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Mouvement de danse C, conçu c.1911 | Auguste Rodin

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Mouvement de danse C, conçu c.1911 | Auguste Rodin Imprimé avec souci du détail sur une véritable toile de peintre

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Depuis sa rencontre avec Marie-Thérèse Walter, Picasso introduit dans ses peintures un nouveau langage pictural. Représentée à l'aide de formes simplifiées et de volumes arrondis, Marie-Thérèse est reconnaissable à ses cheveux blonds et à ses deux seins bien ronds. Assise dans un fauteuil, à la manière des portraits classiques, elle regarde devant elle. Bien que l'on sache que Picasso peignait plutôt de mémoire et sans séance de pose, faut-il imaginer qu'elle fixe le peintre dans l'atelier ou a-t-elle plutôt le regard perdu dans le vague, distraite de la lecture dans laquelle elle était plongée ? La confusion des plans entre le corps, le fauteuil et le cadre transparent, opère une fusion des différents éléments du tableau: cette juxtaposition des plans qui crée une nouvelle perspective est typique de la réinterprétation du cubisme par Picasso dans les années 1930. Un axe vertical sépare le tableau: l'alternance des nuances violette, vertes, rouges et jaunes crée un relief dans la confusion des volumes et participe à l'effet vaporeux de la rêverie littéraire.

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Depuis sa rencontre avec Marie-Thérèse Walter, Picasso introduit dans ses peintures un nouveau langage pictural. Représentée à l'aide de formes simplifiées et de volumes arrondis, Marie-Thérèse est reconnaissable à ses cheveux blonds et à ses deux seins bien ronds. Assise dans un fauteuil, à la manière des portraits classiques, elle regarde devant elle.

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Auguste Rodin Homme qui tombe, 1882, 43×58 cm : Descriptif de l’œuvre

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Auguste Rodin Homme qui tombe - une des nombreuses œuvres de l’artiste. Informations détaillées et descriptif de l’œuvre à lire sur Artchive.

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Henri Matisse
(1869, France - 1954, France)

La Tristesse du roi

Domaine
Dessin

Technique

Papiers gouachés, découpés, marouflés sur toile

Dimensions

292 x 386 cm

Acquisition

Achat de l'Etat, 1954
Attribution, 1954

N° d'inventaire

AM 3279 P

Artiste

Henri Matisse
(1869, France - 1954, France)

Titre principal

La Tristesse du roi

Domaine
Dessin

Acquisition

Achat de l'Etat, 1954
Attribution, 1954

N° d'inventaire

AM 3279 P

Dès avant sa présentation au Salon de Mai en 1952, Georges Salles, directeur des Musées de France, avait signalé avec enthousiasme le grand panneau du Roi triste 1, vu dans l'atelier de Nice, à Jean Cassou, qui avait aussitôt engagé la négociation en vue d'un achat éventuel pour le Musée national d'art moderne. Cette négociation durera plus d'un an; le panneau est attribué au MNAM à la fin de l'année 1953 et aussitôt installé dans le hall du musée, au-dessus de l'escalier2.

Cette grande composition se rattache vraisemblablement à un thème biblique, mais s'agit-il d'une image liée au Cantique des cantiques (que Matisse songeait à illustrer à l'époque), ou bien de Salomé dansant devant Hérode ?

La Tristesse du roi est avant tout une réflexion sur la vieillesse et la mémoire : " Titien, Poussin et, admirés de Matisse, Rembrandt et Renoir ont connu "ce jeu de la fin de la vie". La Tristesse du roi (1952) est non seulement l'équivalent plastique des réflexions sur la vieillesse qui finalement furent retirées de Jazz mais un hommage au peintre de David et Saiil " rappelle ajuste titre Pierre Schneider3. En dépit de l'audace jubilatoire avec laquelle Matisse utilise " en grand " sa technique de gouache découpée, La Tristesse du roi serait donc selon cette interprétation, un classique et dernier autoportrait du peintre en vieillard, au milieu des " voluptés calmes [...] de l'azur, des vagues, des splendeurs " énumérées par Baudelaire dans La Vie antérieure.

L'année 1952 apparaît comme l'une des plus productives dans le domaine de la gouache découpée, Matisse cultivant cette année-là dans son atelier-jardin, parallèlement aux très grandes compositions comme La Tristesse du roi, La Piscine, L'Escargot, de multiples œuvres de dimensions plus modestes mais d'importance au moins égale, notamment les quatre Nus bleus. Plus de quarante gouaches découpées (nos 159 à 200) sont ainsi répertoriées pour la seule année 1952, dans le catalogue établi à l'occasion de l'exposition The Paper cut-outs of Henri Matisse, Washington, National Gallery of Art, septembre-octobre 1977 // Détroit, Institute of Arts, novembre 1977-janvier 1978 // Saint-Louis, Art Museum, janvier-mars 1978.

Isabelle Monod-Fontaine

Notes :

1. Voici la correspondance échangée entre Jean Cassou et Matisse à la suite de la visite de Georges Salles (lettres conservées dans les Archives du MNAM). Lettre de Jean Cassou à Henri Matisse, 25 mars 1952: " Cher Monsieur Matisse, Je viens de voir Madame Guynet... Elle est enthousiasmée du grand panneau décoratif que vous venez de créer. M. Georges Salles m'a parlé avec autant d'enthousiasme de votre Roi triste et j'ai pensé qu'il nous faudrait avoir de vous, au musée, un témoignage de cette technique du papier découpé à laquelle vous consacrez, depuis quelques années, votre génie d'invention. Consentiriez-vous à nous vendre un de ces deux panneaux ? Pour vastes que soient les dimensions de ces ouvrages, je trouverais pour l'un d'eux un grand mur dans la partie proprement architecturale du musée, c'est-à-dire dans le grand hall d'honneur. Voulez-vous réfléchir à la question et me dire ce que vous en pensez ? J'aimerais tant voir représentée cette partie décorative et monumentale de votre œuvre, laquelle est déjà si diverse et comporte tant de recherche dans les domaines les plus divers. " et réponse de Matisse, le 9 avril 1952: " Cher Monsieur et ami, Votre lettre concernant La Tristesse du roi me touche beaucoup car elle me confirme dans mon opinion sur ce panneau que je considère comme égal à tous mes meilleurs tableaux et c'est du même panneau que vous ont parlé M. Georges Salles et Madame Guynet. Désirant garder ce panneau le plus longtemps possible, j'ai refusé toutes les demandes d'achat, pourtant très considérables, qu'on m'a faites en ces quelques mois de son existence. Quoi vous dire quant au prix que j'en désire ? comme je viens de l'écrire, j'ai refusé des... millions pour ce panneau. Le Musée de Copenhague a payé Zulma en 1950 1 750 000 F et cette dernière, quoique de très bonne qualité, n'a ni la qualité, ni l'ampleur, ni l'expression profondément pathétique de La Tristesse du roi. Mais je sais que notre Etat est pauvre. Je ne puis donc que vous prier de me fixer le prix maximum de ses possibilités. Cher Monsieur Cassou, j'attends donc de vous lire et je vous prie de croire à l'expression de mes sentiments dévoués

2. À ce propos une autre lettre de Matisse à Jean Cassou, datée du 15 décembre 1953 (Archives du MNAM) : " Cher Monsieur Cassou et ami, J'ai appris avec plaisir que La Tristesse du roi est enfin placée au Musée d'art moderne, et très bien placée. J'en suis heureux d'autant plus qu'on me dit que le panneau "fait très bien°..." et une lettre à J. Rubow (6 juin 1954, document publié dans la catalogue The Paper cut-outs of Henri Matisse, Washington, National Gallery of Art, septembre-octobre 1977 // Détroit, Institute of Arts, novembre 1977-janvier 1978 // Saint-Louis, Art Museum, janvier-mars 1978, p. 281): "...Si vous avez eu l'occasion de passer dernièrement au Musée d'art moderne de Paris vous avez dû y voir ma grande gouache La Tristesse du roi. Comme vous avez pu le constater, sa présentation est parfaite car, après des années de recherches, des spécialistes ont finalement trouvé le moyen de coller ces gouaches en plein d'une façon impeccable, ce qui est important tant pour leur présentation que pour leur conservation..."

3. Pierre Schneider, Matisse, Paris, Flammarion, 1984, pp. 694, 698.

Source :
Extrait du catalogue Œuvres de Matisse, catalogue établi par Isabelle Monod-Fontaine, Anne Baldassari et Claude Laugier, Paris, Éditions du Centre Pompidou, 1989

Dès sa présentation au Salon de mai en 1952, Georges Salles, directeur des Musées de France, avait signalé avec enthousiasme le grand panneau du " Roi triste " (tel était le titre que lui donnait alors Matisse), vu dans l'atelier de Cimiez, à Jean Cassou qui avait aussitôt engagé la négociation en vue d'un achat éventuel. Cette grande composition se rattache vraisemblablement à un thème biblique, mais s'agit-il d'une image liée au Cantique des cantiques (que Matisse songeait à illustrer à l'époque), ou bien de Salomé dansant devant Hérode ? Elle propose avant tout une réflexion sur la vieillesse et la mémoire : avant Matisse, Titien, Poussin et, admirés de lui, Rembrandt et Renoir, ont connu " ce jeu de la fin de la vie ". " La Tristesse du roi, 1952, est non seulement l'équivalent plastique des réflexions sur la vieillesse qui finalement, furent retirées de Jazz, mais un hommage au peintre de David et Saül ", rappelle à juste titre Pierre Schneider (P. Schneider, Paris, 1984, op. cit., p. 694-698). En dépit de l'audace jubilatoire avec laquelle Matisse utilise " en grand " sa technique de la gouache découpée, l'œuvre serait donc, selon cette interprétation, un classique et dernier autoportrait du peintre en vieillard, entre " une danseuse charmeuse et un personnage grattant une espèce de guitare de laquelle s'échappait un vol de soucoupes volantes couleur d'or " (description de Matisse).

Il considérait ce grand panneau assez atypique (les très grandes gouaches découpées relèvent en général d'un parti plus nettement décoratif) comme " égal à tous ses meilleurs tableaux ".

Isabelle Monod-Fontaine

Source :
Extrait du catalogue Collection art moderne - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne, sous la direction de Brigitte Leal, Paris, Centre Pompidou, 2007

En 1946, Matisse achève la maquette de son " livre-fleur ", Jazz - composé de vingt planches en couleurs, exécutées en gouaches découpées entre fin juin 1943 et 1944, et de pages d'écriture -, qui sera publié par Tériade en 1947. Ce premier ensemble utilisant systématiquement et uniquement la technique de la gouache découpée " à vif " dans la couleur va constituer la matrice de son œuvre ultérieur, jusqu'à sa mort en 1954 : c'est dire l'importance de l'ouvrage. La découverte des gouaches découpées de Matisse par la jeune génération des années 1950, américaine et européenne, sera décisive, ouvrant la voie au déploiement autonome de la forme, depuis le réel jusqu'à l'abstraction.

À partir de la réalisation des planches de Jazz , la pratique de Matisse de la gouache découpée se modifie sensiblement. Elle n'est plus seulement une étape intermédiaire dans la réalisation d'une œuvre ; elle devient progressivement aussi un moyen d'expression autonome. Le passage de la technique à l'esthétique repose sur plusieurs expériences antérieures : La Danse , pour la Fondation Barnes, en 1931-1933, les couvertures des revues Cahiers d'art et Verve , à partir de 1936, les décors et le rideau de scène du ballet L'Étrange Farandole , en 1937-1938, qui vont constituer une référence esthétique et un répertoire de formes au cours des années suivantes. Pour Deux danseurs , l'une des études pour le rideau du ballet de Massine, Matisse s'inspire vraisemblablement de dessins réalisés en 1935 d'après Hercule et Antée , de Pollaiolo, transformant la lutte des deux personnages en un mouvement de danse. Composé d'un grand nombre de morceaux de papier punaisés, ce " découpage " montre bien, et mieux que les autres, le sens de recherche des formes et de leur articulation assigné à cette technique, grâce au principe des punaises.

Durant la guerre, Tériade rêve d'un livre sur la couleur de Matisse, illustré d'images composées en papiers découpés. Il cultive aussi l'idée d'un " manuscrit à peintures modernes ", sans que l'on sache clairement s'il entend réunir ces deux idées en un seul ouvrage. Fin mars 1942, Matisse met fin à ses projets. Début janvier 1943, l'éditeur lui propose de consacrer un numéro entier de Verve à sa peinture des années du conflit. Fin mai 1943, Matisse en réalise la couverture et le frontispice, La Chute d'Icare , en gouaches découpées, en se reportant à l'une de ses études pour le rideau de L'Étrange Farandole , Figure de ballet avec deux danseurs . Face aux difficultés que soulève la reproduction de ses tableaux choisis pour illustrer le volume, la solution d'une étape intermédiaire passant par le papier découpé est envisagée. Elle se solde par un échec, dont les conséquences ont une triple résonance : affirmation du papier découpé comme moyen d'expression autonome ; du coup, réévaluation des études pour le rideau de L'Étrange Farandole , laquelle motive la décision de Matisse de se lancer dans l'aventure de Jazz . Les deux premières planches qu'il exécute pour l'album - Le Clown et Le Toboggan - étaient à l'origine des études pour le ballet de Massine. Il les reprend en juin 1943 en vue de Jazz et les achève.

Les planches de Jazz , reproduites dans le livre au pochoir, avec les mêmes gouaches de chez Linel que celles utilisées par Matisse pour les maquettes, sont des " cristallisations de souvenirs du cirque, de contes populaires, de voyages ". Nombre de motifs tout en arabesques, conçus dans la lumière et le foisonnement végétal du Midi méditerranéen de la villa Le Rêve, à Vence, où Matisse emménage en juin 1943, évoquent des feuilles-algues et des lagons immatériels, thèmes ressurgis des souvenirs de son voyage à Tahiti en 1930. Si l'ouvrage achevé suscite l'enthousiasme du public et de la critique, le jugement de Matisse est tout différent. " C'est absolument un raté ", confie-t-il à André Rouveyre, avant de conclure : " Ces choses doivent rester comme elles sont, des originaux - des gouaches tout simplement. " Après la réalisation des images de Jazz , Matisse poursuit cette pratique pour lui-même - il y recourt également en réponse à une commande, en 1946, pour composer les maquettes des tentures décoratives Océanie le ciel , Océanie la mer (MNAM) et des tapisseries Polynésie le ciel , Polynésie la mer (MNAM), qui inaugurent la réalisation des panneaux décoratifs de grands formats. En 1947-1948, les murs de sa chambre sont couverts de découpages ; ils seront exposés avec des peintures et des dessins contemporains à New York, dans la galerie de son fils Pierre, en février 1949, et à Paris, au musée national d'Art moderne, durant l'été de la même année. En 1948, l'artiste s'engage dans le vaste projet décoratif de la chapelle du Rosaire des Dominicaines de Vence, dont il réalise les maquettes des vitraux en gouaches découpées ( Vitrail bleu pâle , MNAM). Ces créations monumentales le mènent à partir du début 1950 à l'élaboration de grandes compositions.

Avec La Perruche et la Sirène , La Tristesse du Roi inaugure début 1952 les grandes décorations en gouaches découpées avec figures. Matisse conçoit un grand panneau mural inspiré du thème biblique du Roi David - Salomé dansant devant Hérode -, abondamment traité dans l'histoire de la peinture, qu'il décrit ainsi : " Le Roi triste, une danseuse charmeuse et un personnage grattant une espèce de guitare de laquelle s'échappait un vol de soucoupes volantes couleur d'or, faisant le tour supérieur de la composition pour aboutir en masse autour de la danseuse en action. " L'intégration de la figure à un ensemble conçu selon les principes du décoratif était pour Matisse une question essentielle, qu'il résout ici par l'usage d'arabesques et de formes simplifiées. Il utilise, de plus, des motifs " couleur d'or " qui rythment la composition et lui assurent une totale unité en reliant la trame géométrique du " fond " et les figures, à l'instar des motifs floraux dans Intérieur aux aubergines de 1911. Matisse accordait une très haute qualité à La Tristesse du roi , qu'il considérait " comme égal à tous [s]es meilleurs tableaux. " Présenté au Salon de Mai en 1952, juste après son acquisition par l'État, le panneau est unanimement salué par la critique : " Le grand collage de Matisse, plus extraordinaire encore que son Jazz (c'est le même style), avec son rythme courbe sur fond d'horizontales, est le clou du Salon ; mieux : un chef-d'œuvre ; il est rare de rencontrer plus d'ampleur et de plénitude ; une leçon pour tous. " ( L'Art d'aujourd'hui , n° 5, juin 1952).

Nu bleu II est l'un des quatre Nu bleu assis exécutés par Matisse en gouaches découpées en 1952, alors qu'il cherche la figure située à droite dans la grande décoration La Perruche et la Sirène . Leur exécution est précédée de dessins au crayon, à l'encre et aux crayons de couleurs, réalisés en 1951, à travers lesquels Matisse cherche surtout l'articulation des jambes de la figure et sa position dans l'espace de la feuille. Nu bleu IV est commencé le premier sans aboutir. Matisse le laisse de côté et entreprend les trois autres, qu'il exécute rapidement, comme autant de variations sur le thème de la figure nue assise. Ils " ont été découpés non pas avec facilité mais au contraire avec maestria. Chacun à un jour différent, [...] d'un trait, d'un seul coup de ciseaux en dix minutes ou quinze au maximum ", relate son assistante Lydia Delectorskaya. Matisse reprend ensuite Nu bleu IV et l'achève, non sans difficultés, comme le montrent les lignes tracées au fusain. Les Nu bleu assis, tout comme Vénus , bien que différemment, illustrent l'importance du vide dans la composition de l'image. Des interstices de lumière et d'espace aménagés à l'intérieur de la figure en dessinent les volumes. Ils créent des zones de passage dans la forme même, assurant à l'air, à la lumière et à l'espace une circulation continue sur toute la surface. Ainsi, nulle rupture entre la forme et le fond : la figure et l'espace ne font qu'un, ils occupent le même plan. La monumentalité de la figure tient surtout à la quantité d'espace qu'elle occupe sur la feuille, qui parvient tout juste à la contenir. Des dessins de Laurens de 1946 présentent les mêmes caractéristiques.

Matisse réalise Nu aux oranges en 1953. Il se compose d'un grand dessin de nu au pinceau à l'encre de Chine et de découpages. L'introduction du dessin au pinceau dans l'espace du papier découpé, ou inversement, date de la couverture pour Verve , nº 1, en 1937. Elle se retrouve en 1951 dans Madame de Pompadour , dans des couvertures de livres en 1952, ainsi que dans l'affiche de l'exposition " The Sculpture of Matisse " à la Tate Gallery de Londres. Matisse exécute d'abord le nu de Nu aux oranges comme un dessin autonome, vraisemblablement en composant Grande Décoration aux masques et Décoration fleurs et fruits , projets en vue de la céramique murale pour Mr et Mrs Brody, qu'il agrémente de notes colorées. Une photographie de l'époque montre le dessin accroché au mur de l'atelier avec les trois fruits fixés en partie sur la feuille et en partie sur le mur, parmi d'autres grands dessins, dont les six Acrobate aux larges arabesques noires sur blanc (tel celui du MNAM). Dans la version définitive, Matisse a modifié l'espace initial du dessin par l'ajout de bandes latérales de papier. Les oranges disposées de part et d'autre de la figure contrebalancent son hiératisme et la verticalité de l'ensemble. Elles créent un mouvement circulaire qui enveloppe la figure et augmente la sensation d'espace. Elles colorent également la lumière produite par le grand dessin en noir sur blanc. Matisse le considérait comme " une très bonne chose. "

Anne Coron

Source :
Extrait du catalogue Collection art graphique - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Agnès de la Beaumelle, Paris, Centre Pompidou, 2008

CASSOU (Jean), DORIVAL (Bernard) et HOMOLLE (Geneviève). - Musée national d''art moderne : catalogue-guide. - Paris : éd. des Musées nationaux, 1954 (cit. p. 113)

Rétrospective Henri Matisse : Paris, Musée national d''art moderne, 28 juillet-18 novembre 1956. - Paris, éd. des Musées nationaux, 1956 (cat. n° 100 cit p. 35 et reprod. pl. I)

The Paper cut-outs of Henri Matisse : Washington, National Gallery of Art, 1977 (cat. n° 166 cit. et reprod. coul. p. 210)

Verdet (André).- Entretiens, notes et écrits sur la peinture : Braque, Léger, Matisse, Picasso.- Paris : Galilée, 1978 (cit. p. 132)

Monod-Fontaine (Isabelle).- Matisse : oeuvres d''Henri Matisse (1869-1954). Catalogue établi par Isabelle Monod-Fontaine : Paris, Centre Georges Pompidou, 1979 (collections du Musée national d''art moderne) (cat. n° 29 cit. p. 102 et reprod. coul. p. 103) . N° isbn 2-85850-022-3
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TRICHON-MILSANI (Eurydice), MAKARIUS (Michel) et MARCHESCHI (Jean-Paul). - Au Musée national d''art moderne. - Paris : Fernand Hazan, 1983 (cit. p. 14 et reprod. coul. p. 15)

SCHNEIDER (Pierre). - Matisse. - Paris : Flammarion, 1984 (cit. p. 271, 273, 694, 698 et reprod. p. 663, 694)

GUICHARD-MEILI (Jean). - Matisse. - Paris : Editions Aimery Somogy, 1986 (cit. p. 141 et reprod. p. 70) . N° isbn 2-85056-181-9
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Les Années 50 : Paris, Centre Georges Pompidou, 30 juin-17 octobre 1988 (sous la dir. de Jean-Hubert Martin) (reprod. coul. p. 143) . N° isbn 2-85850-446-6
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Monod-Fontaine (Isabelle), Baldassari (Anne), Laugier (Claude).- Matisse. Oeuvres de Henri Matisse dans les collections du Musée national d''art moderne : Paris, Editions du Centre Pompidou, 1989 (cat. n° 152 cit. p. 381-382 et reprod. coul. p. 383) . N° isbn 2-85850-390-7
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Neret (Gilles).- Matisse.- Paris : Casterman, 1991 (fig. 356 cit. p. 251 et reprod. p. 252)

Robinson (Anette) : "Tableaux choisis Matisse au Musée national d''art moderne Centre Georges Pompidou" .- Paris, éd. Centre Georges Pompidou/ éd. Scala, 1993 (avec la collaboration d''Isabelle Bréda) (Cit. p.108-111 et reprod. coul. p.110-111) . N° issn 2-85850-694-9
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Rendezvous : Masterpieces from the Centre Georges Pompidou and the Guggenheim Museums : New York, Solomon R. Guggenheim Museum, 16 octobre 1998-24 janvier 1999. - New York : Guggenheim Museum Paris/Centre Georges Pompidou, 1998 (cat. n° 15 cit. p. 667 et reprod. coul. p. 128-129) . N° isbn 0-89207-213-X
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Matisse : Process/Variation : Tokyo, Musée national d''art occidental, 2004 (fig. 4 reprod. coul. p. 219 (oeuvre non exposée)) . N° isbn 4-906536-28-x
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Big Bang. Destruction et création dans l''art du XXe siècle : Paris, Centre Pompidou, Musée national d''art moderne-Centre de création industrielle, 15 juin 2005-22 février 2006. - Paris : éd. du Centre Pompidou, 2005 (sous la dir. de Catherine Grenier) (cit. p. 180 et reprod. coul. p. 156) . N° isbn 2-84426-286-4
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Collection Art Moderne :[Catalogue de] La collection du Centre Pompidou/Musée national d''art moderne. - Paris : Editions du Centre Pompidou, 2006 (sous la dir. de Brigitte Leal) (cit. et reprod. coul. p. 457) . N° isbn 978-2-84426-317-9
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La Collection du Centre Pompidou, Musée national d''art moderne : oeuvres choisies. Introduction d''Alfred Pacquement.- Paris : Centre Pompidou; Editions du Panama, 2007 (reprod. coul. p. 120-121) . N° isbn 978-2-84426-182-3
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Collection art graphique : [Catalogue de] La collection du Centre Pompidou, Musée national d''art moderne - Centre de création industrielle, (Sous la dir. d''Agnès de la Beaumelle).- Paris : Editions du Centre Pompidou, 2008 (cit. et reprod. coul. p. 259) . N° isbn 978-2-84426-371-1
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100 Chefs-d''oeuvre du XXe siècle dans les collections du Centre Pompidou.- Paris : éd. Centre Pompidou, 2010 (Cit. p. 66-67 et reprod. coul. p. 67) . N° isbn 978-2-84426-464-0
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Chefs-d''oeuvre ? : Metz, Centre Pompidou-Metz, 12 mai 2010-29 août 2011. - Metz : éd. du Centre Pompidou-Metz, 2010 (sous la dir. de Laurent Le Bon) (Cit. p. 82, 84-87 et reprod. coul. p. 83 (dossier iconographique reprod. coul. p. 86-87, reprod. p. 84-87)) . N° isbn 978-2-35983-004-0
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Habrant (Jacqueline).- " Le Centre Pompidou-Metz ou la Lorraine vivifiée par l''art contemporain", in Péristyles [revue], n° 35, Nancy, juin 2010 (Cit. p. 18 et reprod. coul. p. 17) . N° issn 1250-7083
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Matisse. Drawing Life : Brisbane, Gallery of Modern Art, 3 décembre 2011-4 mars 2012.- Brisbane :The Queensland Art Gallery and Art Exhibitions Australia, 2011 (fig. 54 reprod. coul. p. 57 (oeuvre non exposée)) . N° isbn 978-1-921503-30-6
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Henri Matisse: The Cut-Outs (sous la dir. de Karl Buchberg, Nicholas Cullinan, Jodi Hauptman et Nicholas Serota) : Londres, Tate Modern, 17 avr.-7 sept. 2014 ; New York, The Museum of Modern Art, 25 oct. 2014-9 févr. 2015.- Londres, Tate Publishing, 2014 (reprod. coul. p. 57 dans une photographie (anonyme) avec Matisse à l''Hôtel Regina, Nice, mars-avril 1952) . N° isbn 978-1-84976-130-7
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Les clefs d''une passion : Paris, Fondation Louis Vuitton, du 1er avril au 6 juillet 2015. - Paris : Hazan, 2015 (sous la direction de Suzanne Pagé et Béatrice Parent) (cat. n° 32 cit. p. 20, 160, 163-164 et reprod. coul. p. 158-159) . N° isbn 9782754108324
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Un pais nuevo. Henri Matisse (1869-1954) : Centre Pompidou Malaga, 6 mars-9 juin 2019.- Malaga : Centre Pompidou, 2019 (cit. p. 74) . N° isbn 978-84-949006-5-5
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Matisse, comme un roman : Paris, Centre Pompidou, Musée national d''art moderne, 13 mai-31 août 2020. - Paris : éd. Centre Pompidou, 2020 (sous la dir. d''Aurélie Verdier) (cit. p. 11, 204, 298 et reprod. coul. p. 206) . N° isbn 978-2-84426-872-3
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Matisse : Life and Spirit. Masterpieces from the Centre Pompidou, Paris : Sydney, Art Gallery of New South Wales, 20 novembre 2021- 13 mars 2022 / sous la dir. d''Aurélie Verdier, Justin Paton et Jackie Dunn. - Sydney : Art Gallery of New South Wales, Paris : Centre pompidou, 2021 (cat. n° 86 cit. p. 57, 64 et reprod. coul. p. 56, 212-213) . N° isbn 9781741741537
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Aller au contenu principal Henri Matisse (1869, France - 1954, France) La Tristesse du roi Domaine Dessin Technique Papiers gouachés, découpés, marouflés sur toile Dimensions 292 x 386 cm Acquisition Achat de l'Etat, 1954Attribution, 1954 N° d'inventaire AM 3279 P Artiste Henri Matisse (1869, France - 1954, France) Titre principal

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La Mariée | Gustav Klimt | Estampe d’art

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La Mariée | Gustav Klimt Imprimé avec souci du détail sur une véritable toile de peintre

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Les Trois Âges de la femme par - œuvre d’art analysée en images | Panorama de l’art

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Les Trois Âges de la femme par - œuvre d’art analysée en images | Panorama de l’art

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In Pictures: Impressionist, Modern, and Surrealist Art at Sotheby’s

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A collection of photos of Impressionist, Modern, and Surrealist Art by Picasso, Dalí, and Giacometti for auction at Sotheby’s

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Fichier:Juan Gris - Portrait of Pablo Picasso - Google Art Project.jpg — Wikipédia

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Œuvre d’art de la semaine: Deux femmes courant sur la plage | Picasso

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Le tableau Deux femmes courant sur la plage, peint pendant l’été 1922 à Dinard, capture l’essence de la joie de vivre et de la beauté féminine.

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Retrouvez les plus belles photos des œuvres d’art exposées dans les musées de France. Peinture, sculpture, dessin…

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Portail nord de la cathédrale de Chartres

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Portail nord de la cathédrale de Chartres

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architecture, Fin du 11ème siècle pour le portail et la partie gothique. lien pour voir le portail dans les détails : https://www.cathedrale-chartres.org/cathedrale/monument/panoramiques/

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Le Portail Nord - Cathédrale de Chartres

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enluminure, livre de Kells, Vierge à l'enfant 

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enluminure, livre de Kells, Vierge à l'enfant 

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enluminure, 800 après Jésus Christ.

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LIVRE de KELLS - Histoire, photos, vidéos - Enluminures.fr

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Le livre de KELLS est sans aucun doute l'œuvre majeure de l'enluminure insulaire et un des plus remarquables vestiges de l'art religieux médiéval.

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Devant d'autel de la cathédrale de Bâle 

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Devant d'autel de la cathédrale de Bâle 

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Devant d'autel de Bâle en or et pierres précieuses 1ère moitié du 11ème siècle, il permet entre autre de voir comment on peut sacraliser des corps et des représentations de personnages (grandeur de l'oeuvre, utilisation de matières précieuses...)

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Devant d’autel cathédrale de Bâle | Musée de Cluny

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Ce devant d’autel monumental ornait la face antérieure d’un autel. Il est réalisé en or, à la fois matière précieuse et lumière, rehaussé de pierreries sur une

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Tapisserie sur le thème de l'amour courtois, fin du 15ème siècle. Ce thème apparaît durant le 12ème siècle et reprend les idéaux chevaleresque notamment dans la notion de respect et d'honneur. Il doit être possible de le mettre en lien avec des romans de chevalerie ? Lien vers l'explication de l'amour courtois : https://www.musee-moyenage.fr/collection/parcours-decouverte/amour-courtois.html

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Cette tapisserie se constitue de deux garnitures de coussins d'un même modèle tissé en série en variant les combinaisons de couleurs.

Les amoureux sont figurés en conversation, comme le montrent les banderoles. On remarque la stylisation, en particulier dans le tissage des motifs des vêtements, où tout réalisme de modelé est banni. Ce souci est renforcé par une gestuelle symbolique : la dame coupe des branches de sureau pour guérir son soupirant ensorcelé. L'œuvre témoigne ainsi de la diffusion des thèmes courtois dans l'ameublement.

Acquisition : 1853

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Cette tapisserie se constitue de deux garnitures de coussins d'un même modèle tissé en série en variant les combinaisons de couleurs. Les amoureux sont figu

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Vierge à l'enfant trônante, ronde bosse en bois de la première moitié du 13ème siècle

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Vierge à l’Enfant trônante I musée de Cluny

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La Vierge est assise sur un banc et tient son enfant sur son genou gauche. Par sa position assise, son manteau, sa couronne, elle est figurée comme les souverai

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Le corps dans les arts visuels (+ CD-Rom) Cycle 3 - Ouvrage papier | Éditions Retz

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Une approche créative, pédagogique et accessible pour aborder de façon originale l’histoire des arts.

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DESCRIPTION

Prévention consentement

Il me semble important de sensibiliser les enfants à la notion d'intégrité physique afin de prévenir certains abus. J'ai choisi de partir d'un ouvrage afin d'expliquer que tous les corps sont uniques et qu'ils n'appartiennent qu'à leur propriétaire. Les envies de chacun sont différentes, certaines personnes aiment avoir une certaine proximité physique quand d'autres sont mal à l'aise dans ces situations. Il est alors important que les enfants osent dire "non" quand une situation les rend mal à l'aise notamment quand quelqu'un touche à leur corps.

Pour cela, il est aussi important de bien connaître son corps et savoir ce que sont les parties intimes pour prévenir des situations indésirables. Il ne s'agit pas de se méfier de tout le monde, mais d'apprendre à donner son accord ou formuler son désaccord.

À qui s'adresse cette vidéo ?

Niveau
Ecole primaire

CP CE1 CE2 CM1 CM2

Matière
Enseignement civique et moral

Prévention consentement

Bah que t'arrive-t-il ? Léa m'a encore touché les fesses, je lui ai dit trois fois d'arrêter et elle ne veut pas. Je l'ai dit à la maîtresse, mais elle continue. Tu as raison ton corps t'appartient et il faut dire non si tu n'as pas envie qu'on le touche surtout à certains endroits. Je vais te lire un livre qui en parle, le titre du livre c'est " Ton corps t'appartient. "

Sais-tu que personne au monde ne possède le même corps que toi, nos corps partagent de nombreuses ressemblances et différences, mais chaque corps est unique. Ce n'est pas dingue ça ?

Quelles sont les parties de mon corps que personne ne doit toucher ?

Et bien personne n'est autorisé à toucher ou à voir tes parties intimes. Quand tu es petit, tes parents peuvent toucher ces parties quand ils te donnent le bain, qu'ils te déshabillent ou s'occupent de toi quand tu es malade. En grandissant, tu apprendras à faire tout cela tout seul.

Un médecin ou une infirmière peut toucher ces parties quand ils auscultent ton corps de préférence en présence d'un de tes parents. Je ne dois pas non plus voir ou toucher les parties intimes des autres. N'oublie pas que les parties intimes sont intimes, ce qui signifie qu'ils ne concernent que la personne à qui elles appartiennent.

Résumé Prévention consentement

Donc, n'oublie pas si une personne t'a touché et que cela t'a fait mal ou t'a mis mal à l'aise et que tu penses que tu as besoin d'aide, n'hésite pas à en parler à une personne en qui tu as confiance et avec qui tu t'entends bien.

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Prévention consentement : ton corps t'appartient

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Maître Lucas, Professeur des écoles, aide votre enfant en CP CE1 CE2 CM1 CM2 à se protéger lui et son corps et à comprendre le consentement.

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Découvrez Frizzy livre d’humour et bande dessinée dans la collection Romans Graphiques Ados chez Jungle, des mondes à partager !

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Parfait.e. : Petit manifeste pour le droit d’être soi-même de la tête aux pieds, et jusqu’au bout des ongles - Babelio

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Critiques (3), citations (4), extraits de Parfait.e. : Petit manifeste pour le droit d’être de Emilie Chazerand. Efficace documentaire qui se donne pour mission de déconstruire (ouh l…

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Une chose est sûre, le corps humain n’aura plus de secrets pour les petits et les grands après la lecture de ce nouveau documentaire d’Anna Fiske. L’autrice norvégienne montre l’évolution du corps de l’enfance à l’âge adulte jusqu’à la vieillesse. Sa démarche est toujours aussi décomplexée et sans tabou. Mais n’a-t- elle pas raison ? […]

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Un livre compagnon qui s’appuie sur les témoignages de préados sur les thématiques qui les passionnent, pour leur donner des informations et répondre à leurs questions : moi, mes goûts, mon corps, ma famille, mes amis, mon école et le monde. Entièrement revu par une pédiatre. C’est qui, les préados ?Ils ne se considèrent plus comme des enfants (ou alors des grands), mais pas encore comme des ados. Les 9-12 ans sont à la fin de l’école primaire CM1, CM2 ou au début du collège, sixième, cinquième. On leur parle tout le temps des plus grands, de la puberté et de l’adolescence... mais jamais de ce qui leur arrive. Pourtant ils ont beaucoup de choses à dire !Spécial préadosUn livre pour tous les 9-12 ans : que l’on soit fille ou garçon, en fin d’école primaire ou que l’on entre au collège, on partage plein de sujets d’intérêt. On grandit, on gagne en autonomie, on s’ouvre au monde et on a envie de découvrir plein de nouvelles choses !Un guide façon pratiqueÀ l’intérieur de chaque chapitre, témoignages de préados, pages infos, schémas et strips BD se succèdent organisés en doubles thématiques pour accompagner les lecteurs dans leur découverte, leur fournir informations et ressources, et répondre à leurs questions.

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Henri Matisse
(1869, France - 1954, France)

Nu bleu II

Domaine
Dessin

Technique

Papiers gouachés, découpés et collés sur papier marouflé sur toile

Dimensions

103,8 x 86 cm

Acquisition

Achat, 1984

N° d'inventaire

AM 1984-276

Artiste

Henri Matisse
(1869, France - 1954, France)

Titre principal

Nu bleu II

Domaine
Dessin

N° d'inventaire

AM 1984-276

La série des Nus bleus (1952) reprend une pose de nu assis traitée de nombreuses fois, en peinture mais aussi en sculpture: Nu assis, Olga, 1910; Nu assis, bras autour de la jambe droite, 1918; Vénus à la coquille, surtout dans sa seconde version de 1932.

Il y a dans cette dernière sculpture, un sentiment d'immédiateté, de présence directe, quelque chose de la grandeur familière de certaines idoles, en même temps que la fusion très élaborée de différents langages pour servir une pensée forte, une vision affermie: à ce point, en 1932, Matisse peut se permettre, sans crainte de n'aboutir qu'à " des groupements de morceaux ", d'accentuer des ruptures (jambes coupées, cuisses séparées du torse, cou fragmenté) confiant dans la relation tellement forte qu'il a instaurée entre ces " morceaux ".

Pendant cette même année 19521, Matisse compose, pour sa propre délectation, la décoration intitulée La Piscine. Sur une bande longue de 16 mètres, mêlés aux créatures marines, les corps des nageuses fendent un élément transparent, sans doute liquide (mais de composition indéfinissable, de l'eau avec de l'air et du cristal) dont ils ne se laissent pas séparer. Dedans et dehors n'ont plus aucun sens, ni pour nous spectateurs, ni pour ces corps fluides, que nous voyons tantôt de côté dans l'eau, tantôt du dessus à la surface, tantôt émergés. Bleu sur blanc, blanc sur bleu, les définitions respectives de la figure et de l'espace sont à chaque moment certaines, à chaque moment incertaines. La forme elle-même absorbe l'espace et y renvoie, dans un mouvement qui résonne dans notre propre corps, et qui prolonge indéfiniment le contenu sculptural (au sens matissien) des nus bleus.

Isabelle Monod-Fontaine

Notes :

Source :
Extrait du catalogue Œuvres de Matisse, catalogue établi par Isabelle Monod-Fontaine, Anne Baldassari et Claude Laugier, Paris, Éditions du Centre Pompidou, 1989

En 1946, Matisse achève la maquette de son " livre-fleur ", Jazz - composé de vingt planches en couleurs, exécutées en gouaches découpées entre fin juin 1943 et 1944, et de pages d'écriture -, qui sera publié par Tériade en 1947. Ce premier ensemble utilisant systématiquement et uniquement la technique de la gouache découpée " à vif " dans la couleur va constituer la matrice de son œuvre ultérieur, jusqu'à sa mort en 1954 : c'est dire l'importance de l'ouvrage. La découverte des gouaches découpées de Matisse par la jeune génération des années 1950, américaine et européenne, sera décisive, ouvrant la voie au déploiement autonome de la forme, depuis le réel jusqu'à l'abstraction.

À partir de la réalisation des planches de Jazz , la pratique de Matisse de la gouache découpée se modifie sensiblement. Elle n'est plus seulement une étape intermédiaire dans la réalisation d'une œuvre ; elle devient progressivement aussi un moyen d'expression autonome. Le passage de la technique à l'esthétique repose sur plusieurs expériences antérieures : La Danse , pour la Fondation Barnes, en 1931-1933, les couvertures des revues Cahiers d'art et Verve , à partir de 1936, les décors et le rideau de scène du ballet L'Étrange Farandole , en 1937-1938, qui vont constituer une référence esthétique et un répertoire de formes au cours des années suivantes. Pour Deux danseurs , l'une des études pour le rideau du ballet de Massine, Matisse s'inspire vraisemblablement de dessins réalisés en 1935 d'après Hercule et Antée , de Pollaiolo, transformant la lutte des deux personnages en un mouvement de danse. Composé d'un grand nombre de morceaux de papier punaisés, ce " découpage " montre bien, et mieux que les autres, le sens de recherche des formes et de leur articulation assigné à cette technique, grâce au principe des punaises.

Durant la guerre, Tériade rêve d'un livre sur la couleur de Matisse, illustré d'images composées en papiers découpés. Il cultive aussi l'idée d'un " manuscrit à peintures modernes ", sans que l'on sache clairement s'il entend réunir ces deux idées en un seul ouvrage. Fin mars 1942, Matisse met fin à ses projets. Début janvier 1943, l'éditeur lui propose de consacrer un numéro entier de Verve à sa peinture des années du conflit. Fin mai 1943, Matisse en réalise la couverture et le frontispice, La Chute d'Icare , en gouaches découpées, en se reportant à l'une de ses études pour le rideau de L'Étrange Farandole , Figure de ballet avec deux danseurs . Face aux difficultés que soulève la reproduction de ses tableaux choisis pour illustrer le volume, la solution d'une étape intermédiaire passant par le papier découpé est envisagée. Elle se solde par un échec, dont les conséquences ont une triple résonance : affirmation du papier découpé comme moyen d'expression autonome ; du coup, réévaluation des études pour le rideau de L'Étrange Farandole , laquelle motive la décision de Matisse de se lancer dans l'aventure de Jazz . Les deux premières planches qu'il exécute pour l'album - Le Clown et Le Toboggan - étaient à l'origine des études pour le ballet de Massine. Il les reprend en juin 1943 en vue de Jazz et les achève.

Les planches de Jazz , reproduites dans le livre au pochoir, avec les mêmes gouaches de chez Linel que celles utilisées par Matisse pour les maquettes, sont des " cristallisations de souvenirs du cirque, de contes populaires, de voyages ". Nombre de motifs tout en arabesques, conçus dans la lumière et le foisonnement végétal du Midi méditerranéen de la villa Le Rêve, à Vence, où Matisse emménage en juin 1943, évoquent des feuilles-algues et des lagons immatériels, thèmes ressurgis des souvenirs de son voyage à Tahiti en 1930. Si l'ouvrage achevé suscite l'enthousiasme du public et de la critique, le jugement de Matisse est tout différent. " C'est absolument un raté ", confie-t-il à André Rouveyre, avant de conclure : " Ces choses doivent rester comme elles sont, des originaux - des gouaches tout simplement. " Après la réalisation des images de Jazz , Matisse poursuit cette pratique pour lui-même - il y recourt également en réponse à une commande, en 1946, pour composer les maquettes des tentures décoratives Océanie le ciel , Océanie la mer (MNAM) et des tapisseries Polynésie le ciel , Polynésie la mer (MNAM), qui inaugurent la réalisation des panneaux décoratifs de grands formats. En 1947-1948, les murs de sa chambre sont couverts de découpages ; ils seront exposés avec des peintures et des dessins contemporains à New York, dans la galerie de son fils Pierre, en février 1949, et à Paris, au musée national d'Art moderne, durant l'été de la même année. En 1948, l'artiste s'engage dans le vaste projet décoratif de la chapelle du Rosaire des Dominicaines de Vence, dont il réalise les maquettes des vitraux en gouaches découpées ( Vitrail bleu pâle , MNAM). Ces créations monumentales le mènent à partir du début 1950 à l'élaboration de grandes compositions.

Avec La Perruche et la Sirène , La Tristesse du Roi inaugure début 1952 les grandes décorations en gouaches découpées avec figures. Matisse conçoit un grand panneau mural inspiré du thème biblique du Roi David - Salomé dansant devant Hérode -, abondamment traité dans l'histoire de la peinture, qu'il décrit ainsi : " Le Roi triste, une danseuse charmeuse et un personnage grattant une espèce de guitare de laquelle s'échappait un vol de soucoupes volantes couleur d'or, faisant le tour supérieur de la composition pour aboutir en masse autour de la danseuse en action. " L'intégration de la figure à un ensemble conçu selon les principes du décoratif était pour Matisse une question essentielle, qu'il résout ici par l'usage d'arabesques et de formes simplifiées. Il utilise, de plus, des motifs " couleur d'or " qui rythment la composition et lui assurent une totale unité en reliant la trame géométrique du " fond " et les figures, à l'instar des motifs floraux dans Intérieur aux aubergines de 1911. Matisse accordait une très haute qualité à La Tristesse du roi , qu'il considérait " comme égal à tous [s]es meilleurs tableaux. " Présenté au Salon de Mai en 1952, juste après son acquisition par l'État, le panneau est unanimement salué par la critique : " Le grand collage de Matisse, plus extraordinaire encore que son Jazz (c'est le même style), avec son rythme courbe sur fond d'horizontales, est le clou du Salon ; mieux : un chef-d'œuvre ; il est rare de rencontrer plus d'ampleur et de plénitude ; une leçon pour tous. " ( L'Art d'aujourd'hui , n° 5, juin 1952).

Anne Coron

Source :
Extrait du catalogue Collection art graphique - La collection du Centre Pompidou, Musée national d'art moderne , sous la direction de Agnès de la Beaumelle, Paris, Centre Pompidou, 2008

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Aller au contenu principal Henri Matisse (1869, France - 1954, France) Nu bleu II Domaine Dessin Technique Papiers gouachés, découpés et collés sur papier marouflé sur toile Dimensions 103,8 x 86 cm Acquisition Achat, 1984 N° d'inventaire AM 1984-276 Artiste Henri Matisse (1869, France - 1954, France) Titre principal Nu

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Tombe hierakonpolis - 3500BC

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Egypte -2620 - -2500- musée du Louvre

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10000 BP - Bhimbetka_Inde

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Peinture sur soie - homme chevauchant un dragon

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Peinture sur soie - homme chevauchant un dragon

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Période des royaumes combattants - VeS BC - Chine

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Gentilhomme chevauchant un dragon - IIIeS BC - Chine

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Tombe égyptienne - 1350BC

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Peinture rupestre - Dame Blanche d'Auahouret

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Peinture rupestre - Dame Blanche d'Auahouret

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Algérie - 4000 BC

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Dame Blanche d'Auahouret - Sahara - 4000 BC

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Créé par le peintre des Niobides, Athènes, 470BC - Louvre

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Détail - IIIeS AD - musée gallo romain Lyon

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Combat Amour-Pan - mosaique - IIIeS-  musee gallo romain Lyon

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Musée gallo romain Lyon

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Caracalla - buste - Musee gallo romain Lyon

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Statue de Bouddha - Période koushan - 0-100 AD

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Statue de Bouddha - Période koushan - 0-100 AD

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Eat And Love Yourself est une tranche de vie qui fera écho à la situation de beaucoup, femmes ou hommes, jeunes ou vieux. Sweeney Boo accompagne son portrait de Mindy d'une ligne claire un peu vide mais douce et colorée.

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Eat And Love Yourself est une tranche de vie qui fera écho à la situation de beaucoup, femmes ou hommes, jeunes ou vieux. Sweeney Boo accompagne son portrait de Mindy d'une ligne claire un peu vide mais douce et colorée.

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de Laura Nsafou (Auteur), Barbara Brun (Illustrations)

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Noté /5. Retrouvez Le chemin de Jada et des millions de livres en stock sur Amazon.fr. Achetez neuf ou d’occasion

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Thème Grossophobie chez Babelio

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Thème Grossophobie chez Babelio 2

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Le Running Club de la flemme - Rutter Bethany - Babelio

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Critiques (29), citations (3), extraits de Le Running Club de la flemme de Rutter Bethany. Voici mon retour de lecture sur le Running Club de la flemme de Rutter…

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Mon corps, je l’aime ! - Amandine Gombault - Babelio

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Critiques (4), citations, extraits de Mon corps, je l’aime ! de Amandine Gombault. Un bien chouette livre rempli de témoignages que j’aurais aimés lire l…

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Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Grande Odalisque, 1819

huile sur toile * 91 x 162 cm * musée du Louvre, Paris * © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Franck Raux

Voici la Grande Odalisque nue, allongée sur une méridienne d'un bleu mille-et-une-nuits. L'aguicheuse modèle daigne se retourner. Moue incroyable, indéfinie. Qui pour comprendre cette bouche en cœur ? Son regard interpelle, mais le visage coiffé d'un turban brodé d'or reste une énigme. Un jeu d'ombre et de lumière vient perturber son trois-quarts et souligne plutôt un profil inédit. Certains penseront peut-être à une Dora Maar sortie du noir, en avant-première... Loin de s'offrir comme la désinvolte Odalisque de Boucher aux chairs évidentes, celle d'Ingres montre peu, suggère beaucoup.

Son rachis superstar serpente sur toute la diagonale. L'œil du spectateur godille sur ce corps de lait, le long des fesses, sans jamais tomber sur un os. La pente est douce, génialement damée par des lumières imaginaires. Les jambes posées l'une sur l'autre se lient jusqu'aux talons, ces petits coussinets de velours. Les pointes de pieds nous conduisent vers une pipe à opium, nécessaire de voyage vers un Orient très lointain. Les fumées de cette mini-nature morte caressent le rideau de satin agrippé par la princesse alanguie.

À gauche : Pablo Picasso, Dora Maar aux ongles verts (1936, huile sur toile, 65 x 54cm), au milieu : Jean-Auguste-Dominique Ingres, La Grande Odalisque (détail - 1819, huile sur toile, 91 x 162 cm ), à droite : François Boucher L'Odalisque (XVIIIe siècle, huile sur toile, 53 x 64 cm)

© BPK, Berlin, Dist. RMN-Grand Palais / Jens Ziehe / © Succession Picasso, 2021, © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Hervé Lewandowski, © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Tony Querrec

Le voile bleu est brodé de fleurs de lys en forme de trompettes colorées. Dans ce flou exotique, les regards s'interrogent. Sommes-nous dans une alcôve du harem de Topkapi ou une chambre libertine du Palais-Royal ? Sur la couche, la grande odalisque a déposé sa parure de rubis. Autour d'elle, les draps s'entassent, se chiffonnent : velours, fourrures, soieries... La déshabillée s'assoit dessus et s'accoude sur d'épais coussins pour relever sa dorsale, l'épine vedette. Ultime détail, et non des moindres : Madame tient un chasse-mouches en plumes de paon. L'accessoire muni d'ocelles complique un peu plus le jeu des regards et ce mystérieux silence.

Ingres joue les prolongations

La toile est commandée en 1814 par Caroline Murat - sœur de Napoléon I er. Avec son général de mari, Joachim Murat, elle trône sur le Royaume de Naples. Pour décorer leur palais, Monsieur s'est déjà offert la Dormeuse de Naples (1809), réalisée par Ingres, artiste pensionnaire à l'Académie de Rome. Cette toile - aujourd'hui disparue - présentait une femme entièrement nue, retournée vers le spectateur. La Grande Odalisque devait offrir le pendant de cette dormeuse pour composer un volte-face surprenant dans les petits appartements des Murat. La Maja nue et La Maja vêtue de Goya auraient sans doute applaudi l'accrochage.

Jean-Auguste-Dominique Ingres, à gauche : étude pour la Dormeuse de Naples (1808, dessin), à droite : La Grande Odalisque (1819, huile sur toile)

© DR, © RMN-Grand Palais (musée du Louvre) / Franck Raux

Voilà huit ans qu'Ingres est à Rome pour peaufiner son style. Les artistes y restent 2 ou 3 ans. Lui, restera 12 ans. Monsieur aime jouer les prolongations, à tous points de vue. Son terrain de jeu favori est le corps de la femme, qu'il étire dans tous les sens. Ses modèles défilent sur le podium de ses explorations : la Baigneuse Valpinçon (1808), la Grande Odalisque (1814), Roger délivrant Angélique (1819). Assises, allongées, torturées... Ingres envoie toutes ses expériences en France, mais sera moqué par un public trop perturbé par ces silhouettes improbables, trop peu académiques.

L'artiste qui vit sa trentaine doit grincer des dents, comme un violon échevelé. Il reste en Italie et peint l'Orient, jamais vu, juste lu. Ingres dégaine les stéréotypes qui sont autant de prétextes plastiques. Orientalisme sauce " Montauban " : dans ses bains turcs, les chairs extra-pâles profitent de vapeurs imaginaires. Ses lumières ne font pas dans le réalisme. Pas de lumière zénithale précise dans un patio à mi-journée, pas de crépuscule compliqué par les broderies d'un moucharabieh. Les carnets d'Alger de Delacroix auront un accent plus documentaire.

Dans l'œil du paon

La leçon d'anatomie du docteur Ingres fait pourtant salle comble. Les étudiants spectateurs débarquent du monde entier pour découvrir son compte-rendu clinique : " Pour la Grande Odalisque, ajout de quelques vertèbres dorsales et cervicales (on n'arrête plus le progrès), rachis cervical en hyperrotation droite, légère flexion antérieure thoracique, épaule en porte-manteau pour éviter des reliefs inutiles, indice de Schober explosé, flexion antérieure de hanche et rotation externe du fémur assez appuyée ". Voici Madame plus stretchée qu'une Vénus du Parmesan.

Il y a quelque chose de froid chez elle, presque une mise à distance.

Il faut croire qu'elle résiste bien à la douleur. Son visage reste stoïque. Placé pile entre ombre et lumière, son caractère se double et nous trouble. Il y a quelque chose de froid chez cette charmeuse. Dans les braises de son narguilé brûlerait comme un brin de dédain. La Grande Odalisque joue-t-elle sur tous les tableaux ? En agrippant le voile de satin, elle pourrait bien tenter de se recouvrir. En croisant à nouveau le chasse-mouches, nous pourrions bien tenter de nous questionner. Ne sommes-nous pas les mouches de l'histoire ? Voilà un moment que nos petites mirettes insistantes virevoltent autour de son corps...

Jean-Auguste-Dominique Ingres, à gauche : détail " La Grande Odalisque ", à droite " L'Odalisque à l'esclave " (1839)

huile sur toile * 71 x 100 cm * Fogg Art Museum, Cambridge

Les ocelles qui ornent l'accessoire confectionné en plumes de paon sont autant de paires d'yeux posées sur nous. Dans les vapeurs opiacées de l'alcôve, les regardeurs deviennent les regardés. Qui lâchera le premier ? Le volatile paradeur est d'autant bien choisi qu'on lui prête de nombreuses vertus. Pour le naturaliste Buffon, il " serait le roi des oiseaux si l'empire appartenait à la beauté et non à la force ". Les ocelles de ses plumes seraient alors l'occasion d'un discret clin d'œil aux recherches plastiques du peintre. Parfois même, on associe le paon à l'incorruptibilité de l'âme. Du même coup, ses chairs - réputées imputrescibles - feraient écho à cette peau de lait, lisse pour l'éternité.

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Son regard interpelle, mais le visage coiffé d'un turban brodé d'or reste une énigme. Un jeu d'ombre et de lumière vient perturber son trois-quarts et...

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La Liberté guidant le peuple est une huile sur toile d' Eugène Delacroix réalisée en 1830, inspirée de la révolution des Trois Glorieuses. Présenté au public au Salon de Paris de 1831 sous le titre Scènes de barricades, le tableau est ensuite exposé au musée du Luxembourg à partir de 1863 puis transféré au musée du Louvre en 1874 où il fut l'un des plus fréquentés. En 2013, il est la pièce majeure de l'exposition La Galerie du temps au Louvre-Lens.

Par son aspect allégorique et sa portée politique, l'œuvre a été fréquemment choisie comme symbole de la République française ou de la démocratie.

Description de l'œuvre

L'œuvre assez imposante fut réalisée entre les mois d' octobre et de décembre 1830. La scène se passe à Paris, comme l'indiquent au lointain les tours de la cathédrale Notre-Dame que laissent apparaître les fumées à l'arrière plan. Une foule d'émeutiers franchissent une barricade. Au premier plan, associés aux matériaux - pavés et poutres - qui forment cette barricade, les corps de soldats morts apparaissent tordus et désarticulés. L'un gît nu. Un ouvrier ou un paysan blessé, foulard noué sur la tête, émerge des décombres, le corps et le regard tendus vers une femme du peuple, coiffée d'un bonnet phrygien dont s'échappent des boucles. Celle-ci, représentée en pied, occupe de fait la place principale. Elle brandit du bras droit par la hampe un drapeau tricolore qui occupe l'axe médian de la toile, et tient dans sa main gauche un fusil à baïonnette. Sa poitrine est en partie découverte. On distingue quatre autres personnages aux abords de la barricade : deux enfants des rues - l'un, à droite, coiffé d'un béret brandissant des pistolets de cavalerie, la bouche ouverte sur un cri, l'autre, à l'extrême gauche, coiffé d'un bonnet de police s'agrippant au pavé - un homme, coiffé d'un haut-de-forme, laissant penser que c'est un bourgeois, mais portant le pantalon et la ceinture des ouvriers, les genoux sur la barricade ; et un ouvrier portant un béret, un sabre briquet à la main et sa banderole sur l'épaule. Derrière, on peut voir un élève de l' École polytechnique portant le traditionnel bicorne. Les principaux protagonistes s'inscrivent dans un triangle dont le sommet est le drapeau. Les couleurs dominantes, le bleu, le blanc et le rouge, émergent des teintes grises et brunes. La lumière semble provenir du côté gauche. Les couleurs chaudes dominent le corps des émeutiers.

Situation historique

Le peintre a fait connaître sa toile comme une allégorie inspirée par l'actualité la plus brûlante. Elle a pour cadre les trois journées du soulèvement populaire parisien contre Charles X, les 27, 28 et , connues sous le nom des Trois Glorieuses.

Le 25 juillet, Charles X publie quatre ordonnances dans le but d'écraser l' opposition libérale. Ces mesures comprenaient la suspension de la liberté de la presse périodique, la dissolution de la Chambre des députés des départements, la réforme du suffrage censitaire favorable à l' aristocratie et convocation des collèges électoraux pour le mois de septembre. L'opposition appelle à la désobéissance. Les classes moyennes et le peuple de Paris se révoltent. La capitale se couvre de drapeaux tricolores et de barricades. Le peintre a nommé sa toile 28 juillet, date cruciale de la prise de l' hôtel de ville par les émeutiers. À la faveur de trois jours d'émeutes, Charles X abdique. Louis-Philippe prête fidélité à la Charte révisée le 9 août, inaugurant la " Monarchie de juillet ".

Contexte de la réalisation et genèse de l'œuvre

Quand Delacroix livre la Liberté guidant le peuple, il est reconnu comme le chef de file de l'école romantique française. Il rejette l'idéal classique et les canons de l' art académique de son temps.

Réalisée à partir d' esquisses tracées par l'auteur dès septembre 1830, l'œuvre n'est plus une " peinture d'histoire ". Eugène Delacroix en fait part à son frère le : " J'ai entrepris un sujet moderne, une barricade, et si je n'ai pas vaincu pour la patrie, au moins peindrai-je pour elle ". L'artiste témoigne ici de la ferveur romantique qui lui fait traduire les événements révolutionnaires dont il est contemporain. Car si Delacroix appartient à une longue lignée de grands révolutionnaires qu'a produite le " pays des révolutions ", il n'est pas un révolutionnaire convaincu à l'image de son ami Adolphe Thiers. Comme pour la cause grecque, sa bataille est avant tout d' atelier. De son propre aveu, il a traversé les événements de juillet 1830 comme " un simple promeneur ". Difficile pour le peintre de prendre parti contre le pouvoir qui a été l'un de ses principaux commanditaires. Cependant, la violence de la rue et le patriotisme réinventé enflamment son imagination picturale. À en croire Alexandre Dumas, ce serait la vue du drapeau flottant sur Notre-Dame - ce qui explique la présence dans le coin droit supérieur des tours de Notre-Dame - qui l'aurait fait basculer :

" Quand Delacroix eut vu flotter sur Notre-Dame le drapeau aux trois couleurs, quand il reconnut, lui, le fanatique de l'Empire... l'étendard de I'Empire, il n'y tint plus : l'enthousiasme prit la place de la peur, et il glorifia ce peuple qui, d'abord, l'avait effrayé. "

Ces scènes de combat font aussi écho chez Delacroix à celle de la geste de 1789. Au moment de la réalisation de la toile, il travaille parallèlement à deux tableaux inspirés de la Révolution française pour décorer la nouvelle Chambre des Députés. Mais la " vraisemblance poétique devait l'emporter sur la véracité d'un simple reportage" et l'œuvre dépasse la seule évocation d'une scène d' émeute.

Sa Liberté a sans doute été inspirée d'une lecture des poèmes La Curée d' Auguste Barbier et de Casimir Delavigne Une semaine à Paris, publié en 1830 dans La Revue de Paris qui décrit la foule des émeutiers guidée par une femme du peuple, allégorie de la Liberté. Au-delà, l'œuvre multiplie les références picturales notamment auRadeau de la Méduse.

Signification et portée de l'œuvre

Le personnage central féminin attire tous les regards. La Liberté emprunte autant à la statuaire antique - drapé, pieds nus, poitrine offerte - qu'aux représentations de la femme du peuple à la lourde musculature et à la peau hâlée. Elle emprunte de même aux allégories sereines et hiératiques de la Liberté et de la République qui voient le jour après 1789, comme celles d' Antoine-Jean Gros ou de Nanine Vallain. Elle est ici tant une idée qu'une personne réelle, à mi-chemin entre le tangible et l'idée. C'est cette superposition de références et cette incertitude qui marque Heinrich Heine qui donne un long commentaire littéraire de l'œuvre : " une douleur impudente se lit dans ses traits, au total bizarre mélange de Phryné, de poissarde et de déesse de la liberté ". Curieusement, cette figure allégorique se mêle aux hommes et participe directement aux combats. Elle rassemble le peuple, les faubourgs et la bourgeoisie déclassée dans un même lyrisme révolutionnaire, portée par la construction pyramidale.

Pour l'historien Jean-Clément Martin, le sein dénudé n'est pas simplement un code artistique calqué sur le modèle antique mais représente la femme comme mère nourricière, ce qui précisément limitait sa liberté.

Pilier et piédestal, le peuple, dont la misère est sublimée par l'action héroïque, y est représenté comme un élément actif de la révolution. Cette lecture des événements de 1830 a, d'ailleurs, indisposé le premier public bourgeois, qui reprocha à la Liberté et aux protagonistes leur " saleté ".

Delacroix joue sur un registre patriotique en restreignant volontairement sa palette de couleur et disséminant dans le tableau par un " motif conducteur " ( leitmotiv) les trois couleurs du drapeau national. Il produit un effet d'identification : le public se sent appelé, sent qu'il fait partie du peuple - même si ce dernier est dépeint sous des traits ambigus.

Delacroix compose la scène à l'encontre des principes de la peinture de guerre auxquels les scènes de combats des révolutions de 1830 et 1848 se sont conformés. Les insurgés font face au spectateur, le dominent et marchent sur lui. Au milieu à droite de la toile, on peut voir les tours de la cathédrale de Notre-Dame, donc la scène se passe à Paris. Au reste, les adversaires ne sont que peu visibles, perdus dans les fumées de l'arrière-plan. Enfin, les assaillants forment une troupe disparate, dont chaque membre semble emprunter plusieurs directions.

Réception de l'œuvre

Le lyrisme et la violence à l'œuvre dans la toile ont tout d'abord surpris le public. Mais c'est surtout l'image qu'il est donné du peuple et plus généralement de combattants des journées de juillet qui a scandalisé la critique. " Vraiment, M. Delacroix a peint notre belle révolution avec de la boue. " Les détails morbides, les représentations sans concession du sale choquent les partisans d'un nouveau régime qui souhaite apaiser les classes populaires et donner une image idéalisée des combats.

Louis-Philippe en fait cependant l'acquisition en octobre pour la somme de 3 000 francs, l'expose quelque temps, non pas dans la Salle du Trône aux Tuileries, mais au musée Royal, alors au palais du Luxembourg, puis à Versailles, avant de la rendre au peintre, qui obtient la permission de la faire figurer à l' exposition universelle de 1855, sa première présentation à un large public. De nouveau présentée au Luxembourg, la toile est finalement accueillie au Louvre en 1874.

Postérité de l'œuvre

La scène a probablement inspiré à Victor Hugo sa barricade dans Les Misérables et plus particulièrement son personnage de Gavroche,.

La Liberté guidant le peuple figure parmi les œuvres du les plus mobilisées au que ce soit pour un usage officiel, publicitaire ou scolaire. En France, elle prend valeur d'emblème. Son ancrage patriotique lui vaut de devenir un symbole républicain, voire une icône de la République. L'œuvre illustre les billets de banque de cent francs de 1978 à 1995. La Liberté se meut en Marianne pour la série de timbres d'usage courant gravé par Pierre Gandon, " Liberté " de 1982 à 1990.

L'œuvre incarne l'idéal révolutionnaire et le combat pour la liberté et pour cela a suscité de nombreuses relectures, appropriations, citations et imitations. Sa forte charge politique lui vaut d'être mobilisée pour envoyer des messages forts. En 1936, John Heartfield l'insère dans son photomontage, La liberté même se bat dans leurs rangs. Le photographe français Gérard Rancinan en propose son interprétation contemporaine et photographique - La Liberté dévoilée (2008) - sous une forme volontairement provocatrice. Dans le domaine politique et médiatique, la silhouette allégorique a inspiré les logos du groupe politique Debout la République ainsi que celui de l'hebdomadaire politique . En 2009, l'affiche de la fête de l'Humanité comporte, au premier plan, la Liberté noire, porteuse d'un drapeau rouge et d'une guitare électrique, avec la poitrine couverte.

Sa valeur patrimoniale lui vaut d'inspirer de nombreuses caricatures de presses et la rend sujettes aux détournements publicitaires. L'œuvre est ainsi pastichée en 1999 par le collectif La Brigade sur la pochette du maxi Libérez. En 2008, elle illustre la pochette du quatrième album de Coldplay, Viva la Vida or Death and All His Friends, référence au tableau de Frida Kahlo. Dans le film , lorsque l'oncle des adolescentes (héroïnes du film) veut les rééduquer moralement, la grand-mère retire une photo de La Liberté guidant le peuple de leur chambre.

L'œuvre a pu être considérée comme " undignified or improper " par essence (" manquant de dignité ou indécent "). Elle illustre l'étiquette de la bière des Sans-Culottes ( brasserie La Choulette) et sa commercialisation a donné lieu à un débat sur la liberté d'expression dans le Maine et dans quatre autres États des États-Unis,.

Au moins deux photographies prises le à Paris lors de la grande manifestation hommage aux victimes des attentats, ont été a posteriori nommées Le Crayon guidant le peuple, du fait de leur similitude esthétique et symbolique avec le tableau. Les photographies représentent des manifestants montés sur le groupe monumental du Triomphe de la République de Jules Dalou, place de la Nation à Paris.

Au recto du billet de banque 100 francs Delacroix, l'autoportrait d'Eugène Delacroix tenant au premier plan, sa palette et ses pinceaux devant un détail du tableau, La Liberté guidant le peuple.

Mur de séparation traversant Bethléem

Cliquez sur une vignette pour l'agrandir.

Déplacements

Située dans la salle Mollien, au musée du Louvre, l'œuvre est plusieurs fois déplacée pour être prêtée à des expositions temporaires : une première fois au Japon en 1999 et une autre à Strasbourg en 2004. En 1999, le tableau fut transporté par un Beluga d'Airbus, qui fut décoré avec une reproduction de l'œuvre constituée de panneaux adhésifs. Les dimensions du tableau, sa valeur et sa fragilité imposaient ce type de transport, en raison de la taille du caisson créé spécialement pour le protéger, destiné à annuler vibrations et variations climatiques, équipé de capteurs et mesurant 3,50 m par 4,50,. Deux restaurateurs sont également intervenus sur le tableau afin de le préparer à l'épreuve de ce voyage. À Tokyo, le tableau a été vu par 350 000 visiteurs en moins d'un mois. Lors des escales à Bahreïn et Calcutta, les seins de la Liberté furent dissimulés pour ne pas heurter les populations.

En 1956, une tournée de l'œuvre dans le bloc de l'Est avait été projetée, notamment à Varsovie, Moscou et Leningrad ; ce projet n'a pas abouti.

En 2012, le tableau est prêté à l' antenne du musée à Lens, pour l'exposition La Galerie du temps. Le , une visiteuse vandalise la toile au marqueur; la surface touchée est nettoyée le jour suivant. Le tableau est retourné dans les murs du musée du Louvre le .

Notes et références

1. Delacroix a envisagé un temps d'intituler sa toile La Barricade et elle a été annoncée sous le nom de Scènes de barricades lors de sa première exposition le 28 juillet.

2. Balzac y voit d'ailleurs une icône populaire qui devait inspirer le personnage de Catherine dans son roman Les Paysans (1855) : " Catherine, grande et forte, en tout point semblable aux filles que les sculpteurs et les peintres prennent, comme jadis la République, pour modèle de la Liberté, charmait la jeunesse de la vallée d'Avonne par ce même sein volumineux, ces mêmes jambes musculeuses, cette même taille à la fois robuste et flexible, ces bras charnus, cet œil allumé d'une paillette de feu, par l'air fier, les cheveux tordus à grosses poignées, le front masculin, la bouche rouge, aux lèvres retroussées par un sourire quasi féroce, qu'Eugène Delacroix, David d'Angers ont tous deux admirablement saisis et représentés. Image du peuple, l'ardente et brune Catherine vomissait des insurrections par ses yeux d'un jaune-clair, pénétrants et d'une insolence soldatesque. ".

3. C'est le cas des toiles du Salon de 1831 qui traitent des Journées de Juillet. La comparaison de la Liberté avec La Barricade rue Soufflot d'Horace Vernet qui bien que postérieure de dix-huit ans traite d'un thème voisin, met en lumière le parti pris de Delacroix.

Références

1. William Kidd, " Les Caprices anglais de Marianne ", in La République en représentation : autour de l'œuvre de Maurice Agulhon, Paris, Publications de La Sorbonne, 2006.

2. Lettre à Thoré du 18 janvier 1836, Correspondance générale d'Eugène Delacroix, A. Joubin, Paris, 1936.

3. Yves Sjöberg, Pour comprendre Delacroix, Beauchesne, 1963.

4. " Le simple promeneur comme moi avait la chance d'attraper une balle ni plus ni moins que les héros improvisés qui marchaient à l'ennemi avec des morceaux de fer, emmanchés dans des manches à balai ". Lettre à son neveu Charles de Verninac, . Il est cependant établi qu'il s'est rendu au Louvre pour protéger les collections des combats.

5. " C'est que la Liberté n'est pas une comtesse / Du noble faubourg Saint-Germain " mais une " forte femme aux puissantes mamelles ".

6. Anthony Berthelier, " Pourquoi Marianne a-t-elle le sein nu? La réponse de trois historiens ", sur huffingtonpost.fr, .

7. Nicos Hadjinicolaou, article cité.

8. Journal des artistes, cité par Dominique Massonaud (sous la direction de), Le Nu moderne au salon (1799-1853) : revue de presse, Grenoble, 2005, .

9. A. Sérullaz et V. Pomarède, Eugène Delacroix : La Liberté guidant le peuple, collection Solo, Paris, 2004.

10. CRDP de Montpellier, page "quelques liens remarquables, Delacroix et Hugo".

11. Nicos Hadjinicolaou, " La Liberté guidant le peuple de Delacroix devant son premier public ", Actes de la recherche en sciences sociales, 1979, vol. 28.

12. Site ladepeche.fr, article "La décoration du Beluga est signée.... Delacroix", consulté le 13 janvier 2020.

13. Cécile Bouanchaud et Lionel Gougelot, " La Liberté... : elle a écrit "AE911" ", Europe 1, (consulté le 8 février 2013) .

14. Bernadette Arnaud, " Mon intervention a permis de supprimer l'encre sans solubiliser le vernis ", Sciences et Avenir.fr,‎ (lire en ligne) .

15. Déclaration vocale du directeur des collections du Musée du Louvre, Enregistré sur l'application Bobler, 10 décembre 2013.

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Bibliographie

: document utilisé comme source pour la rédaction de cet article.

T.J. Clark, Le Bourgeois absolu - Les Artistes et la politique en France de 1848 à 1851, Art édition, 1992. (Chapitre I - (en) " The picture of the Barricade " consultable en ligne).

Nicos Hadjinicolaou, " La Liberté guidant le peuple de Delacroix devant son premier public ", Actes de la recherche en sciences sociales, 1979, vol. 28.

Lee Johnson et Michèle Hannoosh (ed.), Eugène Delacroix, Les Nouvelles Lettres, Bordeaux, William Blake & Co., 2000.

Hélène Toussaint, La Liberté guidant le peuple, les dossiers du Département du Louvre no 26, RMN, 1982.

Jörg Traeger, " L'épiphanie de la Liberté. La Révolution vue par Eugène Delacroix ", Revue de l'Art, 1992, vol. 98, p. 9-28.

Myriam Tsikounas, " Le Gamin et la Liberté à la conquête des beaux quartiers ", Imaginaires urbains. Du Paris romantique à nos jours, Paris, Le Manuscrit, janvier 2011, p. 247-250.

Articles connexes

Liens externes

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La Liberté guidant le peuple - Wikipédia

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La Liberté guidant le peuple est une huile sur toile d' Eugène Delacroix réalisée en 1830, inspirée de la révolution des Trois Glorieuses. Présenté au public au Salon de Paris de 1831 sous le titre Scènes de barricades , le tableau est ensuite exposé au musée du Luxembourg à partir de 1863 puis transféré au musée du Louvre en 1874 où il fut l'un des plus fréquentés.

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Jeunes femmes en bikini - Mosaïque de la villa romaine du Casale - Sicile - Construite à partie du IIIe siècle

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Jeunes femmes en bikini - Mosaïque de la villa romaine du Casale - Sicile - Construite à partie du IIIe siècle

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La villa de Casale comporte 3500m2 de mosaïques

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Les penseurs de Hamangia - Roumanie - 5e millénaire BC

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Personnage reposant son menton sur son genou - Nigéria - -500/500

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Sculpture de la culture Nok

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Homme à barbe - Période Nagada - Egypte - 3800 - 3500 BC

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Gwion Gwion - Peinture sur Roche - Australie - 12000 BC

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Art aborigène

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Les frères de la foudre - Pétroglyphe (gravure sur roche) - Australie - 3000 BC

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Art aborigène

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Pipe de la Culture Adena - entre -100 et 100 - Amérique du Nord

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Tête colossal olmèque - montagne de la Sierra de los Tuxtlas - Mexique - entre 1500 et 900 BC

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Tête colossal olmèque - montagne de la Sierra de los Tuxtlas - Mexique - entre 1500 et 900 BC

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Sculpture monolithique en ronde bosse de grande taille taillée dans des rochers de basalte

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La cabesa de Senor Priest - Lima - Perou

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La cabesa de Senor Priest - Lima - Perou

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1er au 7e siècle AD

Conservée au musée du Quai Branly Jacques Chirac

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Tombeau du Premier Empereur de Chine

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Statue mongole datant de la période des Royaumes combattants - Env 500 BC

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Roi-prêtre de Mohenjo Daro - Civilisation de la vallée de l'Indus - env 2000 BC

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Statue en stéatite - conservée au musée de Karachi (Pakistan)

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Portrait de Paquius Proculus et son épouse - 20/30 AD - Pompéi

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Fresque retrouvée lors des fouilles de la Casa di Pansa - conservée au musée de Naples

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Fresque de la villa des Mystères - Pompéi - 70 BC

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Le sarcophage des époux - Caere (près de Rome)

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urne funéraire étrusque - 520 BC - conservée au musée du Louvre

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Discobole (copie romaine 120 AD) - Grèce - 450 BC

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1800 - 1700 BC

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La statue Glauberg du sanctuaire de Vix - Bourgogne (France)

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Bas-relief mural en briques glaçurées à reliefs retrouvée au palais Achéménide de Suse

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env 1900 à 1750 BC

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Girl Bird - statuette en terre cuite de l'époque Nagada (Egypte)

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Girl Bird - statuette en terre cuite de l'époque Nagada (Egypte)

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Environ 5500 BC

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Assourbanipal chassant le lion sur son cheval, Ninive (Irak actuelle)

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645 - 635 BC

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REMBRANDT - Académie d'un homme assis à terre

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titre de la notice a été ajoutée à Album temporaire (expire dans 143 jours)

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Frida Kahlo, La Colonne brisée, 1944

Huile sur masonite * 33 x 43 cm * Coll. Museo Dolores Olmedo Patino, Mexico * © Leonard de Selva / Bridgeman images / © 2020 Banco de México Diego Rivera Frida Kahlo Museums Trust, Mexico, D.F. / Adagp, Paris

Debout dans un paysage aride, l'artiste nous toise, seins nus, stoïque dans son corset de fer. Fissuré en deux, son buste est criblé de clous. Des larmes roulent sur ses joues impassibles. Parmi les 55 autoportraits sans complaisance que Frida Kahlo (1907-1954) a laissés derrière elle, celui-ci incarne plus que jamais la puissance de son œuvre où la souffrance, déchirante, cohabite avec une force tranquille, fière et grave. Expression impitoyable de la douleur que la peintre mexicaine a endurée toute sa vie suite à un terrible accident de bus survenu à l'aube de ses 18 ans, ce cri intérieur s'avère si poignant que certains médecins le considèrent comme un précieux outil de compréhension des plus lourdes peines du corps et de l'âme...

Ce qu'il faut savoir

Frida Kahlo se défend d'être surréaliste : même si elle use de symboles, ce qu'elle représente est sa réalité. La colonne vertébrale (ici figurée par un pilier en ruines), les côtes et le bassin cassés, la jambe droite fracturée en onze endroits et la cavité pelvienne transpercée par une barre de métal, l'artiste, privée de la capacité d'avoir des enfants, subira jusqu'à sa mort de longues périodes d'alitement et de lourdes opérations qui ne la soulageront jamais. Cette femme au tempérament de feu n'a pourtant pas renoncé à voyager, à peindre plus de 140 tableaux et à connaître des relations passionnées - un courage et une soif de liberté qui font aujourd'hui d'elle l'une des plus grandes icônes du féminisme !

Où la voir ?

Au musée Dolores Olmedo à Mexico, qui abrite 25 tableaux d'elle et 145 de son mari muraliste Diego Rivera. Une visite à compléter absolument par celle de la mythique Casa Azul - une jolie maison bleue dotée d'un petit jardin exotique - où se trouvent les cendres, la chambre et les affaires personnelles de l'artiste, dont son matériel de peinture, son fauteuil roulant et sa collection de robes flamboyantes, témoignage de son amour sans faille pour la culture mexicaine.

Frida Kahlo

1944

Huile sur panneau

39,8 x 30, 5 cm
Coll. musée Dolores Olmedo, Mexico
À lire aussi : Le plafond de l'Opéra de Paris de Chagall : un éclatant concert de couleurs

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" La Colonne brisée " de Frida Kahlo, manifeste de résilience

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Debout dans un paysage aride, l'artiste nous toise, seins nus, stoïque dans son corset de fer. Fissuré en deux, son buste est criblé de clous. Des larmes...

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Statuette de Baal, main droite levée, bronze coulé fondu - env -1550 / -1150

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Floe - street artiste atypique - Street art Reunion Island

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Floe travaille le rapport à l’enfance et à la féminité par ses couleurs acides, formes sensuelles mêlées de pudeurs. Contraste trait soigné et fond spontané

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Bas relief représentant les douze dieux souterrains - Yazilikaya - Turquie

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Bas relief représentant les douze dieux souterrains - Yazilikaya - Turquie

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Le site de Yazilikaya (site archéologique hittite situé en Turquie à 2 km d'Hattusha, la capitale du royaume hittite) est un site cultuel rupestre à ciel ouvert

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KLIMT

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Gustav Klimt, de l’or et des femmes | Les Hardis

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Figure incontournable du symbolisme et créateur de la Sécession viennoise, le peintre Gustav Klimt se démarque de ses contemporains par ses compositions précieuses teintées de poésie et de sensualité. Bercé par l’Art Nouveau et les théories Freudiennes du tournant de siècle, il n’a eu de cesse de s’en inspirer afin de livrer des œuvres de plus en plus audacieuses… en plaçant la figure de la femme en tant que principale source d’inspiration. On dénombre pas moins d’une centaine de représentations féminines dans l’ensemble du travail de Klimt. À la fois sensuelle et dominatrice, la figure féminine apparait comme un élément clé dans la construction d’une mythologie onirique singulière… Plongée dans l’univers de Gustav Klimt et de ses figures féminines sensuelles…

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MANSUR IBN ILYAS - Manuscrit d'anatomie

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Médecine arabe : « circulation sanguine et système digestif » Miniature du manuscrit d’anatomie « Tashrih bi al-Taswir » (Anatomie du corps) par Mansur ibn Ilyas (vers 1390) 17e siècle Istanbul, bibliothèque universitaire

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Médecine arabe : « circulation sanguine et système digestif » Miniature du manuscrit d’anatomie « Tashrih bi al-Taswir » (Anatomie du corps) par Mansur ibn Ilyas (vers 1390) 17e siècle Istanbul, bibliothèque universitaire

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Statuette de Catal Höyük - Anatolie Centrale - Turquie

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Statuette de Catal Höyük - Anatolie Centrale - Turquie

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env 8000 BP

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WOLGEMUT - Danse macabre

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Danse macabre de la Chronique de Nuremberg | Estampe d’art

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Danse macabre de la Chronique de Nuremberg | Michael Wolgemut Imprimé avec souci du détail sur une véritable toile de peintre

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œuvre sumérienne retrouvée dans ce qui était le cimetière royal de la cité d'Ur (Irak actuelle)

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Statue d'Ain Ghazal - entre 7200 et 6250 BC - Jordanie

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Statue d'Ain Ghazal - entre 7200 et 6250 BC - Jordanie

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Statues formées en modelant du plâtre humide

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Critiques (4), citations (3), extraits de Cher corps, je t'aime de Jessica Sanders. Le texte est très intéressant et positif, les illustrations montrent l...

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PICASSO - Guernica

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ZOOM SUR : Guernica, Pablo Picasso (1937) - Museum TV

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En 1937, pour l'Exposition Universelle, Picasso est sollicité par l'Espagne pour peindre un tableau. Il décide de peindre le tragique évenement de Guernica.

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Les grands plongeurs noirs - Centre Pompidou

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Homme fuyant devant un bison - Scène rupestre - Abri du Roc de Sers - Charente 

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Homme fuyant devant un bison - Scène rupestre - Abri du Roc de Sers - Charente 

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Env 18 000 BP

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Empreinte de main d'enfant - Fontanet  - Ariège

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Empreinte de main d'enfant - Fontanet  - Ariège

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Paléolithique supérieur

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Empreinte d'une main d'enfant Fontanet.PNG

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Nikolay Sergeevich Belkov (5 September 1950, Leningrad, the USSR - 21 May 1996) - designer, member of the Union of Artists of Russia, author the pictograms system which was patented and officially used on Olympic Games in 1980, Moscow. Used to be the permanent participant of Leningrad, all-Russian, all-Union, international exhibitions and International Poster Biennale. He was awarded the medal "For Distinguished Labour".

Nikolay Belkov was born in 1950 in Leningrad. He was fascinated by pentathlon. Modern pentathlon is a multidimensional and exciting sports all-around, forming strength and endurance, as well as a strong friendship and cohesion of all team members, especially since the Olympic Сhampion in modern pentathlon A.A. Tarasov was the coach. Nikolay became a master of sports and had every chance to enter the national team of the USSR.

System of pictograms of Olympic sports (designer N. Belkov, Olympic games-80)

In 1977, Nikolay Belkov graduated from the evening department of the faculty of industrial art of Leningrad Higher Art and Industrial School named after V. I. Mukhina. His graduated work was dedicated to a system of pictograms developed by him for all Olympic Sports for the 1980s Olympic Games.

Smoothness of the figures on the icons is achieved by building with coner of 30-60 degrees

After finishing his studies at the school, Nikolay Belkov chose to design a set of equipment for pentathletes as his graduation project. Together with this, he worked on the creation of emblems of the five sports included in the pentathlon. Having developed dozens of options, he at some point caught the General principle of graphic construction. In this regard, the idea was born to try to portray all sports as icons. Schematic images of different sports were once used at the Olympics in London, Tokyo, Munich, Montreal. Nikolay studied the experience of foreign designers in detail and contrasted their dancing men with a new system of symbols. The basis for the work was the famous system of icons designed by Otto Aicher that was created for the Olympics in Munich.

The system of pictograms was patented and successfully implemented at the Olympic games in Moscow in 1980. And the graduated work on its development became one of the best final works of the Stieglitz Academy.

Collection of posters by Nikolay Belkov

Collection of posters by Nikolay Belkov

As a member of the Union of Artists, Nikolay Belkov, along with other artists, was at the origins of the art movement that formed the Leningrad School of Poster Art.

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→ Nikolay Sergeevich Belkov (5 September 1950, Leningrad, the USSR - 21 May 1996) - designer, member of the Union of Artists of Russia, author the pictograms system which was patented and officially used on Olympic Games in 1980, Moscow. Used to be the permanent participant of Leningrad, all-Russian, all-Union, international exhibitions and International Poster Biennale.

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Main sur fond - grotte de Gargas - Dordogne

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Main sur fond - grotte de Gargas - Dordogne

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Env 27 000 BP

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Une main en négatif - Grotte Chauvet - Ardèche

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Une main en négatif - Grotte Chauvet - Ardèche

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env 36000 BP

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Offset de David Hockney, The Skater (Official 1984 Sarajevo Winter Olympics Poster) sur Amorosart

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David Hockney, The Skater (Official 1984 Sarajevo Winter Olympics Poster) , offset proposé par Fairhead Fine Art Ltd à vendre sur le portail d’art Amorosart

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Vénus de Grimaldi - dite Le Losange , stéatite verte - découverte dans la grotte de Grimaldi (Italie)

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Vénus de Grimaldi - dite Le Losange , stéatite verte - découverte dans la grotte de Grimaldi (Italie)

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Le Losange est une vénus paléolithique, une statuette debout, avec quelques stries concentriques sur le ventre, seins volumineux et écartés, hanches et fesses peu saillantes, ventre et triangle pubien formant une masse en fort relief.

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Étienne-Jules Marey - Google Arts & Culture

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″ Voir l’invisible et reculer les limites de nos sens”

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Venus de Willendorf - statuette en calcaire oolithique

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Venus de Willendorf - statuette en calcaire oolithique

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environ 22000 - 24000 BP

Découverte à Willendorf en Autriche en 1908 lors des travaux d'une ligne de chemin de fer

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vers 27 000 BP - grotte de Grimaldi (Italie)

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La Dame de Grassempouy - figurine - ivoire sculpté - gravettien - Landes

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La Dame de Grassempouy - figurine - ivoire sculpté - gravettien - Landes

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env 22000 BP - Paléolithique supérieur

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Gravure sur bloc - Grotte de la Marche - Lussac-les-Châteaux (Vienne)

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Gravure sur bloc - Grotte de la Marche - Lussac-les-Châteaux (Vienne)