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En el poema, los gitanos aparecen vinculados a la tradición popular a través de varios elementos característicos: el entorno en que se sitúan (la fragua), los metales (como el estaño, con los que trabajan), el ritmo y la música (el tambor del llano), y los espacios naturales típicamente andaluces (el olivar). Lorca los presenta con un halo mítico y enigmático, cargados de fuerza simbólica, como representantes de una cultura marginal pero profundamente enraizada en lo popular. Se los percibe como figuras poderosas (“bronce y sueño”), lo que refuerza esa visión mítica.

Lorca presenta a la Luna como un personaje femenino, bello y enigmático, cargado de simbolismo. Aparece personificada desde el inicio (“vino a la fragua con su polisón de nardos”) y se le atribuyen rasgos sensuales (“enseña, lúbrica y pura, sus senos de duro estaño”). La Luna es símbolo de la muerte, una figura seductora que danza y hechiza al niño para llevarlo consigo. Se utilizan metáforas como “corazón de la luna” (convertido en joyas por los gitanos), y la imagen del “blancor almidonado”, que refuerza su pureza y frialdad. También se asocia con el metal (“senos de duro estaño”), lo que la vincula directamente al mundo gitano y a la fragua.

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La estadía de Federico García Lorca en la Residencia de E͏studiantes en 1919 fue muy impor͏tante para su cambio como ͏persona y creativo. Allí se unió con alg͏unos de los pensadores y ar͏tistas grandes del ti͏empo, como Salvador Dalí o Luis Buñuel, lo ͏que ayudó mucho a mejorar su͏ visión del arte. Es͏te lugar impulsó su creación y l͏e dejó jugar con n͏uevas maneras de mostrar. La mezcla de modernidad, pensamien͏to suelto y vanguardia influyó claramente en sus traba͏jos tanto en el estilo como en los temas. Poesías como "Si mis͏ m͏anos pu͏dieran deshoj͏ar" muestran una sentibilidad profunda, un mundo interno͏ lleno de p͏asión, dudas y beleza, esas calida͏des q͏ue crecieron por esa ét͏apa de vida intel͏ectual.

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Federico García Lorca unía mucho con el mundo de los niños porque, en el fondo, nunca dejó ser un niño curioso y sensible. Su infancia e͏n Fuente Vaqueros y el ͏campo͏ andaluz fue lleno destímulos naturales, cuent͏os viejos y juegos creativ͏os. Desde pequeño jugaba hacer altares teatrillos y actuar historias con muñecos movidos por h͏ilos debido las sirvientas su cas͏a qu͏e contaban romances y leyenda͏s Ese am͏bi͏ente͏ marc͏ó su manera ver el mundo le dejó s͏entimien͏to especial por lo mágico lo sutil y lo emocional que llevó después a ͏su͏ poesía.

En el poema El lagarto está llorando, se evidencia laa conexión de ese poema con lo infantil en todo lo antedicho: tiene ritmo y repeticiones, animales humanizados, diminutivos y el tono dulce de tristeza. Son disfrutados por los niños por su musicalidad y su historia sencilla y se descubren temas profundos que el cambio del tiempo, la pérdida y el amor.. En muchos de sus poemas, hay profundidades, que los enriquecerá y extenderá la satisfacción de la vida del niño. Lorca sabia conversar de lo esencial desde su distancia ingenua y hermosa y sus poemas fue accesible a todos los edades por su lenguaje sencillo y armonioso. Su Presencia artística-installation; Su interés en todas las direcciones, la música, el folklore, la ebriedad y la literatura; Su vitalidad de la mente y el corazón podría enfocar a los niños de una manera que mostrara afecto sin condescendencia.

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En este poema de Canciones, Lorca se ocupa del problema de la muerte causado por la frustración y la falta de libertad. Esto se expresa por varios símbolos. Por ejemplo, las alas rotas son un símbolo de frustración, un sueño que es imposible escapar o volar libremente. Y las flores de Ragât están abiertas al público y animado. Otro símbolo fuerte es el diván de seda blanca. Esto se refiere a la delicada imagen casi teatral del cuerpo que se debe al suicidio. El joven que claramente propone una parada del suicidio es como si se hubiera convertido en el lugar donde se supone que debe arrojarse. Este poema es un gran ejemplo de cómo se entrelazó visualmente el declive simbólico y emocional.

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Romance sonámbulo es un poema de Federico García Lorca que pertenece a su libro Romancero gitano (1928). Aunque es una composición lírica, presenta características propias del romance tradicional, como el verso octosílabo con rima asonante en los versos pares (esquema métrico típico: a–a–), el uso de recursos populares (repeticiones, paralelismos, estribillos) y, sobre todo, su carácter narrativo.

En cuanto a la historia que narra, el poema se puede dividir en varias partes:

1. Introducción misteriosa y simbólica: una mujer está en un balcón, asociada a la muerte (ojos de fría plata, sombra en la cintura), esperando a alguien que no llega. El color verde, repetido en el estribillo, simboliza tanto la esperanza como la muerte.

2. Desarrollo narrativo: un joven herido (contrabandista) huye de la guardia civil acompañado por un hombre mayor (su compadre y padre de la muchacha). El joven quiere llegar a casa de su amada antes de morir. En este punto, aparece el diálogo entre ambos hombres y se introducen elementos dramáticos: la herida, el arrepentimiento, la urgencia.

3. Desenlace trágico: cuando llegan, descubren que la muchacha se ha suicidado tirándose al aljibe. El poema termina con la repetición del estribillo, cerrando así la estructura circular y marcando el final fatal de la historia.

Este romance tiene un tono onírico y trágico, propio del estilo lorquiano, y mezcla elementos populares (temas como el amor, la muerte, la guardia civil, el contrabando) con un lenguaje simbólico y vanguardista. A través de la historia de los amantes separados por la violencia y el destino, Lorca construye una imagen poética del mundo gitano y su trágica belleza.

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En Romance de la luna, luna, Lorca combina elementos del folclore andaluz y la cultura gitana con un fuerte simbolismo. La Luna aparece como figura femenina, sensual y misteriosa, símbolo de la muerte que seduce al niño hasta llevarlo consigo. La historia, aunque sencilla, transmite una profunda carga trágica y mítica. Los gitanos, ligados a la fragua, los metales y la naturaleza, refuerzan el tono popular y mágico del poema. La metáfora y la personificación dotan al texto de belleza y dramatismo, convirtiéndolo en una representación simbólica del destino inevitable y la muerte.

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Federico García Lorca llegó a Nueva York en 1929, el mismo año en que tuvo lugar el conocido crack del 29, una gran crisis económica que hundió la Bolsa y provocó una fuerte recesión mundial. Este acontecimiento histórico tuvo un gran impacto en la ciudad y en la visión que el poeta transmitió en su obra Poeta en Nueva York. La experiencia de Lorca en una ciudad marcada por el caos, la deshumanización y la desesperanza se refleja claramente en el poema La Aurora.

Lorca muestra una imagen perturbadora de la ciudad. Una de las imágenes más impactantes es “la aurora que no tiene nada de aurora”, que sugiere una luz que en vez de anunciar esperanza, transmite tristeza y vacío. Otra imagen significativa es “los primeros que salen comprenden con sus huesos que no habrá paraíso ni amores deshojados”, que refleja la falta de ilusiones y la dureza de la vida urbana. Finalmente, la expresión “luz sucia que empapa columnas y almas” representa una ciudad contaminada no solo en lo físico, sino también en lo espiritual.

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Federico García Lorca fue asesinado en agosto de 1936, poco después del inicio de la Guerra Civil Española. El poeta fue detenido por las autoridades franquistas en Granada, acusado de ser socialista, masón y homosexual. Fue fusilado en un paraje entre Víznar y Alfacar, y su cuerpo nunca fue recuperado, convirtiéndose en uno de los símbolos más trágicos de la represión franquista .​

La Ley de Memoria Histórica, aprobada en 2007 y posteriormente reemplazada por la Ley de Memoria Democrática en 2022, busca reconocer y reparar a las víctimas de la Guerra Civil y la dictadura franquista. Estas leyes han impulsado iniciativas para localizar y exhumar fosas comunes, así como para eliminar símbolos franquistas del espacio público .​

La muerte de Lorca representa una de las heridas más profundas de la historia reciente de España. Su asesinato, motivado por sus ideas y su identidad, simboliza la brutal represión que sufrió el país durante la dictadura. Las leyes de memoria histórica y democrática son pasos fundamentales para reconocer a las víctimas y para que la sociedad no olvide estos hechos. Recordar a Lorca y a tantos otros no es solo un acto de justicia, sino también una forma de fortalecer nuestra democracia y evitar que se repitan los errores del pasado.​

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La litografía de Manuel Viola inspirada en Casida de la mujer tendida refleja con fuerza la atmósfera del poema de Lorca. A través de trazos expresionistas y una gama cromática oscura, la obra sugiere una figura femenina que se funde con la tierra, aludiendo a la muerte, el silencio y la eternidad. La abstracción y la ausencia de formas definidas evocan el tono simbólico y onírico del texto, donde el cuerpo se presenta como paisaje detenido entre la vida y la muerte. Esta interpretación pictórica amplifica el valor poético del original y conecta ambas artes en una visión compartida de la pérdida y la belleza trágica.

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Hay una ͏canc͏ión del Poem͏a del cante jondo cantada por el cantaor flamenco Miguel Poveda, quien c͏ambia lo͏s versos de Lorca sin perder el senti͏do del cante jondo. Esta versión une ͏me͏jor la poesía de Lorca y la música de Andalucí͏a.

🔗 Escuchar versión de Miguel Poveda en RTVE

Manuel de Falla (Cádiz, 1876 – Alta Gracia, Argentina, 1946) fue un compo͏n͏is͏tor español͏ muy importante en la música de España͏ del siglo XX. ͏Entre sus obras más famosas e͏stá͏n ͏El amor brujo y El sombr͏ero de tres pico͏s. Su trabajo con Lorca en la organización del Concurso de Cante Jondo͏ en 1922 en Granada fue clave para p͏oner en valor el flamenco com͏o ͏arte ͏profundo. Falla ͏ponía partes͏ del cante jondo en sus piezas música, destacando lo especi͏al del folclore andaluz en es͏te tipo de música clásica.