Relativität" im Theater und fährt fort, indem er die Art des ideologischen Hintergrunds der Arbeit Wilsons beschreibt.

"'Eine Geschichte zu erzählen', argumentiert [der französische Autor] Robbe-Grillet, 'ist vollkommen unmöglich geworden', und der postmoderne Zustand wird von [dem französischen Philosophen] Lyotard als das Einstürzen der Narrativen beschrieben. Die großen Narrativen sind zusammengebrochen und uns verbleiben nur die Geschichtsfetzen. Wilson baut neue akustische Räume, wo Texte sich gegenseitig kommentieren. 'Die Kollage', schreibt [der Kunstkritiker Harold] Rosenberg, 'ist die Form, welche die Doppeldeutigkeiten annahmen, die herangewachsen sind in unserer Zeit, bezüglich beider, Kunst und der Realitäten, die sie vorgegeben hat zu repräsentieren... die Fiktionen des zwanzigsten Jahrhunderts bestehen selten aus dem ganzen Stoff...die Kollage lädt den Betrachter dazu ein, mit vielfältigem Bewusstsein zu antworten...'"

Dies ist die bekannte Litanei postmodernistischer Ansprüche. Die "großen Narrative" - die laut Lyotard und anderen auch den Sozialismus beinhalten - sind zusammengebrochen. Alles was Künstler und Intellektuelle unternehmen können, ist die Ruinen zu durchstöbern und einige Fetzen in einer ansprechenden Weise zusammenzuflicken, die den Segen ebenbürtiger Intellektueller gewinnt. Wenn die Dinge jetzt immer noch verwirrend erscheinen, dann ist dies so weil wir keine hinreichende Anzahl unserer "vielfältigen Bewusstheiten" nutzen!

Es kann gut sein, dass Wilson in der Gestalt Arthur Holmbergs einen schlechten Verteidiger für seine Arbeit gefunden hat, aber in seinen eigenen Erklärungen und Interviews betont er wiederholt, dass es die Aufgabe des Künstlers ist Interpretationen zu vermeiden. Das Beste, was ein Künstler tun kann, ist Fragen zu stellen: "Ich bin ein Künstler, kein Philosoph. Ich mache keine Sinndeutungen. Ich mache Kunst... Theater, das eine Interpretation aufdrängt, ist ästhetischer Faschismus."

Während dies in einigen Kreisen ein modischer Standpunkt sein mag, ist eine solche Haltung durch und durch engstirnig und auf lange Sicht für überzeugende und langlebige Kunst kontraproduktiv. Selbstverständlich gibt es beträchtliche Unterschiede zwischen dem Künstler und dem Philosophen, genauso wie es zahlreiche Beispiele der Degeneration von Kunst zu grober Propaganda (oder Interpretation) im zwanzigsten Jahrhundert gibt - am offensichtlichsten durch Faschismus und Stalinismus. Aber daraus die Schlussfolgerung zu ziehen, die Anstrengung, die Welt in einer Art und Weise zu verstehen, dass man in der Lage ist, dies anderen mitzuteilen, habe keinen Platz bei der Erschaffung eines Kunstwerkes, ist unbesonnen und letztendlich für den Künstler ein erstickender und begrenzender Einfluss. Der Künstler mag das soziale Leben ignorieren wollen, aber das soziale Leben ignoriert ihn nicht, und, ob er es will oder nicht, werden soziale Einflüsse unausweichlich Ausdruck in seiner Arbeit finden.

Dies sind keine neuen Fragen. Bereits im frühen zwanzigsten Jahrhundert schrieb der russische Revolutionär G. Plechanov in seiner Analyse der Verteidiger der " l'art pour art ": "[D]a gibt es nicht so etwas wie ein künstlerisches Schaffen, welches ohne eine Idee ist. Selbst Werke, deren Autoren allein auf Form Wert legen und sich nicht um ihren Inhalt kümmern, drücken trotzdem auf die eine oder andere Weise irgendeine Idee aus." Eine paar Sätze weiter merkt Plechanov an: "Werke deren Autoren auf Form Wert legen geben eine bestimmte - und wie ich bereits ausgeführt habe hoffnungslos negative - Einstellung zu ihrer sozialen Umwelt wieder."

Unterstützt die Klage der SGP gegen den Verfassungsschutz!

Die geheimdienstliche Beobachtung wird vom Verfassungsschutz und von der Bundesregierung ausschließlich mit der sozialistischen Gesinnung der Partei gerechtfertigt.

Ein kurzer Blick auf Wilsons früheres Schaffen macht diesen Punkt klar. Wilson zeigt Geschick mittels der Kombination formaler Elemente des Theaters gelegentlich bezaubernde und attraktive Bilder zu erzeugen, aber er arbeitet, ob sich dessen bewusst ist oder nicht, in einem definitivem sozialen und politischen Kontext.

Parallel zu den formalen ästhetischen Elementen in Wilsons Marathon, Einstein on the Beach, besaß das Stück zudem einen definitiven politischen und ideologischen Inhalt. Das Stück endet in nuklearer Zerstörung, und während des ganzen Stückes lässt Wilson die Figur des Wissenschaftlers gegen die des Künstlers kämpfen, und stellt beide dar, als besäßen sie zwei komplett entgegengesetzte Weltanschauungen. Der Wissenschaftler führt- oder bringt uns - mit seinem Wissensdurst an den Rand der Zerstörung. Der Künstler ist unser potenzieller Retter. Wir werden an die, durch den englischen, romantischen Dichter William Blake eingeführte Zweiteilung erinnert, der einst schrieb: "Kunst ist der Baum des Lebens.... Wissenschaft ist der Baum des Todes."

Auch in einigen seiner jüngsten Werke - z.B. Black Rider, Alice und Woyzeck - hat sich Wilson nicht nur in hohem Maße beim visuellen Stil des deutschen Expressionismus bedient, sondern auch bei dessen oft apokalyptischer Sichtweise auf die Menschheit und deren Zukunft. So gönnt man uns in Woyzeck die Lyrik des Sängers Tom Waits, "Nenne keinen Menschen glücklich, bis er stirbt...Alles Gute in der Welt kannst du in einen Fingerhut packen.", aus einem mit "Misery is the River of the world [Elend ist der Fluss der Welt]" betiteltem Lied. Wilson hat ein Monopol auf kulturellen Pessimismus im modernen Theater mit erhobenem Finger zur Warnung vor den Sünden der Menschheit erworben.

Unglücklicherweise wird keines dieser Themen von Katharina Otto-Bernstein in ihrem Film aufgegriffen. Sie ist ein Fan, für den Wilson unfehlbar ist. Gleichzeitig bietet ihre Arbeit einen faszinierenden, obwohl überwiegend unkritischen Einblick in die sozialen Ursprünge der Arbeit Robert Wilsons.

In der Tat hatte Wilson eine interessante und offensichtlich sehr schwierige Kindheit, welche seine Bemühungen widerlegt, die Rolle sozialer und politischer Faktoren in seiner Arbeit zu verneinen. Er wurde 1941 in der Stadt Waco, Texas, geboren, welche er in Absolute Wilson als eine kulturelle und spirituelle Einöde beschreibt. Wilson war ein empfindsames und scheues Kind mit einem Sprachfehler. Er bekennt, dass sein erster Kindheitsfreund ein schwarzer Junge war - eine Wahl, die sein Vater und ein Großteil der örtlichen Gemeinde missbilligten.

Sein Vater war ein Geschäftsmann - zeitweilig sogar der Bürgermeister von Waco - der sich sicher war, dass sein Sohn in seine Fußstapfen treten sollte. Wilson unterwarf sich zunächst den Wünschen des Vaters, doch riss er sich dann in den frühen 1960er Jahren von seiner Familie los, um sich der alternativen Kulturszene in New York zuzuwenden. Sein Leben wurde noch komplizierter durch seinen Kampf als junger Mann für die Akzeptanz seiner Homosexualität.

Wilson, nunmehr über 60 Jahre alt, hat einen langen Weg seit seinen Anfängen in Waco zurückgelegt. Man verbleibt mit dem Eindruck eines ruhelosen Geistes, eines Mannes, der kontinuierlich erhebliche Hindernisse in seinem Leben überwunden hat, um seine Kunst zu verwirklichen. Kapitel seines Lebens wurden abgeschlossen, doch wenige Gedanken wurden auf die breiteren sozialen und politischen Rückschlüsse aus der Reise, die er unternommen hat, verwendet. Fähig zu glitzernder, zeitweilig intensiver Bildsprache, bleibt im Zentrum der Arbeit Wilsons eine beständige Leere. Die anhaltende Darstellung der Menschheit als von dunklen und unerklärlichen Mächten getrieben und manipuliert, deutet letzten Endes auf eine im Grunde negative und verwirrte Einstellung zu seiner sozialen Umwelt hin.

Andere Dokumentarfilme

Auf der Berlinale wurde eine faszinierende Halbdokumentation aus Indien gezeigt, John & Jane, Regie von Ashim Ahluwalia. Sie handelt von der rauen Wirklichkeit des heutigen globalisierten Kapitalismus und besonders mit dem, was sich hinter dem Begriff "Outsourcing" verbirgt. Der Film konzentriert sich auf das Arbeitsleben sechs junger, am Stadtrand Bombays in einem modernen Callcenter arbeitender Inder.

Der Titel des Films - John & Jane - bezieht sich sowohl auf die Anonymität mit welcher der Arbeitgeber des Centers seine Belegschaft behandelt, als auch ihre amerikanischen Scheinidentitäten. In einem Bild des Films sehen wir ein großes Poster an der Wand, Bilder der Belegschaft zeigend. Neben jedem Photo findet sich eine Referenznummer und die Blutgruppe des Angestellten. Auf Namen wurde vollkommen verzichtet. In der modernen globalisierten Wirtschaft sind die Namen gewöhnlicher Arbeiter von abnehmendem Wert - eine individuelle Nummer bedeutet, dass jegliche Verwirrung aufgrund ähnlich klingender Namen vermieden wird und die Identifikation der Blutgruppe bedeutet, dass im Falle einer ernsthaften Erkrankung eines Angestellten eine Grundinformation existiert, die sein oder ihr Leben retten könnte. Mehr Information über den Angestellten ist weder nötig noch erwünscht.

Die junge, erwiesenermaßen gut ausgebildete Belegschaft, sitzt wie Legehennen an ihren Computerbildschirmen und tätigt Anrufe in Amerika und beantwortet ebensolche. Sie arbeiten rund um die Uhr und haben wenig Zeit für irgendeine Art von Privatleben. Sie verdienen einen mageren Lohn, doch verglichen mit anderen, die nichts verdienen, sind sie privilegiert. Aus Bombay anrufend, fragen sie Kunden in den USA, ob sie am Erwerb einer Krankenversicherung, einem revolutionären neuen Gerät zum Mähen ihres Rasens oder einem wertlosen Plastikspielzeug interessiert wären.

Bevor sie ihre Arbeit beginnt, wird die Belegschaft mit den (vorgeblichen) Werten der amerikanischen Gesellschaft indoktriniert. Lehrer aus Indien und den Vereinigten Staaten weisen die Beschäftigten des Callcenters durch Stimmtraining so ein, dass sie Anrufe verstehen und in ihnen sogar mit der richtigen Betonung antworten können. In anderen Seminaren werden sie zur amerikanischen Kultur und den Einkaufsgewohnheiten ihrer Bürger befragt. Mittlerweile macht die US "Kultur" - McDonalds, Wendy's, Burger King - gute Geschäfte und schießt überall im Stadtzentrum Bombays aus dem Boden. Eine Arbeiterin, Naomi, hat sich die Botschaft zu Herzen genommen. Sie, eine junge Inderin mit blondem Haar und künstlichen Wimpern, mit einem Mischakzent aus dem mittleren Westen der USA, prahlt "Ich bin total, sehr amerikanisiert."

Zwei der Beschäftigten hassen ihre Jobs durch und durch, verachten ihren Vorgestzten und können es kaum erwarten zu kündigen um etwas Besseres zu finden. Ein anderer junger männlicher Arbeiter ist überzeugt, dass sein Job im Callcenter eine Stufe auf seinem Weg zum Milliardär ist. Er hat Bilder teurer Luxusgüter - z.B. eines sehr guten Motorrades - an seiner Wand. Daneben finden sich Zeitpläne, meist ein paar Jahre vorausberechnet, für deren Erwerb. An der Wand ist auch ein Photo von Elvis Presley, den er nach eigener Aussage verehrt, da er ein Milliardär war.

Eine weitere junge Frau, die ohne ihre leiblichen Eltern aufwuchs, liebt ihren Beruf und erachtet das Callcenter und ihre Kolleginnen und Kollegen als ihre neue Familie. Ein [anderes] junges Paar hat kürzlich geheiratet. Die beiden arbeiten jeweils zu verschiedenen Zeitplänen in einem Callcenter, und sie sehen sich kaum, abgesehen von einem kurzen gemeinsamen Hamburger während des Schichtwechsels.

In dem vielleicht faszinierendesten Abschnitt des Films wird uns ermöglicht, einige der Anrufe aus dem Callcenter zu belauschen. Die meisten der Angerufenen sind ältere, im amerikanischen Süden und Westen lebende Männer und Frauen. "Würden sie gerne ein revolutionäres und günstiges Gerät erwerben, um mit ihren Freunden und Lieben zu kommunizieren?" fragt der junge indische Anrufarbeiter. Der Großteil der Kunden ist aggressiv und legt schnell auf. Eine alte, müde Stimme am anderen Ende antwortet, das sie nicht wirklich solcher Dienste bedarf; er habe keine Freunde, und er nutze sein Telephon, um alle paar Monate einen Verwandten anzurufen. Er isei ein Rentner und müsse auf sein Einkommen achten.

Wir beobachten junge, unterbezahlte, entfremdete Arbeiter und Arbeiterinnen in Indien, wie sie mit älteren, armen und völlig einsamen Menschen in den Vereinigten Staaten in Kontakt zu treten oder es versuchen. Die moderne Computertechnologie in Verbindung mit dem Internet hat soviel Potential die Qualität der Lebensart und Kultur zu verbessern. Doch, wie John & Jane klarmacht, dienen solche Entwicklungen nur der Intensivierung von Isolation und Entfremdung, solange die Akkumulation von Profiten die treibende Kraft in der Gesellschaft bleibt.

Beyond Hatred von Olivier Meyrou ist eine mit Fingerspitzengefühl gemachte französische Dokumentation über die Familie eines jungen Mannes, der 2002 von drei Skinheads ermordet wurde. Die neofaschistischen Jugendlichen durchstreiften nach einem Araber suchend einen Park; stattdessen begegneten sie François, der homosexuell war. Der neunundzwanzig Jahre alte François Chenu versuchte sich zu verteidigen und brandmarkte die Angreifer als Feiglinge. Grausam zusammengeschlagen, ertrinkt er in einem nahegelegenen Teich.

Auf den Angriff folgend und vor dem Gerichtsprozess der drei kurz nach ihrem Verbrechen verhafteten jugendlichen Skinheads befragt Meyrou die Mutter François`s,. Die Mutter erklärt, dass sie nach dem Schock über den Tod ihres Sohnes gänzlich neue Aspekte an ihrer Persönlichkeit entdeckt hat. Im gegenwärtigen Zustand, so führt sie aus, ist sie fähig das gleiche Maß an Gewalt gegen die Mörder ihres Sohnes anzuwenden, wie diese gegen François anwandten. Der Film folgt leise und unauffällig der Entwicklung der Mutter von François und anderer Mitglieder seiner Familie, die im Laufe des Prozesses mehr und mehr über die schockierende Entbehrung und Verwahrlosung erfahren, welche die Mörder im Verlauf ihrer kurzen Leben erlitten.

Schließlich weicht der Zorn der Verzweiflung, um letztendlich die Stärke zu finden, eine Hand der Versöhnung zu den jungen Mördern auszustrecken, welche zu langen Gefängnisstrafen verurteilt wurden.

Der Film zeigt kurz Aufnahmen von Vertretern der französischen Massenmedien, versessen auf Interviews mit der Familie und darauf aus sind der Geschichte ihren eigenen sensationellen Dreh zu geben - wie es der Fall bei der jüngsten Berichterstattung über den Mord an dem jungen Mann Ilam Halimi war. Der Filmemacher Meyrou nutzt einen gänzlich anderen Ansatz. Ruhig und verständnisvoll zeichnet er den quälenden emotionalen Weg nach, den die Familie Chenu gegangen ist.

Eine Schwäche des Films ist, dass er darauf verzichtet, irgendeine Art von Kommentar zu dem französischen Gefängnissystem abzugeben. Am Ende des Films bleiben wir mit dem Eindruck zurück, dass der Gerechtigkeit Genüge getan wurde und es nun an den jungen Verurteilten liegt, das Beste aus dem französischen Gefängnissystem zu machen, um Vergebung zu erlangen. Jeder, der auch nur das geringste Wissen über das französische Gefängnissystem hat, weiß jedoch, dass dies eine ziemlich schwache Hoffnung ist.

# data[].attributes.attachment_link.title
Die Arbeit des Theaterregisseurs Robert Wilson und andere Dokumentarfilme

# data[].attributes.attachment_link.description
"Ich mache Theater, keine Sinndeutungen" - Wortwechsel zwischen Robert Wilson und der Filmregisseurin Katharina Otto-Bernstein. Absolute Wilson von Katharina Otto-Bernstein ist ein Dokumentarfilm über das Leben und Werk des amerikanischstämmigen Robert Wilson, einem der Produktivsten der derzeit auf dem europäischen Kontinent arbeitenden Theaterregisseure.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Die Schlafwandlerin in der Zypressenallee

von Wolfgang Behrens

Berlin, 12. April 2011. Nein, es muss nichts Falsches daran sein, wie Robert Wilson einen deutlich wiedererkennbaren Stil zu pflegen. Eine künstlerische Signatur zu haben. Eine Marke zu sein. Der einmal erarbeitete Stil - denn erarbeitet ist er, er wird niemandem geschenkt - stellt die Mittel bereit, mit denen sich ein Künstler seinen Stoff aufschließt. Der immer wieder aufs Neue erregende Vorgang ist dann, wie der Stil den gegebenen Stoff verändert oder wie der gegebene Stoff den Stil verändert. Aus der Reibung schlagen die Funken.

Heikel wird es nur, wenn der Stil sich am Stoff nicht mehr entzünden will und der Stoff nicht mehr am Stil. Wenn letzterer so sehr die Überhand gewinnt, dass er nicht mehr reagiert und auch nichts reagieren lässt. Dann droht das Lebendige, das einem jeden Stil innewohnen sollte, zur kalten Manier zu erstarren. Der Grat aber zwischen Stil und Manier ist ein verdammt schmaler - wer schon einige Robert Wilson-Abende erlebt hat, weiß das: Schon häufiger ist der Meister bedenklich in Richtung einer so bonbonfarben glitzernden wie nichtssagenden Design-Routine getaumelt.

Wider das Klischee des wilden Tiers

Und natürlich - alles Andere wäre eine Sensation gewesen - sind sie bei der Neuinszenierung der "Lulu" von Frank Wedekind am Berliner Ensemble alle wieder da, Wilsons gesammelte Manierismen: die wie ausgeschnitten im Gegenlicht stehenden Silhouettenkörper, die gleichsam in Einzelbilder zerlegten Gesten, die clownsweißen, aus dem Dunkel herausleuchtenden Gesichter, die leeren Bilderrahmen, die geometrisch sich formierenden Leuchtstoffröhren und die mickey-mousenden Geräusche: Tock-tock-tock (Schritte), Poch-poch (oha! es klopft!) und Pling (ein Zeigefinger sticht in die Luft). Man kann sich daran ärgern, da es oft so unendlich voraussehbar ist, oder man kann sich daran freuen, denn hübsch anzuschauen ist das ja. Und dann kann man nach knapp drei Stunden nach Hause gehen. Doch halt: Was ist nun mit dem Stoff? Was passiert mit "Lulu"?

Dass in Wilsons steriler, kaum eine Berührung zulassender Welt wenig Platz für schwüle Erotik und noch weniger für Sex ist, steht im Vorhinein fest. Insofern ist Wilsons grandios kalkulierte Fehlbesetzung der Lulu ein wirklicher Coup: Angela Winkler, die dem gängigen Altersschema der Lulu nun doch schon um einige Jährchen entrückt ist, will in so gar kein Klischee des "wilden, schönen Tiers" passen.

nachtkritik.de hat alles zum Theater. Damit das so bleibt, klicken Sie hier!

Sie zirpt, girrt und kichert sich auf eine seltsam kindliche Weise durch das Geschehen - was um sie ist, scheint sie nicht wirklich zu erreichen. Entsprechend spielt sie die Rolle weniger aus sich heraus als in sich hinein. Als wäre draußen alles leer.

Lulus letzter Traum

Und vielleicht ist es das wirklich. Denn Wilson stellt Lulus Tod in einem stummen Vorspiel an den Anfang, womit sich alles Folgende als ein in einzelne Erinnerungssplitter zerstiebendes Flashback lesen ließe: Lulus letzter Traum. Ihre zahlreichen Männer sind in diesem Traum Popanze, die irgendwie an sie heranzukommen suchen, um letztlich an ihrer schützenden Hülle der Unberührbarkeit abzuprallen. Wilson inszeniert das im Teil vor der Pause mit einer zeitlupenhaft ins Elegische verzerrten Komödienmechanik: Das Hin und Her, das Treppauf, Treppab der sich in ruckartiger Künstlichkeit spreizenden Männer interessiert ihn mehr als jede Psychologie.

Die Typenparade reicht da vom herrlich verschmitzt grimassierenden und schneidend präsenten Jürgen Holtz (als Lulus "Vater" Schigolch) über den so raubeinig wie lässig die Wilson-Posen ironisierenden Alexander Lang (als Dr. Schöning) bis zum albern, aber gekonnt herumgockelnden Georgios Tsivanoglou (als Artist Rodrigo Quast).

Surreale Schönheit

Nach der Pause aber macht Wilson ernst - mit einem Bild, dessen surreale, an René Magritte angelehnte Schönheit einen in all der sonstigen, sattsam bekannten Bühnenmöblierung völlig unvermittelt trifft (und Szenenapplaus einheimst): eine in die Bühnentiefe führende, in bläulichem Dämmer schimmernde Zypressenallee, zwischen deren Wipfeln Kronleuchter hängen.

Hier lässt Wilson den sonst durch seine so verwirrenden äußeren Vorgänge überbordenden Paris-Akt im Schnelldurchlauf und ganz nach innen gewendet spielen. Angela Winkler tippelt somnambul auf der Allee entlang und scheint sich nun endgültig in sich zu verlieren - ein großer Moment.

Wenn im Schlussbild dann zwischen Lulu und ihrem Mörder Jack the Ripper (Sabin Tambrea als eine Art Fledermausmann) im leuchtenden Schwarz der Londoner Dachkammer plötzlich Augenblicke von Zärtlichkeit und wirklicher Zugewandtheit entstehen, dann rundet sich Wilsons Inszenierung tatsächlich zu so etwas wie einer Deutung: Lulu, die wie eine Monade durchs Leben ging, öffnet sich erst im Tode.

Und im Hintergrund wabern Lou Reed-Klänge

Wie so oft, hat Wilson übrigens auch für "Lulu" die Zusammenarbeit mit einem prominenten Musiker gesucht. Der heißt diesmal Lou Reed, doch das Ergebnis ist über weite Strecken enttäuschend. Mit Ausnahme des ranschmeißerischen Mitwippliedes "Brandenburg Gate" sind alle Songs alt und zudem dramaturgisch recht unmotiviert über das Stück verteilt. Immerhin hört und sieht man den älteren Darstellern gerne dabei zu, wie sie ihre stimmlichen Defizite mit Persönlichkeit und Charme füllen (während bei den jüngeren eher ein glatter und langweilender Musical-Ton durchschlägt). In der Hauptsache freilich schafft die Musik den atmosphärisch wabernden oder kreischenden Hintergrund für die traumartigen Gesichte Wilsons, was immerhin funktioniert - wobei hier der Verdacht naheliegt, dass der Anteil der stark aufspielenden Combo um Stefan Rager größer ist als der Lou Reeds. Als publikumsträchtige Maßnahme mag der Name Lou Reed jedoch allemal tauglich sein.

Und? Hat es nun bei der Reibung zwischen dem Wilson-Stil und Wedekinds "Lulu" gefunkt? Ja, doch, einzelne Funken gab es. Auf jeden Fall aber hat es überhaupt eine Reibung gegeben. Und das ist auch schon was.

Lulu
von Frank Wedekind
Regie, Bühne, Lichtkonzept: Robert Wilson, Musik und Songs: Lou Reed, Kostüme: Jacques Reynaud, Mitarbeit Regie: Ann-Christin Rommen, Textfassung, Dramaturgie: Jutta Ferbers, Mitarbeit Bühne: Serge von Arx, Mitarbeit Kostüme: Yashi Tabassomi, Musikalische Leitung: Stefan Rager.
Mit: Angela Winkler, Anke Engelsmann, Jürgen Holtz, Georgios Tsivanoglou, Ulrich Brandhoff, Alexander Lang, Markus Gertken, Marko Schmidt, Alexander Ebeert, Boris Jacoby, Jörg Thieme, Sabin Tambrea, Ruth Glöss. Musiker: Stefan Rager, Ulrich Maiß, Dominic Bouffard, Friedrich Paravicini, Andreas Walter, Joe Bauer.

www.berliner-ensemble.de

Mehr zu Robert Wilson: wir besprachen auch die Shakespeare Sonette, die er im April 2009 und die Dreigroschenoper, die er im September 2007 jeweils am Berliner Ensemble inszeniert hat.

Kritikenrundschau

Eine "weichgespülte, nach zähem Ende angemessen bejubelte Wedekind-Verharmlosung" hat Manuel Brug gesehen, wie er in der Welt (14.4.2011) schreibt. "Nichts lebt hier mehr, alles ist garantiert keimfreie Großkünstlichkeit. Aus dem Bahnhof Friedrichstraße ins Berliner Ensemble einfallende Touristen könnten dieses possierlich quietschende und knarzende Design-Singspiel mit seinen augenaufreißenden Schauspielpuppen auch für die Bühnendependance von Madame Tussaud's halten: Doktor Bobs Wachfigurenkabinett mit lauter Theatertoten ohne Begräbnis." Nicht Angela Winkler, sondern Sabin Tambreas "tödliche Cherub" reiße "alle mit seinem rotzigen Song 'The View' aus dem formalinblassen Kunstwollen. Da hat einer den echten, dreckigen Rock im Blut und in der Stimme - und für ein paar Momente zieht hier raues Leben ein ins verharzte Ästhetikmuseum."

"Irritierend, befremdlich, fragmentiert fängt dieser Abend an - und findet nach der Pause dann zu berückender Konzentration", schreibt hingegen Barbara Villiger Heilig in der Neuen Zürcher Zeitung (14.4.2011). "Die ganze Dramaturgie entspricht einem Traum mit mehreren Sequenzen, ohne durchgehende narrative Struktur und ohne Psychologie oder Logik." Winklers alters- und geschlechtsloser Lulu kann sie durchaus etwas abgewinnen: "Aus dem Leben gefallen, wird sie selbst zum vampirartigen Faszinosum der 'Monstretragödie'". Doch am besten sei das lackschwarze Schlussbild: "Hinten warten Männer, einer nach dem andern gelangt an Lulu, zuletzt Jack: Sabin Tambrea, Kapuzenjacke und Glitterjeans, fordert als Strichjunge auf zum letzten Tanz. Im Tod aber flackert das Leben auf: Die Inszenierung wächst, als Serie von Rückblicken, mit Crescendo diesem Moment entgegen."

Lulu sei hier "altes Kind und seelenlose Jungfrau, eher ein Geschöpf E.T.A. Hoffmanns als Frank Wedekinds", beobachtet Esther Slevogt in der tageszeitung (14.4.2011). Auch diesmal gebe es die üblichen Wilson-Posen und -Stimmungen, deren man gelegentlich etwas überdrüssig werde. "Aus der Unlust an dieser geballten Oberflächenvirtuosität wird man aber immer wieder herausgerissen." Durch einen Schauspieler wie Georgios Tsivanoglou beispielsweise, der als Rodrigo Quast eine atemberaubend selbstironische Performance des alten Velvet-Underground-Titels "I'm just a Gift to the Women of this World" abliefere. Oder durch Jürgen Holtz als Lulu-Vater Schigolch, "dem die Verwesung bereits ins Gesicht geschrieben ist, als er für ein letztes Schwelgen mit Lulu den quadratischen Quast formvollendet meuchelt."

"Das Wilson-Theater will ja ein zeigendes, kein deutendes Theater sein", schreibt Dirk Pilz in der Berliner Zeitung (14.4., in Kurzform auch in der Frankfurter Rundschau). "Es schüttet über die unterschiedlichsten Stoffe den immer selben Zeichenstaub aus. Manchmal wirkt es, als werde das Stück eingepudert, das war zuletzt mit 'Shakespeares Sonette' am BE so, das ist auch jetzt wieder so." Für seinen Totentanz und Todesschattenspiel habe Wilson eine Altmeisterbesetzung gefunden: "Lulu und die Ihren sind hier nicht mit Erotik und Gier aufgeladen, sondern mit Erinnerungen an die Erotik des Vergangenen, auch des Vergehens vielleicht. Das ist die überzeugendste Pointe des Abends, zumal diese Schauspieler der Wilsonschen Zeichenproduktionsmaschinerie Sand ins Getriebe streuen." So schnurre die Tragödie dahin, "immer gefahr-, weil reibungslos, dafür aber durchweg familienkompatibel. Aus 'Lulu', dem garstigen, sozialkritisch interessierten Niedergangsdrama, wird 'Lulu', ein an allen sozialkritischen Garstigkeiten vorbeiplätscherndes Kunst-Etwas. 'Lulu', eine Lala-Tragödie."

"Wie ein blitzblank poliertes, museales Artefakt" fühle sich diese "Lulu" an, findet Rüdiger Schaper im Berliner Tagesspiegel (14.4.2011). Von der idealen Form, die Wilson in jeder seiner Produktionen anstrebe, sei er hier allerdings weit entfernt. "Nichts bewegt sich in der 'Lulu', die Bilder gefrieren. Zaubertricks verdampfen. Und wenn Angela Winkler dann doch das unschuldige Mädchen spielt, mit glockenheller Stimme und kokettem Augenaufschlag, ist es eben nur eine Groteske."

"Lulu" sei "ein besonders schönes Schmuckstück im Wilson-Stil", meint Peter Lauterbach in der Süddeutschen Zeitung (14.4.2011). "Wilson gelingen immer noch einige betörende Bilder, etwa wenn zu Beginn des zweiten Teils Angela Winkler wie eine Traumwandlerin in Slowmotion durch eine Zypressenallee geht, über der, warum auch nicht, Kronleuchter funkeln." Als problematisch hingegen empfindet Lauterbach die Musik, die sich über weite Strecken "in einer Mischung aus ziellosen Progrock-Gedudel und mit E-Gitarre aufgemotzter Zirkusmucke" verliere. Nicht nur Wilsons einst radikales Theater, auch Reeds Musik werde so "einer Restästhetik-Verwertung zugeführt, die die Grenzen zur unfreiwilligen Komik mehr als nur streift."

"Unter ihrer blankpolierten Oberfläche herrsche recht eigentlich höchstens apart gestaltete Leere", schreibt Irene Bazinger in der Frankfurter Allgemeinen Zeitung (14.4.2011) über Wilsons Ästhetik im Allgemeinen, um dann im raunenden Imperfekt auf seine "Lulu" zu kommen: "Das tadellos einstudierte Ensemble spielt keine Figuren, sondern zappelt in einer so hübschen wie beliebigen Choreographie nonverbaler Chiffren. Diese Marionetten waren weiß geschminkt, trugen geschmackvolle Kostüme, hatten wenig Text und grinsten - deswegen oder trotzdem - häufig sehr breit." Immerhin la Winkler hat ihr gefallen: "Wie in einem leichten, wundersamen Traum schwebte Angela Winkler durch diese Inszenierung, der sie ein urwüchsiges, herb-süßes Zentrum gab. Mit über sechzig Jahren ist ihre Lulu für diese Rolle zwar beträchtlich älter als zu erwarten, doch im Zeichensystem des Robert Wilson eine schillernde, bestens eingefügte Größe." Um abschließend noch einmal zu bescheiden: "In diesem Designtheaterkosmos aber sind alle gleich, auch wenn niemand weiß, warum und wozu. Gegen derlei stets sauber und niedlich herausgeputzte l'art pour l'art haben freilich weder Frank Wedekind noch seine 'Lulu' eine Chance, wirklich wahrgenommen zu werden."

# data[].attributes.attachment_link.title
Lulu - Robert Wilson inszeniert Wedekind am Berliner Ensemble mit Angela Winkler in der Hauptrolle und schlägt einige Funken aus dem Stoff

# data[].attributes.attachment_link.description
Die Schlafwandlerin in der Zypressenallee von Wolfgang Behrens Berlin, 12. April 2011. Nein, es muss nichts Falsches daran sein, wie Robert Wilson einen deutlich wiedererkennbaren Stil zu pflegen. Eine künstlerische Signatur zu haben. Eine Marke zu sein. Der einmal erarbeitete Stil - denn erarbeitet ist er, er wird niemandem geschenkt - stellt die Mittel bereit, mit denen sich ein Künstler seinen Stoff aufschließt.

# data[].attributes.body
Minute 3:40

# data[].attributes.attachment_link.title
Bob Wilsons Interpretation von Shakespeares Sonnetten (2)

# data[].attributes.attachment_link.description
16-giu-2012 - Bob Wilsons Inszenierungen von Shakespeares Sonnetten sind zwar granatenmäßig krank, aber grade deshalb auch schon wieder irgendwie gut. Man könnte meinen, e...

# data[].attributes.body
Maske und schminke betont die Miemik + muss nicht vorbereitet werden (entlasstet die Kunst)

# data[].attributes.attachment_link.title
LULU - Robert Wilson / Lou Reed / Berliner Ensemble

# data[].attributes.body
00:08:19

# data[].attributes.attachment_link.title
LULU - l'espressionismo secondo Bob Wilson

# data[].attributes.attachment_link.title
BLACK RIDER - Robert Wilson - Thalia Theater - Wiener Festwochen

# data[].attributes.body
Wir haben so viele Möglichkeiten und entlassten die Kunst

# data[].attributes.attachment_link.title
ГемлетМашина - Роберт Уилсон 1986 | Die Hamletmaschine - Robert Wilson 1986

# data[].attributes.body
Die Bildschirme mit den Zeitcountdown finde ich sehr passend, wenn man Stress produziern möchte. Intressant wäre es auch dabei, eine Entschleunigung zu erzeugen. Sei es bspw. eine "falsche" Zeit, die zu langsam oder zu schnell vergeht.

# data[].attributes.attachment_link.description
A selection of recent openings, revivals and productions on tour or in repertoire, sorted in alphabetical order (English titles).

# data[].attributes.attachment_link.description
An ever-expanding selection of Robert Wilson's past theatrical productions (English titles in alphabetical order).

# data[].attributes.attachment_link.description
A selection of Robert Wilson’s most influential and renowned theatrical productions.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The following list only contains the opening dates and locations of the first opening of each piece. Revivals are not included, except the notable revivals of Einstein on the Beach and of works that changed considerably, e.g. by recasting the lead role (e.g. Orlando) or were revived in other language versions (e.g. The Lady from the Sea). If not noted otherwise, the Direction, Set and Lighting Design are by Robert Wilson.

2021

2020

2019

2018

2017

2016

2015

Letter to a Man by Christian Dumais-Lvowski, based on the Diaries by Vaslav Nijinsky. Darryl Pinckney (Dramaturgy); Hal Willner (Music); Jacques Reynaud (Costumes). Caio Melisso Theater, Festival dei 2Mondi, Spoleto, Italy, July 8, 2015.

2014

2013

Monsters of Grace II, live radio-play by Robert Wilson. Iris Drögekamp, Peter Liermann (Dramaturgy); Dom Bouffard, Adam Lenz (Music). ARD Hörspieltage Festival at ZKM Center for Arts and Media, Karlsruhe, Germany, November 9, 2013.

2012

Dom Pérignon, staged by Robert Wilson. Alexandre Desplat (Music). Performed by Lang Lang (Piano), Christopher Knowles and Watermill Center residents (Dance). Event commemorating Dom Pérignon champagnes Vintage 2003, Rosé 2000, and Oenotheque 1996 at the Chapelle Royale Versailles, France, September 10, 2012.

2011

2010

The Makropulos Case [Věc Makropulos] by Karl Čapek. Aleš Březina (Music); Jacques Reynaud (Costumes). Narodni Divadlo, Prague, Czech Republic, November 18, 2010.

2009

KOOL-Dancing in my mind. A tribute to Suzushi Hanayagi. David Byrne, Johann Sebastian Bach, Ishmael Reed (Music); Suzushi Hanayagi, Carla Blank, Jonah Bokaer, Illenk Gentille (Choreography); Carlos Soto (Costumes); Richard Rutkowski (Video). Guggenheim Museum, New York, NY, April 17, 2009.

2008

2007

RUMI - in the Blink of the Eye by Robert Wilson and Kudsi Erguner, based on a poem by Mewlana Djalal-od-Din-Rumi. Kudsi Erguner (Music); Peter Cerone (Sound Design); Yashi (Costumes). Attiki Cultural Society's Spring Theater Festival, Pallas Theater, Athens, Greece, May 28, 2007.

2006

Quartet [Quartett] by Heiner Müller [French version]. Based on Les Liaisons Dangereuses by Choderlos de Laclos. Michael Galasso (Music); Frida Parmeggiani (Costumes). Odéon Théâtre de l'Europe, Paris, France, September 28, 2006.

Expectation [Erwartung] by Arnold Schoenberg [revival] & 'Murder Scene' from Deafman Glance by Robert Wilson. Moidele Bickel (Costumes). Performed by Anja Silja ('Murder Scene' by Anja Silja and Robert Wilson). Berlin State Opera, Berlin, Germany, September 2, 2006.

2005

2004

The Black Rider : The Casting of the Magic Bulletsby Robert Wilson, Tom Waits and William S. Burroughs. Based on Der Freischütz by August Apel and Friedrich Laun, and on The Fatal Marksman by Thomas de Quincey [English version]. Frida Parmeggiani (Costumes). Barbican Centre, London, UK, May 17, 2004.

I La Galigo, inspired by the Bugis epic poem Sureq Galigo. Rahayu Supanggah (Music); Rhoda Grauer (Adaptation); Joachim Herzog (Costumes). Esplanade Theatres on the Bay, Singapore, March 12, 2004.

2003

The Woman without a Shadow [Die Frau ohne Schatten] by Richard Strauss. Paris National Opera / Opéra Bastille, Paris, France, December 9, 2003.

The Temptation of St. Anthony based on Gustave Flaubert. Bernice Johnson Reagon (Music and Lyrics); Wolfgang Wiens (Adaptation). Ruhrtriennale Festival at Gebläsehalle, Duisburg, Germany, June 20, 2003.

2002

White Town, an homage to Arne Jacobsen, commissioned by the Kulturbro Biennial Copenhagen. Bellevue Teatret, Copenhagen, Denmark, October 24, 2002.

The Ring of the Nibelung : Twilight of the Gods [Der Ring des Nibelungen : Götterdämmerung] by Richard Wagner. Frida Parmeggiani (Costumes); Franz Welser-Möst (Musical Direction). Opernhaus Zürich, Zurich, Switzerland, May 20, 2002.

Destiny [Osud] by Leoš Janáček. Jacques Reynaud (Costumes); Jiří Bělohlávek (Musical Direction). National Theater Prague, Czech Republic, April 19, 2002.

Doctor Caligari by Robert Wilson, based on the film Das Kabinett des Dr. Caligari by Carl Mayer, Hans Janowitz and Robert Wiene. Michael Galasso (Music); Jacques Reynaud (Costumes). Deutsches Theater, Berlin, Germany, March 26, 2002.

Aida by Giuseppe Verdi. Jacques Reynaud (Costumes); Antonio Pappano (Musical Direction). Royal Theatre of the Mint (Théâtre Royal de la Monnaie / Koninklijke Muntschouwburg), Brussels, Belgium, January 30, 2002.

2001

The Ring of the Nibelung : Siegfried [Der Ring des Nibelungen : Siegfried] by Richard Wagner. Frida Parmeggiani (Costumes); Franz Welser-Möst (Musical Direction). Opernhaus Zürich, Zurich, Switzerland, November 18, 2001.

Winter Journey [Winterreise] by Franz Schubert. Yves Saint-Laurent (Costumes). Performed by Jessye Norman and Mark Markham. Théâtre du Châtelet, Paris, France, September 24, 2001.

The Ring of the Nibelung : The Valkyrie [Der Ring des Nibelungen : Die Walküre] by Richard Wagner. Frida Parmeggiani (Costumes); Franz Welser-Möst (Musical Direction). Opernhaus Zürich, Zurich, Switzerland, May 27, 2001.

Prometheus by Robert Wilson. Iannis Xenakis (Music); Franca Squarciapino (Costumes); Peter Cerone (Video); Alexandros Myrat (Musical Direction). Athens Concert Hall (Cultural Olympics 2001-2004), Athens, Greece, January 27, 2001.

2000

The Ring of the Nibelung : The Rhine Gold [Der Ring des Nibelungen : Das Rheingold] by Richard Wagner. Frida Parmeggiani (Costumes); Franz Welser-Möst (Musical Direction). Opernhaus Zürich, Zurich, Switzerland, October 8, 2000.

Relative Light by Robert Wilson. Johann Sebastian Bach, John Cage (Music); Christophe de Menil (Costumes). Claustro de la Universidad de Valencia (Institut Valencià de la Música), Valencia, Spain, July 11, 2000.

Hot Water by Robert Wilson. Susanne Raschig, Dorothée Uhrmacher (Costumes); Chris Kondek (Video); Christophe Martin (Stage Architecture). Performed by BARTO. Singapore Arts Festival, Singapore, June 14, 2000.

1999

Orpheus and Eurydice [Orphée et Euridice] by Christoph Willibald Gluck. Frida Parmeggiani (Costumes); Sir John Eliot Gardiner (Musical Direction). Théâtre du Châtelet, Paris, France, October 8, 1999.

THE DAYS BEFORE : death, destruction and detroit III by Robert Wilson. Umberto Eco, Christopher Knowles (Texts); Ryuichi Sakamoto (Music); Jacques Reynaud (Costumes). Lincoln Center Festival at New York State Theater, New York City, NY, July 7, 1999.

Scourge of Hyacinths by Tania León (Music) and Wole Soyinka (Text). Susanne Raschig (Costumes). Salle Théodore Turrettini, Bâtiment des Forces Motrices, Geneva, Switzerland, January 17, 1999.

1998

1997

Saints and Singing by Robert Wilson and Hans Peter Kuhn, after Gertrude Stein. Gertrude Stein (Text); Hans Peter Kuhn (Music); Hans Thiemann (Costumes). Hebbel Theater, Berlin, Germany, November 4, 1997.

Prometheus : A Tragedy of Listening [Prometeo : Tragedia dell'ascolto] by Luigi Nono (Music) and Massimo Cacciari (Text). André Richard (Sound Environment), Stefan Hageneier (Costumes). Halles de Schaerbeek / Festival Ars Musica, produced by La Monnaie), Brussels, Belgium, March 4, 1997.

1996

Oedipus Rex by Igor Stravinsky, with a Silent Prologue by Robert Wilson. Igor Stravinsky (Music); Jean Cocteau (Text). Théâtre du Châtelet, Paris, France, November 12, 1996.

G.A. Story : Giorgio Armani: His Story, His Fashion [la sua storia, la sua moda] by Robert Wilson. Stazione Leopolda, Florence, Italy, June 21, 1996.

Time Rocker by Robert Wilson, Darryl Pinckney (Text) and Lou Reed (Music and Lyrics). Thalia Theater, Hamburg, Germany, June 12, 1996.

The Malady of Death [La Maladie de la mort] by Marguerite Duras. Hans Peter Kuhn (Music); Frida Parmeggiani (Costumes). Performed by Lucinda Childs and Michel Piccoli. Théâtre Vidy-Lausanne, Lausanne, Switzerland, May 7, 1996.

Four Saints in Three Acts by Virgil Thomson (Music) and Gertrude Stein (Text). Francesco Clemente (Costumes); Jennifer Tipton (Lighting). Brown Theater / Houston Grand Opera, Houston, TX, January 26, 1996.

1995

Snow on the Mesa (dance piece). Paul Schmidt (Text); Donna Karan (Costumes). Performed by the Martha Graham Dance Company. Eisenhower Theater / Kennedy Center, Washington, DC, November 2, 1995.

Persephone. Homer, Brad Gooch, Maita di Niscemi (Texts); Gioachino Rossini, Philip Glass (Music); Christophe de Menil (Costumes). Ancient Stadium of Delphi (International Meeting of Ancient Greek Drama, Theatre Olympics), Delphi, Greece, August 27, 1995.

Bluebeard's Castle [A kékszakállú herceg vára] by Bela Bartók & Expectation [Erwartung] by Arnold Schoenberg. Large Festival Hall (Salzburger Festspiele), Salzburg, Austria, August 24, 1995.

1994

1993

Alice in Bed by Susan Sontag. Hans Peter Kuhn (Music). Hebbel Theater, Berlin, Germany, September 15, 1993.

1992

Alice by Robert Wilson, Paul Schmidt (Text), Tom Waits and Kathleen Brennan (Music and Lyrics). Based on Alice in Wonderland by Lewis Carroll. Thalia Theater, Hamburg, Germany, December 19, 1992.

Danton's Death [Dantons Tod] by Georg Büchner [English version]. Robert Auletta (Translation); Frida Parmeggiani (Costumes). Alley Theatre, Houston, TX, October 27, 1992.

Don Juan Último by Vicente Molina Foix. Mariano Díaz (Music); Frida Parmeggiani (Costumes). Teatro María Guerrero (Festival de Otoño), Madrid, Spain, September 26, 1992.

1991

1990

What Room : A Play for 3 Minutes by Robert Wilson. Loeb Drama Center (American Repertory Theatre), Cambridge, MA, May 1990.

King Lear by William Shakespeare. Bockenheimer Depot (Schauspielhaus Frankfurt), Frankfurt, Germany, May 26, 1990.

The Black Rider : The Casting of the Magic Bulletsby Robert Wilson, Tom Waits and William S. Burroughs. Based on Der Freischütz by August Apel and Friedrich Laun, and on The Fatal Marksman by Thomas de Quincey. Frida Parmeggiani (Costumes). Thalia Theater, Hamburg, Germany, March 31, 1990.

1989

Swan Song [Лебединая песнь] by Anton Chekhov. Münchner Kammerspiele, Munich, Germany, December 20, 1989.

The Night before the Day [La Nuit d'Avant le Jour]. (Inauguration of the Opéra Bastille, in commemoration of the French bicentennial). Musical selections by Gounod, Meyerbeer, Massenet, Gluck, Saint-Saens, Bizet, and Berlioz. Paris National Opera, Paris, France, July 13, 1989.

Matter [De Materie] by Louis Andriessen [World Premiere]. Het Muziektheater (Netherlands Opera), Amsterdam, Netherlands, June 1, 1989.

1988

Quartet [Quartett] by Heiner Müller [US version]. Based on Les Liaisons Dangereuses by Choderlos de Laclos. Martin Pearlman (Music). Loeb Drama Center (American Repertory Theater), Cambridge, MA, February 10, 1988.

The Martyrdom of Saint Sebastian [Le Martyre de Saint Sébastien] by Gabriele d'Annunzio (Text) and Claude Debussy (Incidental Music). Robert Wilson, Suzushi Hanayagi (Choreography). MC 93 Bobigny (Théâtre National, Opéra de Paris), Paris, France, March 28, 1988.

Cosmopolitan Greetings. Allen Ginsberg (Text); Rolf Liebermann, George Gruntz (Music). Kampnagelfabrik (Hamburg State Opera), Hamburg, Germany, June 11, 1988.

The Forest. Heiner Müller, Darryl Pinckney (Text), David Byrne (Music). Theater der Freien Volksbühne, Berlin, Germany, October 18, 1988.

1987

Salome by Richard Strauss. Gianni Versace (Costumes). Teatro alla Scala, Milan, Italy, January 11, 1987.

Death, Destruction, and Detroit II by Robert Wilson. Franz Kafka, Heiner Müller, Robert Wilson, Maita di Niscemi, Cynthia Lubar (Texts); Suzushi Hanayagi (Choreography); Hans Peter Kuhn (Music/Sound). Schaubühne am Lehniner Platz, Berlin, Germany, February 27, 1987.

Alcestis by Euripides [German version]. Friederieke Roth, Ann-Christin Rommen (Translation); Suzushi Hanayagi (Choreography). Theater der Welt Festival, Staatstheater Stuttgart, Germany, April 16, 1987.

Quartet [Quartett] by Heiner Müller. Based on Les Liaisons Dangereuses by Choderlos de Laclos. Christoph Eschenbach (Music). Schlosstheater Ludwigsburg (Theater der Welt Festival Stuttgart), Ludwigsburg, Germany, June 18, 1987.

Parzival : On the Other Side of the Lake [Parzival : Auf der anderen Seite des Sees] by Robert Wilson and Tankred Dorst. Tankred Dorst, Christopher Knowles (Texts); Tassilo Jelde (Music). Thalia Theater, Hamburg, Germany, September 11, 1987.

1986

Alceste by Christoph Willibald Gluck. Suzushi Hanayagi (Choreography). Württembergisches Staatstheater, Stuttgart, Germany, December 5, 1986.

Alcestis by Euripides. Robert Wilson (Adaptation); Dudley Fitts, Robert Fitzgerald (Translation); Heiner Müller (Add'l. Texts); Hans Peter Kuhn, Laurie Anderson (Music); Suzushi Hanayagi (Choreography). Loeb Drama Center (American Repertory Theater), Cambridge, MA, March 12, 1986.

1985

1984

Medea by Robert Wilson and Gavin Bryars. Based on the play by Euripides. Gavin Bryars (Music); Heiner Müller, Vladimir Mayakovsky (Add'l. Texts). Opéra de Lyon, France, October 23, 1984.

Medea [Médée] by Marc-Antoine Charpentier. Opéra de Lyon, France, October 22, 1984.

the CIVIL warS : a tree is best measured when it is down [Marseille Workshop (Act II, Scenes A & B; Act III, Scenes A & B)]. Etel Adnan (Text); music by Gavin Bryars. La Sainte Baume, Marseille, France, February 13, 1984.

the CIVIL warS : a tree is best measured when it is down [Tokyo Workshop (Act I, Scene C; Act II, Scene C; Act III, Scenes C & D)]. Tokyo, Japan, February 10, 1984.

the CIVIL warS : a tree is best measured when it is down [Rome Section (Prologue and Act V)] by Robert Wilson and Philip Glass. Philip Glass (Music); Maita di Niscemi (Text); Jim Self (Choreography); Christophe de Menil (Costumes). Teatro dell' Opera, Rome, Italy, March 25, 1984.

the CIVIL warS : a tree is best measured when it is down [Cologne Section (Act I, Scene A; Act III, Scene E; Act IV, Scene A and Epilogue)] by Robert Wilson and Heiner Müller. Philip Glass, David Byrne, Hans Peter Kuhn, Frederick the Great, Thomas Tallis, Franz Schubert (Music). Schauspielhaus, Cologne, Germany, January 19, 1984.

1983

the CIVIL warS : a tree is best measured when it is down [Rotterdam Section (Act I, Scene B)] by Robert Wilson. Nicolas Economou (Music); Jim Self (Choreography); Christophe de Menil (Costumes); Maita di Niscemi (Add'l. Texts). Schouwburg Theater, Rotterdam, Netherlands, September 6, 1983.

1982

Great Day in the Morning by Robert Wilson and Jessye Norman. Jessye Norman and Charles Lloyd, Jr. (Music arr.). Théâtre des Champs-Elysées, Paris, France, October 12, 1982.

the CIVIL warS : a tree is best measured when it is down [second workshop "final review"]. Freiburg im Breisgau, Germany, June 26, 1982.

The Golden Windows [Die Goldenen Fenster] by Robert Wilson. Tania Léon, Gavin Bryars, Johann Pepusch (Music). Münchner Kammerspiele, Munich, Germany, May 29, 1982.

1981

1980

1979

Edison by Robert Wilson. Maita de Niscemi (Add'l. Text); Michael Riesman and others (Music). Lion Theater, New York City, June 19-24 (preview). Théâtre National Populaire, Villeurbanne, France, October 9, 1979.

1978

Prologue to Deafman Glance by Robert Wilson. Manhattanville College, Purchase, NY, July 12, 1978.

1977

DiaLog/Network by Christopher Knowles and Robert Wilson. Christopher Knowles (Text). Spazio Teatro Sperimentale, Florence, Italy, October 15, 1977.

1976

reconfirmation of reservations [Robert Wilson solo]. Salone Pier Lombardo, Milan, June 7-10. Teatro Comunale, Brescia, Italy, June 25, 1976.

Bob Wilson Solo [including excerpts from Deafman Glance, A Letter for Queen Victoria, and The King of Spain]. Salle Vilar, Maison de la Culture de Rennes, France, October 28.

DiaLog [3] by Robert Wilson and Christopher Knowles. Performed by Robert Wilson, Christopher Knowles, and Lucinda Childs. Whitney Museum, New York City, NY, February 19, 1976.

1975

1974

DiaLog/A Mad Man A Mad Giant A Mad Dog A Mad Urge A Mad Face by Robert Wilson and Christopher Knowles. Performed by Robert Wilson, Christopher Knowles, and others. Villa Borghese (Contemporanea festival), Rome, Italy, March 3, 1974.

1973

King Lyre and Lady in the Wasteland. Performed by Robert Wilson and Elaine Luthy. 147 Spring Street (Byrd Hoffman Foundation), New York City, NY, May 12, 1973.

The Byrd Hoffman School of Byrds Spring Student Concerts. Included: Solos; Macrame Trio; Ramona's Engagemet [sic] Ring, by Jessie Dunn Gilbert; Lullabye, by Minda Novek; The Cradle Song, by Hope Kondrat; Orange Airplane, by Alan Lloyd; Memories, by Sue Sheehy; Reading, by Pontease Tyak; Solo Pablo Rimbaud; and Reception Play. Unknown location [probably 147 Spring St., New York City, NY], May 7, 1973.

Workshop/Performance. Performed by Robert Wilson and Byrd Hoffman School of Byrds. Naropa Institute, Boulder, CO, 1973.

1972

Overture [Paris (Overture for KA MOUNTAIN AND GUARDenia TERRACE)]. Robert Wilson, Melvin Andringa, Kathryn Kean, Kikuo Saito, Ann Wilson and others (Design); Igor Demjen (Music/Sound). Performed by Robert Wilson and the Byrd Hoffman School of Byrds. Musée Galliéra (Festival d'Automne and Théâtre des Nations), Paris, France, November 6-11, 1972 (six-day exhibit with occasional performances). - Opéra Comique (Festival d'Automne and Théâtre des Nations), Paris, France, November 12, 1972 [entitled CYNDI. Robert Wilson (Dir.); Robert Wilson, Cynthia Lubar and Ann Wilson (Texts); Igor Demjen (Music/Sound); Andrew de Groat (Chor.); Robert Wilson, Paul Thek (Set). Continuous 24-hour performance].

1971

[Demonstration/Lecture/Press Conference]. Performed by Robert Wilson. Atelje 212 (BITEF Festival), Belgrade, Yugoslavia, September 14, 1971.

Program Prologue Now: Overture for a Deafman by Robert Wilson. Espace Pierre Cardin, Théâtre des Ambassadeurs, Paris, France, June 8, 1971.

Watermill [performance/demonstration]. Melvin Andringa, Igor Demjen, Alan Lloyd, and Pierre Ruiz (Music/Sound). Performed by Robert Wilson, Andrew de Groat, Cynthia Lubar, and others. Morristown Unitarian Fellowship, NJ, March 16, 1971.

1970

Handbill by Robert Wilson. Kenneth King (Text); Alan Lloyd and Julie Weber (Music). Performed by Robert Wilson and others. New Museum (University Center for New Performing Arts), Iowa City, IA, November 13, 1970.

George School Activity [lecture/demonstration]. Conducted/performed by Robert Wilson. George School, New Hope, PA, Spring 1970.

1969

Hauco - 1941 [performance/lecture/demonstration]. Performed by Robert Wilson and the Byrd Hoffman School of Byrds. New Providence High School, NJ, March 29, 1969.

1968

Alley Cats [duet performed in Meredith Monk's Co-op]. Performed by Robert Wilson and Meredith Monk. Loeb Student Center, New York University, New York City, NY, November 3, 1968.

Theatre Activity [1]. Performed by Robert Wilson, Andrew de Groat, Kenneth King, and others. Bleecker Street Cinema, New York City, NY, March 7, 1968.

Theater Activity [2]. Including texts written and recorded by Buckminster Fuller. Performed by Robert Wilson, Devora Bornir, Kenneth King, and Hope Kondrat. American Theatre Laboratory, New York City, NY, April 19, 1968.

1967

1966

Clorox and Opus 2 [dances]. Pratt Institute (Spring Recital of Dance Workshop), New York City, NY, April 29, 1966.

1965

[Silent Play]. Performed by Robert Wilson and others. San Antonio, Texas, Summer 1965.

Modern Dance (four dances) by Robert Wilson. Performed by the "Ideas in Motion" youth theater program. Waco Civic Auditorium, Waco, Texas, July 29, 1965.

America Hurrah by Jean-Claude van Itallie. Michael Kahn (Dir.); Robert Wilson (Set). Cafe La Mama E.T.C., New York City, NY, April 28, 1965.

1964

Landscapes by Murray Louis. Decor by Robert Wilson. Henry Street Settlement House (Murray Louis and Co.), New York City, NY, November 20, 1964.

Junk Dances by Murray Louis. Decor by Robert Wilson. Henry Street Settlement House (Murray Louis and Co.), New York City, NY, November 27, 1964.

[Dance Event at New York World's Fair]. New York State Pavillion, New York City, NY, ca. September 1964-June 1965.

[Dance Pieces at Peerless Movie House]. New York City, NY, ca. 1964 (dates unknown).

# data[].attributes.attachment_link.title
Chronology Performing Arts - Robert Wilson

# data[].attributes.attachment_link.description
The following list only contains the opening dates and locations of the first opening of each piece. Revivals are not included, except the notable revivals of Einstein on the Beach and of works that changed considerably, e.g. by recasting the lead role (e.g. Orlando) or were revived in other language versions (e.g.