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El motivo por el que elegí el tema del material "Mármol blanco". Es debido a la importancia que tuvo este material en el arte y los diferentes usos que le dieron debido a su composición física.
Sus usos en el arte no fueron solo esculturitas si
no también arquitectónicas, más que todo relevantes para los griegos y romanos.

Por otro lado, me parece curioso el porqué prefirieron este tipo de material para la realización de esculturas y arquitecturas a diferencia de otros materiales. También la curiosidad analizar si el color tuvo un énfasis importante en la elección de este. Debido a que el mármol se encuentra de varias tonalidades diferentes.

Así mismo es llamativo para mí, ver cómo es la reacción del espectador del arte, no solo al ver la obra cómo tal, si no las referencias e interpretaciones que pueden influir o representar el hecho de que esa representación artística sea realizada mediante este material.

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Date: 4500–4000 B.C.
tallado
Dimensiones: H. 8 7/16 in. (21.4 cm)
Periodo: Final Neolítico
Material: Mármol
Referencia:"ARTE",Metmuseum. Acceso el día 02 de Febrero del 2021
.https://www.metmuseum.org/art/collection/search/255417.
Análisis  de la obra:
En esta obra se puede observar claramente que lo esculpido refleja y representa el cuerpo físico de una mujer mediante sus exuberantes caderas, la presencia de busto, aparte de la composición de sus extremidades de brazos y piernas. La pieza no cuenta con una representación de cabeza, manos ni pies.
Un detalle curioso que se puede observar es el bulto inmerso en la zona abdominal, lo que posiblemente reflejaría el vientre de la mujer. Este sería el centro focal de la obra que está notablemente cubierto por sus brazos y denotando una importancia en esta área.

En conclusión y haciendo un análisis más general se puede concluir que la obra es una mujer que aparentemente está en gestación o simplemente el autor quería representar el valor de la gestación en la mujer mediante su fisionomía resaltada por lo desproporcionado e hiperbólico de sus partes.
Finalmente se observa que la escultura tiene unos rasgos de desgaste físico por lo que se podría concluir con su tamaño y forma que es era una pieza de uso manual, ya sea símbolo u amuleto identificativo.

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Unknown Artist (Final Neolithic Period), Marble female figure, c. 4500-4000 BCE.

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Isis with Horus
Autor: No identificado.
Técnica: No identificada.
Dimensiones: H 19.9 × W. 5.1 × D.10.4 cm (713/16×2 41/8 in.)
Fecha:332–30 B.C.
Estilo: No identificado.
Género: No identificado.
Lugar: The Met Fifth.

Análisis:
En la obra se puede observar claramente a una mujer y un bebé el cual está mamando del seno de la mujer la cual le sostiene su seno. En las características de la obra se observa que la mujer está posada en un altar; representado por una piedra de diferente composición y color a la de la obra cómo tal, lo cual le da una representación de valor. detalladamente se observa a la mujer vestida con típico traje egipcia representado por el tocado en cabello o cabeza, unos aparentes rasgos faciales y la vestimenta que cubre gran parte de su cuerpo. Además se puede observar una representación de un objeto simbólico en la corona de su cabeza.  Por otro lado el bebé desnudo se encuentra posado en las piernas de la mujer mamando de su pecho.
Simbólicamente lo que representa la obra es de una mujer importante ( con poder) la cual está con su hij@ en su altar dándole lactancia, es importante resaltar que el bebé también lleva un adorno en su cabeza, por lo que se puede concluir que es su hijo o una persona que representa también un poder, la representación del objeto en la cabeza de la madre podría ser un símbolo divino o la representación de la llegada de algo importante para la civilización.
Por ultimo en las características generales de la obra se observa el foco en la lactancia del bebé a su madre la cual le sostiene su seno mientras sostiene un objeto simbólico en su cabeza y al mismo tiempo está presente en su podio.

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Titulo: Reclining mouflon
Autor: No identificado.

Fecha: ca. 2600–1900 B.C.
Técnica: no identificada.

Dimensions: H. 19.9 × W. 5.1 × D. 10.4 cm (7 13/16 × 2 × 4 1/8
Estilo: no identificado.
Género: No identificado.
Lugar: The Met Fifth

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Título: Marble bowl
Autor: No identificado.
Fecha: ca. 2700–2400 B.C.
Técnica: No identificado
Estilo: No identificado
Género:  No identificado

Dimensiones : Overall: 2 1/4 x 5 3/4 in. (5.7 x 14.6 cm)
diameter 5 13/16in. (14.8cm)

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Griego clásico

Titulo: Estela de tumba de mármol de una niña
Autor: No identificado.
Fecha: ca. 450–440 a. C.
Técnica: Esculpido
Estilo: No identificado
Género: No identificado
Dimensiones: Alto:(80,6 cm)
Ancho (superior): (37 cm)
Ancho (base):131 lb (39,4 × 10,2 cm, 59,4 kg)
Lugar: Museo Worsleyanum 1794

Griego helenístico

Título: El Gálata Ludovisi - Gálata suicida
Autor: No identificado.
Fecha:  230 a.C. y 220 a.C
Técnica: Esculpido
Estilo: No identificado
Género: No identificado.
Dimensiones: altura de 211 cm
Lugar: Museo Nacional Romano del Palacio Altemps

Análisis comparativo:
La obra Estela de tumba de mármol de una niña, la cual
representa el periodo clásico, es una imagen representada con poco movimiento
ilustrado. con detalles simples, como el parado estático en que se encuentra,
la posición de su cabeza y de sus manos firmes. Tampoco se resaltan los
detalles precisos de su cuerpo anatómicamente ni de la vestimenta, la cual no
resalta de su cuerpo ni está inmersa en el aire. Así mismo se observa que en
esta obra las aves no cuentan con ningún detalle ilustrativo al movimiento ni rasgos
detallados, siendo así el punto focal de la obra; La niña besando el ave, sin
realizar una mayor representación simbólica.
La obra El Gálata Ludovisi, el cual representa el
periodo Helenístico tiene una representación más realista en cuanto a los detalles
precisos de la anatomía de los cuerpos, las posiciones y proporcionalidad-
simétrica. Por otro lado, se puede que la obra cuenta una imagen ilustrada al
movimiento mediante las posiciones de los cuerpos y sus detalles afinados,
siendo el hombre el que se encuentra en una posición de movimiento abrupto y la
femenina con movimientos más delicados y suaves reflejando el estado agonizante
y el hombre en un estado amenazante. También hay que tener en cuenta que la
vestimenta cumple una labor bastante realista al ser inmersa en el cuerpo y en
el aire, resaltando el realismo del momento.

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Titulo:Estatua de mármol del llamado Atleta Stephanos
Autor: No identificado.
Fecha: finales del siglo I a.C. o siglo I d.C
Técnica: Esculpido
Estilo: No identificado
Género: No identificado
Dimensiones: H .: 109,9 cm (43 1/4 pulg.)
Lugar:  En exhibición en The Met Fifth Avenue en Gallery 162.
Referencia:"ARTE",Metmuseum. Acceso el día 23 de Febrero del 2021.
https://www.metmuseum.org/art/collection/search/255120?searchField=All&amp;sortBy=Relevance&amp;what=Marble&amp;ft=romano&amp;offset=0&amp;rpp=20&amp;pos=13

Análisis Visual:
En esta obra Romana se puede observar la representación de un hombre atlético, de contextura delgada con la ausencia de sus extremidades y al desnudo, en la obra se presentan rasgos faciales y corporales bastantes realistas, propios de su anatomía.
En cuanto a la luz en la obra se encuentran varías sombras dadas por la representación realista de la anatomía en sus curvas y sobresalientes, la cual le da a la obra un aspecto  más de realismo.
En el marco general se denota que la obra quiere representar a un hombre atlético a su desnudo natural, sin un foco en especial que quiera resaltar el autor, si no, algo más dado al hombre común.

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Titulo: Sarcófago del Buen Pastor.
Autor: No identificado
Fecha: Siglo lll
Técnica: Esculpido
Estilo: No identificado
Género: No identificado
Dimensiones: No encontrado .)
Lugar:  Museo de Louvre.
Referencia: Museo de louvre. Acceso el día 02 de Marzo del 2021.

Análisis visual:
En  la obra se observa la representación de un hombre en un entorno abierto acompañado de tres ovejas, de las cuales una posa sobre su hombro de la mano sujeta y con la otra mano lleva la posible representación de la lana de estas. La vestimenta ligera hace alusión a que es un aviador o un caminante, por otro lado al estar a acompañado de las ovejas se puede aludir que es un pastor.
Dentro de las características formales no se observa una representación realista de la imagen debido a que los detalles y la proporcionalidad de las figuras. Por un lado no se observan detalles ni proporciones anatómicas en el pastor, ni un movimiento ilustrado en ella ni en ninguna otra figura. En el entrono del foco de la obra se encuentran las figuras secundarias que son las ovejas, las cuales hacen parte de la escena ya que están observando al pastor y se encuentran  apegados a el.
Por ello se puede concluir que el tema al que hace Alison la obra es a la de una admiración y devoción al llevar y guiar a sus ovejas en su camino, ya que ellas lo observan y lo siguen, así las lleve de su mano. Esto quiere decir que la obra es un símbolo espiritual para el que ve en ella una representación divina de su adoración y guía espiritual..

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Titulo: Orfeo
Autor: No identificado
Fecha: Siglo IV
Técnica: Esculpido
Estilo: No identificado
Género: No identificado
Dimensiones: No encontrado.
Lugar:  Museo Bizantino de Atenas BXM 1.
Referencia: Atenas. Museo Bizantino. Acceso el día 02 de Marzo del 2021.

Análisis visual:
La obra está ilustrada por un conjunto de imágenes las cuales tienen como centro focal representada por un humano masculino. En el entorno del foco se encuentran figuras que representan diversos animales y otras que podrían ser seres mitológicos cómo lo son el fénix encima que posa en su cabeza. La mayoría de estas criaturas apuntan hacia el centro focal. Estas criaturas no representan una morfología proporcional.
Por otro lado el centro focal se podría comparar con un hombre el cual está sentado en una especie de altar, vestido con ornamentaría distinguida de Grecia, pasa en su pierna un instrumento que similar a una lira la cual está simulando tocarla.
en un morco general, la obra no cuenta con características que
simulan el movimiento y el realismo, esto basado en la filmología y dimensiones morfológicas, por otro lado no hay representación al movimiento ni a dimensiones resaltantes.
Por lo anterior se podría concluir que la obra es una representación de un ser mitológico que era identificado por su instrumento musical y el cual tenía una relación muy cercana a los animales y bestias. Esto es un símbolo divino o espiritual para los creyentes que puedan captar el significado simbólico que este representa.

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Titulo: El sarcófago de doña Blanca de Navarra en Santa María la Real de Nájera.
Autor: No identificado
Fecha: 1156 y 1158
Técnica: Esculpido
Estilo: No identificado
Género: No identificado
Dimensiones: No encontrado.
Lugar: Panteón de Infantes del monasterio de Santa María la Real de Nájera, en la Rioja.
Referencia: http://www.santamarialareal.net
Análisis visual:
Características formales:
En una vista amplia de la obra, se observa que hay dos individuos representativos los cuales posee alas en su espalda, lo que se puede concluir que son la representación de ángeles que simbolizan la divinidad para la religión, los cuales no diferencian una sexualidad definida, por otro lado, en la parte inferior se observa una persona, el cual tampoco se le diferencia sexualidad alguna, si no por sus labios gruesos y perfil de cara más fileño que el de los ángeles. Esta está acostada en lo que podría ser una cama o camastro cubierta por un tejido (cobija).
En principio se observa que la obra direcciona la mirada al elemento central de obra el cual es el pequeño humano desnudo, sin sexo identificado y con una pose algo erguida.  Sujetado por los ángeles y a la centralidad superior del abdomen de la persona que se encuentra acostada y arropada en su lecho.
Por lo anterior se puede concluir que lo que quería representar la obra es el nacimiento de un ser humano común, pero que al mismo tiempo está siendo recibido por los ángeles lo cual es una divinidad queriendo simbolizar el acompañamiento divino religioso desde el nacimiento del ser humano. Por concluyente la persona que está en el lecho es su madre.

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Titulo: Iglesia de Saint-Étienne

Autor: No identificado

Fecha: Siglo XI (1063 y 1097)
Técnica: No identificado
Estilo: Romántico
Género: No identificado
Dimensiones: No encontrada
Lugar:  Francia
Referencia: https://web.archive.org/web/20141007054613/http://www.nevers.fr/st-etienne
Análisis Visual:

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Titulo: Las Vírgenes prudentes
Autor: No identificado.
Fecha: 1250
Técnica: Esculpido
Estilo: No identificado
Género: No identificado
Dimensiones: No encontrada
Lugar:  Catedral de Magdeburgo
Referencia: wikipedia.org, ThreeWiseVirginsMagdeburg.jpg
https://commons.wikimedia.org/wiki/File:ThreeWiseVirginsMagdeburg.jpg
Análisis Visual:
Características formales:
En la obra se observa claramente la representación de  tres mujeres, las cuales está posicionadas en una dirección frontal diferente.
Las tres mujeres se encuentran en la misma pose visual, sosteniendo con una mano un recipiente del tamaño de sus manos, la diferencia está en la mujer central, la cual tiene su otra mano en el vientre y una especie de manto o tela en la misma mano en la que sostiene el recipiente, en cambio las mujeres laterales se encuentran con la otra mano sostenida de su vestidura en la parte del pecho está. Las tres además de sus vestiduras usan una corona en sus cabezas, sus cabellos tienen la misma forma y longitud, en sus muñecas llevan pulseras y brazaletes en sus muñecas.
Los gestos faciales de las tres mujeres son similares más sin embargo se observan pequeñas diferencias en los rasgos faciales lo cual le da una identidad de diferencia a las tres mujeres, es decir que a pesar de las grandes semejanzas entre las tres se puede apreciar que son representaciones de mujeres diferentes. Otra de las diferencias visuales que se pueden apreciar son el pedestal en que están soportadas cada una de las obras, debido a que  su forma y dimensiones son diferentes se podría suponer que la importancia que tenía cada una de las mujeres representadas era diferente, al estar la mujer central en un pedestal y a un nivel más elevado se podría ver como de mayor importancia.
Detallando la obra en general se puede observar que existe una representación de movimiento en toda la obra, representada por las vestiduras de cada una de las mujeres la cual tiende a inclinarse a la izquierda, a causa de la simulación del viento, así mismo los bultos y matices que hay en la vestimenta le dan realismo a la obra, sin embargo, las vestiduras ocultan lo que hay debajo de ellas y no se puede apreciar la fisionomía de las mujeres.

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Titulos: Crocifisso y

Hombre con turbante rojo

Autores: Cimabue y Van Eyck Jan
Fechas: 1268-71 y 1433
Técnicas: tempera on wood y Oleo sobre tabla.
Estilos: Renacimiento Italiano y Pintura Flamenca
Géneros:
Dimensiones: 336 x 267 cm y 25,8 x 18,9 cm.

Lugares: San Domenico, Arezzo  National Gallery de Londres.
Referencias: http://www.travelingintuscany.com/arte/cimabue/arezzocrucifix.htm
y
https://www.artehistoria.com/es/obra/hombre-con-turbante-rojo.
Análisis visual:
En las características formales Ya que se sabe de ante mano que las dos obras fueron realizadas a mano con un pincel  más sin embargo los materiales en los que son realizadas las obras de madera y tabla respectivamente comprenden las diferencias detalladas sobre la obra como lo son también el material la tempera y el oleo en ellas, más sin embargo el pincel con la que fueron realizadas es un poco deducible respecto a la pintura. Esto hace que las obras tengan diferencias notables en el modo en que realizan la pintura y el resultado notable de esta, por ejemplo, en la obra del Crocifisso se observan maras propias de la madera en forma de pequeñas grietas formadas a lo largo de la obra, de la que posiblemente con los años se ha hecho más notable en la pintura, más sin embargo en la obra del Hombre con turbante rojo realizada en tabla no se observa ninguna marca que resalte las características propias de la tabla por lo que solo da pie a un análisis neamente pintoresco. Por otro lado, en la pincelada de las obras se observa que en el cristo resalta en su mayoría una característica propia del autor, la cual es la pincelada curva, realizando casi en su totalidad una concavidad gruesa, esto también hace que se le denota una ligera profundidad y una curvatura excesiva en el cuerpo de la obra. Muy seguramente la realizó con un pincel relativamente grueso relacionado también con el tamaño de la obra. En la obra del Hombre con turbante se observa que la pincelada es demasiada tenue, no se alcanzan a observar un asentamiento del pincel, debido a los pequeños detalles a lo largo y ancho de la obra, con colores más llamativos a diferencia del cristo, no se denota una trayectoria de la pincelada y el movimiento acentuado es demasiado corto por sus minúsculos detalles. Por último, la composición de la pintura caracteriza una pintura uniforme, compacta, tenue y ligera, sin embargo en el cristo se observa una pintura más densa, con colores más opacos y compactos.

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Titulo: Busto del rey Felipe II de España
Autor: Pompeo Leoni
Fecha: segunda mitad del siglo XVI
Técnica: Esculpido
Estilo: No identificado
Género: No identificado
Dimensiones: Altura = 85 cm; Anchura = 70 cm; Profundidad = 36 cm
Lugar: Museo Nacional de Escultura
Referencia:
http://ceres.mcu.es/
Análisis visual:
Características formales:
En esta escultura el autor representa el retrato del rey Felipe II con el detalle realista que lo caracteriza, en la obra se pueden observar detalles tales como las arrugas en su piel y en sus vestimentas, las cuales son representadas por resaltantes y orificios las cuales forman sombras que asemejan a la realidad. Por otro lado, en los artículos o materiales utilizados en la obra, los cuales simbolizan el poder y el estatus del individuo ante la sociedad como la gorguera en su cuello, los rasgos físicos detallados en la obra como su bigote, sus arrugas y gestos en su rostro, son la principal característica que quiso implementar el autor en la obra para representar la imagen real de dicho personaje el cual pudo servir de representación, acuerdo o símbolo del poder adquirido por el individuo representado.

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En esta obra, realizada con humor que representa La obra de Diego Velázquez, específicamente a la niña la cual es la figura más representativa de la obra de Velázquez y de la cual han realizado tantas críticas, en este caso, en la imagen se ve representada la niña, debido a que hay quienes piensan o suponen que el lienzo resaltado en la obra real es puesto para que el que interprete la obra, observe una representación real o casi fotográfica de como se ve ese momento en especifico el espacio, los objetos y los individuos representados en ella desde otro punto de vista del artista. . Se observa cambios físicos en la imagen, más precisamente su boca y su seño en la frente, la cual reflejan en ella unos gestos de inconformidad, disgusto, rareza, desconsuelo, ente otros.. esto debido a que si la interpretación del autor de la imagen pudo haber sido de desconformidad por el marco espacial en que se encuentra la niña y lo que representa en su sociedad, a su corta edad el poder y la influencia en el entorno es tal que es obligada a seguir una alineación jerárquica y de glamour frente a los de las otras clases sociales, en la actualidad es tan mal visto esto que es por ello que le han hecho burla a esta niña la cual no solo se siente obligada, si no que se mete en un papel de egocentrismo y divinidad, lo cual es demostrado contrariamente con la imagen o meme.

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Titulo: Psique reanimada por el beso del amor
Autor: Antonio Cánova
Fecha:1786-1793
Técnica: Tallado
Estilo: Neoclásico
Género: Mitológico
Dimensiones: 155 x 168 cm.
Lugar: Museo del Louvre, París, Francia
Referencia: https://www.louvre.fr/es
Análisis visual:
Características formales:
En la obra se puede observar dos individuos aferrados sutilmente de manera física, el masculino es un ángel, el cual lo representan sus grandes alas proporcionalmente ajustadas a su dimensión corporal simuladas con plumas y en dirección vertical, lo que refleja una posición de inercia contra el viento, dado que se puede concluir que el ángel está aterrizando, esto lo demuestra así mismo la posición de una de sus piernas amortiguadas y aplicando una fuerza leve conta el suelo y la otra soportada en el suelo reflejando una inclinación en dirección a la mujer, por otro lado el ángel con rostro y cuerpo de humano se encuentra tomando sutil mente la cabeza de la mujer con una mano y cargando parte de  su cuerpo con la otra, pasando su brazo transversalmente por el pecho de ella.
La mujer, representada físicamente como una persona de contextura delgada, con una flexibilidad, una cabellera larga y rasgos faciales finos. Se encuentra en un estado sollozada en el suelo de forma lateral y fijando su mirada directamente a los ojos del ángel, por otro lado, sus brazos arqueados y sus manos  ligeramente reposadas en la cabeza del ángel.
De manera general se observan detalles minuciosos  y realistas en los objetos representados en la obra como: los cabellos, las plumas, los rasgos faciales, el doblez de la tela, la fisionomía proporcional y estética en ambos personajes y la simulación del movimiento en los ámbitos naturales donde se encuentran.
Esta obra simboliza la atracción entre el ángel y la mujer, dos criaturas distintas y semejantes representativamente que se desean y que las une algo más que lo netamente visual en la obra.

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Titulo: Le Baiser
Autor: Auguste Rodin
Fecha:1840–1917
Técnica: Tallado
Estilo: Impresionista
Género: Romántico
Dimensiones: 1822 × 1219 × 1530 mm, 3180 kg
Lugar: Tate Modern, Londres (Reino Unido)
Referencia:https://www.tate.org.uk/art/artworks/rodin-the-kiss-n06228
Tema:
El autor ideó este tema de la escultura para sus Puertas del Infierno. En principio representaba a Paolo y Francesca, dos personajes de La Divina Comedia de Dante, que fueron asesinados por el marido de la chica al sorprenderlos besándose.
Es curioso ver de parte del autor como el identifica un tema tan contrapuesto a lo que se trata el Infierno de Dante, por lo que puede llegar a convertirse en un dilema atrapado de otra obra de arte. Sin embargo Rodin reflejó en su obra todo lo contrario, es decir, sentimientos como la felicidad, sensualidad, tomado desde la desnudes, poses y caricias. La pasión del beso hace al público espectador de la intimidad del momento, vistos a los dos como un solo miembro unido por el deseo diferenciadas por la textura y el naturalismo del diseño de sus cuerpos y el de la roca sobre la que posan los dos.

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Titulo: Tête de femme
Autor: Pablo Picasso
Fecha:1931-1932
Técnica: Tallado
Estilo: cubismo
Género: no identificado
Dimensiones: 128,5 x 54,5 x 62,5 cm
Lugar: muse e picasso paris
Referencia: https://www.navigart.fr/picasso.
https://www.museepicassoparis.fr/fr/la-collection.
Tema y función: En el año 1930 Picasso compró un Castillo llamado Boys club cerca ahí swords el cual contenía amplios patios el cual convirtieron en un taller para el artista creando así un ambiente inspirador a nuevas experiencias plásticas en espacio y formato. en este lugar fue donde nació la inspiración creativa y se materializó en la figura de Marie-Thérèse Walter, la cual era una joven enamorada que había entrado recientemente al amorío de Picasso.

Es allí donde comienza con la representación de esa mujer de una forma metamórfica que son representadas con diferentes formas y un diferente formato del habitual. la obra consiste en las representaciones vio mórficas con la construcción de una porción de cuerpo orgánico. El lenguaje que se aprecia de esta obra es basado por las proporciones y lineamientos curvos de su frente y su nariz prominente además de su pecho, las cuales le dan una interpretación de la obra de sensualidad. Por otro lado, se tiene en cuenta la vida de la labor del artista según las modificaciones plásticas realizadas ahora a su voluntad tiene equilibrio de sus partes entre sí creando zonas vacías y partes sólidas, creando así una apariencia abstracta de la obra.  Además de esto se dice que el lugar (el taller) donde se encontró la hora juega un papel muy importante para la visualización y representación de la obra con la luz y la iluminación impuesta en escena, la cual crea sombras desplegadas sobre las superficies, que en este caso es el yeso.

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Titulo: Figure on Bed with Camera and Weapons
Autor: THOM PUCKEY
Fecha:2013
Técnica: Tallado
Estilo: Performance
Género: No identificado
Dimensiones: 206 x 104 x 77 cm
Lugar:  Museum Kranenburgh Bergen
Referencia: https://www.thompuckey.com/index.php/works/2013-figure-on-bed-with-camera-and-weapons/
Tema:
Thom Puckey es influenciado  por el movimiento del accionismo en el cual estuvo como artista performance en los años 70. Lo cual le dio al artista la posibilidad crear obras de manera expresiva corporales con el uso de modelos vivos, ahí es donde el artista trate al modelo como verdadero performance en dos sentidos los cuales identifican a Puckey, y es la posibilidad que tiene el cuerpo de encarnar con una posibilidad expresiva representando un papel mediante su desnudez, acompañado de símbolos de guerra como armas de fuego o corto punzantes, las cuales crean un doble sentido o un trasfondo en sus obras haciéndolas llamar imágenes tridimensionales.

Aunque esta hora es especial debido a el autor representa símbolos en una misma imagen como una cámara, una cama, muchas de casi su tamaño, las cuales representan el poder destructivo de estas y una mujer desnuda. Aunque la mujer yace al revés de la cama estirando los brazos hacia arriba para hacerse un retrato de sí misma la cámara está jugando un papel de un arma debido que para el autor disparar una foto puede ser comparado con disparar un arma, es decir que le da un poder al dueño de la foto que representa la fisionomía y el momento llegando al punto de hasta apoderarse de ti. Sin embargo, en la obra se representa la foto como un espejo, dándose ese poder a sí misma y al momento.

Lo anterior crea una paradoja donde la cama es un lugar arriesgado e íntimo, la joven representa la vulnerabilidad en su desnudez y en su juventud, las armas como el peligro del mundo exterior y la cámara de disparar fotos como autorreflexión.
Bibliografia:
https://www.thompuckey.com/
https://www.anniegentilsgallery.com/thom-puckey

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Con esta presentación de manera cronológica quise representar algunas características propias de cada estilo o movimiento de las obras que seleccioné y otras características, estas iban ilustradas de gifs, movimientos y símbolos los cuales representan estas características de las esculturas en mármol, el cual fue un material presentes y muy representativo en toda la historia del arte.

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Historia del Arte - Presentation (16:9) by Mateo Ayala Peña