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El grabado tuvo una evolución semejante. Incluso sin genios como habían sido años atrás Durero o Mantegna, o posteriormente Ribera o Rembrandt, el oficio se asentó a través de la actividad de figuras menores, que se dedicaban más bien a la copia y reproducción de pinturas que a la creación. Se desarrolló una técnica impecable y una gran sensibilidad en la resolución de las serias dificultades inherentes al género de la copia. Éste fue un periodo de extraordinaria actividad grabadora, solamente comparable a los siglos de la Edad Contemporánea.

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El disegno ("dibujo") se estableció como algo más que una mera función subsidiaria para las obras pictóricas, escultóricas y arquitectónicas. A mediados del siglo XVI ya era considerado un arte con categoría autónoma y los dibujos obras de arte con valor propio, resultado acabado de la tarea de artistas como Pontormo, Parmigianino o Tintoretto.

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Artistas (Pintura, Escultura y Arquitectura)

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Artistas (Pintura, Escultura y Arquitectura)

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Entre los artistas de esta época y estilo sigue habiendo artistas completos ("humanistas" que destacan en múltiples ámbitos del arte), como los citados Benvenuto Cellini o Giorgio Vasari; pintores como Andrea del Sarto, Beccafumi, Correggio, Rosso Fiorentino, Pontormo, Bronzino, Parmigianino, Bassano, Tintoretto, Arcimboldo, Veronés, Federico Zuccaro o los Carracci; escultores como Jacopo Sansovino, Baccio Bandinelli, Juan de Bolonia (Giambologna) o los Leoni; y arquitectos (casi todos ellos también escultores o pintores) como Giulio Romano, Sebastiano Serlio, Jacopo Vignola, Bartolomeo Ammannati, Andrea Palladio, Pellegrino Tibaldi, Giacomo della Porta o Bernardo Buontalenti.

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La época coincide con la extensión de la influencia del Renacimiento italiano por toda Europa occidental, de modo que el Renacimiento español o el Renacimiento nórdico se solapan temporalmente con el Manierismo español y el Manierismo nórdico.

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Manierismo es la denominación historiográfica del periodo y estilo artístico que se sitúa convencionalmente en las décadas centrales y finales del siglo XVI (Cinquecento en italiano), como parte última del Renacimiento (es decir, un Bajo Renacimiento). Su caracterización es problemática, pues aunque inicialmente se definió como la imitación de la maniera de los grandes maestros del Alto Renacimiento (por ejemplo, el propio Tintoretto pretendía dibujar como Miguel Ángel y colorear como Tiziano), posteriormente se entendió como una reacción contra el ideal de belleza clasicista y una complicación laberíntica​ tanto en lo formal (línea serpentinata, anamorfosis, exageración de los movimientos, los escorzos, las texturas, los almohadillados, alteración del orden en los elementos arquitectónicos) como en lo conceptual (forzando el decorum y el equilibrio alto-renacentistas, una "violación de la figura"),​ que prefigura el "exceso" característico del Barroco. Por otro lado, también se identifica el Manierismo con un arte intelectualizado y elitista, opuesto al Barroco, que será un arte sensorial y popular.​ Considerado como una mera prolongación del genio creativo de los grandes genios del Alto Renacimiento (Leonardo, Rafael, Miguel Ángel, Tiziano) por sus epígonos (como los leonardeschi), el Manierismo fue generalmente minusvalorado por la crítica y la historiografía del arte como un estilo extravagante, decadente y degenerativo; un refinamiento erótico​ y una "afectación artificiosa" cuya elegancia y grazia no fue apreciada plenamente hasta su revalorización en el siglo XX, que comenzó a ver de forma positiva incluso su condición de auto-referencia del arte en sí mismo.

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La escuela veneciana fue un conjunto de movimientos artísticos, de corte esencialmente pictórico, que se desarrollaron en la región de la República de Venecia, expandiéndose luego al resto de Europa. Sus principales representantes son Vittore Carpaccio, los hermanos Antonio y Bartolomeo Vivarini, Gentile y Giovanni Bellini, Giorgione, Tiziano, Tintoretto, Jacopo Bassano, Paolo Veronese, Gianbattista Tiepolo, Francesco Guardi (y hermanos) y Canaletto.

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Tiziano continúa los retratos femeninos, en el marco de una obra rica, voluptuosa, con que recurre a las mitologías y de bacanales. Tiziano, en efecto, incluye una constante hasta entonces ajena a la pintura veneciana, y es el neto influjo español, representado por sus ilustres clientes Carlos I y Felipe II. Debido a su longevidad e influencia, es a veces difícil conciliar su obra en una sola descripción. Sus retratos y paisajes le dieron fama, siendo asimismo especialista en escenas mitológicas y cuadros de temática religiosa

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El retrato fue uno de sus géneros predilectos y casi obligados. Al perfil tipo Bellini y Pisanello seguirían la pose tres cuartos de perfil de Antonello y la frontalidad del periodo del esplendor, que comienza con la devoción a la belleza de Giorgione y Vincenzo Catena. Si en determinadas composiciones religiosas de uno y otro las diferencias de inspiración son mínimas, Giorgione discurre temas de no siempre claro simbolismo, como La tempestad o Los tres filósofos, prolongado en obras como Venus dormida o Concierto campestre el paganismo y orientalismo veneciano, antes sólo latente.

En este periodo sobresale Palma el Viejo, cronista de la belleza femenina, con obras destacas como Santa Bárbara de Santa María Formosa, de Venecia, o la Eva del Museo de Brunswick. Es asimismo relevante Sebastiano del Piombo, que, si romano por la mayor parte de su gestión, nunca puede desmentir su nacimiento y su educación en Venecia. Completan la lista de figuras de este periodo Palma el Joven, Bonifazio Veronese y Pordenone.

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Giovanni Bellini (1431?-1516), fue un famoso maestro, de cuyo taller saldrían los más renombrados pintores del Cinquecento veneciano, como Giorgione y Tiziano. Él es quien enseñará a la siguiente generación de artistas a utilizar los esquemas de color para armonizar el cuadro. En 1505 pintó una Madona con santos como retablo de altar para la Iglesia de San Zacarías. La densidad y riqueza de los colores impresiona vivamente; una cálida luz inunda el ábside en el que la Virgen, sentada en su trono, sostiene al Cristo niño en sus brazos, mientras éste bendice a los fieles. Al pie del trono un ángel toca el violín; a ambos lados las figuras de san Pedro, con su llave y su libro; santa Catalina, con la palma del martirio; santa Lucía y san Jerónimo, el erudito que tradujo la Biblia al latín, representado leyendo un libro. Bellini, aun utilizando una distribución simétrica, tradicional en este motivo iconográfico, logra dar vida a las figuras, otorgándoles diversas características individuales a cada una, como en la vida real. Nada queda de la rigidez con que tantas veces había sido tratado el tema (ver la Madona de Todos los Santos de Giotto); la Virgen y los santos expresan vitalidad sin que se disminuya su carácter sagrado ni su dignidad. La placidez de la escena los baña de vida terrenal y a la vez, los ubica en un mundo superior, bello, fervoroso, por la luz sobrenatural que invade el cuadro.

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Esta escuela se desarrolló con relativa independencia respecto a las tendencias dominantes en otros lugares. Las características de Venecia, cosmopolita, acaudalada y volcada al intercambio, fueron un factor determinante. Sus particularidades urbanas y su belleza arquitectónica fueron asimismo parámetros centrales de los intereses estéticos de la escuela, que pintaron y evocaron sus espacios en varias de sus obras.

Fue asimismo determinante la relativa tranquilidad de la ciudad, pues la Serenísima República no padeció confrontaciones, como las luchas internas de Florencia, y gozó de una sólida independencia hasta los tiempos napoleónicos.

Madonna con santos
Giovanni Bellini