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Documentaire sur le film (53 min) - sur Arte : "Alien", terreur sur grand écran|

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Documentaire sur le film (53 min) - sur Arte : "Alien", terreur sur grand écran|

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“Alien”, terreur sur grand écran en replay

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À la fin des années 1970, encouragée par le succès des Dents de la mer et de La guerre des étoiles, 20th Century Fox produit Alien, le huitième passager. La…

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ALIEN - Analyse du film par Lauriane Lagarde

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LYCÉENS ET APPRENTIS AU CINÉMA en Bretagne
Analyse du film par Lauriane Lagarde, réalisatrice

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Captation de la formation : intervention de Amélie Dubois

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Captation de la formation : intervention de Amélie Dubois

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Captation sonore illustrée, enregistrée au cinéma du TNB en octobre 2024.

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FORMATION - ATLANTIQUE par Amélie Dubois

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LYCÉENS ET APPRENTIS AU CINÉMA en Bretagne
Captation sonore de la formation / montage des extraits par Martin Gerlot -  Octobre 2024 - Rennes - Cinéma du TNB

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Captation de la formation : intervention de Erwan Cadoret

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Captation de la formation : intervention de Erwan Cadoret

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Captation sonore illustrée, enregistrée au cinéma du TNB en octobre 2024.

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FORMATION - REVOIR PARIS - par Erwan Cadoret

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LYCÉENS ET APPRENTIS AU CINÉMA en Bretagne
Captation sonore de la formation / montage des extraits par Martin Gerlot -  Octobre 2024 - Rennes - Cinéma du TNB

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Golden Eighties (1985, Chantal Akerman) - jusqu'au 24/04/2025

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Golden Eighties (1985, Chantal Akerman) - jusqu'au 24/04/2025

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Golden Eighties - Regarder le film complet | ARTE

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Chantal Akerman met en chansons les chassés-croisés amoureux d’une poignée de personnages dans le huis clos d’une galerie marchande. Avec une distribution de choix (Delphine Seyrig, Lio, Charles Denner...), une comédie musicale pétillante, dont l’apparente joie polychrome est teintée de mélancolie.

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Lien pour voir le film en ligne (jusqu'au 23/12/2024)

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Lien pour voir le film en ligne (jusqu'au 23/12/2024)

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Une bande d’amis et leurs enfants passent ensemble une partie de leurs étés en Bretagne. Mais cette année, ils vont se retrouver coincés par la marée.

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Montage réalisé par Jeanne Delafosse dans le cadre de Lycéens et apprentis au cinéma en Bretagne 2024/2025.

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FORMATION - LA LA LAND - Le jeu des citations (alternance d'extraits de La la land + extraits d'autres films cités)

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LYCÉENS ET APPRENTIS AU CINÉMA EN BRETAGNE
Montage réalisé par Jeanne Delafosse dans le cadre de Lycéens et apprentis au cinéma en Bretagne 2024-2025.

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Télécharger le diaporama et l'extrait sonore de l'intervention d'Anne-Sophie Lepicard

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Télécharger le diaporama et l'extrait sonore de l'intervention d'Anne-Sophie Lepicard

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Le diaporama

Un extrait sonore utilisable avec les élèves pour préparer la séance et réfléchir à des hypothèses sur les films du programme

Vous retrouvez plusieurs films dont des extraits sont à l'intérieur du diaporama sur le Padlet ci-dessous

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Fatima Al Qadiri, plasticienne et compositrice du film "Atlantique"

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Fatima Al Qadiri, plasticienne et compositrice du film "Atlantique"

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Fatima Al Qadiri, plasticienne et compositrice du film “Atlantique” : “Il n’y a pas de frontière entre les arts”

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Rencontre avec l’artiste plasticienne conceptuelle et musicienne Fatima Al Qadiri, compositrice de la musique d’“Atlantique” qui vient de sortir sur les écrans.

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Fatima Al Qadiri parle de la BO magnétique d’Atlantique

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Fatima Al Qadiri parle de la BO magnétique d’Atlantique

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Fatima Al Qadiri parle de la BO magnétique d’Atlantique

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Grand prix à Cannes, Atlantique, le premier film de Mati Diop est un conte à la lisière du surnaturel et de la chronique sociale, à travers lequel la cinéaste dresse le portrait d’une jeune Darakoise à la recherche de son amant, disparu subitement en mer. Pour donner une partition à ce récit d’exil magnétique, la réalisatrice a fait appel à la compositrice de

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Objectif

Observer les effets liés à l'utilisation du surcadrage dans un cadre classique.

Matériel nécessaire
- matériel dessin (feuilles, feutres, crayons de couleur...),
- appareil photo numérique.

Le cadre est donc le bord extérieur qui délimite ce que l'artiste désire mettre dans son œuvre.
Dans certain cas, l'artiste utilise les lignes droites et perpendiculaires pour créer un certain nombre de cadres, plus petits, à l'intérieur du cadre initial. On appelle cet effet le " surcadrage ".
Pour essayer de le faire comprendre aux élèves, on étudiera le tableau de Piet Mondrian intitulé Tableau 11 (1921).

Ici, le surcadrage permet à l'artiste de créer des petits cadres qu'il remplit de couleurs primaires, ce qui donne un aspect très graphique.

On peut poser les questions suivantes :
- Que voyez-vous ?
- Pourquoi y'a-t-il des lignes verticales et des lignes horizontales ? À quoi servent-elles ?
- Où est le cadre du tableau ? Y'a-t-il d'autres cadres ?
- Quel effet créé cet abondance de cadres dans le cadre ?

Symboliquement, ce surcadrage peut donner l'impression d'un enfermement, d'un emprisonnement.

Dans bien d'autres cas, le surcadrage se résume à un petit cadre (un tableau, une photo, une fenêtre ouverte) à l'intérieur du cadre. Prenons deux exemples :
- Le photogramme d' Une partie de campagne de Jean Renoir (1936)
- La photo de Gérard Gales " surcadrage "

Dans les deux cas, le surcadrage se résume à l'insertion d'un cadre dans le cadre. Dans les deux cas, ce surcadrage donne l'impression de proposer une scène de la vie de tous les jours cadrée comme une œuvre d'art. Demander aux élèves de décrire ce qu'ils voient dans chaque cadre.

Le choix de la forme du cadre peut avoir aussi de l'importance. Ainsi l'image intitulée " surcadrage piscine " propose un point de vue sur une piscine à travers un cadre de forme circulaire. Qu'en pensent les élèves ? N'a-t-on pas l'impression de regarder la scène à travers un œilleton/judas ? N'a-t-on donc pas l'impression d'espionner les gens à la piscine ?

Le surcadrage dans une image pose de manière plus forte la question de la place du spectateur. Si on revient au plan tiré d' Une partie de campagne, on peut constater que la position des deux personnages au premier plan est forcée. Ils se penchent, moins pour voir que pour regarder.

Dès lors, on peut conclure que l'utilisation du surcadrage est aussi un moyen utilisé par l'artiste pour rendre le spectateur complice du regard qu'il porte sur le monde.

Pour justifier ce point de vue, regardons un plan tiré de Fenêtre sur cour d'Alfred Hitchcock (1954).

Dans ce film, le personnage principal joué par James Stewart est cloué dans un fauteuil roulant après une fracture de la jambe. La scène se passe en été, il fait très chaud, les fenêtres de son appartement sont ouvertes pour aérer. Il s'ennuie, alors il utilise son appareil photo professionnel (il est grand reporter) pour "﻿ espionner "﻿ ses voisins. Le photogramme nous montre l'immeuble d'en face. Chaque fenêtre donne sur un appartement occupé par des personnes différentes (une danseuse un rien exhibitionniste, un vieux couple, un couple au bord de la rupture, une femme d'âge mûr seule et triste...).

Chaque fenêtre, comme dans Une partie de campagne, est donc un surcadrage qui nous montre une scène de la vie quotidienne, qui permet à Jeff d'espionner ses voisins et ainsi de se divertir durant ses longues journées.

Activités

À partir de divers exemples de surcadrage, réaliser un dessin où la scène représentée entretient un lien étroit avec le type de surcadrage choisi (soit un surcadrage de type " Mondrian ", soit l'insertion d'un cadre du genre tableau ou photo, soit un surcadrage plus subjectif comme l'œilleton, la longue-vue, le trou de serrure...).
L'important dans cet exercice est d'être capable de justifier ses choix esthétiques en disant par exemple que pour représenter un lion dans la savane tel que peuvent l'observer des scientifiques, on aura besoin d'un surcadrage ressemblant à une longue vue ou à une paire de jumelles.

Autre exercice de (sur)cadrage en photographie
Les élèves se baladent dans l'école et essaient de prendre une photo mettant en scène le surcadrage. L'idéal est de pouvoir regarder en classe les photos obtenues car il est important de demander aux élèves leurs intentions préalables à la prise du/des cliché(s).

David Ridet, enseignant missionné auprès de Ciclic par le Rectorat de l'académie d'Orléans-Tours (sept. 2014). ﻿

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Séance 7 : qu'est-ce que le surcadrage ?

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ObjectifObserver les effets liés à l'utilisation du surcadrage dans un cadre classique.Matériel nécessaire- matériel dessin (feuilles, feutres, crayons de couleur...),- appareil photo numérique.Le cadre est donc le bord extérieur qui délimite ce que l'artiste désire mettre dans son œuvre.Dans certain cas, l'artiste utilise les lignes droites et perpendiculaires pour créer un certain nombre de cadres, plus petits, à l'intérieur du cadre initial.

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Pourquoi les “Nymphéas” de Monet hantent-ils le cinéma français ? | Les Inrocks

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Les peintures de Claude Monet, et plus précisément ses “Nymphéas” se retrouvent dans trois films sortis cet automne. Un peu plus qu’un hasard pour Jean-Marc Lalanne.

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Go inside 'La La Land's' big opening number

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Go inside 'La La Land's' big opening number

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La La Land - Behind the Scenes "Jazz Whip" - In Cinemas Now

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Histoire du cinéma d’Afrique subsaharienne | Ciclic

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Histoire du cinéma d’Afrique subsaharienne | Ciclic

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Histoire du cinéma d’Afrique subsaharienne | Ciclic

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Découvrez l’histoire du cinéma d’Afrique subsaharienne à travers ses œuvres, ses cinéastes majeurs, ses étapes, ses évolutions et ses tendances successives

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Extraits de "L’anthropologue filmeur et la « ciné-transe »"

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Extraits de "L’anthropologue filmeur et la « ciné-transe »"

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Le labyrinthe (2013, Mathieu Labaye, court-métrage)

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Le labyrinthe (2013, Mathieu Labaye, court-métrage)

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6 m² for living.

6 m² à vie.


Direction/réalisation : Mathieu Labaye
Assistant: Sébastien Godard
Animation : Mathieu Labaye, Sébastien Godard
Cast/avec : Martin Firket
Sound/son : Cindy Pahaut, Pierre Gérard, Geoffroy Baral
Sound editing/montage son : Cindy Pahaut
Editing/montage : Mathieu Labaye
Producer/producteur : Jean-Luc Slock
© Camera-etc, Wallonie Image Production (WIP)


AWARDS
•	BEST EXPERIMENTAL VIDEO / Black & White Audiovisual Festival 2015 (Portugal)
•	GRAND PRIX DU FILM D'ANIMATION / Les Rencontres du Court de Montpellier 2014 (France)
•	GRAND PRIX SHORT NON-NARRATIVE / HAFF – Holland Animation Film Festival 2014 (The Netherlands)
•	THE BEST TECHNIQUE / Tofuzi 2013 (Georgia)
•	BEST SHORT FILM / Anifest ROZAFA 2013 (Albania)

SELECTIONS
•	Festival ImagéSanté 2020 (Belgium)
•	FIFF Namur 2019 (Belgium)
•	Anima 2019 (Belgium)
•	Moscow Animation Marathon 2018 (Russia)
•	Coupe Circuit – Festival des Réalités Sociales 2018 (Belgium)
•	GLAS Animation Festival 2017 (USA)
•	Terror Córdoba 2016 (Argentina)
•	INTERMEDIACIONES – Muestra de Videoarte y Video Experimental 2016 (Colombia)
•	MUMIA – Underground World Animation Festival 2015 (Brazil)
•	Cairo Video Festival 2015 (Egypt)
•	Ars Electronica Festival 2015 (Austria)
•	Cinéma en Liberté 2015 (France)
•	HAFF – Holland Animation Film Festival 2015 (The Netherlands)
•	Offscreen Film Festival 2015 (Belgium)
•	Images Mentales 2015 (Belgium)
•	BE Film Festival 2014 (Belgium)
•	Animateka 2014 (Slovenia)
•	Paris Court Devant 2014 (France)
•	Animpact Animation Festival 2014 (South Korea, China, Japan)
•	IAF – Istanbul Animation Festival 2014 (Turkey)
•	ZINEBI 2014 (Spain)
•	Big Cartoon Festival 2014 (Russia)
•	Wiesbaden International Weekend of Animation 2014 (Germany)
•	LIAF – London International Animation Festival 2014 (England)
•	Simultan Festival 2014 (Romania)
•	Sedicicorto 2014 (Italy)
•	Animatou 2014 (Switzerland)
•	International Animation Short Film Market 3D Wire 2014 (Spain)
•	OLHO Animation Film Festival 2014 (Portugal)
•	LINOLEUM – International Festival of Contemporay Animation & Media-Art 2014 (Ukraine)
•	Rencontres Cinéma de Gindou 2014 (France)
•	ANIMIX – Tel Aviv Animation Festival 2014 (Israël)
•	MIAF – Melbourne International Animation Festival 2014 (Australia)
•	Brussels Film Festival 2014 (Belgium)
•	Mediawave 2014 (Hungary)
•	Festival du Court-Métrage de Bruxelles 2014 (Belgium)
•	Festival of Animated Film Stuttgart 2014 (Germany)
•	International Film Festival Lanzarote 2014 (Spain)
•	FICAM – Festival International de Cinéma d’Animation de Meknès 2014 (Morocco)
•	Festival International du Film d’Aubagne 2014 (France)
•	Anima 2014 (Belgium)
•	Corto Imola Festival 2013 (Italy)
•	Festival A Nous de Voir 2013 (France)
•	Cinanima 2013 (Portugal)
•	Festival International du Film d’Amiens 2013 (France)
•	Anim’Est 2013 (Romania)
•	Balkanima 2013 (Serbia)
•	KINOFEST – International Digital Film Festival 2013 (Romania)
•	SHORT FORM – International Short Film Festival 2013 (Serbia)
•	WFAF – World Festival of Animated Film 2013 (Bulgaria)
•	PUFF – Portugal Underground Film Festival 2013 (Portugal)
•	Milano Film Festival 2013 (Italy)
•	Animaevka 2013 (Belarus)
•	PerSe Visions 6 2013 (Italy)
•	Imaginaria 2013 (Italy)
•	Lenola Film Festival – Inventa un Film 2013 (Italy)

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Lagune (2017, Mathieu Labaye et Hannah Letaïf, court-métrage)

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Lagune (2017, Mathieu Labaye et Hannah Letaïf, court-métrage)

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Chase between a sphinx and a bird…

Course poursuite entre un sphinx et un oiseau…


Direction/réalisation : Mathieu Labaye, Hannah Letaïf
Animation : Mathieu Labaye, Hannah Letaïf
Music/musique : JF Foliez's Playground
Editing/montage : Mathieu Labaye
Producer/producteur : Jean-Luc Slock, Jean-François Folliez
© Camera-etc, JF Foliez's Playground 2017

SELECTIONS
•	Cartoon Club – International Film Festival of animation Cinema and Comics 2019 (Italy)
•	MEDIAWAVE – International Film and Music Gathering 2019 (Hungary)
•	Offscreen Liège – Shortscreen 2019 (Belgium)
•	TIAF – Tehran International Animation Festival 2019 (Iran)
•	FINCORTEX – Festival Internacional de Cortometrajes Experimentales 2018 (Colombia)
•	Chihuahua International Film Festival 2018 (Mexico)
•	Bienal Internacional de Video y Cine Contemporáneo Videofest 2018 (Mexico)
•	OIAF – Ottawa International Animation Festival 2018 (Canada)
•	SUPERTOON – International Animation Festival 2018 (Croatia)
•	Insomnia International Animation Film Festival 2018 (Russia)
•	Sardinia Film Festival 2018 (Italy)
•	Animafest Zagreb – World Festival of Animated Film 2018 (Croatia)
•	Fuoricampo FilmFest 2018 (Italy)
•	ANIMAC – Monstra Internacional de Cinema d’Animacio de Catalunya/Lleida 2018 (Spain)
•	AninetFest 2018 (Czech Republic)
•	Anima 2018 (Belgium)
•	Même pas peur 2018 (France)
•	VideoBabel 2017 (Peru)
•	Animasivo 2017 (Mexico)
•	Animage 2017 (Brazil)
•	Festival Internacional del Cortometraje FIC 2017 (Argentina)
•	Anim’est – Bucharest International Animation Film Festival 2017 (Romania)
•	Visualízame Audiovisual & Mujer 2017 (Spain)
•	KINOFEST – International Digital Film Festival 2017 (Romania)
•	CyBorg Film Festival 2017 (Italy)
•	SICAF – Seoul International Cartoon & Animation Festival 2017 (Korea)
•	Constantine’s Gold Coin 2017 (Serbia)
•	Anima Mundi 2017 (Brazil)
•	The Unprecedented Cinema 2017 (Estonia)

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Kaleidoscopic Dance - Footlight Parade (1933, Lloyd Bacon, Busby Berkeley)

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Kaleidoscopic Dance - Footlight Parade (1933, Lloyd Bacon, Busby Berkeley)

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Pas de deux (Norm McLaren, 1968, court-métrage)

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Pas de deux (Norm McLaren, 1968, court-métrage)

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IA et cinéma - La vie rêvée des machines

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IA et cinéma - La vie rêvée des machines

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Devant les progrès spectaculaires de l'intelligence artificielle, l'industrie du cinéma est partagée entre enthousiasme et effroi... Tour d'horizon d'un tsunami technologique en marche.

Depuis les balbutiements du cinéma de science-fiction, Hollywood imagine des scénarios où des machines, plus intelligentes et plus créatives que les humains, prendraient le pouvoir. Mais aujourd'hui la situation s'inverse : alors que l'intelligence artificielle multiplie les bonds en avant spectaculaires, les studios s'intéressent de plus en plus près au potentiel de ces technologies surpuissantes, capables désormais de prouesses qui nous paraissaient inatteignables il y a seulement quelques années : vieillir ou rajeunir artificiellement les acteurs et en créer des répliques numériques plus vraies que nature, générer un doublage en langue étrangère reproduisant fidèlement le timbre naturel d'un comédien en adaptant le mouvement de ses lèvres ; mais aussi produire des scénarios originaux ou des séquences hyperréalistes sur la base d'une description textuelle. Cette révolution signe-t-elle la fin de la création cinématographique telle que nous la connaissions jusqu'alors ?

Espoirs et inquiétudes
Verra-t-on bientôt des algorithmes supplanter les scénaristes ou les cadreurs, rendre obsolètes les figurants, les acteurs de doublage... ou les comédiens eux-mêmes ? Qu'adviendra-t-il des dizaines de métiers techniques et créatifs qui font toute la magie et la poésie du septième art ? Des logiciels sont-ils véritablement en mesure de surprendre et de susciter des émotions humaines ? La vitesse fulgurante des avancées en la matière - et la propension des studios à s'engouffrer dans la brèche - soulève des questions vertigineuses et préoccupe les représentants de la profession, à l'image de la grève des scénaristes, rejoints dans la foulée par les comédiens, qui a longuement paralysé Hollywood fin 2023. Ces perspectives s'assortissent du danger de fausses informations véhiculées par la technologie du deepfake, accessible au grand public... Entre espoirs et inquiétudes, ce documentaire offre un panorama des enjeux d'une révolution qui ne fait que commencer.

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IA et cinéma - La vie rêvée des machines - Regarder le documentaire complet | ARTE

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Devant les progrès spectaculaires de l'intelligence artificielle, l'industrie du cinéma est partagée entre enthousiasme et effroi... Tour d'horizon d'un tsunami technologique en marche.

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Analyse de la séquence d'ouverture (vidéo 5 minutes)

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Analyse de la séquence d'ouverture (vidéo 5 minutes)

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CNC Centre national du cinéma et de l'image animée

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Ma classe au cinéma | Analyse de séquence de « Revoir Paris » d’Alice Winocour

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Le Tempestaire (Jean Epstein, 1947, court-métrage)

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Le Tempestaire (Jean Epstein, 1947, court-métrage)

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Jean Epstein réalise de nombreux films en Bretagne où il filme la mer en abondance. Cinéaste depuis le temps du muet, il est aussi théoricien du cinéma. Le Tempestaire est filmé à Belle-Île-en-Mer avec les habitants et l'histoire s'inspire de légendes locales. Grâce aux moyens cinématographiques et à des effets relativement simples (le ralenti, la marche arrière), Epstein donne vie à l'océan, il lui donne une âme et une puissance évocatrice.

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France / 1947 / 23:05 / Sous-titres anglais (English subtitles in option)

Avec les pêcheurs et les gardiens de phare de Belle-Île-en-Mer.

Une jeune fille s'inquiète de l'absence de son fiancé parti en haute mer. Elle s'en va trouver un tempestaire, ce mage qui, selon une antique croyance, a le pouvoir de commander aux éléments naturels.

Le Tempestaire a été restauré en 2013 à partir d'un élément de conservation provenant des collections de la Cinémathèque française et issu des négatifs originaux image et son nitrate, aujourd'hui disparus. Cet élément a fait l'objet d'une numérisation 2K pour l'image (réalisée chez CineNova) et d'une restauration numérique pour le son (réalisée chez L. E. Diapason). Cette restauration a reçu le soutien du fonds d'aide à la numérisation des films de patrimoine du CNC et a été menée à bien avec le concours de Béatrice Costantini.

" Le premier personnage - et personnage surhumain - dont il fallait s'assurer la collaboration pour pouvoir réaliser Le Tempestaire, c'était évidemment la tempête. " (Jean Epstein)

Ce n'est qu'au lendemain de la guerre, période cruelle pour Jean et Marie Epstein, muselés et attachés à un bureau administratif de la Croix-Rouge après avoir évité de justesse la déportation, que Le Tempestaire fut réalisé. Le film est une synthèse en quelque sorte de l'inspiration réaliste et des recherches formelles mystiques d'Epstein. L'histoire du Tempestaire est écrite d'après la légende traditionnelle bretonne des siffleurs-guérisseurs de vent : des anciens, souvent reclus, qui ont le pouvoir de calmer la tempête. Jean Epstein avait également le projet d'adapter à l'écran la légende d'Ys, la cité engloutie, et du Bag-Noz, le " bateau de la nuit ", la barque des morts qui transporte l'âme des noyés. Le Tempestaire est l'avant-dernier volet du cycle maritime, soit près de quinze ans après L'Or des mers. Le film est tourné avec les pêcheurs et les gardiens de phare de Belle-Île-en-Mer, entre décembre 1946 et janvier 1947, dans l'inclémence et le gros temps de l'hiver, loin de l'imagerie rapportée des touristes estivaux. C'est Nino Costantini, fidèle acolyte acteur-assistant depuis les années 1920, qui permet au film d'exister grâce à sa société de production Filmagazine mais également sa maison de distribution Le Trident. Et si l'on écoute Léon Vareille, l'un des ingénieurs son du film : " Le Tempestaire est un poème de la mer raconté par le vent. " Film-concept, cri nouveau, et, selon les mots d'Henri Langlois dans son article fondamental de 1953 publié à la mort d'Epstein dans les Cahiers du cinéma : " Ce n'est ni un film d'hier, ni un film d'aujourd'hui. Ce qui frappe, c'est sa profonde poésie, sa résonance humaine et l'extrême équilibre de sa composition, c'est une œuvre qui démontre ce qu'aurait pu être le cinéma si certains n'étaient pas morts. C'est un chef-d'œuvre qui préfigure l'avenir. "

Émilie Cauquy

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Le Tempestaire (Jean Epstein, 1947) à voir en ligne sur HENRI, la plateforme des collections films de la Cinémathèque française

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Une jeune fille s'inquiète de l'absence de son fiancé parti en haute mer. Elle s'en va trouver un tempestaire, ce mage qui, selon une antique croyance, a le pouvoir de commander aux éléments naturels.

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"Le corps des hommes à la piscine" (article)

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"Le corps des hommes à la piscine" (article)

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La piscine en textes, en sons, et en images

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Cet article poursuit la réflexion entamée en juillet 2021 à travers notre travail sur le corps des femmes à la piscine. Si les représentations dominantes dans l’art et la publicité montrent que l’on attend des femmes en maillot de bain qu’elles aient un corps désirable, c’est en revanche, pour les hommes, le critère athlétique qui … Continuer la lecture de Le corps des hommes à la piscine →

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Les Baleines ne savant pas nager (Matthieu Ruyssen, 2020)

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Les Baleines ne savant pas nager (Matthieu Ruyssen, 2020)

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À vos marques ! par Cédric Venail | ACRIF

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Le programme de courts-métrages À vos marques ! a été composé dans le cadre de l’Olympiade Culturelle qui explore les liens entre l’art et le sport. Au-delà des différents sports représentés (danse urbaine, lutte indienne, athlétisme, course de drapeau, natation artistique) et des nombreux sujets abordés (détournement des stéréotypes, subversion, résistance physique et morale, affranchissement, émancipation, privation de mouvements), ces films offrent une grande diversité de propositions de cinéma, aussi bien dans leur forme et les techniques employées, que dans leur narration et genre.

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Page Upopi : propos du réalisateur, analyse, analyse de séquence...

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Page Upopi : propos du réalisateur, analyse, analyse de séquence...

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Réalisé en grande partie seul par Mathieu Labaye, Orgesticulanismus est un petit chef d'œuvre. Mêlant photographie et animation, documentaire et cinéma expérimental, il nous propose un voyage intérieur de 10 minutes, de l'immobilité à la danse la plus débridée.

À travers une suite de photographies, nous voyons grandir un homme. En voix off il s'exprime sur son handicap, qui l'a privé du mouvement. Les photographies laissent ensuite place à des dessins de gestes répétés et interrompus, puis complètement débridés, jusqu'à l'abstraction.

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Réalisé en grande partie seul par Mathieu Labaye, Orgesticulanismus est un petit chef d'œuvre. Mêlant photographie et animation, documentaire et cinéma expérimental, il nous propose un voyage intérieur de 10 minutes, de l'immobilité à la danse la plus débridée. À travers une suite de photographies, nous voyons grandir un homme.

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Conçu par LUX Scène Nationale, en collaboration avec le CNC

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Vida est une nageuse sauveteuse iranienne de 18 ans. Favorite dans son équipe, elle est décidée à se battre pour décrocher la première place à une compétition internationale en Australie. Mais, avec l'arrivée de Sareh, aussi rapide et talentueuse qu'elle, elle va être confrontée à une situation inattendue Beach Flags, de la difficulté d'être une sportive professionnelle en Iran
D'origine Iranienne, Sarah Saidan intègre en 2002 l'Université d'Art de l'Iran et se découvre une passion pour la réalisation de films d'animation. Cependant, le manque de financements publics dans ce secteur en Iran contraint souvent les animateurs à occuper d'autres postes. Elle laisse donc de côté l'animation pendant quelques années, puis elle découvre par hasard l'école de la Poudrière en 2009 et s'installe en France après y avoir été admise. S'ensuivent deux années qu'elle juge parmi les plus productives de sa vie en tant qu'animatrice.

Beach Flags naît pendant la préparation de son film de fin d'étude.
" La condition des femmes est un enjeu qui me tient à cœur. Je lisais les informations sportives iraniennes et j'ai commencé à réfléchir à la situation des athlètes professionnelles en Iran. Je savais qu'elles étaient confrontées à de nombreux obstacles et j'étais curieuse de me mettre à leur place, de comprendre ce qui leur traversait l'esprit. Particulièrement en ce qui concernait les nageuses professionnelles, qui n'ont pas le droit de participer à des compétitions internationales. "

C'est ainsi que tout commence. Sarah retourne deux fois en Iran pour creuser la question et découvre une réalité bien plus compliquée, presque absurde, et probablement méconnue par beaucoup de gens.

Elle réalise un entretien avec une nageuse professionnelle qui lui apprend que, si les nageuses iraniennes sont interdites de compétition à l'extérieur du pays, les sauveteuses ont elles un titre international à leur actif. Pourquoi une telle différence de traitement ?

La réponse est simple : les femmes ne sont pas autorisées à être vues par les hommes en maillot de bain ; or dans une compétition internationale ceux-ci peuvent être présents parmi le public ou le staff. Alors que dans les compétitions de sauveteuses, quelques-unes des épreuves organisées ont lieu uniquement sur le sable où les participantes ont la possibilité d'être intégralement couvertes et voilées.
L'une de ces épreuves se nomme " Beach Flags ". Il s'agit d'une course dans le sable où les participantes sprintent pour attraper des drapeaux plantés à 20 mètres d'elles.

" J'ai immédiatement eu l'image de ces femmes courant sur la plage à quelques mètres seulement de la mer. Des nageuses, des sauveteuses qui courent, qui courent mais qui n'ont pas le droit de rentrer dans l'eau où elles devraient être ! C'était une image drôle mais ça m'a rendue triste pendant un assez long moment. Alors j'ai su que je devais exprimer ce que je ressentais à propos de cette vision comique, mais absurde. "

Après des recherches supplémentaires sur le sujet, Sarah découvre qu'aucune sauveteuse n'a en fait remporté de titre international. En effet, afin de mettre le maximum de chances de son côté dans les compétitions, la Fédération Iranienne des Sauveteuses envoie concourir des coureuses professionnelles, auxquelles elle a préalablement donné le titre de sauveteuses.

" En réalité les sauveteuses ne participent à aucune compétition. Cette chance leur est aussi enlevée. Alors j'ai écrit une histoire sur une jeune femme sauveteuse, Vida, qui lutte pour garder espoir malgré les conditions impossibles. "

Le film est récompensé par le prix Arte du carrefour de la création Annecy 2012. Il sera produit par Sacrebleu et Folimage, dans le cadre de La Résidence d'artistes et obtiendra le soutien de Ciclic.

Le projet de court métrage est lancé. La technique sera celle de l'animation papier traditionnelle. Une fois le script développé, en collaboration son compagnon, Sarah confie la réalisation du storyboard à Chen-Chen tandis que les décors sont réalisés avec la collaboration de Jean Bouthors. Ceux ci sont actuellement terminés, de même que l'enregistrement des dialogues en Iranien. L'animation sera réalisée par Jumi Yoon, Eloic Gimenez et Armelle Mercat, et devrait débuter dans le courant du mois d'avril en région Centre, à Ciclic. La livraison du film est prévue pour décembre 2013.

" Mon histoire est celle d'une situation réunissant deux jeunes filles qui courent pour des raisons différentes mais qui, en fin de compte, courent toutes deux dans la même direction. " Un récit court mais fort de rêves qui de rivaux deviennent alliés, et s'unissent face à ceux qui voudraient les faire taire.

Vous pouvez retrouver les actualités de Beach Flags sur le blog de Sarah à l'adresse suivante : http://sarah-saidan.blogspot.fr/
> INTERVIEW VIDEO DE SARAH, en résidence à l'Abbaye de Fontevraud
Production : Sacrebleu Production et Folimage
Partenaires : CNC / Région Rhône-Alpes / Arte / Ciclic (région Centre)
Un film en résidence d'artiste Folimage

Un grand merci à Sarah pour toutes ces informations.

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Vida est une nageuse sauveteuse iranienne de 18 ans. Favorite dans son équipe, elle est décidée à se battre pour décrocher la première place à une compétition internationale en Australie.

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Entretien avec le compositeur de la musique

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Entretien avec le compositeur de la musique

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Entretien de Yan Volsy, compositeur du court métrage Beach Flags de Sarah Saidan

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Matti Ke Lal, fils de la terre (Elisabeth Leuvrey, 1998)

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Matti Ke Lal, fils de la terre (Elisabeth Leuvrey, 1998)

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Entretien avec le réalisateur sur le spectacle

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Entretien avec le réalisateur sur le spectacle

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Les Indes galantes (Clément Cogitore, 2017)

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Les Indes galantes (Clément Cogitore, 2017)

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Scénario, notes d'intention, inspirations, éléments graphiques, storyboards...

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Réalisé par Mathilde Bédouet. France. 2023. 12 minutes.

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Lauréat du César du Meilleur film de court métrage d'animation, Été 96 vous est proposé en double programme avec Revoir Paris. Le film raconte un épisode de la vie d'une famille, coincée sur une île par la marée, au cours duquel le jeune Paul est confronté à ses peurs.Mathilde Bédouet construit son film après avoir redécouvert des K7 dans la cave de son père. Comme Revoir Paris, elle évoque des souvenirs, la mémoire et les multiples points de vue sur un évènement charnière de la vie de son personnage. Si le film d'Alice Winocour aborde le traumatisme d'un fait historique grave, les deux films partagent un ancrage dans la réalité et portent une grande attention aux point de vue, sensations et ressentis de leurs personnages.

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Été 96”, un enchantement impressionniste

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Été 96”, un enchantement impressionniste

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Clermont 2024 : “Été 96”, un enchantement impressionniste

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Pendant la 46ᵉ édition du Festival international du court métrage, qui a lieu jusqu’au 10 février, “Télérama” partage ses coups de cœur. Aujourd’hui, le délicat et émouvant film d’animation de Mathilde Bédouet.

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Cahier numérique - Propositions d'activités

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Montrer ou ne pas montrer ? - pistes d'analyses

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Montrer ou ne pas montrer ? - pistes d'analyses

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Harrystaut | Un ami qui vous veut du bien

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Investis dans Le Prix Jean Renoir des lycéens, les élèves de la Terminale 5 du lycée Guy de Maupassant de Colombes ont déjà pu découvrir deux films de la sélection, dont Revoir Paris, le dernier film à ce jour d’Alice Winocour, réalisatrice que d’autres élèves découvriront cette année dans le cadre de Lycéennes et lycéens

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« Revoir Paris » : attentats, filmer l’après

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“Revoir Paris”, ou comment continuer d’habiter le monde après les attentats... Un parcours sur le fil, pour des victimes à la mémoire traumatique. En salle le 7 septembre.

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Toutes nos ressources sur le terrorisme - Lumni | Enseignement

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Qu’est-ce que le terrorisme ? Comment expliquer cette violence qui cherche à détruire et à déstabiliser nos sociétés ? Comment se manifeste-t-elle depuis 1945 et quelle place prend-elle dans l’espace politique et médiatique ? Retrouvez toutes nos ressources pour aborder ce sujet en classe avec vos élèves.

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"Exhausted Bodies & Spectral Return" - analyse du film (anglais)

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"Exhausted Bodies & Spectral Return" - analyse du film (anglais)

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Exhausted Bodies & Spectral Return in Atlantique (2019)

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This video essay on Mati Diop’s Atlantique (2019) reflects on the film’s antirealist aesthetics and its anti-colonial critique.

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Il faut attendre le – très beau – dénouement de La La Land pour que son sujet véritable, auparavant dissimulé sous les ors du joli pastiche, éclate dans

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Et si on chantait au cinéma ? - Blow Up (vidéo)

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Et si on chantait au cinéma ? - Blow Up (vidéo)

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Blow Up, l'actualité du cinéma (ou presque) - ARTE

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Et si on chantait au cinéma ? - Blow Up - ARTE

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Présentation et pistes d'analyse (vidéo 9 minutes)

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Présentation et pistes d'analyse (vidéo 9 minutes)

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La La Land (Damien Chazelle) : Présentation et pistes d'analyse

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Le plan-séquence, c'est quoi ? (vidéo 15 minutes)

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Le plan-séquence, c'est quoi ? (vidéo 15 minutes)

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LE PLAN-SÉQUENCE, C'EST QUOI ? - LE FOCUS #2

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Le Cinéma des Lumières (La La Land part. II)

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Voici le second article de La Chèvre, consacré une nouvelle fois à La La Land, le chef d’oeuvre de Damien Chazelle et Justin Hurwitz. Je vais parler ici des relations particulières de Mia et Seb à l’art, à travers l’analyse de trois séquences musicales construites de la même façon. JEUX DE LUMIÈRES ET DE MIROIRS Dans le précédent article « Le b.a.-ba de La La Land (Part. 1) », je m’étais arrêté sur les paroles de la chanson Another Day of Sun[1]. Cette musique, avec l’image du Sol

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Analyse détaillée - séquence d'ouverture

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Analyse détaillée - séquence d'ouverture

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Le b.a.-ba de La La Land (La La Land Part. I)

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Bienvenue sur le blog de cinéma La Chèvre. Voici l’analyse de la séquence d’ouverture de La La Land, film dans lequel on retrouve le duo de Whiplash : Damien Chazelle et Justin Hurwitz. Je vais parler de figures de styles littéraires : le chiasme et la métalepse.AVANT-PROPOS La La Land serait-il une « magnifique histoire d’amour » (20 Minutes) ou une « ode à la vie et l’amour […] qui ne propage que bonheur, joie et bonne humeur » (Télé Loisirs) ? Je ne le pense pas : il est bien plus sombre que

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Analyse des couleurs du film (vidéo 11 minutes, anglais, sous-titres français)

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Analyse des couleurs du film (vidéo 11 minutes, anglais, sous-titres français)

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when the director happens to be an expert in colour theory

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La comédie musicale, "HISTOIRE, ESTHÉTIQUE ET HÉRITAGES D’UN GENRE TYPIQUEMENT AMÉRICAIN" (Clément Safra)

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La comédie musicale, "HISTOIRE, ESTHÉTIQUE ET HÉRITAGES D’UN GENRE TYPIQUEMENT AMÉRICAIN" (Clément Safra)

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Alien, le huitième passager (Ridley Scott, 1979)

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Alien, le huitième passager est un film réalisé par Ridley Scott en 1979.

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Le genre de la science-fiction, le "réalisme" du film

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Relire l’Odyssée à la lumière d’Atlantique

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Relire l’Odyssée à la lumière d’Atlantique

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L'École des Lettres - Revue pédagogique, littéraire et culturelle

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Relire « l’Odyssée », à la lumière d’« Atlantique », de Mati Diop - L’École des Lettres - Revue pédagogique, littéraire et culturelle

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Quand les jeunes garçons sont fatigués d’être exploités et sous-payés, ils désespèrent de voir leur avenir s’éclaircir et ils partent. C’est leur combat. Et dans le film de Mati Diop, Atlantique, Grand Prix du Festival de Cannes 2019, les hommes prennent la mer et les femmes restent au bord. Elles attendent, guettent le retour. Les […]

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Révélée au public au festival de Cannes en 2019, lors de l'attribution du Grand Prix à son premier long métrage Atlantique, la jeune réalisatrice Mati Diop investit cette passionnante terre de cinéma qu'est le Sénégal pour observer, interroger sa jeunesse et ses fantômes.

Les présentations officielles de Mati Diop sont faites en grandes pompes lors du dernier festival de Cannes (en 2019) où son premier long métrage Atlantique est projeté en Sélection Officielle (chose rare pour une première fiction) et se voit couronné du prestigieux Grand Prix, que la jeune cinéaste reçoit étonnée, amusée et émue des mains de Sylvester Stallone. Une vague géante semble alors la soulever, et extraire subitement son cinéma du vivier festivalier et confidentiel qu'il croisait jusqu'à présent, pour l'emporter vers un rivage nettement plus visible. De rivage il est autrement question dans Atlantique : celui fantasmé par de jeunes sénégalais dont les rêves d'ailleurs, c'est-à-dire d'une survie moins difficile en Europe, sombrent dans l'immense océan qui sert d'écran à leurs projections. Cette odyssée tragique, à la fois vieille comme le monde et d'une actualité toujours brûlante, change de prisme à bien des égards. Le point de vue adopté dans le film n'est pas exactement le leur, il se rapporte à ceux ou plutôt celles qui restent au pays et voient venir à elles des récits échoués, des vies humaines englouties. Filmée de la terre d'où elle s'origine, le Sénégal, la fiction de cet exil prend l'allure d'un mythe actuel et s'écrit au féminin, à travers le regard de la jeune Ada, Pénélope des temps modernes et cousine lointaine de l'Ophélie d'Hamlet. C'est à ses côtés que Mati Diop attend le retour des fantômes. L'exposition d' Atlantique sous les feux cannois fait d'autant plus événement qu'elle revêt un caractère inédit : la présence nouvelle d'une réalisatrice noire en sélection officielle à Cannes. " Il a fallu attendre si longtemps avant que cela se passe... " commente Mati Diop, qui déplore avoir manqué de figures noires de référence dans le cinéma.

Figures tutélaires

Onze ans avant cette mise en lumière, la réalisatrice franco-sénégalaise est arrivée sur nos écrans devant et non derrière la caméra, par le biais d'une autre cinéaste, Claire Denis, qui en 2008 lui offre l'un des rôles principaux de 35 rhums. La réalisatrice de Trouble Everyday a tout d'une figure tutélaire pour la jeune femme, pour plusieurs raisons. D'une part, son travail s'est beaucoup inspiré du lien fort qu'elle entretient avec l'Afrique où elle a grandi (voir notamment Chocolat) et dessine un pont, un dialogue entre deux cinématographies, deux cultures africaines et françaises. Elle fait aussi partie des rares cinéastes à donner des rôles principaux à des acteurs noirs dans les années 1980-90. Cette volonté de faire émerger dans le cinéma des visages, des figures évincées du champ de représentation dominant trouve un relai fort dans le cinéma de Mati Diop ; la productrice de la plupart de ses films, Judith Lou Lévy déclare qu' " à l'origine du projet [d'Atlantique] il y a une ambition politique, qui était de se défaire des représentations blanches (...) dominantes " [1]. Par ailleurs, Claire Denis développe une écriture quipart des corps, des atmosphères, des lumières pour ouvrir de nouveaux horizons sensoriels, fantastiques ; cette approche presque expérimentale n'est pas étrangère au cinéma de Mati Diop dont l'apprentissage s'est fait en passant par des structures dédiées à l'Art Contemporain : le Pavillon, laboratoire de recherches artistiques du Palais de Tokyo, puis l'école du Fresnoy. Rétrospectivement, on peut voir dans 35 rhums, où Diop partage l'affiche avec Isaac de Bankolé et Grégoire Colin, une première porte d'entrée vers l'univers cinématographique qu'elle s'apprête à explorer derrière la caméra. Il est en effet troublant de voir d'abord figurer plein écran cette jeune femme pour l'en voir disparaître aussitôt, telle une apparition fantomatique. Cette évanescence presque fantastique correspond bien à la tonalité même de son cinéma. Une figure tutélaire majeure et plus directement influente encore, accompagne ses débuts : le premier fantôme à hanter le cinéma de Mati Diop est probablement celui du film Touki Bouki référence majeure du cinéma sénégalais, réalisé en 1972 par son oncle, le grand cinéaste sénégalais Djibril Diop Mambéty auteur également de Hyènes (1992)et de La Petite Marchande de soleil (1998). Il est le frère de son père, le musicien Wasis Diop, un des fondateurs du groupe West African Cosmos considéré comme l'un des premiers groupes de rock africain, et compositeur des bandes originales des films de son frère mais aussi de certains films de Mahamat Saleh Haroun comme Daratt.

Au début des années 1970, Touki Bouki impose dans le cinéma africain et mondial une écriture libre, inventive, poétique, qui semble porter en elles les espoirs, l'énergie soulevés par l'indépendance encore récente du Sénégal. Le film nous invite à suivre à Dakar les aventures de Mory, un berger monté à la ville, et Anta, une étudiante. Les jeunes gens forment un couple fougueux, flamboyant, insolant sur leur moto ornée de cornes de buffle (l'image sera reprise dans un clip par Beyoncé et Jay-Z). Animés par le rêve de quitter leur pays pour la France, ils sont prêts à tout pour réunir l'argent nécessaire à leur départ. Elan spontané de la jeunesse vers l'extérieur, pressentiment d'une désillusion à venir... quelque soit l'origine de cet appel, une ombre gagne ce tableau solaire quand, au moment de partir, Mory ne parvient pas à quitter sa terre natale et laisse Anta seule à bord du paquebot qui l'emmène en Europe. Cette rupture finale laisse déjà entrevoir le schéma qui s'est tragiquement creusé depuis entre un ici condamné à la survie et un ailleurs fantasmé, quasiment inaccessible.

Dans son beau moyen métrage Mille soleils , le premier de ses films à sortir en salles, Mati Diop part sur les traces du film de son oncle, en quête du souffle mythique qui a porté son récit et nourrit ses interrogations sur la jeunesse africaine. Mélangeant fiction et documentaire, son film s'intéresse à ce que sont devenus les deux interprètes principaux du film de Djibril Diop Mambéty, et, à travers eux, aux traces laissées par l'histoire entremêlée d'un pays et d'un cinéma. Magaye Niang qui jouait Mory est resté à Dakkar et ne s'est pas éloigné de son rôle dans . On le voit encore mener son troupeau (à l'abattoir) sur la musique du western Touki Bouki , tel un cowboy, portant avec lui un monde fantôme aux promesses envolées : les spectateurs d'une projection en plein air de Le Train sifflera trois fois ne le reconnaissent pas et se demandent si c'est bien lui l'acteur dont ils voient la silhouette projetée devant eux. Un chauffeur de taxi (joué par Djily Bagdad le rappeur du groupe 5kiem Underground, engagé dans le groupe de contestation pacifique ) le ramène à une autre réalité (temporelle, historique) quand il lui demande ce que sa génération a fait pour l'Afrique d'aujourd'hui, lui reprochant de ne pas s'être battu. De ces rencontres organisées entre passé et présent, fantasme et réalité, jaillit des éclats colorés, mélancoliques et oniriques - mille soleils - auquel s'ajoute une touche finale de blanc : installée en Alaska, Marème Niang l'interprète d'Anta, joint au téléphone par Magaye, a elle aussi suivi la trajectoire de son personnage en partant loin de son pays. Ressuscitée dans un hors-champ lointain, irréel, elle contribue au troublant déploiement du film sur un territoire hybride, fantôme, qui interroge le rapport à la terre natale et le choix de l'exil. Touki Bouki

Toile fantastique de l'exil

Un motif revient régulièrement dans le cinéma encore tout jeune de Mati Diop, une image obsédante, proche de la pulsation, celle d'un paysage ou d'une lumière qui a le pouvoir de contaminer tout le film. Avant le long métrage Atlantique , la réalisatrice fut découverte en festival avec un autre , au pluriel, déjà prometteur. Dans ce court métrage sont déjà posées certaines de ses obsessions, à commencer par le motif de l'océan, magma fascinant et inquiétant. Il contribue à donner aux voix et aux vies parfois brûlées de jeunes sénégalais une aura mythique, tout comme le feu de camp qui éclaire leurs récits de traversées, de peur et de mort, tout comme la lumière obsédante d'un phare dont les lentilles, filmées en gros plan, tournent comme une idée fixe et aveuglante. Il y est déjà question d'une jeunesse partagée entre le désir de partir, coûte que coûte, quitte à risquer sa peau, et celui de rester au pays pour tenter d'y construire quelque chose malgré tout. Atlantiques

La mer, miroir obsédant d'un exil qui condamne les êtres à un devenir fantôme, est également présente dans le court métrage Big in Vietnam (2012), film d'errance dans les rues de Marseille qui met en scène la rencontre d'une réalisatrice avec un immigré vietnamien dans lequel elle trouve l'écho de son propre déracinement. Dans une autre court métrage, , les versants abrupts de la montagne qui hantent le film mettent en lumière un autre vertige, amoureux, entre une adolescente et sa baby-sitter, et le sentiment de voir se dessiner au fil du montage un relief intime, obsessionnel et dangereux. entremêle ces deux trames sentimentales et spectrales pour mieux creuser ce motif originel de l'exil et tendre comme un piège cette éternelle toile fantasmatique qu'est l'océan. Le fantastique avance désormais à visage découvert dans le cinéma de Mati Diop. À l'influence du cinéaste Apichatpong Weerasethakul se joint celle de John Carpenter et plus précisément de son film 1980) dont on retrouve le goût pour une écriture atmosphérique, nocturne et brumeuse. On pense aussi à Atlantique de Jacques Tourneur (1943) pour l'inscription du film dans un fantastique contemplatif et mélancolique.

Incarnation d'une jeunesse fantôme, condamnée à errer dans les limbes d'un pays hostile, les jeunes zombies du film donnent un visage saisissant à cet abysse où ont échoué leurs rêves et tendent un miroir impitoyable à la société qu'ils viennent hanter et qui les a poussés vers ce cauchemar. Reste, au milieu de ce champ amoureux et social sinistré le visage d'une jeune femme, Ada, aussi puissant et magnétique que ces vagues hypnotiques qui ont pris son amant, tel une maîtresse rivale. À travers lui s'affirment une résistance, une force incantatoire, une magie qui se déploient dans l'air, dans les lumières comme ces rayons verts qui balaient le corps d'Ada dans une boîte de nuit et semblent la métamorphoser imperceptiblement. C'est vers cet horizon féminin mutant que se tourne résolument le cinéma alchimiste de Mati Diop pour y placer ses espoirs et sa confiance en une force d'émancipation nouvelle.

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Il y a deux ans, son film Atlantique remportait le Grand Prix à Cannes. Upopi revient sur la carrière déjà riche de la réalisatrice Mati Diop, l'une des cinéastes africaines les plus en vue aujourd'hui.

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Courte-Focale.fr - Grand angle sur le Cinéma !

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Synopsis : Dans une banlieue populaire de Dakar, les ouvriers d'un chantier, sans salaire depuis des mois, décident de quitter le pays par l'océan pour un avenir meilleur. Parmi eux se trouve Souleiman, qui laisse derrière lui celle qu'il aime, Ada, promise à un autre homme. Quelques jours après le départ en mer des garçons, un incendie dévaste la fête de mariage d'Ada et de mystérieuses fièvres s'emparent des filles du quartier. Issa, jeune policier, débute une enquête, loin de se douter que les esprits des noyés sont revenus. Si certains viennent réclamer vengeance, Souleiman, lui, est revenu faire ses adieux à Ada... Chaque année, parmi une armada de films-événements qui agitent les médias, le Festival de Cannes nous offre toujours un ou deux films inattendus qui, une fois passé le choc de la découverte, nous hantent durablement. En voici un, si fort et si précieux qu'on insiste pour vous le faire partager...
Encore un film sur les migrants ? Non, mieux que ça : enfin un vrai grand film sur les migrants. A savoir un film qui évite de traiter mollement un sujet sensible avec l'angle le moins intéressant qui soit (celui de l'idéologie), qui n'essaie pas d'orienter la réflexion sur le terrain du sensationnalisme, et qui, on s'en réjouit, ne perd jamais de vue le facteur humain à force de mettre en scène un dialogue implicite entre les vivants et les disparus. Un film fantastique, donc, avec ce que cela suppose de magie, d'impact symbolique et de projections spectrales. Pour son premier long-métrage, la réalisatrice franco-sénégalaise Mati Diop - aperçue en tant qu'actrice dans le très beau 35 Rhums de Claire Denis - a potentiellement visé large : son geste de cinéma combine à la fois la beauté d'une histoire d'amour, l'impact d'une fable politique, l'envoûtement caractéristique d'un conte sur les fantômes, et, bien sûr, une bonne dose de vécu. Il faut ainsi remonter en 2008, au moment de ses retrouvailles avec le pays de ses origines qu'elle avait connu enfant : au contact d'hommes et de femmes issus de la banlieue de Dakar, elle aura emmagasiné de nombreux témoignages qui aboutiront à la naissance de plusieurs courts-métrages. L'un d'eux, tourné en 2009, s'appelait Atlantiques : il y était question d'un jeune homme du nom de Serigne, qui racontait sa traversée marine, des côtes dakaroises vers l'Espagne. Quelques mois plus tard, le garçon décéda avant même d'avoir pu retenter une nouvelle traversée. Il fallait cette fois-ci, pour Mati Diop, passer de l'autre côté du miroir : évoquer les hommes disparus en mer par la façon dont ils hantent l'esprit et le quotidien des femmes qui sont restées seules sur la terre ferme, le tout sur fond de romance empêchée et de mutations sociétales. Passant ainsi du pluriel au singulier (dans tous les sens du terme), le long-métrage Atlantique devient ainsi la relecture modernisée de l'odyssée mythologique d'une Pénélope qui se confronterait soudain au fantôme de son Ulysse. Du pain béni pour le 7ème Art, espace suprême pour la confrontation de tout un chacun avec les fantômes de ceux qui ont marqué sa vie. Et, en fin de compte, une réussite en tous points renversante dont les vagues n'auront eu aucune difficulté, en mai dernier, à atteindre les plages de la Croisette et à envoûter tout le monde, pendant et (longtemps) après la projection.

Grand Prix archi-mérité au dernier festival de Cannes, Atlantique fut exagérément qualifié par certains de zombie-movie au sein d'une sélection cannoise plutôt gâtée en la matière (voir les derniers opus en mode mineur de Bertrand Bonello et de Jim Jarmusch). En l'état, le fantastique selon Mati Diop se veut plus proche de la hantise, de la possession, d'une force invisible qui agit davantage sur la circulation que sur la manifestation. Et surtout, afin de favoriser le basculement vers cet envers onirique, c'est surtout le bagage documentaire de la réalisatrice qui mène d'abord la danse. Sur un vaste chantier, de jeunes ouvriers Sénégalais, parmi lesquels un certain Souleiman (Ibrahima Traoré), se plaignent d'être mal (ou pas) payés par leur riche entrepreneur, ce qui semble motiver leur émigration vers d'autres terres - laquelle ne mettra pas plus d'un quart d'heure à avoir lieu hors-champ. Le film social et illustratif a déjà tout l'air de poser ses valises, mais c'est l'apparition d'une haute tour futuriste au beau milieu d'un amas de chantiers et de terrains vagues qui chante immédiatement la donne sur le caractère documentaire du film : d'un seul coup, une telle vision nous fait basculer dans une sorte de science-fiction composite, tout à fait digne de ce qu'un artiste comme Enki Bilal - par ailleurs membre du jury cannois cette année-là ! - pouvait illustrer dans ses bandes dessinées. Cette vision de Dakar est pourtant une réalité ancrée dans le contemporain : le territoire urbain se transforme, tente de se projeter vers le futur, et, installé cette fois-ci dans le champ de la fiction, se voit traversé par d'autres interrogations liées à la perte de l'Autre. C'est à celles qui restent - les mères, les sœurs, les amoureuses - qu'il incombe désormais le devoir de faire vivre l'esprit des disparus, de ces hommes qui se sont embarqués une nuit sur un océan houleux. Et au niveau visuel, c'est ici littéral : au lieu de voir des zombies sortir à la pleine lune de leur tombeau aquatique pour s'en aller chahuter l'espace terrien (on n'est pas dans Fog), ce sont de jeunes filles qui, possédées la nuit par l'esprit des disparus marins et garnies de sidérantes pupilles laiteuses, font œuvre commune de vendetta et de combat contre l'oubli.

Si les morts ne meurent pas, les vivants ne sont alors plus que des réceptacles de la mémoire, qui rêvent d'horizons plus confortables autant qu'ils offrent un horizon à ceux qui n'en ont plus. D'une certaine façon, Atlantique est un peu l'anti-Dheepan, engagé à l'opposé de la vision lourdement viriliste et manichéenne d'un Jacques Audiard qui privilégiait ainsi le feu aux trois autres éléments de la vie dans son traitement d'un sujet sensible. La caméra de Mati Diop a donc cela d'irradiant et de prodigieux qu'elle s'intéresse aux éléments en tant que composantes d'un ensemble, terre d'une parfaite symbiose. Qu'il s'agisse d'une histoire d'amour, d'une intrigue policière ou d'une errance surnaturelle, tout est ici traité sur un pied d'égalité, avec la même dynamique, sans le recours traditionnel aux conventions d'un genre précis. Il n'est donc pas si étonnant d'y retrouver, de façon quasi sensitive, l'approche choisie par un certain Apichatpong Weerasethakul - l'une des idoles de la réalisatrice - sur le palmé Oncle Boonmee : même goût du contrechamp et de la projection onirique, même simplicité des apparitions surnaturelles, même génie à utiliser les moyens du cinéma pour conjuguer le mémoriel et le sensoriel. A titre d'exemple, dans une scène de retrouvailles nocturnes dans un bar musical au bord de l'océan (où les néons et les surfaces vitrées sont légion), il suffit d'un simple jeu de réflexions pour rendre tangible la présence du disparu (ce dernier se reflète dans le miroir quand la jeune fille possédée par son esprit apparaît à l'écran). En outre, il faudrait presque une encyclopédie entière pour faire le tour de la façon inédite dont Mati Diop réussit à filmer l'océan. Pour le coup, jamais le grand écran n'avait su conférer à cette surface aquatique - cadrée en plan fixe ou en travelling latéral - une telle dimension de force magnétique (menaçante ?) qui se fait le relais d'une invitation à l'inconnu autant que d'une peur de l'engloutissement. La mer, personnage central du film, redevient ainsi ce puits de légendes qui relient la peur et la fascination, et pour cause : lorsque le soleil, pour le coup filmé comme une planète rouge, plonge chaque soir dans l'océan du titre, ce dernier se fait l'allié commun des vivants et des morts, enfin réunis le temps d'une nuit mémorielle.

Film terrien autant que cosmogonique, ancré sur le rivage mais tourné vers le large et les astres, Atlantique ne cesse de tisser de multiples passerelles entre des espaces que l'on essaie généralement d'isoler, incarnant de ce fait par un effet méta-textuel ce " pont entre les êtres " infusé depuis toujours par le thème de la migration. Les forces et les formes auxquels il tente de se confronter par le biais de la fiction ne sont d'ailleurs pas propres au Sénégal lui-même - le spectateur n'aura aucun mal à puiser dans ses propres histoires et légendes locales pour donner de la consistance à chaque élément fantastique du film. Et si la réalisatrice ne cache rien de son désir de raconter une vraie histoire d'amour et de fantômes, c'est l'acuité de son regard, faite d'expériences intimes et d'observations concrètes, qui fait toute la différence. La quête émancipatrice d'Ada (Mama Sané) se développe ainsi par un quotidien éclaté, fait d'enjeux relatifs à la lutte des classes (le hiatus riches/pauvres est ici incarné par un décor dichotomique à la Metropolis), au mariage forcé (l'héroïne est promise à un jeune homme riche dont elle n'est pas amoureuse), au portrait de groupe (les amies d'Ada injectent de vrais moments de comédie dans le récit), à la traque policière (un inspecteur buté et fiévreux est à la recherche de Souleiman), au travail de deuil (que faire face à la perte soudaine de ses proches ?) et à la mutation planétaire (cette haute tour de la côte dakaroise n'est que le clone de celles érigées par d'autres puissantes attirées par la concurrence économique). De ce fait, le film atteint une ampleur que son récit linéaire et potentiellement minimal ne laissait pas présager, et la présence du surnaturel - donc de l'invisible - permet d'installer une vraie circulation sous-jacente entre tous les points d'ancrage du récit. On vit donc le film comme Ada trace sa route sur la voie de l'émancipation : ce que l'on observe est de l'ordre de l'évidence, ce que l'on ressent obéit à autre chose. Les espaces traversés sont familiers et caractérisés par un certain confinement de l'espace - des rues bondées, des chambres miteuses, des bars étroits, des bureaux non climatisés - mais la présence de fenêtres ouvertes et de passages divers sur l'arrière-plan induisent l'idée d'une fuite. Et à chaque fois, c'est l'immensité de l'océan qui s'impose dans chaque cadre, y compris quand on ne le voit pas : cet espace qui brasse de l'eau, qui agite l'air, qui humidifie la terre et qui anime le feu des disparus, il est là, toujours là, infusé par les superbes nappes synthétiques de Fatima Al Qadiri. Sa présence est le meilleur fantôme qui soit.

On pourrait, pour conclure ce regard sur le film, évoquer une autre caractéristique de la mise en scène de Mati Diop. Quand bien même Atlantique est un film qui ne se révèle jamais avare en mouvements de caméra (le film reste vivant et vibrant jusqu'au bout), une large partie de sa puissance évocatrice est à mettre au crédit de ses très nombreux plans fixes, presque assimilables à des tableaux. La raison est très simple : c'est quand la réalisatrice tend davantage à poser son action qu'elle peut faciliter l'installation de l'allégorie dans le plan. Si l'on prend l'exemple de l'inspecteur de police, la nervosité qui le caractérise ne sert que sa seule utilité narrative (en gros, traquer un Souleiman suspecté d'incendie) alors que la fièvre qui l'assaille soudain dans ses quelques gros plans lui donne un tout autre relief (le voilà peu à peu pénétré par l'esprit de celui qu'il recherche). A noter que ce personnage constitue ainsi une exception au système de possession qui se met alors en place : en effet, alors que la logique voudrait ici que l'esprit du disparu investisse le corps de celle qu'il a aimé pour se venger de celui qui l'a trompé, ce policier sert ici de " procuration " afin de prolonger la romance entre Ada et Souleiman. Preuve qu'une légende peut en cacher une autre, et qu'un film, sous couvert d'un concept bien identifié, peut ainsi s'ouvrir sur un spectre infini de perspectives romanesques et méditatives. En cela, Mati Diop marche avec excellence dans le sillon de sa marraine de cinéma Claire Denis, elle aussi vectrice d'un cinéma chimique qui installe un vrai dialogue avec son audience. " Ada, à qui appartient l'avenir ", entend-on à la toute fin du film. Il en est de même pour sa jeune et prodigieuse réalisatrice, étoile filante devenue astre scintillant dans le cinéma mondial.

Photos : © Les Films du Bal. Tous droits réservés

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Chaque année, parmi une armada de films-événements qui agitent les médias, le Festival de Cannes nous offre toujours un ou deux films inattendus qui nous hantent durablement. En voici un, fort et précieux.

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Les Indes galantes (Clément Cogitore, 2017), Matti Ke Lal, fils de la terre (Elisabeth Leuvrey, 1998), Allonge ta foulée ! (Brahim Fritah, 2017), Beach Flags (Sarah Saidan, 2014), Les Baleines ne savant pas nager (Matthieu Ruyssen, 2020), Orgesticulanismus (Mathieu Labaye, 2008)

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Réalisé par Alice Winocour. France. 2022. 1h43.

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Réalisé par Mati Diop. France, Sénégal, Belgique. 1h44.

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Réalisé par Ridley Scott. États-Unis. 1979. 1h56.

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Réalisé par Damien Chazelle. États-Unis. 2016. 2h08.

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Extrait de "La spectralisation des migrants au cinéma", Yann Calvet - Analyse du film

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Extrait de "La spectralisation des migrants au cinéma", Yann Calvet - Analyse du film

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Étonnante péripétie que celle qui mit Ridley Scott aux commandes d’Alien, un film originellement prévu pour Walter Hill. Rétrospectivement, il s’agit

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Interview de Claire Mathon, directrice de la photographie

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Interview de Claire Mathon, directrice de la photographie

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Claire Mathon parle d'"Atlantique", de Mati Diop

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Analyse de séquence, après la disparition

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Analyse de séquence, après la disparition

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CNC Centre national du cinéma et de l'image animée

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Ma classe au cinéma | Analyse de séquence d'"Atlantique" de Mati Diop

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Quelques concept arts et extraits du storyboard

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Quelques concept arts et extraits du storyboard

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Des talents internationaux réunissent leur talent pour créer l'univers et le mythe d'Alien. On peut voir ici des dessins préparatoires de Chris Foss, Ron Cobb, Jean Giraud (Moebius) et des extraits du storyboard réalisé par Ridley Scott.

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Unclouded by Conscience: The Concept Art of Ridley Scott’s ‘Alien’ - The Gutter Review

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Ridley Scott illustrated board descriptions Alien is one of those films that we’ve covered pretty extensively on this website on more than one occasion. To be fair, it’s hard not to talk about it often when the film has had such an impact on not just the horror genre, but on filmmaking as a whole. [...]

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Giger est le designer de l'alien et de la planète sur laquelle l'équipage atterit. C'est à la lecture de cet album que Ridley Scott engage l'artiste suisse.

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H. R. Giger’s Necronomicon : H. R. Giger : Free Download, Borrow, and Streaming : Internet Archive

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Necronomicon is the first major published compendium of images by Swiss artist H. R. Giger.

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Ridley Scott raconte la fabrication du film dans un article (American Cinematographer, 1979, anglais)

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Ridley Scott raconte la fabrication du film dans un article (American Cinematographer, 1979, anglais)

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Also, my ideal notion that, by lighting the entire set, you could put an actor anywhere in it and, with a little bit of flagging, be ready to shoot just didn't work. It started to look as though we were shooting TV. Both Derek and I were unhappy that we just weren't getting what we wanted visually, and also we were tending to throw away a lot of the niceties of the set. So we just went back to normal shooting, which was basically: find your setup, have whatever bulb combinations you wanted for set purposes, but light the scene with more conventional equipment. Frankly, I prefer that method - and certainly for a project like this. It was better than trying to out-think yourselves simply to move along at great speed.

To Derek and me - coming from where we have come from - the visual aspects of a film are terribly important. They're not everything, but they're a hell of a lot. A cameraman ought to be involved in the sets, but frequently he isn't. He often just walks in, looks at the set and lights it. But Derek was drawn into everything, including colors, textures and that sort of thing. In the filming of commercials we're used to incorporating everyone into the planning process, so that everybody will know what everybody else is doing and everybody will be working off everybody else for the visual aspect of whatever the subject is. That's a honing process, and it's as important to me as the actors and the script.

There is an immense schedule pressure in the making of feature films, but the process of feature-making is, by its very nature, slow. The more you go for quality, I'm afraid, the slower it gets. There's no point to shooting simply to stay on schedule. You've got to see it through the viewfinder, and if it's not there you haven't got it. That quite frequently can become a nightmare for the director as well as for the cinematographer.

"It takes an army of dedicated people to make a feature film - and on Alien we had a marvelous army."

From top, Scott works out a frightful scene with actress Veronica Cartwright.

Making a feature is marvelous, I think, but it's a nightmare while you're doing it - a sort of love-hate process. It was that way for me and for Derek, as well, on Alien. I think it's very important to have the sort of relationship with a cameraman where you can go into the corner and say, "It's not working today, is it?" You can then discuss it quite calmly and find out why it's isn't working, what you're doing wrong. It is usually a very private thing between these two individuals only. It would be frustrating to have such discussions with actors sitting and waiting, but I've discovered that the best way for me to work is not to have the actors near the floor at all when I'm lighting. I'd rather just have them out of the way, in their dressing rooms reading or sleeping, because there's nothing worse than having actors standing around and waiting. It drains them. You can see the adrenalin falling out of them while they are hanging about, so we are usually very careful about scheduling actors in.

In the making of Alien we were, of course, confronted with something more than actors. Once you accept a script like that, the next question that comes up very fast is: What form is the creature going to take? In this case the problem was made four times as difficult, because the Alien changes in varying degrees on several occasions. Therefore, you were dealing, in this instance, with four different entities. One could argue for months about what shapes they were going to be.

We went and saw visuals of what had been done before, where you get the old Blob crawling across the floor, or a dinosaur with claws and bumps and warts, and I said, "Oh, God - it can't be that!" but the form that the Alien would take became my primary concern, and when I went to Los Angeles I saw some artwork in a book by H.R. Giger. There was a half-page in that book that was just amazing. I've never really been so shook up about anything. I just said, "This is the basis of the creature." From that point on we had a very factual, very specific, superbly rendered representation of what the Alien would finally be. It was valuable to know what his final stage would be, because then you could work backwards and biologically create stages of his development. In this case, it was necessary to do that. You had to be, in order for it to look real. You had to develop a basic understanding of how it would work, how it would move. It's the same with any biological sort of creature that you are constructing. You've got to think of it in anatomical terms.

In this case we went from the final stage of what he was and jumped back to what he would look like as a baby. There had to be a certain shape related to the final stage, and that's partly how we arrived at the nasty one. The thing that sprung out of the egg - the "perambulatory penis," as we used to call it - is the father. It is an abstract entity, in a sense, because all it does is plant a seed. Once having conceived, it dies, and the next generation takes on characteristics of whatever life form it landed on. It could have been a dog, in which case the Alien would have taken on a dog form. The result is a combination of two elements: the original creature and whatever host it uses.

During the course of designing, the Alien went through many changes, becoming more refined and more animal-like. I wanted it to look animal-like rather than fantastic - because the word fantastic means "not quite real," and I wanted it to look real.

Designing the creature in all of its phases was a difficult problem - getting the forms and textures right and all that - but getting from the design on paper to the actual thing was the worst area. What may look great on paper you may never be able to get to look right when you construct it, or you may have such a colossal weight problem that it becomes an impracticality. The mechanism of how we would make the face and head function became just too much, in the short time that we had, for Giger to tackle. We had put a workforce of people around him that would come up with all the elements involved in the derelict spaceship, the interior of the derelict, and the Alien. Sculptures and working scale models of these would then be handed to the Construction Department, which would have to build them and make them work. Every process was difficult, and to keep it within its budget was even more difficult.

At this point, Carlo Rambaldi, who is a mechanical genius, came onto the project. He was an industrial designer originally, so there was a great deal of practicality attached to his artistry. He looked at the head, loved the artwork and the whole intention of the film and, even though he was up to his eyes in other things, he was somehow able to say, "Okay, I can get involved in the face and make various things happen." and so, he came in for three or four weeks, working with Giger.

Carlo Rambaldi designed the mechanics of the head, made the lips work, made the jaws function. Normally you can't stand to have the camera take a close look at things like this, but it was so good and I was so pleased with it that I just did a huge closeup on it.

I feel that in the process of feature-making, the director should be involved straight through - and so I have been. The editor, Terry Rawlings, was cutting the film behind me all the way. As I was shooting he was editing, so every night I was able to see what was happening. We would discuss it and he would make refinements, then carry on making assemblies as the footage was coming in. This worked so well that eight days after the end of shooting in October we were able to show 20th Century-Fox a two-hour and 22-minute cut.

Of course, long before that stage was reached, the people at Fox had got wind of the fact that we were working on something special and I think that it grew in their estimation from the original $4.5 million film they had planned to something that might really have a shot for them the following year. And so, very soon, the May 25 release date became a fact that we had to stick to. Consequently, Fox then kept a very close eye on it all the way through.

We had to keep showing cuts four times during the filming - leaving huge gaps here and there for special effects shots and miniatures. The Fox people were fully convinced that they were going to run the film in theaters on May 25, so, at whatever cost, we had to get it out. This meant that at the end of shooting the principal action there was no let-up whatsoever. I had to go crashing straight across from Shepperton to Bray Studios, where the effects and miniatures were to be shot. Derek had finished at Shepperton and now I was joined at Bray by the miniature effects director of photography, Denys Ayling, and special effects supervisor, Nick Allder, who came across with his floor effects unit from Shepperton.

I got involved with the model-making and shooting and found it to be just amazing, really interesting. I had my editing rooms at Bray, so I was editing while still shooting. The process of filming miniature shots carried on right up to the last minute. You do it and it's not quite right, so you do it again - and maybe again, until eventually there comes a point where you have to be practical and say, "That's good enough." The whole process was a railroad track right through to May 25. There was no let-up at all.

In the making of a film like Alien, there is a whole large group of individuals who tend to get overlooked and who don't get enough emphasis really. The art department is a prime example. Their budget alone approached $2 million. That means that there was a huge amount of designing apart from the overall visual concept. Then there was the challenge of taking that visual concept and building it in the form of sets that will work on film. You are then actually constructing reality. That can be well done or it can be really badly done. I feel that in the case of Alien it was extremely well done.

There were several key people in the art department who worked closely with Michael Seymour, my production designer, who really steered the whole thing in terms of the way it looked and who designed an awful lot of separate things. It takes a lot of courage to handle a budget like that but he made it work.

Mike had two great guys working with him - art directors Roger Christian and Les Diley. It was Diley who really designed a lot of the exterior planet work and who was very involved in the model of planet terrain that was placed around the derelict spaceship. The derelict was a miniature about four feet across and it was sculpted by Peter Boysey. It was an absolutely superb sculptural work.

Roger Christian is a very special talent in that he is a master draftsman. There is an absolute art in what I call "graffiti" and it involves layers on layers of detail. It really is a form of graphic sculpture and everything looks like it works.

Then there was the construction manager, Bill Welch, who saved the film company a lot of money by holding strictly to the schedule and always knowing where he was in relation to his budget. The carpenter and painter units working under him totalled nearly 200.

It takes an army of dedicated people to make a feature film - and on Alien we had a marvelous army.
You'll find cinematographer Derek Vanlint's account of shooting the picture here.
Alien was selected as one of the ASC 100 Milestone Films in Cinematography of the 20th Century.

If you enjoy archival and retrospective articles on classic and influential films, you'll find more AC historical coverage here.

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The Filming of Alien - The American Society of Cinematographers (en-US)

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Also, my ideal notion that, by lighting the entire set, you could put an actor anywhere in it and, with a little bit of flagging, be ready to shoot just didn't work. It started to look as though we were shooting TV.

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L'alien, les décors, les robots, le personnage de Ripley.

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Ciné-club : Alien, le 8e passager de Ridley Scott

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Alien et le mythe de Prométhée (analyse vidéo)

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Alien et le mythe de Prométhée (analyse vidéo)

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RIPLEY dans "Alien" : la Prométhée moderne

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"Ripley dans le labyrinthe", analyse mythologique

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"Ripley dans le labyrinthe", analyse mythologique

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Alien, le huitième passager - Transmettre le cinéma

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Le vaisseau Nostromo et son équipage rentrent sur Terre avec une cargaison de minerai. Mais lors d’un arrêt forcé sur une planète déserte, l’officier Kane se fait agresser par une forme de vie inconnue, une arachnide qui étouffe son visage…

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La comédie musicale hollywoodienne - frise chronologique

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La comédie musicale hollywoodienne - frise chronologique

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Dans cette frise, vous retrouverez entre autres les cinéastes, comédien.nes et chorégraphes suivants :

A. Crosland, A. Jolson, W. Disney, A. Freed, E. Lubitsch, M. Chevalier, K. Vidor, B. Berkeley, F. Astaire, G. Rogers, H. Pan, G. Stevens, V. Fleming, J. Garland, V. Minnelli, G. Kelly, S. Donen, C. Walters, L. Caron, C. Charisse, G. Cukor, D. Day, F. Sinatra, A. Hepburn, M. Monroe, B. Wilder, J. Robbins, R. Wise, J. Andrews, J. Demy, F. Dorleac, C. Deneuve, B. Streisand, B. Fosse, J. Travolta, B. De Palma, F. F. Coppola, M. Jackson.

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Frise chronologique] Panorama du film musical américain durant sa période de plus grande efflorescence, entre 1920 et 1980

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Conçu par LUX Scène Nationale, en collaboration avec le CNC

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Frise chronologique"Histoire du sport et du cinéma"

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Frise chronologique"Histoire du sport et du cinéma"

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Le cinéma naît en 1895. L’année suivante, les premiers Jeux Olympiques modernes se déroulent à Athènes. Dans les décennies précédentes, les sports majeurs avaient pris leurs marques et établis leurs règles comme l’image animée avait fait ses premières expériences. Jusqu’à aujourd’hui, le sport et le mouvement olympique ont traversé́ l’histoire du monde, ses turbulences, ont participé́ aussi à sa construction tandis que le cinéma en a été le miroir permanent. Pratiquement 130 ans après la première séance publique de cinéma et la première olympiade moderne, tous deux imaginés par des Français (les frères Lumières et Pierre de Coubertin), cette frise célèbre la conjonction de ces deux spectacles en mettant en regard ces deux expressions populaires, créatrices de bonheur et d’évasion, de frustration et d’envies, de mythes, drainant des foules immenses dans les stades et les salles de cinéma. A travers les repères filmiques proposés, cette frise illustre aussi l’évolution du regard porté sur le sport dans l’histoire du cinéma et la diversité des formes artistiques et des fonctions politiques, sociales ou culturelles de ces films suivant les pays, au fil des époques. Elle interroge enfin sur la place du sport et du cinéma dans nos vies et explore des territoires sportifs et cinématographiques permettant de découvrir une fabuleuse histoire commune parcourue par de grands mythes sur les stades comme dans les salles de cinéma, de Johnny Weissmuller à Mohamed Ali en passant par Rocky.Texte : Julien et Gérard Camy.Supervision : Julien Camy. Réalisation : Ciclic 2023.﻿LA FRISE EN PLEIN É﻿CRAN

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Le genre de la comédie musicale (vidéo 10 minutes)

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Le genre de la comédie musicale (vidéo 10 minutes)

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CNC Centre national du cinéma et de l'image animée

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Ma classe au cinéma | La comédie musicale

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Analyse de la séquence d'ouverture (vidéo 6 minutes)

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Analyse de la séquence d'ouverture (vidéo 6 minutes)

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Ma classe au cinéma | « La La Land » de Damien Chazelle

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Kitchen - D'Alice Winocour - Regarder le film complet | ARTE

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En l'absence de son mari une femme se met en tête de lui cuisiner du homard pour le dîner. Mais les deux crustacés se débattent et résistent, déclenchant en elle la spirale infernale de l'angoisse.