# data[].attributes.body
• Invictus, 2015

Exploitaient la sensualité et la plastique des héros et dieux grecs, cette pub rappelle l'Antiquité par les codes utilisés :  les gladiateurs, des peintures comme La Création d'Adam peinte entre 1508-1512 Michel-Ange, des sculptures comme Athéna mélancolique située au Musée de l'Acropole, figure ailée rappelle celle d’Éros/Cupidon ou de Nikè, les jeunes filles qui se renversent de l’eau évoquent le mythe des Danaïdes.
Il y a un recours à une iconographie antiquisante et héroïsante.
Le clip "Power" de Kanye West reprend ses codes dans un tableau vivant.

# data[].attributes.body
Définition :
Revival, le renouveau, nom masculin

Toute résurgence d'un mouvement, d'une mode, d'une coutume, d'un style, d'un état d'esprit anciens.

C'est en quelque sorte un mouvement de reviviscence de certaines activités (genres musicaux par exemple).

Pourquoi j'ai choisi le revival ?
Ressentant une certaine fascination pour les décennies qui précèdent la notre, plus particulièrement les années 90,
il me semblait presque évident
de travailler sur un thème mettant en lumière le  passé. Que ce soit dans le domaine de la technologie, de la mode, de la musique, du cinéma, ou du graphisme (  typo, mise en page, photo ) le charme
de ces décennies passées est une immense source d’inspiration.
Ce sont les codes utilisées à une période précise, dans un contexte précis qui m'intéresse.
Au delà des années 90, j'ai décidé de centrer mon projet sur le revival de manière générale afin de ne pas être cloisonné dans une seule période et ainsi pouvoir voir plus large.

# data[].attributes.headline
• L’influence de l’Art Moderne dans le design actuel, Agence DISKO, 18 MAR, 2014

# data[].attributes.subject
• L’influence de l’Art Moderne dans le design actuel, Agence DISKO, 18 MAR, 2014

# data[].attributes.body
« L’art est partout, le design est partout. Nous sommes entourés par le graphisme et le design. Tout est pensé, conceptualisé et designé. Le web ne fait pas exception. Dans le design moderne, on trouve sur la toile des milliers d’exemples qui rappellent une oeuvre, un objet,

un artiste ou un courant artistique passé. »

Cet article démontre à travers des exemple que le passé et l’Histoire influencent les créatifs d’aujourd’hui. On y mentionne l'école du Bauhaus, l’Art moderne, le style international typographique, le Néoplasticisme, L’Art Nouveau ou l’Art Déco. Certains mouvements artistiques représentatifs d’une époque, d’un contexte socio-culturel, sont remis au goût du jour.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
L'art est partout, le design est partout. Nous sommes entourés par le graphisme et le design. Tout est pensé, conceptualisé et designé. Le web ne fait pas exception. Dans le design moderne, on trouve sur la toile des milliers d'exemples qui rappellent une oeuvre, un objet, un artiste ou un courant artistique passé.

Le designer est influencé, sciemment ou non, par l'Histoire de l'art.

Le propos ici n'est pas de recenser les similitudes artistiques entre le design web et les beaux-arts (deux choses totalement différentes, nous sommes d'accord), mais de montrer, à travers quelques exemples de sites, comment le passé et l'Histoire inspirent les designers d'aujourd'hui, et ce qu'ils apportent au design actuel.

Le Bauhaus

Le style issu de l'école du Bauhaus a posé les bases de la réflexion sur l'architecture et le design moderne, et est également le précurseur du design contemporain. Il a eu une influence fondamentale sur les développements ultérieurs de l'art, de l'architecture, du design graphique, du design d'intérieur, du design industriel, et de la typographie. La simplicité et l'attention portée aux détails, l'équilibre entre la forme et la fonction, propres au mouvement du Bauhaus, sont des éléments fréquemment utilisés dans le design des sites actuels, l'expérience utilisateur étant au centre des préoccupations des concepteurs et designers. Des lignes, du noir et blanc, pas d'ornements... On simplifie la forme au maximum, la fonctionnalité prime.

On trouve aujourd'hui des milliers de sites à l'esthétique minimaliste, héritiers directs du mouvement Bauhaus, mais rares sont ceux qui utilisent ses principes fondamentaux, alliant design et fonction.
https://www.bureau-va.com/ https://awardonline.com/ https://cyclelux.cc/
Le Style International Typographique

Egalement connu sous le nom de style suisse, le style international typographique est né en Suisse dans les années 1950. En surface, il rappelle le style fonctionnel et minimaliste du Bauhaus. Mais, en y regardant de plus près, il met l'accent sur la typographie, la conception géométrique et les systèmes de grilles.

Certains de nos sites actuels utilisent la typographie comme élément stylistique. La typographie ne communique pas seulement l'information : elle est l'élément principal de design sur la page. De plus, la typographie s'appuie sur une grille, essentielle à l'efficacité de la page et reprend parfois les codes de mise en page traditionnels issus des magazines.

Les sites suivants sont de bons exemples de conception web moderne, et illustrent comment tirer parti de ce style pour répondre à nos besoins.
https://terminalplanning.aero/ https://nzopera.com/ https://www.bxswiss.com/
Le Neoplasticism

e

Le terme néoplasticisme fut employé par le peintre néerlandais Piet Mondrian pour décrire son art : abstrait, austère et géométrique. Il donna naissance au mouvement De Stijl. Mondrian l'explique comme un principe esthétique défini par deux lois :

- ni courbes ni obliques, seulement des traits verticaux et horizontaux

- des couleurs pures uniquement : bleu, rouge et jaune (à ne pas confondre avec les couleurs primaires : cyan et magenta) et des non-couleurs : gris, noir et blanc.

On trouve aujourd'hui de nombreux sites s'appuyant sur une structure en grille, faisant écho au travail de Mondrian, enrichis de nouvelles couleurs, d'une iconographie minimaliste, et de photographie. L'utilisation la plus flagrante est le style Metro développé sur la dernière interface graphique Windows 8.
https://palace.co/ https://www.kipling.com.br/ https://olympic.ca/
L'Art Nouveau / Art Déco

L'Art Nouveau est un mouvement artistique de la fin du XIXe et du début du XXe siècle qui s'appuie sur l'esthétique des lignes courbes.

Il se caractérise par l'inventivité, la présence de rythmes, couleurs, ornamentations, inspirés des arbres, des fleurs, des insectes, des animaux, et qui introduisent du sensible dans le décor quotidien. Avant la Première Guerre Mondiale, ce mouvement évolua vers un style plus géométrique, caractéristique du mouvement artistique qui prendra la relève : l'Art Déco (1920-1940).

Dans le design, on retrouve certains éléments caractéristiques de l'Art Nouveau : rubans, ornamentations, textures, mélanges de polices (scripts, cursives, serif, sans serif), illustrations rétro / vintage et autres décorations... Ce type d'éléments permet de donner un supplément d'âme à votre site et de susciter une certaine émotion chez le visiteur. Les éléments vintage font appel à la nostalgie et apportent de la convivialité. Combinés à la simplicité des interfaces modernes, ils stimulent la popularité de votre site.
https://www.cirq.com/ https://circlesconference.com/ https://www.dollardreadful.com/
Ce ne sont que quelques-unes des innombrables influences de l'art sur le design actuel. Le but n'est pas de faire un cours d'Histoire de l'art, mais de souligner les origines de certains modèles utilisés sur le web. Les vrais innovateurs ont toujours exploité les idées du passé en les adaptant aux besoins modernes, créant à leur tour de nouvelles approches qui inspireront les futures générations de designers.

C'est un cycle perpétuel et inaltérable : le passé est le fondement des éléments futurs, le moteur des créativités actuelles et à venir.

# data[].attributes.attachment_link.title
L'influence de l'Art Moderne dans le design actuel - DISKO

# data[].attributes.attachment_link.description
L'art est partout, le design est partout. Nous sommes entourés par le graphisme et le design. Tout est pensé, conceptualisé et designé. Le web ne fait pas exception. Dans le design moderne, on trouve sur la toile des milliers d'exemples qui rappellent une oeuvre, un objet, un artiste ou un courant artistique passé.

# data[].attributes.body
La citation « les designers, notamment ceux des années 60, témoigneront du même souci que les créateurs de l’Art Nouveau de conférer à leurs mobiliers et objets un rythme linéaire ininterrompu et de restituer au sein du cadre de vie des formes abstraites suggérées par des entités vivantes de natures diverses », montre que l’on reprend les codes esthétiques d’un mouvement comme l’art nouveau, datent de la fin du XIXᵉ
les lignes, les formes, les couleurs, les matériaux sont biens spécifiques, pour créer quelque chose de nouveau. C’est également un état d’esprit que l’on veut mettre en avant. Le Psychédélisme par exemple apparu dans les 60's
reprend certains codes de l’art nouveau dans un contexte de libération, de renouveau.

Ce mouvement artistique exprime une nouvelle philosophie de la vie: un envie d’amour,

de spiritualité, de liberté de chacun…

# data[].attributes.body
• Logo Instagram
par Kevin Systrom et Mike Krieger en octobre 2010 ( premier ) -  2016 ( actuel )

Passage d'un logo vintage qui reprend un Polaroid, à un logo ultra contemporain simplifiée avec des dégradés de couleurs vives

# data[].attributes.body
• Evolution du logo apple

Exemple qui prouve l'expression "vivre avec son temps"

# data[].attributes.body
Passant d’un logo créé rapidement composé simplement du nom de l’entreprise avec la police Bello et un contour bleu, l’agence anglaise DesignStudio s’est inspirée de quatre éléments afin de créer la nouvelle image de marque beaucoup plus contemporaine : les gens, les endroits, l’amour et le A d’AirBnb.

# data[].attributes.headline
Pochette d'album ctv3: cool tape vol. 3 par Jaden Smith, 2020

# data[].attributes.subject
Pochette d'album ctv3: cool tape vol. 3 par Jaden Smith, 2020

# data[].attributes.body
Cette pochette d'album reprend des code de mouvement psychédélique des 60's par l'utilisation d'une typographie art nouveau et l'association de couleurs très vives

# data[].attributes.body
Le passé est à la mode, Gentiane Lenhard et Hélène Brunet-Rivaillon, journal LeParisien, 11 septembre 2013

Avec la citation « Elle ( la mode ) connaît un va-et-vient incessant, rappelle Didier Grumbach, président de la Fédération française de la couture. A la fin du XVIIIe siècle, on s'inspirait déjà des toges romaines. Mais il s'agit de retours aux sources partiels adaptant des modèles originels aux goûts de notre époque. » on comprend que les créateurs de toute époques s’inspirent des codes vestimentaires du passé. Aujourd'hui la mode est au rétro, au vintage. « Plus elles sont vieilles, plus elles semblent légitimes, honorables, luxueuses. ».

Les vêtements anciens ont du charme. C’est également un réel atout économique. En invoquant le passé on fait appelle à l’émotion, à la nostalgie cela fait vendre. On peut parle d’héritage ou d’hommage lorsque des designers s’inspirent de codes du passé.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pour être dans l'air du temps, regardez dans le rétro. Les créateurs en ont décidé ainsi.

Des robes vichy années 1960 chez Prada, des vestes cintrées années 1940 chez Dior, des fourrures années 1930 chez Vuitton, des capes années 1920 chez Nina Ricci, les collections de l'automne-hiver 2013-2014 sont à la nostalgie.

Certes, la mode est un éternel recommencement.

" Elle connaît un va-et-vient incessant, rappelle Didier Grumbach, président de la Fédération française de la couture. A la fin du XVIIIe siècle, on s'inspirait déjà des toges romaines.

Mais il s'agit de retours aux sources partiels adaptant des modèles originels aux goûts de notre époque. "

A partir des années 1980, les références au passé se sont multipliées.

" Avant, il fallait être futuriste pour être moderne. On a peu à peu réintégré le passé dans le présent, explique Jean-Michel Bertrand, professeur à l'Institut français de la mode.

On a alors compris que l'histoire des vêtements constituait un véritable capital, qui n'était jusque-là pas même archivé ! "

D'où la naissance concomitante du phénomène " vintage ", un terme anglais dérivé de " vendanges ", initialement employé pour désigner le millésime d'un vin.

Cette saison, le retour aux sources cher aux créateurs prend une ampleur inédite.

Loin des friperies, des vide-dressings et du marché des vêtements de seconde main, le retour au passé s'opère désormais aussi dans le neuf.

Les marques parlent d'héritage, imaginent des collections hommages à leur premier créateur, multiplient les rééditions à l'identique de pièces originelles.

Et elles y gagnent. Plus elles sont vieilles, plus elles semblent légitimes, honorables, luxueuses.

Les belles endormies de la couture sont des candidates idéales.

Et, en juillet dernier, la maison Schiaparelli - fondée par Elsa Schiaparelli, créatrice avant-gardiste de l'entre-deux-guerres, proche de Dali et Cocteau - fermée en 1950, renaît de ses cendres sous la baguette magique de Christian Lacroix.

Chaque maison s'arrange avec son histoire et prend plus ou moins de liberté avec son ADN.

Mais toutes ont le même moteur : l'appétit du public pour l'histoire de la mode, lui-même porté par la ribambelle de films consacrés aux couturiers (dont le futur Yves Saint Laurent de Jalil Lespert, actuellement en tournage) et par la multiplication d'expositions rétrospectives.

" La mode est entrée dans les musées, et les créateurs de mode sont aujourd'hui perçus comme des artistes ", poursuit Didier Grumbach. Du coup, leurs œuvres prennent de la valeur.

Les collectionneurs évoquent avec émotion un manteau de Jean Poiret acheté plus de 100 000 euros.

Françoise Sternbach et Dominique Chombert, du cabinet d'expertise Chombert & Sternbach, spécialisé dans les ventes aux enchères de produits de luxe, ont en tête plusieurs ventes récentes remarquables : un costume Pierre Cardin des seventies vendu 34 000 euros, une robe Comme des Garçons adjugée 25 000 euros, " quand elle aurait été estimée à 3 000 euros il y a quatre ans ".

Inutile, pour autant, de mettre au coffre toute la garde-robe de vos grands-parents.

Les prix élevés concernent uniquement des pièces fortes, et en bon état.

" Seuls les modèles authentiques, ni retouchés ni repris, signées par les couturiers à l'origine des maisons et non par leurs successeurs voient leur cote bondir ", précise Sarah Rozenbaum, l'une des références de la mode d'époque aux puces de Saint-Ouen.

Par un étonnant tour de passe-passe, le neuf aux allures rétro prend aujourd'hui de la valeur.

Profitant de l'aura des maisons de haute couture, de nombreuses griffes grand public s'engouffrent dans des stratégies de rééditions.

Du côté des marques, le retour à l'ancien est parfait en temps de crise.

" Dans la mode, le temps est un facteur clé, commente Frédéric Godart, auteur de Sociologie de la mode (éditions La Découverte). Une marque de luxe a besoin d'au moins quinze ans pour se positionner en tant que telle.

Revitaliser une marque, c'est tenter d'acheter du temps. "

Une ruse qui ne marche pas à tous les coups si on y a recours " au premier degré, en vendant une mémoire et des codes ringards, prédit Vincent Grégoire, du bureau de style Nelly Rodi.

Faute d'innovations, certaines maisons vont sombrer dans l'autocélébration et la parodie d'elles-mêmes, proposer un faux vintage aseptisé et ennuyeux. "

Du désuet, loin de la belle histoire qui nous fait joyeusement remonter le temps en quelques vêtements.

# data[].attributes.attachment_link.description
Pour être dans l'air du temps, regardez dans le rétro. Les créateurs en ont décidé ainsi. Des robes vichy années 1960 chez Prada, des vestes cintrées années 1940 chez Dior, des fourrures années 1930 chez Vuitton, des capes années 1920 chez Nina Ricci, les collections de l'automne-hiver 2013-2014 sont à la nostalgie.

# data[].attributes.body
Des classiques du design en mode revival, Véronique Lorelle, journal LeMonde, 23 avril 2018

La phrase « Souvenir de nos jeux injouables (…) Souvenir fantomatique de nos vies » montre que réinterpréter des code passés fait appelle aux souvenirs. Afin de créer du neuf, on utilise

le vieux mais les matériaux et technique de fabrication peuvent être différentes. Mais utiliser d’ancienne techniques peut être tout autant intéressant.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Tel un origami de bois, le fauteuil Taliesin 1 de l'architecte américain Frank Lloyd Wright (1867-1959), réédité par Cassina en 2018 (ici, dans sa version édition limitée). Cassina

Le design n'a pas 100 ans et chacun cherche une légitimité - c'est de bonne guerre - en s'ancrant dans le passé. Cassina cultive cette année le revival en éditant notamment Mexique, la table de repas de Charlotte Perriand conçue pour la Maison du Mexique à la Cité universitaire de Paris, dans les années 1950 - cette pièce sera vendue en exclusivité dans la boutique parisienne Merci, du 20 juin au 14 juillet -, ainsi que le fauteuil Taliesin 1 de l'architecte américain Frank Lloyd Wright, tel un origami de bois.

Cette pièce, que le fabricant italien avait produite de 1986 à 1990, est proposée cette année dans une version historique en hêtre et merisier, et dans une édition contemporaine, limitée à 450 pièces, plus confortable. Cassina a même sorti la très graphique chaise tubulaire Beugel, dessinée en 1927 par l'architecte Gerrit T. Rietveld, et qui n'avait jamais été fabriquée industriellement.

Fendi Casa, qui fête son trentième anniversaire, réédite pour l'occasion un sofa et une méridienne de 1994 et 2004, puisés dans ses collections. Et permet au designer et architecte d'intérieur français Thierry Lemaire - qui collabore depuis cinq ans avec la griffe romaine - de mettre en scène toutes ses créations dans le palazzo Carcassola Grandi, datant du XVI e siècle, où la maison a ouvert son premier flagship, en 2017. Thierry Lemaire y montre aussi de nouvelles pièces, telle cette monumentale table en marbre brut de 4,20 mètres de long, taillée comme une planche de surf et posée sur deux pieds ovoïdes en cuivre.

Table de jeu et tiroirs secrets

Bottega Ghianda a fait appel à des vétérans multimédaillés - Mario Bellini, Michele De Lucchi, Naoto Fukasawa, Jean Nouvel et Tobia Scarpa - et présente au palazzo di Brera une pièce d'exception en bois, imaginée par chacune de ces célébrités. Ainsi l'architecte Jean Nouvel a conçu une intrigante table de jeu, tel un cube sur roulettes aux tiroirs secrets, de toute beauté. C'est Enigme à tics : " Un coffre énigmatique qui ne donne pas d'emblée les règles de ses jeux. Souvenir de nos jeux injouables (...) Souvenir fantomatique de nos vies ", commente-t-il.

La chaise tubulaire Beugel, dessinée en 1927 par l'architecte Gerrit T. Rietveld, fabriquée pour la première fois industriellement grâce à l'étude minutieuse des dessins et de prototypes, Cassina (2018). Cassina

La plus belle exposition milanaise, mêlant pièces historiques et nouveautés, est signée du designer autrichien installé à Paris, Robert Stadler, pour Vitra, qui souhaitait, cette année, " mettre l'accent sur sa longue histoire d'amour avec le design ", selon Sarah Girod, porte-parole du fabricant suisse. Sous le titre " Typecasting " - emprunté au cinéma, pour le casting de personnages stéréotypés -, Robert Stadler a mis en scène deux cents objets qui, comme autant d'acteurs, sont rassemblés en fonction de leur caractère : les athlètes, les rêveurs, les rangeurs compulsifs... Au centre trônent six sofas du futur, conçus à la fois comme une assise et une plate-forme de travail, équipés de l'électricité pour brancher lampe et tablette.

" J'ai associé ces prototypes signés de Konstantin Grcic, des frères Bouroullec, de Barber & Osgerby, de Commonplace Studio et de moi-même, à des produits iconiques édités par Vitra, comme la Living Tower de Verner Panton, datant de 1969, un rare canapé vertical offrant à la fois une intimité à l'usager et la possibilité de se rassembler. La même idée était déjà présente dans les années 1930, les années 1960 avec les hippies et aujourd'hui ! ", explique Robert Stadler, pieds nus sur son sofa Hybrid, une plate-forme confortable équipée d'obligeants dossiers qui s'inclinent et tournent.

Article réservé à nos abonnés Lire aussi Design : Milan est une fête

# data[].attributes.attachment_link.title
Des classiques du design en mode revival

# data[].attributes.attachment_link.description
Le design n'a pas 100 ans et chacun cherche une légitimité - c'est de bonne guerre - en s'ancrant dans le passé.

# data[].attributes.body
Le film musical « Black is King » de Beyoncé regorge de références au passé et au patrimoine culturel, invoquant notamment des spiritualités, légendes, paysages, modes et symboles africains anciens divers et variés.

# data[].attributes.attachment_link.title
BLACK IS KING, a film by Beyoncé | Now Streaming | Disney+

# data[].attributes.headline
• Le retour du " chromotype" des années 80/90

# data[].attributes.subject
• Le retour du " chromotype" des années 80/90

# data[].attributes.headline
• Remastérisation du design des VHS des 70's

# data[].attributes.subject
• Remastérisation du design des VHS des 70's

# data[].attributes.headline
• Berlin : la mythique Love Parade pourrait bientôt faire son come-back, par Jean Gueguen, TRAXmagazine, 14.01.2020 

# data[].attributes.subject
• Berlin : la mythique Love Parade pourrait bientôt faire son come-back, par Jean Gueguen, TRAXmagazine, 14.01.2020 

# data[].attributes.body
« le créateur de la première Love Parade à Berlin vient de présenter une nouvelle initiative visant à renouveler le légendaire défilé technophile : Rave The Planet »

Célèbre dans les 90’s, La techno connait aujourd'hui une ascension fulgurante. C’est tout un concept, un univers, un état d’esprit qui prône des valeurs fortes et qui est remis au goût du jour. Un nouvelles vague de liberté apparait. Souvent, ces vagues de liberté apparaissent après un événement important, une crise économique ou sociale. En l’occurrence, le mouvement techno est apparue à Berlin après la destruction de son mur.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Ces derniers jours, les médias allemands frémissent à l'annonce d'une nouvelle Love Parade. Le légendaire défilé immortalisé par le tube de Da Hool et interrompu en 2010 suite au drame de Duisbourg (où 650 personnes sont blessées et 21 personnes trouvent la mort lors de mouvements de foules) va-t-il reprendre du service ? Et fédérer à nouveau les peuples des musiques électroniques dans la danse ? C'est bien le projet de Matthias Roeingh, alias Dr Motte, créateur de la première Love Parade en 1989, avec Rave The Planet, qu'il présentait hier au Mall of Berlin, sur le site du légendaire club Tresor. Conçu sur un modèle associatif, le projet s'articule sur trois axes : instaurer une nouvelle parade complètement indépendante à Berlin grâce à une collecte de fond ; construire un monument artistique qui célèbre les 30 ans de culture club berlinoise ; inscrire les musiques électroniques au patrimoine culturel immatériel de l'UNESCO et instituer un jour férié pour célébrer cette culture.

En se rendant sur le site de Rave The Planet, il est possible de participer au "Fund Raving", un financement participatif et ludique appelant à la générosité des ravers. Farfelus, les initiateurs du projet ont réalisée une immense maquette de l'avenue du 17 juin, où se tenait historiquement la Love Parade et proposent aux contributeurs de verser de 5 à 250 € ou plus pour voir une figurine de mini-raver à leur effigie placée sur la maquette. À vous de choisir si vous préférez Trance Jenny, Tech Mum, Disco Daisy, Raving Rosi ou encore Dixie House, la cabine de toilettes mobile. L'objectif est de remplir la maquette avec les figurines de 1,5 million de contributeurs.

L'envie d'inscrire la musique électronique au patrimoine mondial de l'UNESCO, quant à elle, s'inscrit dans un contexte de crise des clubs berlinois qui voit de nombreuses fermetures de club au profit de complexes de bureau. Cette reconnaissance permettrait donc une meilleure protection de toutes les initiatives liées aux musiques électroniques, encore trop souvent victimes de préjugés de la part des pouvoirs publics et de la société civile. " Notre culture consiste principalement en une culture de la danse. Nos maîtres de cérémonie sont les DJs. Et les clubs sont nos espaces libres dans lesquels nous pouvons danser librement ", explique le Dr Motte au média allemand n-tv.de. Dans quelle mesure cette culture peut-elle prétendre s'ériger en patrimoine mondial ? En guise d'élément de réponse, la définition de l'UNESCO paraît claire :

" On entend par patrimoine culturel immatériel les pratiques, représentations, expressions, connaissances et savoir-faire - ainsi que les instruments, objets, artefacts et espaces culturels qui leur sont associés - que les communautés, les groupes et, le cas échéant, les individus reconnaissent comme faisant partie de leur patrimoine culturel. Ce patrimoine culturel immatériel, transmis de génération en génération, est recréé en permanence par les communautés et groupes en fonction de leur milieu, de leur interaction avec la nature et de leur histoire, et leur procure un sentiment d'identité et de continuité, contribuant ainsi à promouvoir le respect de la diversité culturelle et la créativité humaine. Aux fins de la présente Convention, seul sera pris en considération le patrimoine culturel immatériel conforme aux instruments internationaux existants relatifs aux droits de l'homme, ainsi qu'à l'exigence du respect mutuel entre communautés, groupes et individus, et d'un développement durable ".

Alors, à quand le retour de la Love Parade ?

Toutes les informations sont à retrouver sur le site Internet de Rave The Planet.

# data[].attributes.attachment_link.title
Berlin : la mythique Love Parade pourrait bientôt faire son come-back

# data[].attributes.attachment_link.description
Ces derniers jours, les médias allemands frémissent à l'annonce d'une nouvelle Love Parade. Le légendaire défilé immortalisé par le tube de Da Hool et interrompu en 2010 suite au drame de Duisbourg (où 650 personnes sont blessées et 21 personnes trouvent la mort lors de mouvements de foules) va-t-il reprendre du service ?

# data[].attributes.body
Cette pub télévisée pour Pepsi, qui fait reprendre « We Will Rock You » à Britney Spears, Beyoncé et Pink dans une arène de gladiateurs, sous le regard du méchant empereur romain incarné par Enrique Iglesias reprend les codes de la Rome antique.
L'objectif est de faire rire les téléspectateurs, donner un caractère ancestrale, puissant au produit

# data[].attributes.attachment_link.title
Pepsi Commercial HD - We Will Rock You (feat. Britney Spears, Beyonce, Pink & Enrique Iglesias)

# data[].attributes.body
Affiches publicitaires inspirées d’oeuvres d’art, agence CREADS, 19 Juin 2019

Cet article recense des exemples d’affiches publicitaires qui s’inspirent d’oeuvre anciennes.

Le but étant d’attirer les consommateurs en faisait appelle à ses souvenirs et en suscitant le rire. À travers ces exemples, on peut constater encore une fois que le passé, constitué de cultures et de moeurs différentes, est  important pour l’Homme dans son processus de création.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les affiches publicitaires puisent parfois leur source d'inspiration chez les plus grands maîtres. Magritte, Leonard de Vinci ou encore Andy Warhol, nombreux sont les artistes qui, à leur insu, ont inspiré les agences de publicité. En effet l'art, la sculpture et la pop culture sont de précieux réservoirs de références pour les créatifs. CREADS, 1ère plateforme agile de production de contenus créatifs a rassemblé pour vous 10 pubs créatives qui s'inspirent sans complexe d' oeuvres d'art connues. L'occasion pour les annonceurs de jouer aux artistes en créant des affiches publicitaires drôles, insolentes ou imaginatives.

Découvrez notre Top 10 des affiches publicitaires inspirées d'oeuvres d'art

10. Édouard Manet inspire DioR

Dior s'est inspiré pour cette affiche du célèbre tableau Le Déjeuner sur l'herbe de Édouard Manet. Ce n'est pas une première dans l'univers du luxe, plusieurs marques reprennent à leur façon les codes de la peinture, une façon habile de hisser la mode au niveau des plus grandes oeuvres.
9. Hokusai inspire Levis
La célèbre estampe japonaise La Vague de Hokusai a inspiré Levis pour son street marketing. Une façon surprenante de détourner une affiche publicitaire classique pour en faire un réel objet en 3D, qui attire irrésistiblement l'oeil des passants.

8. Michel-Ange inspire Lego

La création d'Adam, oeuvre phare de la Chapelle Sixtine à Rome date de 1511. Ce chef d'oeuvre de Michel-Ange a inspiré depuis de nombreuses marques, parmi lesquelles Lego qui reprend le détail le plus connu de la peinture comme key visuel de son affiche publicitaire.

7. Andy Warhol inspire Ray-Ban

Ray-Ban s'est inspiré du Pop Art et a repris de façon décalée le très célèbre portrait de Marilyn réalisé par Andy Warhol pour son affiche publicitaire. Une référence parfaitement en accord avec l'univers de Ray Ban qui joue volontiers sur la nostalgie et son côté rétro.

6. Roy Lichtenstein inspire Perrier

Le tableau Oh, Jeff...I Love You, Too...But... et plus généralement l'univers pop de Roy Lichtenstein a inspiré Perrier pour son affiche publicitaire. Un style très graphique inspiré des bandes dessinées qui permet en plus un jeu de mot autour des " bulles ".

# data[].attributes.attachment_link.title
Affiches publicitaires :découvrez le Top 10 inspiré des oeuvres d'art

# data[].attributes.attachment_link.description
Les affiches publicitaires puisent parfois leur source d'inspiration chez les plus grands maîtres: 10 pubs créatives qui s'inspirent d'oeuvres d'art connues !

# data[].attributes.headline
• Le revival des nineties, décennie sexy, Jacques Brunel,  22/02/2018

# data[].attributes.subject
• Le revival des nineties, décennie sexy, Jacques Brunel,  22/02/2018

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Synonymes de mauvais goût, de mélange de genres tendancieux et de libido exacerbée, les années 1990 reviennent dans la lumière et dans l'actualité. Explications.

Impudiques, arrogantes et frimeuses, les années 1990 ont été une décennie honnie. Et pourtant, dominées par le duel entre LVMH et le futur Kering, elles ont fondé le système actuel de la mode, affiné son marketing et mis au point le ballet des tendances.

A maints égards, nous y sommes toujours: la mélodie a radicalement changé, mais c'est la même musique. "Beaucoup de tenues portées aujourd'hui auraient pu l'être il y a vingt ans", indique Laurent Cotta, chargé des arts graphiques au musée de la Mode, à Paris. Le porno chic reste enseigné dans les écoles de marketing et, comme à l'époque, les marques collaborent avec des artistes.

Le temps passant, un bilan s'impose, car la nostalgie grandit pour cette décennie d'éblouissements, où plus d'un créateur actuel a vécu sa jeunesse. C'est notamment le cas du couturier Alexandre Vauthier, 46 ans: "Je suis un enfant des années 1990, assume-t-il. J'ai vécu le boom de la musique électronique et du rap américain. Il y avait des clubs hallucinants et la mode adoptait un style plus sportif. La décennie pratiquait l'extravagance à outrance, dans un mix de sophistication, de casual et de coolitude qui -conceptualisé- reste le vocabulaire de mes collections."

"Les nineties ont bel et bien jeté les bases de notre époque"

En février, Everything Sucks, une série produite par Netflix, restituera l'univers des ados d'il y a vingt ans, avec leurs Walkman et leurs cassettes VHS. La nostalgie peut désormais aussi se feuilleter grâce aux Années 1990, un almanach conçu par le mensuel Technikart et préfacé par Frédéric Beigbeder (Marabout). Aux Etats-Unis, elle inspire à David Friend le captivant The Naughty Nineties. The Triumph of the American Libido*.

Sous une présidence américaine accablée par un scandale sexuel, on y voyage dans tous les recoins de cette période salace -invention du Viagra, découverte des sextoys, provocations de Madonna, furie des gossips...-, où la peur du sida et l'explosion du virtuel (avec l'émergence d'Internet) invitent à s'exciter sur des images. "Même si l'icône libérale [ Hillary Clinton] des années 1990 a été défaite par une star de la télé-réalité des années 1980 [ Donald Trump], les nineties ont bel et bien jeté les bases de notre époque, écrit-il. C'est évident pour le voyeurisme et la virulence des médias sociaux, la soif de scandale des tabloïds et l'écroulement des barrières qui protègent notre vie privée."

Les icônes des années 1990 revisitées

Il n'y a qu'à voir comment les icônes de ces années sont aujourd'hui dépoussiérées avec respect. Les looks si personnels de Lady Diana sont revisités par Virgil Abloh, le créateur d' Off-White, avec moult tailleurs et caleçons cyclistes. Un mélange d'esprit couture et de sportswear mainstream typique de l'époque et qui revient en force aujourd'hui (des bananes aux joggings anoblis).

Alessandro Michele, directeur artistique de Gucci, célèbre, quant à lui, celui qui starifia la marque et l'engagea, l'illustre Tom Ford. Le musée de la maison florentine consacre désormais deux salles à ses tailleurs blancs et à ses robes sexy. Le designer texan fut moins chanceux chez Yves Saint Laurent; pourtant, c'est sa vision d'une bourgeoise provocante et que reprend aujourd'hui Anthony Vaccarello, chargée de la griffe.

Age d'or de la consommation et des diktats de la mode, les nineties ont laissé bien des marques orphelines de leur gloire. On ne s'étonne pas que Benetton ait rappelé Oliviero Toscani, dont les publicités pro-métissage (United Colors of Benetton) ont scandé la période. Ni que Calvin Klein lance une variation du parfum Obsession (hit des nineties sorti en 1985), accompagnée d'images de Kate Moss jeune, des inédits de la campagne originelle qui avait fait scandale -le mannequin semblait presque une enfant.

Le retour des mannequins stars

Dans ce retour du refoulé, il ne manquait plus que les supermodels, déesses de la décennie et idéaux des femmes qui partaient (sous le slogan "Je le vaux bien") se faire refaire les seins et gonfler les lèvres au Botox. Signe des temps: en septembre dernier, Claudia Schiffer, Naomi Campbell, Helena Christensen et Carla Bruni moissonnaient les applaudissements sur le podium de Versace, où Donatella célébrait les 20 ans de la mort de son frère Gianni, leur pygmalion.

Ces figures ne sauraient résumer une décennie foisonnante, où la consommation de mode était effrénée. Débutant dans le minimalisme et le "no logo" (un mouvement antifashion), elle prend fin dans le maximalisme et la logomania.

Historien de la mode au palais Galliera, Alexandre Samson rappelle les débuts de la déconstruction du vêtement par Martin Margiela, Helmut Lang et les six d'Anvers, l'héritage d'Yves Saint Laurent, dont tout le monde imitait les coupes fuselées des seventies... "La mode a commencé par se nourrir des inspirations de la rue -les rappeurs, le grunge, le sport...- qui ont revitalisé la couture. Portées par de grands noms (Steven Meisel, Bruce Weber...), les images de mode acquirent un pouvoir incroyable, incitant les maisons à engager des créateurs iconoclastes ( Alexander McQueen) ou flamboyants ( John Galliano). En face, il y avait l'exubérance des maisons italiennes, les coups d'éclat de Gianni Versace, le duel entre Muccia Prada et le Gucci de Tom Ford, boosté par le porno chic. Le corps était dévoilé à outrance, il y avait intérêt à être bien gaulée. Problème: en délocalisant à tour de bras, la mode fit chuter la qualité de ses produits, même si la logomania permettait de les vendre."

L'esprit des années 1990 sur les podiums

Si les années 1990 n'ont pas attendu ce printemps pour influencer les podiums, les tenues de la saison proposées par Versace sont un pur voyage dans le temps: enluminées d'or et de strass, brodées ou décorées de léopard, elles célèbrent le corps avec des minijupes, des crevés ou des leggings moulants, dans un flamboiement somptueux d'imprimés foulard.

Ici et là, de gros logos jouent les signes tribaux. Ils le font tout autant chez Gucci, où la ritournelle nineties est reprise avec plus de distance: coordonné petit marquis en lamé or, robes à fleurs extralongues, cuir strassé, manteau panthère et blousons de sport vintage. Si Prada vient de réinterpréter sa fameuse toile Nylon (un must de la décennie) pour l'hiver 2018 à travers sa collection homme, Tom Ford, en revanche, assume pleinement sa nostalgie à coups de brillances et de détails kinky (body porté sous un pantalon taille basse, sweat-shirt chair tombant sur une culotte en lamé...).

L'effeuillage sanctionné par les réseaux sociaux

Moins ostensiblement nineties, les autres collections n'en sont pas moins saupoudrées de détails d'époque. Raglan de cuir maculé de taches chez Calvin Klein (Raf Simons); pantalon multipoches et cardigan imprimé de journaux chez Balenciaga, coordonné denim à empiècements chez Dior et jean clair à broderies pour Etoile Isabel Marant; veste à galons d'argent et transparences coquines chez Saint Laurent... Il serait fastidieux de les recenser tous, d'autant que ce sera -qui sait?- le nouveau jeu, lors des prochaines collections. Les années 1990 ont été prolifiques et leur "repeignage" pourrait prendre quelque temps.

Mais si les corps se montrent enfin, l'effeuillage pourrait vite atteindre ses limites. Il suffit de voir comment les photographes Bruce Weber et Mario Testino, deux géants de la période, viennent de se faire lyncher sur les réseaux sociaux pour avoir approché de trop près leurs modèles. Preuve qu'à l'inverse des années 1990, la droiture et la correction morale doivent aujourd'hui aller de pair avec le talent.

* The Naughty Nineties. The Triumph of the American Libido, par David Friend. Twelve, 631p., 32 dollars (non traduit).

# data[].attributes.attachment_link.description
Impudiques, arrogantes et frimeuses, les années 1990 ont été une décennie honnie. Et pourtant, dominées par le duel entre LVMH et le futur Kering, elles ont fondé le système actuel de la mode, affiné son marketing et mis au point le ballet des tendances.

# data[].attributes.body
Antiquité
-> Renaissance
Réalisme
->Nouveau réalisme
Art moderne
->Art contemporain
Classicimse
->Néoclassicisme (

Winckelmann )

/ rococo
Impressionnisme
->Postimpressionisme

# data[].attributes.body
• Helvetica  ( Max Miedinger, 1956 )
-> Helvetica neue ( D. Stempel AG,  1983 ) inspirée du system de Univers ( Adrian Frutiger )

La refonte a permis d'améliorer sa structure, ses poids, ses largeurs, ses proportions et ses espacements qui étaient parfois compromis dans les versions antérieures. D'autres graisses sont également disponibles

# data[].attributes.headline
• La mode s'inspire des années 1940, Jacques Brunel, 04/09/2013

# data[].attributes.subject
• La mode s'inspire des années 1940, Jacques Brunel, 04/09/2013

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Riche de tenues sévères et parfois vénéneuses, le retour du style des années 1940 célèbre une allure allant de la Mère Courage à l'héroïne virile. Une leçon de mode tout droit surgie du passé.

Sur les podiums, les silhouettes de l'automne-hiver ont défilé dans un climat étrange de film noir, volontairement marqué par la hâte et l'improvisation.

Surprises dans le hall d'un grand hôtel, les héroïnes de Louis Vuitton semblaient avoir été brutalement extirpées de leur boudoir avant de revêtir une nuisette et de se cuirasser dans un manteau d'astrakan.

Chez , on a vu des sacs encore ouverts, des vêtements bords francs laissant une impression d'inachevé, des colliers portant en gros l'inscription " Help!". Un peu partout, des manteaux d'homme, (faussement) effilochés par un vent de péril, des tailleurs aux airs militaires, des vestes en cuir rendant encore plus féminines les petites jupes plissées à la Cyndi Lauper, des robes précieusement parées de strass et de dentelles, le luxe invisible des détails...

Ces belles fugitives, qui semblent animées par une mission secrète, ressemblent aux héroïnes de la Résistance autant qu'aux Mère Courage de l'exode qui, pendant les mois de mai et juin 1940, jeta sur les routes des centaines de milliers de réfugiés.

Le retour des années noires

Cet hiver, le curseur de la mode s'est bloqué sur les années 1940. Histoire d'alimenter en fantasmes les angoisses de l'époque, causées par une crise économique qui n'en finit pas, des menaces extérieures toujours plus précises et un climat que d'aucuns qualifient d'" avant guerre". Quelques robes corolles clignent de l'oeil au , parenthèse de féminité marquant -de fait- la fin des années 1940, mais, pour le reste, les créateurs sont revenus à la pureté du vestiaire " années noires".

En France, la mode des années 1940 est entièrement dictée par la pénurie, et par son corollaire, la débrouille. En 1941, les Allemands exigent que la France livre 6 millions de paires de chaussures... Faute de cuir, les Françaises adaptent des semelles en bois qui favorisent une démarche raide, à moins qu'elles ne soient évidées ou creusées de rainures (la fameuse , utilisée par plusieurs grands bottiers).

La frivolité emprunte les accents de la vertu pour les persuader qu'une Française élégante serait un pied de nez à l'occupant. Pour Christian Lacroix, "la première femme qui a dessiné un trait sur sa jambe pour simuler la couture d'un bas a fait un acte de résistance".

On rivalise de chapeaux toujours plus hauts, rembourrés au papier journal, avec de vieilles plumes, une écharpe de soie nouée en turban... Chaque femme devient sa propre styliste, libérée des diktats des couturiers. On détricote les vieux pulls pour les ressusciter sous des formes nouvelles -avec le col en V, comme victoire. On coud des écharpes en soie sur ses jupes-pantalons (une idée reprise par cette saison), plus pratiques pour travailler en usine. Dans la pénurie générale de tissus, les manteaux deviennent plus étroits et dénués d'ornements (les poches se passent de revers; les boutons, le cuivre étant introuvable, adoptent la céramique).

Une silhouette de la collection automne-hiver 2013/2014 de Prada.

REUTERS

Des vêtements émancipateurs

Moins déprimant que ce côté récup, dans le même esprit certains créateurs ont préféré s'inspirer des tailleurs militaires endossés dans les pays anglo-saxons par les femmes désireuses de participer à l'effort de guerre: infirmières, dactylos aux armées ou travailleuses des usines d'armement. Car, dans une Europe terrassée par l'orgie de violence, ces dernières ont pris en main le destin des familles, pouponnant, travaillant, faisant la queue des heures...

Ce rêve d'une prise de pouvoir, à coup sûr d'un regain de force, est omniprésent dans les créations de l'hiver, hérissées de références viriles aux accents protecteurs: "gros manteaux" d'homme -des cuirasses en réalité souples et poids plume-, féminisés en robe-caban chez Dior, motifs masculins omniprésents -carreaux ou tartans...

Les années 1940 sont partout, même chez , dont les robes gitanes ressuscitent -à leur façon- des créations de Coco Chanel millésimées 1938. Cet esprit se manifeste chez par l'entremise de manteaux étroits et longs, doublés d'astrakan, dont la sévérité est corrigée au moyen d'un petit foulard à pois, symbole de la Parisienne. Et les héroïnes "en pyjama" de Louis Vuitton (en fait, un coordonné en cachemire double face), qui semblent courir se réfugier dans les abris du Ritz, au cours d'un bombardement, évoquent en creux les tenues pour alertes aériennes, mises au point en 1940 par Elsa Schiaparelli -et d'autres...

Revient aussi en force l'image de Lauren Bacall dans Le Grand Sommeil (Howard Hawks, 1946), avec son insolent béret français, son oeil de velours et ses épaules décidées. Irrésistible peste en tailleur pied-de-poule camouflant sa soif de romance sous une camaraderie rustique et un parler "popu": sa silhouette phallique préfigure la succession des vamps.

Non que le cinéma français de l'époque n'ait lui aussi ses teignes hautaines à la voix flûtée (Nora Gregor dans La Règle du jeu, 1939), ses Némésis impitoyables (Maria Casarès dans Les Dames du bois de Boulogne, 1945)...

Points de couture et jeux de séduction

Mais les prospères Etats-Unis des années 1940 vivent une montée de sensualité -on vient d'inventer le Bikini- qui régénère le glamour hollywoodien avec les comédies tropicales et dénudées de Carmen Miranda (à l'époque l'actrice la mieux payée de Hollywood).

Une certaine Marilyn Monroe attend son heure en travaillant dans une usine. Tenue obligatoire: la combinaison. "J'ai été surprise qu'ils l'exigent, dit-elle dans ses Mémoires. Fourrer une fille en combinaison revient à la faire travailler en collants, surtout si elle sait la porter."

Une silhouette de la collection automne-hiver 2013/2014 de Prada.

REUTERS

Dans la France occupée, on s'en doute, le climat n'était pas à la sensualité : "Les années 1940 ont été plutôt chastes", d'après Marie-Laure Gutton, chargée des accessoires au musée Galliera. Pourtant, ces années d'horreur où l'on côtoyait de près le mal absolu ont laissé dans les mémoires un goût de fruit défendu.

l n'en fallait pas plus pour libérer les fantasmes les plus vénéneux des excessives seventies. Présentée en 1971 par Yves Saint Laurent, la collection Libération provoqua ainsi l'un des plus grands scandales de l'histoire de la mode, avec ses modèles aux maquillages carnassiers, coiffés d'un turban, presque nus sous leur paletot de renard absinthe... Les vertueux crièrent au " charnier de l'élégance" et ajoutèrent : "J'ai brûlé tout cela en 1944, vous aussi je l'espère."

Un perpétuel renouvellement...

La mode rétro, que l'historien Henri Rousso définissait "comme une sorte de fascination pour quelque chose qu'une génération découvrait", commençait son long revival, jalonné de films cultes ( Les Damnés, Portier de nuit...) au climat oppressant et malsain. Et voilà qu'au début des années 1980 arrivent d'Amérique ces tailleurs aux épaules carrées -inventés par la terrible Joan Crawford, ou par Schiaparelli, sa couturière?- et ces chevelures de vamp qui allaient inspirer à , Montana, et une superwoman prédatrice et fatale, incarnée à l'écran par la replicant en choucroute de Blade Runner...

Quand les créateurs d'aujourd'hui s'inspirent des années 1940, ils chaussent volontiers les lunettes de leurs prédécesseurs. Hommage tacite à Yves Saint Laurent, la beauté fatale rétro s'offre donc cet hiver un nouveau tour de piste, jouant de sa veste en fourrure sur lingerie chez ... et surtout chez Saint Laurent revu par Hedi Slimane: "Les petites robes à fleurs sous des pardessus d'un tailoring impeccable, la veste rose en renard portée façon grunge, c'est très intelligent, et plus 40 tu meurs !" commente Maria Luisa Poumaillou, fashion editor du Printemps. On est loin des éclats incendiaires qui avaient fustigé la collection de 1971.

L'eau ayant coulé sous les ponts, les années 1940 se donnent enfin à voir pour ce qu'elles sont : l'une des périodes les plus créatives de la mode, propre à engendrer bien d'autres revivals.

# data[].attributes.attachment_link.description
Sur les podiums, les silhouettes de l'automne-hiver ont défilé dans un climat étrange de film noir, volontairement marqué par la hâte et l'improvisation. Surprises dans le hall d'un grand hôtel, les héroïnes de Louis Vuitton semblaient avoir été brutalement extirpées de leur boudoir avant de revêtir une nuisette et de se cuirasser dans un manteau d'astrakan.

# data[].attributes.headline
Détournement de la chaise Thonet n 14 par 5.5 designers 

# data[].attributes.subject
Détournement de la chaise Thonet n 14 par 5.5 designers 

# data[].attributes.body
insertion d'un élément incongru ( prothèse ) sur un objet de design emblématique

# data[].attributes.body
• Travailler autours de quels supports ? packaging ?
typographie ? catalogue ?
• faire la comm d'un événement musical / expo
• pochette d'album / Vinyle
• refonte de typo inspirée d'un mouvement artistique qui a boulversé les codes

• Penser la charte graphique d’une marque de vêtements à partir d'iconographies ?
• Ce questionner sur les couleurs, les textures, les matières ?
• utiliser de techniques d'impression anciennes ( lithographie, xylographie )
• faire appelle aux souvenirs, à la nostalgie, fascination, fantasme du passé
• mythologie, art pompier ?

# data[].attributes.body
• Comment réinterpréter et remettre sur le devant de la scène des codes anciens (80/90) ?

• De quelle façon réinterpréter une esthétique d’une mode passée ?
• Comment faire référence au passé de manière contemporaine ?

• Ce questionner sur les couleurs, les textures, les matières ?

• Comment sont remises au goût du jours les modes du passé ? Dans quel but ?

• De quelle manière pouvons nous faire référence au passé dans la conception ( technique ) d’un support de communication actuel / contemporain ?

# data[].attributes.body
http://www.graphiste-webdesigner.fr/design_graphique/affiches-suisses-du-xxe-siecle-a-nos-jours/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Aujourd'hui encore, aussitôt que l'on pense au graphisme, à son histoire ou à son actualité, la Suisse reste au premier plan, et cela partout dans le monde. Comprendre les raisons de cet étonnant succès permettrait peut-être aussi de mieux comprendre ce qu'est le graphisme, et comment il pourrait se réinventer pour accompagner le grand défi que l'espace public, urbain aussi bien que virtuel, impose aujourd'hui à tous les créateurs, architectes et designers du monde entier. Ce rôle que doit jouer le graphisme contemporain, Ruedi Baur le connaît mieux que quiconque. Le célèbre graphiste a créé les identités visuelles de bâtiments comme le Centre Pompidou, The New School, ou même de villes entières, parmi lesquelles, Lyon, Nancy, Metz, et peut-être bientôt Dessau. C'est dans son atelier parisien, Intégral, que Ruedi Baur a reçu TLmag.

# data[].attributes.attachment_link.title
Ruedi Baur: Le graphisme suisse, hier, aujourd'hui et demain

# data[].attributes.attachment_link.description
Aujourd'hui encore, aussitôt que l'on pense au graphisme, à son histoire ou à son actualité, la Suisse reste au premier plan, et cela partout dans le monde.

# data[].attributes.attachment_link.title
Le graphisme suisse : une référence à échelle internationale

# data[].attributes.attachment_link.description
Une rétrospective du graphisme suisse ou style international caractérisé

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Si vous êtes nés dans les années 70 - 80, vous avez vécu de plein fouet, l'esthétique des années 80. Rappelez-vous, les motifs, les couleurs pop, les dégradés, les ensembles parfois flashy et l'apparence de la modernité. Toute cette esthétique se retrouve parfaitement synthétisée au travers du mouvement Memphis qui a dominé les années 80. De nombreux designers et architectes du monde entier ont contribué au mouvement afin d'échapper aux règles strictes du modernisme. Bien évidemment, ce vocabulaire visuel s'est retrouvé porté par la société de consommation et tous les produits de la vie courante.

Pour mieux comprendre ce mouvement Memphis qui fondé à Milan par Ettore Sottsass (et dans lequel on retrouve Michele De Lucchi, Matteo Thun, Marco Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi, Shiro Kuramata, Michael Graves, Javier Mariscal, Barbara Radice, Martine Bedin, George J. Sowden, Masanori Umeda ou Nathalie du Pasquier...), ce documentaire signé Vox raconte le parcours d'un courant qui a modifié les codes du design post-Bauhaus en introduisant une gamme beaucoup plus large de couleurs, le motif, l'usage du stratifié dans le mobilier et plus généralement, des formes nouvelles dans les meubles, les luminaires ou les éléments de table.

Catalogue Memphis des années 80

[ télécharger en PDF]

Comprendre le graphisme des années 80

Retenons que que plus de 20 ans après la fin du mouvement, la société Memphis existe toujours. Elle a été rachetée en 1996 et continue de produire de façon artisanale les pièces historiques dessinées par les designers et architectes dirigés par Ettore Sottsass. Cette esthétique n'est donc pas disparue, je la retrouve parfois sous une forme numérique un peu décomplexée que l'on appelle " Brutalisme " qui n'a pas à voir directement avec le courant artistique du même nom mais qui s'inspire de l'univers des années 80 et 90.

Allez, je vous laisse avec...

# data[].attributes.attachment_link.description
Si vous êtes nés dans les années 70 - 80, vous avez vécu de plein fouet, l'esthétique des années 80. Rappelez-vous, les motifs, les couleurs pop, les dégradés, les ensembles parfois flashy et l'apparence de la modernité. Toute cette esthétique se retrouve parfaitement synthétisée au travers du mouvement Memphis qui a dominé les années 80....

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Si vous pouviez remonter dans le temps, vous auriez beaucoup de mal à reconnaître la vie d'un graphiste entre les années 90 et aujourd'hui. Bien qu'il s'agisse toujours de créer des graphismes et des images dans le but d'attirer des clients, la façon de faire a beaucoup changé.

Imaginez-vous la scène : un cours de graphisme dans une école d'art au Royaume-Uni en 1990. Que voyez-vous ? Je peux vous le dire, car j'y étais. Une salle remplie de tables à dessin, chacune équipée d'une boîte pleine de feutres, crayons et tubes de peinture. Pas un seul ordinateur en vue.

Le secteur du graphisme était passé au numérique depuis plusieurs années, mais les écoles tardaient un peu à se mettre à la page, et les coûts étaient élevés. Nous disposions d'une salle informatique, équipée d'une quinzaine d'ordinateurs aux écrans noir et blanc minuscules, à partager entre tous les élèves de l'école d'art, soit plusieurs centaines d'étudiants. À l'époque, l'industrie du graphisme utilisait le logiciel de mise en page Quark Xpress, mais l'école n'en possédait qu'un seul exemplaire que les professeurs apprenaient à utiliser.

Pour insérer du texte généré par ordinateur dans un graphisme créé à la main, il fallait utiliser un logiciel appelé Freehand (semblable à Adobe Illustrator). Mais il n'existait pas d'imprimante couleur pour l'imprimer. À la place, il fallait imprimer le texte en noir et blanc, puis utiliser une machine Omnicron, appareil un peu bizarre qui ressemblait vaguement à une plastifieuse. Il fallait ensuite placer une feuille de couleur Omnicron sur l'impression en noir et blanc, avant de mettre le tout dans la machine pour que la couleur accroche à l'encre noire, du moins en théorie car, bien souvent, on se retrouvait avec un effet noir et coloré légèrement irrégulier.

Pour prendre les photos nécessaires à un projet, on utilisait un appareil photo 35 mm. Les photos étaient en noir et blanc, à révéler soi-même dans une chambre noire. Autre possibilité : faire développer la pellicule couleur chez un photographe.

J'ai obtenu mon premier poste de graphiste en 1992, lorsque j'ai commencé à travailler au sein du département Marketing de l'école. Je me suis retrouvé plongé au cœur de l'action, avec mon propre ordinateur. Certes, je n'avais pas à le partager, mais je ne savais pas non plus m'en servir.

Comme je le mentionnais tout à l'heure, Quark Xpress était le principal logiciel de l'époque, et on m'en expliqua rapidement les bases pour que je puisse me mettre au travail. Mon Mac était une grosse boîte dotée d'un petit écran arrondi qui, si ma mémoire est bonne, était néanmoins en couleur, ce qui en soi constituait un luxe. Je n'avais pas la possibilité d'utiliser Photoshop, qui nécessitait une importante capacité de traitement.

Pour un graphiste, le premier job est toujours impressionnant, mais dans mon cas, je passais d'un délai de 6 semaines pour concevoir une affiche à la main, à 6 heures pour en créer une à l'aide d'un ordinateur que je ne savais pas utiliser.

La recherche d'emploi dans les années 90 était très différente de celle d'aujourd'hui. Tout était beaucoup plus simple, et les critères étaient plutôt conventionnels. Tant que vous aviez un peu d'expérience dans le domaine du graphisme, le seul logiciel nécessaire était Quark Xpress pour la mise en page, Photoshop et Illustrator/ Freehand. Internet n'était pas très répandu et la plupart des gens, y compris moi, n'en avaient jamais entendu parler.

Il n'y avait pas d'annonces pour des " web designers ", ni pour toutes les carrières associées qui ont vu le jour par la suite. Les offres d'emploi s'adressaient uniquement aux graphistes de tous niveaux ou aux opérateurs Mac. Les opérateurs Mac étaient généralement considérés comme des personnes qui savaient utiliser un Mac et son logiciel, mais qui n'étaient pas forcément douées pour la conception. Ils pouvaient éventuellement travailler sur des projets une fois que le graphiste avait produit le concept initial.

Dans la peau d'un graphiste au milieu des années 90

Au milieu des années 90, il n'existait toujours pas de moyen facile pour faire approuver ses créations. Les e-mails n'avaient pas encore vraiment été adoptés. Pour montrer ses créations ou des modifications à un client, il y avait trois possibilités :

1. Le rencontrer et lui montrer en personne

2. Envoyer la proposition par coursier ou l'envoyer via courrier express

Le fax était généralement une très mauvaise idée car, une fois sur deux, son contenu était difficilement lisible. Parfois, il fallait même réaliser une version " spécial fax " du projet en retirant les images pour faciliter sa lecture.

Jusqu'à présent, pour insérer des images dans un projet graphique (avant Internet), il existait plusieurs possibilités : créer ses propres illustrations, payer un illustrateur, embaucher un photographe ou bien créer un prototype uniquement pour la typographie et les couleurs. C'est plus ou moins à ce moment-là que les catalogues d'images libres de redevances ont fait leur apparition. Les graphistes pouvaient alors parcourir les différents catalogues pour dénicher des images libres de redevances. Chaque image coûtait environ 200 £. Si l'on choisissait de faire appel à un photographe, il fournissait en général des transparents, que l'on pouvait ensuite faire numériser professionnellement.

À ce moment-là, beaucoup de projets étaient conçus en une ou deux couleurs, ce qui coûtait bien moins cher à imprimer à l'époque. On réalisait très peu d'impressions numériques. Avant d'envoyer une proposition à l'impression, on avait l'habitude de l'envoyer à la reprographie. C'est là que les fichiers étaient transformés en films, qui étaient ensuite utilisés pour créer des plaques d'impression. Il s'agissait de grandes feuilles d'acétate avec impression à l'encre noire. Il y avait un film par couleur. Lorsque les clients n'étaient pas disposés à payer pour une épreuve couleur, il fallait essayer de détecter toute erreur sur ces films, ce qui n'était pas chose aisée.

Je me souviens parfaitement du moment où j'ai découvert que Photoshop avait plusieurs couches : une sorte de miracle. C'était après que mon chef m'ait expliqué en quoi consistaient les couches. Avant cela, chaque manipulation sur Photoshop était définitive. La seule façon de faire consistait à enregistrer de nombreuses versions de son travail à différentes étapes. Bien que ces couches constituaient un progrès considérable, les Mac de l'époque avaient du mal à supporter la capacité de traitement nécessaire. Il n'était pas rare de terminer une couche, puis d'aller se faire une tasse de thé en attendant 15 minutes, le temps que l'ordinateur termine son travail.

C'est aussi plus ou moins à ce moment-là que " l'Internet " a gagné du terrain et que le " web design " a commencé à devenir un nouveau domaine de développement. À l'époque, les sites Internet étaient construits de façon statique avec HTML, et c'était un domaine assez spécialisé. En 1998, je me souviens que l'entreprise de graphisme pour laquelle je travaillais m'offrit un modem comme cadeau de départ, et je m'étais dit, " Mais à quoi est-ce que ça va bien pouvoir me servir ? ". N'ayant jamais vraiment surfé sur le Web, j'ai découvert les joies de l'Internet par téléphone qui, bien que terriblement lent, offrait d'incroyables possibilités.

C'est à ce moment-là que les e-mails ont commencé à se démocratiser dans le secteur du graphisme. Dans les agences pour lesquelles j'ai travaillé, toute la communication avec les clients se faisait en général via les ordinateurs de la direction.

Des appareils photo numériques plus abordables firent également leur apparition. Bien qu'ils disposaient à l'époque d'une résolution de seulement 1 à 2 mégapixels, c'était déjà un progrès considérable pour créer des visuels. Pour obtenir la photo d'un bâtiment, il suffisait de sortir et d'en prendre une, tout en sachant que l'on pourrait faire appel à un photographe professionnel ultérieurement. À cette époque, les photographes passaient aussi progressivement aux appareils photo numériques haute résolution, qui permirent d'accélérer le processus et de réduire les besoins de numérisation.

Istockphoto a fait son apparition en 2000, mais je ne l'ai découvert que quelques années plus tard (avant son acquisition par Getty Images). Avant Istockphoto, pour insérer une photo dans un projet de conception, on pouvait en prendre une soi-même, ou bien payer 200 £ ou plus pour une image libre de redevances. Istockphoto fournissait des images libres de redevances à 1 $ pièce.Elles étaient donc suffisamment bon marché pour les utiliser dans les visuels, à la place de photos décolorées basse résolution tirées d'autres sites. Mais bien qu'Istockphoto ait largement facilité la vie des graphistes, il introduisit un léger bémol : dorénavant, les designers avaient tous recours aux mêmes sources d'images au lieu de créer les leurs. Personnellement, je suis passé de la création d'illustrations en grand nombre à presque plus rien. En période de vaches maigres, plutôt que de payer pour une illustration ou un photographe renommés, les clients finissaient par choisir une image décente libre de redevances.

Je me souviens aussi du moment clé où Quark Xpress a commencé à perdre de son emprise sur le marché de la mise en page. Indesign 1 a fait son apparition en 2000, mais n'a pas décollé tout de suite. Lorsqu'il a été proposé en association avec Photoshop ou Illustrator, les designers ont alors commencé à s'y intéresser. J'ai essayé l'une des toutes premières versions d'Indesign, qui ne fonctionnait pas très bien, ce qui m'a longtemps découragé à l'adopter. C'est toujours stressant de devoir tout recommencer à zéro lorsqu'on connaît parfaitement son logiciel, surtout lorsqu'on envoie une partie de son travail à l'impression et que les erreurs peuvent coûter cher.

Lorsque j'ai commencé à travailler comme indépendant en 2003, le haut débit n'était pas disponible là où j'habitais, et il fallait envoyer les fichiers aux clients sur CD. Que d'allers-retours au bureau de poste ! L'arrivée du haut débit quelques années plus tard a bien changé les choses.

WordPress a vu le jour en 2003 et, dès lors, sa popularité n'a cessé de croître. Son arrivée n'a pas seulement permis aux personnes non initiées de créer des sites Internet, elle a aussi touché le monde du graphisme. Certains graphistes ont monté leur propre entreprise grâce à ce logiciel, en réalisant des modèles et des cadres de travail sur WordPress. Dans leurs offres d'emploi, les employeurs ont commencé à exiger de l'expérience web, en plus de Quark, Photoshop et Illustrator.

Dans la peau d'un graphiste de 2005 à aujourd'hui

Tellement de choses ont changé, même au cours des 15 dernières années. Les smartphones et les tablettes ont créé des tâches totalement nouvelles pour les graphistes dans les domaines de l'UI, l'UE et la conception de jeux vidéo. Les " web designers " doivent à présent tenir compte des spécificités des téléphones portables, presque autant, voire plus, que celles des ordinateurs de bureau. Comme si cela ne suffisait pas, il faut également apprendre le graphisme vidéo et l'animation. Avec le logiciel Adobe, dont l'utilisation est uniquement disponible sur abonnement depuis 2013, les designers doivent à présent jongler avec toute une série de logiciels inclus dans leur abonnement Creative Cloud.

Face à la popularité grandissante des iPads et des tablettes, de nouvelles applis de création mobile ont vu le jour. Comment oublier le crayon Apple, qui permet de créer des illustrations haute résolution en dessinant sur l'écran, ce dont je rêvais depuis longtemps ?

Plus besoin de vous acquitter d'une redevance pour les images ! Des sites d'images libres de redevances comme Pixabay et Unsplash vous fournissent gratuitement des images qui vous auraient coûté près de 200 livres il y a vingt ans.

Ce qui est remarquable à présent, c'est que, quoi que vous vouliez apprendre, il vous suffit de cliquer sur Google ou de vous inscrire à un cours en ligne. Comme j'aurais aimé qu'il en soit ainsi en 1992, lorsque j'ai eu mon premier job avec un logiciel que je ne savais pas utiliser !

Qui sait ce que les 30 prochaines années réservent aux graphistes ?

# data[].attributes.attachment_link.title
Dans la peau d'un graphiste, des années 90 à aujourd'hui | Pixartprinting

# data[].attributes.attachment_link.description
Si vous pouviez remonter dans le temps, vous auriez beaucoup de mal à reconnaître la vie d'un graphiste entre les années 90 et aujourd'hui. Bien qu'il s'agisse toujours de créer des graphismes et des images dans le but d'attirer des clients, la façon de faire a beaucoup changé.

# data[].attributes.body
Pourquoi faisons nous des retours vers le passé ?

Pourquoi certains codes de mouvements perdure-t-ils, sont-ils source d'inspiration aujourd'hui  ?

Pourquoi la mode est un éternel recommencement ?

Quels sont les influences de certains code, mouvements ?

Pourquoi, comment le graphisme s’inspire, reprend les codes , influence ?

Comment une époque, un contexte amené un mouvement, à partir de quand ? Un événement marquant ?

Pourquoi des styles disparaissent et réapparaissent ?
Où et comment trouver de l’inspiration ?
Comment s'inspirer sans recopier ?

1. Comment s'inspirer ?

Idée d'hommage
L'influence du contexte ( sociale, politique, organisation ) retranscrite par les designers et artistes
-les souvenirs / nostalgie
-l'inspiration
-le revival
-questionner l’éternelle quête du renouveau

- on passe du "soft" au "trash" ce qui suit est toujours différent
-changements violents

-peut-on encore réinventer ?

-comment reveiller des souvenirs chez les gens ?
-les sens : les odeurs, invisibles et volatiles, agressives ou apaisantes
-solliciter les sens, les souvenirs et les émotions

-Quels sont les différents supports de transmission et de conservation ?

-Design synesthésique, émotionnel et mémoriel
- où se situe l’émotion liée des souvenirs ?
-Comment traduire sensitivement un moment émotionnel ? Comment ressentir et faire ressentir les émotions ?
-passer un message
-donner à voir le souvenir
d'ou ça vient, qu'est-ce que c'est
pourquoi elle est relis au gout du jour
en savoir plus
-styles selon époque
-le processus de création
la référence en graphisme : peut-on encore créer ?
-comment les designers graphiques procèdent ils pour se renouveller ? inventer ?
-jusque ou peut aller l'inspiration ?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Dossiers pédagogiques - Collections du Musée
Monographies / Artistes contemporains

Christian BoltanskI

Vitrine de référence, 1971 L'Œuvre de Christian Boltanski Biographie de l'artiste
Notices d'Œuvres
* La chambre ovale, 1967
* L'Homme qui tousse, 1969
* Essai de reconstitution (Trois tiroirs), 1970-1971
* Vitrine de référence, 1971
* Saynètes comiques, 1974 * Composition théâtrale, 1981
* Les archives de C.B. 1965-1988, 1989
* Réserve, 1990

Textes de rÉfÉrence
*Christian Boltanski, texte paru dans l'édition originale de Recherche et présentation de tout ce qui reste de mon enfance, 1944-1950, 1969 (extrait).
* Christian Boltanski, " La petite mémoire ", Le Voyage au Pérou, catalogue du Musée d'art moderne de la ville de Paris, 1998.
Chronologie Bibliographie
Ce dossier s'inscrit dans une série " Monographies. Artistes contemporains ", qui sera régulièrement augmentée dans cette partie du site.En savoir plus sur les collections du Musée et les oeuvres actuellement présentées,
* Réalisés autour d'une sélection d'œuvres des artistes les mieux représentés dans les collections du Musée national d'art moderne, ces dossiers s'adressent à tous ceux (enseignants ou responsables de groupe en particulier) qui souhaitent préparer leur visite au Musée.
* Leur objectif pédagogique est de faciliter l'approche et la compréhension de l'œuvre d'une figure majeure de l'art d'aujourd'hui.
* Ils ne constituent pas un cours mais proposent des points de repères et une base de travail.
* A chaque enseignant d'évaluer ses besoins et d'utiliser ce qui lui est nécessaire selon le niveau de sa classe.
Chacun de ces dossiers comporte :
* une introduction générale permettant de présenter et de situer le rôle de l'artiste et son œuvre dans un contexte historique, géographique et esthétique,
* une biographie de l'artiste,
* une sélection des œuvres des collections du Musée les plus représentatives, traitées par fiches comportant une notice d'œuvre et une reproduction,
* un ou plusieurs textes de référence apportant en complément une approche théorique,
* une chronologie de son œuvre,
* une bibliographie sélective.

A NOTER
Les collections du Musée comportent plus de 65 000 œuvres. Régulièrement, le Musée renouvelle les œuvres présentées dans ses espaces situés aux 4e et 5e niveaux du Centre Pompidou. Les dossiers pédagogiques sont réalisés en lien avec ces accrochages.
www.centrepompidou.fr/musee

L'Œuvre de Christian Boltanski

Si l'œuvre de Christian Boltanski appartient au registre le plus contemporain de l'expression plastique par la multitude des matériaux employés, la pâte à modeler, le carton ondulé, la photographie ou des objets trouvés, l'artiste revendique néanmoins une filiation avec la peinture traditionnelle qu'il a pratiquée à ses débuts. Selon lui, la peinture se caractérise non pas par l'habileté de la main, mais par sa vocation religieuse et son pouvoir sacré. C'est dans ce sens que toute l'œuvre de Boltanski peut être perçue comme la continuité de la tradition picturale : en tant qu'elle interroge lareligiosité de .

Tous les objets qu'il convoque dans ses dossiers, ses livres, ses collections, au-delà d'apparences modestes, confinant parfois à la dérision, sont les dépositaires d'un souvenir qui leur procure un fort pouvoir émotionnel. Qu'il présente ces objets sous forme de vitrines, d'archives, de réserves ou simplement d'expositions, il les met en scène dans l'espace, mais aussi dans le temps. Chaque objet nous replonge à sa manière dans le passé : le passé personnel, réel ou fictif, dramatique ou comique, de l'artiste, le passé d'un objet, ou le passé de l'humanité entière. Ce sont des reliques.

Toutes les œuvres nous isolent du moment présent pour nous transporter dans un espace de méditation, voire de recueillement pour les pièces des dernières années qui s'articulent autour du thème de la mort. Même les séries comiques comportent un caractère grinçant qui évoque l'idée d'un règlement de compte avec des événements passés encore pesants dans la mémoire. Ces œuvres comiques interrogent la mémoire individuelle, tandis que les œuvres qui traitent de la conservation des documents, dans le musée ou les centres d'archives, interpellent la mémoire collective.
Ainsi, toutes les œuvres de Boltanski travaillent sur le souvenir, du souvenir d'enfance au souvenir des défunts, de l'histoire personnelle à la grande histoire.

Biographie

Christian Boltanski, 1944, Paris
Après une adolescence sans scolarité régulière et sans avoir véritablement reçu de formation artistique traditionnelle, Christian Boltanski commence à peindre en 1958. Les tableaux qu'il réalise alors sont de grands formats, représentant des scènes historiques ou, parfois, des études de personnages isolés, dans des situations macabres, par exemple dans des cercueils.

A partir de 1967, il s'éloigne de la peinture pour expérimenter d'autres modes d'expression, comme la rédaction de lettres ou de dossiers qu'il envoie à des personnalités du monde de l'art. Pour les constituer, il utilise des photocopies qu'il mêle à des documents originaux ou à des photographies qu'il tire des albums de sa famille. A travers ces nouveaux matériaux, il intègre à son œuvre des éléments issus de son univers personnel, au point que sa biographie devient l'une de ses principales thématiques.

En effet, sa vie et son œuvre se confondent, mais non pas dans le sens du sacrifice romantique où l'œuvre se fait aux dépens de la vie, mais dans le sens où l'œuvre est l'invention d'une biographie faussée et présentée comme telle. Boltanski reconstruit des épisodes d'une vie qu'il n'a jamais vécue, en utilisant des objets qui ne lui ont pas appartenus ou des photographies retravaillées. Il rédige même une sorte de biographie officielle, en 1984, pour le catalogue de la rétrospective que lui consacre le Musée national d'art moderne. Il la fait démarrer au moment où sa vocation artistique s'impose à lui : " 1958. Il peint, il veut faire de l'art. 1968. Il n'achète plus de revues d'art moderne, il a un choc, il fait de la photographie, blanche et noire, tragique, humaine... ". Par cette initiative, le genre hagiographique et convenu des notices habituelles est tourné en dérision, tandis que le lecteur est convié à repenser le sens que prend toute vie dès lors qu'on la considère d'un point de vue rétrospectif.
C'est pourquoi l'expression de " mythologie individuelle " qui intitulait une section d'exposition à laquelle il participait en 1972 caractérise si bien son œuvre : il y raconte sa vie sous la forme d'une fiction dans laquelle chacun se reconnaît. Comme il le dit lui-même : " Les bons artistes n'ont plus de vie, leur seule vie consiste à raconter ce qui semble à chacun sa propre histoire ".

Christian Boltanski est aujourd'hui reconnu comme l'un des principaux artistes contemporains français.
Il vit et travaille à Malakoff.

Notices d' Œuvres

La chambre ovale, 1967
Acrylique sur isorel. 115 x 146,5 cm

Les peintures que Christian Boltanski réalise entre 1958 et 1967 représentent des images semblant resurgir d' une mémoire enfantine, d' un passé jusqu'alors enfoui. Sans doute parce qu'elles évoquent des événements douloureux.
Parmi ces peintures, La chambre ovale met en scène, dans une architecture à la limite de l'abstraction, un personnage esseulé, assis par terre, et comme pétrifié, dans l'impossibilité d'agir comme le suggère l'absence de ses bras.
Prisonnier auquel on identifie son malheur, interné ou simple enfant puni dans un espace imaginaire, ce personnage réduit à une silhouette sombre, comme une ombre, procure à cette scène son mystère.
Mais bien que cette peinture évoque probablement un événement personnel que l'on ne peut comprendre parce que l'on en ignore tout, elle apparaît étrangement familière, en rappelant à tous le sentiment de la solitude.

Cette œuvre picturale des débuts de Christian Boltanski traite déjà des thèmes qui lui seront chers. Toutes les expérimentations qui suivent ne seront que l'approfondissement de ces premières tentatives, comme le remarque le critique d'art Serge Lemoine : " Son travail se présente comme la continuation de la peinture par d'autres moyens. Une peinture au reste figurative, et qui raconte : l'enfance, la famille, les souvenirs, la vie des gens " ( Boltanski, catalogue de l'exposition, Centre Pompidou, 1984, p. 18).

L'Homme qui tousse, 1969
Film cinématographique 16 mm couleur, sonore. Durée : 3'

La première exposition personnelle de Christian Boltanski témoigne en premier lieu de son intérêt pour le cinéma : organisée dans une salle de projection du 16 e arrondissement de Paris, elle présentait, à côté de marionnettes grandeur nature, un film intitulé La Vie impossible de Christian Boltanski (1).
Après cette première expérience, Christian Boltanski réalise en 1969 quelques courts films à tonalité fantastique, tel que L'Homme qui tousse.

Dans ce film, on observe pendant 3 minutes un homme assis dans une petite pièce délabrée. Il tousse jusqu'à cracher un flot de sang qui se déverse sur ses jambes et souille ses vêtements. Tourné avec des moyens amateurs, le film revêt une qualité d'image documentaire qui ne le rend que plus inquiétant. (1) Ce thème a été repris par Christian Boltanski pour la réalisation d'une nouvelle œuvre

Même s'il abandonne peu à peu la forme cinématographique au profit de la photographie, Christian Boltanski explorera dans toute son œuvre cette ambivalence entre la vérité que semble certifier un document et le mensonge qu'implique le spectaculaire.

La Vie impossible, 2001, acquise par le Musée en 2004. Il s'agit de vingt vitrines présentant chacune des photographies, des journaux, des lettres qui évoquent sa vie d'artiste.

Essai de reconstitution (Trois tiroirs), 1970-1971
Ancien titre : Trois tiroirs
Boîte en fer blanc contenant 3 tiroirs fermés par un grillage, portant chacun une étiquette et contenant des objets
44 x 60,5 x 40,5 cm. Chaque tiroir : 12 x 60 x 40 cm

Cet ensemble de trois tiroirs, fabriqués avec des boîtes en fer blanc, est emblématique des premiers travaux de Boltanski sur le thème de l'enfance perdue.
Son premier livre, composé en 1969, Recherche et présentation de tout ce qui reste de mon enfance, 1944-1950 (1), publié à l'origine à cinquante exemplaires, propose en effet une œuvre comme tentative de reconstitution d'une période de sa jeunesse. Il s'agit de neuf pages qui rassemblent une photographie de classe, une rédaction scolaire et d'autres documents du type de ceux que l'on conserve précieusement dans des cartons.

Avec les Trois tiroirs, la reconstitution se fait en volume. Les tiroirs contiennent de petits objets en pâte à modeler reproduisant des choses qui auraient appartenu à Christian Boltanski enfant : des avions, une bouillotte... comme le signalent les étiquettes dactylographiées et insérées sur chaque tiroir. L'artiste évoque ainsi les collections ou les trésors que chacun de nous, enfant, a pu constituer : des objets dérisoires mais cachés avec le plus grand soin.
Dans cette reconstitution Boltanski retrouve le sérieux des jeux d'enfant, ce qui la rend à la fois comique et touchante.

Cette œuvre annonce la série de pièces d'archives qu'il réalisera dans les années 80 (2). On retrouvera les mêmes boîtes de fer blanc, remplies de menus objets, sans valeur marchande, mais renfermant (1) Voir infra : textes de référence les secrets d'une mémoire affective sans doute immense.

(2) Voir infra : notice sur Les archives de C.B. 1965-1988

Vitrine de référence, 1971
Boîte en bois peinte sous plexiglas
Bois, plexiglas, photos, cheveux, tissus, papier, terre, fil de fer. 59,6 x 120 x 12,4 cm

Dans le prolongement des thèmes de la reconstitution de la vie et de l'autobiographie de l'artiste, Christian Boltanski réalise plusieurs vitrines où il expose des objets personnels comme des reliques ou des éléments issus de fouilles archéologiques témoignant de civilisations perdues. Avec ces œuvres, Boltanski parodie notamment le Musée de l'Homme, lequel, dit-il, l'a beaucoup marqué : on y voit, dans des vitrines un peu poussiéreuses, des objets à l'origine sans vocation esthétique, des objets qui sont des documents plutôt que des œuvres, des objets auxquels le musée a retiré leur valeur d'usage. Christian Boltanski définit d'ailleurs les musées comme " des lieux sans réalité, des lieux hors du monde, protégés, où tout est fait pour être joli ". Ce sont des lieux hors du monde de l'action, ni réels, ni irréels, et qui communiquent cet étrange statut aux objets qu'ils renferment.

En présentant quelques-uns de ses effets personnels dans une vitrine, l'artiste applique à sa propre vie ce processus à la fois conservateur et mortifère.

Saynètes comiques, 1974
Le mariage des parents
Photographie. Montage de 3 épreuves aux sels d'argent et texte à l'encre blanche sur carton noir
37,9 x 71 cm. Chaque photo : 28,5 x 18,3 cm

A partir de 1974, Christian Boltanski réajuste le thème de l'autobiographie à une perspective plus légère et plus humoristique. Comme il l'écrit dans sa biographie, en cette année 74, " il se dépasse, il se surpasse, il prend de la distance et se moque de lui-même, il ne parle plus de son enfance, il la joue... ".
Il semble en effet redouter la solennité de ses précédentes démarches. A propos du personnage de Christian Boltanski dont il cherchait jusqu'alors à raconter l'histoire, il déclare : " A un moment, ce personnage inventé m'est devenu trop lourd, j'ai eu besoin de le tuer... J'ai eu le désir de détruire le mythe et de le détruire par la dérision " ( Boltanski, entretien avec Delphine Renard, catalogue du Centre Pompidou, 1984).

C'est ainsi que sont nées les Saynètes comiques, un ensemble de 25 œuvres, composées de photographies retouchées au crayon ou au pastel, dans lesquelles il raconte encore une fois son histoire, mais sur un mode clownesque.

Chaque photographie ou montage de clichés représente un événement familial marquant, un enterrement, un mariage ou un anniversaire, qu'il rejoue pour la prise de vue. Tous les personnages qui apparaissent sont donc incarnés par l'artiste lui-même, à peine déguisé par quelques accessoires, ce qui procure à ses images un caractère modeste, voire négligé, qui rappelle le théâtre de rue et provoque un sentiment de dérision. Les fonds sont souvent dessinés, ce qui accentue l'impression d'économie de moyen, tandis que, pour certaines pièces, des cartels commentent les scènes et redoublent leur dimension grotesque.

Avec les Saynètes comiques, Christian Boltanski révèle pleinement l'aspect parodique de son œuvre.

Composition théâtrale, 1981
Cibachrome fixée dans un cadre-vitrine noir. 241 x 124,5 x 8,8 cm
Détail d'un triptyque : 241 x 373,5 cm

Christian Boltanski a beaucoup utilisé la photographie dès la fin des années soixante. Les premières œuvres comportaient en effet des photographies de petites tailles, en noir et blanc, des photographies tirées d'albums de famille ou à vocation documentaire, accompagnées de textes ou d'autres éléments. A partir du milieu des années soixante-dix, il redécouvre ce médium pour en faire un tout autre traitement. Désormais, de grandes photos en couleurs assument à elles seules la force de l'œuvre. Boltanski crée ainsi une série qu'il intitule les Compositions. Compositions héroïques, grotesques, architecturales, japonaises, enchantées, les noms sont choisis en fonction des objets qu'elles représentent. Ce sont de grandes photographies au fond très noir qui monumentalisent de menus objets. Leurdimension ainsi que leur éclairage clair-obscur leur procurent un air d'apparition. Le fond noir sur lequel ces objets se découpent, comme dans un théâtre d'ombres chinoises, crée le

Les Compositions théâtrales de 1981 mettent en scène de minuscules pantins en carton ondulé que Boltanski fabrique pour l'occasion, avec du fil de fer et des attaches parisiennes. Ce sont de petits bricolages judicieux qui rappellent les objets en carton ondulé que Picasso réalisait dans les années dix.

Mais, ici, ces jouets sont fabriqués par l'artiste pour lui-même. Ilsappartiennent au registre du trésor personnel et relèvent de la sphère intime. Boltanski les compare à des fétiches vaudous, faits de bric et de broc, mais capables d'un fort pouvoir évocateur. Pour le public, ils n'apparaissent qu'à travers la photographie qui les monumentalise et les met à distance. La prise de vue est, selon Boltanski, l'étape du " refroidissement ", de la séparation.

" L'objet est du côté de l'intime, du toucher, la photographie du domaine de la représentation ", dit-il dans un entretien de 1984 ( Boltanski, catalogue de l'exposition, Centre Pompidou). La photographie transfigure le travail manuel de la fabrication.
Les archives de C.B. 1965-1988, 1989
Installation avec de la lumière
Métal, photographies, lampes, fils électriques. 270 x 693 x 35,5 cm
En produisant Les archives de C.B. 1965-1988, Boltanski renoue avec sa grande ambition telle qu'il l'avait formulée en 1969 : " Garder une trace de tous les instants de notre vie, de tous les objets qui nous ont côtoyés, de tout ce que nous avons dit et de ce qui a été dit autour de nous, voilà mon but ".

Pour réaliser ce projet, il construit un mur de 646 boîtes à biscuit en fer blanc, certaines plus rouillées que d'autres, témoignant d'une usure du temps. De telles boîtes avaient été utilisées dès 1970, par exemple pour Essai de reconstitution (Trois tiroirs), dans lesquelles étaient conservées des répliques en pâte à modeler de ses jouets d'enfance (1).

Toutefois, avec Les archives de C.B. 1965-1988, l'entreprise prend une autre dimension. Les 646 boîtes sont rangées en piles de presque trois mètres de hauteur, simplement éclairées par des lampes de bureau noires dont les fils électriques pendent négligemment, comme si elles avaient été installées à la hâte.
Cet agencement évoque des archives de fortune, établies dans l' urgence de conserver ce qui, sans elles, serait voué à la disparition.
Car ce que ces boîtes contiennent, ce sont plus de 1 200 photos et 800 documents divers que Boltanski a rassemblés en vidant son atelier. C'est toute sa vie d'artiste qui est consignée là, mais cachée au spectateur, présente seulement dans sa mémoire, dans son intimité.

En 2001, Christian Boltanski reprend de nouveau ce thème des archives personnelles avec une œuvre intitulée La Vie impossible : un ensemble de 20 vitrines dans lesquelles se trouvent amassés des papiers de toutes sortes, cette fois-ci présentés à la vue du spectateur, mais dans un tel désordre qu'il ne peut toujours pas percer leur mystère.

(1) Voir supra.

Réserve, 1990
Installation
Tissu, lampes. Dimensions variables

En 1988, Boltanski s'empare d'un nouvel élément, le vêtement, qu'il utilise tout d'abord pour créer une œuvre profondément émouvante : Réserve, Canada. Il s'agit d'une pièce qui fait allusion aux entrepôts dans lesquels les nazis remisaient les effets des personnes déportées. L'usage du vêtement chez Boltanski est donc d'emblée lié au thème de la mort, comme c'était déjà le cas pour la photographie. Pour lui, " La photographie de quelqu'un, un vêtement ou un corps mort sont presque équivalents : il y avait quelqu'un, il y a eu quelqu'un, mais maintenant c'est parti ". Le vêtement est lui aussi une trace ou une empreinte qui témoigne d'une vie passée.

C'est à ce titre que les vêtements sont présents dans la série des Réserves réalisées à la suite de Réserve, Canada. Chacune est une variation d'installation sur le thème de la disparition et du souvenir. Dans Réserve : la Fête de Pourim, 1989, ou dans Réserve Lac des morts, 1990, les vêtements sont laissés au sol ; dans Réserve du Musée des enfants, 1989, ils sont empilés en rang (1).

Avec la Réserve de 1990, Boltanski tapisse les murs d'une salle entière de vêtements usagers, voire poussiéreux, qui répandent une odeur de grenier. Car la forte présence de l'œuvre ne se manifeste pas seulement visuellement, mais par une dimension olfactive trop rarement exploitée en art plastique (2).
Comme les autres œuvres de la série, la Réserve de 1990 crée un environnement incitant à une méditation mélancolique sur le corps comme enveloppe vulnérable, sur la vanité et sur la mort, qui sont les sujets de prédilection de Boltanski durant les années quatre-vingt-dix.

(1) Pour connaître cette œuvre : voir l'exposition " Dernières années " au Musée d'Art moderne de la Ville de Paris
(2) Une des œuvres des collections du Musée national d'art moderne qui explore le mieux cette dimension avant la Réserve de Boltanski est l'installation Plight de Beuys, 1985 (visible dans la Collection en ligne, numéro d'inventaire AM 1989-545).

Textes de rÉfÉrence

Christian Boltanski, texte paru dans l'édition originale deRecherche et présentation de tout ce qui reste de mon enfance, 1944-1950, livre d'artiste, 1969.

On ne remarquera jamais assez que la mort est une chose honteuse. Finalement nous n'essayons jamais de lutter de front, les médecins, les scientifiques ne font que pactiser avec elle, ils luttent sur des points de détail, la retardent de quelques mois, de quelques années, mais tout cela n'est rien. Ce qu'il faut, c'est s'attaquer au fond du problème par un grand effort collectif où chacun travaillera à sa survie propre et à celle des autres.
Voilà pourquoi, car il est nécessaire qu'un d'entre nous donne l'exemple, j'ai décidé de m'atteler au projet qui me tient à cœur depuis longtemps : se conserver tout entier, garder une trace de tous les instants de notre vie, de tous les objets qui nous ont côtoyés, de tout ce que nous avons dit et de ce qui a été dit autour de nous, voilà mon but. La tâche est immense et mes moyens sont faibles. Que n'ai-je commencé plus tôt ? Presque tout ce qui avait trait à la période que je me suis d'abord prescrit de sauver (6 septembre 1944-24 juillet 1950) a été perdu, jeté, par une négligence coupable. Ce n'est qu'avec une peine infinie que j'ai pu retrouver les quelques éléments que je présente ici. Prouver leur authenticité, les situer exactement, tout cela n'a été possible que par des questions incessantes et une enquête minutieuse.
Mais l'effort qui reste à accomplir est grand et combien se passera-t-il d'années, occupé à chercher, à étudier, à classer, avant que ma vie soit en sécurité, soigneusement rangée et étiquetée dans un lieu sûr, à l'abri du vol, de l'incendie et de la guerre atomique, d'où il soit possible de la sortir et la reconstituer à tout moment, et que, étant alors assuré de ne pas mourir, je puisse, enfin, me reposer.

Christian Boltanski, Paris, mai 1969

Christian Boltanski, " L'art n'est que de l'art ", entretien avec Delphine Renard, Boltanski, catalogue du Centre Pompidou, 1984, pp. 70-85.

D. R. : La " forme ", l'apparence de votre travail, a beaucoup évolué depuis quinze ans ; est-ce lié à la transformation de votre attitude à l'égard de la place sociale de l'art ?

C. B. : Une forme doit, à mon avis, constamment évoluer, car elle n'est plus lue de la même manière quand elle a été reconnue comme " artistique " à l'intérieur du champ de l'art. Il est également certain que l'on évolue, que le monde évolue, que le poids de l'Histoire se manifeste dans l'activité de chacun. La situation en 1969 se distinguait tout à fait de celle d'aujourd'hui. En 1969, le monde occidental vivait une grande transformation ; il venait d'y avoir mai 1968 en France, le mouvement hippy se développait aux Etats-Unis ainsi qu'un front uni pour la paix au Vietnam ; les intellectuels avaient le sentiment d'être à la veille d'une mutation culturelle qui serait liée à une révolution sociale
Aujourd'hui, les idéologies ont perdu de leur force, nous ne nous croyons plus à la veille d'une révolution mais nous vivons dans un climat d'inquiétude. Il est normal que beaucoup d'artistes se détournent de ce qui me paraît aujourd'hui avoir été une position optimiste : expliquer et théoriser l'art, ou réaliser des structures anonymes pour améliorer le cadre de vie. Ils se tournent vers des préoccupations plus " schizophréniques " : refuser la réalité et se renfermer dans le rêve. Aujourd'hui, mais personnellement je l'ai toujours pensé, je crois que l'art ne cherche plus à influencer la vie ; l'art n'est que de l'art, la peinture subit le monde mais agit très peu sur lui. Et pourtant, l'art demeure ce qu'il y a de mieux dans ce monde horrible... La seule porte de sortie consiste pour moi à rester à la maison, à y tourner en rond en grattant le sol et en regardant de jolies images.

Christian Boltanski, " La petite mémoire ", Le Voyage au Pérou, Christian Boltanski. Dernières années, catalogue du Musée d'art moderne de la ville de Paris, 1998.

La présence de l'humanité dans sa multitude est toujours là dans mon travail. Ce grand nombre est parfois évoqué par des tonnes de vêtements usés, par des centaines de photographies, ou par des milliers d'objets perdus (que je recueille au Bureau des Objets Trouvés), ou encore par de longues listes de noms, ceux d'ouvriers dans une usine du nord de l'Angleterre au 19 e siècle, ou ceux des artistes ayant participé à la Biennale de Venise depuis sa création. Le nombre, le côté presque interchangeable de l'être humain et son unicité, son caractère propre, sont une des oppositions sur lesquelles je travaille. Je m'intéresse à ce que j'ai appelé La petite mémoire, une mémoire affective, un savoir quotidien, le contraire de la grande mémoire préservée dans les livres. Cette petite mémoire, qui forme pour moi notre singularité, est extrêmement fragile, et elle disparaît avec la mort. Cette perte d'identité, cette égalisation dans l'oubli sont très difficiles à accepter ; par exemple, quand on regarde des centaines de crânes, ils ont tous l'air identiques.

Chronologie

1958
Christian Boltanski réalise ses premières peintures dans un style figuratif. Médium qu'il abandonnera en 1967 pour lui préférer des matériaux plus expérimentaux.

1966
Rencontre avec Jean Le Gac. Il collaborera avec lui quelques années à partir de 1969.

1972
Il expose pour la première fois à la Documenta 5 de Kassel (Allemagne) dans la section intitulée " Mythologies individuelles ".

1984
Exposition rétrospective au Musée national d'art moderne. C'est l'occasion pour Boltanski d'expérimenter une nouvelle manière de montrer son œuvre. L'exposition se compose de deux parties, l'une autour du thème de l'autobiographie avec des pièces faites de documents et d'archives ; l'autre présente de grandes photographies plus proches d'un travail pictural classique.

1986
Invité à la Biennale de Venise, Boltanski investit l'espace d'une ancienne prison (Palazzo delle Prigione), mettanten scène son exposition dans la pénombre, procédé déterminant pour les expositions suivantes.

1987
Pour la Documenta 8 de Kassel, il traite du thème de l'Holocauste, qu'il avait déjà abordé, mais de manière moins directe.

1988
Un matériau nouveau apparaît dans son œuvre : le vêtement.

1990
Début de la série intitulée Les Suisses morts. Il s'agit d'œuvres qui utilisent des photographies tirées de la rubrique nécrologique d'un journal suisse. Pourquoi des Suisses ? A cette question Boltanski répond : " parce que les Suisses n'ont pas de raison de mourir, en tous cas pas de raisons historiques ". Avec Les Suisses morts, c'est sur la violence de toute mort que l'artiste réfléchit désormais.

2005
Il débute les Archives du cœur, enregistrements de battements de milliers de cœurs à travers le monde qui seront conservés à l'abri du temps dans l'île japonaise de Teshima.

2008
Dans le cadre des Archives, installations sur le thème de la mémoire individuelle et collective au Magasin 3 Stockholm Konsthall, Suède.

2010
Exposition Monumenta 2010, Personnes au Grand Palais, Paris. Boltanski est choisi pour représenter la France à la Biennale de Venise 2011.

Bibliographie sÉlective

Essais sur Christian Boltanski
- Catherine Grenier et Daniel Mendelsohn, Christian Boltanski, Flammarion, coll. " Flammarion Contemporary ", 2010
- Catherine Grenier (avec Christian Boltanski), La vie impossible de Christian Boltanski, Seuil, coll. " Fiction & Cie ", 2007
- Eliane Burnet, Dépouilles et reliques, Les Réserves de Christian Boltanski, Les Cahiers du Musée National d'Art Moderne, n°62, 1997-1998
- Gilbert Lascault, Boltanski : souvenance, Paris, L'Echoppe, 1998
- Lynn Gumpert, Christian Boltanski, Paris, Flammarion, 1992
- Didier Semin, Christian Boltanski, Paris, Editions Art Press, 1989
- Alain Fleischer et Didier Semin, " Christian Boltanski : la revanche de la maladresse ", Art Press n°128, septembre 1988.

Catalogues d'exposition
- Christian Boltanski, Monumenta, Centre national des arts plastiques et Art Press, 2010.
- Christian Boltanski. Dernières années,Musée d'art moderne de la Ville de Paris, 1998
- Christian Boltanski, Les Suisses morts, Musée cantonal des beaux-arts de Lausanne, 1993
- Boltanski, Centre Pompidou, 1984
- Christian Boltanski : Compositions, ARC-Musée d'art moderne de la Ville de Paris, 1981

Ecrits et témoignages
- Christian Boltanski, La Vie impossible, Cologne, Walther König éditeur, 2001
- Christian Boltanski, Kaddish, Musée d'art moderne de la Ville de Paris, 1998

Dvd
- Heinz Peter Schwerfel, La Vie Possible de Christian Boltanski, Portrait fantôme de l'artiste, Arte, 2010.

Liens internet
- Sur l'exposition Monumenta au Grand Palais, 2010

Pour consulter les autres dossiers sur les collections du Musée national d'art moderne
En français
En anglais

Contacts
Afin de répondre au mieux à vos attentes, nous souhaiterions connaître vos réactions et suggestions sur ce document
Vous pouvez nous contacter via notre site Internet, rubrique Contact, thème éducation

Crédits
© Centre Pompidou, Direction de l'action éducative et des publics, février 2005
Conception : Florence Morat
Documentation, rédaction : Vanessa Morisset
Design graphique : Michel Fernandez
Pour les œuvres : © Adagp, Paris 2010
Mises à jour : Ariane Cock-Vassiliou, 2006 ; Iris Dussollier, 2007 ; Florence Thireau, 2010
Coordination : Marie-José Rodriguez, responsable éditoriale des dossiers pédagogiques

# data[].attributes.attachment_link.title
Centre Pompidou. Parcours pédagogique : Christian Boltanski

# data[].attributes.attachment_link.description
Dossiers pédagogiques - Collections du Musée Monographies / Artistes contemporains Christian BoltanskI Vitrine de référence, 1971 L'Œuvre de Christian Boltanski Biographie de l'artiste Notices d'Œuvres * La chambre ovale, 1967 * L'Homme qui tousse, 1969 * Essai de reconstitution (Trois tiroirs), 1970-1971 * Vitrine de référence, 1971 * Saynètes comiques, 1974 * Composition théâtrale, 1981 * Les archives de C.B.

# data[].attributes.body
mouvance artistique des « Mythologies Personnelles » Annette Massager
Boltanski
Sophie Calle

# data[].attributes.body
" Ces souvenirs procurent des émotions positives, comme la confiance et l’optimisme…"

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Vous vous souvenez ? De votre enfance, du passé, de " c'était mieux avant "... Faire appel à la nostalgie semble souvent une bonne idée pour créer sa campagne de communication.

Pour toucher une corde sensible ou pour rappeler des valeurs communes, le goût d'antan est un outil très efficace. Encore faut-il savoir bien s'en servir...

Pourquoi la nostalgie fonctionne ?

Jessica Helfand, graphiste et auteur, a détaillé l'impact psychologique de la nostalgie. Grâce à elle, la mémoire prend le pas sur la réalité, au point de mettre en valeur un aspect quasi imaginaire, voire utopique, des jours anciens. Ces souvenirs procurent des émotions positives, comme la confiance et l'optimisme...

Et quand un client se sent apaisé, rassuré, encouragé... Il est d'autant plus prêt à consommer. C'est ainsi que l'on peut observer depuis quelque temps une résurgence des restaurants au look vintage : leur décoration suffit déjà à attirer leur clientèle.

Différents sens peuvent être concernés : l'ouïe (une chanson nous ramène à un moment précis du passé), l'odorat, le toucher, le goût (la fameuse madeleine de Proust) et, bien sûr, la vue. Il suffit de poster un cliché en noir et blanc, avec des bords dentelés, pour observer les réactions qu'elle suscite. Ou le succès sur les réseaux sociaux des anciennes photos de famille, réactualisées avec des adultes qui reprennent leurs poses d'enfants : chacun a une connexion forte avec le passé. Que ce soit le sien ou celui des autres !

Comment utiliser la nostalgie dans ses graphismes ?

Il existe différentes manières de ressusciter le passé dans ses compositions graphiques. S'appuyer sur le vintage, avec des teintes et des illustrations qui semblent issues des années 50, en est une. Mais le vintage, c'est aussi les années 80, avec les cassettes audio ou les jeux vidéo très pixellisés...

Il faut d'abord choisir à quel public on souhaite s'adresser. La génération qui a grandi devant le club Dorothée reconnaîtra immédiatement les jeux ou les dessins animés de l'époque... mais les millenials se sentiront peut-être moins concernés.

Sélectionner la période historique que l'on veut recréer dépend donc directement de la clientèle visée. Cela dit, comparer deux décennies différentes, et bien éloignées, dans une publicité peut être une bonne option pour toucher plusieurs générations simultanément !

Les graphismes d'antan faisaient souvent appel à des personnages, réels ou imaginaires. En utiliser à nouveau pour ses emballages ou ses affiches permet également de jouer sur l'aspect affectif de ces êtres qui peuvent presque devenir des mascottes.

Il ne faut pas non plus oublier que la nostalgie se cache parfois simplement dans les saisons : en plein hiver, se souvenir que l'été a un jour existé, c'est déjà faire appel à la mémoire ! Si en plus, on utilise des teintes sépia, des photos anciennes et une typographie un peu datée, vous cumulez les effets positifs d'un passé révolu auquel tout le monde tient.

Où trouver l'inspiration ?

Sans les reproduire exactement, s'inspirer des affiches, publicités ou packagings d'autrefois peut être très formateur. Sur Pinterest, notamment, vous pourrez visualiser de nombreux exemples où puiser des idées (essayez la recherche " vintage packaging ").

Si la marque a déjà une longue histoire, c'est très facile aussi de ressortir, pour une édition limitée, un vieux dessin d'emballage, juste remis au goût du jour.

Le but n'est pas seulement de copier, mais de transformer pour que le graphisme ait l'air ancien... sans l'être !

Créer un visuel rétro peut se limiter à un choix de teintes appropriées... Mais il est aussi possible de réinventer le passé. Et c'est là que cela devient beaucoup plus intéressant !

Un projet graphique ? Déposez une annonce sur Graphiste.com, des milliers de graphistes professionnels sont prêts à vous répondre.
Rédigé par Mélanie De Coster

# data[].attributes.attachment_link.title
Comment utiliser la nostalgie dans ses graphismes ?

# data[].attributes.attachment_link.description
Vous vous souvenez ? De votre enfance, du passé, de " c'était mieux avant "... Faire appel à la nostalgie semble souvent une bonne idée pour créer sa campagne de communication. Pour toucher une corde sensible ou pour rappeler des valeurs communes, le goût d'antan est un outil très efficace.

# data[].attributes.headline
La commode "Chest of drawers-You Can't Lay Down your Memory"

# data[].attributes.subject
La commode "Chest of drawers-You Can't Lay Down your Memory"

# data[].attributes.attachment_link.title
La commode "Chest of drawers-You Can't Lay Down your Memory".JPG

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Innovation - Traduire l'émotion et l'affection des souvenirs dans les supports de demain
Design synesthésique, émotionnel et mémoriel, design désinentiel, design paramétrique et génératif, Big Data & DataViz, Innovation technologique et sociale, Internet des Objets, Objets connectés, Impression 3D, , Nouvelles technologies, Réalité augmentée, Design Numérique, Design Interactif, design sensoriel, UI - User Interface,
Méthode - Étude, définition de la problématique, veille technique et technologique, recherche, définition et visualisation du projet

Service de mémorisation, consultation et partage de souvenirs, accompagné d'une application et d'objets.
Grâce à l'application Mnésyne, je propose de nouveaux supports de souvenirs expressifs et symboliques traduisant par les sens un moment émotionnel vécu.

Le but est de remémorer ou de dialoguer à propos des émotions qui ont permis de constituer le souvenir. Cette application permet à chacun de décrypter ses ressentis de façon intuitive et introvertie, d'en prendre conscience. Elle permet de plus, de noter, capter, restituer, organiser, consulter et partager nos souvenirs, les ambiances particulières, sons, odeurs, images de façon sensitive et poétique grâce à la désinence infinie et sensitive des couleurs, matières, intensités et formes... qui connotent ainsi des sensations et des émotions ravivant le souvenir.

L'application Mnésyne permet de noter graphiquement ses ressentis, pour générer un Fragment de souvenir, à partir de ressentis affectifs et subjectifs, grâce à des matières, couleurs et intensités. De plus, elle permet de capter réellement une image, un son, une odeur, une matière... grâce à certaines nouvelles technologies en cours de développement.

Mnésyne
Application de consultation L'application permet dans un deuxième temps, la consultation et le partage des moments émotifs avec leurs données numériques associés - son, images, odeurs, matières, individus présents, lieux, dates, photos... - via des Nuésynes.

Nuésynes
Souvenirs sensitifs et émotifs en 2D Commandée et imprimée sur papier depuis l'application, l'affiche est un nouvel album photo, composée de Flash codes correspondant chacun à une Émosyne - un moment vécu - et renvoyant à des données numériques (son, images, odeurs, matières...).

Résumé du scénario- Consultation et partage numérique puis commande
- Reception
- Ouverture
- Observer, se remémorer, en parler, revivre les émotions par une représentation intuitive et sensitive puis consulter les informations numériques

Émosynes
Souvenirs sensitifs et émotifs en 3D
Commandés et imprimés en 3D depuis l'application, les Émosynes sont l'objet d'un souvenir sensitif, générés par l'application et renvoyant à des données numériques (son, images, odeurs, matières...) grâce au scan 3D.

- Reception
- Observer, se remémorer, en parler, revivre les émotions par une représentation intuitive et sensitive
- Consulter les informations numériques

# data[].attributes.attachment_link.description
Innovation - Traduire l'émotion et l'affection des souvenirs dans les supports de demainDesign synesthésique, émotionnel et mémoriel, design désinentiel, design paramétrique et génératif, Big Data & DataViz, Innovation technologique et sociale, Internet des Objets, Objets connectés, Impression 3D, , Nouvelles technologies, Réalité augmentée, Design Numérique, Design Interactif, design sensoriel, UI - User Interface, Méthode - Étude, définition de la problématique, veille technique et technologique, recherche, définition et visualisation du projet Le but est de remémorer ou de dialoguer à propos des émotions qui ont permis de constituer le souvenir.

# data[].attributes.body
quel est l'état d'esprit de ces années
-pourquoi elles reviennent ?

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
En 2018, on a assisté au retour explosif de la nostalgie pour les années 90, en préparation depuis déjà quelque temps. La division en décennies est un instrument très en vogue pour décrire et résumer la culture d'une période donnée du 20e siècle. Le début du nouveau millénaire semble être moins marqué par les décennies : aucun imaginaire fort, et en mesure de rivaliser avec les imaginaires nés au siècle dernier, ne semble (encore) s'être construit, ni dans les années 2000, ni dans les années 10, qui touchent à leur fin.

Voici peut-être la raison qui nous pousse à un retour en arrière aux années 90, dernière décennie à manifester un caractère fort.

Pour la génération X, elles représentent les années de la jeunesse, pour les millennials et les enfants du numérique, une époque pleine d'attrait et d'idéalisation. Elle marque les débuts de la révolution technologique : au début des années 90, la majorité de la population ne connaissait pas encore Internet, alors qu'à la fin de la décennie, navigateurs, ordinateurs et téléphones portables, jeux vidéo sont couramment utilisés. La technologie était en train de naître et de se développer mais elle ne gouvernait pas et ne tyrannisait pas encore nos vies.

L'imaginaire pop des années 90, qui envahit alors la musique, la mode, les films, les programmes télévisés et la technologie, est aujourd'hui une importante source d'inspiration. Le design de cette décennie ne nous laisse pas indifférents non plus : qu'il s'agisse de spots, de posters, de publicités sur les magazines ou de logos. Le graphisme a toujours eu un rôle de premier plan pour ce qui est de synthétiser et de représenter le " ressenti " d'une époque d'un point de vue visuel. Le retour actuel de certains styles graphiques des années 90 reflète bien la nostalgie pour cette époque.

Partons ensemble à la découverte d'événements, de tendances, de modes et d'objets qui représentent, en partie, ce qu'étaient les années 90 et qui ont contribué à caractériser la décennie en question et à la pérenniser jusqu'à aujourd'hui.

Années 90 : les débuts d'Internet

Un des changements les plus marquants des années 90 a été le déploiement d'Internet, avec la naissance des sites web. Le design web était simple, allant à l'essentiel et disons-le, avec le recul, un peu naïf. La majorité des sites était constituée de tableaux qui limitaient la créativité et rendaient le design plutôt ennuyeux, mais qui permettaient de disposer clairement les informations sur la page. De longues lignes de texte toutes en Times New Roman, des fonds désorganisés et hyper colorés et des gifs préhistoriques : de quoi rendre fous les utilisateurs.

Le design web a subi une véritable révolution en l'espace de vingt ans, en développant et en privilégiant la fonctionnalité, les hiérarchies, les gabarits et un langage graphique agréable pour le visiteur. Toutefois, de nombreux designers actuels reviennent aux années 90, en réaction à la tendance contemporaine de faire excès de fioritures et de surcharger les pages. De là est né un courant défini comme " Brutalist Web Design " à cause du caractère cru du design de ces sites. Les sites " brutalistes " encouragent une approche honnête et directe, à travers un design brut, qui ne cherche pas spécialement à faciliter la navigation ni à être agréable d'un point de vue visuel, mais qui, au contraire, se caractérise par une esthétique volontairement difficile et " laide ", construite à partir d'un code HTML basique et imparfait.

https://brutalistwebsites.com est né de l'idée d'un portail rassemblant plusieurs exemples de cette tendance. Il a cessé son activité, mais il est toujours possible de le visiter pour ses archives.

Le site pour l'album " Everything Now " des Arcade Fire se présente comme une série en cascade de fenêtres pop-up façon Windows 98.

La page d'accueil du site de Solange rappelle également le bureau d'un iMac G3, avec des fenêtres QuickTime et des icônes de dossiers.

Pour la promotion des derniers modèles de sa série Yung, inspirée des années 90, Adidas a réalisé un site qui reprend les codes de l'esthétique, très discutable, des premières années d'Internet, faites de gifs animés démesurés, de répétitions d'images sur fond désorganisé, de pixel art, de fontes système, de bannières " under construction " et de compteurs de pages vues.

Rave Culture

À la fin des années 80, un nouveau genre musical débarque de Chicago : l'acid house, qui s'impose rapidement et fait fureur dans les années 90, au Royaume-Uni d'abord, puis dans toute l'Europe, dans les clubs, entrepôts, souterrains, forêts, souvent de manière illégale. On adopte alors le terme de " rave " pour désigner la sous-culture qui se développe autour du mouvement acid house.

L'unique façon de faire connaître les événements rave, outre le bouche-à-oreille, était de distribuer flyers et invitations. Ces derniers développèrent vite un style très particulier, marqué par la spontanéité et le désintérêt pour les conventions. La typographie affichait des gros caractères gras, que même un esprit embué pouvait lire, des couleurs criardes, des arrière-plans sombres et foncés. Les images et les motifs s'inspiraient souvent de la science-fiction et du surréalisme, ou provenaient parfois d'illustrations d'artistes du calibre de Escher.

De nombreux designers se sont récemment intéressés au langage graphique de la rave culture. David Rudnik, designer anglais, collectionne, sur son site, des posters et graphismes des années 90, dont il s'inspire pour ses propres travaux.

Le projet Well Wishers 88 de Ruben Martinho consiste en une production prolifique de posters et graphismes, dans lesquels on retrouve l'influence, quelque peu réinterprétée, des flyers iconiques de Fantazia, Dreamscape et Perception.

VHS, cassettes, Walkmans

Certains objets, essentiellement technologiques, couramment utilisés dans les années 90 et désormais obsolètes, sont considérés aujourd'hui comme des objets fétiches. La génération des enfants du numérique, notamment, qui ne les a jamais utilisés, les considère comme des nouveautés. C'est le cas des cassettes audio, dont les ventes augmentent au rythme annuel de 90 %. Chez Urban Outfitters, une célèbre chaîne américaine de vêtements et d'objets pour teen-agers, il est possible de trouver un large choix de cassettes d'artistes contemporains et de Walkmans, à côté des AirPods et des enceintes Bluetooth.

De nos jours, les vhs (cassettes vidéo) ne connaissent pas la même opportunité commerciale mais elles restent une source d'inspiration au niveau visuel. Les graphismes très reconnaissables des vhs vierges, sur lesquelles on pouvait enregistrer, sont silencieusement devenus des classiques du design des années 90. Dégradés, bandes de couleurs disposées en arc-en-ciel, grilles, typographie sans serif... Malgré des canons de composition très limités, la diversité des designs révélait une grande ingéniosité. Matthew Jones a collectionné et répertorié 400 designs différents, qu'il a divisés en catégories, en fonction de leur style.

La surcouverture de la dernière édition de la revue d'art et de mode ModernMatter, Remastered edition, qui présente une collection sur l'art de la " remastérisation " vu à travers la presse, fait clairement référence aux vhs remastérisables.

Nous espérons que ce petit plongeon dans le monde graphique des années 90 vous donnera envie de vous laisser surprendre par la manière dont les graphistes, les créatifs et publicitaires actuels sauront le réinterpréter et le remettre sur le devant de la scène dans les prochains mois.

# data[].attributes.attachment_link.title
90's Nostalgia : le charme du graphisme des années 90 est de retour | Pixartprinting

# data[].attributes.attachment_link.description
Le fascinant graphisme des années 90 inspire à nouveau les créateurs de 2019. Redécouvrons ensemble les exemples les plus intéressants

# data[].attributes.body
https://www.youtube.com/watch?v=3qzLB0lozSI

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Assumer pour se libérer de son ancienne image : voilà un motto qui colle bien à Skoda France. En pleine ébullition post-estivale, la marque nous fait une fois de plus la démonstration de sa désinvolture à travers une campagne qui remonte le temps qu'on voudrait parfois oublier tant c'était trop la honte. Parce que dans les 90's, pas de doute, on étaient tous bien moches.

Skoda France fait sa rentrée. Et en bon élève plein de résolutions, elle fait le voeu de s'assumer pour mieux évoluer. Car si aujourd'hui la marque se veut moderne et dans l'air du temps, elle reconnait en effet son passé avec ses lignes au look disgracieux qui lui vaut encore aujourd'hui l'étiquette un peu " has been " des années 90. Alors pour s'en défaire et imposer le design résolument renouvelé de ses modèles, Skoda France n'hésite pas à assumer cette étape de son histoire en lançant " Vous aussi vous étiez moches dans les années 90's ". Une campagne signée Rosapark au ressort pas tout à fait neuf (Volkswagen, avec son agence DDB, avait été le premier à oser avec son "It's ugly but it gets you there" "Peut-être que ma voiture est moche, mais elle est fiable" en 1969) mais rappelant à tous que les années 90's ont pu faire défaut à plus d'un consommateur.

Comme un magnéto rembobiné presque 30 ans en arrière, la campagne plonge le consommateur dans une époque qui parle (presque) à chacun.e. Couleurs, style, ambiance, une restitution flashy au poil sur fond d'autodérision totale, quitte à risquer de froisser les susceptibles qui s'attarderont sur le terme quelque peu subjectif de " moche ". En avant les clichés et l'archétype du parfait " 90's kid " avec gadgets, look et musique assortis.

Les 90's, une époque très très particulière

Les 90's, cette époque marquée par des tubes mythiques qui accompagnent souvent avec nostalgie les fins de soirées bien arrosées, c'est aussi et surtout un style vestimentaire qui s'affiche encore sur quelques cartes d'identité et permis de conduire que l'on cache soigneusement au fond de son portefeuille. Pantacourt baggy, coupe mulet, total look survêtement fluo, T-shirt tie&dye, banane : les 90's, c'était la Gameboy et le Walkman, et des goûts discutables mais des souvenirs mémorables.

Un dispositif média bien ficelé

Un film mais pas que, car quitte à faire du bruit, autant en faire vraiment. Cette campagne lancée simultanément sur Twitter, Facebook, Instagram et YouTube est complétée par des activations social media avec le hashtag #MocheDansLes90s permettant notamment aux internautes de créer leur propre version du film en envoyant les photos " dossier " de leurs amis à la marque.

Comme INfluencia le soulignait lors du lancement de la campagne Mission to Mars, " être réactive et agile pour engager toujours plus de conversations sur la Toile, c'est très important pour une marque qui se veut à la pointe de son époque ". Le constructeur automobile l'a bien compris. Avec ce film de rentrée succédant à ses activations pour le Tour de France et son spot " Mission to Mars " qui surprenaient les consommateurs par une approche de " game changer ", elle creuse son sillon créatif, l'ancrant définitivement dans le 21ème siècle. Une désinvolture qui n'est pas sans déplaire au grand public, surpris de voir une marque casser les codes d'un univers auto " classico-boring " où connivence et finesse sont ses mots d'ordres. Une aventure publicitaire qui commence bien.

Par ici deux campagnes dont la mécanique s'assimile :

# data[].attributes.attachment_link.title
Les 90's : des années " dossiers " revendiquées par Skoda

# data[].attributes.attachment_link.description
Assumer pour se libérer de son ancienne image : voilà un motto qui colle bien à Skoda France. En pleine ébullition post-estivale, la marque nous fait une fois de plus la démonstration de sa désinvolture à travers une campagne qui remonte le temps qu'on voudrait parfois oublier tant c'était trop la honte.

# data[].attributes.headline
publicité YSL, Wolkoff & Arnodin, 1998-99 3

# data[].attributes.subject
publicité YSL, Wolkoff & Arnodin, 1998-99 3

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Amies lectrices, amis lecteurs, je suis au regret de vous apprendre que nous sommes tou-te-s des ingrat-e-s. Parfaitement.

Comment, " non " ? Je ne vous imaginais pas aussi catégoriques, dites donc. Et puis, vous ne savez même pas encore de quoi je parle. Vous utilisez toujours Paint pour créer de jolies cartes de Noël, peut-être ? Vous allez me dire que vous faites les titres de vos blogs en dégradé violet-vert-vomi sur Word Art ? Que vos couleurs préférées c'est le bleu erreur Windows et le vert fluo de Télétubbies ?

Non. Ben voilà. Vous êtes donc des ingrats.
Ce gif n'est là que pour annoncer la couleur de l'article.
Souvenez-vous, pourtant, de ces années folles où nous rendions taré notre entourage en l'envahissant de cartes pleines de clip arts dégueulasses et réalisées avec le CD-Rom que mémé Fernande nous avait offert à Noël en pensant que c'était de la musique ! Nous folâtrions gaiement dans les limbes du ringard ultime de l'Internet sans guère penser au lendemain, et les traits tremblotants que nous tracions à la souris devenaient oeuvres d'art à nos jeunes yeux.

Nous voilà, aujourd'hui, à utiliser Photoshop pour redimensionner des photos, sans plus une pensée pour la galère que c'était sous Paint, ou pour les jolis effets de typo qu'on faisait avec Lucida Grande et Comic sans MS...

Je pense que, du coup, on peut au moins se fendre d'une petite soirée diapo en souvenir de cet âge d'or du graphisme Web. D'autant que, bon... Il n'a jamais tout à fait disparu.

L'apogée du Clip Art

Le Clip Art, c'est un peu l'ancêtre du reaction gif qu'on colle un peu partout de nos jours. Sauf qu'au lieu d'avoir des animations issues de films, séries ou autres... On avait des petits dessins mignons. Qu'on collait partout aussi, avec la dimension papier en plus.

Mais si enfin, vous en retrouviez jusque sur vos cours de maths, parce que votre prof se targuait d'être un pro en informatique (celui-là même qui vous forçait à aller à ses cours d'informatique pour participer à la création du CD-Rom de votre classe).
Je rêve encore, parfois, de ce gâteau d'anniversaire. Voyez un peu ce que vous manquez.
Ce n'étaient vraiment que des illustrations basiques, ou des symboles, prêts pour l'impression ou pour pourrir vos pages perso Wanadoo et vos cartes d'anniversaire, puisqu'il y en avait pour toutes les occasions. Mais pourquoi je parle à l'imparfait, d'ailleurs ? Il y a toujours des Clip Arts un peu partout sur le Web, qui attendent, la truffe humide et les yeux brillants, que vous les choisissiez pour les insérer dans votre document Word !

Comment ça, vous utilisez Google Docs ? Faites un effort, bande de sales jeunes ! Sinon vous ne pourrez jamais (re)découvrir la merveille artistique suivante, avec laquelle le clip art s'accorde si bien : le Word Art.

Le Word Art, ringard depuis sa naissance

Aaah... le Word Art. Petite option " dessin " proposée par Microsoft Word à l'origine, la bête a fait bien des émules sans que l'on puisse réellement expliquer comment, ni pourquoi.

Combien de rétines de professeurs avez-vous usées à force de faire les pages de garde de vos cahiers avec Word Art ? Bon, en même temps c'était un peu leur faute, quelle idée de demander de décorer un cahier de grammaire anglaise, aussi. Sans compter que certains professeurs étaient pires que vous. Et ne parlons pas de la manie qu'avaient vos parents de coller fièrement ça sur les cartons d'invitations de vos goûters d'anniversaire.

Je ne sais pas si ça a été à la mode, si on aimait vraiment ça ou si c'était une espèce d'ironie constante, comme si on était déjà tous des hipsters dans les années 90. Car enfin, soyons objectifs et réalistes deux secondes : où est l'esthétique, où sont le bon goût et la santé mentale dans ces abus d'effets de style à base de dégradés visqueux et d'ombres en arcs de cercle à l'agonie ?
Gné.
Sans parler de l'effet désastreux que peut avoir sur nos petits cervelets délicats une phrase aux couleurs déjà psychédéliques que l'on tourne en rond - ou je ne sais trop comment l'expliquer. Absurde.
Je me sens en bonne voie pour remplacer notre graphiste.
Né ringard, le Word Art s'en fout : il survit. Et puis, il ne faut pas négliger la part d'affectif ! Prenez par exemple cet individu qui, en 2010, cherchait encore à faire du Word Art pour décorer ses factures (à moins que ce ne soit votre grand-mère qui découvrait le petit monde joyeux de l'informatique).

Sans oublier que pour les flemmards ou les snobs qui travaillent désormais sur Evernote ou Ommwriter mais ont parfois une petite pointe de nostalgie aux arômes de culpabilité, on est allés jusqu'à créer des générateurs de Word Art.

Vous voyez. Word art is not dead.
*soupir* avec des astérisques, comme on disait à l'époque
Paint, l'intemporel

Fut un temps, vous redimensionniez les fanarts de vos stars préféré-e-s que vous aviez volés sur Internet avec... Paint. Sauf que, bon. Vous n'avez jamais vraiment compris comment ça fonctionnait. Il faut avouer que ce n'était pas forcément fait pour. Ou peut-être que si. Enfin. On sait pas trop. C'est Paint, quoi.

Officiellement un " logiciel de manipulation d'images matricielles " (ce qui ne nous avance pas énormément), Ms Paint existe depuis 1985. Même moi, je n'étais même pas encore née - et j'ai découvert les PC avec Paint, puisque celui-ci était d'office intégré dans le menu de nos Windows 95.

Oui, j'ai connu Windows 95 et le 56K, qu'est-ce que tu vas faire ? On était heureux à l'époque ! On cherchait des sites de Dollz et on avait le temps d'aller faire le goûter avec des tartines de Nutella avant que la page ne s'affiche (à peu près) en entier ! C'était bien ! C'était nature ! C'était... Bref.

Ah oui, mais vous, vous étiez de petit-e-s artistes en herbe, je le sens. Vous pouviez passer des heures à baver des formes et des couleurs improbables sur la page blanche pour passer le temps pendant que votre CD-Rom d' Adibou fait du poney s'installait. Vous en avez fait, des ciels bleus avec des soleils souriants, des bonhommes-bâtons bancals et des maisons tordues ou au contraire trop droites à partir du moment où vous avez découvert la fonction ligne. Et polygone.

Et ne parlons même pas de l'aérographe.

Alors, bien sûr, il y a toujours des petits malins en mal de reconnaissance pour réaliser des chefs-d'oeuvre avec un logiciel que vous pensiez pourtant consacré à l'oisiveté et la médiocrité. Vous avez le droit de crier au fake et de retourner à vos bonhommes-bâtons. La majorité ne vous jugera pas.
Patron, je crois que je tiens un concept.
Ces typos qui nous hantent
Enregistré dans une qualité dégueulasse pour vous rappeler les années Paint.
Oui, c'est vrai, la plupart des polices d'hier sont les polices d'aujourd'hui. Mais certaines dégagent une plus grande aura de nostalgie crasse que d'autres, ne serait-ce que parce qu'on les a oubliées - c'est-à-dire qu'on n'ose plus les utiliser. Tristesse et mélancolie.

Je suis néanmoins certaine que ce n'est pas sans une larmichette pointant au coin de vos jolis yeux que vous avez posé ces derniers sur le logo madmoiZelle en Papyrus ci-dessus... L'émotion vous étrangle quand vous croisez une tirade en Lucida Grande en italique, ou une prose en Mistral chatoyant ! Vous ne sauriez demeurer insensibles devant un formulaire administratif en Comic Sans MS qui...

Non en fait, oubliez ce dernier point. On n'a jamais lâché le Comic Sans MS assez longtemps pour qu'il nous manque.

D'autres polices ont un peu plus sombré dans l'oubli, alors qu'elles nous avaient tant diverti-e-s. C'est le cas des polices Wingdings ! Ça vous parle, les Wingdings ? Mais si enfin, les Wingdings, vous savez, les imprononçables (ouine-gue-din-gueuz) qui ne servaient à rien parce que c'était... que des symboles. En gros. Voilà. Niveau communication, on a vu mieux.
[musique de X-files]
Mais surtout, les Wingdings, c'était les légendes urbaines et toutes ces histoires de messages cachés et de complots qu'on nous servait avec. Vous ne pouvez pas savoir à quel point j'étais heureuse de réussir à tomber sur cette page malgré les maigres souvenirs qui me revenaient de cette histoire de référence au 11 septembre...

Mais si, souvenez-vous, cette chaîne malsaine qu'on se faisait tourner je ne sais plus comment, alors qu'on découvrait l'immensité du Web en espérant découvrir un complot mondial. Si on tapait " Q33NY ", le code d'identification de l'un des avions détournés le 11 septembre 2001, et qu'on mettait ensuite le texte en Wingdings, les symboles étaient les suivants : un avion, deux tours, une tête de mort et l'étoile de David.

Essayez un instant de revivre l'émotion du môme devant le PC de ses parents qui pense avoir mis le doigt sur un message caché.

Bon, quelques années plus tard, on réalise que " Q33NY " n'a rien à voir avec aucun des avions concernés et que, tiens, au fait, mais quel rapport avec la communauté juive dans ces attentats... et on se trouve très simplet-te-s. Mais enfin. Folle jeunesse, tout ça.

Dollz, licornes, et autres gifs à paillettes

Ah non, ça, autant pour moi : ça n'a jamais pris une ride. Je veux dire, tout le monde continue à décorer ses emails persos avec le papier à lettre d'Outlook Express en fond, quelques gifs de licornes et un .midi de Titanic en bande-son.

Tout comme, bon, pendant la pause déj', surfer sur l'Internet pour aller s'amuser à habiller quelques Dollz qu'on pourra utiliser pour décorer son site perso... ça détend.

... Non ?

# data[].attributes.attachment_link.title
Le graphisme version années 90 : best of nostalgique

# data[].attributes.attachment_link.description
Amies lectrices, amis lecteurs, je suis au regret de vous apprendre que nous sommes tou-te-s des ingrat-e-s. Parfaitement. Comment, " non " ? Je ne vous imaginais pas aussi catégoriques, dites donc. Et puis, vous ne savez même pas encore de quoi je parle.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Dossier : 50 années d'innovation et d'évolutions, une tranche décennale chaque semaine. Aujourd'hui plongée dans une décennie rythmée par des films cultes comme Usual suspect, Aliens 3 ou encore S7ven, Mais pas seulement.

Déjà deux semaines que nous retraçons les plus grandes innovations technologique de notre ère sur les cinquante dernières années. Après avoir exploré les années 1970 et 1980. Aujourd'hui, nous arpenterons les iconiques années 1990.

1990 : WorldWideWeb, le premier navigateur Web

De toutes les technologies qui ont changé nos vies, la plus profonde de ces 50 dernières années a peut-être été le Web. Mais ce n'est pas la capacité de créer des hyperliens qui a eu le plus d'impact. C'est plutôt l'application qui présentait toute cette information aux utilisateurs, le navigateur.

Le navigateur, en combinaison avec les différents protocoles Web, permettait l'accès au Web à partir d'une grande variété de systèmes d'exploitation et de périphériques. Il permettait aux utilisateurs de cliquer et de naviguer d'un site Web à l'autre. Mais même avant qu'il y ait des sites Web publics, il fallait qu'il y ait un navigateur.

Ce navigateur s'appelait initialement WorldWideWeb. Son nom a par la suite été changé pour Nexus afin d'éviter toute confusion avec l'entité que nous appelons maintenant le web, mais à l'époque était le World Wide Web ou WWW. Le Web a changé le monde, mais c'est le navigateur qui a apporté ces changements dans le monde entier.

Également en 1980 : Windows 3.0.

1991 : Linux
Disquettes contenant une version très ancienne de Linux. // (Image : Shermozle/Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported license)

Nous sommes maintenant dans les années 1990 et les changements technologiques s'accélèrent mais de tous les produits lancés, il en ressort un : Linux.

Linux a pris UNIX et l'a fait disparaître. Au lieu d'un système d'exploitation très coûteux à acquérir sous licence, Linux était gratuit. Il a déclenché l'open source. Et aujourd'hui, Linux fonctionne dans tout, des ampoules aux voitures, en passant par presque tous les téléviseurs et téléphones sur le marché.

1992 : Le premier message texte SMS

Qui aurait cru que les gens préféreraient taper à la machine plutôt que de parler au téléphone ? Bien que le concept SMS existe depuis longtemps, ce n'est que le 3 décembre 1992 que l'ingénieur Neil Papworth a envoyé un message au combiné Vodafone Orbitel 901 de Richard Jarvis. Le message ? un simple "MERRY CHRISTMAS".

Au sommet de sa courbe d'utilisation, les clients américains de téléphones cellulaires ont envoyé 2,3 billions de messages SMS. Mais comme le montre un graphique de Statistica, le volume de SMS a diminué régulièrement au fur et à mesure que les utilisateurs migrent vers des messageries basés sur des applications comme WhatsApp ou Facebook. Malgré tout, les SMS ont changé notre façon de communiquer.

Également en 1992 : Windows 3.1, premier ThinkPad.

1993 : Navigateur Web Mosaic
Mosaic a été le premier navigateur Web graphique très populaire. // Image : National Center for Supercomputing Applications (NCSA) et le Conseil d'administration de l'Université de l'Illinois

En 1993, les choses se réchauffaient pour le World Wide Web, qui devenait rapidement mondial. Bien que Mosaic n'ait pas été le premier navigateur, il pouvait afficher des images. Pour l'époque, c'était très rapide, et il est rapidement devenu populaire.

Mosaic, créé par Marc Andreessen et Eric Bina, étudiants diplômés du National Center for Supercomputing Applications (NCSA) de l'Université d'Illinois Urbana-Champaign. Mosaic est finalement devenu Netscape, qui a dominé le web ( du moins pendant un certain temps).

Également en 1993 : Windows NT et DOOM, jeux vidéo de tir à la première personne développé par id Software.

1994 : Fondation d'Amazon

Lors de sa création en 1994, personne ne pouvait imaginer qu'Amazon allait devenir l'une des entreprises les plus innovantes du monde.

Aujourd'hui, elle est au cœur du mouvement cloud, elle a joué un rôle de premier plan dans l'élimination du commerce de détail, elle a révolutionné les livres numériques, transformé la disponibilité et la livraison des produits, créé une IA (Alexa) qui vit dans nos foyers et est devenu un producteur de contenu vidéo original de premier rang.

Également en 1994 : La première PlayStation de Sony, le codage PHP, et la naissance des bannières publicitaires.

1995 : Windows 95 et IE 1.0

En 1995, Windows existait depuis une décennie. Mais c'est en 95 avec Windows 95 que la base de l'environnement bureautique à été introduit.

Windows 95 a été la première version de Windows à inclure IE, qui allait devenir le navigateur dominant pendant plus d'une décennie. Alors que la configuration réseau sous Windows 95 était encore inconfortable, avec Windows 95, Microsoft avait finalement la base de ce qui allait devenir l'expérience moderne du bureau.

Également en 1995 : JavaScript et SSL, protocoles de sécurisation des échanges sur Internet.

Un des premiers modèles -- le PalmPilot Personal. // (Image : Channel R/Creative Commons Attribution-Share Alike 3.0 Unported license)

1996 : PDA de poche

À l'époque, il était difficile de croire qu'une compagnie de modem présenterait le premier PDA portable à succès. Aujourd'hui, bien sûr, avec la normalisation des smartphones portables, il est impossible de séparer les communications des appareils personnels.

1996 a aussi donné naissance à l'USB et au CSS. Celles-ci ont eu un impact sur la technologie, mais c'est l'ordinateur de poche Pilot, petit, portable et relativement bon marché, qui a remplacé les organiseurs personnels et a été le premier appareil, depuis la montre, qui nous a accompagné partout.

Également en 1996 : CSS et l'USB

1997 : Le retour de Steve Jobs chez Apple

Beaucoup de choses se sont passées en 1997, mais le plus grand événement, sans doute celui qui a changé toute la technologie, a été le retour de Steve Jobs chez Apple. Il faut se rappeler qu'en 1997, Apple était mourant mais personne ne se serait attendu à ce qu'Apple transforme complètement la musique et les téléphones, sans parler de la transformation du mobile numérique que nous connaissons actuellement.

On pourrait soutenir que d'autres entreprises auraient créé des appareils mobiles, mais c'est la personnalité de Jobs et sa détermination qui ont surmonté les blocages impénétrables et l'ancien style d'affaires des opérateurs mobiles.

Également en 1997 : Création de Netflix et adoption de la norme Wi-Fi 802.11.

Station de base d'origine (graphite) de l'AirPprt. // (Image : Jared C. Benedict/Creative Commons Attribution-Share Alike 2.0 Generic license)

1998 : Google est fondé

Pendant les premières années du web, les guerres des moteurs de recherche ont dominé l'actualité. Puis vint l'algorithme de Google, célèbre pour avoir mis au jour des informations beaucoup plus pertinentes. D'une manière ou d'une autre, une page simple et épurée a éclipsé toute autre publicité, déterminé ce qui était pertinent. Fondé avec la devise "Don't be evil".

Également en 1998 : Lancement de Windows 98 et du premier iMac.

1999 : Apple AirPort (et iBook)

Apple a l'habitude de prendre les technologies existantes et de les mouler en quelque chose d'irrésistible pour les consommateurs. Apple a souvent donné le ton, donnant aux entreprises la "permission" de pénétrer des marchés similaires. Avant l'AirPort (et le Wi-Fi), les ordinateurs étaient toujours attachés. Si vous vouliez accéder à un réseau, vous deviez vous brancher. Mais avec l'avènement du Wi-Fi, nous avons pu emmener nos machines n'importe où à la maison ou au bureau, sans fil.

L'AirPort a montré que c'était possible, et le monde entier a suivi.

Également en 1999 : BlackBerry et la préparation au bug de l'an 2000.

Rendez-vous la semaine prochaine pour analyser les années 2000. Mais pour le moment vous pouvez redécouvrir les années 70 ici et les années 80 ici.

Source : Technology that changed us: The 1990s, from WorldWideWeb to Google

A lire aussi :

# data[].attributes.attachment_link.title
Les années 1990 : retour sur 10 ans d'innovations

# data[].attributes.attachment_link.description
Dossier : 50 années d'innovation et d'évolutions, une tranche décennale chaque semaine. Aujourd'hui plongée dans une décennie rythmée par des films cultes comme Usual suspect, Aliens 3 ou encore S7ven, Mais pas seulement. Déjà deux semaines que nous retraçons les plus grandes innovations technologique de notre ère sur les cinquante dernières années.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Actuellement, des jeux vidéo ( Resident Evil 7 : Biohazard), des clips (Formation de Beyoncé) et des publicités (comme celle de la marque de prêt-à-porter française The Kooples pour sa collection printemps-été 2017 ou le dernier spot de la firme Adidas pour sa gamme de baskets Originals) reprennent l'esthétique de la VHS. C'est-à-dire une image laide, granuleuse, composée de stries et de couleurs délavées. Plus étrange encore, l'App Store propose aujourd'hui une application permettant de filmer à la manière d'un vieux caméscope analogique avec son iPhone. VHS Camcorder - c'est le nom de cette appli créée par Rarevision - imite en effet le rendu visuel du support, avec des inscriptions venant s'incruster dans l'image avec un pixel grossier (PLAY, REWIND... mais aussi la date et l'heure de la prise de vue). D'où cet engouement soudain pour l'antique VHS vient-il ?

À l'heure des téléviseurs 16/9, des Blu-ray Ultra HD 4K et de Netflix, il paraît improbable que des VHS proposant une image au format 4/3 (autrement dit carrée et non rectangulaire) puissent faire leur retour en force sur le marché, à la manière des disques 33 tours vinyles, redevenus à la mode depuis quelques années. D'autant que le dernier fabricant de magnétoscopes dans le monde, le groupe japonais Funai Electric, a définitivement arrêté sa production en juillet 2016 (avec 750 000 unités écoulées en 2015... contre 15 millions au début des années 2000). Le lecteur de cassettes vidéo a donc disparu. Mais, pour toute une génération nostalgique qui a grandi avec elle, la VHS est un format qui ne mourra jamais.

La vidéo sur le banc des accusés

Révolution VHS, le documentaire de Dimitri Kourtchine diffusé le 1er septembre à 22 h 25 sur Arte (mais disponible aussi en replay sur Arte+7 après sa diffusion), rembobine en cinquante-deux minutes toute l'aventure de la petite boîte noire. Et rappelle qu'avant la VHS de JVC un autre fabricant japonais, Sony, avait lancé dès 1976 le Betamax, qui fut la première cassette à entrer dans les foyers américains et à changer les habitudes du consommateur. Avec le magnétoscope, on peut gérer son temps comme on le souhaite. On n'est plus obligé de regarder la télé en même temps que les autres. À l'époque, l'objet est lourd, encombrant, et coûte une fortune. Sa télécommande filaire est d'une taille démesurée. Mais ce produit de grande consommation séduit le public, ce qui provoque l'ire des studios hollywoodiens. En effet, Universal poursuit Sony devant les tribunaux car l'enregistrement de films sur bande magnétique est, selon la major du cinéma, illégal et porte atteinte aux droits d'auteur.

Première source de revenus pour les patrons de chaîne, la publicité diminue aussi à la télévision à force d'être zappée par les utilisateurs de magnétoscopes. Les enjeux sont énormes, car ils concernent un marché de plusieurs milliards de dollars. Le procès s'étendra sur près d'une décennie. Et remontera même jusqu'à la Cour suprême des États-Unis - soit le sommet du pouvoir judiciaire - en 1984. Au terme de délibérations extrêmement serrées, cinq juges contre quatre décident d'accorder enfin aux particuliers le droit d'enregistrer les programmes de la télévision. Mais cette victoire pour Sony est de courte durée : bientôt, le Betamax est détrôné par un nouveau standard audio-vidéo, la VHS (Video Home System), qui a l'avantage de proposer une durée d'enregistrement plus longue à des tarifs plus abordables. Sa fabrication est surtout moins onéreuse pour les industriels, même si la qualité du Betamax est jugée supérieure par les spécialistes (d'où le slogan " Beta is Betterˮ). Un troisième concurrent tentera aussi de rivaliser avec les deux premiers, sans succès : le V2000 du néerlandais Philips.

Les leçons d'aérobic de Jane Fonda

Alors que la guerre des standards est gagnée par JVC avec la VHS, une autre bataille commence, celle des contenus. Au début des années 1980, les rares cassettes préenregistrées disponibles à la vente affichent des prix exorbitants. Très vite, on trouve une solution pour satisfaire le consommateur, avide de nouveautés : la location de films dans les vidéoclubs. Souvent, les files d'attente sont interminables et le film est déjà loué par un autre client. Pourtant, le vidéoclub devient un temple, un lieu de rencontres, de débats, et un repaire de cinéphiles. Avant de devenir cinéaste, Tarantino fait d'ailleurs ses débuts à 20 ans en tant que vendeur à Video Archives, une boutique de Manhattan Beach, dans la South Bay du comté de Los Angeles. Il y restera plus de cinq ans...

Émaillé d'images d'archives hilarantes, le documentaire d'Arte nous fait découvrir des programmes spécialement conçus pour le support, avec des VHS qui transforment les téléviseurs en feu de cheminée, des jeux télévisés pour chiens, la vidéo interactive Rent-a-Friend ( Loue un ami) dans laquelle un acteur interpelle le spectateur face caméra et tente de copiner avec lui. Surfant sur la tendance du culte du corps dans les années 1980, Jane Fonda donne aussi, à près de 50 ans, des leçons d'aérobic dans une VHS qui deviendra un hit planétaire : la série J ane Fonda's Workout, qui atteindra les 17 millions d'exemplaires vendus. D'autres vidéos, destinées à un public religieux, proposent de réciter des versets de la Bible et des prières... tout en effectuant en rythme des exercices de fitness !

Porno, gore et vidéos nasties

Mais, à l'époque, ce sont les films pornos et les films d'horreur qui sont les plus demandés par les clients de vidéoclubs. Situé en général au fond de la boutique, derrière une porte battante, le rayon X autorise le public à emprunter des œuvres à caractère pornographique pour les visionner à l'abri des regards, dans l'intimité du cercle privé (ce qui était impossible auparavant). Les spectateurs se ruent aussi en masse sur des films gore aux jaquettes racoleuses. En France, la légendaire collection Les films que vous ne verrez jamais à la télévision !, éditée par René Chateau, permet de découvrir à domicile Massacre à la tronçonneuse, interdit pendant huit ans en salle par la censure giscardienne.

Mais cette ère de liberté prend fin vers 1987, au moment où le marché vidéo rapporte plus que celui du cinéma. En effet, une entreprise américaine, Blockbuster Video, lance une importante chaîne de magasins destinée à toute la famille. En cheville avec les grands studios, cette enseigne va assainir les rayons avec des produits aseptisés, plus proches de Disney que de Cannibal Holocaust. Incapables de lutter contre cette concurrence déloyale, les petits vidéoclubs baissent le rideau les uns après les autres. En Angleterre, le très conservateur député Graham Bright décide de lancer, de son côté, un projet de loi contre les " vidéos nastiesˮ, ces films violents et transgressifs qui corrompent la jeunesse. Une parenthèse enchantée se referme.

La VHS devient un acte militant durant la guerre froide

Déjà auteur de Rocky IV : le coup de poing américain (2014), un excellent documentaire qui expliquait comment le film de Sylvester Stallone avait contribué à ébranler le bloc soviétique, Dimitri Kourtchine enfonce le clou dans la dernière partie de Révolution VHS. Dans la Pologne du début des années 1980, tenue d'une main de fer par le général Jaruzelski, un film a soufflé un vent de liberté en devenant le porte-étendard de la contestation : L'Interrogatoire de Ryszard Bugajski. Dans la lignée de L'Aveu de Costa-Gavras, cette œuvre éprouvante raconte l'histoire d'une jeune femme (Krystyna Janda) arrêtée en 1951 par la police stalinienne et soumise à la torture physique et psychologique sans avoir la moindre idée de ce qu'on lui reproche. Tourné en 1981 dans l'euphorie provoquée par le mouvement Solidarność, le film est interdit en salle dans son pays jusqu'en 1989. Pourtant, il a été vu par la majorité des Polonais. Sur des cassettes pirates. Visionner L'interrogatoire en VHS devient dès lors un acte militant et politique. Un combat idéologique contre le régime communiste en place. Symbole du triomphalisme américain, le cinéma d'action yankee ( Rambo II, Top Gun et consorts) va conquérir par la suite la jeunesse d'Europe de l'Est, par le biais du magnétoscope, et la convaincre progressivement des " bienfaits du monde capitalisteˮ. La VHS a donc peut-être été un outil insidieux du soft power, un instrument stratégique de l'Oncle Sam pour effriter le bloc soviétique.

Soyez sympa, rembobinez

Par la suite, le Laserdisc, le DVD et le Blu-ray ont supplanté la VHS. Puis ils ont été à leur tour dépassés par les vidéos sur YouTube ou d'autres sites d'hébergement. L'avenir des images passera sans doute par une disparition progressive des supports physiques. Face à ce processus de dématérialisation, d'irréductibles collectionneurs continuent d'échanger, de vendre et d'acheter des VHS. En effet, de longs-métrages rares ou invisibles (car jamais édités en DVD) sont ardemment recherchés par les cinéphiles et certains titres obscurs se monnayent une fortune sur eBay. Ces films introuvables sont ensuite numérisés afin d'échapper à l'oubli. Un marché de niche, certes, mais suffisamment important pour que le support continue de vivre. Beaucoup plus qu'un simple produit vintage pour hipsters branchés, profitant d'un revival 80's qui n'en finit pas de finir, cet objet rétro a donc ses défenseurs. Le magnétoscope est mort. Vive la VHS !

# data[].attributes.attachment_link.description
Actuellement, des jeux vidéo ( Resident Evil 7 : Biohazard), des clips (Formation de Beyoncé) et des publicités (comme celle de la marque de prêt-à-porter française The Kooples pour sa collection printemps-été 2017 ou le dernier spot de la firme Adidas pour sa gamme de baskets Originals) reprennent l'esthétique de la VHS.

# data[].attributes.attachment_link.description
A poster series paying homage to the graphic language of 90s club culture.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Les années 90 ont été le berceau d'une révolution sociale et musicale sans précédent avec l'avènement du mouvement rave. Regrettée et même imitée, la culture rave demeurant un pan énigmatique et mystérieux de notre histoire cantonnée à l'histoire orale jusqu'à l'accès à une ressource inépuisable d'archives grâce à Internet. Aujourd'hui, la toile est gorgée de souvenirs de teuf, de style décadents et de moments d'extase.

De la Chine aux Etats-Unis en passant par l'Europe, le blog All That Is Interesting s'est voué à une exploration scrupuleuse du net pour proposer une galerie d'images dévoilant l'envers du décor des rave parties des années 90, à l'apogée du mouvement.

À l'époque, la population rave est sensible aux tendances, consomme généralement de la drogue et revendique l'amour et l'hédonisme. Des tenues fluo et ultra-colorées, smileys jaunes sur presque tous les accessoires visibles, affiches de soirées, clichés d'artistes en sueur et de foule en transe. Cette galerie comporte une légère odeur de nostalgie et des relents d'extase venus des quatre coins du monde. Découvrez une sélection de clichés de la galerie de All That Is Interesting ci-dessus.

# data[].attributes.attachment_link.title
En images : l'apogée de la rave culture dans les années 90

# data[].attributes.attachment_link.description
Chine, États-Unis, Europe : la rave était partout

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Un nouveau livre dédié aux flyers des raves du début des années 90 est en préparation. Mike Pendegast a travaillé plusieurs mois durant sur le recueil Flying Over England: Rave Flyer Art Of The Early 90s - une collection de flyers datant de 1991 à 1993.

Sur le site web du projet, Pendegast se remémore les détails d'une rave de novembre 1991 à Hull, interrompue par une descente de police. Il ajoute que " la collection tente de retracer ses pas avant et après la fameuse nuit du jeudi 21 novembre 1991, de célébrer cette époque et reconnaître tous ceux qui ont vécu la paix, l'amour, l'unité et le respect de ces centaines de raves anglaises. "

S'adressant au magazine anglais The Wire, l'auteur explique : " À la fin des années 1980 et au début des années 1990, j'ai passé sept ans à parcourir le pays, de rave en rave en passant par les clubs et événements similaires. "
" Les flyers documentent une ère de paix et d'amour, l'éradication des barrières, une éthique d'unité et de respect. Des souvenirs qui ne pourront jamais être enterrés ou jetés, d'une scène passée de l'austérité à la clandestinité, un mouvement anti-conformiste qu'on devrait commémorer comme une époque importante qui, selon certains, a modifié le cours de l'histoire. 1991 à 1993, c'est l'âge d'or de l'artwork rave, de la photocopie de gribouillis noirs et blancs de la fin des années 80 à des illustrations très élaborées. J'ai gardé tous les dépliants des raves auxquelles j'ai assisté. "
Comme le montre le site Flying Over England, les soirées mentionnées comprennent les séries Dreamscape, Fantazia, Perception et Entropy. Les visuels sont agrémentés de citations de Bryan Gee, Evil Eddie Richards et Dave Seaman. L'ouvrage explore par ailleurs quelques unes des conceptions graphiques les plus emblématiques de la culture club britannique.

Découvrez-en quelques extraits dans la galerie photo ci-dessus en attendant la parution et retrouvez ici une autre sélection de 40 flyers de rave vintage.

# data[].attributes.attachment_link.title
Une collection ahurissante de flyers de rave des 90's rassemblée dans un nouvel ouvrage

# data[].attributes.attachment_link.description
Un nouveau livre dédié aux flyers des raves du début des années 90 est en préparation. Mike Pendegast a travaillé plusieurs mois durant sur le recueil Flying Over England: Rave Flyer Art Of The Early 90s - une collection de flyers datant de 1991 à 1993.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
The lights came on, the decks wound down, and the music stopped.

"Stay exactly where you are. Don't move" a woman copper shouted over the DJ microphone.

"This is my territory, be on your way" retorted a defiant raver, resonating a familiar sample used in Platform One's 1991 techno track, "Private Terrain".

There must have been fifty dibble in the place, with more spilling in and another fifty waiting downstairs we later discovered. After a rigorous body search, our names were checked on previously set up computers then we were strong-armed through the big glass doors, out on to the street amongst the riot vans and horses.

The result of months of undercover operations had finally peaked. Hull nightclub Juliet's was being raided, and for a young lad from one of the city's many council estates, it was the end of a life changing chapter in his utopian dream.

This collection attempts to trace my steps before and after the infamous night on Thursday 21st November 1991, celebrate the era, and acknowledge all who experienced peace, love, unity and respect on hundreds of England's dance floors.

Mike Pendegast

# data[].attributes.attachment_link.description
The lights came on, the decks wound down, and the music stopped. "Stay exactly where you are. Don't move" a woman copper shouted over the DJ microphone. "This is my territory, be on your way" retorted a defiant raver, resonating a familiar sample used in Platform One's 1991 techno track, "Private Terrain".

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
À voir : Une graphiste a répertorié des flyers de raves anglaises des 90's dans un grand catalogue collector

Photo de couverture : ©Julia von Dorpp

La graphiste Julia von Dorpp a réalisé un grand catalogue rassemblant et passant au crible une centaine de vieux flyers de rave UK des années 90. Au travers de son travail analysant et répertoriant chaque élément de ces archives, apparaît l'évolution de la fête underground, et du design, des esthétiques et des artistes qui l'ont toujours accompagnée.

Pour son projet de fin d'études, la graphiste Julia von Dorpp a associé sa passion pour la fête et la musique électronique à son approche du design. Après avoir étudié les différents canaux de communication des rave parties, elle a déniché sur eBay pas moins de 10 000 flyers de raves anglaises des années 90. Elle en a ensuite sélectionné une centaine, a mis des semaines a les scanner minutieusement puis a décomposé et retravaillé chaque élément graphique qui les habille pour ensuite les répertorier dans un grand catalogue : Ex-tracts.

©Julia von Dorpp

De tous ces éléments, Julia von Dorpp a concentré son attention sur 6 en particuliers : les cartes, les illustrations, les logos, les photographies, les symboles et les typographies. Des simples rectangles en noir et blanc photocopiés aux cartons de toutes les formes et aux couleurs vibrantes, ces morceaux de papiers traduisent l'évolution de la culture underground et de son esthétique à travers le temps, mais aussi celle d'une pratique artistique qui gravite depuis toujours autour d'elle : le graphisme. " C'est une sorte de genèse du graphisme dans la musique électronique ", explique Julia.

" Ces documents, ces archives n'appartiennent à personne et sont à tout le monde. Les designers bien souvent anonymes et amateurs à l'origine de ces créations ne cherchaient pas la reconnaissance, ils étaient comme les DJs membres des collectifs de l'époque : ils contribuaient à un projet collectif qui les dépassaient ", note Julia. En feuilletant ces pages, on ne peut s'empêcher de remarquer les clins d'œil des graphistes en vogue actuels aux anonymes d'hier. " On s'inspire encore librement de ces vieux flyers pour concevoir la DA des soirées d'aujourd'hui ", reconnait-elle. À la différence que désormais, ils ne s'impriment plus. Pour la jeune designeuse, " le post Instagram est le nouveau flyer " et les créations d'aujourd'hui s'inscrivent dans une temporalité différente, soumises à la fois à l'éphémérité de la story de 24h et à la mémoire éternelle d'Internet. Pourtant, on devrait peut-être commencer dès à présent à archiver ces nouvelles œuvres, traces d'une époque riche en événements (ou en non-événements). C'est par ailleurs ce qu'on entamé de faire les designers de Parade Studio avec leur livre Annulé.

©Julia von Dorpp

Pour présenter son travail, Julia comptait organiser un vernissage en forme de soirée techno dans un ancien blockhaus à Strasbourg. Mais pandémie oblige, elle a dû se rabattre sur une rave numérique. Sur un site dédié - qui diffusait les morceaux d'artistes présents sur la centaine de documents sélectionnés par Julia - on pouvait donc participer à un visio Zoom tout en visitant la galerie de flyers et découvrant le travail de la designeuse.

Il est possible de commander le catalogue Ex-tracts directement sur la page KissKissBankBank dédiée. Le reste de son travail est aussi à découvrir sur le compte Instagram de Julia von Dorpp.

Newsletter

Les actus à ne pas manquer toutes les semaines dans votre boîte mail

# data[].attributes.attachment_link.title
À voir : Une graphiste a répertorié des flyers de raves anglaises des 90's dans un grand catalogue collector

# data[].attributes.attachment_link.description
À voir : Une graphiste a répertorié des flyers de raves anglaises des 90's dans un grand catalogue collector Photo de couverture : ©Julia von Dorpp La graphiste Julia von Dorpp a réalisé un grand catalogue rassemblant et passant au crible une centaine de vieux flyers de rave UK des années 90.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Appelez ça de l'obsession ou de la fascination - la recherche des images archives et des aperçus des moments les plus importants des heures de gloire des raves underground des années 90 est une passion partagée par plus d'un fan de musique électronique. Qu'il s'agisse de revisiter les temps forts de la culture soundsystem ou de regarder en arrière pour comprendre l'histoire de la dance music, la curiosité pour les souvenirs de rave old school est bien présente.

Le flyer de rave est sans doute le medium le plus emblématique des débuts de la musique électronique. Aux premières heures de la dance music, les flyers exprimaient un style artistique unique qui laisse à voir la lutte, l'esprit DIY et l'harmonie de cette culture alternative dans ses différents foyers d'expansion à travers le monde.

Ces prospectus mystérieux, tracts, posters, brochures et stickers sont devenus les reliques précieuses de la scène dance music - les pièces d'un puzzle bariolé qui titille l'imagination et amorce des histoires émouvantes d'influence musicale et d'hédonisme. Qu'ils aient créé des designs kaléidoscopiques originaux ou éhontément pompé des logos commerciaux, les artistes derrière ces flyers sont parvenus à capturer la passion et l'identité de scènes locales variées.

La plus grande archive personnelle de flyers de rave au monde se trouve bien cachée dans les montagnes de l'Oregon, sous l'aile d'un homme nommé Matthew Johnson. Lorsqu'il a lancé The Rave Preservation Project en 2018, Johnson avait déjà amassé quelques 40 000 souvenirs de rave du milieu des années 80, 90 et début des années 2000. En comptant les copies, son archive compte plus de 250 000 objets. " Très tôt, j'ai décidé et affirmé que je n'étais pas un collectionneur ", a-t-il dit à Mixmag. " J'évoquais le rôle de l'archiviste et le but était et sera toujours de protéger et préserver les documents de l'archive ".

Pour Johnson, la tâche ardue d'organiser, digitaliser et préserver correctement ces pièces de l'histoire de la musique - toutes stockées dans un environnement à l'atmosphère contrôlée - a commencé comme une ode à sa famille de copains de rave de la baie de San Francisco. " Je fais tout ça pour rendre quelque chose à la scène qui m'a tellement apporté au fil des ans, tant en terme d'amitiés que d'éveil spirituel ", il explique. " Je crois que cet amour perdure dans les souvenirs et je me suis donné la tâche de le préserver ".

Le site web a commencé comme une base de données pour sa collection personnelle de flyers - un outil qu'il pourrait utiliser pour se rappeler du " bon vieux temps " de la scène underground californienne avec ses amis. Peu après son lancement, ses amis ont commencé à demander s'ils pourraient faire don de leurs souvenirs au site, le projet prend alors une nouvelle dimension.

Pour pouvoir " rester fidèle à l'ethos underground originel ", The Rave Preservation Project n'accepte que les contributions papier et aucune transaction financière pour ses pièces. Peu à peu, les dons du monde entier ont commencé à affluer. Son site compte plus de 2400 galeries avec des flyers de 23 pays - tous ont été méticuleusement organisés par événement, pays, état ou région et par ville.

" Les souvenirs sont un rappel qu'on devrait apprécier la vie, chérir ceux qui comptent, donner plus qu'on reçoit, toujours grandir, devenir une meilleure personne et laisser chaque endroit dans un meilleur état que celui dans lequel on l'a trouvé ", affirme Johnson. Objet de commémoration pour certains et source d'inspiration pour d'autres, la magie fermement ancrée qui vit dans les flyers de soirées est quelque chose que The Rave Preservation Project entend bien partager et protéger. " Une petite chose comme un flyer qui a peut être amené quelqu'un à découvrir un événement empli d'énergie positive vaut bien qu'on le préserve ".

Retrouvez le site web ici.

Nous avons choisi 75 de nos flyers préférés, issus de 5 pays listés par l'énorme archive de The Rave Preservation Project. Retrouvez-les ci-dessous.

# data[].attributes.attachment_link.title
75 flyers de raves d'antan issus de la plus grande archive de flyers au monde

# data[].attributes.attachment_link.description
Appelez ça de l'obsession ou de la fascination - la recherche des images archives et des aperçus des moments les plus importants des heures de gloire des raves underground des années 90 est une passion partagée par plus d'un fan de musique électronique.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Érigé dans la nuit du 12 au 13 août 1961, le mur de Berlin n'avait finalement pas grand-chose d'un mur. Haut de 3,6 mètres, encadré par 302 miradors et dispositifs d'alarme, protégé par 14 000 gardes, il s'agissait avant tout d'un dispositif militaire destiné à empêcher les habitants de la République Démocratique Allemande (RDA), sous la férule soviétique, de s'exiler vers la République Fédérale d'Allemagne (RFA), contrôlée par les Français, les Britanniques et les Américains. Très vite, le "Mur" deviendra le symbole de la guerre froide.

Dès les années 60 et jusqu'en 1989, la face ouest du mur de Berlin va commencer à se couvrir de tags et de graffitis. C'est la seule partie du mur qui est accessible, à condition de déjouer la surveillance des gardes. Sur le mur se mélangent ainsi, pèle-mêle, des messages de paix ou de protestation.

Le mur de Berlin, premier Border Art ?

Le mur de Berlin semble être le premier exemple saillant du "border art", cet art esquissé à même les frontières, né pour transgresser l'idée de fermeture, comme l'explique Anne-Laure Amilhat Szary, géographe, professeure à l'université Grenoble-Alpes et à Pacte, Laboratoire de Sciences Sociales :

Partout où les frontières se ferment, des formes de border art surgissent. Le border art, c'est à la fois l'art de la frontière, l'art à la frontière et l'art sur la frontière. Les murs-frontières où le border art s'est le plus illustré sont les murs les plus médiatiques : Israël / Palestine, Etats-Unis / Mexique, Berlin et puis les deux autres cas qui ont été beaucoup mobilisés : Belfast et Chypre. Les murs-frontières sont un catalyseur extrêmement fort du border art et le border art est un catalyseur de ce que les murs-frontières nous disent.

Dans "Que montrent les murs ? Des frontières contemporaines de plus en plus visibles", Anne-Laure Amilhat Szary rappelle pourtant que cet art ne naît pas tant sur le mur de Berlin qu'à la frontière Etats-Unis / Mexique :

C'est à partir des années 1980 que la frontière devient, en tant que telle, un enjeu et un thème central pour de nombreux artistes vivant et créant dans l'influence de la zone d'échanges entre le Mexique et les Etats-Unis. La fondation du Border Arts Workshop / Taller de Arte Fronterizo (BAW/TAF) s'inscrit dans l'histoire du mouvement chicano pour la revendication des droits civils de la communauté hispanique aux Etats-Unis.

Toutes ces œuvres soulèvent la question essentielle de l'impact de l'art frontalier : qui le reçoit et avec quelles conséquences ? Nous sommes conscients qu'il y a quelque chose d'héroïque à se battre contre des murs avec des œuvres d'art, ce que l'artiste australien Ian Howard appelle le Quixotic gesture, quand il compare son propre travail mené depuis trente ans sur les murs (de Berlin à Belfast en passant par les deux Corée et la muraille de Chine) aux conquêtes de Don Quichotte.

" Le mur bloque, tranche, déchire un paysage, une société. Il constitue cependant aussi une surface plus ou moins lisse qui peut offrir un support à l'expression, aux mots ou aux couleurs", poursuit la spécialiste de géographie politique. Si le border art trouve ses sources en Amérique du Nord, c'est le "Mur de la honte", comme le surnomment les Berlinois, qui en devient néanmoins le symbole autant qu'un lieu d'expérimentation artistique. Aux graffitis et lettrages d'abord peints à même le mur, succèdent peu à peu les premières œuvres de street art.

Invitée pour la première diffusion de l'émission Le Cours de l'Histoire, la docteure en philosophie et historienne de l'art, Elisa Ganivet, autrice d'Esthétique du mur géopolitique (PUQ, 2016) définissait le mur comme l'affiche d'un événement géopolitique, que les artistes investissent.

C'est à partir de 1985 que les graffeurs ont commencé à investir le mur de Berlin. En RDA, on a cette conviction de faire un art politique, qui sert l'idéologie. Ce qui est intéressant dans ce mur, c'est bien ce que vont en faire les artistes, c'est-à-dire une forme de contournement, de détournement, de transgression... En RDA cela pourrait se synthétiser par le mail art par exemple, avec comme précurseur Robert Redfield. Certes, le mur isole, c'est une protection. Mais les artistes vont surtout faire face à ce mur.

Thierry Noir, un français à l'assaut du Mur

Parmi les premiers street artists à s'exprimer à même le béton du Mur de Berlin, le français Thierry Noir, venu s'installer s'installer en RFA en 1982. Il ressent alors " le besoin physique de peindre", comme il le racontait dans l'émissionL'Atelier intérieur, en novembre 2013 :

Le mur n'était pas peint comme maintenant. Ce n'était que des petites peintures de 20-30 cm de haut sur 20-30 cm de large. Il y avait beaucoup de slogans contre l'armée américaine, de "US go home". Et la deuxième catégorie c'était beaucoup de slogans racistes, comme " Les Turcs dehors" car il y avait beaucoup de Turcs qui habitaient près du mur. Il n'y avait pas de peintures comme à l'époque à New York, de gros lettrages, ça n'existait pas à Berlin Ouest. Tout ce qui est nouveau est un peu dérangeant et ces peintures qui déboulaient de nulle part dérangeaient. Et les gens voulaient savoir... La CIA ? Le FBI ? La CDO ? Qui est derrière ça ? Qui paie ça ? J'essayais d'expliquer. Ça durait assez longtemps et je parlais plus que je ne peignais. Donc j'ai changé ma façon de peindre et c'est comme ça que ces grosses têtes sont arrivées.

Régulièrement, le street artist doit jouer au chat et à la souris avec les gardes. Avec l'artiste Christophe Boucher, ils prennent ainsi la fuite lorsque des gardes passent le mur, munis de mitraillettes. Ces derniers décrochent alors ce que les deux artistes viennent d'installer sur le mur : un urinoir, en hommage à Marcel Duchamp. La crainte des prisons de la Stasi les poussent néanmoins à " cesser les provocations" :

Je crois que le mur a complètement changé ma vie, d'avoir ce mur devant ma porte et de pouvoir peindre comme je voulais en fait. C'était bien de pouvoir le peindre, il n'y avait pas l'angoisse de dire "Est-ce que je vais faire un truc bien, beau, ou moche ?". Tout était plus ou moins officiellement politique, car comme il était interdit de peindre le mur, même le fait d'écrire son nom dessus était un acte politique. De la peinture du mur je suis passé au street art, parce que tous les peintres qui ont maintenant une trentaine d'année me considèrent comme un pionnier du street art. A l'époque il n'y avait pas de street art, on appelait encore ça des graffitis. On a montré un chemin à cette nouvelle génération d'artistes de rue, et maintenant j'essaye de travailler avec eux.

A la Chute du mur : la peinture côté Est

Le jour de la chute du mur, le 9 novembre 1989, Thierry Noir reste bloqué à un checkpoint. Mais dans l'effervescence qui suit la mise à terre de cette frontière, des artistes s'empressent d'aller peindre le côté est, alors encore vierge de toute trace. Le "mur de la honte" se couvre de street art et de ses œuvres les plus emblématiques comme "Vaterland" de Gunther Schaefer; "Test The Rest" de Birgit Kinder ou encore le fameux "Bruderkuss" de Dimitri Vrubel, qui représente un baiser entre le dirigeant de l'URSS Léonid Brejnev et le dirigeant de la République Démocratique Allemande (RDA), Erich Honecker.

A l'occasion du 25ème anniversaire de la chute du Mur, la Est Side Gallery, dans le quartier de Friedrichshain, voit le jour. Cette section de mur d'1,3 km, la plus longue encore debout, constitue un véritable musée à ciel ouvert, sur lequel sont regroupées les œuvres de 118 artistes. Elle fait surtout la part belle aux œuvres symbolisant l'optimisme qui a accompagné la chute du Mur et la fin de la Guerre froide.

Dans "Que montrent les murs ? Des frontières contemporaines de plus en plus visibles", la géographe Anne-Laure Amilhat Szary précisait qu'" une fois établi le panorama artistique de la zone frontalière, on peut tenter d'analyser le contenu esthétique des œuvres, pour voir si la barrière ou le mur y figurent et de quelle façon plus ou moins explicite (figuration, concept, installations et performances). Quand il est figuratif, l'art plastique semble mettre en scène deux thématiques principales : les barbelés d'une part, le corps d'autre part". La East side gallery échappe cependant à ce destin : les œuvres qui y ont été peintes, après la chute du mur de la honte donc, tendent plutôt à symboliser l'optimisme de l'époque et à illustrer un changement de monde.

Les autres morceaux du mur ont, quant à eux, étaient envoyés un peu partout dans le monde, de l'Afrique du Sud à Taïwan, en passant par le Costa Rica ou la Lettonie. Un des segments du mur se trouve d'ailleurs devant la Maison de la Radio, à Paris.

# data[].attributes.attachment_link.title
Le mur de Berlin, emblème du "border art"

# data[].attributes.attachment_link.description
Érigé en 1961, le mur de Berlin a très tôt été recouvert de graffitis puis, au fil des ans, d'œuvres de plus en plus complexes, au point de devenir l'un des symboles du "border art". Aujourd'hui encore, un des derniers morceaux du mur encore debout est devenu une galerie à ciel ouvert.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Brutalist Websites
-
In its ruggedness and lack of concern to look comfortable or easy, Brutalism can be seen as a reaction by a younger generation to the lightness, optimism, and frivolity of today's web design.
-
Submit

# data[].attributes.attachment_link.description
Brutalist Websites - In its ruggedness and lack of concern to look comfortable or easy, Brutalism can be seen as a reaction by a younger generation to the lightness, optimism, and frivolity of today's web design. - Submit

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Avec " 90's TOYpography ", Noah Campo remonte le temps et conçoit une typographie avec les jouets emblématiques de l'époque. Ce retour dans les années 1990 est forcément pop, kitsch et de ce fait... plein de nostalgie. Un Monsieur Patate pour le " P ", un troll pour le " T " et un Furby pour le " F ", le typographe 3D Noah Campo nous obligerait presque à penser que " c'était mieux avant ".

# data[].attributes.attachment_link.title
La typo hommage aux jouets des 90's - étapes:

# data[].attributes.attachment_link.description
Avec " 90's TOYpography ", Noah Campo remonte le temps et conçoit une typographie avec les jouets emblématiques de l'époque. Ce retour dans les années 1990 est forcément pop, kitsch et de ce fait... plein de nostalgie. Un Monsieur Patate pour le " P ", un troll pour le " T " et un Furby pour le " F ", le typographe 3D...

# data[].attributes.body
L'avènement des premiers ordinateurs Macintosh au milieu des années 1980 mettent ainsi à la portée de presque tous les professionnels la puissance de gros systèmes. Les premiers logiciels de publication assistée par ordinateur ont commencé à entrer dans les ateliers de photocomposition. C'est le début de la PAO: les logiciels de mise en page comme Ventura Publisher et Aldus PageMaker puis Quark XPress font leur apparition. La suite nous la connaissons !

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
TYPO-PRINT 01: Historique et évolution des techniques d'impression

-30'000 . Les premières graphies. Art rupestre, décoration de poteries, etc... Signes traduisant un langage gestuel.
. La première écriture est inventée par les Sumériens. L'écriture cunéiforme (du latin : cuneus, clou)
. Les Egyptiens créent les hiéroglyphes dès la 1ère dynastie
. Les Egyptiens utilisent le papyrus
. Le premier véritable alphabet apparaît au Proche-Orient
. L'alphabet latin de 19 lettres est constitué

100 . Le PAPIER
Au IIe siècle de notre ère, les Chinois inventèrent le papier à base fibre de lin, de chanvre ou de mûrier pour obtenir la pâte à papier.

300 ~ 900 . La X YLOGRA VURE
Les Chinois ont été aussi les premiers à utiliser la xylographie, technique de la gravure sur bois. Au XIe siècle ils développent les caractères mobiles. Le plus ancien xylographe n'est pas antérieur à 868. C'est le Sutra du Diamant

~ 1450 . La TYPOGRAPHIE
Jean Gutenberg de Mayence développa la typographie au milieu du XVe siècle, il est considéré comme le premier imprimeur typo. L'originalité de l'invention de Gutenberg, fut d'utiliser des caractères mobiles, fondus en plomb, donc réutilisables pour composer d'autres textes. Les occidentaux lui attribuent trop souvent à tort l'invention de l'imprimerie (on doit aux Chinois les premières impressions typographiques avec des caractères mobiles en terre cuite ou en bois, vers le XIème siècle).
C'est à partir de cette époque que va vraiment naître une véritable industrie du livre.

La typographie est un procédé d'impression sur formes en relief; caractères mobiles en métal gravés ou moulés (voir même en bois ou en plastique). Les lignes sont justifiées en longeur, une lettre après l'autre dans un outil appelée le "composteur", le tout est ensuite assemblé en une "forme" carrée ou rectangulaire représentant le miroir de page à imprimer. Cette surface ou forme est finalement encrée et reportée par pression sur une feuille de papier.
Ce procédé était encore en vogue jusqu'au milieu des années 1970; il a pratiquement disparu de nos jours. Aujourd'hui seuls quelques livres de bibliophilie sont encore composés et imprimés avec ce procédé.

. La LITHOGRAPHIE
Découverte d'Aloïs Senefelder, la lithographie est inventée en 1796, c'est l'ancêtre de l'offset.
Lithographie(du grec lithos: pierre et graphos, écrire). Procédé basé sur la répulsion entre l'eau et un corps gras. Le sujet à imprimer est dessiné; il est reporté au moyen d'un crayon gras sur une pierre calcaire. Par action de mouillage avec de l'eau, les surfaces vierges (non imprimées) refusent l'encre qui est seulement attirée par les régions grasses. Ce procédé est dit direct alors que l'offset, par son transfert sur un blanchet, est dit indirect.
Ce procédé est aujourd'hui encore utilisé par des artistes pour des oeuvres graphiques à tirage limité.

.
Même si l'on situe la découverte de l'offset entre 1876 et 1904, sa mise en oeuvre dans l'industrie graphique ne date que des années 1950 à 70, suivant les imprimeries.
Dérivé de la lithographie, ce terme exprime à l'origine l'idée de décalque.
La copie d'un sujet est exécutée sur un support photosensible(plaque). Une fois développée, la plaque est "calée" sur la presse, elle s'imprime sur un élément de transfert, le blanchet, qui décalque à son tour l'image sur la feuille de papier. D'après le même principe que la lithographie (protection des parties non imprimées par de l'eau), la plaque est humectée par des rouleaux mouilleurs avant chaque encrage.
Depuis environ trente à quarante ans, dans les imprimeries à grande production, l'offset a pris l'avantage sur tous les autres procédés d'impression(typographie, héliogravure, sérigraphie).

ÉVOLUTION DES TECHNIQUES DE COMPOSITION DES TEXTES
1450 à 2004
Les Chinois, premiers typographes ont utilisés des caractères et des motifs mobiles en terre cuite, puis en bois (xylogravure) qui ont servi à produire les premiers "objets" imprimés.
Plus tard vers 1450, Gutenberg compris bien vite que l'avenir résidait dans l'utilisation de lettres métalliques mobiles assemblées (mélange de plomb, d'étain et d'antimoine); il eut aussi l'idée d'accélérer le rythme du tirage en créant la presse à imprimer.
Dès le début du 19e siècle, aux États-Unis, la mécanisation des fonderies de caractères permet la production de masse des caractères mobiles pour la composition manuelle; mais l'assemblage un par un, par le compositeur typographe de tous les caractères restait une tâche lente et fastidieuse.
Dès les années 1820, on songe à mécaniser en créant des composeuses mécaniques. A partir de 1886 seront introduits les systèmes Linotype et Monotype permettant non seulement de composer des lignes entières, mais aussi de fondre de nouveaux caractères pour chaque travail au moment de la composition, supprimant ainsi la distribution. La Linotype assemblait des matrices et des espaces-bandes justificatrices qui servaient de moule pour fondre la ligne en un seul bloc.
Les Linotype et Monotype ont ouvert une nouvelle voie d'innovation. Ces systèmes ont été vendus jusqu'au début des années 1970, leur production fut arrêtée, alors que se généralisait l'usage des systèmes de photocomposition.

Les premières tentatives de composition photographique datent de la fin du 19e siècle. Mais c'est au cours des années 1960-1970, grâce à l'industrialisation de l'impression offset que les premiers systèmes de photocomposition remplacent progressivement le plomb. On peut citer les systèmes Lumitype-Photon et Compugraphic, qui dominèrent le monde de la photocomposition; l'arrivée de l'ordinateur sonnera la fin des photocomposeuses.
L'avènement des premiers ordinateurs Macintosh au milieu des années 1980 mettent ainsi à la portée de presque tous les professionnels la puissance de gros systèmes. Les premiers logiciels de publication assistée par ordinateur ont commencé à entrer dans les ateliers de photocomposition. C'est le début de la PAO: les logiciels de mise en page comme Ventura Publisher et Aldus PageMaker puis Quark XPress font leur apparition. La suite nous la connaissons !
Procédés d'impression moins connus, mais toujours d'actualité

L'héliogravure
Dérivée des méthodes de la gravure en creux. Procédé par lequel on grave l'image photographique sur un cylindre de cuivre pour l'imprimer ensuite, comme une estampe, à l'aide d'une presse.
Les parties imprimantes sont de minuscules godets sur un cylindre de cuivre. Lors de l'impression ce cylindre trempe dans une encre très fluide, les godets se remplissent d'encre, puis passe sous une "râcle" qui essuie toute l'encre en surplus; le cylindre entrant ensuite au contact du papier, toute l'encre contenue dans les godets se dépose sur celui-ci. L'avantage de l'héliogravure est de donner des noirs et des couleurs intenses, son défaut est le coût de gravure des cylindres.
Ce procédé n'est utilisé que pour des revues à tirages très importants.

La sérigraphie
Dérivée de la technique du pochoir, originaire de Chine.
Une toile de soie très fine (aujourd'hui du nylon) laisse passer l'encre. Il faut donc boucher toutes les parties du dessin devant rester en blanc. Une fois l'écran prêt, on applique celui-ci sur la surface à imprimer, et avec une raclette en caoutchouc, on force l'encre préalablement appliquée à l'intérieur du cadre à passer à travers les mailles de la toile qui sont débouchées, ce qui reporte le dessin sur le support à imprimer.
Cette technique est très utilisée, car elle permet d'utiliser n'importe quelle encre sur n'importe quel support: papier, tôle, verre, matériaux plastiques souples ou non. Elle n'est donc pas prête à être abandonnée.

~ 1890
La flexographie
La "flexo" est un procédé d'impression en relief (proche ou dérivé de la typographie) qui utilise une forme imprimante souple: le cliché.
Le cliché (ou plaque) est développé dans une machine à l'aide d'un solvant approprié. Les régions non insolées, constituant les zones non imprimantes, sont alors dissoutes dans le solvant.
Le substrat est pressé directement sur les éléments imprimants pour réaliser le tirage. L'encre est fluide et contient des solvants volatils. Les presses sont de type rotatives.
Très présente dans le domaine de l'emballage, la flexographie est utilisée pour l'impression de supports aussi variés que le film polyéthylène, le carton ondulé ou le carton plat.

L'AVENIR DES TIRAGES COURTS
L'Impression industrielle avec des procédés type copieurs digitaux (Digital Printing)

~ 1938 - 2004
XEROGRAPHIE, laser et impression numérique
La photocopie fut inventée en 1903. Le premier photocopieur fut commercialisé en 1907.
Dans ce cahier, les autres procédés comme les imprimantes thermiques ou jet d'encres ne sont pas considérés; ces derniers n'étant pas prévus pour des tirages industriels, mais bureautiques.
Xérographie: cette invention est due à Xerox, elle date de 1938. Un cylindre, recouvert d'un matériau photoconducteur, est chargé de manière uniforme par effet Corona, grâce à un fil porté à une tension de 7 à 8.000 volts. Dans l'obscurité, le photoconducteur est isolant. Dans les zones où il est rendu conducteur par un rayonnement lumineux (souvent issu d'un laser), il se décharge. L'image latente électrostatique est ensuite révélée par un toner de charge opposée, fixé au papier par chauffage.
On pourrait citer aussi d'autres constructeurs comme Siemens ou Canon, qui ont aussi apportés "leur pierre à l'édifice", mais Xerox reste le principal acteur et inventeur, grâce aux recherches développées dans son légendaire centre P.A.R.C. (Palo Alto Research Center). NB: l'entreprise Xerox a inventé des choses formidables, mais elle a trop souvent laissé ses concurrents en profiter !
Noir-blanc: au début des années 1960, Xerox lance ses premiers copieurs analogiques monochromes (noir-blanc) industriels. En 1982, Xerox mettait les bureaux en réseau et inventait l'ethernet. L'aventure digitale pouvait commencer. En 1991, Xerox lançait le premier moteur d'impression digital avec scanner, écran de contrôle et applications de compositions des documents intégrés : la DocuTech 135.
Couleur: en 1980, Xerox lançait le premier photocopieur couleur entièrement automatisé. La couleur mettra 6 ans à se vulgariser et à pénétrer le marché de manière significative. En 1992, la couleur digitale pénétrait le monde de la production.

L'imprimerie (offset traditionnelle) sera dépossédée des petits tirages par le développement des copieurs rapides. Certains fabricants ont lancé des machines alliant les techniques de la rotative à l'électrophotographie, capable de produire dans le plus court délai, à partir d'une base de données, un ouvrage complet, au nombre d'exemplaires strictement nécessaire, supprimant du même coup le stockage et les éventuelles mises à jour.
Quelques avantages en faveur des copieurs numériques: impression de petites quantités; peu ou pas de fournitures "annexes"(films, plaques, etc..); rapidité: pas de temps de séchage, ce qui veut dire qu'en général vous pouvez obtenir un travail "dans la journée".

2004 - ?
L'avenir sera t'il digital-laser ? (toner-électrophotographie)
Personne ne le sait vraiment, mais les systèmes progressent rapidement. Une chose est sûre, le nombre de tirage en faveur des copieurs numériques est en nette augmentation. Actuellement jusqu'à 1000 exemplaires(en couleur simple), seul un tirage sur copieur est concurrentiel. On peut déjà imaginer que la tranche des 2 à 5'000 exemplaires sera aussi dédiée à ce type de copieurs.
Depuis 2002 plusieurs fabricants ont introduits d'énormes systèmes(voir ci-dessous). Les prestataires devront rentabiliser à tout prix leur investissement, qui à coup sûr feront chuter les prix, ceci bien entendu en défaveur de l'offset.

2004 - ?
Quel avenir pour l'offset ?
Ces dernières années, le monde de l'impression s'est vu confronté à des bouleversements technologique. Si l'impression traditionnelle en offset a su garder le monopole sur les gros tirages; l'impression numérique(digital printing) s'impose sur les courts et moyens tirages.
A l'heure actuelle, une impression en offset est envisagée pour des tirages supérieurs à 1'000 (voire 1'500) exemplaires. L'offset se prête à des tirages élevés de qualité, mais va sûrement rester une solution chère. Grâce à la concurrence des copieurs numériques, les constructeurs évoluent très rapidement vers des systèmes rapides (sans films ou sans plaques).
Les désavantages de l'offset par rapport au digital-laser, sont les préparatifs et les délais: la mise en route d'un travail demande beaucoup de ressources(consommables: films, plaques, etc...), ainsi que les encres qui ont besoin d'un temps de séchage important.

Technologies employées ces dernières années
Dès le milieu des années 1990, l'intégration va aller plus loin, par une digitalisation de toute la chaîne graphique, depuis les photographes et les rédacteurs jusqu'aux presses elles-mêmes. Traitement des images et des textes, composition, mise en page, gravure finale, tout s'enchaîne et devient affaire de logiciel.
Le CTF = Computer-To-Film (de l'ordinateur au film) est utilisé pour caractériser la chaîne graphique lorsque l'information est traitée de façon numérique jusqu'à la production du film.
Le CTP = Computer-To-Plate (de l'ordinateur à la plaque) est utilisé pour caractériser la chaîne graphique lorsqu'il y a suppression de l'étape du film.
Le CTPress = Computer-To-Press (de l'ordinateur à la presse) est utilisé pour caractériser la chaîne graphique lorsque les plaques sont gravées directement sur la presse.
Le CTPrint = Computer-To-Print (de l'ordinateur à l'imprimé) est utilisé pour caractériser la chaîne graphique lorsqu'une image latente est générée à chaque tour de presse, puis révélée.

Les presses offset du futur (dès 2000)
Voici quelques tendances ou presses originales produites par les grands fabricants:
La Dicoweb de Man-Roland: oubliez les plaques ! (Computer To Press) cette machine d'impression est caractérisée par le changement de travail numérique; technologie-clé permettant la possibilité de graver, d'effacer et à nouveau de graver la forme d'impression directement dans la machine.
La SpeedMaster 74 DI d'Heidelberg: (technique CTP - sans développement à partir des données du pré-presse) le système de pilotage informatique commande l'insolation des plaques d'impression qui sont ensuite calées automatiquement sur les cylindres. Toutes les opérations sont pilotées à l'écran.
Mitsubishi a aussi en préparation une rotative dotée d'une forme imprimante réutilisable (Diamond MAX-V), elle a été annoncée, mais pas encore dévoilée.
Pour terminer ce premier cahier, quelques mots sur le langage PostScript, les RIP et le flashage
Dès 1985
Le langage PostScript : ce standard adopté par le secteur des arts graphiques est qualifié de "langage de description de pages" a été développé par Adobe Systems en 1985. Il est universel et multi plates-formes; que le fichier soit créé sur Unix, MAC ou PC, il est lisible par tous les interpréteurs (RIP) PostScript. Ce type de fichier a l'énorme avantage de conserver les polices, les images et la mise en page en mémoire.
C'est pourquoi, les imprimeurs, les reprographes et les Copy-Center préfèrent ce format; un simple téléchargement sur leur RIP leur permet de passer rapidement à l'impression. Mais attention, il est capricieux et source d'erreurs régulières, c'est pourquoi les professionnels lui préférent le format Acrobat .PDF qui lui, est moins "fragile".
(Raster Image Processeur): Convertisseur Postscript vers format bitmap. Interpréteur traduisant le PostScript en commandes destinées au périphérique de sortie (par exemple, une flasheuse ou une imprimante). Le RIP peut être matériel ou logiciel.
Le flashage: appareil destiné à la production de films (CTF) ou de palques (CTP) offset en quadrichromie, tri- bi- ou mono- chromie. Pour qu'une flasheuse "fonctionne" il faut la séparer en trois parties bien distinctes:
1. Le RIP ou traducteur PostScript, servant à transformer les données du fichier
2. La Flasheuse ou unité d'exposition; elle recevra les données du RIP et les transmettra à l'oeil laser qui "flashera"
sur un film ou une plaque photosensible.
3. La dévellopeuse: comme son nom l'indique, elle développera les films ou les plaques exposés par la flasheuse
Fin du cahier No1
Vous touverez tout le contenu de ce cahier No1 - Historique et évolution des techniques d'impression "ready to print" dans ce fichier .PDF à télécharger (attention 1.2 MB). Ce poids est justifié car les images et la mise en page sont de meilleure qualité que sur cette page Web.
Quelques liens en rapport avec l'évolution ou la chronologie des procédés d'impression
L'histoire de l'imprimerie par l'imprimerie Faguier
Histoire et techniques de l'imprimerie sur le site du musée de Lyon
Histoire de l'imprimerie des arts et professions qui se rattachent à la typographie, sur le site "textes rares"
Ecriture et imprimerie: dates et chronologie sur le site "Bretagne-racines"
L'histoire de l'écriture, du livre et de l'imprimerie sur le site de Fondation Martin Bodmer
L'imprimerie: chronologie et techniques sur le site de l'encyclopédie WikiPédia
L'imprimerie, l'offset et le papier sur le site de l'imprimerie Legrand
La typographie selon Invalid.net une mine d'infos, mais un site un peu complexe
Imprimerie: histoire et techniques du papier par le site "les papiers du Moulin"
Site du CERIG plan du site (Centre d'Etudes et de Ressources des Industries Graphiques): plusieurs dossiers en rapport, à vous de choisir
Histoire de l'imprimerie vue par l'encyclopédie Yahoo

Suite au prochain épisode (cahier 2) qui sera dédié aux polices de caractères, à quelques notions de typographie et de mise page.
A bientôt. BLUES

# data[].attributes.attachment_link.title
TYPO-PRINT 01: Historique et évolution des techniques d'impression | Cuk.ch

# data[].attributes.attachment_link.description
TYPO-PRINT 01: Historique et évolution des techniques d'impression -30'000 . Les premières graphies. Art rupestre, décoration de poteries, etc... Signes traduisant un langage gestuel. . La première écriture est inventée par les Sumériens. L'écriture cunéiforme (du latin : cuneus, clou) . Les Egyptiens créent les hiéroglyphes dès la 1ère dynastie .

# data[].attributes.body
Le design dans les années 1990

Les conceptions qui ont défini les années 1990 prennent un peu plus de temps à venir à l'esprit que la culture visuelle des années 70 hippies et des années 80 impétueuses, mais c'est en fait une décennie incroyablement importante pour le développement du design graphique tel que nous le connaissons aujourd'hui.  La technologie du design numérique a évolué et est devenue plus accessible (rappelez-vous Microsoft Paint ?), ce qui signifie que l'époque de la création de mises en page à la main était en train de disparaître rapidement.  En conséquence, les mises en page ont pris un aspect plus poli et plus propre.

Bien que le design ait nettoyé son jeu, ses influences ont été beaucoup plus rudes sur les bords.  Au début de la décennie, Grunge a exercé une influence considérable sur la culture pop, la mode et le design et, à bien des égards, cette influence s'est heurtée à l'orientation propre et technologique des designers qui s'intéressaient de tout cœur au design numérique.

On ne peut pas parler de design graphique des années 90 sans rendre hommage au directeur artistique américain David Carson, fondateur du magazine de musique alternative Ray Gun en 1992.  À mille lieues du minimalisme mesuré de la conception numérique, il a " cassé la grille ", expérimentant avec la photographie de type collage et la photographie avant-gardiste.  It remains the most evocative design example of the grunge era.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pour célébrer le dixième anniversaire d'Envato Tuts+, nous allons regarder encore plus loin dans le passé pour explorer les tendances et les styles qui ont marqué les dix dernières décennies en matière de design graphique et d'illustration.

Les études du design et de l'illustration ont toujours donné aux historiens des aperçus intrigants sur les tendances changeantes de l'esthétique, des habitudes d'achat et de la culture populaire, mais il est également inestimable pour les designers de savoir ce qui a influencé et continue à influencer leur travail aujourd'hui.

Vous aimez le design vintage, ou vous voulez simplement en savoir plus sur la façon dont les designers ont travaillé dans le passé ? Vous voudrez continuer à lire !

N'oubliez pas de visiter GraphicRiver et Envato Elements pour trouver des photos, des illustrations, des polices de caractères et des modèles d'inspiration vintage qui vous permettront de canaliser le temps dans vos propres créations.

Le design dans les années 1920

Les années 1920 ont marqué l'une des décennies les plus importantes et les plus passionnantes pour les arts visuels, et son influence remarquable se fait encore sentir dans l'industrie du design aujourd'hui.

"Jazz Age a marqué une ère de nouvelles libertés sociales et de croissance économique, et les styles de design favorisés ont fait de même. Au début de la décennie, des styles plus fluides et réalistes comme l'Art Nouveau étaient encore très populaires dans les arts commerciaux, mais vers le milieu de la décennie, ils ont été remplacés par de nouveaux styles modernistes qui ont gagné en popularité en Europe.

Affiche de voyage publiée par Victorian Railways, Australie, qui a un design Art Déco très frappant.

L'Art Déco, un style défini par des motifs géométriques modernistes, des matériaux et des couleurs luxueux, a d'abord émergé en France, mais a rapidement gagné en popularité, devenant l'un des premiers mouvements de design internationaux et donnant naissance à certains des bâtiments, intérieurs et œuvres d'art les plus glamour que le monde ait jamais vu.

Particulièrement à New York, l'économie de l'après-guerre était en plein essor, et dans cette atmosphère d'excès financiers, le design publicitaire a connu une période incroyablement créative. Les dessinateurs d'affiches ont adopté de tout cœur le style Art Déco, en se concentrant sur la création de mises en page fortement graphiques, avec des palettes de couleurs riches et des styles de caractères géométriques. Le glamour des filles à claquettes, les voyages exotiques et les nouveaux aliments et boissons dominaient les panneaux publicitaires, incitant les téléspectateurs à danser le Charleston ou à acheter du Coca-Cola.

L'artiste franco-ukrainien A.M. Cassandre a conçu cette affiche Art Déco pour Pivolo en 1924. Cet exemple désormais célèbre de publicité par affiche présente les caractéristiques du style Art Déco ancien : formes à la silhouette forte, style de mise en page simple et type géométrique. ©www.cassandre.fr

Le design dans les années 1930

Les excès des années 1920 ne pouvaient malheureusement pas durer éternellement. La Grande Dépression a eu une influence sombre sur le design dans les années 1930, avec une forme plus sobre de l'Art Déco qui se concentrait sur les formes courbes remplaçant les paillettes et le glamour de la décennie précédente. Dans l'art de l'affiche, nous pouvons voir comment la riche palette de couleurs des débuts de l'Art Déco est remplacée par des tons plus discrets.

Affiche le thé jumelé de Charles Loupot, vers 1930

L'accessibilité de la technologie moderne pour les consommateurs a également eu une grande influence au cours de cette décennie. L'électricité, l'automobile et le téléphone ont radicalement changé la vie quotidienne, et le design le reflète de plus en plus.

Le mouvement artistique futuriste a mis l'accent sur la suprématie de la technologie, de la vitesse et de l'industrie dans un monde en constante évolution. Les designers et les illustrateurs ont concentré leurs efforts à donner un sens du mouvement et de l'échelle à leurs créations. Les dégradés et les textures de style 3D sont également devenus populaires, ce qui donne au travail d'affiche un aspect immersif et plus grand que nature.

"L'Atlantique" de A. M. Cassandre, 1931. © www.cassandre.fr

Le design dans les années 1940

Avec le déclenchement de la Seconde Guerre mondiale en 1939, le fascisme a commencé à se répandre en Europe et a menacé de s'étendre à l'échelle mondiale au début des années 1940. Cette nouvelle réalité effrayante a conduit à remplacer l'accent autrefois commercial mis sur le design par la propagande et l'imagerie motivationnelle.

Certains des dessins les plus intéressants qui ont émergé à cette époque étaient ceux des artistes de propagande soviétique, inspirés par l'Art Déco et le constructivisme (un mouvement artistique russe qui mettait l'accent sur l'art comme ayant un but social) mais qui développait un style unique et direct rendu dans de sombres tons de rouge, noir et gris.

Du point de vue stylistique, le modernisme devenait un mouvement de plus en plus influent, et nous pouvons le voir dans l'utilisation d'illustrations abstraites, de mises en page irrégulières et de palettes de couleurs minimales. Au début des années 1940, les illustrations réalistes qui romançaient les batailles étaient très populaires, mais à la fin de la décennie, les consommateurs étaient prêts pour quelque chose de très différent.

Nous pouvons voir les racines du mouvement moderne du milieu du siècle dernier dans le design et l'illustration de la fin des années 1940. Des coups de pinceau visibles, des motifs pleins d'esprit et des couleurs riches marquèrent la fin des jours sombres de la guerre et annoncèrent une période plus ensoleillée de l'après-guerre.

Ce kit publicitaire rétro s'inspire du style plus coloré et optimiste de la fin des années 1940.

Le design dans les années 1950

Les designers se sont tournés vers le design des années 1950 à maintes reprises, et à juste titre. L'époque était incroyablement riche, optimiste et passionnante pour le design. Tout comme nous l'avons fait aujourd'hui, de nombreuses tendances différentes ont trouvé leur place dans le paysage du design des années 50.

En Amérique, une économie en plein essor signifiait que les maisons ordinaires avaient maintenant des appareils ménagers, des voitures et des téléviseurs, qui faisaient tous l'objet d'une publicité importante auprès du public. A travers la publicité commerciale, nous voyons des illustrations et des photos atmosphériques et joyeuses dans des nuances de glaces pastel ou des couleurs technicolores. Le sens du mouvement, de la jeunesse et de l'enthousiasme généré par ce style d'image est contagieux et exerce encore aujourd'hui une influence remarquable sur le design publicitaire.

illustration de la couverture, d'août 1950 publication de Science and Mechanics.

Pendant ce temps, d'autres designers exploraient le potentiel du modernisme et lui donnaient une touche ludique et amusante. Le design plat a été rendu populaire par le mouvement moderne du milieu du siècle dernier, qui mettait l'accent sur des motifs et des textures ludiques, et utilisait des palettes de couleurs simples et épurées dans des tons terreux.

Les années 50 ont également été une époque où l'on repoussait les limites de la typographie et de la conception des polices de caractères. L'exemple le plus célèbre est sans doute celui du designer Paul Rand, qui a réimaginé le logo pour IBM en 1956. Avec son lettrage géométrique et décontracté distinctif, ce style de caractères a influencé le caractère enjoué et animé d'autres caractères qui ont dominé les panneaux d'affichage et la signalisation au cours de la dernière moitié de la décennie.

Le design dans les années 1960

Dans les années 60, le graphisme s'est divisé en deux grands groupes stylistiques. Certains designers ont continué à faire évoluer le style simple et moderniste des années 1950, et beaucoup ont été influencés par le style suisse, qui a eu une influence énorme sur la mise en page et la typographie au cours de la décennie.

Les années 60 sont aussi une époque merveilleuse pour l'illustration moderniste, avec des artistes comme Charley Harper qui explorent les formes géométriques, le design stylisé et les textures granuleuses dans leurs dessins. Leur travail simple et frappant avait un attrait commercial, ce qui les rendait parfaits pour les travaux publicitaires et les impressions textiles de l'époque.

L'illustration de Charley Harper en 1963, illustrant des pinsons sur des planches de livres, est un bel exemple de l'illustration moderniste des années soixante dans sa forme la plus fantaisiste et la plus charmante.

L'autre mouvement de design populaire dans les années 60 était une réaction aux restrictions du design minimaliste et moderniste. Le design psychédélique a été influencé par le libre mouvement amoureux, le rock'n' roll et les drogues hallucinogènes.

Le design graphique a fusionné avec l'art, à mesure que les concepteurs et les illustrateurs sont devenus plus expérimentaux et ont abandonné les livres de règles traditionnels qui prêchaient des structures de grille et des mises en page ordonnées. Un arc-en-ciel de couleurs acidulées, de lignes fluides et de motifs trippants est venu définir l'allure de la scène pop des années 60, et elle est encore beaucoup plus évocatrice des années 60 dans la culture populaire actuelle que son pendant moderniste.

Cette couverture de l'Oracle de San Francisco, janvier 1967, a un design psychédélique d'inspiration Art Nouveau.

Le design dans les années 1970

Le design des années 1970 a connu un renouveau récent en matière de design, de mode et d'illustration, et c'est peut-être en partie parce que c'est une ressource si riche pour le design rétro sous de nombreuses formes. La décennie a été définie par un éventail diversifié de cultures pop et de mouvements sociaux, ce qui a permis aux individus d'exprimer ce qu'ils étaient de manière plus extravertie à travers la mode, la musique et l'art. Le punk, le disco et le mouvement hippie ne sont que quelques-unes des tendances culturelles qui ont défini la décennie, et leur influence s'est répandue dans le monde du design.

Modèle de dépliant inspiré des styles de conception centrés sur la musique des années 1970.

Dans le domaine du graphisme, nous commençons à voir la photographie devenir plus dominante durant cette période, l'illustration jouant un rôle de plus en plus important dans la conception des magazines et des publicités. La photographie, comme tout ce qui se passait dans les années 70, explorait les extrêmes, qu'il s'agisse de gris lunatique ou de technicolor disco-brillant. Des magazines comme Rolling Stone ont embelli des photos avec des touches de collage anarchique, des couleurs vives et une typographie'regardez-moi'.

L'évolution de la technologie de la composition a également contribué à faire des années soixante-dix la décennie définie par une typographie vertigineuse, à la fois gargantuesque et révolutionnaire. Effets tridimensionnels, lettrages courbes et proportions caricaturales font d'un caractère qui repousse les limites du bon goût et qui est devenu la caractéristique distinctive du design " rétro ".

Le design dans les années 1980

Dans la décennie du boom et de l'excès, il n'y a rien de subtil dans le design des années 80. Au sommet des années soixante-dix pour la simple valeur de'regardez-moi', cette décennie a repris les éléments les plus audacieux du design des années soixante-dix, tels que la typographie disco, et les a encore plus exagérés.

Le punk avait encore une influence énorme sur la culture populaire au début des années 1980, et un usage anarchique de la couleur a été utilisé par les concepteurs pour contraster avec le texte coupé dans les journaux et la photographie à la silhouette lunatique. Des groupes britanniques anti-établissement comme The Smiths et The Clash ont utilisé des éléments de design traditionnels comme les caractères à empattements et les ont réimaginés avec une palette de couleurs néon et des grilles nerveuses, créant ainsi un art d'album engageant et confrontant.

Couverture d'album pour London Calling by The Clash (sorti en 1979 au Royaume-Uni et en 1980 aux États-Unis)

Couverture de l'album The Queen is Dead , de The Smiths (1986)

Dans la dernière partie de la décennie, les styles voyants et néon-saturés ont dominé le design commercial et se sont répandus dans la musique et les arts. Certains des traits de design les plus reconnaissables des années 80 peuvent être trouvés dans les styles de caractères incontournables qui ont été développés à partir du milieu des années 80. Polices de caractères en italique vif dans les pochettes d'albums et les panneaux publicitaires en rose fluo et violet ornés de violets.

Bien que tout le design des années 80 ne soit pas considéré comme " bon " du tout, et encore moins de bon goût, heureusement, certains designers créaient encore des œuvres étonnantes, dont certaines ont fini par être reconnues comme iconiques et appréciées comme des exemples d'" art nostalgique " des décennies après. Certains des dessins les plus incroyables des années 1980 sont apparus sur des affiches de cinéma, avec des dessins de collage complexes, des couleurs super brillantes et des mises en page très détaillées. Les illustrations étaient hyperréalistes et dramatiques, avec une lumière et des ombres exagérées.

L'illustration promotionnelle du film Labyrinthe (1986) est un bel exemple du style de collage très détaillé et illustré que les concepteurs d'affiches préféraient dans les années 1980.

Le design dans les années 1990

Les conceptions qui ont défini les années 1990 prennent un peu plus de temps à venir à l'esprit que la culture visuelle des années 70 hippies et des années 80 impétueuses, mais c'est en fait une décennie incroyablement importante pour le développement du design graphique tel que nous le connaissons aujourd'hui. La technologie du design numérique a évolué et est devenue plus accessible (rappelez-vous Microsoft Paint ?), ce qui signifie que l'époque de la création de mises en page à la main était en train de disparaître rapidement. En conséquence, les mises en page ont pris un aspect plus poli et plus propre.

Bien que le design ait nettoyé son jeu, ses influences ont été beaucoup plus rudes sur les bords. Au début de la décennie, Grunge a exercé une influence considérable sur la culture pop, la mode et le design et, à bien des égards, cette influence s'est heurtée à l'orientation propre et technologique des designers qui s'intéressaient de tout cœur au design numérique.

On ne peut pas parler de design graphique des années 90 sans rendre hommage au directeur artistique américain David Carson, fondateur du magazine de musique alternative Ray Gun en 1992. À mille lieues du minimalisme mesuré de la conception numérique, il a " cassé la grille ", expérimentant avec la photographie de type collage et la photographie avant-gardiste. It remains the most evocative design example of the grunge era.

Couvertures du magazine Ray Gun des années 1990

Vers le milieu et la fin de la décennie, le minimalisme est devenu à l'ordre du jour, ce qui était complètement rafraîchissant après les années de grunge débraillé. Calvin Klein a été le pionnier du graphisme minimal dans ses publicités mettant en vedette une Kate Moss à la manière de Kate Moss qui pose à côté d'un logo ultra-simple et filigrané. Il a marqué une nouvelle ère pour la conception de la publicité dans laquelle moins est devenu plus, établissant la référence pour la publicité de mode réduite en arrière que nous voyons dans la publicité imprimée aujourd'hui.

Le design dans les années 2000

Alors que les années 90 ont marqué la première aventure du design numérique pour de nombreux designers, il était incontournable au cours des années 2000. La conception assistée par ordinateur n'était plus une simple option, elle est devenue une nécessité, les concepteurs devant concevoir des mises en page qui fonctionneraient aussi bien sur les écrans d'ordinateur que sur les appareils portables comme les téléphones mobiles.

Les logos existaient depuis des décennies, mais les années 2000 ont été les années du boom des marques, avec certaines des marques technologiques les plus emblématiques comme Google, Twitter et Facebook qui ont créé et affiné leur identité de marque au cours de cette décennie. La conception de logo est devenue un domaine de consommation de foyer pour beaucoup de concepteurs graphiques pendant cette décennie, avec beaucoup jugeant le succès futur ou l'échec d'une entreprise dans l'avenir de la qualité de leur conception de marque.

Le logo original de Facebook, qui a depuis été redessiné pour rendre le type moins arrondi.

Les années 2000 ont été une décennie de grands changements politiques et sociaux à travers le monde, et la conception qui a suivi a souvent été employée pour sensibiliser les gens à des causes telles que les changements environnementaux et l'impact d'événements comme la crise financière de 2007.

L'un des exemples les plus mémorables du design en tant qu'outil politique a été l'affiche "Hope" de Shepard Fairey pour la campagne présidentielle américaine de 2008. D'un point de vue stylistique, il faisait référence à des styles de street art plus anciens, une marque de fabrique du design des années 2000, mais le type sans empattement fort et le portrait ultra-réaliste de Barack Obama lui ont permis de se sentir frais et pertinent, et ont finalement contribué de manière significative au succès de la campagne électorale d'Obama.

L'affiche "Espoir" de Shepard Fairey pour la campagne 2008 d'Obama.

Le design dans les années 2010

Bien sûr, nous n'en sommes qu'à sept ans de la décennie, mais les années 2010 ont déjà vu beaucoup de travail incroyable et s'annoncent comme une décennie passionnante pour la conception graphique et l'illustration. S'il peut être difficile d'évaluer les tendances dominantes de la décennie sans recul (et avec trois années prometteuses encore !), on peut d'ores et déjà jeter un regard sur quelques styles qui se sont avérés presque universellement populaires au début et au milieu de la décennie.

La manie du vintage a frappé le monde du graphisme au début de la décennie et reste encore très dominante dans le design. Avec l'Internet qui devient une influence omniprésente dans la vie des gens, les styles vintage, folk et'hipster' peuvent être considérés comme des réactions à un monde passionné par la technologie, même si des textures et des logos vintage de style antique sont utilisés pour marquer les produits technologiques !

L'illustration a également connu un renouveau bienvenu au cours de cette décennie, le design plat revisitant certains des traits modernistes du design du milieu du siècle et l'illustration vectorisée et numérique évoluant comme une forme d'art. Nous commençons à voir de plus en plus explicitement le design d'inspiration technique se glisser graduellement dans l'illustration maintenant aussi, avec le low-poly et le line art prenant leurs repères dans le monde en constante évolution du design web et applicatif.

Conclusion

Beaucoup de choses peuvent changer en un siècle ! Le design et l'illustration offrent un aperçu étonnant des tendances et des changements sociaux et culturels qui ont défini les décennies, et j'espère que vous avez trouvé ce voyage dans le temps intéressant et peut-être inspirant pour votre propre travail créatif.

Aucun designer ne peut vraiment travailler en vase clos, c'est donc fantastique de pouvoir voir quelle culture visuelle aurait été une présence constante dans la vie de vos parents, grands-parents, arrière-grands-parents et au-delà.

Avez-vous une décennie préférée pour le design ? Faites-nous savoir quelles sont les époques qui font couler votre jus créatif dans les commentaires ci-dessous.

Rendez-vous sur GraphicRiver et Envato Elements pour trouver des éléments de design d'inspiration vintage qui vous feront voyager dans le temps dans votre propre travail créatif.

# data[].attributes.attachment_link.description
Pour célébrer le dixième anniversaire d'Envato Tuts+, nous allons regarder encore plus loin dans le passé pour explorer les tendances et les styles qui ont marqué les dix dernières décennies en matière de design graphique et d'illustration.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Pour les nostalgiques des années Hip-Hop, le designer Mike McMillan a (re)lancé il y a quelques jours Make WordArt, un outil de texte ornemental initialement né dans les années 1990. Il fonctionne désormais entièrement sur navigateur.

L'outil ludique conserve son essence avec une interface de fonctionnement ultra-simple qui s'inspire de Windows 95. Pour remplir une page blanche de texte décoratif, il suffit de choisir une police de caractères, d'écrire ce que l'on souhaite et de modifier le corps.

Petit bonus pour les plus mélancoliques : l'utilisateur pourra l'enregistrer ou le faire imprimer sur des T-shirts, des mugs ou même des tapis de souris, histoire de rester dans le côté rétro.

# data[].attributes.attachment_link.title
Retour (graphique) vers les 90's - étapes:

# data[].attributes.attachment_link.description
Pour les nostalgiques des années Hip-Hop, le designer Mike McMillan a (re)lancé il y a quelques jours Make WordArt, un outil de texte ornemental initialement né dans les années 1990. Il fonctionne désormais entièrement sur navigateur. L'outil ludique conserve son essence avec une interface de fonctionnement ultra-simple qui s'inspire de Windows 95.

# data[].attributes.attachment_link.description
Software News articles, brought to you from the experts at Tech Advisor, the trusted source for consumer tech info and advice.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
À l'occasion du 30e anniversaire de la chute du mur de Berlin, le 9 novembre dernier, l'agence créative Heimat Berlin a développé une police de caractères à partir des lettrages en graffiti présents sur ce symbôle de la Guerre Froide.
Érigé en 1961 pour stopper l'exode des habitant de la RDA, sous contrôle soviétique, vers la RFA, le " mur de la honte " s'est très vite transformé en une surface d'expression. Son côté Ouest, libre du contrôle militaire a servi de canvas pour de nombreux artistes, qui, par leurs ouvrages, questionnaient la question de frontière.

30 ans après sa chute, le mur de Berlin reste un symbole très fort des conflits qui ont marqué l'Europe du XXe siècle. Les portions restantes forment aujourd'hui une galerie ouverte pour délivrer des messages de paix et liberté.

Cet hommage, porté par l'association The Cultural Heirs, reprend donc le dessin des lettres inscrites sur le mur au cours de son histoire. Photographier en noir et blanc, l'agence rassemble un alphabet complet mis à disposition du public dans une web app. Le Voice of the Wall Generator " permet aux internautes d'écrire des messages personnalisés à partir de cette police, puis d'en télécharger la composition.

https://voiceofthewall.de/

# data[].attributes.attachment_link.title
Heimat crée une typographie à partir des graffitis du mur de Berlin - étapes:

# data[].attributes.attachment_link.description
À l'occasion du 30e anniversaire de la chute du mur de Berlin, le 9 novembre dernier, l'agence créative Heimat Berlin a développé une police de caractères à partir des lettrages en graffiti présents sur ce symbôle de la Guerre Froide. Érigé en 1961 pour stopper l'exode des habitant de la RDA, sous contrôle soviétique, vers...

# data[].attributes.attachment_link.provider_name
Toute l'actualité du design chez Zendart Design

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Encore une décennie protéiforme, foisonnante et souvent contradictoire. Entre un Starck qui explose et conquiert le monde, des designers discrets et modestes qui lancent le concept de Low design, les marques qui lancent à tour de bras des concours de design pour relancer la machine et s'attirer les sympathies des consommateurs et les designers-auteurs qui séduisent les clients fortunés avec des créations d'exception, on peut difficilement dire qu'il y a UN style design des années 90, une fois encore.

Le design est partout

Une chose est sûre, dans les années 90, le design est partout. Les marques de télévision, d'électroménager, d'alcool (Ricard fit dessiner sa célèbre carafe à cette époque-là, avant même Absolut et sa bouteille, donc), d'électronique, etc. Tout le monde inclut le design dans sa conception pour séduire toujours plus de consommateurs, améliorer l'ergonomie des produits, relancer les ventes. Bref, le design devient un élément indispensable de la création industrielle pour garantir la pérennité des profits. On retrouve la pensée de notre cher Raymond Loewy, mais plus de 40 ans plus tard, après qu'elle a porté ses fruits...

Question style, globalement, les lignes sont fluides, souvent presque biomorphiques.

Années 90 et Bio-design

Les années 90, c'est en effet également une nouvelle vague de design biomorphique, revendiqué comme étant purement décoratif. Mais à la différence du biomorphisme Art Nouveau du tout début du 20 ème siècle, ce n'est plus dans les ornements que ce biomorphisme s'exprime, mais dans les formes elles-mêmes, de manière à créer des objets qui semblent vivants, créatures fantasmées et étranges, empreintes de sensualité et de douceur.

Un design d'auteur prisé des collectionneurs et des particuliers fortunés

Mais si les années 90 voient la naissance de toute une génération de nouveaux designers " libres " et " innovants ", c'est aussi parce que, au cours de cette décennie, ils ont été nombreux à pouvoir s'affranchir des contraintes industrielles. Les commandes de particuliers fortunés leur ont permis de développer des styles personnels à travers des créations produits en séries limitées, voire en pièces uniques... Aussi, des matières nobles font leur come-back : fer, céramique, bronze, bois reprennent du poil de la bête pour satisfaire les attentes élevées et luxueuses des commanditaires exigeants. Un exemple type de cette décennie prestigieuse est évidemment le bureau Plywood de Jasper Morrisson, par exemple.

L'omniprésent Starck

Après son succès fulgurant dans les années 80, Philippe Starck explose littéralement dans les années 90. Il est partout, il dessine de tout pour tout le monde : des machines à café aux lampes en passant par des bancs, des clôtures, des panneaux historiques (l'année 1992 est marquée par une fructueuse collaboration avec Decaux), des brosses à dents, des balais WC, etc. La liste est trop longue pour en faire le tour.

Meubles et objets phares

La table Nomos de Norman Foster, 1989

Le vase Honda de Ronan et Erwan Bouroullec, 2001

Le fauteuil Embryo Chair de Marc Newson, 1988

Le presse citron Juicy Salif de Philippe Starck, 1990

La lampe à accrocher May Day de Konstantin Grcic, 1998

La chaise Sim de Jasper Morrisson, 1999

Repères

Retour à la courbe

Translucidié

Couleurs acidulées

Aluminium

Polypropylène moulé

Matériaux composites ou intelligents

Navigation dans la série Histoire du design: |

# data[].attributes.attachment_link.title
Style et design des années 90 - Toute l'actualité du design chez Zendart Design

# data[].attributes.attachment_link.description
Encore une décennie protéiforme, foisonnante et souvent contradictoire. Entre un Starck qui explose et conquiert le monde, des designers discrets et modestes qui lancent le concept de Low design, les marques qui lancent à tour de bras des concours de design pour relancer la machine et s'attirer les sympathies des...

# data[].attributes.body
La révolution du numérique
Dans les années quatre-vingt, le numérique bouleverse la pratique de la typographie, entièrement articulée autour de l’industrie de la photocomposition, et engendre un véritable renouveau. Celui-ci est en beaucoup de points comparable à l’effervescence du début du siècle, lorsque les avant-gardes du Modernisme définissaient l’espace d’un terrain d’expérimentation, et que les dessinateurs traditionnels multipliaient les créations pour les fabricants de machines modernes.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Au début du siècle, la typographie française reste à l'écart des mouvements d'avant-gardes européens qui inventent le graphisme moderne, et des recherches plus traditionnelles de dessinateurs travaillant pour les fabricants de nouvelles machines à composer. Après des siècles d'une grande richesse - il suffit de citer les noms de Geoffroy Tory, Claude Garamond, Philippe Grandjean, Pierre-Simon Fournier -, la création française paraît avoir sombré dans un profond sommeil. Souvent impliqués dans de complexes affaires de familles, les différents protagonistes n'ont pas eu le recul nécessaire pour réfléchir sereinement à la question. Face à cette étrange situation, les jeunes graphistes se sont mis au travail pour recoller les morceaux de l'histoire, comprendre leur héritage - ou l'origine de leur manque de connaissance en la matière-, et se resituer dans une dynamique internationale. Portés par les nouvelles technologies, ils ont stimulé la réflexion, multiplié les initiatives pour combler le retard et mobilisé leur énergie pour faire connaître et reconnaître leur pratique comme une création à part entière.

De Thibaudeau à Hollenstein
La typographie française est liée au destin de quelques personnalités dont les noms ponctuent manuels et essais, mais dont les parcours restent relativement méconnus. Au début du siècle, la typographie se compose en plomb, manuellement à l'aide de caractères mobiles, ou mécaniquement, grâce aux toutes nouvelles machines Monotype ou Linotype. Francis Thibaudeau, chef d'imprimerie depuis 1914 de l'une des plus grandes fabriques de caractères, la fonderie Peignot, publie La Lettre d'imprimerie (1921), qui contient sa fameuse classification de caractères, et le Manuel de typographie française (1924), tous deux symboliques de la création de cette époque. Alors qu'au même moment, le Bauhaus met au point, à Weimar, un enseignement fondé sur les expérimentations modernistes des mouvements d'avant-gardes, Thibaudeau choisit de composer ses volumes en Auriol, un caractère typiquement Art nouveau. En 1923, Charles Peignot prend la tête de l'entreprise et organise le rapprochement avec la fonderie Deberny. Après la commercialisation du Naudin et du Sphinx, il change d'orientation. Il décide, en 1930, sur les conseils de Maximilien Vox 1, de publier l'Europe pour faire face au succès du révolutionnaire Futura, le caractère géométrique sans empattement, dessiné en Allemagne par Paul Renner (1927). Charles Peignot se contente de réinterpréter le modèle, sans proposer une réelle création, contrairement à Stanley Morison, directeur artistique de la société Monotype en Grande-Bretagne, qui commande à Eric Gill une linéale originale, le Gill sans, novatrice par son dessin à la fois classique et moderne.

C'est avec Cassandre que le Modernisme fait son apparition dans la maison. Cassandre " ose " le Bifur, caractère de titrage imaginé pour composer des " mots affiches ", des mots qui " claquent ", et participent pleinement à la nouvelle poésie urbaine. En 1937, il poursuit avec le Peignot, linéale audacieuse à pleins et déliés, présentée sous la forme d'un alphabet unique. Dans les années cinquante, Adrian Frutiger, jeune typographe suisse embauché par Charles Peignot, et Roger Excoffon, dessinateur de la fonderie Olive (l'autre fonderie majeure, installée dans le Sud de la France), redessinent, dans deux directions opposées, les formes de la typographie française. Frutiger met au point l'Univers (1954-1957), un caractère sans empattement, spécialement adapté à la photocomposition, un procédé photomécanique qui remplace la composition au plomb. Utilisant le principe du gabarit pour rationaliser un dessin aux multiples déclinaisons, il invente une alternative à l'esthétique constructiviste. Roger Excoffon, de son côté, prend possession de la rue; ses alphabets envahissent la vie quotidienne et il devient, pour reprendre l'expression du créateur hollandais Gérard Unger, " le responsable " de l'identité visuelle du pays tout entier.

Le nom d'Albert Hollenstein, disparu accidentellement, reste dans les mémoires associé à la typographie des années soixante et soixante-dix. Après avoir eu la bonne idée d'importer le caractère Helvetica en France, ce jeune suisse crée, avec Albert Boton, le Brasilia, une linéale aux formes molles et élargies, typiques de cette époque. Son atelier publie également de nombreux caractères de phototitrage, une technique qui offre des possibilités d'expérimentation beaucoup plus souples et stimule la recherche.

Et d'aujourd'hui

La révolution du numérique
Dans les années quatre-vingt, le numérique bouleverse la pratique de la typographie, entièrement articulée autour de l'industrie de la photocomposition, et engendre un véritable renouveau. Celui-ci est en beaucoup de points comparable à l'effervescence du début du siècle, lorsque les avant-gardes du Modernisme définissaient l'espace d'un terrain d'expérimentation, et que les dessinateurs traditionnels multipliaient les créations pour les fabricants de machines modernes.

Les nouvelles méthodes redéfinissent les idées : plutôt que de forcer les anciens standards à s'adapter, mieux vaut en inventer. Le Macintosh a la particularité de mettre en évidence le procédé, que l'on peut étudier en même temps que le résultat lui-même. L'apprentissage de l'aspect technique du dessin de la lettre n'a plus rien à voir avec ce qu'il était. Vectoriser une lettre, c'est-à- dire faire apparaître ses contours à l'écran, permet de comprendre l'architecture du signe, son dessin, constitués d'éléments repérables. Alors qu'auparavant, un alphabet pouvait être considéré comme I'" œuvre d'une vie " - ce qui avait tendance à rendre cet objet intouchable et à le parer de vertus mystérieuses-, la technique propre à la création de caractères ne représente plus une barrière. La relative facilité de manipulation des logiciels permet aujourd'hui de tester beaucoup plus rapidement les idées et la réalisation d'un alphabet dans son ensemble n'est plus une tâche gigantesque.

La distinction entre le labeur (caractères utilisés pour la composition de textes courants) et le fantaisie (caractères destinés à la composition des titres) est devenue moins claire, et les classifications ne fonctionnent plus aussi parfaitement.

Des polices de titrage sont remises en lumière et reprennent aujourd'hui toute leur saveur. Les graphistes ne se contentent plus des " valeurs sûres " et redécouvrent le plaisir d'avoir à leur disposition un ensemble de possibles. Ainsi, après avoir été mises en quarantaine pour cause d'indigestion générale, les créations de Roger Excoffon nous reviennent aujourd'hui ragaillardies, via la Hollande, et revoient le jour çà et là, en dehors des devantures des bars-tabac qu'elles n'ont jamais quittées.

Les initiatives actuelles
Même si cela n'est pas encore évident dans la production graphique générale, un intérêt réel naît pour la typographie. Il aboutit, en 1985, à la fondation à Paris de l'Atelier national de création typographique, à l'initiative du ministère de la Culture et de l'Imprimerie nationale, dans le cadre d'un plan de relance de la typographie française. Dirigé depuis 1990 par Peter Keller, l'atelier offre la possibilité à des étudiants ou à de jeunes professionnels de poursuivre leur formation, avec une bourse du Centre national des arts plastiques, au-delà du cursus traditionnel en école d'art. De nombreuses personnalités, contribuant aujourd'hui au renouveau de la typographie en France, se sont rencontrées à l'atelier. Beaucoup d'anciens stagiaires enseignent à Paris ou en Province ; certains ont entamé des recherches historiques qu'ils mènent à titre personnel ou dans le cadre universitaire. Stagiaires et intervenants de la toute première génération, Michel Derre, Margaret Gray et Frank Jalleau se sont retrouvés en 1992 pour fonder à l'école Estienne un atelier de création typographique.

D'autres initiatives se concrétisent sous forme de conférences ou d'expositions. Le centre Georges-Pompidou, dans le cadre des Revues parlées organisées par Romain Lacroix, a fait appel à Hector Obalk, critique d'art, pour une série de conférences intitulée " Sensible à la typographie ". Celui-ci a pu développer une approche originale pour sensibiliser des auditeurs néophytes à " cet objet esthétique tout à fait particulier qu'est la typographie " et faire avancer la réflexion chez les spécialistes. Le Festival de l'affiche de Chaumont, en Haute- Marne, en consacrant sa huitième édition au thème Jeux de lettres, a permis de faire découvrir la richesse et les possibilités de l'expression typographique dans l'affiche à travers le monde. Les Rencontres de Lure, outre leurs séminaires provençaux de l'été, réservés aux membres de l'association, donnent régulièrement rendez-vous aux Parisiens pour venir écouter des créateurs présenter leur travail. Dans un autre registre, la Bibliothèque nationale de France présente, en ce moment, le deuxième volet de la série L'Aventure des écritures, trois expositions riches de trésors, accompagnées de catalogues de référence, par leur contenu et leur conception graphique. Cependant, dans l'édition généraliste, les choses ne bougent guère. S'il faut encourager la ténacité des Éditions Allia qui rééditent, avec une approche graphique toujours de qualité, le seul texte de Jan Tschichold traduit en français, Livre et typographie, ou le travail, plus traditionnel, des Editions des Cendres, on ne peut que déplorer la rareté des livres disponibles en français... Et souligner l'ambiguïté de certains ouvrages dont la lourdeur graphique fait douter de la pertinence des conseils qu'ils renferment.

Le circuit économique
Le choix des caractères mis sur le marché est fait par les éditeurs de fontes, qui influent ainsi sur la qualité globale de la production. Après le vide engendré par la disparition des fonderies en France, la situation commence, dans ce domaine également, à changer. Responsable chez Agfa Gevaert de la mise à jour de la collection exclusive Créative Alliance, Allan Halley spécialiste de la typographie, monte en 1995 une opération en France. Six créateurs, Albert Boton, Frank Jalleau, Olivier Nineuil, Jean-François Porchez, Thierry Puyfoulhoux et Pierre di Sciullo sont publiés en même temps. Tous ont des profils extrêmement différents, et les créations ont peu de rapport les unes avec les autres : ce choix donne, au final, une image très fidèle de la création française, où aucune " école " ne se dégage et où chacun préfère travailler dans son coin. Participant à son niveau à une relance de la pédagogie en la matière, FontShop, à la fois distributeur et éditeur, publie un catalogue de caractères de références, le FontBook, dans lequel on trouve la quasi totalité des fontes numériques 4 A chaque réédition les auteurs mènent une réflexion sur l'utilisation de ce genre d'objet. Le nouveau FontBook abandonne le classement alphabétique et propose une classification pertinente en catégories simples et compréhensibles. Le petit catalogue des exclusivités FontFont adopte une classification spécifique; " pas tout à fait logique du point de vue scientifique, mais efficace et facile à utiliser ". Ainsi le terme " typographique " est utilisé pour désigner la famille des caractères de labeur. Des appellations voient le jour, comme " ironique " ou " intelligente ", symboliques des enjeux de la création contemporaine, et installent de nouveaux repères pour identifier les alphabets. Le site Internet de FontShop France, qui a nécessité deux années de travail, met en œuvre un moteur de recherche très sophistiqué. L'utilisateur peut chercher sa police simplement en rentrant son nom ou celui de son auteur, mais aussi de façon intuitive, en utilisant une classification, synthèse des grandes classifications existantes. Pour l'instant, le catalogue FontFont contient, en tout et pour tout, quatre séries de créations françaises... Reflet de notre éveil tardif, cette faible représentation souligne également une situation économique difficile. En France, les polices ne sont pas achetées mais copiées, et les dessinateurs de caractères vivent rarement de leur travail. Le piratage est la conséquence de l'absence de culture typographique. En effet, si la typographie n'est pas considérée comme création à part entière, pourquoi l'acheter?
Les créateurs au travail
Même si les innovations techniques font gagner du temps, la création de caractères reste un processus lent et minutieux. Toutes les énergies doivent tendre vers un même but, l'équilibre et l'harmonie de l'ensemble, par la mise au point minutieuse de chacun des détails. Les lettres n'ont pas toutes la même histoire et, dans leur dessin, se retrouve la trace de leur naissance, fruit d'une expérience particulière. Le dessinateur est un auteur, un créateur qui peu à peu invente son vocabulaire de formes et définit l'approche conceptuelle d'une expression qui lui est propre.

La lettre est un monde
La plupart du temps, pour les dessinateurs de caractères, l'alphabet est un système suffisamment large pour être considéré comme un monde en soi, riche d'une symbolique immense qui renvoie à l'origine de toutes choses. L'écriture développe sa propre logique interne, et peut largement nourrir toute une vie de recherches. Dans cette mouvance, rares sont ceux qui cherchent à utiliser leurs créations; ils préfèrent laisser à d'autres le soin de le faire. La discipline typographique tend vers une certaine abstraction, et les enjeux de la création sont souvent difficiles à définir par les mots. Certains, comme Adrian Frutiger, ont lancé le pari d'y parvenir et l'ont tenu. A travers ses ouvrages, ses conférences et ses expositions, il a souvent raconté sa passion pour les linéales, sa fascination pour la forme première, la " Urform ", et l'expression élémentaire du trait, à la recherche d'une tension maximale entre forme intérieure et forme extérieure. Les jeunes créateurs doivent consacrer une grande part de leur énergie à se faire connaître et à sensibiliser le public. Afin de mieux promouvoir son travail, Jean François Porchez a profité du succès remporté par son caractère imaginé spécialement pour le journal Le Monde, pour créer sa propre fonderie sur Internet et éditer une " gazette " composée d'articles régulièrement mis à jour. Représentant de l'Association typographique internationale en France, il multiplie les activités : pour répondre à l'indifférence générale vis-à-vis de la typographie locale, il vient de concevoir l'ouvrage Lettres françaises, un spécimen qui recense de nombreuses créations récentes, avec biographie des auteurs, et dresse la liste de tous les alphabets français de ce siècle. François Boltana, calligraphe et dessinateur de caractères, est un des premiers à avoir imaginé un mode de diffusion totalement indépendant. Depuis une dizaine d'années, il oriente sa recherche vers l'adaptation de la calligraphie aux contraintes de la composition informatique. Pour l'Aurore, une écriture anglaise de titrage, il a inventé les " planches de lettres transfert informatiques " qui permettent aux utilisateurs de composer leur texte lettre par lettre, par simple " copier-coller ". Ses polices, Champion et Messager, fonctionnent avec un programme spécial qui enrichit automatiquement les textes par l'apport de signes contextuels (signes dont la forme varie selon leurs positionnement dans la phrase).

Un outil pour interroger le quotidien
D'autres créateurs sont beaucoup moins dans la recherche de I'" idéal ", et revendiquent une implication dans le quotidien. Ce qui compte, c'est l'étude d'un contexte, la connexion au sujet et la pertinence du questionnement. L'alphabet n'est plus une abstraction, et peut être considéré comme un univers de liens, à travers lesquels se tisse le sens du texte et se dessine la complexité de la relation au lecteur. Pierre di Sciullo aime dire qu'il fait de la " déneutralisation typographique ". Il revendique une attitude " non effacée " et s'attaque volontiers aux conventions qui régissent la typographie. Imaginant ses premiers caractères comme des outils pour " agir " sur les textes et multiplier les évocations, il choisit de raisonner en terme de lecture et non de lisibilité, pour installer une expérimentation de l'ordre du jeu et du déchiffrement.

C'est dans le cadre de son expérience de graphiste que Gérard Paris-Clavel a construit une réflexion sur la typographie et la création de caractères 5 Alors que, dans la commande habituelle, la typographie est utilisée pour affirmer l'identité de l'émetteur, elle prend ici une valeur symbolique tout autre et devient la matérialisation de la parole du créateur, dans un ensemble de références politiques et poétiques qui sont les siennes. Ainsi, Roman Cieslewicz employait-il très souvent le même alphabet - le Blok, une fonte des années vingt - se l'appropriant comme l'un de ses dessins, d'une manière telle que celui-ci amenait sa part de sens. Grapus avait également ressenti ce besoin, et inventé une expression graphique globale où l'écriture manuscrite, composée de façon aussi précise qu'aurait pu l'être un caractère typographique, participait activement à la construction de l'image. Avec le caractère le Rue, Gérard Paris-Clavel poursuit cette démarche, vers la mise en forme d'une parole manifeste, une parole de rue revendicatrice, appelée à vivre dans un ensemble de supports différents où le texte et l'image se renforcent l'un l'autre. Cet alphabet est devenu une sorte de signature, l'écriture d'une attitude qui s'affirme de sujet en sujet, au-delà du sujet, puisqu'un même travail peut être réutilisé ou réinterprété selon les circonstances.

Une écriture sur la ville
Le centre Georges-Pompidou, en travaux depuis quelques années, a mis en place une signalétique provisoire, afin de mieux informer les Parisiens sur son fonctionnement et ses activités pendant cette période. En 1994, à la demande de l'architecte Patrick Rubin de l'agence Canal, Pierre Bernard, qui dirige l'Atelier de création graphique, a réfléchi à un système de signalisation adapté aux palissades et bâches blanches imaginées par l'architecte pour cacher les travaux. Considérant ces bâches comme de gigantesques pages posées sur le bâtiment, l'atelier a décidé d'inventer un alphabet spécifique et de privilégier le texte par rapport à l'image. Cette référence à l'écriture permettait de ne pas lutter avec les différentes approches esthétiques des œuvres exposées à l'intérieur du centre, tout en affirmant, à l'extérieur, l'expression très forte d'un lieu toujours vivant. Avec cette installation, la façade est devenue support d'information pure - toutes les activités, des plus intimistes au plus médiatisées, sont annoncées - " réécrite " pour donner lieu à une spectaculaire création évolutive.

La trace d'une histoire
Les grandes structures travaillant sur l'identité visuelle des entreprises ou sur l'image de marque ont toujours eu recours à des dessinateurs de caractères. Pendant des années, elles ont même été le refuge principal des dessinateurs qui, comme Albert Boton au sein de l'agence Carré noir, trouvaient ainsi un moyen de mettre en œuvre quotidiennement leur compétence d'orfèvre ultra spécialisé. En effet, au-delà du dessin du logotype, Il est relativement fréquent que la déclinaison complète d'une police exclusive soit confiée à un créateur, lors de la refonte d'une identité visuelle. Ainsi, Gilles Deléris, directeur artistique de l'agence W et cie, vient de faire appel à Jean-François Porchez et à Serge Cortesi pour dessiner deux alphabets. Pour les sociétés possédant de nombreuses filiales, le but est d'organiser un système de reconnaissance permettant d'identifier l'appartenance au groupe. L'usage de la nouvelle fonte, associé à l'application d'une charte graphique, va permettre de rationaliser les supports et de clarifier la multitude des messages émis.

Le travail est très dirigé : les concepteurs de l'agence demandent au créateur de caractères d'aboutir une fonte dont l'esthétique est déjà définie dans ses grandes lignes. Il est évident qu'ici, la qualité de la réponse dépend étroitement de celle de la demande qui ne peut être formulée correctement que par des professionnels ayant une grande sensibilité à la lettre. Frank Jalleau est le dessinateur attitré de l'Imprimerie nationale, où il partage son temps entre ses recherches pour le secteur fiduciaire (des polices pour des papiers d'identité qu'il est interdit de dévoiler) et son travail sur les alphabets du patrimoine. L'imprimerie possède un trésor enfermé dans le Cabinet de poinçons, entretenu soigneusement par l'un des derniers graveurs, Christian Paput. Frank Jalleau utilise des sortes d'épreuves, réalisées à partir des poinçons originaux, pour dessiner ses versions contemporaines. Après avoir travaillé sur le Romain du Roi et le Garamont, il vient de terminer la numérisation du Perrin, une restauration mise en chantier par Jean-Renaud Cuaz et Ronan Lehénaff sous la direction de Ladislas Mandel et José Mendoza, au tout début de l'Atelier national de création typographique, alors présidé par Georges Bonin. Les numérisations des alphabets historiques exclusifs sont destinées aux ouvrages des éditions de l'Imprimerie nationale qui, après avoir longtemps maintenu la tradition de la composition au plomb, utilise maintenant la PAO.

Et maintenant qu'allons-nous faire ?
Avec Internet, la typographie entre dans une nouvelle ère. L'OpenType, format de description de polices de caractères numériques, devrait bientôt remplacer les formats en vigueur. Cette norme qui permet de concevoir des polices " légères " beaucoup plus complètes qu'à l'heure actuelle (avec les signes nécessaires à la composition de plusieurs langues), va donner aux pages Web une qualité qu'elles ne possèdent pas encore. Dans l'édition, l'usage des fontes OpenType aura aussi ses avantages : alors qu'aujourd'hui, les chiffres bas de casse et les petites capitales se trouvent dans des fontes séparées, appelées Expert, elles seront incluses demain dans une seule fonte et leur composition sera beaucoup simple.

Au niveau économique, le développement du commerce électronique a permis la naissance d'une multitude de petites fonderies, qui disposent là d'une vitrine virtuelle bon marché. Si la relative simplicité de la chose est, en de nombreux points, très positive, on peut cependant craindre un rapide phénomène de saturation. Certaines fonderies ont, en effet, tendance à se plagier et à mettre sur le marché de très mauvais caractères. Les modes se succédant désormais à une allure incroyable, comment la typographie pourra-t-elle résister au pur phénomène de consommation et rester dans la recherche fondamentale? Face à une telle situation, on peut comprendre l'attitude, à priori surprenante, de créateurs qui choisissent de s'isoler du monde de la production, en refusant de jouer le jeu à tout prix. Il est quelquefois nécessaire de s'arrêter un peu pour réfléchir. Toutes les pratiques quotidiennes et la relation au travail sont en pleine mutation. Il est impossible de demander indéfiniment au même individu d'accroître ses compétences et d'assurer des fonctions assumées auparavant par plusieurs, sans que cela nuise à la qualité de la production. Il suffit de penser au graphiste : plus le métier paraît " facile " vu de l'extérieur, plus il est difficile à vivre de l'intérieur. Il doit aujourd'hui posséder des connaissances aussi bien en photogravure, qu'en composition, maîtriser le code typographique et savoir gérer les corrections, apprendre sans arrêt le maniement des nouveaux logiciels, et considéré comme simple pièce de la machinerie générale, il peut être remplacé du jour au lendemain si le commanditaire trouve moins cher ailleurs. La création typographique relève d'une logique bien différente : quelle que soit l'accélération des technologies, les références au geste et au temps humain, et surtout la lente maturation des idées qui fait naître les formes, seront toujours indispensables.

Merci à Jean-François Porchez pour ses éclaircissements apportés à la définition de l'OpenType, ses conseils pour l'élaboration de la bibliographie.Pour voir ce texte commandé par le Centre National des Arts Plastiques en 1999, aujourd'hui en ligne,
cliquez ici. Pour le voir avec les illustrations, télécharger le pdf, ici (design Pierre Péronnet).

# data[].attributes.attachment_link.title
Le caractère singulier de la typographie française.

# data[].attributes.attachment_link.description
Au début du siècle, la typographie française reste à l'écart des mouvements d'avant-gardes européens qui inventent le graphisme moderne, et des recherches plus traditionnelles de dessinateurs travaillant pour les fabricants de nouvelles machines à composer.

# data[].attributes.attachment_link.title
90s Graphic Design Trends Making a Comeback in 2020

# data[].attributes.attachment_link.description
Ready to take a trip down memory lane? From Grunge and Anti Design to Rave and Pop Culture, here are some of the biggest 90s design trends making a comeback in 2020...

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
À voir : Une graphiste a répertorié des flyers de raves anglaises des 90's dans un grand catalogue collector

Photo de couverture : ©Julia von Dorpp

La graphiste Julia von Dorpp a réalisé un grand catalogue rassemblant et passant au crible une centaine de vieux flyers de rave UK des années 90. Au travers de son travail analysant et répertoriant chaque élément de ces archives, apparaît l'évolution de la fête underground, et du design, des esthétiques et des artistes qui l'ont toujours accompagnée.

Pour son projet de fin d'études, la graphiste Julia von Dorpp a associé sa passion pour la fête et la musique électronique à son approche du design. Après avoir étudié les différents canaux de communication des rave parties, elle a déniché sur eBay pas moins de 10 000 flyers de raves anglaises des années 90. Elle en a ensuite sélectionné une centaine, a mis des semaines a les scanner minutieusement puis a décomposé et retravaillé chaque élément graphique qui les habille pour ensuite les répertorier dans un grand catalogue : Ex-tracts.

©Julia von Dorpp

De tous ces éléments, Julia von Dorpp a concentré son attention sur 6 en particuliers : les cartes, les illustrations, les logos, les photographies, les symboles et les typographies. Des simples rectangles en noir et blanc photocopiés aux cartons de toutes les formes et aux couleurs vibrantes, ces morceaux de papiers traduisent l'évolution de la culture underground et de son esthétique à travers le temps, mais aussi celle d'une pratique artistique qui gravite depuis toujours autour d'elle : le graphisme. " C'est une sorte de genèse du graphisme dans la musique électronique ", explique Julia.

" Ces documents, ces archives n'appartiennent à personne et sont à tout le monde. Les designers bien souvent anonymes et amateurs à l'origine de ces créations ne cherchaient pas la reconnaissance, ils étaient comme les DJs membres des collectifs de l'époque : ils contribuaient à un projet collectif qui les dépassaient ", note Julia. En feuilletant ces pages, on ne peut s'empêcher de remarquer les clins d'œil des graphistes en vogue actuels aux anonymes d'hier. " On s'inspire encore librement de ces vieux flyers pour concevoir la DA des soirées d'aujourd'hui ", reconnait-elle. À la différence que désormais, ils ne s'impriment plus. Pour la jeune designeuse, " le post Instagram est le nouveau flyer " et les créations d'aujourd'hui s'inscrivent dans une temporalité différente, soumises à la fois à l'éphémérité de la story de 24h et à la mémoire éternelle d'Internet. Pourtant, on devrait peut-être commencer dès à présent à archiver ces nouvelles œuvres, traces d'une époque riche en événements (ou en non-événements). C'est par ailleurs ce qu'on entamé de faire les designers de Parade Studio avec leur livre Annulé.

©Julia von Dorpp

Pour présenter son travail, Julia comptait organiser un vernissage en forme de soirée techno dans un ancien blockhaus à Strasbourg. Mais pandémie oblige, elle a dû se rabattre sur une rave numérique. Sur un site dédié - qui diffusait les morceaux d'artistes présents sur la centaine de documents sélectionnés par Julia - on pouvait donc participer à un visio Zoom tout en visitant la galerie de flyers et découvrant le travail de la designeuse.

Il est possible de commander le catalogue Ex-tracts directement sur la page KissKissBankBank dédiée. Le reste de son travail est aussi à découvrir sur le compte Instagram de Julia von Dorpp.

Newsletter

Les actus à ne pas manquer toutes les semaines dans votre boîte mail

# data[].attributes.attachment_link.title
À voir : Une graphiste a répertorié des flyers de raves anglaises des 90's dans un grand catalogue collector

# data[].attributes.attachment_link.description
À voir : Une graphiste a répertorié des flyers de raves anglaises des 90's dans un grand catalogue collector Photo de couverture : ©Julia von Dorpp La graphiste Julia von Dorpp a réalisé un grand catalogue rassemblant et passant au crible une centaine de vieux flyers de rave UK des années 90.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Star des cours de récré, icône de pop culture, objet de mode incontournable et accessoire urbain par excellence. Le sac à dos Eastpak revient cette saison avec 3 nouvelles " collaborations-événement ". Retour sur une saga mythique.
Qu'il soit basique accolé au dos des étudiants, recouvert de patchs Metallica, AC/DC ou Iron Maiden, tagué au marqueur ou patché, troué à force de chutes de skateboard... Nous avons tous un souvenir impérissable lié au légendaire sac à dos Eastpak.

Son histoire s'écrit à la fois sur les épaules des lycéens, les afficionados de mode et dans les sphères urbaines. Pourtant, ce ne fut pas toujours le cas. En 1952, Eastpak alors EASTERN CANVAS INC s'associe avec le gouvernement américain pour devenir le fournisseur officiel de l'armée en sacs et équipements de qualité supérieure. Fort de sa réputation, de son savoir-faire, et de ses millions de DUFFLE produits pour les G.I américains, la marque s'attire dans les années 1970 la sympathie des étudiants branchés qui souhaitent alors adopter un look militaire. Pour répondre à la demande de ce nouveau marché florissant, Eastern Canvas créé Eastpak en 1976. La légende commence.

Les années 1980 sonnent comme une consécration pour la marque. En 1985, dans la saga Retour vers le Futur, l'iconique modèle PADDED RETURNITY est choisi pour accompagner Marty McFly au fil des années. Au même moment, Eastpak devient le premier fabricant de sacs à introduire couleurs flashy et imprimés all-over dans ses collections. Toujours un temps d'avance, la griffe est également la première à proposer des campagnes publicitaires originales et provocantes. Celles-ci se diffusent alors dans les magazines lifestyle et sur MTV. Plus que jamais Eastpak s'inscrit comme la marque de toute une génération.

Dans les années 1990, porté par ses fidèles, Eastpak s'attaque à de nouveaux terrains de jeu. La marque s'investit au-delà du produit en s'imposant dans les zones urbaines comme un véritable lifestyle. La ville devient son arène, et la rue son espace d'expression.

Une dizaine d'années plus tard, la marque passe un nouveau cap avec sa capsule " Artists Studio " . Elle gagne alors les hautes sphères de la mode et de la culture avec des collaborations de prestige comprenant Kris Van Assche, Vetement, BLESS, Wood Wood, Kenzo, A.P.C, Gaspard Yurkievich ou encore Ed Banger. Le sac est réinterprété, détourné, déconstruit par des designers qui ont carte blanche. Le résultat ? Des pièce plutôt portées à la Fashion Week que dans la rue.

Cette saison, fidèle à ses traditions, Eastpak revient avec trois collaborations de créateurs. Celles-ci offrent autant de nouvelles visions personnelles et originales de l'illustre sac à dos. Par exemple, le créateur belge Raf Simons (un habitué de la maison) prend le parti de déstructurer les coupes. Une vision se situant entre haute couture du mi vingtième siècle et culture urbaine. Le label japonais Undercover choisit quant à lui, de revisiter le sac à dos PADDED PAK'R XL en le surdimensionnant. Aussi, on remarque des références imprimées de l'iconique film 2001 : L'Odyssée de l'espace de Stanley Kubrick. Enfin, la maison milanaise MSGM, a fait le choix de l'oversize assumé et de l'imprimé fleuri signature de la marque.

UNDERCOVER x EASTPAK

RAF SIMONS x EASTPAK

MSGM x EASTPAK

Restez connectés sur RADAR car on va fêter la rentrée en vous faisant gagner une pièce de chacune de ces collaborations !

Découvrez toutes les collections Eastpak sur le site !

# data[].attributes.attachment_link.title
Eastpak : retour sur l'histoire du plus célèbre des sacs à dos

# data[].attributes.attachment_link.description
Star des cours de récré, icône de pop culture, objet de mode incontournable et accessoire urbain par excellence. Le sac à dos Eastpak revient cette saison avec 3 nouvelles " collaborations-événement ". Retour sur une saga mythique.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Y2K

DISCLAIMER! This page has become an overview of all aesthetics that are generally labelled under the Y2K umbrella, and is still under construction.

Since the advent of the internet, Y2K (short for Year 2000) has become a broad term that describes the societal zeitgeist of the world between the late 1990s to the early 2000s. Named after the Year 2000 problem, it is characterized by fashion, hardware design, music, futuristic technology, and optimism relevant to the time period. Since the Mid-Late 2010s, the group of aesthetics described as Y2K have made a resurgence in popular culture and social media.

Y2K originally referred to an aesthetic prevalent in popular culture from roughly 1997 to 2004. However, the term has massively expanded since then due to misappropriation and semantic shift, and this specific aesthetic is now retroactively known as Cybercore, Cyber Y2K, Futuristic Y2K, or Kaybug. This era's predecessors include the Memphis Design era (circa 1984-1997) and the Grunge era (c. 1991-1997), and was later succeeded by the Frutiger Aero era (circa 2004-2013).

Y2K was well-established by 1997, replacing the core '90s era which had been known for its grittier aesthetics such as Grunge. The Spice Girls single "Wannabe" was released in the U.S. and gained international popularity, leading to a new era in teen pop, and in a Super Bowl ad that year the group heralded the arrival of "Generation Next". Furthermore, post-grunge started to become emblematic of popular bands such as Creed and Foo Fighters, Nu-Metal began its mainstreaming with Limp Bizkit, Deftones, and Incubus, Hanson released " Mmmbop", and more music videos by artists such Puff Daddy (" Mo Money Mo Problems"), Will Smith ("Gettin' Jiggy wit It", "Men in Black"), and the Spice Girls ("Say You'll Be There") were done in the Y2K style. In an attempt to compete with rival companies such as WCW and ECW, WWF entered the edgier "Attitude Era" and had gotten rid of its Memphis influence (from the "New Generation Era") by March 1998. South Park and King of the Hill premiered, and Cartoon Network debuted the Toonami block which mainstreamed anime in the U.S. The PS1 and N64 were now in full-swing with games such as Final Fantasy VII and Goldeneye. The movies Titanic and Men in Black were released which are regarded as Y2K phenomena. Y2K fashions such as frosted tips, soul patches, and JNCOs were becoming popular.

Between 1998 and 2000, Y2K began to experience a massive surge in popularity with phenomenon such as Pokémania, Limp Bizkit, NSYNC, TRL, The Matrix, TOM replacing Moltar on Toonami, and Britney Spears. Y2K's popularity peaked around Late-1999/Early-2000, coinciding with the turn of the millennium and apex of the Dot-com Bubble.

The Y2K Era gradually declined afterward due to events such as the Dot-com Bubble Burst, 9/11, and the War on Terror, though residual aesthetics from the era still remained popular until roughly 2004. New aesthetics such as McBling, UrBling, Surf Crush, and 2K1 appeared at this time, initially running concurrent with Cybercore.

2004 was the last hurrah of Y2K, being the last year where the aesthetic(s) experienced any form of mainstream popularity. Cartoon Network switched from the "Powerhouse" era to "CN City" era, with most of their '90s programs ending and Toonami moving to Saturday nights. Nickelodeon went through a similar transition also, with '90s Nicktoons, the SNICK block, and pre-movie SpongeBob SquarePants ending. The final major Nu-Metal albums were released in 2004, and emo soon overtook nu-metal as the dominant "alternative" music genre; the popularization of MySpace and release of Green Day's American Idiot. McDonald's retired the McDonaldLand characters (except for Ronald McDonald) and rebranded from the "We love to see you smile" slogan to the infamous "I'm lovin' it" slogan. The first Web 2.0 conference was held in October 2004, early social media sites such as MySpace were rising in popularity. Marvel's Blade series, known for its heavy use of Y2K aesthetics and music, ended. The Rock retired from WWE, and Brock Lesnar temporarily left to join the NFL, leaving John Cena to become the face of the company.

By 2005, the Y2K aesthetic had more or less vanished completely. After Y2K ended, it gave way to the Frutiger Aero aesthetic, which coincided with the advent of Web 2.0; Frutiger Aero is widely considered Y2K's successor aesthetic, containing various similarities but being distinct as an aesthetic in its own right.

Since the Mid-Late 2010s, Y2K Era imagery and pop culture has begun to make a resurgence in various circles of the Internet, niche entertainment, and even mainstream entertainment due to the 20-year nostalgia cycle. Examples of Y2K revival songs include "1999" by Charli XCX, "2002" by Anne Marie, and "Motivation" by Normani. Evan Collins coined the term in 2016, having noticed the aesthetic had not yet been explored by the Vaporwave scene as much as earlier, more ubiquitous periods (particularly '80s/Early '90s aesthetics like Memphis Design and Synthwave), and wanting to give it more exposure. Collins runs the Y2K Aesthetic Institute along with Froyo Tam. They archive works exhibiting the aesthetic, in the fields of graphic design, flyers, game console design, video game concept art, interior design, architecture, fashion, etc. and chronicle both art from the era the aesthetic was popular, as well as modern depictions of the aesthetic. Tam has also made Ferrite Core DX and other open-source typefaces inspired by Y2K typography.

Another example of modern-Y2K aesthetics being used is the indie puzzle game known as CROSSNIQ+, which utilizes the more bold, thick-line aesthetics seen in Y2K cartoon styles. Also run by Krieger and The Y2K Institute is u::r::here, a free virtual gallery dedicated to showing off Y2K art and aesthetics.

The most major community forum that is based on Y2K aesthetics is Agora Road's Macintosh Cafe, which coins itself as a "nostalgic Y2K community". There are some smaller ones, such as the Orion's Arm forum, although that one is primarily about the fictional universe itself.*The aesthetic seems to be breaking into pop culture, such as the Charli XCX and Troye Sivan song 1999.

Music artists like DV-i, nuphory, System ST91, and Porter Robinson (under the alias of Virtual Self) produce Y2K-inspired electronic music in genres such as trance and atmospheric drum and bass. Dance System incorporates Y2K visuals and ambient into 2000's house music in his debut album Where's the party at?.

Virtual YouTuber Yuuki Takemoto experienced the Y2K Era, and incorporates it into her videos and art.

The artist named "Ivy Hollivana" seems to invoke a lot of the Y2K imagery in her music videos.

In NYC there is a store called happy99 which takes inspiration from Y2K styled art, toys, fashion and even architecture, They even have promos in their twitter where one is inspired by Y2K CGI and VFX while the other video is inspired by PS1 era games like Parappa the Rapper and DDR.

Planet 1999 released Devotion in 2020, features elements of Y2K such as Zip Drives, Furbies, Classic Mac computers and the mascot of the video evolving like a Pokémon or a corrupted version of Vibri from Vib Ribbon at the end of the album.

Kaizo Slumber is an electronica musician, of whom he incorporated various visual key elements from this aesthetic in his clips.

The clothing company Champion in 2022 had a shirt with a caterpillar on it that had a very Y2K style to it.

Many LGBTQ artists during pride month like to combine the concept of pride with the Y2K aesthetic.

The recent "Neo-Y2K" movement has modernized the Y2K aesthetic, incorporating elements of modern digital art, Glitchcore, Vaporwave, and various video game aesthetics and blending them with the color palettes and themes of Y2K. Notable artists of this aesthetic microgenre are Nuphory, TRAELMYX (also known as ::Y2KAE::, Vulpeox, and kur0myx), and SAM WAITIN. The microgenre is also much more closely related to the musical scene compared to old-school Y2K aesthetics, with all three of the aforementioned artists making some form of dance music. Additionally, the Neo-Y2K movement has connections to several other "revival" aesthetics, such as Blob World, Bubblegum Bling, and Neo-Vectorheart.

Nu-metal and Industrial rock were closely associated with the Y2K period, particularly in the United States and France, and received particular attention after the Woodstock '99 festival. The subgenres epitomized the more masculine aesthetics of the Y2K period, combining Hip-Hop and Electronic styles with Heavy Metal. Bands such as Korn, Limp Bizkit, Slipknot, Deftones, Filter, Incubus, Coal Chamber, American Head Charge, and Marilyn Manson epitomized this controversial strain of Y2K culture. Acts like Nine Inch Nails, Tool, and White Zombie served as progenitors of Y2K musical aesthetics in the early and middle portions of the 1990s decade. Subcultural styles like Mallgoth, Rivethead, and Cybergoth epitomized part of the Dark landscape style, a subtle offshoot of the landscape aesthetic heavily inspired by nu-metal and industrial culture in the landscape era.

One of the most well-known music associated with Y2K in the United Kingdom was big beat, a subgenre of electronic music that used "heavy breakbeats and synthesizer-generated loops and patterns". Bands and music producers such as The Prodigy, The Chemical Brothers, Fatboy Slim, The Crystal Method, Junkie XL, and Propellerheads performed this music during the '90s. However, the genre has since become less prevalent in the mainstream, with modern examples being few and far in between.[1]

Another known genre at the time was trance, which has been more modernized and mainstream. Famous DJs from this period like Push, Ferry Corsten, Tiësto, Chicane, PPK, ATB, Signum, and Lange demonstrated well the euphoric and futuristic vibe of the Y2K aesthetic. Other tracks that became hits during the turn of the Millennium were "Better Off Alone" by Alice Deejay, Darude's "Sandstorm", and Rank 1's

Other genres used during the Y2K Era were jungle, drum n' bass, and trip-hop (like Portishead, Massive Attack or Tricky). Much like big beat (and what ultimately inspired big beat to begin with), these genres have a heavy emphasize on techno-style music, with fast beats and use of synthesizers. To this day, these genres are still used in EDM scenes all over.

Bubblegum Eurodance was also common during the Y2K Era. Aqua, the Scandinavian band responsible for the 1997 hit " Barbie Girl", is often attributed as being the most popular example of this genre, with an honorable mention going to the Italy's Eiffel 65, known for their 1998 single " Blue (Da Ba Dee)".

The Y2K aesthetic can also be seen in the music video to the Red Hot Chili Peppers' " Californication". The video takes the form of a fictional open-world video game that depicts each of the band members on an adventure in a California setting.

R&B and hip-hop also transitioned from the Golden Age/G-Funk/Boom Bap Era to the Jiggy/Bling/ Shiny Suit 97 Era (widely known as the Hype Williams era, because of the prevalence of these visual cues in his music videos), with producers like Timbaland, Swizz Beatz, and The Neptunes. Many R&B and hip-hop artists used Y2K aesthetics in music videos, as shown were TLC in their " No Scrubs" video, Aaliyah in " Are You That Somebody", Jennifer Lopez in " If You Had My Love" or Janet Jackson in " Doesn't Really Matter".

Alternative rock and post-grunge were popular at this time and used in media such as Hollywood films and AMVs. Rap/hip-hop were similarly popular, and the popularity of it during this time influenced 2000s soundtracks later in the decade such as the ones for Homestuck and Scribblenauts and 2010s soundtracks like the OST for Persona 4: The Animation.

Cheiron Crush is a music video aesthetic that was prevalent from roughly 1997 to 2003. This video style co-existed inside the Y2K Era. In turn, the name comes from Cheiron Studios, where many pop hits of the era were produced. Camera flash shutter, chromatic aberration, and magenta are common visual features of this style.

2K1 is an aesthetic that was prevalent from roughly 2001 to 2004. This style bridged the gap between the Y2K and McBling eras. Raunchy "big red text" comedies, throwback jerseys, Minivan Rock, and Neptunes-type hip-hop production all surged at this time while Teen Pop was slowly being phased away. American flag imagery and "Dirty"-style fashion were a key component to this aesthetic which flourished in the post 9/11 world.

Cybercore (also referred to as Y2K Futurism, Cyber Y2K, Y3K (in Japan), or just simply Y2K) is an aesthetic that was prevalent in popular culture from roughly 1997 to 2004, succeeding the Memphis Design and Grunge eras and overlapping with the McBling, UrBling, Surf Crush, and 2K1 aesthetics.

Cybercore has its origins in the underground UK rave scene of the Late- 1980s/Early- 1990s (i.e. The Prodigy, Aphex Twin, The Future Sound of London), as well as the early works of the Sheffield-based Designers Republic. The first signs of the Cybercore aesthetic going mainstream appeared around 1995 to 1996, with the release of Windows 95, the start of the Internet boom, the original PlayStation and Nintendo 64 being released with games such as Wipeout and Super Mario 64, Pokemon being released in Japan, the films Hackers, Trainspotting, and Scream being released.

Cybercore aesthetics use both graphic design and CGI. Graphic designs usually feature thick lines, bold minimalism, and heavy use of iconography. CGI art is more blobby looking, having more gradients in contrast to Metalheart or Chromecore. Common colors used in Cybercore art are, but not limited to, chrome, icy blue, ocean, bright oranges, glossy white, and black (for linework).

McBling is an aesthetic that was popular from roughly 2000 to 2008. overlapping with the Y2K, UrBling, Surf Crush, Frutiger Aero, 2K1, and 2K7aesthetics. It was coined through a Facebook page in 2016 made by Evan Collins of the Y2K Aesthetics Institute. It is often loosely referred to as " Y2K fashion", " Trashy Y2K", or simply " Y2K" on social media,

The McBling aesthetic began around the turn of the millennium. It was at this time that the Y2K aesthetic began to decline and the transitional 2K1 aesthetic rose due to over-saturation, the dot-com bust, paranoia in the wake of 9/11, etc. as well as a general desire by the American public to move onto something else. Some of the earliest instances of McBling aesthetic were "Bling Bling" by B.G. from 1999, "Get Low" by Lil Jon from 2002, Britney Spears and Justin Timberlake's denim at the 2001 VMAs, and the music video for Madonna's 2000 song "Music". By 2003 McBling was starting to become more prominent with the start of the Iraq War, Eve and Cam'ron's white and pink outfits at the Baby Phat show that fall, and the premiere of Paris Hilton's The Simple Life.

The McBling aesthetic went into full swing around late 2004 with the release of the movie Mean Girls, the popularization of Myspace, the popularization of emo via Green Day's American Idiot, the phasing-out of 2K1, the iPod becoming a huge status symbol via Apple's silhouette ad campaign, the premieres of Laguna Beach and Lost, and Gwen Stefani starting her solo career, further hastening the end of the Y2K era. McBling was concurrent or overlapped with a number of other 2000s aesthetics, such as UrBling, Surf Crush, 2K7, and Frutiger Aero.

The McBling era ended in late 2008 with the Great Recession, Barack Obama's election, and the backlash against 2000s culture setting in. This led into the ElectroPop 08/ Hipster/ Jersey Shore Era, which lasted from about 2008 to 2013. On social media in recent years, the McBling aesthetic has grown in popularity, albeit it is often lumped with or mistaken for the Y2K aesthetic (i.e. on TikTok and Depop, McBling-era fashions are mistakenly referred to as "Y2K fashion"), despite there being some differences between the two. The McBling revival has also been referred to as "Bubblegum Bling".

Gen X Soft Club was a popular aesthetic in the Late- 1990s to Late- 2000s, branching from the popular Cybercore movement of the time. It is considered a more natural and "down-to-earth" look at futurist optimism of the time. It's characterized by urban typography, a use of plants/nature, underground metros/train stations, airports, city skylines, and a heavy use of minimalism/cool color schemes.

GXSC's popularity between the years 1996-2002 was a movement in futurist aesthetics that spawned from the economic recovery and growing technology industry of the 1990s. Some had criticisms about the overly-optimistic, "bubblegum" styles of Cybercore and McBling. A notable shift in the visual mood of these styles happened during the turn of the millennium, mainly between older members of the Millenials/Generation X groups.

GXSC uses a mix of contemporary urban minimalism and lifestyle with Cybercore elements, along with the heavy use of Lomo effect (an analog cross-processing method creating saturated, high-contrast, "soft" looking photos), bleach bypass and blur technics in photography, and natural and muted colors - especially greens, blues, beiges, tans, greys, and black. There are also elements of 1960s and 1970s nostalgia, which were most common with Generation X.

[under construction]

FantasY2K (a portmanteau of " Fantasy" and " Y2K") is an aesthetic that takes elements of Medieval Fantasy aesthetics and reinterprets them to conform to the fashion trends of the 2000s.

The balance of these clashing styles can vary from haute couture runway looks with vaguely fantastical themes, to film and TV costumes that are passable as loosely historical, but with definite anachronisms such as modern hairstyles, makeup and silhouettes.

The aesthetic takes an unapologetically kitsch approach in its disregard for historical accuracy in favor of contemporary trends. For this reason, it is often adopted with self-aware irony, particularly in satirical media such as A Knight's Tale or Ella Enchanted.

FantasY2K is very distinct from other fantasy inspired aesthetics such as Fairy Grunge and Mythpunk, due to its far brighter colour palette and its whimsical, often camp, sensibilities. Although it shares some motifs with Fairycore, it is differentiated by its more direct appropriation of Y2K aesthetics and a more significant Medieval influence.

External links to help get a better understanding of these aesthetics:

# data[].attributes.attachment_link.description
DISCLAIMER! This page has become an overview of all aesthetics that are generally labelled under the Y2K umbrella, and is still under construction. Since the advent of the internet, Y2K (short for Year 2000) has become a broad term that describes the societal zeitgeist of the world between the late 1990s to the early 2000s.

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Si vous êtes nés dans les années 70 - 80, vous avez vécu de plein fouet, l'esthétique des années 80. Rappelez-vous, les motifs, les couleurs pop, les dégradés, les ensembles parfois flashy et l'apparence de la modernité. Toute cette esthétique se retrouve parfaitement synthétisée au travers du mouvement Memphis qui a dominé les années 80. De nombreux designers et architectes du monde entier ont contribué au mouvement afin d'échapper aux règles strictes du modernisme. Bien évidemment, ce vocabulaire visuel s'est retrouvé porté par la société de consommation et tous les produits de la vie courante.

Pour mieux comprendre ce mouvement Memphis qui fondé à Milan par Ettore Sottsass (et dans lequel on retrouve Michele De Lucchi, Matteo Thun, Marco Zanini, Aldo Cibic, Andrea Branzi, Shiro Kuramata, Michael Graves, Javier Mariscal, Barbara Radice, Martine Bedin, George J. Sowden, Masanori Umeda ou Nathalie du Pasquier...), ce documentaire signé Vox raconte le parcours d'un courant qui a modifié les codes du design post-Bauhaus en introduisant une gamme beaucoup plus large de couleurs, le motif, l'usage du stratifié dans le mobilier et plus généralement, des formes nouvelles dans les meubles, les luminaires ou les éléments de table.

Catalogue Memphis des années 80

[ télécharger en PDF]

Comprendre le graphisme des années 80

Retenons que que plus de 20 ans après la fin du mouvement, la société Memphis existe toujours. Elle a été rachetée en 1996 et continue de produire de façon artisanale les pièces historiques dessinées par les designers et architectes dirigés par Ettore Sottsass. Cette esthétique n'est donc pas disparue, je la retrouve parfois sous une forme numérique un peu décomplexée que l'on appelle " Brutalisme " qui n'a pas à voir directement avec le courant artistique du même nom mais qui s'inspire de l'univers des années 80 et 90.

Allez, je vous laisse avec...

# data[].attributes.attachment_link.description
Si vous êtes nés dans les années 70 - 80, vous avez vécu de plein fouet, l'esthétique des années 80. Rappelez-vous, les motifs, les couleurs pop, les dégradés, les ensembles parfois flashy et l'apparence de la modernité. Toute cette esthétique se retrouve parfaitement synthétisée au travers du mouvement Memphis qui a dominé les années 80....

# data[].attributes.attachment_link.description
Tryout fonts and see how they render in real-time before you buy. See how typefaces will look like using various sample layouts.

# data[].attributes.attachment_link.description
House 3009 font is an extra-terrestrial based font collection by House Industries.

# data[].attributes.attachment_link.title
Mimigram Packaging by Made Studio | Design & Paper

# data[].attributes.attachment_link.description
Nika Levitskaya, the other half of a Moscow based creative studio Made and an art director extraordinaire specializes in identity and brand development. Her latest project for a mobile printing app Mimigram, on which users can turn their best moments into awesome photo products and receive them in a stylish package, is a great example of the designers' style.