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guernica di Picasso

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storia di Picasso

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Mara Cavò e Sabrina Solimeo

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Blowing In The Wind (Live On TV, March 1963)

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COSTITUZIONE

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Mara Cavò e Sabrina Solimeo

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Curiosità sulla statua della libertà
Alice Di Giorgio

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1) Il 17 giugno 1885 la Statua della Libertà arriva a New York: i 300 pezzi di rame della statua sono contenuti in 214 casse stipate sulla nave francese Isere, che quasi affonda nel mare in tempesta. Era un dono della Francia in occasione del primo centenario dell'indipendenza americana dagli inglesi.

2) Lo scheletro metallico è di Gustave Eiffel, l'autore della omonima torre

3) La parte scultorea è opera di Frederic Auguste Bartholdi che per il volto si ispira a quello della madre Charlotte.

4) Il vero nome della statua, monumento simbolo di New York e degli Stati Uniti d'America, è Liberty Enlightening the World (La Liberté éclairant le monde).

5) La testa era già stata esposta in occasione dell'Expo di Parigi nel 1878.

6) La figura rappresentata è Libertas, la dea romana della Libertà, riconoscibile anche dall'abito, che se fosse realmente realizzato richiederebbe quasi 3500 metri di stoffa.

7) I piedi della Statua, non visibili ai visitatori, calpestano una catena (simbolo dell'oppressione). I sandali che indossa sono lunghi circa 7,6 metri, pari a un 879 di numero di scarpa.

8) In mano ha una tavola sulla quale è riportata la Data della Dichiarazione di Indipendenza Americana (4 Luglio 1776) in numeri romani (che rappresentano la legge).

9) La corona ha sette punte che rappresentano i sette mari o i sette continenti, decorata con 25 gemme (le finestre).

10) La torcia rappresenta la luce della libertà dopo l'oppressione. L'originale è stata sostituita nel 1984 con una ricoperta d'oro.

11) La statua ha funzionato come un faro per 16 anni dal 1886 al 1902.

12) All'interno del piedistallo c'è una targa di bronzo con inciso sopra il sonetto The New Colossus della poetessa Emma Lazarus.

13) Il colore verde di Lady Liberty, che un tempo era marrone, è dovuto alla salsedine che ha ossidato il rame. Nel 1906 la statua era già completamente ricoperta dalla patina spessa circa 2,5 cm.

14) Dopo l'11 settembre, l'osservatorio situato nella corona della Statua della Libertà è stato chiuso per 8 anni.

15) Andy Warhol dipinse varie versioni della Statua. Quella 3D è stata venduta a una cifra record

16) Lady Liberty viene "distrutta" nei film: Independence Day, The Day After Tomorrow e Il pianeta delle scimmie

17) L'epic fail. Nel 2011 le Poste americane hanno stampato un francobollo dedicato alla Statua della Libertà raffigurante il monumento e la bandiera americana. La foto della statua non è però di quella originale, bensì della copia in mostra a Las Vegas. Nonostante l'errorre non si è proceduto a ristampa.

18) La statua è alta 46,84 metri, 93 metri se si considera anche il piedistallo. È la 27 ma statua più alta del mondo e la più alta degli Stati Uniti.

19) La testa è lunga 5,26 metri e larga 3,05 metri. La distanza tra gli occhi è 0,76 metri e la bocca misura 0,91 metri. La sua mano è lunga circa 5 metri, e il dito indice circa 2,33 metri. I sandali sono lunghi 7,6 metri. Lady Liberty pesa 225 tonnellate, 90 sono di rame e 125 sono di acciaio.

20) Per arrivare sulla corona si devono salire 354 gradini. Ogni anno la visitano circa 4 milioni di turisti

Accadde oggi, 17 giugno 1885

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Lo sapevate? 20 curiosità sulla Statua della Libertà

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1) Il 17 giugno 1885 la Statua della Libertà arriva a New York: i 300 pezzi di rame della statua sono contenuti in 214 casse stipate sulla nave francese Isere, che quasi affonda nel mare in tempesta. Era un dono della Francia in occasione del primo centenario dell'indipendenza americana dagli inglesi.

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nel 2016 Alice Di Giorgio

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opera d'arte a Philadelphia
Sofia Marabello

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Si può ammirare a Philadelphia, davanti alla sede degli uffici GSK: Freedom esprime la lotta per la libertà, che viene trasmessa immediatamente da questo corpo imprigionato che a poco a poco si libera, correndo verso il suo futuro.

L'artista statunitense, Zenos Frudakis, è uno scultore figurativo; le sue opere, spesso di dimensioni monumentali, colpiscono per la loro spontaneità dei gesti: così il giocatore di baseball nell'atto di respingere la pallina, o Frank Rizzo (il vecchio sindaco di Philadelphia) che cammina salutando i passanti.

I suoi lavori sono esposti, tra gli altri, ai Brookgreen Gardens, al The Lotos Club di New York, al Utsukushi ga-hara Open Air Museum in Giappone e all'Accademia Americana del Design.

Ecco il video che racconta le varie fasi della realizzazione di Freedom:

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Si può ammirare a Philadelphia, davanti alla sede degli uffici GSK: Freedom esprime la lotta per la libertà, che viene trasmessa immediatamente da questo corpo imprigionato che a poco a poco si libera, correndo verso il suo futuro.

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mostra sui diritti della libertà, Milano 2013
Sofia Marabello

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The Desire for Freedom. Arte in Europa dal 1945 (di Stefano Biolchini) - Il Sole 24 ORE

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Ci sono nel nostro paese, quasi una moda, mostre rassicuranti e dall'estetica "gioiosa", con titoli accattivanti e promesse vane, che ben poco...

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Alice Di Giorgio

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libertà La facoltà di pensare, di operare, di scegliere a proprio talento, in modo autonomo. diritto Dal punto di vista giuridico, per liberta si intende in linea di massima il diritto di ogni individuo di disporre liberamente della propria persona. 1.

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Sofia Marabello

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Sofia Marabello

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La libertà d'espressione
Anna Borrello

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Fino a che punto un artista è libero di esprimersi?
Fino a che punto un'opera d'arte può offendere i sentimenti di alcuni individui, o addirittura di intere comunità?
Queste sono le tre domande che mi sono posto dopo la chiusura della mia mostra "Zeitgeist" a Pietrasanta.
Sono quesiti di non facile soluzione. Tutto nasce dai principi che caratterizzano l'arte moderna, che pone l'importanza della comunicazione al di là della sua rappresentazione. E la comunicazione implica sempre una dimensione di violenza. Essa deve tentare di penetrare dentro la coscienza della spettatore, deve catturare la sua attenzione. L'arte contemporanea esaspera questa dimensione di violenza e di aggressione, verbale o visiva, che è implicita nel nostro stesso linguaggio.
Fin dagli inizi del '900, con le avanguardie storiche, la provocazione è stata un elemento fondamentale dell'arte contemporanea, diventando così un elemento espressivo. Insistere oggi sul fatto che la provocazione sia inutile nell'arte sarebbe come negare una parte della storia del secolo scorso. Il problema, infatti, non è tanto quello di realizzare delle opere gradevoli che ci aiutino a superare le brutture del mondo, quanto piuttosto delle opere che siano importanti per il loro tempo, che riflettano in qualche modo la realtà che le circonda.
L'arte, da sempre, ha dovuto fare i conti con un sistema sociale che tenta di imporre le proprie regole. Ma tutti sappiamo che non esiste arte se non c'è piena libertà di espressione da parte dell'artista. Difatti, molti personaggi della storia dell'arte o della letteratura hanno dovuto subire polemiche, incomprensioni e spesso anche censure e processi, per essere poi riabilitati solo dopo la loro morte. Penso ad artisti, intellettuali o pensatori come Socrate, Piero Aretino, Caravaggio, Galileo, Goya, fino ad arrivare a Oscar Wilde, Egon Schiele e Pasolini. Questo ci deve far riflettere sul fatto che ogni espressione artistica, e in particolar modo le più audaci, tendono sempre a forzare certi canoni, estetici o morali, imposti dalla società, e per la loro forza comunicativa possono toccare alcune corde particolarmente sensibili all'interno della comunità in cui vivono. La storia ha dimostrato che, nella maggior parte dei casi, questi artisti hanno avuto ragione, e se la società si è evoluta, ciò è accaduto grazie anche al loro contributo.
Ho riflettuto a lungo sul perché alcune mie opere scandalizzino e siano oggetto di polemiche. Anche in questo caso la questione è complessa. Ogni società civile è retta da diverse istituzioni. L'istituzione è regolata dalla moralità dei comportamenti umani. Tuttavia, la categoria della morale non ha niente a che fare con l'arte: assolutamente niente. Ecco perché l'istituzione e l'arte sono sempre inconciliabili, tranne quando l'artista si attiene alle direttive che vengono impartite dal sistema istituzionale. Il quel caso, però, parliamo di arte di stato, o di arte di regime.
A tutti quelli che mi hanno domandato cosa significasse la mia opera "La Madonna del Terzo Reich" ho dato delle risposte che apparivano deludenti. Lo leggevo nei loro occhi. Ma quell'immagine ha un elemento fortemente antinomico. Per quanto Hitler sia la rappresentazione più eclatante del Male, è pur sempre una creatura di Dio. La Madonna, quindi, anche in un'accezione cristiana, non può avere paura di Hitler. C'è chi ha visto in quel quadro addirittura un messaggio di speranza. Può darsi che sia vero, come può darsi esattamente il contrario. Del resto, come ho dichiarato più volte, attraverso il mio stile, io frappongo una sorta di distanza tra le mie convinzioni, la mia storia personale e individuale, e il soggetto dell'opera che dipingo. Infatti mi interessa più il tema da trattare, piuttosto che prendere posizione per l'una o per l'altra parte in causa.
Ecco, io credo che l'arte contemporanea si muova sempre sul filo dell'ambiguità. E più un'immagine è ambigua, più riuscirà a suscitare interpretazioni diverse in chi la guarda. Nell'era in cui viviamo non possiamo più aggrapparci ad interpretazioni univoche.
Un altro elemento del mio lavoro che è passato sotto tono, e che invece io ritengo molto importante, è quello della citazione. Nella mie ultime opere c'è un rapporto costante con l'arte del passato, e in particolar modo con il Rinascimento, il Manierismo e il Barocco. Tre momenti storici dell'arte italiana che hanno influenzato la storia dell'arte e della cultura mondiali. Perché questa scelta di guardare al passato? La crisi globale (religiosa, politica, economica, sociale) che sta caratterizzando il nostro tempo ha fatto crollare qualsiasi modello, creando in tutti noi - dunque anche in me, come artista e come uomo - una grande sfiducia verso il futuro. E anche nell'arte si è persa da tempo una certa fiducia nei valori che sono sempre stati la sua base fondante, come la scoperta, la sperimentazione, l'innovazione. Per questo motivo io ritengo, in questo preciso momento storico, che sia più interessante una ricerca che riscopra e rilegga, in chiave contemporanea, certi valori linguistici e formali del passato, piuttosto che un lavoro che ripercorra all'infinito le mille strade degli sperimentalismi linguistici.

LA FUNZIONE COMMENTI SUGLI EDITORIALI E' ATTUALMENTE DISATTIVATA A CAUSA DEI LAVORI SULLA NUOVA PIATTAFORMA
PERCIO' SE QUALCUNO DESIDERA INVIARE UNA SUA OPINIONE LO FACCIA SCRIVENDO A red@arslife.com
PROVVEDEREMO NOI A PUBBLICARLA

Abbiamo ricevuto da Daniela Paola Aglione questo commento pubblicato anche su House Living and Business

14 SETTEMBRE 2010 - LE ALI DELLA LIBERTÀ
Panseca, Kosolapov, Veneziano...
è arte o provocazione?
Libertà d'espressione, l'autore della Madonna
del Terzo Reich si confessa su Arslife

ARTE | Aveva più di 15 anni il castagno che Anne Frank guardava dalla finestra della sua prigione. A fine agosto, oramai ammalato, un forte vento lo ha sradicato. Il proprietario del terreno decide così di renderne immortali le spoglie, inviandone frammenti in ogni qual dove. Uno di questi verrà affidato alle cure gentili, alle attenzioni metamorfiche del nostro Giuseppe Penone, cui è stato affidato il compito di traghettare la materia lignea agli oceani dell'eternità, per il parco artistico Kroller-Müller di Otterlo, in Olanda. Gesto cortese, la provocazione a riposo, sostituita da più confortevoli aure estetizzanti. Confortevoli come il gesto artistico di un Ugo Nespolo - di cui pubblicheremo l'intervista esclusiva che ha rilasciato ieri per HOUSE, LIVING AND BUSINESS Nr.6 - che della patafisica coglie l'aspetto giocoso, che delle contaminazioni con il mondo della moda, dell'arredamento o dell'editoria vuole cogliere quella capacità d'avvicinamento ad un pubblico più vasto. Lo stesso pubblico, più o meno scremato, più o meno sezionato, più o meno intenzionato, che osserva e/o compra e/o frequenta i mondani mondi dell'arte. Tutti in silenzio a seguire le bizze di un Cattelan indaffarato a comprare una moquette rossa, neanche si trattasse di trovare il Santo Graal, a vedersi un Bros (chiamato per l'occasione Davide e non Daniele, Nicolosi ndr.) in prima pagina dal Corriere della Sera del 4 agosto 2010, che ne conclama l'artisticità, a stupirsi per una Chiesa Ortodossa Russa offesa nell'intimo per le opere degli Alexander Kosolapov o dei Blue Noses di turno. Ma come recita il vecchio adagio di La Rochefoucault, Parlar bene o parlar male di una persona, l'importante è che se ne parli. Il sapore cambia quando a parlar di qualcuno lo fa il soggetto stesso. Giuseppe Veneziano parla di sé, firmando un pezzo-confessione-spiegazione-giustificazione su Arslife il 13 settembre 2010. "L'arte, da sempre, ha dovuto fare i conti con un sistema sociale che tenta di imporre le proprie regole. Ma tutti sappiamo che non esiste arte se non c'è piena libertà di espressione da parte dell'artista". Non è stato semplice leggere quel soliloquio ricco di superfici piane e sdrucciolevoli. Mi sono affidata ad una delle tante spiegazioni possibili per quel "sistema sociale", quella del sociologo statunitense del secolo scorso Talcott Parsons: ne Il sistema sociale Parsons definisce il sistema come un insieme interrelato di parti che è capace di autoregolazione e in cui ogni parte svolge una funzione necessaria alla riproduzione dell'intero sistema (fonte Wikipedia). Difficile credere che una qualche entità suprema quale il Veneziano sistema sociale, entri nel sistema dell'arte per dettarne delle regole. Sono forse i soggetti stessi del Sistema dell'Arte che premono nei limiti del proprio potere per convogliare artisti, scambi di mercato, valori da investimento, marketing delle anime, come sottolinea il Giornale dell'Arte nella sua indagine, l'Anticlassifica, stilata tirando le somme delle preferenze dei propri lettori a livello internazionale. Veneziano scomoda dalle tombe Socrate, Piero Aretino, Caravaggio, Galileo, Goya, Oscar Wilde, Egon Schiele e Pasolini per citare alcuni esempi di artisti di "rottura", dimenticandosi comodamente che l'hegeliano concetto di tesi - antitesi - sintesi può avere più campi d'azione, persino la ciclicità evolutiva del pensiero e delle correnti artistiche. Ma Veneziano si ostina nel ritagliarsi un'immotivata redenzione su cui invito alla riflessione: "Ho riflettuto a lungo sul perché alcune mie opere scandalizzino e siano oggetto di polemiche. Anche in questo caso la questione è complessa. Ogni società civile è retta da diverse istituzioni. L'istituzione è regolata dalla moralità dei comportamenti umani. Tuttavia, la categoria della morale non ha niente a che fare con l'arte: assolutamente niente. Ecco perché l'istituzione e l'arte sono sempre inconciliabili, tranne quando l'artista si attiene alle direttive che vengono impartite dal sistema istituzionale. In quel caso, però, parliamo di arte di stato, o di arte di regime". La morale ha a che fare con l'uomo stesso, difficile scinderla dalla sua stessa identità, benché ne segua i cicli storici. La domanda dovrebbe essere piuttosto "quale morale" o più imperfettamente "quali morali" ci accompagnano e la mia domanda sincera che rivolgo a Giuseppe Venziano è quale sia l'arte di regime qui, in Italia, oggi. Non molti sanno che a Milano a maggio si è consumata nel silenzio, alla galleria Antonio Battaglia, Cronache Mitologiche, la personale di Filippo Panseca, "ucciso" - come lui stesso afferma in un'intervista al Corriere della Sera del 23 agosto scorso, per essere stato amico dei potenti (Bettino Craxi, ma anche Silvio Berlusconi) nella Milano da bere, andata di traverso dopo Mani Pulite e quindi considerato artista di regime, quello socialista. Molto rumore per nulla, Veneziano, meglio il pennello che la penna.
di Daniela Paola Aglione

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Filippo Panseca commenta su House Living and Business

21 SETTEMBRE 2010 - TANTO DI CAPPELLO
Panseca, sono io che con Craxi
ho cambiato l'immagine del PSI
Panseca risponde alle provocazioni di Veneziano
e di House, Living and Business sull'arte di regime

ARTE| La Rassegna Stampa Arte di HOUSE, LIVING AND BUSINESS dello scorso 14 settembre, si è aperta con un tono di polemica nei confronti dell'editoriale di Arslife.it del 13 settembre, scritto dall'artista Giuseppe Veneziano. La polemica, in breve, si rivolgeva all'atto giustificatorio proposto al pubblico dall'artista.
Potete leggere i contenuti dell'editoriale di Arslife del 13 settembre 2010 L'arte e la libertà d'espressione di Giuseppe Veneziano e dell'articolo di apertura della nostra rassegna Panseca, Kosolapov, Veneziano... è arte o provocazione? Libertà d'espressione, l'autore della Madonna del Terzo Reich si confessa su Arslife. Il giorno successivo, il 15 settembre scorso, l'artista Filippo Panseca ha pubblicato il link alla nostra notizia sulla sua pagina personale su Facebook ed io lo invitai, qualora lo desiderasse, a lasciare un commento, essendo stato chiamato in causa nel mio articolo. La risposta non si è fatta aspettare, quindi la Redazione di HOUSE decide di pubblicare integralmente ciò che di suo pugno ha scritto Filippo Panseca, con l'auspicio - visti i toni sia nostri che di Panseca stesso - di promuovere un dibattito legato ai contenuti dell'arte, cui invitiamo tanto gli "addetti ai lavori" quanto i nostri lettori a dare un gradito, gradevole e colto continum.
Giuseppe Veneziano scrive: "Ecco perché l'istituzione e l'arte sono sempre inconciliabili, tranne quando l'artista si attiene alle direttive che vengono impartite dal sistema istituzionale. In quel caso, però, parliamo di arte di stato, o di arte di regime". Daniela Paola Aglione risponde sul Vostro sito: "La morale ha a che fare con l'uomo stesso, difficile scinderla dalla sua stessa identità, benché ne segua i cicli storici. La domanda dovrebbe essere piuttosto "quale morale" o più imperfettamente "quali morali" ci accompagnano e la mia domanda sincera che rivolgo a Giuseppe Veneziano è quale sia l'arte di regime qui, in Italia, oggi. (...) Non molti sanno che a Milano a maggio si è consumata nel silenzio, alla galleria Antonio Battaglia, Cronache Mitologiche, la personale di Filippo Panseca, "ucciso" - come lui stesso afferma in un'intervista al Corriere della Sera del 23 agosto scorso, per essere stato amico dei potenti (Bettino Craxi, ma anche Silvio Berlusconi) nella Milano da bere, andata di traverso dopo Mani Pulite e quindi considerato artista di regime, quello socialista".
Mi sembra di capire di essere considerato artista di regime e non ne comprendo il senso. Se la definizione di Artista di regime o di Stato come dice il Veneziano è quando l'artista si attiene alle direttive che vengono impartite dal sistema istituzionale, devo dire che a me non risulta di aver preso direttive da chicchessia per realizzare le mie opere, anzi durante la mia collaborazione con Craxi e con il Partito Socialista a cominciare dal simbolo che diventò un garofano, sono stato io che ho cambiato con un restyling totale l'immagine del Partito ed ho rinnovato il modo di fare i Congressi, inserendo delle videoinstallazioni per coinvolgere i partecipanti agli stessi (parliamo dal 1978 al 2000).
Se a qualcuno non ancora nato in quegli anni non risulta, potrà documentarsi sulla stampa e sui media di quel periodo. Se andiamo a vedere le mie opere di quegli anni invece, nel 1970 inizio a sperimentare e a produrre opere biodegradabili esponendo presso le gallerie di Lucio Amelio a Napoli, Leo Castelli a New York, Lara Vincy a Parigi, alla galleria del Naviglio di Milano, alla galleria dell'Obelisco di Roma ecc. Nel 1975 tento di produrre opere on line, da trasmettere via satellite contemporaneamente in ogni parte del mondo ed eseguo un esperimento riuscito, a Milano con Pierre Restany presso la Rank Xerox, trasmettendo a New York un mio progetto di opera biodegradabile alla libertà in sostituzione della statua della Libertà. Il 17 e il 18 gennaio 1976 il quotidiano La Repubblica offre ai lettori a £. 150 un mio progetto di un'opera biodegradabile tirata in 330.000 copie che occupa lo spazio di una pagina e che rappresenta sia l'opera che la pubblicità della stessa che viene presentata allo studio Soldano di Milano, ripeto l'esperimento sul mensile radicale Prova Radicale e sul settimanle ABC. Nel 1979 a San Francisco elaboro e stampo su tela per trasferimento termico (non esistevano i plotters) le prime immagini con un computer. A Milano nel 1980 costruisco un computer monocromatico e con una telecamera e un digitalizzatore, elaboro una serie di immagini che, stampate, sono presentate alla galleria d'arte del Naviglio di Milano. Successivamente realizzo un computer quadricromatico e continuo la ricerca sulle immagini digitali e fotodegradabili, mentre come designer realizzo e brevetto un contenitore di bevande bicchiere bottiglia in plastica biodegradabile che si sarebbe decomposto senza inquinare l'ambiente durante la sua decomposizione. Se messo in produzione avrebbe eliminato senza inquinare e senza ricorrere a inceneritori dal 1970 ad oggi milioni di metri cubi di plastica prodotti e distrutti in Italia.
Nel 1981 installo una Vittoria Effimera fotodegradabile sulla mano del Napoleone di Canova nel Cortile dell'Accademia di Brera, presso la quale ero docente di pittura. Alla Biennale di Venezia del 1982, invitato, espongo 20 progetti di opere ed una sfera biodegradabile che si consuma dentro la sala senza inquinare fino a sparire completamente profumando l'ambiente con essenze vegetali; di questa opera rimane un video in bianco e nero. Negli anni successivi continuo con le mie ricerche digitali ed ottengo all'Accademia di Brera la prima Cattedra in Italia di Computer Art. Costruisco e brevetto SWART Art o Mat distributore automatico di opere d'arte digitali. Realizzo delle sculture che producono energia fotovoltaica ed eolica indotta ed una piccola City Car 2be che funziona ad energia solare ( www.ecoartlab.com e www.2be.is.it). Le mie ultime opere digitali sono state esposte lo scorso maggio come dice la Aglione alla galleria Battaglia di Milano ma la mostra, non si è consumata nel silenzio se la stessa ha potuto averne informazione dalla lunga intervista che mi ha dedicato il Corrriere della Sera del 23 agosto.
Il mio lavoro non sarà noto al gran pubblico e qualche critico di parte che ha curato l'ultimo padiglione italiano della Biennale di Venezia, nel difendere i suoi padroni (Bondi e C.) ha scritto di tutto e di più sulla prima pagina del giornale Libero che gli ha dato spazio, solo avendo visto delle immagini da foto di Agenzie, tra l'altro confondendo il periodo e gli autori delle opere alle quali mi ero ispirato per realizzarle.
L'arte è scienza, non si improvvisa e non si accontenta di qualunquistiche e superficiali approssimazioni, anzi richiede un duro e sistematico lavoro.
Intanto ho concluso il percorso per la progettazione delle nuove opere digitali realizzate con l'utilizzo del codice QR che permette al fruitore di dialogare con le stesse, con l'uso di un telefonino digitale collegandosi in rete per vedere l'opera in costruzione e tutti i dettagli che sull'opera saranno date durante la realizzazione.
ARTISTA DI REGIME O RICERCATORE? AI LETTORI L'ARDUA SENTENZA.
Filippo Panseca

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Fino a che punto un artista è libero di esprimersi? Fino a che punto un'opera d'arte può offendere i sentimenti di alcuni individui, o addirittura di intere comunità? Queste sono le tre domande che mi sono posto dopo la chiusura della mia mostra "Zeitgeist" a Pietrasanta. Sono quesiti di non facile soluzione.

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La libertà nell'arte
Anna Borrello

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Porre dei limiti all'arte sarebbe come tentare di arginare il mare, di provare a recintare l'universo. L'immaginazione, che è sicuramente alla base della creazione artistica, permette a quest'ultima la libertà di esplicitarsi in una pluralità di forme e modi non contenibili in nessuna maniera, ma giudicabili positivamente o negativamente a seconda dei casi e del gusto personale.

La storia ci insegna che spesso grandi intellettuali hanno dovuto confrontarsi e fronteggiarsi con un sistema sempre attento a porre costrizioni e norme da non oltrepassare, molti sono stati gli eterni incompresi, molti quelli che furono emarginati, talvolta processati e, nel peggiore dei casi, condannati.

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Erano tante le congetture sociali che non consentivano agli artisti di potersi esprimere apertamente e con estrema sincerità. Man mano però che il confine tra arte e vita andava gradualmente assottigliandosi, sempre più frequenti si facevano i pionieri che con le loro opere volevano superare quelle ataviche convenzioni che rinchiudevano l'arte in una torre d'avorio, dove ad essere accolti erano soltanto coloro che si attenevano alle rigide regole accademiche.

È proprio per questo motivo che nel 1863 nasce a Parigi il Salon des Refusés, dopo che la giuria dell'Accademia parigina aveva rifiutato di esporre nel Salon ufficiale più di 3000 quadri, perché ritenuti antitradizionali ed oltraggiosi. Grazie a questa mostra artisti del calibro di Manet, Renoir, Degas, Monet, Pissarro e Whistler ebbero la possibilità di far vedere al grande pubblico la loro produzione, destando scalpore tra la maggior parte dei presenti, che rimase scioccata dai nudi femminili in aperta campagna in compagnia di due giovani borghesi e dalla moderna tecnica pittorica de "Le déjuner sur l'herbe", uno tra i capolavori di Manet.

Fu proprio quest'ultimo ad essere considerato il precursore dell'Impressionismo, celeberrimo movimento pittorico che ruppe i ponti con il passato aprendo la strada alla ricerca artistica moderna, tra le prime autodichiarazioni di libertà nel poter rielaborare la sensazione visiva senza doversi basare su regole pregresse. Ci si emancipa da ogni formalismo per accogliere e metabolizzare il sentimento della natura in maniera spregiudicata e soggettiva, l'artista abbandona l'aria chiusa e ristretta del suo studio per aprirsi al mondo, dipingere "en plein-air".

Possiamo dire che da questo momento in poi diverrà impossibile tracciare dei confini alla libertà nell'arte, che si evolverà tempestivamente dando vita a sempre nuove forme di espressione. Le Avanguardie storiche della prima metà del 900 rappresentano ad esempio un altro taglio netto nei confronti della tradizione: mosse da intenti rivoluzionari e dalla volontà di ribellarsi alla cultura ufficiale, costituiscono un ulteriore passo in avanti per quanto riguarda la posizione dell'artista nei confronti della sua opera e del pubblico che la contempla. Egli non pretende quasi più di essere compreso, ma la creazione diviene una sorta di atto di forza attraverso il quale imporre al mondo la propria esistenza, facendo emergere quell'inquietudine dell'io interiore che freme dal bisogno di dire la sua.

Emblematico in tale clima è sicuramente il , movimento che prefigura un ritorno al grado zero dell'esistenza contestando in maniera radicale ogni tipo di valore, a cominciare dall'arte stessa. Tra le Avanguardie è quella che più mette in crisi l'ambiente culturale internazionale, sconvolge tutte le certezze dando libero arbitrio alla dimensione del caso, del non senso, dell'irrazionale. Tra i suoi maggiori esponenti figura Marcel Duchamp, uno tra i padri dell'arte contemporanea, che con i suoi famosi ready-made (degli oggetti di uso comune a volte rielaborati dall'artista, altre volte semplicemente prelevati integralmente dalla realtà e presentati come opera), compie una straordinaria azione intellettuale attraverso cui l'arte viene privata della sua finalità e caratterizzazione estetica, per configurarsi come un atto puramente psicologico grazie al quale l'artista-demiurgo eleva l'oggetto in una dimensione in cui è arte in potenza, l'atto che lo qualifica è la libera operazione mentale dell'artista.

Sarebbero molte altre le esperienze da menzionare, ma andando avanti con gli anni il panorama si fa talmente tanto ampio e variegato che sarebbe impossibile racchiuderlo a pieno in un articolo. Certamente è però importante citare la figura di Jackson Pollock, artista americano che intorno alla metà del 900 si fa portavoce dell' Action Painting, un tipo di pittura d'azione appunto, che si libera di supporti tradizionali come il cavalletto, rompendo gli schemi spaziali della pittura. La tela viene infatti posta sul pavimento ed il pittore attraverso una sorta di danza sciamanica entra nel quadro sia materialmente che metaforicamente, per riversare sulla sua superficie attraverso sgocciolature di colore tutto ciò che il libero flusso del suo inconscio gli comunica.

Dalla seconda metà del 900 ai giorni nostri la libertà nel poter fare arte s'impone quasi come una prerogativa, un fondamento essenziale. L'emancipazione dai mezzi tradizionali mezzi diviene ancora più radicale e programmatica, non più solo pittura, scultura o installazione, l'artista scende in campo coinvolgendo se stesso nella totalità della sua esistenza, anche il proprio corpo può divenire oggetto artistico. È da questo presupposto che nascono ad esempio la Performance e la , due movimenti in cui l'azione e la relazione con lo spettatore si configurano come materia prima dell'opera stessa. Ma le frontiere dell'arte si estendono non soltanto all'individuo, possono anche arrivare a coprire il paesaggio stesso, trasformandolo in scultura. A partire dagli anni sessanta si diffonde infatti la Land Art, che prevede la realizzazione di mastodontici interventi realizzati direttamente sul territorio naturale, spalancando in tal modo l'orizzonte dell'ideazione artistica in maniera definitiva ed indefinita.

Ed è proprio in questo suo continuo spingersi oltre che si trova l'infinita potenzialità dell'arte, un vero nutrimento spirituale, visivo ed intellettuale che ha la potenza di liberare almeno per un momento l'uomo dal peso della realtà, di librarlo in dimensioni oniriche dove non esistono confini. Perché essere artisti significa innanzitutto essere liberi.

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I confini della Libertà nell'Arte | The Walkman

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La storia ci insegna che spesso grandi intellettuali hanno dovuto confrontarsi e fronteggiarsi con un sistema sempre attento a porre costrizioni e norme da non oltrepassare, molti sono stati gli eterni incompresi, molti quelli che furono emarginati, talvolta processati e, nel peggiore dei casi, condannati.

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Libertà verga
Giorgia Sorrenti

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Giorgia Sorrenti

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freedom house
Giorgia Sorrenti

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Freedom House

Il logo dell'associazione sullo sfondo

Tipo

ONG

Fondazione

1941

Sede centrale

Washington, D.C.

Area di azione

ricerca e sensibilizzazione

Presidente

William Howard Taft IV

Sito web

Rapporto 2016 di Freedom in the world sullo stato della libertà nel mondo nel 2015, una misura fortemente correlata con altri indicatori di democrazia.[1].
Libero (86)

Parzialmente libero (59)

Non libero (50)

I Paesi evidenziati in blu vengono definiti "Democrazie Elettorali" nel rapporto 2016 di Freedom in the world relativo all'anno 2015.[1]

Percentuale di paesi circa l'indicatore di libertà, nel periodo 1973-2013.
Libero

Parzialmente libero

Non libero

Rapporto 2015 di Freedom of the Press sullo stato della libertà di stampa nel mondo nel 2014.[2]
Libero

Parzialmente libero

Non libero

Freedom House è una organizzazione non governativa internazionale, con sede a Washington, D.C., che conduce attività di ricerca e sensibilizzazione su democrazia, libertà politiche e diritti umani. Freedom House pubblica un rapporto annuale dal titolo Freedom in the world ( Libertà nel mondo) che misura il grado di libertà civili e diritti politici garantiti in ciascun paese, un indicatore utilizzato da diverse ricerche di scienza politica. Altri rapporti annuali pubblicati da Freedom House sono Freedom of the Press e Freedom on the Net, che misurano la libertà di stampa e la libertà di internet nel mondo.

L'organizzazione venne fondata da Wendell Willkie, Eleanor Roosevelt, George Field, Dorothy Thompson, Herbert Bayard Swope, e altri nel 1941. Freedom House si descrive come "una voce chiara per la democrazia e la libertà in tutto il mondo". Il gruppo afferma che "la leadership americana negli affari internazionali è essenziale per la causa dei diritti umani e della libertà", e che questo può essere conseguito innanzitutto attraverso le "analisi, azioni di sensibilizzazione e azione" condotte dal gruppo.

Freedom House afferma che:

Recentemente ha dato supporto ai cittadini coinvolti nelle rivoluzioni in Serbia, Ucraina, Georgia e Kirghizistan.

Freedom House riceve circa il 90% dei suoi finanziamenti dal governo federale degli Stati Uniti d'America, assieme a donazioni da altre fonti, quali la Bradley Foundation, la Smith Richardson Foundation, il governo dei Paesi Bassi, la Nicholas B. Ottaway Foundation, la John D. and Catherine T. MacArthur Foundation, la John S. & James L. Knight Foundation, la John Hurford Foundation, ed altri.

Come affermato da Freedom House:

"La libertà dipende in ultima analisi dalle azioni di uomini e donne impegnati e coraggiosi. Sosteniamo le iniziative civiche nonviolente nelle società dove la libertà è negata o minacciata e ci opponiamo alle idee e alle forze che sfidano il diritto di tutte le persone di essere libere. Freedom House funziona come un catalizzatore per la libertà, la democrazia e lo stato di diritto attraverso le sue analisi, azioni di sensibilizzazione e di azione."

Libertà di stampa

Dati di Freedom House sulla libertà di stampa in Italia nel periodo 1980-2013

Freedom House stila anche una classifica degli Stati del mondo in relazione alla libertà di stampa. Fino al 2002, l'Italia era classificata come paese libero. Il livello è stato declassato a parzialmente libero tra il 2003 e il 2005, nel corso del mandato del governo Berlusconi II e III, a causa di "vent'anni di amministrazione politica fallimentare", la controversa Legge Gasparri del 2003 e soprattutto la possibilità per il premier di influenzare la RAI, un conflitto d'interessi tra i più sfacciati del mondo.

Dopo essere stata riclassificata come paese "libero" per quanto riguarda la libertà di stampa nel 2006 e 2007 durante il governo Prodi II, l'Italia è stata di nuovo declassificata a "parzialmente libero" a partire dal 2008 con il governo Berlusconi IV e i successivi governi. L'Italia costituisce una "anomalia nella regione", secondo Freedom House, che riporta nello specifico i crescenti tentativi del governo di interferire con la politica editoriale dei mezzi di comunicazione pubblici, in particolare circa la copertura degli scandali del premier Silvio Berlusconi.

Alcuni critici di Freedom House, tra cui Noam Chomsky, ne hanno contestato la parzialità geopolitica perché riceve fondi dal governo statunitense per perseguire alcuni scopi.

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Freedom House Il logo dell'associazione sullo sfondo Tipo ONG Fondazione 1941 Sede centrale Washington, D.C. Area di azione ricerca e sensibilizzazione Presidente William Howard Taft IV Sito web Freedom House è una organizzazione non governativa internazionale, con sede a Washington, D.C., che conduce attività di ricerca e sensibilizzazione su democrazia, libertà politiche e diritti umani.

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la libertà nel mondo
Giorgia Sorrenti

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Addio libertà: nel mondo cresce la popolazione senza diritti - Wired

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LA LIBERTA' CHE GUIDA IL POPOLO     Alice Di Giorgio

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La carta dei diritti
classe 3c

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I nostri lavori sulla novella