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Características:

Herramientas y técnicas: En este período se desarrollaron herramientas de trabajo más avanzadas, como utensilios hechos de piedra y hueso. Se inventaron objetos como la lámpara de aceite, el arco y la flecha, y la aguja.

Arte rupestre:

Soportes y materiales: Las pinturas se realizaban en paredes y techos de cuevas o abrigos rocosos, aprovechando las características naturales de los relieves y fisuras.

Técnicas y pigmentos: Los colores predominantes eran rojizos, ocres y negros, obtenidos de carbón vegetal, minerales como el óxido de manganeso, y fluidos corporales como sangre. Para unir los pigmentos, se usaba grasa animal o aceite.

Motivos representados: Los temas más comunes eran animales, como mamuts, bisontes, caballos, cerdos salvajes, ciervos y renos, que solían ser representados en escenas de caza, a veces heridos con lanzas o flechas. Las figuras eran detalladas y naturalistas.

Arte mueble:

Objetos portátiles: Además del arte rupestre, también se desarrolló el arte mueble, que consistía en pequeños objetos artísticos que se podían transportar, como las Venus (figuras femeninas de fertilidad), utensilios decorados y colgantes hechos en hueso o cuerno.

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Cambios sociales y tecnológicos:

Sedentarización: Es la última etapa de la Edad de Piedra, caracterizada por la transición de una vida nómada a asentamientos permanentes.

Desarrollo de la agricultura y ganadería: Esto permitió una fuente estable de alimentos y el surgimiento de las primeras comunidades.

Nuevas tecnologías: Uso de herramientas de piedra pulida, que eran más resistentes y duraderas. También se domesticaron animales para el transporte y la agricultura. Durante este período se inventaron la rueda, el telar y la alfarería.

Características:

Cambio de estilo: A diferencia del Paleolítico, el arte del Neolítico muestra una transición hacia la abstracción y el uso de símbolos, en lugar de imágenes realistas.

Figuras humanas: Aparecen representaciones de seres humanos, como huellas en negativo de manos y otras formas que reflejan el entorno, como hojas y otros elementos naturales.

Estilo esquemático: Las figuras son más abstractas y simbólicas, con menor nivel de detalle o realismo en comparación con el Paleolítico.

Temática:

Escenas de la vida diaria: Se representan actividades como la caza, realizadas por los miembros de las aldeas.

Escenas de caza: Estas escenas continúan siendo un tema importante, aunque ahora representadas de manera más esquemática.

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Contexto y características generales:

Influencia en el arte griego: El arte egipcio fue una fuente de inspiración para los griegos. Los embajadores de Creta quedaron impresionados por el arte egipcio y lo incorporaron en sus culturas.

Propósito del arte: En el arte egipcio, la belleza no era lo más importante; lo primordial era la perfección y la claridad en la representación de elementos. La misión del artista era representar cada cosa de forma clara y comprensible para la eternidad.

Estilo y reglas:

Reglas estrictas: Los artistas dibujaban de memoria, siguiendo reglas muy rígidas que aseguraban la claridad de todos los elementos de la obra.

Perspectiva múltiple: Cada parte del cuerpo o elemento era representado desde su ángulo más característico:

La cabeza y los pies se dibujaban de perfil, ya que así se percibían mejor.

Los ojos se representaban de frente, aunque la cabeza estuviera de lado.

El tronco y los hombros se dibujaban de frente para mostrar mejor su disposición.

Los brazos y piernas en movimiento se representaban lateralmente.

Temas comunes:

Claridad en los elementos: Cada objeto o ser debía mostrarse en su forma más clara y reconocible, sin buscar una representación exacta de la realidad, sino una visión idealizada y eterna.

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Medios de Comunicacion:

Cultura Quirográfica (escritura manual)

Escritura: ideogramas y alfabetos sobre soportes materiales separan el conocimiento del habla.

Impacto: desarrollo de una lógica abstracta y formal, coexistiendo con la cultura oral.

Jerarquía de los Sentidos:

Oído/Tacto sobre la Vista

Orden Epistémico:

Anagogía

Interpretación del mundo como manifestación de señales, con una base religiosa.

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Influencia y desarrollo:

Imitación del arte egipcio: El arte griego fue influenciado inicialmente por el arte egipcio, que dejó una fuerte impresión en Creta. Con el tiempo, este estilo fue adoptado y transformado en la Grecia continental.

Evolución en la representación: Los artistas comenzaron a alejarse de la idea de representar todo lo que conocían de la realidad. A partir del siglo V a.C., empezaron a confiar en lo que veían, adoptando un enfoque más naturalista.

Características:

Escultura: La escultura griega buscaba la reproducción convincente de la figura humana y su movimiento. En obras como el Discóbolo de Mirón, se observa un esfuerzo por representar el cuerpo humano de forma natural y dinámica.

Interés en las obras por sí mismas: A finales del siglo V, comenzó a surgir un interés creciente en la apreciación estética de las obras, independientemente de su función religiosa o política.

Período helenístico:

Arte helenístico: Este período marca la última fase del arte griego, donde el imperio fundado por Alejandro Magno permitió que el arte griego se expandiera y se desarrollara en gran escala, abarcando territorios mucho más amplios.

Desconexión con la religión: El arte helenístico se alejó en gran medida de su antigua conexión con la religión y la magia, centrándose en problemas intrínsecos del arte. Se buscó representar emociones y acciones dramáticas, como se observa en obras que muestran luchas intensas y expresiones emotivas.

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Contexto histórico:

Conquista y expansión: Los romanos conquistaron el mundo y fundaron su propio imperio, basándose en las ruinas de los reinos helenísticos que habían existido anteriormente.

Influencia griega: La mayoría de los artistas que trabajaron en Roma eran griegos, y muchos coleccionistas romanos adquirían obras de grandes maestros griegos o copias de estas.

Características:

Enfoque práctico: Aunque los romanos tomaron elementos de la arquitectura griega que les agradaban, su enfoque era principalmente práctico. Se preocuparon menos por la búsqueda de la belleza ideal y más por la funcionalidad y la expresión de la vida real.

Arquitectura:

Uso del arco: Uno de los rasgos más destacados de la arquitectura romana fue la utilización del arco, lo que permitió la construcción de estructuras más grandes y complejas.

Énfasis en la arquitectura civil: Las realizaciones más sobresalientes de los romanos se dieron en la arquitectura civil, incluyendo la construcción de edificios públicos, templos, y anfiteatros.

Retratos y escultura:

Retratos realistas: Se dio una gran importancia a los retratos que expresaban la vida de los sujetos, haciendo hincapié en los detalles y las expresiones.

Menos énfasis en la armonía: A diferencia de los griegos, los romanos no se centraron tanto en la armonía y la belleza ideal; su arte era más realista y menos idealizado.

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Contexto histórico:

Origen del término: El término "románico" fue acuñado por historiadores del siglo XIX debido a las similitudes en la arquitectura de este período con la arquitectura romana.

Condiciones sociales: Occidente estaba dominado por facciones en guerra, con el Imperio Romano dividido en dos (Occidente y Oriente). La caída del Imperio Romano de Occidente en el siglo V fue provocada por invasiones bárbaras y visigodas, mientras que el Imperio Bizantino se mantuvo hasta 1453.

Características:

Arte didáctico: El arte románico fue creado en gran medida por la nobleza y la Iglesia Católica para la formación religiosa de campesinos analfabetos. Se utilizaba el arte como herramienta educativa, lo que se traduce en narraciones escultóricas y pictóricas que podrían considerarse "la Biblia en piedra".

Estilo internacional: Se puede considerar como el primer estilo internacional en el ámbito europeo, formulando un lenguaje específico y coherente aplicado a todas las manifestaciones artísticas.

Elementos tomados de otros estilos: La estética románica incorpora elementos de estilos anteriores, como el bizantino, musulmán, prerrománico y paleocristiano.

Arte y escultura:

Jerarquía en las artes: En el arte románico, la escultura y la pintura estaban supeditadas a la arquitectura, que era considerada lo fundamental.

Temática: El arte románico incluye motivos vegetales y geométricos, además de una narración escultural que aborda temas religiosos.

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Contexto histórico y social:

Desarrollo del comercio: Este período estuvo marcado por un crecimiento significativo en el comercio, lo que resultó en un aumento de la riqueza de los comerciantes, mercaderes y artesanos, conocidos como burgueses, que vivían en las ciudades o burgos.

Resurgimiento urbano: La prosperidad de la burguesía condujo al resurgimiento y desarrollo de las ciudades, lo que influyó en la aparición de un nuevo estilo artístico de carácter urbano.

Características:

Evolución expresiva: A diferencia del arte románico, el gótico muestra un progresivo abandono de la falta de expresividad, comenzando a manifestar sentimientos en las obras. Los rostros de las figuras se individualizan y se presta más atención al detalle.

Temática: Aunque la temática religiosa sigue siendo predominante, aparecen nuevos temas, como crucificados que expresan dolor y la representación de la Virgen con el cuerpo de Cristo. También surgen retratos de la burguesía y naturalezas muertas, reflejando un mayor valor estético.

Nuevos soportes: Se sustituye la pintura mural por vitrales, retablos y tablas en los templos, así como miniaturas en códices, lo que permite una mayor diversidad de técnicas y formas artísticas.

Arquitectura:

Uso del arco apuntado: Este elemento arquitectónico es característico del estilo gótico, así como la predominancia de ventanas sobre paredes macizas, lo que crea una sensación de ligereza.

Vitrales: El uso de vitrales y rosetones contribuye a la mística de la luz y la idea de elevación, creando espacios abiertos y diáfanos.

Colores: Se incrementa la escala cromática, utilizando colores brillantes, especialmente en vitrales, como azul oscuro y rojo rubí.

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Medios de Comunicacion:

Cultura Tipográfica

Imprenta: permite la acumulación y expansión del conocimiento, estandarizando textos mediante el uso de signos y diagramas.

Resultado: autonomía del hablante y desarrollo de la ciencia del siglo XVII.

Jerarquía de los Sentidos:

Del oido y el tacto a la supremacía de la vista.

Orden Epistémico:

Similitud o Semejanza

Visión convergente en la que el microcosmos humano refleja al macrocosmos.

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Contexto histórico:

Inicio: El Renacimiento surge al final de la Edad Media, marcado por un renovado interés en aprender e imitar el arte de las antiguas Grecia y Roma.

Hechos significativos: Dos eventos clave que marcaron el inicio del Renacimiento fueron la caída de Constantinopla y el descubrimiento de América.

Cambio social: La expansión de la agricultura y el comercio, junto con el aumento de la riqueza de la burguesía en las ciudades, propiciaron un ambiente favorable para el florecimiento del arte y la cultura.

Características:

Mecenazgo: Aunque la Iglesia Católica seguía siendo un importante mecenas, también comenzaron a realizar encargos los gobiernos civiles, tribunales y familias ricas, como los Medici en Florencia.

Arquitectura: Se incorporaron elementos clásicos en las construcciones, buscando la simetría y la proporción a través de la geometría. La arquitectura renacentista presenta columnas de órdenes clásicos y cúpulas inspiradas en el Panteón de Roma, con poca decoración.

Temáticas y técnicas en pintura y escultura:

Nuevos temas: Se introducen temas mitológicos, religiosos y retratos, destacando el cuerpo humano y el desnudo.

Perspectiva: Se desarrolló la representación de la perspectiva, generando una sensación de profundidad a través de:

Varios planos.

Líneas que se orientan hacia un punto de fuga.

Difuminado en los fondos (perspectiva aérea o atmosférica).

Uso de luz y sombra para crear volumen.

Técnica del óleo: Se perfeccionó la técnica de pintura al óleo, que permite mayor precisión y detalle en las obras.

Estilo y filosofía:

Hombre total: Los artistas renacentistas, como Leonardo da Vinci, Rafael Sanzio y Miguel Ángel, se formaron en diversas artes y ciencias, buscando ser "hombres totales".

Búsqueda de la belleza: Se priorizaba la búsqueda de la belleza y la proporción, inspirándose en los ideales neoplatónicos del período helénico.

Importancia del cuerpo humano: El arte renacentista pone un énfasis especial en la representación naturalista y la perfección anatómica.

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Medios de Comunicacion:

Cultura Tipográfica

Jerarquía de los Sentidos:

Vista sobre oído/tacto

Orden Epistémico:

Representación en el Espacio

Análisis comparativo y medición de fenómenos, donde el orden se basa en la identidad y la diferencia.

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Contexto histórico:

Significado del término: "Barroco" originalmente significa absurdo o grotesco. Se utiliza en un sentido despectivo por quienes consideraban que las formas clásicas deberían aplicarse o combinarse de manera más tradicional, como lo hicieron los griegos y romanos.

Reforma y Contrarreforma: La Reforma Protestante trajo consigo un crítico enfoque sobre la Iglesia Católica, mientras que la Contrarreforma buscó recuperar a los seguidores mediante el arte, utilizándolo para explicar los dogmas de la fé.

Características:

Dominancia del tema religioso: La temática religiosa es prominente, pero se abandona la escala humana a favor de proporciones gigantes, para hacer que el devoto se sienta pequeño frente a lo divino.

Decoración profusa: El arte barroco es conocido por su ornamentación extravagante y su diseño espectacular, que busca impresionar al espectador.

Naturalismo: Se enfatiza el realismo y la representación de lo cotidiano, buscando una cercanía emocional con el espectador.

Dramatismo: Hay un fuerte énfasis en la expresión de sentimientos y estados anímicos, buscando transmitir emociones intensas y el pathos (sentimiento o emoción).

Teatralidad: Las composiciones están diseñadas para integrar al espectador en la escena, con una fusión entre escultura, arquitectura y pintura. La arquitectura, en particular, sirve como escenario para la escultura.

Movimiento y ruptura con el equilibrio clásico: Se busca representar el movimiento mediante el uso de formas curvilíneas y superficies ondulantes, lo que expresa tensión y dinamismo.

Contrastes cromáticos: Se utilizan fuertes contrastes de luz y sombra (claroscuro) para centrar la atención en las partes más importantes de la obra.

Temática habitual:

Martirios, visiones y conversiones: Estas temáticas religiosas son comunes en el arte barroco, reflejando la búsqueda de una conexión más directa con lo divino.

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Medios de Comunicacion:

Cultura Tipográfica complementada por la fotografía

Jerarquía de los Sentidos:

Extensión de la vista

Orden Epistémico:

Desarrollo en el Tiempo

El mundo se concibe de forma dinámica, con una nueva estructura marcada por la urbanización y la mecanización.

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Contexto histórico:

Inicio del Rococó: Se suele situar su inicio a partir de la muerte del rey francés Luis XIV, quien representó el máximo exponente del absolutismo monárquico. Tras su muerte, la corte se liberó de un protocolo rígido, dando lugar a un culto por los placeres mundanos.

Características:

Temática: El Rococó refleja los hábitos de la alta burguesía y la aristocracia, representando escenas de intimidad hogareña, romances, fiestas, y paseos al aire libre, así como narraciones de amores mitológicos.

Estilo decorativo: El nombre "rococó" proviene de la ornamentación conocida como rocaille, que incluye elementos como caparazones marinos, caracoles y formas asimétricas, fantasiosas y curvilíneas.

Placer y diversión: Se busca reflejar el placer de las clases altas, con un enfoque en temas divertidos, sensuales y alegres, en contraste con la solemnidad y grandeza del Barroco.

Elementos arquitectónicos:

Diseño interior: Se enfatiza la importancia del interior en el diseño arquitectónico, buscando comodidad y disfrute para los que habitan esos espacios.

Formas onduladas: Se utilizan formas curvilíneas en la ornamentación, creando ambientes alegres y acogedores.

Iluminación: Hay una especial atención a la iluminación a través de ventanas, espejos, y lámparas de cristal, así como el uso de colores claros y elementos dorados en los relieves ornamentales.

Artes decorativas: Se desarrolla un amplio rango de artes decorativas, incluyendo muebles, tapices y lámparas.

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Contexto histórico:

Protagonismo de la burguesía: Con la Revolución Industrial y las revoluciones americana y francesa, la burguesía adquiere un papel cada vez más importante. El antiguo régimen, asociado con el Barroco y el Rococó, es reemplazado por una nueva sensibilidad artística.

Influencia de la Ilustración: El Neoclasicismo condensa los valores racionales propuestos por el pensamiento ilustrado, revalorizando los ideales políticos, sociales y filosóficos de las civilizaciones clásicas, es decir, de la Antigua Grecia y Roma.

Características:

Racionalidad: El arte neoclásico apela a la razón como guía de producción, dejando de lado los sentimientos, lo subjetivo y lo espiritual.

Inspiración clásica: Los artistas se inspiran en los restos arqueológicos que se estudiaban en Roma y en las ciudades de Herculano y Pompeya. Estas ruinas revelaban detalles sobre la vida cotidiana, decoración y costumbres de la antigüedad.

Academias de arte: La formación artística se formaliza a través de academias que marcan el gusto de la época, reemplazando a la formación tradicional mediante maestros y gremios.

Temática: Las obras neoclásicas presentan temas mitológicos y heroicos, con un sentido moralizante y propagandístico de ideales liberales y nacionales.

Estilo: Se destaca el uso de la luz fría para resaltar la solemnidad de las obras, así como composiciones equilibradas con perspectiva lineal. Las figuras son estáticas, con apariencia escultórica, lo que refleja una idealización de las formas siguiendo modelos clásicos.

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Contexto histórico:

Reacción cultural: El Romanticismo se desarrolla como una respuesta a la Revolución Industrial, afectando no solo al arte, sino también a la filosofía, literatura y música en Europa. Comienza a finales del siglo XVIII y alcanza su máximo esplendor en los primeros años del siglo XIX.

Características:

Énfasis en las emociones: El Romanticismo se centra en la exaltación de los sentimientos y la subjetividad, a diferencia de la rigidez del academicismo del neoclasicismo. Los artistas se oponen a las reglas establecidas, favoreciendo la creatividad individual.

Culto al yo: Surge un fuerte enfoque en la originalidad y la individualidad del artista. Se deja atrás la idea de que el arte debe seguir la tradición.

Búsqueda de lo sublime: Se encuentra belleza en lo terrible, incómodo y conmovedor, y se da rienda suelta a las fantasías, sueños y lo sobrenatural en las expresiones artísticas.

Nostalgia por el pasado: Hay un interés por rescatar la sabiduría popular, el folclore y las leyendas, lo que introduce un fuerte sentimiento nacionalista. Se valora la Edad Media como símbolo de espiritualidad y libertad creativa.

Temática variada: Los temas comunes incluyen el amor, la pasión, la nación, la historia, la religión, y la muerte, así como un interés por lo exótico y lo onírico.

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Contexto histórico:

Ruptura con la tradición: El Realismo emerge como una respuesta a los cambios sociales provocados por la Revolución Francesa y la Revolución Industrial. Se produce un cambio significativo en la situación de los artistas y en los temas que abordan.

Características:

Enfoque en la realidad: Los artistas realistas se centran en la representación directa de la vida cotidiana y las condiciones sociales, abandonando los temas políticos y fantásticos que predominaban en el Romanticismo.

Interés por las clases desfavorecidas: Hay una preocupación evidente por la situación de las clases trabajadoras y desfavorecidas, reflejando una estética que busca mostrar la vida tal como es, sin idealización.

Sinceridad y autenticidad: Se propone una mirada centrada en la existencia mundana y cotidiana del ser humano. El realismo rechaza la ostentación teatral del arte oficial, buscando una representación honesta de la realidad.

Rechazo de lo idealizado: Se opone a la idealización y los temas mitológicos o fantásticos, presentando una crítica social que busca ser veraz y comprometida con la vida real.

Influencia de la fotografía: La fotografía se convierte en una fuente de inspiración para los realistas, ya que captura momentos únicos de la vida cotidiana.

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Contexto histórico:

Origen: El Impresionismo surge en Francia y se caracteriza por su enfoque innovador en la pintura, marcando un cambio significativo en la forma de representar la realidad.

Rechazo académico: Los artistas impresionistas se oponen a los principios académicos, como la representación de grandes temas históricos, mitológicos y religiosos, así como al estudio exhaustivo del dibujo.

Características:

Captura de la luz: Los impresionistas se enfocan en pintar la luz y sus efectos, buscando representar escenas de la vida moderna de manera inmediata y sin la construcción artificial de escenas.

Pintura al aire libre: En contraste con los artistas anteriores, que realizaban numerosos bocetos antes de pintar en el estudio, los impresionistas comenzaban y terminaban sus obras frente al modelo, lo que les permitía captar la atmósfera y la luz del momento.

Uso de pinceladas rápidas: Aplican pinceladas cortas y rápidas de colores puros sobre la tela, creando un efecto de vibración de color que se forma en la retina del espectador.

Composiciones fotográficas: Adoptan nuevos esquemas compositivos, influenciados por la fotografía, que se popularizaba en esa época.

Influencia del Realismo:

Continuidad con el Realismo: Aunque los impresionistas reciben influencias de los realistas, su enfoque se centra más en la representación naturalista de la luz y el color, buscando captar el efecto de la luz sobre los objetos en lugar de la realidad misma.

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Contexto histórico:

Desarrollo del movimiento: El Neoimpresionismo, también conocido como Puntillismo, surge a finales del siglo XIX y es una evolución del Impresionismo, impulsada por dos jóvenes pintores: Georges Seurat y Paul Signac.

Características:

Mezcla óptica: Los artistas neoimpresionistas llevan al extremo el método impresionista, basándose en principios científicos de la teoría del color.

Pinceladas de color: Utilizan pequeñas pinceladas o puntos de colores puros que, al ser yuxtapuestos en la tela, se combinan en la retina del espectador, creando una imagen coherente.

Principios fundamentales:

Aplicación de pinceladas yuxtapuestas: Buscan lograr una mezcla óptica de colores a través de la proximidad de los puntos de color en lugar de mezclar los colores en la paleta.

Ley de los complementarios: Afirma que dos colores complementarios se realzan mutuamente si se aplican uno al lado del otro en el lienzo, pero se oscurecen al mezclarse.

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Contexto histórico:

Evolución del Impresionismo: El Postimpresionismo surge como una extensión del Impresionismo, manteniendo algunas de sus técnicas y temas, pero buscando ampliar los horizontes expresivos de la pintura.

Características:

Colores vivos y pinceladas visibles: Los postimpresionistas utilizan colores brillantes y mantienen una pincelada suelta, pero a diferencia de los impresionistas, buscan añadir emoción y expresión a sus obras.

Subjetividad: A diferencia de los impresionistas, que se centraban en captar efectos fugaces de luz y color, los postimpresionistas se interesan más en la interpretación subjetiva de la realidad.

Temas similares: Aunque comparten temas con el Impresionismo, los postimpresionistas no se limitan a la mera representación de la naturaleza. Buscan expresar emociones y agregar significado a sus obras.

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Medios de Comunicacion:

Cultura Electronica

Bases: teoría de la información y códigos binarios.

Transformación: se pasa de un mundo físico y estable a uno inestable, regido por la probabilidad y la estadística.

Jerarquía de los Sentidos:

Extrapolarización de vista/sonido

Orden Epistémico:

Sistema Sincrónico

Visión multiperspectiva y ambiental, donde las posibilidades se consideran equivalentes y accesibles simultáneamente.

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Significado: Fauve significa "fiera salvaje".

Objetivos: Romper con el impresionismo. Uso de colores antinaturalistas y pinceladas intensas.

Características:

Color: Enfatiza el color vibrante y su capacidad expresiva, colores intensos aplicados directamente.

Pinceladas atrevidas: Los artistas pintan con gestos impulsivos, liberando su instinto creativo.

Espacio pictórico: Rechazan la tridimensionalidad tradicional, buscando nuevos espacios definidos por planos de color.

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Origen: Nace en Alemania como una respuesta crítica al orden social y las promesas de la modernidad.

Características:

Subjetividad y dramatismo: Los artistas expresan sentimientos humanos como la angustia, soledad, miseria, y desencanto.

Formas deformadas: Para resaltar emociones y tensión.

Colores vibrantes: Colores intensos y resplandecientes.

Rechazo a la belleza clásica: Se enfoca en lo psicológico y grotesco.

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Fundadores: Pablo Picasso y Georges Braque.

Características:

Destrucción de la perspectiva renacentista: Representa múltiples puntos de vista simultáneamente.

Formas fragmentadas: Composiciones caóticas donde las formas se superponen.

Collage: Introducen el collage como técnica artística.

Fases:

Cubismo analítico: (1908-1912) Tonos neutros y fragmentación extrema.

Cubismo sintético: (1912-1914) Colores más vivos y composiciones más simples.

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Fundador: Filippo Tommaso Marinetti.

Enfoque: Glorificación de la máquina, la velocidad, y el movimiento.

Características:

Ruptura con el pasado: Rechazo total a la tradición artística anterior.

Dinamismo y energía: El arte futurista intenta representar la velocidad y el movimiento.

Temas: La exaltación de lo sensorial, lo nacional, lo bélico y la tecnología.

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Origen: Rusia tras la Revolución de 1917.

Objetivo: Crear un arte al servicio de la revolución socialista.

Características:

Funcionalidad y geometría: Uso de formas geométricas, espacios simultáneos, y una estética abstracta y técnica.

Arte para las masas: Rechazo de las élites, enfocándose en disciplinas industriales y técnicas.

Unión de las artes: Fusión de pintura, escultura, arquitectura, cine, fotografía, etc.

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Fundador: Kazimir Malévich.

Enfoque: Abstracción pura sin referencia a la naturaleza.

Características:

Geometría simple: Uso de figuras elementales como el círculo, el cuadrado y la línea.

Colores austeros: Limitación de la paleta a rojo, amarillo, verde, azul, blanco, negro y grises.

Períodos: Negro, color y blanco (formas blancas sobre fondo blanco).

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Origen: Cabaret Voltaire en Zúrich, Suiza.

Enfoque: Crítica social y rechazo de las normas estéticas tradicionales.

Características:

Provocador y absurdo: En contra de cualquier norma social o estética, busca lo absurdo y lo aleatorio.

Anti-arte: Rechazo de la belleza y el arte tradicional, dándole importancia al gesto del artista.

Interdisciplinariedad: Integración de poesía, arte visual, y performance.

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Fundador: Theo van Doesburg (influenciado por Piet Mondrian).

Enfoque: Abstracción pura, sin referencias emocionales ni figurativas.

Características:

Austeridad estética: Uso exclusivo de líneas rectas y colores primarios.

Rechazo de la realidad figurativa: La belleza reside en la organización de las formas y colores.

Pureza y simplicidad: El arte debe apelar a la sensibilidad del espectador a través de formas simples.

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Enfoque: Superar lo real, explorando lo irracional y el subconsciente.

Características:

Automatismo: Expresión del pensamiento sin control consciente.

Mundo onírico: Influencia de Freud, interés en el lenguaje de los sueños y el subconsciente.

Superposición de lo improbable: Unen objetos y conceptos que no tienen relación lógica.