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La viola, este maravilloso instrumento, está hecha de madera, es un instrumento de cuerda, y además, se considera como el tenor de la familia de los violines. La viola esta construida en proporciones similares a las del violín, pero tiene una longitud corporal de 37 a 43 cm (14,5 a 17 pulgadas), unos 5 cm (2 pulgadas) más largo que un violín.

Las cuatro cuerdas de la viola están afinadas en C-G-D-A, comenzando con la C debajo de la C media. El tono de la viola es más oscuro, más pesado y más cálido que el del violín. La orquesta sinfónica moderna contiene de 6 a 10 violas. La viola es un miembro integral del cuarteto de cuerdas y de los grandes conjuntos de música de cámara.

En la familia clásica de instrumentos de cuerda, la viola es la misteriosa e infravalorada niña del medio. Se sitúa entre el violín y el violonchelo y a menudo se pasa por alto, especialmente durante una pieza en la que el fervor penetrante del violín y la rica magnitud del violonchelo tienden a tragarse los medios suaves.

Sin embargo, con un timbre oscuro y lleno, la viola se las arregla muy bien para apoyar una sinfonía. Rellena una pieza con una sustancia sin arte. Sin él, el conjunto caería plano y sonaría notablemente hueco. Como tal, la viola es a menudo interpretada como un papel armónico significativo más que como un papel melódico por los compositores.

Origen de la viola:

La historia o el origen de la viola de la viola está estrechamente ligada al desarrollo de los otros instrumentos de la familia del violín, que se fabricaron por primera vez en el norte de Italia entre 1530 y 1550. Se puede suponer que las versiones alto, tenor y bajo surgieron poco después del instrumento soprano. Nombres ilustres como Andrea y Nicola Amati, Gasparo da Salò, Andrea Guarnieri y Antonio Stradivari ya estaban asociados a ciudades como Milán, Brescia, Cremona y Venecia en esta época.

Los nombres de todos los instrumentos de cuerda se derivan del término "viola"; en los siglos XVI y XVII describió dos familias de instrumentos de cuerda, la viola da braccio y la viola da gamba. Las denominaciones da braccio y da gamba tienen dos significados; por un lado describen la posición de toque. Da braccio es la abreviatura italiana de "tocado en el brazo" y se refiere a la posición de toque horizontal. Da gamba significa "tocado en la pierna" y se refiere a la posición de juego vertical.

La viola da braccio:

Por otra parte, también describen la construcción característica de los dos instrumentos: La viola da braccio, precursora de los instrumentos de la familia de los violines, tenía costillas bajas, un lomo redondeado, agujeros en forma de F, un diapasón sin trastes, un mástil levantado del cuerpo con un pergamino y cuatro cuerdas a través de un puente curvo, lo que significaba que se podían doblar individualmente.

La viola da gamba tenía costillas altas, un vientre abovedado, un lomo plano y agujeros en forma de C o F. El cuerpo se extendía hacia arriba hacia el mástil, el diapasón tenía siete trastes y las cinco a siete cuerdas descansaban sobre un puente bastante plano, lo que significaba que el arco podía tocar más de dos cuerdas adyacentes a la vez.

La división del registro medio:

En el siglo XVI era habitual que los instrumentos de contralto y tenor se fabrican en diferentes tamaños pero con la misma afinación. Las versiones alto y tenor de la viola fueron generalmente afinadas de la siguiente manera: C3, G3, D4, A4, es decir, la misma afinación que la viola moderna.

Esta afinación era un quinto más baja que la afinación de soprano (G3, D4, A4, E5) y dos quintos más alta que la afinación de bajo (Bb1, F2, C3, G3). Debido a que las afinaciones de contralto y tenor estaban tan alejadas de la afinación de bajo, se empezaron a hacer instrumentos más grandes en la afinación de tenor real (F2, C3, G3, D4). Sin embargo, las violas tenor de la "afinación de contralto" seguían en uso..

La composición del conjunto de cuerdas también cambió, abandonando el conjunto de cinco partes en favor del de cuatro, con dos violines, una viola alto y un violonchelo como bajo. Este desarrollo, que se completó hacia 1750, marcó la muerte de la viola tenor, que, aunque con un sonido completo, no era particularmente ágil.

A partir de mediados del siglo XVIII, el violonchelo, que en realidad era el instrumento bajo de la familia de los violines, surgió para asumir el papel de intérprete del registro medio inferior (tenor). La posición del pulgar permitió que el violonchelo se elevara hasta el rango de tenor (e incluso de alto) y cerrara el hueco dejado por la viola tenor. Esta nueva asignación de funciones en el registro medio contenía el área de superposición que ha permanecido obligatoria hasta el día de hoy.

La viola en la orquesta del siglo XVIII:

En la orquesta del siglo XVIII, la viola solía duplicar las partes del violonchelo. Christoph Willibald Gluck, Wolfgang Amadeus Mozart y Joseph Haydn le dieron un tratamiento distintivo, y gradualmente asumió un papel orquestal independiente. Héctor Berlioz incluyó un largo solo de viola en su Harold in Italy; en Don Quijote de Richard Strauss la viola lleva el tema de Sancho.

La viola también ganó importancia a través de las sonatas para viola de Paul Hindemith, el concierto para viola de Béla Bartók y violistas como William Primrose y Walter Trampler. Se utilizó con frecuencia en conjuntos de música de cámara del siglo XX (por ejemplo, de Arnold Schoenberg y Pierre Boulez).

Tipos de violas:

Como ya sabemos, la viola ha sido objeto de constantes cambios a lo largo de toda su vida útil, debido a su forma imperfecta en relación con la del violín. Se han producido una gran variedad de tipos diferentes de viola, lo que plantea problemas a la hora de clasificar y explicar los diferentes tipos de viola. Sin embargo, los tipos de viola se pueden clasificar en tres grupos: violas que varían en tamaño, violas que varían por el período de tiempo y las violas menos comunes que varían por el propósito musical o el género. Estas variaciones de la viola pueden tener algunos cambios bastante significativos, especialmente en la longitud y anchura del instrumento.

Es importante señalar que, si bien estas son las tres categorías principales para los tipos de viola, en general las violas son instrumentos muy individualistas. Las variaciones en los fabricantes, el país de origen, los tipos de madera y la marca (por ejemplo, si la viola tiene un fondo de una o dos piezas) también tienen un efecto significativo en la calidad de la viola y, por consiguiente, en el tono producido por el instrumento.

Diferentes tipos de viola por tamaño:

La viola ha tenido un período de desarrollo comparativamente largo, con pocas directrices rígidas sobre el tamaño y las especificaciones del instrumento. Esto se debe a que el rango inferior de la viola requiere una caja de resonancia más grande para crear un tono completo. El tamaño de la caja de resonancia necesaria para crear este sonido de gran cuerpo haría que el instrumento fuera demasiado grande para sostenerlo debajo de la barbilla.

En consecuencia, la viola ha sufrido muchos cambios: cambios en el tamaño y la forma de la caja de resonancia, así como en la longitud del diapasón, ya que los artesanos han intentado desarrollar el sonido, el timbre y la gama de la viola. Estas evoluciones han tenido como objetivo principal hacer que la viola se asemeje lo más posible al violín en sonido y estilo, lo que puede explicar por qué la viola se sigue tocando bajo el mentón. Las violas de tamaño completo pueden variar en longitud de alrededor de 14-15 pulgadas a más de 17 pulgadas.

Violas Alto y Tenor:

Las violas se diseñaron inicialmente en dos tamaños: alto y tenor. La viola tenor fue diseñada para tocar una parte más baja que la viola alto, y por lo tanto tenía un cuerpo más grande para lograr un tono más agradable en el registro inferior del instrumento. La contralto estaba destinada a cubrir la gama media-alta, por lo que no necesitaba tener el mismo tamaño que la viola tenor.

Juntas, estas violas se utilizaron para cubrir las notas de rango medio en conjuntos de cuerdas de cuatro y cinco piezas, y hasta tres violas se utilizaron inicialmente en un arreglo de cinco partes. Sin embargo, a medida que el violín creció en popularidad y los constructores de instrumentos fabricaron más violines, descuidaron la viola, que también comenzó a ser utilizada con menos frecuencia en los arreglos de cuerdas. Hoy en día, todavía existen diferencias significativas en el tamaño de las violas producidas.

Violas para niños:

Este tipo de instrumentos tienden a no tener las tallas de los niños, sin embargo, los violines de tamaño infantil se pueden colgar con cuerdas de viola para que los niños puedan aprender a tocar la viola. Estos instrumentos de tamaño infantil se denominan violas "fraccionales", ya que su tamaño se registra como fracciones de un violín entero o "de cuatro cuartos".

Las denominadas violas fraccionales pueden llegar a ser tan pequeñas como 1/64, aunque esto se utiliza muy raramente. La más pequeña que se toca comúnmente es el 1/16, que es utilizado por niños de 3 a 5 años, dependiendo de la longitud del brazo del niño. Los tamaños de viola superiores a 1/16 incluyen el 1/10, 1/8, 1/4 o `cuarto', el 1/2 o `medio' y el 3/4 o `tres cuartos'.

Viola barroca:

Antecesora de la viola clásica/moderna, esta viola fue el primer instrumento fabricado en el siglo XVI. La viola barroca tiene un ángulo del mástil menos profundo, que también suele ser más grueso para soportar la tensión de las cuerdas, aunque la tensión de las cuerdas es menor que en una viola clásica.

Había dos tipos principales de viola en esta etapa - el alto y el tenor (ver la sección'Diferentes Violas por Tamaño' para una explicación). A medida que las técnicas artesanales más avanzadas permitieron ampliar la gama de la viola en el siglo XVIII, muchos de estos instrumentos barrocos originales fueron alterados para cumplir con estos nuevos estándares.

Viola clásica:

La viola clásica se desarrolló a finales del siglo XVIII y principios del XIX a medida que se disponía de nuevas técnicas para aumentar la tensión de las cuerdas y, por lo tanto, el alcance y la proyección sonora de la viola. Incluso en esta etapa, sin embargo, todavía había variaciones significativas en el tamaño de la viola (a diferencia del violín, que mantenía un tamaño estándar del modelo barroco).

La viola clásica tiene un cuello más delgado, mayor tensión de las cuerdas, y es el tipo de viola con la que estamos más familiarizados hoy en día. Más recientemente, las violas clásicas se han hecho de muchas maderas diferentes, y se han desarrollado accesorios más cómodos para ayudar al violinista, como el mentonera, que puede evitar que el músico deje caer la viola al cambiar de posición y ayuda al músico a sujetar la viola contra el cuello cómodamente. Mejores cuerdas y colofonias también han sido inventadas en el siglo XX, lo que ha mejorado la calidad del sonido producido por la viola clásica.

Viola da gamba:

la viola da gamba es un cordófono arqueado con siete cuerdas (viola francesa) o seis cuerdas (viola inglesa, normalmente utilizada para el estudio) entonadas por sucesión de dos cuartetos.

Indicó en el teclado las distancias de intervalo del semitono a través de la posición transversal de las cuerdas de tripas de animales (la llamada sonda), comúnmente llamada ligaduras. Las dimensiones disponibles y, en consecuencia, las posibilidades de extensión melódica- son numerosas, desde la viola soprano (la más pequeña) hasta el contrabajo viola (o violonchelo), pasando por la viola alto, el tenor y el bajo (en orden ascendente de tamaño). La viola da gamba más utilizada como instrumento solista es el bajo. Este instrumento musical, dependiendo de su formato, se coloca sobre o entre las rodillas; el arco, apoyado desde abajo, frota las cuerdas con un manojo de crin.

La viola del amor:

La viola d'amore, como también se le conoce en italiano,comparte muchos rasgos con la viola común. Parece un violín más delgado sin trastes y a veces con cuerdas sintéticas añadidas. La viola d'amore de seis cuerdas y la viola de los agudos también tienen aproximadamente el mismo ámbito o rango de notas tocables. Como todos los violines, tiene la espalda plana. Una cabeza tallada intrincadamente en la parte superior del clavijero es común tanto en las violas como en la viole d'amore, aunque a algunas violas les falta una.

A diferencia de las cabezas talladas en las violas, la cabeza de la viola d'amore aparece más a menudo como Cupido con los ojos vendados para representar la ceguera del amor. Sus agujeros de sonido suelen tener la forma de una espada flamígera conocida como "La Espada Flamígera del Islam", pero es más probable que representen la llama del amor. Esta fue una de las tres formas de agujeros de sonido habituales para los violines, que no se estira y se toca de forma muy parecida a la de un violín, manteniéndose horizontalmente bajo la barbilla. Es más o menos del mismo tamaño que la viola moderna.

Características de la viola:

Entre las principales características de la viola encontramos;

Tiene un timbre fundamentalmente poderoso, resonante, claro, agradable, rico y oscuro que se utiliza, entre otras cosas, para transmitir un sentimiento de premonición.

Las mismas notas que se tocan en el violonchelo se pueden tocar en la viola y pueden sonar más potentes e intensas.

Suena un poco sosa, pero esto no puede afirmarse particularmente.

Es más débil y se proyecta menos bien que las mismas notas en el violín.

Está construida totalmente de madera al igual que el violín, y es el tenor de la familia violín.

La viola se asemeja mucho en cuanto a materiales de construcción al violín, pero el violín es de menor tamaño y tiene un sonido más agudo.

Las cuerdas de este instrumento se encuentran afinadas en intervalos de quintas.

En las orquestas se encuentran de forma imprescindible de 8 a 12 violas.

Partes de la Viola:

Para cualquier principiante es esencial conocer los nombres de las diferentes partes que conforman la viola, para que el músico tenga una clara comprensión de las partes con las que puede necesitar interactuar para afinar, restringir y cuidar su instrumento. Entre las principales partes de una viola están:

El caracol o pergamino:

El pergamino de la viola es la parte superior del instrumento por encima del clavijero. Este se puede identificar por su característico diseño en forma de rizo; sin embargo, algunos instrumentos más antiguos tienen caracoles que fueron tallados de forma más elaborada con animales o figuras.

Las clavijas de afinación y el clavijero:

Estas piezas se encuentran en la parte superior del instrumento, debajo del pergamino. Aquí es donde se colocan las cuerdas en la parte superior. El extremo de la cuerda se inserta en un pequeño agujero en la clavija, que mantiene la cuerda en su lugar mientras se enrolla alrededor de la clavija para apretar la cuerda. La mayor parte de la afinación de la viola se realiza apretando la clavija, y a veces se utilizan afinadores finos (si hay afinadores finos) para las cuerdas que están desafinadas por menos de medio tono.

La tuerca es el conector entre el clavijero y el diapasón. La tuerca tiene cuatro ranuras en las que se asientan las cuerdas para que estén espaciadas uniformemente por el diapasón. Si restringe una viola o las cuerdas están muy flojas, entonces debe comprobar que las cuerdas están sentadas en las ranuras de la tuerca y del puente antes de empezar a apretar las cuerdas.

Las cuerdas de este instrumentos suelen estar afinadas en las siguientes notas C, G, D, A en un orden de menor a mayor. Las cuerdas difieren significativamente en calidad, y la calidad de las cuerdas hace una diferencia considerable en la calidad tonal producida por la viola. Además, las cuerdas están hechas de una variedad de metales diferentes (principalmente aluminio, acero y a veces oro). Sin embargo, algunos materiales sintéticos también se utilizan para producir cuerdas y las cuerdas de "tripa de gato" hechas de intestino animal siguen siendo relativamente populares hoy en día.

O mástil del instrumento, es la parte de la viola que lleva la mayor parte de la tensión de las cuerdas. Es la pieza de madera larga detrás del diapasón, a la que se le pega el diapasón.

El diapasón es la superficie lisa y negra que se pega al mástil de la viola debajo de las cuerdas. Los violistas a veces tienen residuos negros en sus dedos en la mano izquierda debido a que el esmalte negro se frota. Eventualmente el diapasón tendrá que ser repintado si esto empieza a suceder, ya que el color del diapasón comenzará a desvanecerse.

El cuerpo de la viola es la parte que amplifica el sonido en la viola acústica. El cuerpo de la viola puede estar hecho de una variedad de maderas diferentes. Mientras que la mayoría de las violas tienen respaldos de dos piezas que se unen con una costura en el centro, los respaldos de una pieza son los preferidos debido a su mayor resonancia. El tamaño del cuerpo de la viola ha sido experimentado de forma significativa a lo largo de su historia, con el fin de intentar mejorar la resonancia del rango inferior de la viola.

Poste de sonido:

El poste de sonido es el poste redondo dentro de la viola que va desde la parte delantera hasta la parte trasera bajo el puente de la viola. El poste sonoro juega un papel clave en la producción sonora de la viola, y también ayuda a sostener la estructura de la viola a partir de la presión creada por la tensión de las cuerdas.

Los agujeros en f:

Después de que la vibración de la cuerda reverbera dentro del cuerpo de la viola, las ondas sonoras son dirigidas fuera del cuerpo a través de los agujeros F. Un buen consejo para los principiantes es dirigir los hoyos F hacia su público. Hacer esto permitirá que la audiencia experimente el mejor sonido posible. Por supuesto, no tienes que preocuparte por esto si tocas una viola eléctrica.

El puente de la viola se presenta en diferentes ángulos de curvatura. Un ángulo más pequeño hace que sea más fácil tocar los topes dobles o triples (tocando dos o tres cuerdas al mismo tiempo.) Mientras que los puentes más curvos hacen más fácil tocar las notas correctas sin raspar una cuerda equivocada. El puente también tiene crestas que ayudan a espaciar las cuerdas uniformemente.

Afinadores:

Los afinadores finos se pueden encontrar en las cuatro cuerdas, o sólo en la cuerda A. Si eres un principiante, es mejor elegir una viola con cuatro afinadores finos, ya que esto hace que sea mucho menos probable que rompas una cuerda mientras afinas. Los afinadores son esencialmente un tornillo que presiona una palanca que luego aprieta la cuerda fraccionadamente. Cuando un afinador llega al final del tornillo, se debe desatornillar completamente y luego apretar la clavija antes de volver a utilizar el afinador fino, ya que esto evita que se apriete demasiado la cuerda.

Pieza final:

La pieza final es a la que se sujetan las cuerdas en la parte inferior del instrumento, la más cercana a la barbilla del músico. El cordal se sujeta a la parte inferior del instrumento por medio de la clavija o botón final, un pequeño botón en el lado de la viola que roza contra el cuello del músico.

Descanso en el mentón:

La mentonera es una parte adicional que se añade a la viola más adelante en la historia de la viola y que sirve de apoyo al mentón de los músicos cuando tocan el instrumento. El apoyo de la barbilla es importante porque ayuda al músico a sostener la viola, lo que significa que la mano izquierda puede moverse libremente hacia arriba y hacia abajo por el diapasón según sea necesario.

El arco consiste típicamente en un trozo de madera con fibra de cola de caballo estirada entre sus extremos. El tipo de arco utilizado para tocar la viola e instrumentos relacionados posee una gran cantidad de pelos estirados entre sus extremos, pero los arcos utilizados en otras culturas a menudo estiran una sola pieza de cuerda entre los extremos de la madera.

Los arcos finos y modernos utilizados para tocar los instrumentos de cuerda orquestales de la familia de los violines (violín, viola, violonchelo y contrabajo) suelen ser de madera de Pernambuco (Brasil) y se encordan con pelo de caballo. Plata u oro, madera de ébano de África, marfil, concha de perla, cuero y, a veces, concha de tortuga, son materiales que se utilizan comúnmente para la "rana" y el agarre de los dedos.

Partes de un arco:

Como el arco es una pieza independiente a la viola, posee diferentes partes, como por ejemplo;

El pelo del arco es la parte que toca la cuerda cuando se toca. Por lo general, el cabello está hecho de un material sintético o de pelo de caballo, y estas hebras necesitan estar bien labradas para producir sonido. Si tu arco no está bien rosado, puedes encontrar que se desliza en la cuerda y produce un tono más suave, como un susurro.

La rana es la parte del arco que sostiene el violista. La rana es donde ocurren todos los mecanismos del arco.

El tornillo está en el extremo de la rana, que aprieta y afloja el cabello. Si el tornillo en el extremo de la rana se desenrosca completamente, entonces la rana se desprende del arco (es fácil de volver a colocar) cuando el tornillo se aprieta, estira el pelo del arco más cerca del extremo del arco, apretando así la tensión de los pelos.

El palo principal del arco suele ser de madera, a veces con un núcleo de metal. El palo tiene que ser flexible para poder soportar la tensión y el aflojamiento del pelo del arco. Un buen arco debe ser ligero, y tener un punto de equilibrio (el punto donde se puede equilibrar el arco en un dedo) alrededor de un cuarto del camino hacia arriba del arco de la rana. El punto de equilibrio es importante ya que permite al violista realizar movimientos técnicos avanzados como el spiccato (donde el arco rebota en la cuerda entre cada nota).

Almohadilla:

La almohadilla del arco ayuda al jugador a sostener el arco.

¿Como se toca la viola?

La viola se sujeta por debajo de la barbilla, con el músico de pie o sentado. La mejor manera de aprender a sujetar la viola correctamente es mirando un clip de un violinista conocido para ver cómo sujeta su instrumento. Aprender a tocar la viola es un proceso un poco largo. Si estás empezando a tocar la viola, es importante que dediques todo el tiempo que puedas a mantener una postura correcta, ya que los malos hábitos pueden ser difíciles de romper.

Tómate tu tiempo, relájate, entra en una buena rutina de práctica. Conoce tu instrumento, visualizalo como una parte más de tu cuerpo y, sobre todo, disfruta del proceso. Aprender a tocar un instrumento es siempre un trabajo duro, pero nunca debe ser frustrante o perturbador. Recuerda que está bien tomar un descanso, pero asegúrate de volver a hacerlo más tarde. Por eso te brindo algunos consejos que te pueden ayudar en tu camino de aprendizaje...

1. Una postura correcta:

La postura es muy importante a la hora de tocar la viola para mejorar la calidad del sonido producido por el instrumento, y para minimizar la posible tensión muscular y de espalda del músico.

2. Memoriza los nombres de los dedos:

Los nombres de los dedos a los que me refiero son tan importantes de conocer cómo las partes de la viola. La mano derecha es conocida como la mano de arco (ya que esta mano controla el arco), y la izquierda como la mano de la viola, que sostiene la viola. Los dedos de ambas manos también tienen diferentes nombres para diferenciarlos entre sí. En la mano de la viola, los dedos son conocidos como el pulgar de la viola, y los dedos primero, segundo, tercero y cuarto (del pulgar al meñique). A menudo verás los números 1, 2, 3 ó 4 de las notas anteriores cuando leas música escrita, estos números corresponden a los nombres de los dedos que debe utilizar para tocar las notas especificadas.

3. Un buen consejo:

A diferencia de las guitarras, las violas no tienen marcas en los trastes, lo que significa que en lugar de sólo poder tocar en semitonos, se puede tocar un doble sostenido o un doble plano (esta es la nota entre un semitono y otro). Sin embargo, esto también significa que la entonación es extremadamente importante para familiarizarse con ella. Un violinista debe saber milimétricamente dónde colocar el dedo para producir el sonido correcto, que para un principiante puede ser muy difícil de dominar. Esto requiere de un buen oído.

4. Aprende las técnicas avanzadas:

Desplume: los violistas suelen "desplumar" la cuerda con el arco en la mano, utilizando la almohadilla del dedo índice para desplumar la cuerda. Algunos pasajes de punteo no pueden tener más de una o dos notas, por lo que es importante practicar la transición rápida entre punteo e inclinación.
Vibrato: el vibrato es cuando el violinista mueve el dedo de un lado a otro de la cuerda para liberar el tono de la nota.
Armónicos: los armónicos son notas altas que requieren sólo una pequeña cantidad de presión en la cuerda.
Spiccato: el spiccato es donde el arco rebota muy rápido en el punto de equilibrio. Hay bastantes tutoriales que enseñan esta técnica.

¿Cuales son las diferencia entre tocar el violín y la viola?

Como mencioné antes, la viola y el violín se tocan de manera similar. La diferencia principal es que la viola es un poco más grande, lo que significa que debe colocar los dedos un poco más separados al tocar la viola que al tocar el violín. Como el instrumento es más grande, también es más pesado y requiere cuerdas más gruesas y arcos más fuertes.

Los arcos de viola generalmente pesan entre 69 y 74 gramos, unos 10 gramos más pesados que los arcos de violín. Una manera de distinguir un arco de viola de los arcos de violín es mirando a la rana (la parte del arco que se sostiene en la mano). La rana en un arco de viola es redondeada mientras que el arco de violín es puntiagudo. El arco para violonchelo también tiene una rana redondeada, pero es más corto que los arcos de violín y de viola y pesa alrededor de 10 gramos más que un arco de viola.

Otra gran diferencia entre tocar el violín y la viola es la producción de sonido. Generalmente, debido a sus cuerdas más gruesas, la viola suena más despacio que el violín. Es decir, en realidad se tarda un poco más en escuchar su sonido desde el momento en que el arco toca la cuerda. La viola puede perderse fácilmente en el sonido de una orquesta, por lo tanto necesitan poder detenerse y comenzar a tocar el arco con claridad para ser escuchados.

Los violadores tienen que ser maestros de la articulación! Recuerde que la viola es la voz media en la sección de cuerdas. A menudo son el mediador entre las articulaciones de los violonchelos/bajos y los violines (No es una coincidencia que los violistas, ya que la gente tiende a estar tranquila y estable).

Una vez más, el vibrato en la viola es muy similar al del violín, pero tiende a ser ligeramente más lento y más ancho para que coincida con el tamaño más grande del instrumento. Por supuesto, el vibrato es puramente personal, pero un vibrato más lento y ancho logra el tono más oscuro que es más común en una viola.

¿Cómo suena la viola?

El sonido de este instrumento es muy notorio, algo parecido al del violín pero este es mucho más grabe, aun así, este instrumento puede llegar a sonar bastante bien cuando se tocan porque la cavidad corporal de este instrumentos es capaz de presentar tonos de rango de violín razonablemente bien. Por lo tanto, es personalmente satisfactorio tocar este instrumento, para que comprendas de lo que hablo te invito a ver el siguiente video...

►Video recomendado: Ed Sheeran | Perfect | Jeremy Green | Viola Cover.

¿Cuanto cuesta una viola?

Las violas vienen en diferentes niveles para los músicos en diferentes etapas de aprendizaje. Muchos estudiantes empiezan alquilando violas para practicar hasta que están listos una propia. Si estás buscando comprar una viola nueva, querrás saber cuánto gastar.
Generalmente, las violas se clasifican en tres categorías de precios:
Violas para estudiantes:

Estas son para principiantes. Los jóvenes estudiantes o músicos en las primeras etapas de aprendizaje de la viola trabajan constantemente en los aspectos básicos de la interpretación, la producción de tonos, la digitación, el arqueamiento, etc. Por lo tanto, el arce (teñido de negro para asemejarse al ébano) se utiliza a veces para las clavijas y los diapasones, áreas que están expuestas a más fricción. Las violas de los estudiantes son en su mayoría hechas a máquina para mantener los costos bajos mientras se mantiene la consistencia del tono. Bastante asequible. Los precios oscilan entre $200 y $2,500.

Violas de nivel Intermedio a Avanzado:

Con una mano de obra más alta, el sonido de una viola intermedia también es mucho mejor. Hay más dinámica y una proyección más fuerte. Las clavijas y los diapasones están hechos de ébano y la mayor parte del instrumento está hecho a mano. Los precios oscilan entre $500 y $10,000.

Violas Profesionales:

Pura artesanía utilizando la mejor calidad de madera, las violas profesionales irradian un tono rico y una dinámica amplia. Obras maestras como estas son caras. Los precios van desde $10,000 en adelante.

Top de las mejores 5 violas:

Si vas a empezar algo, entonces quieres empezarlo bien. Por lo tanto, cuando se quiere conseguir una viola, es importante que cualquier marca que se elija sea la de mayor calidad. La primera viola debe hacer que te enamores del instrumento y no dejarte huir de él. Por esta sencilla razón, es necesario comprar la mejor viola para principiantes. Por eso te dejos las mejores 5 violas disponibles actualmente en el mercado...

1) D'Luca CA400VA-15.5 15.5-Inch Orchestral Series Handmade Viola Outfit:

Esta viola hecha a mano es probable que sea una de las mejores opciones si estás buscando un tono musical de excelente calidad. Además, la viola de D'Luca está hecha en el estilo habitual. Un viejo abeto macizo, con arce flameado en los lados y en la parte posterior y con incrustaciones en la parte superior, permiten que la parte superior de madera más blanda compruebe su hendidura.

¿Qué es más? Un diapasón de ébano que te ofrece una alternativa robusta y duradera. Esto soporta la presión repetitiva de los dedos en el diapasón. Además, la mano de obra profesional promete una excelencia sin igual y un valor incomparable.

2) Mendini 12-Inch MA250 Natural Varnish Solid Wood Viola with Case, Bow, Rosin, Bridge and Strings:

Este instrumento crítico proviene de una marca de confianza: Mendini. Esto es competente para proporcionar justo lo que esperas obtener de él. Junto con una reputación positiva, esta viola es una pieza hecha a mano que tiene una tapa de abeto macizo y fondo y aros de arce.

Además de un estuche rígido ligero, se obtiene colofonia y un puente. El lazo de madera de Brasil con pelo de caballo mongol y un cordal de aleación junto con cuatro afinadores finos incorporados contribuyen a la calidad. Y las cuerdas flojas se pegan fuertemente al diapasón de arce.

3) Cecilio CVA-400 14-Inch Solid Wood Flamed Viola:

Esta es la viola más agradable de una marca respetable y aclamada como lo es la marca Cecilio. Puedes confiar en este producto por su admirable y gratificante artesanía. Se puede descubrir su elegancia y gracia en la melodía y el sonido eufónico que produce.

Asimismo, la marca promete ofrecer productos de calidad excepcional durante años. La viola Cecilio ofrece un atractivo acabado brillante con incrustaciones de ribetes con lados flameados. Junto con el lazo de madera de Brasil con crin mongola cruda, se obtienen unas estacas de palisandro de color natural y un diapasón. Ahora, llegando al límite, la viola Cecilio no tiene diapasones de ébano. Esto lo convierte en una alternativa débil y débil. Al no ser tan robusto, es posible que tenga que tomarlo para mantenimiento y reparaciones con más frecuencia.

4) 15.5-inch Handmade D Z Strad Viola Model 400:

La Viola DZ Strad es uno de esos instrumentos musicales de alta calidad que siempre va a valer tu dinero. Este es uno de esos instrumentos hecho por fabricantes de violas (luthiers) increíblemente talentoso, que es especialmente adecuado para los músicos exigentes.

El mástil, la espalda y los lados están hechos de arce, mientras que la parte superior es de abeto italiano tallado. Luego se frota a mano con barniz antiguo. Esta viola emplea las prácticas tradicionales europeas del viejo mundo en la construcción de sus violas.

Tanto si eres principiante, como si eres un profesional o un intérprete de viola avanzado, te vas a enamorar completamente de esta viola con sus caracteres únicos y cálidos, así como con su gran tono.
Asimismo, la marca promete ofrecer productos de calidad excepcional durante años. La viola D Z Strad ofrece un atractivo acabado brillante con incrustaciones de ribetes con lados flameados. Junto con el arco de madera de Brasil con crin mongola cruda, se obtienen unas estacas de palisandro de color natural y un diapasón.

5) Cecilio CVA-500:

Como la viola Yamaha mencionada anteriormente, esta Cecilio CVA-500 de 16,5 pulgadas, también viene con cuerdas D'Addario Prelude. Este hermoso instrumento musical está tallado a mano con una tapa de abeto. El mástil, la espalda y los lados están construidos con arce flameado, y tiene incrustaciones hermosas de purpurinas. Y para terminar de acabar su calidad, la viola también tiene un acabado satinado antiguo que la convierte en una verdadera belleza entre las violas. Las clavijas, el diapasón del mentón y el cordal están hechos de ébano para lograr un efecto duradero. El cordal viene con 4 sintonizadores finos niquelados extraíbles.

La proa es de madera de Brasil y auténtica crin de Mongolia. También viene con un pastel de colofonia y un puente. Una cosa que hace que esta viola sea una gran compra es la garantía de 1 año contra los defectos de fabricación que viene con ella.
El paquete para viola Cecilio CVA-500 también contiene un afinador cromático Cecilio junto con un metrónomo, un ligero estuche de carcasa dura con correas y bolsillos, por lo que será más fácil para ti llevarla a la escuela o a la orquesta.

# data[].attributes.attachment_link.title
La viola. Que es, Origen, Tipos, Partes, Funcionamiento Y Más.

# data[].attributes.attachment_link.description
En el siguiente blog, hablaremos sobre la viola, su origen, sus partes, características, tipos de viola y mas. Sigue leyendo....

# data[].attributes.attachment_link.title
Violonchelo: Que es, Origen, Tipos, Partes, Características, Y Más.

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En siguiente post hablaremos un poco sobre el violonchelo mejor conocido como cello. Conoceremos su origen, los tipos, sus partes y mas. Sigue leyendo…

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El contrabajo, también llamado bajo de cuerda, bajo, violín bajo o violín toro. Es un instrumento musical de cuerda, el miembro de la familia de los violines con el tono más bajo,(violín bajo) sonando una octava más baja que el violonchelo. Tiene dos diseños básicos uno en forma de viola (o viola da gamba) y otro en forma de violín pero hay otros diseños, como el de una guitarra.

Varía considerablemente en tamaño, siendo el más grande normalmente de menos de 6 pies (1,8 metros) de longitud total. El cuerpo mismo, sin el mástil, puede medir hasta 1,4 metros (4,5 pies) para un instrumento de tamaño completo, 1,2 metros (3,8 pies) para un instrumento de tres cuartos, y sólo un poco más grande que un violonchelo para un pequeño contrabajo de cámara, o bassetto.

A la persona que ejecuta el instrumento se le nombra contrabajista. Un contrabajo suele encordarse con cuatro cuerdas pesadas afinadas E1-A1-D-G; ocasionalmente se añade una quinta cuerda en los bajos de una banda de jazz, en la parte superior del registro para permitir que las notas agudas se toquen más fácilmente; en los bajos de una orquesta sinfónica, por debajo de la cuerda E, afinados en Do.

Muchos contrabajos, en lugar de tener una quinta cuerda, tienen un dispositivo mecánico con palancas que aumenta la longitud de la cuarta cuerda. Con este dispositivo, el tono de la cuerda de Mi se puede bajar a E♭, D, D♭, o C, o se puede sujetar para que suene E cuando no se necesiten las notas más bajas.

Historia del contrabajo:

El contrabajo es generalmente considerado como un descendiente moderno de la familia de instrumentos de cuerda que se originó en Europa en el siglo XV, y como tal ha sido descrito como un violín bajo. Antes del siglo XX muchos contrabajos tenían sólo tres cuerdas, en contraste con las cinco o seis cuerdas típicas de los instrumentos de la familia de las violas o las cuatro cuerdas de los instrumentos de la familia de los violines.

Las proporciones del contrabajo son diferentes a las del violín y el violonchelo; por ejemplo, son más profundas (la distancia de adelante hacia atrás es proporcionalmente mucho mayor que la del violín). Además, mientras que el violín tiene hombros abultados, la mayoría de los contrabajos tienen hombros tallados con una pendiente más aguda, como los miembros de la familia de las violas. A muchos contrabajos muy antiguos se les han cortado o inclinado los hombros para ayudar a tocar con técnicas modernas. Antes de estas modificaciones, el diseño de sus hombros estaba más cerca de los instrumentos de la familia de los violines.

Su afinación:

El contrabajo es el único instrumento de cuerda de arco moderno que se afina en cuartas (como una viola), en lugar de quintas. La cuestión del linaje exacto del instrumento es todavía objeto de debate, y la suposición de que el contrabajo es descendiente directo de la familia de los violines no se ha resuelto del todo.

Algunos bajos finos, muchos de los cuales probablemente fueron convertidos de su forma original en instrumentos de tres o cuatro cuerdas, datan de finales del siglo XVI y principios del XVII. El bajo de tres cuerdas, originalmente construido como tal, es el de Gasparo da Salò, propiedad de Dragonetti y que ahora se encuentra en el museo de San Marcos de Venecia. Un bello violín de seis cuerdas de construcción mucho más ligera, obra del aprendiz de Da Salò, Giovanni Paolo Maggini, se encuentra en el Museo Horniman de Londres. Tiene forma de violín, con el lomo plano, y hace una interesante comparación con el violonchelo de Ventura Linarol (Padua, 1585) en el Museo de Historia de Kunsthistorisches de Viena.

La evolución del contrabajo de cinco cuerdas:

A principios del siglo XVII, el bajo de cinco cuerdas era el más utilizado en Austria y Alemania. Leopold Mozart se refirió en la edición de 1787 de su Escuela de Violín al haber escuchado conciertos, tríos y solos interpretados con gran belleza en instrumentos de este tipo. Las primeras instrucciones de toque conocidas de Johann Jacob Prinner (Musicalischer Schlissl, 1677, autógrafo US-Wc) son para un instrumento afinado con F'-A'-D-F#-B. Mucho más usual, sin embargo, es la afinación F'-A'-D-F#-A citada en 1790 por Albrechtsberger, para aviolone o contrabajo con cuerdas gruesas y trastes atados en cada semitono alrededor del diapasón.

El Método 1773 de Michel Corrette arroja mucha luz sobre las basstechniques y afinaciones en uso durante los siglos XVIII y principios del XIX, cuando el bajo gozaba de cierta popularidad como instrumento solista. Muchas de las piezas virtuosas de la escuela vienesa de esa época, y más tarde abundan con pasajes de doble parada y, a la vista de las afinaciones requeridas, fueron consideradas por las autoridades de principios del siglo XX como no escritas para el bajo en absoluto. Investigaciones posteriores revelaron que el instrumento ha sido afinado en el pasado de unas 40 o 50 maneras diferentes; aunque el repertorio es bastante práctico con las afinaciones que los compositores preveían (por ejemplo, una de las afinaciones'3ª-4ª'), mucho no se puede tocar en los instrumentos modernos afinados convencionalmente.

Su encordacion:

Un contrabajo suele encordarse con cuatro cuerdas pesadas afinadas E1-A1-D-G; ocasionalmente se añade una quinta cuerda en los bajos de una banda de jazz, en la parte superior del registro para permitir que las notas agudas se toquen más fácilmente; en los bajos de una orquesta sinfónica, por debajo de la cuerda E, afinados en Do. Muchos contrabajos, en lugar de tener una quinta cuerda, tienen un dispositivo mecánico con palancas que aumenta la longitud de la cuarta cuerda. Con este dispositivo, el tono de la cuerda de Mi se puede bajar a E♭, D, D♭, o C, o se puede sujetar para que suene E cuando no se necesiten las notas más bajas.

Características del contrabajo:

El contrabajo tiene una serie de características que lo diferencian del violín, la viola y el violonchelo por ejemplo;

Las cuerdas se afinan una cuarta parte en lugar de una quinta parte. En términos simples, si la cadena más baja es 'do', la siguiente cadena es 'fa' en lugar de 'sol'.

Las cuerdas del bajo se encuentran afinadas en D2,G2,E1, A1. Estas son las mismas notas que las de un bajo. La razón para afinar las cuerdas de esta manera es que son más largas comparadas con un violonchelo.

Si se afina de la manera normal en quintas, la mano del jugador tendría que saltar mucho arriba y abajo del diapasón.

Esta afinación en cuartos es una de las características de la viola que se ha mantenido en el contrabajo.

Las cuerdas están bajo mucha más tensión que en el violonchelo, por lo que se utiliza una cabeza de afinación con engranajes como la de una guitarra en lugar de una simple clavija como la del violonchelo.

Donde el cuerpo del contrabajo se une con el cuello, hay hombros inclinados. Esta es una característica de viola que ha sido retenida porque deja espacio para que el músico alcance alrededor del instrumento.

El arco de contrabajo es mucho más corto y grueso que el arco de violín. Muchos jugadores utilizan un arco de forma diferente que se sostiene al final como una sierra de mano, en lugar de con la mano sobre el arco.

Mientras que la mayoría de los contrabajos tienen cuatro cuerdas, hay modelos de tres cuerdas y cinco cuerdas disponibles. Las cinco cuerdas pueden tener una cuerda extra baja (a menudo usada para tocar Do bajo) o una cuerda extra alta.

Partes de un contrabajo:

Para ser el mejor contrabajista, debes conocer todos los nombres comunes de las partes del contrabajo y la función que desempeñan. También debes saber cómo se pueden quitar y reemplazar las partes individuales de los bajos de las cuerdas, cómo se deben reparar y mantener las partes de los bajos de las cuerdas y qué hacer si crees que una parte de los bajos de las cuerdas está dañada o rota.

Los combates y la cintura:

El contrabajo tiene una cintura que maximiza la producción de sonido y hace espacio para el arco. Los términos "combates" y "cintura" describen varias partes de la llamativa forma del cuerpo del bajo de cuerda. Se recortan de la curva de la madera de la tapa a lo largo de su borde. Esto permite que el arco se mueva a través de las cuerdas en una variedad de ángulos extremos sin golpear el costado del cuerpo.

Por encima de la cintura se encuentran dos combates superiores y por debajo dos combates inferiores. La forma de reloj de arena de los combates hace que el contrabajo de cuerda sea reconocible instantáneamente tanto por el contrabajista como por el espectador en general. Los músicos notarán que los combates superiores del contrabajo de cuerda se inclinan mucho más rápido que los de los otros miembros de la familia de instrumentos de cuerda. Esto se debe a que el tamaño de los contrabajos de las cuerdas haría casi imposible para el músico alcanzar y acceder a toda su funcionalidad sin este diseño.

Es una pequeña pieza de arce que sostiene las cuerdas lejos de la parte superior del bajo de la cuerda y transfiere vibración al cuerpo. El puente es una pequeña pieza de arce tallada decorativamente que se coloca en la parte superior entre las muescas de los agujeros en forma de "F". Su función es mantener las cuerdas alejadas de la superficie superior del contrabajo.

Esto permite que las cuerdas vibren libremente mientras transfieren esa vibración a la cavidad resonante del cuerpo. También proporciona un espaciador entre las cuerdas para que se apoyen uniformemente sobre el diapasón del contrabajo . El puente no está unido permanentemente al contrabajo, sino que mantiene su posición de forma segura bajo la fuerte tensión de las cuerdas. La altura del puente se puede ajustar dentro de las especificaciones estándar para adaptarse al estilo de toque del músico.

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El botón final:

Esta pieza mantiene la tripa de la cola y el cordel del contrabajo firmemente en su lugar.

El botón final se encuentra en el extremo o en la parte inferior del cuerpo del contrabajo y normalmente está hecho de una madera dura como el ébano o el palo de rosa. La tripa de la cola del moderno contrabajo se fija en el extremo del cordón trasero y se enrolla alrededor del botón del extremo, de modo que tiene un punto de anclaje seguro para mantener el cordón en su lugar.

Los agujeros en forma de efe:

Las "F" ayudan a dar forma y dirigir el sonido del bajo de las cuerdas.

Estos, son aberturas talladas en la parte superior del bajo de la cuerda que actúan para aumentar la potencia del tono emitido por el instrumento. Permiten que algo de sonido del interior resonante del contrabajo escape al oyente, pero ese no es su propósito principal. De hecho, la mayor parte del timbre proporcionado por el contrabajo viene de la vibración de la parte superior y de la parte posterior transferida directamente al aire.

A lo largo de los siglos, los fabricantes de instrumentos han jugado continuamente con la colocación, el tamaño y el efecto de los agujeros de sonido en los instrumentos de cuerda. Las pruebas acústicas han demostrado que permiten una mayor libertad de movimiento entre la parte superior y la posterior. También ayudan a enfocar la producción de sonido, afectando la calidad del tono de una manera que es mucho más impactante que permitir que las ondas sonoras escapen.

Los afinadores:

Ellos permiten una afinación más precisa de cada cuerda. Estos son muy raros en los contrabajos porque la innovación de las clavijas para afinarlos los ha hecho prácticamente innecesarios. Sin embargo, se pueden encontrar para todas o algunas de las cuerdas en la cola del contrabajo, más comúnmente en la cuerda E. Sin embargo, algunos instrumentos tienen afinadores instalados para las cuatro cuerdas.

El ajuste se realiza mediante una pequeña palanca que se ajusta con un pequeño tornillo de pulgar. Los afinadores pueden ser piezas individuales que se colocan en el cordal al final de cada cuerda o se incorporan en el cordal propiamente dicho.

El diapasón:

Proporciona una superficie dura para que la cuerda sea presionada hacia abajo para que se puedan tocar las notas. Estas piezas de los contrabajos se realizan mayormente de la madera proveniente de un arbol llamado ébano, que por lo general es una madera de color oscura y muy resistente. Otras maderas duras se utilizan a veces en instrumentos de menor calidad y se ennegrecen para que parezcan de ébano. El diapasón del bajo de cuerda no tiene trastes como una guitarra para delinear un tono de otro, por lo que el músico debe tener un oído fuerte y un sentido del tono para tocar con confianza en la afinación.

Las clavijas:

Las clavijas están hechas de metal y se utilizan para ajustar el tono de cada cuerda fácilmente.

El bajo de cuerda es el único miembro de la familia de instrumentos de cuerda tradicionales que cuenta con afinadores metálicos, que son necesarios debido a la notable fuerza ejercida por las cuerdas de mayor calibre del contrabajo.

Este se extiende desde el cuerpo para sostener las cuerdas y el diapasón. Es además,una extensión del cuerpo del contrabajo que sostiene las cuerdas y el diapasón y termina en el clavijero y el pergamino. Típicamente está tallado en arce resistente.

Las tuercas:

O nuez para cuerdas, sujeta y dirige las cuerdas por el diapasón hacia el contrapunto. La tuerca se encuentra en el extremo superior del diapasón, manteniendo las cuerdas en perfecta alineación y a la altura exacta del diapasón para maximizar el tono y la capacidad de ejecución del contrabajo. En la parte superior de la tuerca se tallan cuatro pequeñas ranuras o muescas en las que se colocan las cuerdas antes de enrollar las clavijas.

El clavijero:

Contiene máquinas de afinación robustas para que las cuerdas puedan ser afinadas. El otro extremo de las cuerdas está anclado en el cordal. Cada clavija tiene una forma ligeramente cónica, lo que permite al jugador ajustar la sujeción de la clavija aplicando más o menos presión y girando. A menudo, el clavijero y el pergamino del bajo de cuerda se tallan en una sola pieza de madera.

Para hacer que el tono de la cuerda sea más alto, los afinadores son retorcidos para tensar la tensión de la cuerda. Una tensión más floja resulta en un tono más bajo.

El purfling:

El borde decorativo añade atractivo visual y evita que los contrabajos se agrieten. Alrededor del borde de la parte superior y posterior se ve un borde decorativo conocido como "purfling". Esta incrustación tiene un atractivo decorativo y también ayuda a reducir la posibilidad de que se produzcan grietas en la parte superior y posterior del instrumento.

Las costillas:

También llamadas los lados, son cuidadosamente trabajados para mantener la parte superior y posterior del instrumento, creando el espacio para que el sonido se desarrolle. Estos lados son las piezas de madera que corren alrededor de todo el borde exterior del cuerpo del bajo de cuerda, entre la parte superior y la trasera. Las costillas mantienen las dos piezas separadas, creando la cavidad resonante que produce el sonido del bajo de las cuerdas.

La parte superior y la parte trasera:

Estas partes resuenan para proporcionar tono y volumen. El cuerpo del contrabajo está construido con dos grandes piezas arqueadas de madera única que se mantienen separadas por las costillas. Cuando el contrabajo descansa sobre su lomo, la caja de resonancia o "top" se ve en la parte superior con dos distintivos "f-holes" cortados. La parte posterior es una gran área de madera resonante sin ningún agujero visto en ninguna parte.

La calidad y la edad de la madera en la parte superior y posterior del bajo de las cuerdas tienen un gran impacto en su sonido. Los contrabajos están muy sujetos a su entorno, incluyendo el calor y la humedad, pero un instrumento bien hecho, bien cuidado y tocado con frecuencia mejorará notablemente con la edad. La edad, el tipo y la condición del barniz también afectarán perceptiblemente al sonido.

Los contrabajos de hoy están hechos de maderas como el haya, el álamo, el pino y el cedro. Los contrabajos anteriores estaban hechos de abeto y arce. Alrededor del borde de la parte superior y posterior del bajo de la cuerda se ve un borde decorativo conocido como "purfling". Esta incrustación tiene mucho atractivo decorativo y también ayuda a reducir la posibilidad de que se produzcan grietas en la parte superior y posterior.

Esté, sujeta las cuerdas al cuerpo del contrabajo en su extremo inferior. Además, esta pieza es el ancla que sujeta las cuerdas al cuerpo del contrabajo en su extremo inferior. A diferencia de la mayoría de las otras partes del contrabajo, el cordal está sujeto al instrumento estrictamente por la tensión de la cuerda.

Muchos instrumentos tienen un afinador fino individual en la parte trasera para al menos la cuerda en Mi, si no para todas las cuerdas. Algunos tienen afinadores finos incorporados en el cordal para todas las cuerdas. Puede estar hecho de varios tipos de madera o material compuesto y se ve en otros colores de madera además del típico negro.

Las cuerdas:

Las cuerdas vibran y transfieren esa vibración al cuerpo para amplificación y resonancia. Hay cuatro cuerdas en el contrabajo estándar, típicamente sintonizadas en Sol, Re, A y Mi. La Sol es la más baja en tono. El contrabajista trabaja con un arco de crin de caballo a través de las cuerdas o las pellizca mientras toca las notas en el diapasón para producir acordes, notas simples y otros efectos de sonido. La cuerda clásica está hecha de tripa de oveja, aunque muy pocas cuerdas están hechas de este material hoy en día.

Es una delgada pieza de metal que sostiene el bajo de cuerda durante la ejecución. Antes de tocar, la espiga se coloca en el botón final y se aprieta a la altura deseada con un pequeño tornillo. Esto permite que el instrumento se ajuste a cualquier altura del músico o posición preferida para tocar.

¿Cómo suena el contrabajo?

Al igual que la tuba, el contrabajo carece de las parciales altas debido a su gran tamaño, aunque las primeras seis parciales son especialmente prominentes, lo que hace que el timbre sea oscuro, amplio y apagado. Esta amplitud, aunque no es dominante, todavía posee gran poder y representa la esencia del sonido del contrabajo. Esta característica es la base de la tarea principal del instrumento en la orquesta sinfónica.

Hay que recordar que el contrabajo produce reverberaciones largas que son amortiguadas por la mano cuando es necesario. La duración de la reverberación varía mucho. Por eso te invito a disfrutar del siguiente video:

►Video recomendado:

Contrabajos en la Orquesta:

El contrabajo comparte algunas características con la viola da gamba, siendo afinado en cuartas partes en lugar de las quintas partes de los violines, violas y violonchelos; y los contrabajos todavía se construyen a menudo de espaldas planas y con hombros inclinados como los de las violas, lo que insinúa una cierta ascendencia violenta.

La viola (o viola da gamba) nunca fue un instrumento orquestal, tocando en secciones de varias partes como la familia del violín; sólo hace apariciones en solitario en las pasiones de Bach, algunas de sus cantatas, y uno de sus conciertos de Brandenburgo, siendo principalmente un instrumento de música de cámara.

El contrabajo se usaba en las primeras orquestas para tocar la misma línea de bajo que el violonchelo, pero una octava más baja. Los compositores no escribieron una parte separada para el contrabajista; en cambio, se utilizó música de violonchelo y se tocó una octava más baja.

En años posteriores, el contrabajo comenzó a tener su propia partitura. Usualmente esta era una línea de bajo de armonía, pero ocasionalmente el contrabajo obtenía un tema en solitario. En la 9ª Sinfonía de Beethoven, el famoso tema de la Oda a la Alegría se toca por primera vez en todos los contrabajos juntos, antes de ser acompañado por el resto de la orquesta.

Una orquesta sinfónica moderna normalmente tendrá ocho contrabajos, y esto se puede ampliar a nueve o diez para obras más grandes. El cuarteto de cuerdas estándar utilizado para la música de cámara no suele incluir un contrabajo, pero en ocasiones hay lugar para uno en la música de cámara. El Quinteto de Truchas de Schubert, por ejemplo, utiliza piano, violín, viola, cello y contrabajo.

El contrabajo en el jazz:

El bajo de jazz es el uso del contrabajo o bajo para improvisar líneas de bajo de acompañamiento ("comping") y solos en un estilo de jazz o de fusión de jazz. Los músicos comenzaron a utilizar el contrabajo en el jazz en la década de 1890 para suministrar las líneas de bajo bajas que delineaban las progresiones de los acordes de las canciones.

Desde la era del Swing y las big band de los años 20 y 30, pasando por el Bebop de los años 40 y el Hard Bop de los años 50, hasta el movimiento "free jazz" de la era de los 60, el sonido resonante y amaderado del contrabajo ancló todo, desde pequeños combos de jazz hasta grandes big bands de jazz.

A partir de principios de los años cincuenta,[1] algunos bajistas de jazz empezaron a utilizar la guitarra eléctrica en lugar del contrabajo. El bajo eléctrico, que era más fácil de amplificar a volúmenes altos en el escenario, adquirió particular prominencia a finales de los 60 y principios de los 70, subgénero de jazz que mezclaba el jazz con los poderosos instrumentos eléctricos amplificados de la música rock, creando una fusión de jazz.

La mayoría de los bajistas de jazz se especializan en el contrabajo o en el bajo eléctrico, aunque la capacidad de "doblar" (tocar ambos instrumentos) es común. Un pequeño número de jugadores, como Stanley Clarke y John Patitucci, han logrado una virtuosa habilidad con ambos instrumentos. Ya sea que un bajista de jazz esté "compingiendo" (acompañando) con una línea de bajo que camina o tocando solo, o tocando en un contrabajo o en un bajo eléctrico, ellos usualmente tratan de crear un impulso rítmico y un "timefeel" que crea un sentido de swing y groove.

¿Cuanto puede costar un contrabajo?

El precio de estos instrumentos puede variar entorno a la calidad y a los materiales con los cuales están hechos, pero se pueden conseguir instrumentos de la marca Wan-Bernadels desde 5.000 dólares. Los Wan-Bernadels son famosos y ahora compiten con contrabajos mucho más caros. Pero necesitas tener en cuenta que requieres de un presupuesto de aproximadamente 10.000 dólares o 15.000 dólares,sin embargo, los instrumentos de mejor calidad pueden comenzar desde los 15.000 dólares hasta los 20.000 dólares.

Top de los mejores 7 contrabajos:

Existen diferentes tipos y tamaños de contrabajos disponibles en el mercado. Por lo tanto, elegir el mejor contrabajo para puede ser un poco difícil. Necesitas considerar varios factores para determinar cual seria el mejor contrabajo para ti. Es muy importante buscar la ayuda de un profesor o de un experto en contrabajos para comprar tu contrabajo. Él o ella te dará una guía profesional para elegirlo. Pero si no hay ningún experto disponible, debe seguir algunos consejos a continuación.

Considera su altura y la estructura de tu cuerpo. Hay varios tamaños de contrabajo, pero no todos los tamaños son para todos. El contrabajo puede ser demasiado grande para ti o demasiado pequeño para ti. Por eso es necesario que averigües cuáles son las tallas que mejor se adaptan a tus necesidades. Estos son los tamaños que puedes tocar cómodamente. Es posible que no sepas cuál es la talla de contrabajo más cómoda para ti si no prueba tantas tallas como sea posible.
Por eso te presento los mejores 7 contrabajos disponibles en el mercado...

1) Cecilio 1/2 CDB-100 Upright Double Bass:

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Contrabajo. Que es, Historia, Tipos, Partes, Funcionamiento Y Más

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En el siguiente post hablaremos sobre el contrabajo, el instrumento más grande de la familia de los violines, conoceremos su historia y más. Sigue leyendo..

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El violín, es un instrumento musical, originario de italia, dicho instrumento cuenta con ciertas características que resultan sorprendentes, este posee una serie de cuerdas y otras partes fundamentales que permiten que se transmitan excelentes melodías cuando los músicos se dedican a tocarlo, a continuación conoceremos más detalles de este interesante instrumento.

¿Qué es violín?

El violín, es un instrumento musical, creado desde tiempos antiguos y cuyos orígenes corresponden a Italia, se trata de un instrumento de cuerdas frotadas, este posee una forma muy particular siendo de fácil acceso y estilo innovador, dentro de sus características destaca que tiene cuatro cuerdas principales.

Posee un tamaño pequeño y es considerado como el más agudo del grupo de los instrumentos de cuerda clásicos, los cuales se encuentran conformados por otros instrumentos destacados como lo son:

El violonchelo

El contrabajo, entre otros.

Con el paso del tiempo, el violín a ido evolucionando, en el caso de los violines que se utilizaban en la antigüedad, solían tener unas cuerdas que eran de tripa, en la actualidad han surgido nuevos estilos y estas son elaboradas de metal o de otros materiales como la tripa entorchada con aluminio, e incluso de material de plata o acero, proporcionando así un mejor estilo y una fácil adaptación.

En el caso de la cuerda clasificada con la nota mi, suele ser considerada como la más aguda, se encuentra elaborada con hilo de acero, o en algunas ocasiones puede ser de oro dependiendo del modelo y estilo del instrumento. Actualmente se están creando otros estilos de cuerdas basados en materiales sintéticos, los cuales proporcionan un mejor funcionamiento al instrumento musical así como una excelente resistencia de los metales.

Por lo general el violín, es un Instrumento musical de cuerda y arco cada una de sus partes suele proporcionar su correcta función, estando formado principalmente por una caja de resonancia, la cual es un poco reducida en el centro de ambos lados.

Esta presenta dos aberturas parecidas a una f, y también por un mástil generalmente corto, dentro de sus características básicas destacan sus cuatro cuerdas siendo un Instrumento de cuerda frotada, dichas cuerdas son afinadas por intervalos de quintas como parte de su correcta función.

También tiene características muy particulares al no contar con trastes, siendo muy distinta al estilo de la guitarra, lo que vuelve un poco complejo su aprendizaje, de igual forma son muchas las personas que muestran gran aceptación por este asombroso instrumento.

Historia del violín

Los antecedentes históricos indican que el violín se originó en Italia a inicios del Siglo XVI. Con el paso de los años este instrumento musical fue transformándose a partir de dos instrumentos de cuerda frotada el primero de ellos es conocido popularmente como la fídula, también llamada la viella y rebec, y el segundo de estos instrumentos se conoce como la lira da braccio, se trata de un instrumento parecido al violín aunque cuenta con ciertos bordones divididos del diapasón.

Entre el grupo de instrumentos que existen el más relacionado con el violín por sus antecedente históricos, es el instrumento llamado da gamba, se trata de un instrumento con características muy singulares, posee seis cuerdas también posee ciertos trastes, este tipo de instrumento musical fue muy popular en algunas partes de Europa mucho antes que surgiera el violín, aunque algunos expertos aseguran que ambos instrumentos existieron juntos desde hace unos 200 años aproximadamente.

El violín es considerado como uno de los instrumentos más destacados en el ámbito musical, los principales músicos que lograron un éxito significativo al tocarlo fueron los siguientes italianos:

Gasparo, Bertolotti da Salò

Giovanni Maggini de Brescia

Andrea Amati de Cremona.

Cada uno de estos destacados músicos logró transmitir la esencia misma de este instrumento, y por tal motivo alcanzaron un evidente reconocimiento en su época, los antecedentes históricos indican que existieron dos etapas importantes para este instrumento, las cuales corresponden al Siglo XVII y los inicios del XVIII, en estas fechas el violín recibió una gran aceptación y se volvió más popular.

En cuanto a las evoluciones que esté instrumentos musical ha tenido se pueden apreciar considerablemente ya que en caso del violín antiguo contaba con un mango más grueso, que el actual y también solía ser menos inclinado hacia atrás, otro aspecto que se debe señalar es que tenía un diapasón más corto, y los materiales que lo integraban solían estar ubicados de manera distinta, con respecto a las cuerdas eran fabricadas de tripa.

Por tal motivo las características que reflejan estos instrumentos son distintas a las que tenían en la antigüedad, de esta manera se logró llevarlo a un nivel más sofisticado mejorando incluso el sonido del mismo y el estilo que posee. Muchos músicos profesionales han optado por mejorar la calidad de sus instrumentos esto les resulta beneficioso y práctico.

Características del violín

Las principales características del violín, están enfocadas en las transformaciones de sus cuerdas, las cuales pasaron de ser de tripa a ser elaboradas de metal o incluso de tripa enroscada con materiales como el aluminio, la plata o simplemente el acero. Conoce todo sobre los Instrumentos de viento.

En el caso de este último material es considerado como el más popular en la construcción de violines en la actualidad, en el caso de la cuerda catalogada como "Mi" es a sido fabricada de hilo de acero, esto para que su sonido sea más agudo que las demás, lo que resulta muy interesante.

Otra de las características más destacadas en los materiales que conforman este instrumento son la afinación de las cuerdas, las cuales se afinan por intervalos de quintas, en general cada cuerda cuenta con un sonido particular, lo que proporciona un estilo único a cada músico al momento de tocar este instrumento.

En general otro de los aspectos básicos que distinguen este instrumento se enfocan en su forma. Debido a que el cuerpo del violín tiene una estructura muy particular reflejando una forma abultada, y a su vez una especie de silueta que refleja una curvatura superior e inferior similar a una cintura en forma de C. en el caso de las tapas del violín se encuentran modeladas por curvas que facilitan su estilo de arqueado.

Los aros, que se encuentran localizados alrededor del violín permiten apreciar la silueta del mismo, estos se caracterizan por tener poca altura, en cuanto al mástil refleja ciertos ángulo de inclinación ubicados hacia atrás con relación al eje vertical, cada una de estas partes son esenciales para el correcto funcionamiento del instrumento. Descubre todo sobre el Guitarrón.

El violín es un instrumento sofisticado, el cual a logrado un alto índice de popularidad desde los tiempos antiguos siendo incorporado a diversos estilos musicales, por su versatilidad es considerado como uno de los instrumentos más elegantes en actualidad, adaptándose correctamente a la música clásica y al estilo country.

Otra de las partes fundamentales de este instrumento es el arco que posee, se trata de una vara estrecha, con una curva suave, la cual a sido diseñada de manera ideal generalmente de madera brasil o de Pernambuco, su tamaño es de 77 cm de largo, con una cinta de 70 cm como parte de su estilo original.

Partes del violín

El violín está constituido por ciertas partes fundamentales en su estructura, las cuales son identificadas como la tapa, que es elaborada de abeto curado, en el caso del fondo suele ser de madera de arce, otra de las partes principales de este instrumento son los aros, también se destaca el mango, el diapasón, e incluso el clavijero, así como la llamada voluntad, seguidos a estos se reflejan el puente, el cordal y principalmente las aberturas de resonancia o efes, importantes en el correcto funcionamiento del mismo.

Por lo general la tapa, que posee en el fondo y los aros se encuentran unidos para formar así una caja hueca, en el caso de la barra armónica y el listón fino de madera están pegados en un extremo de la tapa y son necesarios para que se manifieste efectivamente la transmisión del sonido, también suelen ofrecer un apoyo adicional a todo lo relacionado a la estructura.

En el caso de las cuerdas se encuentran ubicadas desde el cordal, es decir van en la parte de arriba del puente y del diapasón, hasta comprender la zona donde está colocado el clavijero, en este caso cada una es ajustada por medio de una clavija de afinación.

La ubicación correcta de cada una de las piezas permite que el instrumentista logre alcanzar diferentes notas, esto lo realiza pisando con los dedos de la mano izquierda cada una de las cuerdas contra el diapasón. De esta manera se produce un efecto importante y estas vibran cuando el arco, que contiene un ángulo recto cerca del puente, las frota como parte fundamental de su sistema.

Medidas del violín

El violín, requiere de ciertas medidas, las cuales corresponden a las necesidades de cada músico en particular, en este sentido se establece que al tamaño del violín adulto puede variar, al momento de adquirir este instrumento se requiere conocer cuál es el tamaño que se adapte a cada persona.

Por tal motivo se debe medir la longitud, tomando como referencia desde el cuello del estudiante a la muñeca de la mano izquierda, la cual debe estar extendida. En el caso de los profesionales adultos usan generalmente un violín cuyas medidas son de 4/4. es decir, el tamaño completo del brazo del violín siendo el que se adapta mejor a sus necesidades y estilos.

En el caso de los niños requieren que el violín tenga medidas específicas, por tal motivo utilizan este instrumento con un tamaño más pequeño que el usado por los adultos. A nivel general los violines se diseñan por tallas determinadas, estas suelen identificarse con nombres de fracciones, además de la talla completa clasificada como 4/4 siendo esta una de las medidas más comunes de este tipo de instrumentos.

Por lo general dentro de los diferentes diseños de este tipo de instrumentos musicales, existen violines con las siguientes medidas:

En la actualidad hay diferentes estilos y medidas de este tipo de instrumentos, en este sentido existen otros modelos de talla 1/32, los cuales fueron creados para un programa determinado conocido como Suzuki se trata de un programa conformado por violinistas jóvenes considerados como niños-prodigio.

Los violines más pequeños, poseen la talla 1/2, y los expertos le consideran de poca calidad, debido a que su diseño original está enfocado principalmente en grupos de principiantes, los cuales no requieren de un sonido amplio que sea de calidad, por esta razón no son muy comercializados, ya que rápidamente deben ser sustituido a medida que el violinista adquiere un nuevo nivel y necesita cambiar de talla.

En general el violín tiene diferentes tamaño, siendo el más común el de talla 4/4, a su vez es considerado como el más grande de estos instrumentos. Dentro de las diversas medidas de violines se destacan los de las siguientes tallas:

En el caso de los violines de talla 7/8 son utilizados principalmente por las mujeres, y también en muchas ocasiones por los niños, así como por los hombres que suelen tener manos pequeñas, de esta manera se les facilita tocarlos y alcanzar un adecuado sonido, ya que cada medida se adapta a la necesidad de cada músico. Descubre todo acerca del Arpa Llanera.

¿Quién invento el violín?

Desde tiempos antiguos habían surgido diferentes teorías con relación a quién invento el violín, muchos consideraban que este instrumento musical fue inventado por Leonardo da Vinci, esto fue simplemente el resultado de rumores sin fundamentos, por tal motivo con el paso del tiempo se llegó a la conclusión de que este instrumento no fue inventado por una persona en específico, sino que fue desarrollado en Europa desde tiempos arcaicos hasta ir progresivamente evolucionando.

Cuerdas del violín

Las cuerdas del violín son una de las partes fundamentales de este tipo de instrumentos, las cuales proporcionan el sonido adecuado según cada estilo, en la actualidad la fabricación de las cuerdas a ido cambiando, estas suelen ser creadas con materiales sintéticos, los cuales proporcionan una mejor sonoridad, como resultado de la flexibilidad de la tripa y también gracias a la resistencia de los metales.

Los primeros violines fueron elaborados con cuerdas de tripa, en la época actual estos instrumentos han sido elaborados con cuerdas de metal o incluso de tripa entorchada con materiales de aluminio, plata o en algunos casos de acero; siendo los estilos de cuerdas más comunes que existen.

Significado del violín

El significado del violín se encuentra relacionado a cada una de las características de este instrumento, de esta manera se identifica su esencia y estilo, por tal motivo el diccionario lo define como un instrumento musical conformado por cuatro cuerdas y un arco, siendo estas las partes fundamentales del mismo. Conoce todo sobre El bajo.

Tipos de violines

Existen diferentes tipos de violines, cada uno de estos instrumentos posee una forma muy particular destacándose por sus sonidos y estilos, en este sentido las variedades según sus medidas y características típicas son los siguientes:

El violín de bolsillo

El violín eléctrico

El violín clásico

Familia del violín

El violín forma parte de la familia de los instrumentos de cuerdas que poseen su origen clásico, los cuales incluyen el chelo, también el instrumento denominado como el contrabajo, entre otros, cada uno de ellos refleja un estilo muy particular siendo los preferidos en el ámbito musical, debido a sus tonos y correctas combinaciones.

Afinación del violín

Para lograr la afinación correcta del violín, es necesario conocer que cada una de las cuerdas se afinan por intervalos de quintas, en este sentido corresponde a la siguiente técnica:

Dentro de las principales técnicas para afinar se encuentra sol 3.

Seguido de re 4.

Luego se identifica con la 4.

En el caso del último corresponde al tono mi 5.

Cada número se encuentra identificado con el índice acústico internacional, el cual establece que el do central del piano está definido por un do 4. Dicho método se utiliza en todo el mundo con excepción de lugares como Francia y Bélgica.​

En el caso del violín la primera cuerda que debe ser afinada es la del la; para lograr su correcta afinación es necesario emplear la frecuencia de 440 Hz, usando generalmente como referencia un determinado diapasón clásico este suele ser elaborado de metal ahorquillado, aunque a final del siglo XX, surgieron nuevos cambios donde se estableció una técnica distinta, la cual involucra el uso del diapasón electrónico.

El violín es uno de los instrumentos más importantes en el ámbito musical, debido a su estilo innovador y a las características que lo distinguen es considerado como una excelente opción al momento de aprender a tocar un instrumento, por tal motivo goza de buena reputación entre los grupos de instrumentos de cuerdas.

Dentro de sus características fundamentales destaca su particular resistencia, contando con pocos cuidados especiales por parte de sus músicos, de igual forma hay que proporcionarle ciertos cuidados con el objetivo de que tenga un largo tiempo de duración, cuando no se está utilizando se debe guardar en un lugar seguro colocando en un estuche que sea hermético y también acolchado, para garantizar que estará completamente seguro.

También es importante guardar la vara del arco, y ofrecer una atención especial a cada una de las cuerdas, ya que se deben limpiar regularmente con mucho cuidado, en el caso de las crines del arco deben estar sutilmente distendidas.

En general el violín debe colocarse siempre en un lugar seguro y de esta manera se garantiza que este resguardo donde no se afectará por la humedad ni tampoco por los cambios bruscos de temperatura; ya que su material es delicado, de forma frecuente debe realizarse una adecuada limpieza simplemente usando un paño seco, o incluso también se pueden incorporar ciertos productos creados para el mantenimiento de estos instrumentos.

En el caso de las cuerdas son una de las partes más sutiles de este tipo de instrumentos musicales, por tal motivo están propensas a romperse con facilidad debido a la tensión y la fricción; que se ejerce en ellas, es por eso se recomienda que el violinista cuente con un juego de cuerdas de repuesto, así podrá cambiarlas si necesita hacerlo.

Otra de las partes que pueden llegar a romperse son los pelos de cola de caballo o mejor conocidos como (crines), estas son una de las partes fundamentales del instrumento, ya que conforman la cinta del arco, por esta razón requieren de una especial atención, aunque muchos músicos optan por realizar un recambio de forma anual de las crines, de esta manera evitan que se dañen completamente.

Uno de los aspectos importantes que se deben tener presentes dentro del cuidado de este instrumento, es que al momento de guardarlo por un largo tiempo, las cuerdas no deben quedar tensas, también se debe colocar en un lugar seguro de esta manera se garantiza un cuidado ideal.

Violinistas famosos

Existen diversas personalidades que han logrado destacarse al tocar el violín, reflejando así la esencia de este instrumento y las melodías más hermosas que pueden existir, en este sentido se han destacado en las diferentes épocas los siguientes músicos:

El famoso violinista Leopold Auer, correspondiente a la época 1845-1930, este gran artista logró ser reconocido como uno de los hombres más talentosos al tocar este instrumento musical, se trató de un violinista húngaro, también dedicado a otras áreas como profesor, director y compositor, en cada una de estas facetas contó con una buena aceptación.

Otra estrella que sea destacado por su gran talento es la famosa Vanessa-Mae, quién comenzó a formarse como músico profesional en Singapur en el año de 1978, siendo considerada como una ejemplar violinista de estilo clásico, aunque su fama principalmente corresponden a las grabaciones innovadoras que a presentado integrando piezas clásicas con diferentes estilos musicales como el pop, el jazz, la música techno, entre otros ritmos actuales, estas excelentes mezclas le han permitido ser reconocida como una de las mejores en el ámbito musical.

Importancia

El violín es un instrumento creado desde tiempos arcaicos, este se ha caracterizado por tener un reconocimiento significativo en el mundo musical, debido a que presenta una fácil y práctica estructura así como tonos sutiles, los cuales resultan agradables para quienes lo escuchan, es por esta razón que el violín sigue siendo uno de los instrumentos más sorprendentes que existen.

Son muchos los músicos que han logrado destacarse tocando este tipo de instrumento musical, proyectando así la esencia del mismo, y enseñando de generación a generación la importancia que este posee, al poder combinarse de manera adecuada con otros instrumentos y con variados estilos musicales, generando así ritmos únicos y llamativos que llegan a influir en muchas personas que se identifican con cada melodía transmitida. Conoce todo lo relacionado al Banyo.

Violín eléctrico

Dentro de los diversos estilos de violín se encuentra el violín eléctrico, el cual se caracteriza por producir el sonido de manera electrónica, siendo empleado con frecuencia en la actualidad debido a su estilo y forma práctica.

Existen diferentes clases de violín electrónico, y debido a su diseño no necesitan las cajas de resonancia o los agujeros para que se produzca el sonido, por tal motivo los músicos han dejado de lado la forma típica de los instrumentos acústicos clásicos.

Los violines eléctricos, fueron creados desde tiempos antiguos, sus inicios corresponde a los años 1930, cuando tuvieron una gran comercialización, siendo considerados como un instrumento innovador, lo que hizo popular su estilo.

En el caso del sonido de los violines eléctricos, son ideales para quienes desean proyectar un estilo eficaz, en este sentido hay que señalar que el sonido que este tipo de instrumentos ofrece puede ser distorsionados por medio del proceso de amplificación, lo que resulta de gran utilidad al momento de tocar música de diversos géneros.

Violín chino

Este tipo de instrumento musical, también es conocido como nanhu, aunque de manera ocasional se le identifica en el occidente con el nombre de violín chino, se trata de un tipo de violín de cuerda frotada, dentro de sus características destacan que tiene simplemente dos cuerdas y que por lo general se toca con arco.

Violín noruego

El violín noruego, es considerado como el instrumento musical más característico de este territorio, siendo uno de los más destacados por su innovador estilo y ritmo, por tal motivo se le considera como parte fundamental dentro de las costumbres y tradiciones de la música folclórica noruega.

Violín árabe

El violín araba forma parte de los diversos diseños que se han creado de este tipo de instrumento, se trata de un instrumento de cuerda frotada, cuyas características son muy particulares, esta conformado una caja de resonancia de tamaño pequeño, la cual es generalmente redonda.

En el caso de la parte del frente se encuentra cubierta de una membrana de pergamino o en algunas ocasiones puede estar elaborada por piel de oveja, también se destaca que posee un mástil largo acoplado, el cual proporciona su correcto funcionamiento.

En cuanto a las cuerdas estas se encuentran distribuidas en una, dos o tres cuerdas dependiendo del diseño. El arco que tiene este instrumento musical suele ser más curvado que el del violín tradicional,reflejando así su propia esencia e innovación.

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El VIOLíN: Qué es, origen, historia, características y mucho más

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Aprende todo sobre EL VIOLíN, un instrumento de origen italiano de cuerdas frotadas o percusión frotada según se quiera, el cual suele tener cuatro cuerdas.

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Aprende todo sobre la flauta transversa, es un dispositivo musical de viento - madera, el músico que la toca es llamado flautista.

¿Qué es la flauta travesera?

La flauta travesera es un instrumento musical que pertenece al grupo de viento - madera, que como tal, son aquellos que requieren del uso del aire para que puedan emitir sonidos, y de acuerdo a su manejo, puede convertirse en maravillosas melodías. Su forma es cilíndrica, delgada y está constituida por diversos orificios que se tapan con llaves para crear los diferentes tonos.

Se dice que forma parte de los instrumentos de viento - madera, porque inicialmente eran realizados en este material, pero con el tiempo y con el funcionamiento de las industrias y la mecanización de éstas, estos instrumentos se fabricado también en metal. Las flautas han sido creadas de distintos materiales como son: de hueso, madera, plástico, alpaca, de aleaciones entre distintos materiales o de metal y su sonido permanece igual, no se altera, comprobado de acuerdo a estudios realizados.

Sin embargo otros autores afirman que el sonido de estos instrumentos realizados en metales preciosos como la plata y el oro, pueden tener diferencias en cuanto a la brillantez o calidez del mismo. No obstante, es la intensidad del aire incorporado al instrumentos por el ejecutante la que generará el sonido, ya que este vibra dentro del tubo de la flauta, de acuerdo a la energía del soplido del flautista. En el caso de la flauta transversa tiene como característica principal que posee bisel.

Historia de la flauta travesera

La flauta fue ideada como un tubo que al tener algunos orificios, que permitían la salida del aire introducido dentro de éste y que al taparlos generaba diferentes sonidos, parecida a un silbato. La flauta pasó por diferentes etapas y se elaboraron de distintos materiales. En sus inicios la flauta travesera fue de madera, sin embargo, pasado el tiempo Theobald Böhm, quien era un flautista, especialista en instrumentos musicales y sobre todo en acústica, se encargó de realizar unos cambios a este instrumento, facilitando su uso.

Estos cambios consistieron en agregar las llaves para que de manera más fácil se pudieran cubrir los agujeros de la flauta y que hicieran que esa acción fuera más precisa y por tanto mejor sonido. Los cambios que hizo Böhm a la flauta travesera se mantienen hasta hoy en día. Lo que si han modificado son los materiales con que se fabrican estas flautas, ya que se pueden encontrar metálicas. Los expertos indican que los materiales pueden hacer que el sonido tenga un leve cambio de acuerdo al material en que está hecho el instrumento.

La boquilla de la flauta puede estar hecha de manera personalizada, es decir, para cada intérprete, que cubra sus exigencias. Esta flauta es un instrumento complejo para su interpretación, pues la boquilla se encuentra en una posición un tanto incómoda, y para sonar las octavas, es necesario realizar mayor énfasis en el aire que va dentro de la misma. La flauta travesera también es uno de los pocos instrumentos que puede llegar a tonos agudos teniendo 3 octavas y 4 Do, así como el flautín que también puede ser muy agudo.

Durante el Medioevo

La flauta travesera no era muy conocida en el continente europeo a mediados del medioevo, ya que era más utilizada la flauta dulce. Algunos autores explican que la flauta travesera fue ingresada a europa proveniente del continente asiático. Por haber llegado a Alemania, su uso se hizo más común en este país, es por ello que le denominan "flauta alemana". Con esta denominación, se distingue de la flauta dulce. Ya casi finalizando el Medioevo, la flauta travesera se fue integrando a la familia de los instrumentos de viento de los distintos países de Europa.

La característica principal de la flauta travesera para entonces, era el tubo cilíndrico, ya que tenía un grosor mayor a las demás flautas, lo que facilitaba tocar su octava grave, además de tener amplios tonos agudos. Para la época las orquestas buscaron incluir instrumentos de un mismo grupo juntos, mezclados con otros grupos de distintos instrumentos. De este modo se creó la orquesta sinfónica. La flauta travesera y el piccolo tienen un lugar predominante dentro de la orquesta, por su sonido fuerte y claro, diferente en ese sentido a la flauta dulce.

Con el tiempo le fueron compuestas músicas ideales para solos en flautas, aunque para ese tiempo, la flauta travesera no tenía el sonido persistente, sino poco constante. Sin embargo tuvo gran popularidad, no sólo en Alemania, sino también en Italia y en Inglaterra. Como dato curioso, existe una colección de estos instrumentos que eran propiedad de Enrique VIII.

Durante el Renacimiento

La flauta travesera se usó de manera predominante a comienzos del siglo XVII, aunque estos instrumentos sufrían cambios, y habían muchos tonos sonoros. Para entonces comenzó a popularizarse la flauta de pico hecha de manera completa, es decir, en una sola pieza.

Durante el período Barroco

Entre las etapas de tiempo de finales del siglo XVI a principios del siglo XVIII la flauta travesera se hizo bastante conocida y utilizada. Ésta era elaborada con seis orificios y divididos en dos partes, además llevaba una llave cerrada. La forma de la flauta tenía cabeza, cuerpo y pie. La característica de esta flauta es que no era muy brillante su sonido, y presentaba cierta dificultad para ser tocada porque algunas notas sólo podían conseguirse cuando se tocaba tapando la mitad de los orificios, además su registro se iniciaba en Re.

Ya para inicios del siglo XVIII la flauta travesera fue diseñada con más pies y divisiones, que era posible cambiar para que el intérprete del instrumento pudiera acoplar o afinar su instrumento a la orquesta. Estos cambios fueron aplicados sin complicación por los diferentes ejecutantes de la música de flauta. Durante los primeros años de ese siglo se crearon también las llaves que generan las notas Do y Do#.

Otros cambios se harían presentes en este instrumento años después, como por ejemplo las digitaciones que generan las notas musicales, las cuales fueron logradas en el año 1786, o también el Tratado de Quantz que aportó el método para tocar la flauta travesera y le dio gran importancia a este instrumento. Así mismo fueron alcanzadas las notas Sol#, Si y Fa y por último fue a partir de 1789 cuando Haydn y Mozart incluyen flautas de cuatro llaves en sus obras.

Durante el período Clásico

Fue durante el período clásico que la flauta fue modificada en su número de llaves, ya que a partir de 1800 le fueron agregadas dos llaves, es así como pasa a tener ocho. Dada la época de transformación económica, social y tecnológica, los cambios instrumentales fueron dándose de manera desbordada. Pratton, Radcliff, Siccama, fueron algunos personajes que aportaron mucho en cuanto al diseño de este instrumento.

Las orquestas sinfónicas incluyen a la flauta como un instrumento más para interpretar las obras. Los procesos de cambio de la flauta travesera siguieron dándose a partir de este importante período, un ejemplo de ello fue la llave abierta de Sol que agregaba dos pequeños orificios en la flauta para ser usados por un mismo dedo. La fabricación de este instrumento tuvo muchos experimentos, como el cambio de materiales, tamaños de los orificios y número de éstos, algunos de estos fueron fracasos, otros volvieron a la flauta un instrumento popular como las de 8 llaves.

En el año 1832 el flautista Theobald Böhm estudia y crea un sistema de llaves para la flauta travesera, el cual culmina 1837, y este sistema se mantiene hasta hoy en día. El aporte de Böhm al desarrollo de este instrumento ha sido uno de los más grandes y reconocidos del mundo de la música. La flauta travesera y el flautín o piccolo, aparecen en grandes obras e incluso en composiciones donde son protagonistas.

Últimos cambios

Ya en el siglo XX, el músico Alexander Murray idea y ayuda en la fabricación de una flauta apoyándose en la escala experimental de Cooper, a la que denominaron "flauta Murray"en el año 1948. Más adelante en a inicios de los años sesenta, aparece otro tipo de flauta Murray. Uno de los cambios que aparecen en las flautas fue la llave de gizmo a partir de los años setenta. También la empresa Brannen elabora las flautas bajo el sistema Kingma, el cual es muy usado en la ejecución de piezas contemporáneas. La singularidad de ésta es que las llaves están hechas para sonar con timbres muy distintos a los conocidos.

El Tratado de Quantz

El tratado de Quantz es una obra escrita, extensa y ordenada, realizada por el músico flautista alemán Johann Joachim Quantz en el año 1752. Quantz fue instructor del Rey Federico II de Prusia. En este tratado, Quantz, hace un extenso recorrido por la historia de la flauta travesera, realiza un análisis sobre cómo tomar adecuadamente el instrumento y la postura para poder tocarlo, habla también sobre las digitaciones y la forma de colocar los labios en la embocadura de la flauta.

Otros aspectos que el tratado de Quantz hace referencia es la respiración adecuada para una óptima ejecución del instrumento, las distintas tonalidades y compases, la forma adecuada de estudio de la flauta para que sea productivo y efectivo. Hace mención a la importancia de poner sentimientos en las piezas a tocar ya que esto se refleja en el sonido que emite la flauta travesera. Quantz explica los tipos de Allegro y la forma de incorporarlos o de ejecutarlos.

Se toma el tiempo de dar consejos para incorporara improvisaciones melódicas en la ejecución de una pieza y la manera de tocar un Adagio. Este autor habla también en su obra de el uso de las cadencias y cómo adecuarlas en la obra. Expresa detalles de situaciones que se pueden presentar durante un concierto, que el flautista debería considerar, como por ejemplo: El tipo de sala, el público, el programa escogido, entre muchas otras. Te invitamos a leer sobre el Sulig en este enlace.

Quantz deja ver que es necesario llevar los mismos criterios en la ejecución de la música de una orquesta, por lo que hace énfasis en el liderazgo que debe tener el jefe de la orquesta y la participación ordenada y dispuesta de los músicos en una presentación. Este tratado habla de la ejecución de otros instrumentos diferentes a la flauta, como lo son los violines, el contrabajo, la clave, entre otros. La importancia de la afinación de los instrumentos y la correcta escogencia de los tiempos es otro aspecto que el tratado de Quantz toma como importante.

Finalmente Quantz hace referencia a la forma en que debería ser juzgado un músico, ya que a su juicio cada instrumento tiene unas características distintas a otros y por supuesto, presentan dificultades diferentes, además hay que sumar los estilos de música que se está ejecutando, pues unas requieren de mayor esfuerzo del músico con respecto a otras menos complicadas. Como se puede ver, este tratado es un análisis muy completo de los aspectos que envuelven el desempeño musical.

Sistema de Böhm

El sistema creado por el flautista alemán Theobald Böhm se refiere a varios aspectos que la flauta travesera debía llevar. Uno de estos es el tamaño de los agujeros, pues Böhm consideraba que éstos debían ser más anchos y estar ubicados de manera que se obtuviera de ellos un mejor sonido desde el punto de vista acústico. También se planteó este flautista, que los orificios de la flauta debían ser cubiertos por llaves abiertas, esto incluyendo el Sol #. Sin embargo este último fue modificado y hecho de manera que se encuentre cerrado en inicio.

El diseño de la flauta también modificado por Böhm, tuvo la particularidad de mejorar la afinación y armonizó el tono de sus registros musicales. El material de las flautas, para aquel momento, fueron cambiando a metales, demostrando que el sonido de la flauta no cambia por el material utilizado, pero sí puede ser más brillante o luminoso con la fabricación de este instrumento en metales. Es necesario destacar, que desde los recursos aplicados por Böhm a la flauta travesera, en el año 1847, hasta nuestros días, no se han hecho grandes cambios, el modelo básico se ha mantenido.

Diseño actual de la flauta travesera

La flauta travesera, también llamada la flauta de Böhm o flauta de concierto, tiene tres secciones (cabeza, cuerpo y pie) y trece orificios. Para interpretar la flauta es necesario utilizar nueve dedos para cubrir los orificios y el décimo (el pulgar derecho) que ayuda a sujetar y dar estabilidad mientras se manipula. En cuanto a la cabeza del instrumento, se une al cuerpo a través de una juntura de corcho.

El material más utilizado en la fabricación de la flauta de concierto es la plata. Aunque en el mercado existen muchos modelos realizados en níquel y cubiertos de pintura plateada, suelen ser más económicos. También han sido elaborados en otros metales preciosos como platino, titanio, o aleaciones de oro y plata entre otros, y mientras más dureza posea el metal, más brillante es su sonido.

Otro cambio realizado a la flauta travesera es una llave para el Re# y un dispositivo para cubrir dos llaves (Mi partido). En cuanto a la embocadura, ésta es fabricada de acuerdo a los requerimientos del músico ejecutante de este instrumento. Esto se hace debido a las diferencias físicas de la boca de los músicos y de su forma de ejecutar la flauta. Puedes aprender todo sobre los Instrumentos Musicales aquí.

Viento - Madera

La flauta travesera está vinculada a distintos diseños de flautas que tienen diferentes usos, pero que su melodía es variada por los tonos conseguidos en ellas, tal es el caso del piccolo o flautín que siendo muy parecido a la flauta travesera (aunque más pequeño) consigue tonos muy agudos. A estos grupos de flautas se les llama la familia de los instrumentos de viento madera, y aunque casi su totalidad son fabricados en metales, se les denomina así porque en sus orígenes fueron hechos de madera. Dentro de este grupo, familia de la flauta travesera, tenemos los siguientes:

De registros agudos a registros graves, esta familia incluye:

El Flautín o flauta piccolo, su afinación es realizada en do5
La Flauta sopranino, este instrumento es afinado en sol4
La Flauta soprano, en esta se logra la afinación en re♯4
La Flauta tenor o flauta de amor, cuya afinación es en si♭3 o en la
La Flauta alto, se logra su afinación en sol3
La Flauta bajo, esta es afinada en do3
La Flauta contralto, puede ser afinada en sol2
La Flauta contrabajo, cuya afinación es realizada en do2
La Flauta subcontrabajo, afinada en sol1
La Flauta doblecontrabajo, con la afinación en do1
La Flauta doblecontrabajista, que se afina en do1

y la Flauta objeto de este artículo Flauta travesera (también llamada flauta, flauta de Boehm, flauta de concierto, o flauta traversa), que logra su afinación en do4. Es de hacer notar que la terminología que se utiliza dentro de un sistema de orquestas a este tipo de instrumento musical, es flauta alemana, por su origen tal como lo explicamos al inicio de este escrito.

Algunos de los grandes flautistas

Se sabe que en Francia se situaron los primeros ejecutantes de la flauta travesera a finales del siglo XVII. Algunos de estos destacados flautistas que llenaron de melodías al público con este instrumento fueron: Jacques Martin Hottererre, Michel Blavet y Buffardin, además de otros. Fue destacada la actuación de Quantz como flautista y como maestro, con su brillante tratado, con el que deja un legado de dedicación al arte y a la enseñanza de la música y de sus intríngulis.

Ya a partir del siglo XX se destacaron algunos flautistas en ejecuciones como solistas, tal es el caso de Jean Pierre Rampal quien inició esta característica. Otros que siguieron esta misma tendencia fueron Pedro García, Philippa Davies, Emmanuel Pahud como concertistas. Ya en la música popular surgieron otros intérpretes en los distintos géneros musicales como: el Jazz con Herbie Mann, Rock con Ian Anderson entre muchos otros.

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FLAUTA TRAVESERA: Qué es, origen, tipos, historia y más

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Aprende todo sobre la FLAUTA TRAVESERA, es un dispositivo musical de viento - madera, el músico que la toca es llamado flautista.

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El Oboe es un versátil instrumento de viento de madera con doble lengüeta y cuerpo cilíndrico largo, con un agujero cónico que juega un papel destacado en la orquesta. El tono producido por el oboe se puede escuchar claramente, lo que lo hace perfecto para líneas en solitario y partes destacadas.

Una de las diferencias más notorias entre el clarinete y el oboe, se debe al mismo tipo de orificio utilizado. , mientras que el oboe tiene uno cónico. Esto explica en gran parte la diferencia de tono entre los dos instrumentos. El oboe posee un taladro cónico, cuyo sonido es emitido gracias a la vibración de la lengüeta que hace de tubo para que por ese medio ingrese el aire y se pueda ejecutar el sonido.

¿Como esta compuesto?

El oboe tiene un cuerpo en tres secciones. Tiene una pequeña caña doble, a través de la cual el músico debe forzar el aire a una presión muy alta. Tradicionalmente se hace llamar granadilla. El instrumento tiene hasta 23 agujeros. La caña doble está hecha de caña que normalmente se seca y envejece durante varios años. El oboe abarca dos octavas.

Este instrumento al igual que el Saxofón y el Clarinete, es perteneciente a la familia de los instrumentos de madera-viento. El timbre de este se caracteriza por una excelente sonoridad y un sonido muy nítido y algo nasal, expresivo y muy suave.

Origen del oboe:

El oboe fue creado en el siglo XVII por los músicos franceses Jean Hotteterre y Michel Danican Philidor, que modificaron la chirimía más alta (el instrumento de doble lengüeta predominante). El éxito del instrumento se estableció en la corte de Luis XIV y se extendió rápidamente por toda Europa. En 1700 la mayoría de las orquestas incluían oboes.

En 1700 el instrumentista francésJean Pierre Freillon publicó el primer método para el instrumento: 'Véritable manière d'apprendre à jouer du hautbois/ Una forma real de aprender a tocar el oboe'. El siguiente desarrollo importante se produjo en el siglo XIX y fue el uso de mecanismos clave. No había un esquema único para los sistemas clave. En general, los alemanes crearon sistemas más sencillos, y los franceses, más complicados. Aún hoy en día, los sistemas clave varían de un fabricante a otro.

Las modificaciones del oboe:

El oboe temprano sólo tenía dos llaves. A principios del siglo XIX se produjeron varias mejoras en la fabricación de las llaves de los instrumentos de viento, en particular la introducción de pilares metálicos en lugar de las crestas de madera sobre las que se habían montado las llaves. Este cambio redujo en gran medida la amenaza a la estanqueidad del oboe que antes se asociaba con llaves adicionales. En Francia, en 1839, el número de llaves había aumentado gradualmente a 10.

El aporte de los oboístas franceses:

Los oboístas franceses antes de 1800 también habían adoptado el tipo moderno y estrecho de caña. En la década de 1860, Guillaume Triébert y su hijo Frédéric habían desarrollado un instrumento que era casi idéntico al oboe expresivo, flexible y específicamente francés del siglo XX. El instrumento en el que los agujeros para los dedos se cubren con chapas perforadas, hoy en día el estilo de oboe más utilizado en Estados Unidos y Francia, fue producido por primera vez en 1906 por François Lorée y Georges Gillet.

El oboísta (Benjamin Sharp), fue uno de los precursores de la evolución de este instrumento, ya que los primeros primeros tenían siete orificios para los dedos y dos llaves; En el siglo XVIII también se utilizaban modelos de cuatro llaves. En el siglo XIX Benjamin Sharp le añade llaves adicionales, llegando a 15 o más, y se rediseñaron la perforación y los agujeros de sonido. Los oboes de la escuela francesa (que se tocan hoy en día en la mayoría de los países) tienen un diámetro muy estrecho y un sonido penetrante y enfocado.

Los de la escuela alemana tienen un mayor diámetro y un sonido más fácil de mezclar. Después de que Theobald Boehm inventara su mecanismo clave para la flauta, fueron los constructores franceses quienes aplicaron el sistema al oboe.
El factor principal en la ejecución del oboe, es la fabricación de la caña y su control por los labios y la boca.

La calidad de la caña en el sonido del oboe:

La mayoría de los oboístas serios hacen sus propias cañas, aunque se pueden comprar cañas ya hechas. La materia prima para el dispositivo es la planta Arundo donax, que se parece al bambú en apariencia. Crece en regiones templadas cálidas o subtropicales, pero sólo los cultivos de los departamentos del sur de Francia de Var y Vaucluse son satisfactorios para la fabricación de caña.

El oboe es el instrumento orquestal de doble lengüeta más pequeño y muy importante en la orquesta. Debido a que el tono del oboe varía poco con la temperatura, el oboe tocará la nota a la que todos los demás instrumentos de la orquesta sintonizarán. El oboe también es un importante solista. Hautbois (francés: "madera alta [es decir, fuerte]"), fue originalmente uno de los nombres de la chirimía, el instrumento violentamente poderoso de la ceremonia al aire libre.

Partes del oboe:

Los oboes están divididos en cinco diferentes secciones principales, que son: la caña, la grapa, la campana, la articulación inferior y la articulación superior. Estas piezas deben encajar juntas en una alineación precisa para que el juego sea posible.

Para ser el mejor en tocar el oboe debes saber todos los nombres usuales de las partes del oboe y qué función realizan. También debes saber cómo se pueden retirar y reemplazar las piezas individuales de oboe, cómo se debe dar servicio y mantenimiento a las piezas y qué hacer si cree que una parte de su oboe de estudiante está dañada o rota.

Aprendamos sobre la anatomía de un oboe típico de punta a punta.

La articulación inferior:

Siendo esta, la cuarta de cinco secciones y conduce a la campana. Las articulaciones superior e inferior son donde se ubican todas las teclas, varillas y agujeros de tono que crean diferentes tonos dependiendo de la combinación de teclas que se presionen. El agujero cónico interior de estas partes ayuda a dar al instrumento su tono distintivo y penetrante.

La articulación superior:

Esta pieza, es la tercera de cinco secciones y se encuentra entre la grapa y la articulación inferior. La articulación superior también incluye en dentro de si dos teclas especiales, la cuales son utilizadas para activar dos rangos de octavas diferentes, conocidas también como la primera tecla de octava y la segunda tecla de octava.

La tecla de primera octava:

Las teclas de octava permiten al músico producir tonos una o dos octavas más altos usando la misma digitación. La mayoría de los oboes tienen dos teclas de octava, aunque algunos tienen tres. Si hay dos, las teclas producen tonos en los rangos de E5 a G#5 y A5 a C6. La primera tecla de octava se utiliza para acceder a la gama anterior y se encuentra debajo del pulgar izquierdo. Algunos oboes modernos tienen innovaciones en sus teclas que permiten al jugador producir octavas sin necesidad de utilizar una tecla de octava separada.

La tecla de la segunda octava:

Las teclas de octava permiten al músico producir tonos una o dos octavas más altos usando la misma digitación. La mayoría de los oboes tienen dos teclas de octava, aunque algunos tienen tres. Si hay dos, las teclas producen tonos en los rangos de E5 a G#5 y A5 a C6. La segunda tecla de octava, que cubre este último rango, se encuentra encima de las teclas frontales y se toca con el dedo índice izquierdo.

Las teclas de los dedos:

Las teclas de los dedos activan un sistema de barras que cubre y descubre los agujeros de tono para producir diferentes tonos de la escala. Las articulaciones superior e inferior del oboe están entrecruzadas por una compleja red de varillas accionadas por las teclas de los dedos. Las llaves giran las varillas y las varillas a su vez colocan o quitan pequeñas tapas sobre los agujeros de tono para producir diferentes tonos.

Así mismo, este también tiene dos teclas adicionales distintivas llamadas "teclas de octava" que realizan una función similar a la tecla de registro de un clarinete. Sin embargo, las teclas de octava cambian la afinación por una octava exacta, mientras que las teclas de registro pueden cambiar la afinación a intervalos diferentes. Las dos teclas de octava se encuentran en la articulación superior.

El diseño de doble caña de este convierte las vibraciones de los labios del instrumentista en ondas sonoras. Esta parte tan importante del instrumento está hecha de dos trozos de caña que se mantienen unidos y se colocan en la grapa de este. Cuando el ejecutante aplica presión de aire y vibración labial, las piezas de caña vibran juntas y crean ondas sonoras estacionarias dentro de la cavidad interna del oboe.
Muchos instrumentistas experimentados fabrican sus propias cañas, obteniendo personalmente la caña, además de cortarla y rasparla para cumplir con sus especificaciones exactas. La personalidad de la caña puede influir en gran medida en el tono resultante de este.

Esta es la que dirige las vibraciones de aire y labios del reproductor hacia el oboe. Así mismo, es algo más que un elemento de conexión entre la caña y el cuerpo del oboe. La forma, el tamaño y los materiales utilizados para crear la grapa pueden tener un efecto profundo en el tono general del oboe. La grapa se llama a veces el bocal, ya que es algo similar al bocal usado en el fagot para sostener su lengüeta doble.

Es la parte final del cuerpo del oboe y esta antes de que el sonido salga del instrumento. Puede afectar la proyección, el tono y la calidad general del sonido. La mayoría de los fabricantes ofrecen una variedad de tipos de campanas estrechas y anchas, todas las cuales pueden adaptarse a diferentes jugadores por diferentes razones. La campana es una parte del oboe que ha sido adaptada por muchos jugadores y fabricantes para cambiar los sonidos producidos por el oboe. Algunos oboes tienen un borde metálico que parece proteger el fondo del instrumento, pero esto puede significar una mayor variación en la producción de sonido debido a la reverberación creada en el material metálico.

Tipos de oboes:

Los oboes, como ya sabemos son una familia de instrumentos de viento de doble caña. El instrumento más común de la familia se toca en la gama de agudos o soprano. Estos suelen ser de madera, pero también existen una gran variedad de materiales sintéticos.

El oboe bajo, también conocido como oboe barítono, es otro de los instrumentos de lengüeta doble,perteneciente a la familia de los instrumento de viento-maderas. Es aproximadamente el doble del tamaño de un oboe regular y suena una octava más baja; tiene un tono profundo y completo algo parecido al de su primo de tono alto, el corno inglés.

Este se diferencia a los demás tocando en la clave de sol, ya que allí suena una octava más baja que la que suele estar escrita en en pentagrama. Su nota más baja es B₂, una octava y un semitono por debajo de la C media, aunque se puede insertar una extensión entre la articulación inferior y la campana del instrumento para producir un bajo. El bocal o crook del instrumento primero se curva hacia el músico y luego hacia él, pareciendo un signo de interrogación de metal aplanado.

El bombard:

Este versátil instrumento, que también se conoce como , o en lengua bretona y en francés, es un instrumento contemporáneo de doble lengüeta de calibre cónico muy utilizado para tocar música tradicional bretona.

Este es un instrumento de viento de madera, y un miembro más de la familia. Describirlo como uno más no sería ningún problema, sin embargo, puede ser engañoso, ya que tiene un sonido más amplio y muy poderoso, que se asemeja vagamente a una trompeta. Se toca como se tocan lo otros instrumentos del reto de la familia, con la doble caña colocada entre los labios. La segunda octava es "sobre explotada"; se consigue mediante un aumento de la presión de los labios y del aire o mediante el uso de una tecla de octava.

El contrabajo:

El contrabajo es un instrumento de viento madera de lengüeta doble en la tonalidad de Do o Fa, sonando dos octavas o una octava y una cuarta más baja que el estándar. La investigación actual, en particular la del especialista Bruce Haynes, sugiere que tales instrumentos pueden haber sido desarrollados en Francia como parte de un intento original de mantener la familia completa de instrumentos de doble caña cuando el instrumento fue creado a partir de la chirimía. Había un instrumento llamado basse de cromorne o basse de Hautbois, que fue utilizado por Lully, Charpentier y otros compositores barrocos franceses. Aparentemente se trataba de un instrumento tipo oboe en la gama de los fagotes.

El corno inglés:

El corno inglés, o corno inglés, es un instrumento de viento de madera de doble lengüeta de la familia de los oboes. El corno inglés es un instrumento transpositor afinado en Fa, un quinto perfecto más bajo que el oboe, y es por lo tanto aproximadamente una vez y media la longitud del instrumentista. La técnica de tocar el corno inglés es esencialmente la misma que la de este, y la mayoría de los oboístas doblan el corno. La música para el corno inglés se escribe así un quinto perfecto más alto de lo que suena realmente el instrumento.

El oboe del amor:

Su nombre proviene del italiano obous d'amore, es el miembro alto o mezzosoprano de la familia de este. Un miembro de la familia moderno con una gama de soprano/alto, cuya gama suena desde G por debajo de Do medio hasta C por encima de la clave de sol, pero se nota un tercio menor por encima de eso.

El obous d'amore fue muy popular en la época barroca. Su sonido es algo más suave que el del oboe común, y sus notas bajas son oscuras, llenas y ricas. El obous d'amore casi ha caído en desgracia hoy en día, siendo reemplazado a menudo por el oboe comun y el Corno inglés.

El heckelfon:

El heckelfon es un instrumento musical inventado por Wilhelm Heckel y sus hijos. La idea de crear el instrumento fue iniciada por Richard Wagner, quien la sugirió con motivo de una visita de Wilhelm Heckel en 1879. Introducido en 1904, es similar al oboe, pero con una octava más baja.

Características del oboe:

Entre las principales características del oboe encontramos las siguientes:

La calidad de sonido de el mismo es muy versátil y va desde las notas gruesas en el registro bajo hasta las delgadas y penetrantes notas altas.

La ruptura entre un registro y el siguiente cubre aproximadamente un tercio menor.

El registro medio es la región más utilizada.

El timbre ácido del instrumento puede dar un color especial incluso a un pasaje de tutti.

El oboe francés tiene un sonido que es más visible en el sonido orquestal general, mientras que el oboe vienés tiende a mezclarse más fácilmente.

El oboe vienés tiene un registro inferior de Bb3 - A4, mientras que el de el oboe francés es de Bb3 - F4.

Las notas bajas del oboe suenan gruesas, pesadas y melancólicas, las más bajas se desarrollan con mucha fuerza. Las notas de Pianissimo suenan como una flauta.

Este posee un registro central de Bb4 - (A5).

Su registro superior es de Bb5 - G6 (A6)

A mayor altura, menor volumen, sustancia y expresividad tienen las notas del oboe. A partir de D6 suenan estridentes y estrechas y no han sido solicitadas en la literatura orquestal hasta hace poco tiempo. Las notas más altas (G6 y A6) son mordaz y agudas.

¿Qué tipo de música se puede tocar con este instrumento?

Aunque abiertamente podríamos llegar a pensar que este instrumento es exclusivo de la música clásica, también es ideal para encajar con varios tipos de géneros diferentes. Entre los tres que más resaltan están, el pop, el rock y al jazz, los cuales logran muchas veces mezclar elementos musicales que pertenecen a distintos géneros de música con bastante éxito y que, a su vez, disponen de bastantes subgéneros por lo mismo.

El oboe en la orquesta:

Normalmente hay de 2 a 4 oboes en una orquesta y producen una amplia gama de tonos, desde sonidos inquietantes hasta notas cálidas y aterciopeladas, que hacen que el sonido del este sea muy memorable. Además de tocar en la orquesta, el primer oboísta también se encarga de afinar la orquesta antes de cada concierto. y siempre es un grato placer escuchar la nota especial "A" que toca el primer oboísta antes de que empiece la música.

Mejores marcas:

Comprar un oboe es un viaje difícil de empezar así que antes de mirar estas mejores marcas y críticas, aquí hay algunas cosas que debe buscar en su búsqueda un instrumento. Aunque hay muchas marcas conocidas y fabricantes de renombre, la mejor manera de saber si la marca se adapta a sus necesidades es tocarlo antes de comprarlo. Esto a menudo se puede hacer en su proveedor local de música.

Cada modelo puede variar drásticamente en su tocabilidad, tono y proyección. Nuestra guía de marcas y revisiones te ayudarán a reducir tus opciones y te darán lo básico para ayudarte a tomar su decisión, ya sea que esté buscando el mejor oboe de estudiante o el mejor oboe profesional. Elegir tu oboe puede ser una experiencia muy personal con muchas cosas a considerar en el camino.

El material del que está hecho este.

La edad del instrumento.

Su condición mecánica.

Su entorno de ejecución.

La frecuencia de uso.

El precio.

El valor de reventa.

Su nivel de realización.Por nombrar sólo algunos. Si bien la selección de este, puede parecer una tarea desalentadora, recuerde que nuestro personal de especialistas en instrumentos altamente capacitados siempre está aquí con una guía del comprador para ayudarte a resolver cualquier duda que puedas tener.

Si eres un profesional, un aspirante a profesional, un estudiante universitario que compra su primer oboe profesional, o el padre de un aspirante a instrumentista, esperamos que la siguiente información te sirva como punto de partida para el proceso de selección de un oboe. Recuerda, los oboes son tan individuales como las personas que los tocan, y no hay ninguna opción "correcta" o "incorrecta" a la hora de seleccionar su instrumento. Si el oboe suena bien, tocas bien y te sientes cómodo con la compra, entonces reúne tu información y confía en tu propia opinión; después de todo esto depende de ti.

Estudiantiles

Los modelos de los estudiantes son generalmente los instrumentos de estilo de necesidad pura que están diseñados para principiantes. Típicamente están hechos de resina de alta densidad (plástico) o madera de granadillo y a menudo estos oboes no incluyen todas las teclas de trino y/o características auxiliares necesarias para un rendimiento más avanzado.

Estos modelos particulares se utilizan a menudo como instrumentos de alquiler y, si se compran nuevos, oscilan entre 1.200 y 1.500 dólares, dependiendo de la marca y el modelo. La mayoría de los oboístas jóvenes superan estos instrumentos con bastante rapidez, la mayoría de las veces dentro de su primer año.

Intermedios

Los intermedios están diseñados para el estudiante en desarrollo y el jugador serio. A menudo tienen un sistema de conservatorio modificado, lo que significa que tienen todos los teclados esenciales, es decir, la fa izquierda, la si bemol baja, la articulación natural de la do# y la resonancia de la fa, pero puede que les falte algún tecleo, como la octava E dividida y la tercera octava.

El costo de los oboes nuevos oscila entre 2.500 y 4.000 dólares, mientras que los oboes usados en buen estado suelen costar entre 1.800 y 3.000 dólares. Estos oboes de alta calidad están hechos de madera de granadilla o resina de alta densidad (plástico). Estos oboes en particular le servirán bien al jugador intermedio durante varios años hasta que pasen al nivel superior o se dirijan a escuelas de música o conservatorios.

Profesionales

Estos instrumentos de madera de primera calidad están totalmente equipados para la interpretación profesional de orquesta, cámara y solista. El material más común para la fabricación es la madera de granadilla, sin embargo, estos oboes a menudo están disponibles en diferentes variedades de madera, incluyendo la madera de reyezuelo, la madera de violeta y el cocobolo. Estos instrumentos tienen un sistema de conservación completo, es decir, que todos tienen un trabajo clave esencial y menos esencial, incluyendo la E dividida y, con mayor frecuencia, la tercera octava. Los precios actuales de estos instrumentos pueden variar entre 5.000 y 10.000 dólares, dependiendo de la marca y el modelo.

¿Madera y plástico?

Ventajas y desventajas. Al considerar sus opciones entre instrumentos de madera y de plástico, el factor más importante aquí debe ser qué tan bien toca el instrumento y cuáles son sus necesidades en vez de, de qué está hecho el instrumento. En el mercado actual existe una variedad de oboes de plástico de muy alta calidad, o de resina, que ciertamente vale la pena explorar.

¿Cual es de mejor calidad?

Tenga en cuenta que el hecho de que un oboe esté hecho de madera no lo hace automáticamente de "mejor calidad". Además, tenga en cuenta que algunos oboes de madera pueden tener un revestimiento de plástico en la articulación superior, aunque el instrumento esté hecho de toda la madera. El revestimiento ayuda a reducir el riesgo de agrietamiento en la articulación superior. Una vez más, el factor más importante es cómo se toca el instrumento; tómese el tiempo para tocar cuidadosamente los instrumentos de madera y de plástico y encontrar el que mejor se adapte a sus necesidades.

¿De que está hecho un oboe?

El material a construir en estos instrumentos puede variar, pero los que más agrada a los oboístas son aquellos que están hechos de madera. De hecho la mayoría suelen estar hechos a mayoría de los oboes de madera están hechos de madera de granadillo, una madera negra muy densa, pero existen otras opciones de madera como la madera violeta, la madera de rey (palo de rosa) y el cocobolo.

Estas maderas son más blandas, menos densas, de color rojo a marrón, y por lo general producen un tono más claro, más "suave"; Sin embargo, también son mucho más susceptibles al agrietamiento. Aunque la apariencia exótica de estos instrumentos puede ser seductora, te recomendamos limitar tus opciones a la granadilla hasta que hayas tenido experiencia con otros oboes.

Conclusión:

Acabamos de conocer la historia del oboe, un instrumento maravilloso y lleno de historia milenaria que data del siglo XVII en adelante, conocimos un poco más acerca de sus creadores Jean Hotteterre y Michel Danican Philidor, los cuales consiguieron esta creación como una modificación de la chirimía más alta (el instrumento de doble lengüeta predominante de la época).Conversamos acerca de sus partes, tipos, materiales de los que esta echo, características y mucho más. Pudiendo así, indagar un poco más acerca de su importancia en el mundo de la música.

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El fagot, es un instrumento musical perteneciente a la familia viento-madera, además, es un instrumento de caña doble, que normalmente suele tocar la música escrita en las claves de tenor y bajo, y ocasionalmente en los agudos. El fagot es un instrumento es un instrumento no transponente conocido por su distintiva amplia gama de variedad, carácter musical, agilidad y color tonal. A las personas que tocan el fagot se les llama fagotistas.

Este produce sonido en un rango bajo, usando una lengüeta doble, y tiene una forma distintiva, con un tubo largo que parece como si hubiera sido doblado en dos.
Los instrumentos musicales que podrían describirse como antepasados del fagot fueron desarrollados en el siglo XVI, e incluyen la chirimía, el rankett y el dulciano (o curtal). Todos estos son instrumentos de tono bajo que utilizan una lengüeta doble. Entre ellos sólo el dulciano tiene una forma de plegado en dos, lo que lo convierte en el instrumento musical que se podría describir como el más parecido al fagot moderno.

Historia del fagot:

Los nombres "fagotto" y "fagotto" tienen su origen en la lengua francesa. Se dice que el nombre "fagotto" deriva de "fagottez", que en francés significa "un manojo de dos palos de madera". Como la misma palabra también existe en italiano, también se dice que el nombre proviene de este término italiano. No se sabe con precisión cuándo se utilizó el nombre para el instrumento musical, pero parece que, al menos desde mediados del siglo XVII, un instrumento de viento de madera en un estilo que se asemeja mucho a su forma moderna ha sido conocido en Francia como el "fagotto".

El nombre "fagot", utilizado en el mundo anglosajón, también proviene de una palabra francesa, "basson". Basson es un término utilizado para un instrumento musical similar al primer fagotto que también ofrecía un rango de tonos bajos, y que comenzó a ser referido como el fagotto de la segunda mitad del siglo XVII.

El fagot moderno tiene un pasado colorido y complejo. Se desarrolló a partir de un instrumento del siglo XVI, conocido por una variedad de nombres: curtal o dulcian. Este antepasado del fagot, que también se tocaba con una caña doble, estaba hecho de una sola pieza de madera en lugar de las cuatro secciones separadas comunes al fagot actual.

A principios del siglo XVII, el curtal se presentaba en seis tamaños que varían en longitud desde 15″ hasta 4′ 9″. Fueron los franceses quienes más tarde, en ese mismo siglo, transformaron el curtal bajo de una sola pieza en un instrumento de cuatro piezas. Durante los siglos XVIII y XIX el fagot se fue mejorando y refinando. Evolucionó desde el modelo de tres teclas de 1713 que se tocaba en la época de Mozart hasta las actuales versiones de 17 a 24 teclas de hoy en día. En la década de 1880 surgieron dos escuelas de fagot: la escuela francesa de Buffet y la escuela alemana de Heckel. Cada uno tenía sus propias soluciones para la producción de tonos, digitación y entonación.

Los experimentos del siglo XIX en la construcción del fagot dieron lugar a muchas variaciones interesantes. Había fagotes para bandas militares con campanas globulares y otras de formas extrañas de latón y madera, fagotes en Fa y Sol llamados tenorones, semifagueros y sub-fagueros.

El fagot y la iglesia católica:

Cuando los órganos fueron prohibidos en las iglesias en 1644 como monumentos a la superstición y a la idolatría, la música era suministrada por pequeños grupos de instrumentos, incluyendo el fagot. Por lo tanto, uno de los primeros lugares donde los fagotistas tocaron fue en la iglesia. En la mayoría de la música antigua escrita para fagot, se utilizaba simplemente para tocar la línea de bajo y normalmente estaba ligada a la parte del continuo. Luego, en 1678, se convirtió en parte de las orquestas de la ópera francesa cuando Lully pidió fagotes en su ópera, Psyche.

Durante el siglo XVIII, la música mayor, tanto solista como orquestal, fue escrita para el fagot, elevando su importancia en la orquesta, y comenzó a separarse de la mera interpretación del papel de continuo.

Hoy en día, el fagot se utiliza ampliamente en la orquesta sinfónica, la ópera y, más recientemente, en los musicales contemporáneos del siglo XX, la televisión y las bandas sonoras de películas. Innumerables compositores han escrito para el fagot, particularmente durante el siglo XVIII, y el repertorio incluye partes impresionantes en partituras orquestales, música de conjuntos de viento madera y muchos conciertos para fagot como solista.

Tipos de fagots:

A diferencia del resto de los instrumentos, el fagot solo lo podemos encontrar en dos tipos, el fagot común y el contrafagot.

Fagot común:

El fagot estándar es un instrumento de doble lengüeta que pertenece a la familia de las maderas. Está escrito en clave de bajo o tenor, y suena al mismo nivel de tono en el que está escrito (tono de concierto).Está formado por cinco elementos, construidos cuatro de ellos en madera y uno en metal.

El fagot actual que todos conocemos es descendiente de un instrumento medieval llamado la " bombarda grave " y como suele suceder el fagot, es el resultado de una mejora que se le realizó a la bombarda. El cuerpo del fagot está compuesto por un tubo que va tomando una forma cónica hacia el final del mismo, con una distancia longitudinal que puede llagar a medir hasta 2,60 metros.

Este al igual que el contrafagot posee las siguientes partes...

- Cuerpo grande (tubo bajo).

- Tudel (está hecho de cobre) y en él está la doble lengüeta.

- Culata (pieza que une ambas partes de cuerpo del fagot).

En ambos cuerpos se encuentran situados los orificios, llaves y anillos. La profundidad sonora de este instrumento y su cierto aire "grotesco" lo han hecho poseer papeles destacados en obras de gran importancia en la música clásica.

Contrafagot:

El contrafagot es lo que se considera como el miembro más bajo y más grande de la familia de las cañas dobles; suele sonar una octava más bajo de lo que está escrito el los pentagramas. También se le conoce como el "fagot doble".

Así que es básicamente un tubo de aproximadamente 6 metros de longitud. Que se dobla tres veces sobre sí mismo, convirtiéndose así en un instrumento aceptablemente y manejable que, aún así, mide 1,60 metros. Gracias a su peso tan notorio para poder ser tocado, ha de apoyarse en el suelo. En su mayoría está hecho en madera, excepto el tudel y el pabellón.

Diferencias del contra fagot con el fagot común:

Dado que existen solo dos tipos de fagotes, veamos cuales son sus diferencias:

La lengüeta es considerablemente más grande que la del fagot común, con un largo total de 65-75 mm (2,6-3,0 pulgadas) y un ancho total de 20 mm (0,8 pulgadas) en comparación con los 53-58 mm (2,1-2,3 pulgadas) de la mayoría de las lengüetas del fagot. Las grandes palas permiten una amplia vibración que produce el bajo registro del instrumento.
La caña de contrafagot es similar a la de un fagot medio en que el raspado de la caña afecta tanto a la entonación como a la respuesta del instrumento

La digitación del contrafagot:

La digitación es ligeramente diferente a la del fagot común, especialmente en el cambio de registro y en el rango extremadamente alto. El instrumento es el doble de largo, se curva dos veces sobre sí mismo y, debido a su peso y forma, está soportado por un pasador en lugar de una correa de asiento. A veces, el soporte adicional lo proporciona una correa alrededor del cuello del jugador. También se requiere una posición más amplia de la mano, ya que las teclas principales están muy espaciadas.

El contrafagot tiene una llave de agua:

Al igual que un trombón el contrafagot posee una llave para expulsar la condensación y una diapositiva de afinación para los ajustes de afinación gruesa. El instrumento viene en pocas piezas (más bocal); algunos modelos no se pueden desmontar sin un destornillador. A veces, sin embargo, la campana se puede separar, y los instrumentos con una extensión de A baja a menudo vienen en dos partes.

Partes del fagot:

El fagot es un instrumento muy poco conocido y sus partes son iguales en ambos tipos de fagotes hablemos sobre las partes más importantes...

Esta, amplifica y dirige las ondas sonoras desde el fagot. La campana es la etapa final en la longitud del fagot y es donde las ondas sonoras emergen del instrumento.

Dependiendo del diseño del fagot, a menudo encontrarás uno o más agujeros de tono en la campana operada por teclas. y dependiendo de la situación de ejecución, la junta de campana puede ser reemplazada por campanas de diferentes estilos y longitudes para permitir la producción de ciertas notas o para producir un tono específico. Ten mucho cuidado cuando saques el fagot de la caja o lo sostengas en reposo, asegurarse de que la campana no choque contra algo y se dañe.

Es un tubo de metal curvado que conecta la caña con la articulación del ala del fagot. Existen numerosas variedades de bocal para adaptarse al estilo de cualquier fagotista. La afinación del fagot se puede cambiar sustituyendo la inclinación por una que tenga una longitud diferente. Cuanto más larga sea la curva, más baja será la afinación del fagot. El bocal se ajusta perfectamente con un encaje que se encuentra ubicado en la parte superior de la articulación, del ala y la caña.

Es un reposamanos para ayudar al fagotista a estabilizar la mano derecha mientras toca. La culata se encuentra al lado de la articulación de la bota y se parece a una coma. Un tornillo de pulgar permite al jugador ajustar la muleta para que se adapte al tamaño de la mano.

Durante la ejecución, la curva de la mano derecha se ajusta naturalmente alrededor de la culata y proporciona una excelente estabilidad para la mano derecha mientras trabaja con las teclas.

La articulación de la bota:

Es la cuarta sección del fagot que conecta la articulación larga con la articulación del ala. La articulación de la bota es donde el tubo cónico dentro del fagot se dobla sobre sí mismo para dirigirse de nuevo hacia la campana. Debido a este pliegue, el fagot puede caber más de ocho pies de tubo en un instrumento que tiene un poco más de 4 pies de largo.

Hay varios agujeros de tono importantes en la articulación del maletero, a los que se accede a través de una red de llaves y varillas. La junta de la bota anclará las correas que se usan para sostener el fagot. Estas correas incluyen una correa de asiento que se coloca debajo del jugador en su asiento antes de sentarse y correas para el cuello o los hombros. Aunque no es común, algunos músicos también usan una espiga similar a la que se encuentra en un violonchelo para sostener el fagot desde abajo. Si es así, la espiga se fija a la junta del maletero y se extiende hasta el suelo.

O también llamadas teclas, cubren y destapan los agujeros de tono para cambiar el tono del fagot. Las llaves de fagot son pequeños anillos redondos de metal con almohadillas de fieltro y tapas o palancas que se montan sobre varillas de metal. Alternativamente, cubren y destapan los agujeros de tono en los lados del fagot cuando se hacen combinaciones de digitaciones. Cambian el flujo de aire a través del fagot y, por lo tanto, elevan o bajan el tono. Hay cinco orificios principales para los dedos en la parte delantera del fagot con un sexto que se toca con una llave. Además, hay al menos otras 17 teclas en la parte delantera y/o trasera del fagot.

El "Flicking":

Es un estilo de tocar las teclas donde el jugador presiona brevemente las teclas A, C y D altas con el pulgar izquierdo al principio de ciertas notas. Esto elimina el agrietamiento, o la multifonía breve que puede ocurrir si no se utiliza esta técnica.

La tecla del susurro:

Esta realiza una función similar para las notas bajas del fagot. Cuando se pulsa con el pulgar izquierdo, la tecla de susurro ayuda a evitar que la nota se quiebre. Sin embargo, sólo tiene efecto entre la G por debajo de la C media y por debajo en la escala.

Aunque están hechas de metal, las teclas del fagot son sorprendentemente fáciles de doblar por accidente, por lo que se debe tener mucho cuidado para mantenerlas en perfecto estado. Recuerda, hasta el más mínimo golpe puede hacer que el fagot no se pueda tocar.

La articulación baja:

Es la quinta sección del fagot que conecta la articulación con la campana. Esta, tiene agujeros estratégicamente colocados y un delicado entramado de llaves y varillas de acceso a los mismos, lo que permite al músico tocar ciertas notas en la escala.

La lengüeta:

Esta es la que vibra para producir la onda sonora inicial en el fagot. La lengüeta del fagot es una parte altamente personalizada del instrumento que a menudo es hecha a mano por músicos más experimentados. Está hecha de una longitud de caña de arundo donax que tiene forma, doblada, atada, moldeada de nuevo, luego cortada para crear una forma de caña doble con una pequeña cavidad en su interior.

El instrumentista utiliza una combinación de presión de aire, presión de labios, cavidad bucal y más para vibrar la lengüeta y crear una onda de sonido que viaja a través de la espina dorsal hasta el fagot.

Están hechas de material orgánico y se someten a mucho estrés a medida que se tocan. Inspecciona la caña de tu fagot en busca de signos de deformación, grietas o rajaduras y deseche cualquier caña desgastada antes de que afecte su tono. Es importante que después de cada sesión de práctica, seques la lengüeta con un paño suave. Nunca guardes la caña suelta en su estuche.

Las espigas:

Cubiertas con corcho elástico o cordel, las espigas mantienen las secciones del fagot bien unidas. El fagot tiene espigas cubiertas de corchos o cuerdas que sobresalen del extremo de cada sección y que tienen una forma perfecta para encajar firmemente en la siguiente sección, si tenes que usar demasiada o muy poca fuerza para ensamblar el fagot es una señal de que tus corchos podrían necesitar ser reemplazados pronto. Los tapones de corcho responden rápidamente a los cambios atmosféricos y también se comprimen gradualmente con el tiempo. Eventualmente, el reemplazo del corcho es la única opción para mantener un sello de aire adecuado.

Cuando termines cada sesión de tocar, asegúrate de que el fagot esté seco antes de guardarlo. Presta especial atención a las espigas, que pueden hincharse con la humedad o incluso con la humedad general y dificultar la separación de las articulaciones. El primer paso es un frotado minucioso, seguido de otra ronda de secado con un paño suave y absorbente para instrumentos.

Características físicas del fagot:

El fagot posee amplias y variadas características, que derivan de su espeso y brusco sonido, y su forma física.

1. El agujero del instrumento es cónico, como el del oboe y el saxofón.

2. La curva en forma de U del tubo del fagot significa que carece del sonido penetrante y brillante como la chirimía del oboe.

3. La parte superior de la campana se completa con un anillo de metal al estilo francés, o un anillo de plástico o marfil al estilo alemán.

4. También hay fagotes de corto alcance hechos para el beneficio de jóvenes o pequeños músicos.

5. La articulación del ala y el pequeño orificio de la articulación del maletero de los fagotes de madera están revestidos de goma dura para evitar los daños causados por la humedad.

6. Doblado sobre sí mismo, el fagot mide 134 cm (4,4 pies) de alto, pero su longitud total es de 254 cm (aproximadamente 8,3 pies).

7. Los modelos menos costosos están hechos de materiales como el polipropileno y la ebonita.

Características de sonido del fagot:

1. Las notas bajas del fagot con su sonido sustancial, compacto y discreto se utilizan a menudo como base para el bajo, ya que estas suenan algo más gruesas y pesadas que las notas altas.

2.El timbre del fagot es rico en armónicos, lo que le da un color particular.

3. En todos sus registros, las notas del fagot -especialmente las notas de staccato- son muy adecuadas para la interpretación de efectos humorísticos, cómicos y la representación de caricaturas musicales.

4. Las armonías musicales interpretadas por este instrumento suelen ser muy sonoras, ricas, claras y majestuosas. Son más intensos que el registro bajo y poseen una amplia gama de expresión;

5. Debido a que las notas altas del fagot contienen considerablemente menos sobretonos que las notas bajas, no poseen la misma claridad y a menudo se siente que suenan "apretadas" o "presionadas" (aunque no estridentes).

6. El fagot moderno se hace generalmente de arce, con tipos de dureza media como el arce sicomoro y el arce azucarero.

Las tres claves de un fagotista:

Los fagotistas deben aprender tres claves diferentes: principalmente bajo, pero también tenor y agudos. El rango del fagot comienza en Si bemol (el primero por debajo del pentagrama) y se extiende hacia arriba a lo largo de tres octavas. Las notas más altas son posibles pero difíciles de producir y rara vez son necesarias; las partes orquestales raramente van más altas que la nota DO o la RE, e incluso el famoso solo de apertura de Stravinsky en The Rite of Spring sólo asciende hasta la re.

La A baja en la parte inferior de la gama sólo es posible con una extensión especial del instrumento. Esta extensión puede tomar la forma de una campana de reemplazo extra, más larga (con llaves adicionales en la junta larga) o un tubo de papel o una extensión similar colocada en la campana de Sib del fagot.

¿En qué géneros musicales puede estar un fagot?

Aunque el fagot se vincule casi que de forma única a la música de orquesta, este también está muy presente en muchos géneros más, como las bandas de jazz, en la música de cámara y en la música barroca.

Aunque el fagot se usa muy poco en las bandas de Jazz , hacia los 1960, Yusef Latee lo incorpora en muchas de sus grabaciones producidas ese mismo año. portando así más cuerpo y una mayor sensación de claridad a sus compases.

En la música de cámara:

En esta clase de música, generalmente el fagot es utilizado como bajo en casi cualquiera de las combinaciones de viento-madera. Tanto así que hoy en día los fagotes alcanzaron un éxito considerable en los cuartetos de fagotes.

Y por su puesto en las orquestaciones modernas:

Aquí desempeña el papel de tenor y bajo en la sección orquestal de doble caña (el oboe y el corno inglés tocan soprano y alto, respectivamente).
En las orquestas suelen incluir de dos a cinco fagotes, uno de ellos hace de solista si es necesario, y es posible también que se incluya un contra fagot, ya que el timbre que este posee lo hace adecuado para interpretar tonos cómicos o líricos. La primera aparición importante del instrumento en la orquesta fue a través de la Quinta Sinfonía de Beethoven.

¿Que tan dificil es la ejecución del fagot?

Digamos que la ejecución de este no es fácil, pero ciertamente no imposible. Admito que es un poco aterrador abordar un nuevo instrumento con tantas teclas y una doble caña. Sin embargo, con el tiempo, la constancia, disciplina y la práctica (mucha práctica), todo se puede lograr, así que aunque parezca que no funciona de inmediato para ti, te animo a que trabajes en ello.

El fagot es un excelente instrumento para aprender, con él se aprende mas que solo a tocar. Si por otro lado tocas algún instrumento de teclas o cuerdas, eso será una gran ventaja para ti ya que para tocar bien el fagot, es importante tener dedos rápidos y también ser capaz de entender y tocar la música escrita (el fagot es un instrumento de clave de fa).

Crea una rutina de aprendizaje:

El tiempo que se tarda en aprender se mide por el número de horas que se practican. Si tienes paciencia, una hora al día al principio es lo mejor ya que necesitas construir una buena rutina de aprendizaje. Al menos para el fagot, no lo haces hasta que has agotado los músculos faciales usados para compensar por no saber lo que estás haciendo. Los ejercicios de respiración también son necesarios para llenar el instrumento con aire. Cuidado, también, que los fagotistas principiantes son muy muy ruidosos.

Nadie puede empezar a tocar el fagot hasta que tenga al menos 11 o 12 años porque requiere una mano de cierto tamaño, así que no, no es necesario haber tocado desde muy joven para entrar en la orquesta. No hay muchos fagotistas en el mundo, en comparación con los violinistas, así que no hay tanta competencia. Definitivamente requiere mucho trabajo.

Busca un buen profesor:

Sin embargo, algunas cosas pueden ser un poco más difíciles porque también es una clase diferente de instrumento. Y lo más probable es que tengas que trabajar para desarrollar técnicas como la embocadura (forma de la boca) y el control del aire. Para esto, yo recomendaría tener un buen profesor con experiencia por que la técnica adecuada puede ser difícil de conseguir por sí misma, y si un profesor está presente, se pueden hacer correcciones tempranas, lo que sería más beneficioso a largo plazo.

Ya que el aprendizaje de las técnicas adecuadas te ayudará a sonar mejor y posiblemente también podría hacer que sea más fácil para ti. Aunque probablemente podrías encontrar algunos tutoriales en línea para algunas técnicas, pero es de suma importancia tener un profesor presente para ayudar a corregir errores y proporcionar una guía que sea específica para ti sería una gran ayuda.

Precio aproximado de un fagot:

Para nadie es un secreto que los fagotes son muy caros. Como la mayoría de los instrumentos viento madera, por ejemplo;

Un fagot de plástico Fox starter sería un modelo 41 o un modelo 51 y probablemente pueda costar entre 3.000 - 5.000 dólares. Si prefieres un modelo más perdurable y longevo, el un Fox 240 seria una buena opción, que es lo más popular entre los estudiantes de secundaria y de universidad. Eso te va a costar entre 6.00 y 8.000 dólares. El fagot no es un instrumento para nada asequible. pero puedes encontrar cosas de menos de 2.000 en el mercado, pero yo no recomendaría ninguna de esas opciones...

Mejores marcas de fagots:

Comprar cualquier instrumento musical puede ser un reto para un principiante o un novato. Comprar fagot puede ser más difícil debido al alto costo y a las opciones disponibles. Siempre se recomienda comprar un mejor fagot en una tienda de renombre, a la hora de adquirir un fagot tienes que tener en cuenta los siguientes factores, el material con que está hecho el instrumento, la marca y el modelo, pero ¿cuáles son los mejores fagots?

Top de los mejores seis fagots:

Por eso realizamos el siguiente top, en donde conocerás los mejores seis fagots, basandonos en su calidad, fabricantes y precios, para que te sientas un poco más seguro a la hora de adquirir tu instrumento.

1) Maple Bassoon w/ 24 Nickel Plated Keys:

Comenzamos nuestro top con este maravilloso fagot de arce, el cual tiene 24 teclas niqueladas seguidas de cinco teclas de rodillo. Aunque no es uno de los instrumentos más populares en el mercado, pero ciertamente tiene la singularidad en comparación con los otros fagotes.

Este instrumento tiene un sistema completo de interrupciones y tiene una llave EB alta. Tiene un mecanismo de llave de susurro y tiene vocales de anillo G autoactuantes. Para añadir la singularidad, el instrumento incluye un cordón para el cuello y una funda personalizada. Las teclas E y E-F# altas están incluidas en el instrumento. Este fagot tiene un cuerpo curvado natural con reflejos en las teclas de arce. Los fabricantes también han proporcionado a los músicos un soporte para el pulgar con bloqueo de la articulación. Esto proporcionará al instrumentista una buena experiencia y una sesión de jamming relajada.

El sonido de este fagot está en el lado bueno también. Si se afina correctamente, el instrumento proporcionará una calidad de sonido muy satisfactoria. En comparación con otros instrumentos, este fagot también tiene paredes relativamente gruesas que juegan un papel vital en su calidad de sonido. El tono del producto es alto y el diseño es relativamente bueno en términos de sujeción del instrumento. La durabilidad del instrumento está prácticamente garantizada.

2) Schreiber Model S31 Master Bassoon:

El fagot maestro es un producto con un precio bastante elevado en comparación con los otros productos de la lista, pero definitivamente vale lo que cuesta. Todos sabemos que la marca Schreiber ha introducido algunos de los productos de mejor calidad en el mercado.

En este instrumento han instalado un mecanismo de llaves hecho a mano. El mecanismo de llaves se basa en un sistema alemán completo que tiene una llave alta como D y E. Hay 25 llaves en total en el instrumento y hay seis revestimientos de agujeros de goma dura. La estructura clave está en el lado perfecto porque tiene placas de doble tacto, dos vocales y cuatro rodillos. Además está hecho de madera de arce y puede ser perfecto para los profesionales. La única cosa discutible relacionada con este producto es si puede ser utilizado por un principiante o no. La respuesta es que los principiantes pueden invertir en este producto, pero tendrán dificultades para aprender con este instrumento.

El complejo sistema de claves que tiene, dificulta un poco la puesta en marcha. Desde el punto de vista del rendimiento, es uno de los mejores fagots y, por su durabilidad, va aún más lejos. La marca fabricante ofrece una garantía de diez años para este modelo S31 porque están seguros de su durabilidad y rendimiento.

3) Júpiter 363 Student Bassoon:

Diseñado especialmente para estudiantes, este fagot tiene un tono muy cálido y un sonido claro. Este instrumento no está realizado en madera, este fagot está hecho de resina ABS que es una alternativa perfecta para la madera. La resina ABS también proporciona una estructura muy fuerte y no tiene que preocuparse por la calidad del instrumento. La estructura clave del instrumento está diseñada especialmente para los estudiantes para ayudarles a llevarse bien con las teclas en un abrir y cerrar de ojos.

La durabilidad del producto depende del uso. Si se maneja con cuidado, puede durar más tiempo y también hay un estuche que le ayudará a mantener el producto seguro. El fagot Júpiter 363 para estudiantes tiene un sistema completo alemán de 22 teclas y tiene una tecla especial como D. Las teclas de trino del producto son F# y C3 mientras que C#, D# y F/A son las teclas de rodillo. Las llaves del fagot están recubiertas de níquel y todo el producto está hecho a mano en Taiwán. En general, el producto tiene una calidad media pero es perfecto desde el punto de vista del aprendizaje. Esto se debe únicamente a las funciones profesionales que incluye el instrumento. Además, tiene un aspecto muy elegante que no vemos a menudo en los productos industriales.

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Fagot. Definición, Origen, Tipos, Características, Partes Y Más

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En el siguiente post hablaremos del fagot, conoceremos algo más sobre su origen, tipos características, partes de un fagot, marcas y mas. Sigue leyendo...

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El clarinete es un instrumento de viento elaborado en madera el cual está compuesto por un tubo cilíndrico que tiene una sola lengüeta en la boquilla colocada en el extremo superior del tubo. En su parte inferior termina en un pabellón con forma de campana al final. Pueden ser fabricados de diversos materiales y tienen veinte o más agujeros para producir los diferentes sonidos; algunos de ellos abiertos para taparse con los dedos del intérprete, y otros tapados con llaves.

Características del clarinete

Las principales características del clarinete son:

El clarinete es un instrumento de viento-madera que se toca soplando.

Por lo general está hecho de madera.

Tiene una embocadura de caña sujeta a la boquilla mediante una abrazadera.

En la orquesta se sitúan generalmente detrás de las flautas y al lado de los fagotes.

Es considerado como un instrumento musical aerófono.

Se tienen algunos estudios de que los ancestros de este instrumento existían en el medio oriente y que era utilizado principalmente por pastores que habían elaborado un tipo de flauta con boquilla en un palo de bambú con agujeros para producir sonidos. La fecha exacta en la que se inventó el clarinete o quien lo inventó no se sabe con certeza absoluta; los expertos e historiadores mencionan que fue entre los años 1700 y 1710 en Nuremberg, lo que hoy día es Alemania. El clarinete se desarrolló a partir de un instrumento conocido como el chalumeau, el primer verdadero instrumento de lengüeta simple.

Quién lo invento

El clarinete surge a partir de un antiguo instrumento bastante popular en , el chalumeau, que tenía 7 agujeros. En el siglo XVII un clarinetista de origen alemán llamado Johann Christopher Denner logró crear una técnica que hacía más fácil producir un nuevo sonido más agudo, una duodécima nota de la nota original. Esto marca el comienzo de la evolución del instrumento hasta su estado actual.

Tipos de clarinete

Requinto: es el más pequeño y agudo usado en bandas de música, aunque menos en orquestas. Ha sido diseñado para tocar pasajes agudos, su afinación más común es en Mib. Algunos se llaman piccolos y en re.

Soprano: es el más común. Su afinación más común es Sib y La. Los clarinetes en La se utilizan de manera casi exclusiva, en música de orquesta.

Clarinetes de Basset: se diferencian de los clarinetes convencionales porque pueden llegar hasta la nota Do en su registro más grave. Afinan en La, aunque también se pueden encontrar en Sib y en Do.

Clarinete Alto o Clarinete Tenor: afina en Mib y es más largo que un clarinete de Basset con un tudel y una campana en curva que le dan una forma ligeramente parecida a un saxo.

Clarinete Bajo: igual al clarinete alto pero mucho más grande, tiene un gran uso en agrupaciones de clarinetes, orquestas, bandas de música, etc. Afina en Sib, aunque hay clarinetes bajos en La y Do.

Clarinete Contralto: más grande y grave que el clarinete bajo, afinado en Mib muy parecido al clarinete contrabajo.

Clarinete Contrabajo: es el más grande y grave de la familia producido de manera regular y es un poco más difícil de observar.

Las partes de las que consta este instrumento musical son las siguientes:

Boquilla: este es lugar donde la pieza de caña va colocada y donde el instrumentista coloca la boca para poder soplar y producir el sonido.

Barrilete: es el elemento que tiene como función articular la boquilla con el cuerpo superior del instrumento.

Cuerpo superior: es el lugar en donde se coloca la mano izquierda y que posee parte del mecanismo del instrumento.

Cuerpo inferior: parte donde se debe de colocar la mano derecha y tiene también parte del mecanismo del instrumento.

Campana: está colocada en la parte inferior del instrumento y se función es meramente acústica ya que permite la proyección del sonido durante la ejecución del instrumento.

Para qué sirve

El clarinete es un instrumento musical que es sinónimo de romanticismo y destreza, uno de los mejores medio de comunicación y expresión que existen por medio del sonido. Es utilizado en solos y en conciertos con orquestas sinfónicas pues sirve para pasar de los sonidos más suaves a los más fuertes y agresivos, haciendo uso de las notas más graves y agudas las cuales funcionan a la perfección para poder reflejar toda la pasión y el sentimiento que la pieza musical quiere transmitir a quien lo escucha.

Cómo se toca el clarinete

Al ser el clarinete un instrumento de viento funciona cuando se sopla aire a través de la porción central del instrumento, y al abrir o cerrar los botones producimos las notas. Existen algunas técnicas que se deben aprender para tocar el clarinete correctamente, que pueden ser aprendidas por cualquier persona.

Primero se debe de mojar la caña introduciéndola en tu boca por varios segundos, se inserta en la parte superior redondeada de la boquilla y se asegura con el soporte metálico montado en la ligadura. Se toma el instrumento con el extremo con forma de campana hacia afuera, la mano izquierda se coloca en la parte superior del clarinete.

La mano derecha se coloca debajo de donde pusiste la izquierda. El dedo pulgar debe de estar debajo para proveer soporte y solidez. Los labios deben de curvarse para crear una superficie suave y ajustada para posar la parte inferior de la boquilla.

Una vez colocada la boquilla en los labios, se debe de inhalar profundamente por la nariz, llenando completamente tus pulmones y soplar de forma constante a través de la boquilla, para producir una nota clara y consistente. Los botones del clarinete se presionan para producir las notas musicales.

Interpretes destacados

Los mejores clarinetistas a nivel mundial son los siguientes:

Martin Fröst

José Franco Ballester

Alessandro Carbonare

Andreas Ottensamer

Karl Leister

Sabine Meyer

Paquito de Rivera

Karii Kriiku

Philipe Cuper

Gervase de Peyer

Eddie Daniels

Enrique Pérez

Milan Rericha

Antony Pay

Jack Brymer

Benny Goodman

José Luis Estellé

Escrito por Gabriela Briceño V.

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Clarinete | Qué es, características, historia, tipos, partes, para qué sirve

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El clarinete es un instrumento musical de viento que tienen una boquilla a la cual se le coloca una caña simple. Pertenece al grupo de instrumentos de viento-madera y es un aerófono de lengüeta simple.

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Claudio Abbado, Daniel Barenboim, Zubin Mehta, Lorin Maazel, Riccardo Muti... todos son grandes directores de orquesta. Tratados mundialmente como eminencias de la cultura, el público alejado de la música clásica y más elitista poco sabe de su labor, de su trabajo y preparación. Eso sí, la gran mayoría se pregunta: ¿qué hacen exactamente con las manos? Son los mismos que a veces cuando escuchan la considerada música culta se dejan llevar y les imitan cómo si dirigieran. Si ellos supieran...

Para José Luis Turina, director artístico de la (la Joven Orquesta Nacional de España) "una orquesta está integrada por un gran número de personas, que puede oscilar entre 40 y 120 músicos o incluso más en algunas ocasiones. Todos ellos tienen que tocar su parte, pero con idénticos criterios de velocidad, ritmo, volumen sonoro, carácter... El director es quien se encarga de "imponer" esos criterios a los músicos, que tienen que seguirle fielmente si se quiere que todas esas personas respondan como una sola".

Los movimientos de sus brazos

Lo primero que cualquiera debe saber es que el director de orquesta siempre se sitúa en una peana que le eleva para que absolutamente todos los miembros de la orquesta le visualicen sin problemas. "Su posición por encima del resto de músicos es una cuestión no de superioridad, sino de facilidad a la hora de que todos los instrumentistas puedan verle a la vez que tocan. La amplitud de sus gestos puede parecer teatral, pero hay que tener en cuenta que los músicos le ven de reojo, digamos en un segundo plano", afirma Juan Luis García, director de la Orquesta Juventudes Musicales de León.

En su mano derecha suele llevar una batuta con la que marca el 'tempo', el ritmo del compás, y su velocidad. Dependiendo de la obra sube y baja la batuta (un compás binario o dividido en dos partes), parte de abajo, va hacia la derecha y sube (compás ternario) o parte de abajo, va hacia la izquierda, hacia la derecha y arriba (compás cuaternario). Muchas veces estos movimientos para los que no son músicos son casi inapreciables debido a la velocidad con que los realiza.

La mano izquierda es la encargada de señalar las entradas de cada grupo de instrumentos o de solistas. Con todo el cuerpo y principalmente con ambas manos indica la intensidad y el carácter de la obra. Por ejemplo, si abre mucho los brazos quiere decir que les está pidiendo a los intérpretes que toquen más 'forte' o fuerte (esta abertura de sus brazos, sin dejar de mover las manos, puede ser también progresiva) o que toquen más 'piano', más suave. Con la mirada, con los ojos, con la boca... hará también mil gesticulaciones que serán importantes (según sus manías personales) para aunar la interpretación de todos los integrantes y que suene como una única obra.

Como curiosidad también decir que debe tener los pies bien asentados en el suelo de forma paralela a los hombros y situar los brazos a su altura. Parece una tontería pero es esencial, ya que es posible que pierda el equilibrio en un momento de énfasis o que termine con fuertes dolores de espalda.

"El mundo se abre al otro lado del papel"

Sin embargo, el director de orquesta es mucho más que un hombre que mueve las manos y no es casual que se le llame normalmente "maestro". A sus espaldas lleva una l arga carrera musical y su labor es realmente muy valorada en el ámbito musical culto. ¿Los motivos?

Es la persona que se estudia en profundidad toda la obra. Es decir, cada músico se estudia su parte y ya está. Pero él no, él controla en cada momento exactamente lo que están haciendo todos (y les marca lo que deben hacer). Cuando un director de orquesta se enfrenta a una obra por primera vez debe pasarse horas y horas frente a la partitura para analizar todos los detalles y examinar las directrices que quiere marcar. Además debe escuchar esa unidad dentro de su cabeza.

Para director de la Orquesta Juventudes Musicales de León "exige conocer la estructura de la obra, los secretos ocultos tras las indicaciones, e l universo mundo que se abre al otro lado del papel, más allá de los pentagramas. Cuanto más profunda sea esa comprensión, ese conocimiento, y en suma, esa identificación con lo escrito por el compositor, más fácil le será al director hacer que el grupo humano de la orquesta sea seducido por su propuesta. Todas las orquestas pueden tocar rápido, lento, fuerte, suave, fraseando de una manera o de otra en manos del director (y nunca mejor dicho) y ahí está la magia para hacer que músicos que han tocado esa obra cientos de veces, la vuelvan a hacer sonar como si fuera una primera vez".

De hecho, un buen ejemplo sería escuchar tres versiones de directores y orquestas distintas de una obra conocida como la 9ª Sinfonía de Beethoven. Las diferencias de velocidad y dinámicas serían muy interesantes de analizar.

"Es el auténtico intérprete"

Es además la persona encargada de llevar todos los ensayos, de proponer obras o programar muchas veces y de lograr un equlibrio y unidad, una calidad sonora e incluso un buen clima en la orquesta. "El director debe establecer los criterios desde el punto de vista musical; y desde el punto de vista humano debe saber imponerlos a los músicos, pero no a base de miedo, sino de persuasión. Un director tiene que ser también un psicólogo, aparte de un músico, para detectar rápidamente los problemas "sociales" que frecuentemente surgen en una institución tan compleja como es la orquesta y poder resolverlos rápidamente, a veces sin que ni siquiera los músicos se hayan dado cuenta de que existían", afirma Turina.

Para María Garía Barrio, musicóloga y violinista: "El director de orquesta es el alma mater de la música grupal, es el auténtico intérprete, cuyo instrumento es una serie de músicos que puede manejar para conseguir una interpretación personal de un documento escrito".

"Quiero decir, por mucho que un director intente interpretar una pieza al estilo de la época a la que pertenece, no se puede eliminar su propia visión de la música. Ahí reside para mí la magia de la música orquestal: todos los músicos se rinden a una persona, que es el director. No existe la interpretación individual de los instrumentistas como tal", añade.

"Con su magnetismo todos nos enamoramos de la música"

Yolanda Sarmiento, profesora de armonía, análisis musical y composición en el Conservatorio Profesional de León piensa que "el director de orquesta se sirve de la colorida y brillante instrumentación para resaltar así, las diferentes secciones y timbres del orgánico orquestal, y aportar una fuerza impresionante a la obra. Con el magnetismo que desprende procura que todos nos enamoremos de la música".

¿Es entonces el músico más preparado o el más complejo? "Teniendo en cuenta que en la formación de un director, además de la propia técnica de la dirección, tienen un peso muy importante la práctica de un intrumento musical y la de la composición, sin duda, el director es o debe ser el más completo de los músicos. Pero, eso no quiere decir que no se pueda ser un gran director sin ser un gran intérprete o un gran compositor, porque su papel es muy distinto", explica José Luis Turina.

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¿Qué hace el director de una orquesta con las manos y por qué es importante?

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Es la pieza indispensable de la orquesta, el alma, la cabeza y el corazón. Mucho más allá que unas manos que no dejan de trabajar.

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Trompa: Que es, Origen, Tipos, Partes, Características, Marcas Y Más.

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En el siguiente post, hablaremos sobre la trompa o trompa francesa, su origen, los tipos de trompas, las partes de esta, sus características..Sigue leyendo

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La trompeta, es un instrumento musical de viento-metal que suena por la vibración de los labios contra una boquilla de copa. Los etnólogos y etnomusicólogos usan la palabra trompeta para cualquier instrumento con vibración labial, ya sea de cuerno, caracol, caña o madera. La distinción técnica entre trompeta y el trombón es que un tercio de la longitud del tubo de una trompeta es cónica y dos tercios es cilíndrica, mientras que el tubo de la trompa es lo contrario. Ambos tipos se encuentran en todo el mundo.

La tonalidad, o clave, del instrumento puede ser cambiada mediante el uso de una espiral de tubo adicional insertada al lado de la boquilla. El trompetista orquestal más común en la era de Bach producía la trompeta en Re, pero en aproximadamente 1800 las trompetas eran torcidas de Fa abajo a bajo B según lo especificado por el compositor. Los cambios sociales y musicales trajeron una disminución en la interpretación del clarinete, y las partes de trompeta se escribieron principalmente en los registros inferiores más fáciles.

Origen de la trompeta:

La trompeta metálica data del segundo milenio antes de Cristo en Egipto y en Roma, cuando era un pequeño instrumento ritual o militar que sonaba sólo con una o dos notas. Utilizado en diversas formas como instrumento de señalización militar y a veces civil (como el salpinx griego recto, la tuba romana similar y el lituus romano, recto con una campana volteada), adquirió importancia como instrumento musical en la Edad Media.

La trompeta egipcia:

Esta, data de hace más de 3.000 años, ya que se encontraron formas de trompetas de bronce y plata en la tumba de Tutankamón en Egipto. Muy a menudo, estas trompetas tempranas se habrían utilizado como dispositivos de señalización, ya sea para fines religiosos o militares. Se podría decir que esta tradición temprana se ha mantenido hasta la fecha en el uso de una corneta en la que diferentes melodías comunicaban información diferente.

Hacia la Baja Edad Media y el Renacimiento, las mejoras técnicas en la metalurgia y el diseño de instrumentos en general llevan a la trompeta a ser utilizada en un contexto más musical y, por supuesto, a la "era barroca" se la denomina a menudo la "Edad de Oro de la trompeta natural".
En los períodos clásico y romántico, se podría decir que la trompeta fue relegada a un papel bastante secundario por la mayoría de los grandes compositores de la época, posiblemente con la excepción del concierto para trompeta de Haydn. Esto puede deberse al hecho de que las válvulas de trompeta sólo se inventaron a mediados del siglo XIX. De hecho, los ladrones y los mangos (tubos removibles de varias longitudes) todavía estaban en uso durante las primeras décadas del siglo XX.

El desarrollo de la trompeta:

Las trompetas más antiguas tenían tubos rectos de apenas 60 centímetros de largo, un instrumento recto que conserva la asociación tradicional de la trompeta con la realeza y la pompa, alcanzó una longitud de unos 2 metros. El aumento de la longitud permite un número proporcionalmente mayor de armónicos naturales, aunque el alcance también viene determinado por la naturaleza de los labios del músico. Aproximadamente en 1400 el tubo se había alargado hasta el punto de que la trompeta se dobló en forma de S para facilitar su manejo. Hacia el año 1500 había adquirido el bucle alargado que ahora se asocia con el instrumento. Hacia 1600 los trompetistas de corte y de gremio, acompañados de timbales, pudieron tocar melodías en el registro superior, o clarino, donde las notas naturales forman aproximadamente una escala mayor.

Las formas posteriores incluyeron la trompeta natural de los siglos XVI-XVIII y, tras la invención de las válvulas hacia 1815, la trompeta de válvula moderna. La trompeta de válvula, normalmente construida en B♭, mantiene el orificio tradicional de la trompeta, cilíndrico con una bengala de campana terminal, aunque generalmente el orificio se estrecha hacia la boquilla para proporcionar una flexibilidad adicional de tono. Para tocar notas fuera de la serie natural, a partir del Renacimiento aparecieron trompetas con una sección deslizante del tubo, siendo la más importante el trombón. Una trompeta alemana con una boquilla deslizante, la tromba da tirarsi, se utilizaba a veces en la música de Bach.

¿Pero, cuando se creó la trompeta que conocemos hoy?

El primer intento de inventar un mecanismo de válvula fue probado por Charles Clagget, quien obtuvo una patente en 1788. Sin embargo, la primera válvula tubular de caja fue inventada por Heinrich Stoelzel y Friedrich Bluhmel en 1818. Joseph Riedlin inventó en 1832 la válvula rotativa, una forma que ahora sólo es popular en Europa del Este.

Tipos de trompeta:

Bueno, primero comenzaré diciendo, que las trompetas se clasifican según el tamaño, el material utilizado para diseñarlas y, lo que es más importante, la calidad del sonido que pueden ofrecer. La mayoría de la gente no reconoce ninguna diferencia en el tipo de sonido que emite una trompeta en particular.

Trompeta en si bemol:

Este es el tipo de trompeta más común utilizado en la mayoría de los escenarios de jazz, estas trompetas son relativamente baratas, fáciles de tocar y muy populares. Según la mayoría de los instructores, estas trompetas son altamente consideradas como las mejores para principiantes y estudiantes.

La trompeta en do:

Este es otro tipo de trompeta muy popular debido a su tamaño más corto y a su capacidad para ofrecer sonidos y melodías de alta calidad, estas trompetas son utilizadas principalmente por profesionales que actúan en escenarios orquestales.

Otros tipos de trompetas menos conocidos, como la D, E, Mi bemol, F, G y A, se siguen fabricando, pero son muy difíciles de conseguir en tiendas ordinarias que venden instrumentos musicales. Este tipo de trompetas están diseñadas únicamente para tocar tipos de música especializados y no se recomiendan para principiantes o aficionados. Hay por supuesto otros tipos de trompetas que son ampliamente reconocidas por la mayoría de los entusiastas de la música. Entre ellas se incluyen:

La corneta es un pariente cercano de la trompeta que se distingue sobre todo por su agujero cónico, su forma compacta y sus tonos de alta calidad. Este instrumento musical es el preferido por la mayoría de los trompetistas profesionales, debido a su capacidad para emitir sonidos en si bemol y si bemol sin ningún problema.

El fliscorno:

La trompeta fliscorno, es otro instrumento musical que se asemeja mucho a una corneta o a una trompeta normal. Diseñada con un tamaño pequeño y una boquilla grande, esta trompeta está hecha de latón y es capaz de ofrecer fácilmente melodías de bajo y soprano. A diferencia de sus predecesores, el flugelhorn es ligero, compacto y perfecto para cantar en escenarios relacionados con el jazz. Este, al igual que los demás está hecho de latón. Tiene tres válvulas, un diámetro mayor que el de la corneta, y se suele utilizar en si bemol, y ocasionalmente en do. Se inventó en Austria en la década de 1830.

La Trompeta Piccolo:

La trompeta piccolo o trompeta de flautín viene en varios tipos y tonos diferentes, es el miembro más pequeño de la familia de las trompetillas. Esta trompeta está diseñada para ofrecer un si bemol o una afinación en La. Aparte de su pequeño tamaño, la trompeta de flautín viene con 4 válvulas en lugar de las tres normales. Se utilizan principalmente en orquestas y escenarios religiosos, debido a su capacidad para emitir sonidos G, F y C.

La trompeta de bolsillo:

Esta es una trompeta de tamaño compacto en si bemol, con el mismo rango de ejecución que la trompeta normal. La longitud del tubo, si se endereza, medirá lo mismo que la de una trompeta estándar. Sin embargo, el tubo se enrolla más firmemente que el de una trompeta estándar para reducir el tamaño del instrumento y conservar el sonido característico.

La campana es generalmente de diámetro más pequeño que una trompeta estándar. No es un instrumento estandarizado que se encuentra en las secciones de metales de bandas de concierto u orquestas y generalmente se considera una novedad. Es usado principalmente por los trompetistas como un instrumento de práctica que puede ser empacado en una maleta y llevado a lugares donde llevar trompetas estándar sería un problema. Este tipo de trompeta es relativamente más corta, en comparación con una trompeta normal.

La trompeta clarín:

La trompeta clarín, es el tipo de trompeta más simple del mercado. También se le conoce como clarión, y es una de las trompetas más antigua, incluso se utilizaba en la edad media y el renacimiento. También se usa como nombre para un tope de lengüeta de órgano. Hay una gran confusión sobre si el clarín invariablemente se refiere a un tipo de trompeta o simplemente al registro superior de la trompeta estándar. A diferencia de otras trompetas, este tipo de instrumento no tiene válvulas, lo que significa que la afinación es controlada por el jugador. Lo que lo hace aún más especial es el hecho de que es usado principalmente por los militares.

Aparte de las trompetas listadas arriba, hay muchas otras trompetas menos conocidas disponibles en el mercado. Entre estas trompetas raramente vistas están la trompeta de tobogán, que utiliza un tobogán en lugar de válvulas; la trompeta de metal, que suena similar a un trombón; las trompetas alemanas y las trompetas barrocas. Aparte de las válvulas, llaves y estilos, las trompetas se pueden clasificar de muchas maneras diferentes, incluyendo el tipo de acabado y los materiales utilizados. Según la mayoría de los expertos, las trompetas con un acabado de latón son menos caras que las plateadas. Además, la mayoría de los expertos afirman que las trompetas plateadas ofrecen sonidos y melodías más vibrantes que las trompetas de metal y, por lo tanto, a menudo son preferidas por los trompetistas profesionales en ambientes de jazz u orquestales.

Partes de una trompeta:

Debido a su amplia gama de usos y a su colorida historia, la trompeta sigue siendo una opción muy popular entre los músicos hasta el día de hoy. Si eres un aspirante a músico y quieres aprender todo lo que hay que saber sobre la trompeta, es importante, (prácticamente obligatorio) que estés muy familiarizado con las diferentes partes de este instrumento.

La boquilla:

Fabricada en una variedad de diferentes tamaños, la boquilla es una pieza removible donde se colocan los labios para crear sonido. Existe una amplia gama de diferentes tipos de boquillas para trompeta, Y las cuales son capaces de cambiar el sonido que produce tu trompeta. Debido a la variedad de diferentes boquillas y sus variados efectos, algunos trompetistas profesionales coleccionan docenas. Aunque usted puede encontrarse comprando nuevas boquillas para tocar de manera diferente, o lograr un sonido diferente, se necesita mucha práctica antes de ser capaz de controlar y entender las diferencias.

Las boquillas de la serie estándar de Bach:

Estas boquillas de trompeta son algunas de las más populares en el mundo, tanto entre estudiantes como entre profesionales. Están clasificadas en orden numérico, que van desde los diámetros más grandes a los más pequeños, y de la copa más superficial a la más profunda alfabéticamente. Las boquillas de la letra A de la serie de Bach son más profundas, y las modelo 1 estándar son las de mayor diámetro.

El tubo de plomo:

En este tubo es donde respectivamente se inserta la boquilla. Es importante limpiar el tubo de plomo regularmente para evitar acumulaciones que puedan afectar la calidad del sonido que produce su instrumento.

La campana es la parte de una trompeta, de donde viene el sonido, como un altavoz. Regularmente, la campana de las trompetas están construidas en latón y luego recubiertas de oro para que puedan ser capaces de producir un sonido suave y cálido, o también, chapadas en plata, lo que produce un sonido más brillante. Cualquier alteración hecha a la campana afectará de manera drástica el sonido que produce el instrumento. Además, el tamaño de la campana, (que se llama bengala), influye en el sonido. Las bengalas más pequeñas tienen un sonido agudo, mientras que las más grandes producen un sonido más suave.

Diapositiva de afinación principal:

La diapositiva de afinación principal se encuentra hacia la parte delantera del instrumento. Se empuja hacia adentro para elevar la afinación de todo el instrumento o se retira si se desea bajar la afinación. Es importante que la corredera de sintonía principal se mantenga bien engrasada para poder utilizarla eficazmente. Algunos expertos recomiendan engrasar los portaobjetos de la trompeta aproximadamente una vez al mes. Si lo hace, evitará que los depósitos causen que las diapositivas se peguen, lo que básicamente significa que no hacen nada. Si los portaobjetos no están bien engrasados y se atascan, generalmente se requiere una costosa reparación y un baño de ácido para que vuelvan a moverse.

Los pistones:

Cuando el instrumentista sopla por la boquilla de la trompeta, los pistones de la válvula cambian el paso de aire a las diferentes diapositivas. El primer pistón de la válvula se encuentra más cerca de el instrumentista, mientras que el segundo se encuentra ubicado en medio del instrumento, y el tercero más cerca de la campana. Para mantener correctamente una trompeta, las válvulas necesitan ser engrasadas regularmente. Engrasar las válvulas aproximadamente dos veces por semana ayuda a prevenir el desgaste, eliminar los residuos y llenar cualquier espacio entre la válvula y la carcasa, lo que reduce las fugas de aire.

El gancho para los dedos:

El gancho para el dedo permite al trompetista sostener el instrumento, para que así pueda utilizar de forma libre la otra mano, lo que le permite hacer ajustes al instrumento o pasar las páginas de las partituras.

Otras partes necesarias de la trompeta:

Hay varias partes de la trompeta que es importante tener en cuenta para limpiarla y mantenerla correctamente. La segunda corredera de la válvula se utiliza para acceder a la segunda carcasa de la válvula cuando es necesario limpiarla. Las tapas de las válvulas inferiores retienen el exceso de aceite de la válvula y le permiten limpiar las válvulas más fácilmente cuando sea necesario. Por último, las tapas superiores de las válvulas permiten extraer la válvula para engrasarla o limpiarla.

Para cualquier persona nueva en la trompeta, es importante comenzar con una comprensión básica de las diferentes partes del instrumento antes de que pueda aprender a tocar. Esta comprensión también le será útil cuando tenga problemas con el instrumento, ya que sabrá exactamente dónde buscar.

Características de la trompeta:

Una trompeta puede parecer corta y compacta en comparación con instrumentos de metal más grandes, como el trombón, pero este pequeño instrumento contiene aproximadamente 6 1/2 pies de tubería.

Es más alto que el ser humano promedio, pero el instrumento puede caber cómodamente en sus manos.

Las trompetas son conocidas por su uso en bandas y orquestas, pero también tienen un componente militar.

Los ejércitos que se remontan a la época medieval han utilizado la trompeta como dispositivo de señalización debido a su tono fuerte y rico que se puede escuchar a largas distancias.

La trompeta ha existido desde ~1,500 A.C. Incluso hay obras de arte de civilizaciones que datan del año 300 a.C. que muestran la trompeta.

Los primeros precursores de la trompeta, el cornetto y la trompeta natural, no tenían válvulas ni llaves.

Las trompetas vienen en varias variedades que se construyen para tocar en diferentes tonalidades musicales.

Algunos ejemplos son Si bemol, Fa, Re, Mi, Sol y Do.

Las trompetas modernas están hechas de latón, que es una aleación de cobre y zinc, pero las trompetas más antiguas fueron hechas de muchos materiales diferentes, incluyendo conchas y madera.

El diámetro de la tubería de estos instrumentos aumenta gradualmente hacia el extremo del instrumento.

La trompeta puede tener sólo tres válvulas, pero en realidad puede tocar 45 notas distintas manipulando esas válvulas.

¿Que tan difícil es aprender a tocar la trompeta?

El tema de tocar la trompeta es vasto y amplio. Algunas personas piensan que es fácil, mientras que otras lo tratan como si fuera una ciencia de cohetes, donde tienes que pasar mucho tiempo tratando de dominar la operación.

En mi opinión, la cuestión de si es difícil o fácil tocar la trompeta depende de ti como persona. La mejor manera de hacerlo es tomar un curso de música, ya sea en línea o en la escuela si es que realmente quieres convertirte en un profesional. Pero generalmente lo que yo recomiendo es buscar un profesor, o una escuela, ya que esa es la mejor manera de aprender.

Tienes que tener muy en claro es cuál es el tipo de trompeta que más se ajuste a tus necesidades, ya que como vimos anteriormente, hay una gran variedad de tipos de trompetas. Si eres principiante, yo te recomendaría que comiences con una trompeta en si bemol, ya que este es el tipo más común y por lo tanto hay más profesores y músicos que se especializan en ellas.

Por último, es muy importante que pruebes tu trompeta antes de comprarla. Compruebes siempre que la campana no tenga abolladuras, comprueba las válvulas para que te asegures de que se mueven libremente sin atascarse.

¿Cómo suena la trompeta?

Como ya todos sabemos, el sonido de un instrumento de metal proviene de su columna de aire que vibra dentro del instrumento. El trompetista hace vibrar esta columna de aire haciendo vibrar los labios mientras sopla aire a través de una copa o embudo.
Para producir tonos más altos o más bajos, el músico ajusta la abertura entre sus labios.
La boquilla se conecta a un tramo de tubo de latón que termina en una campana.
Cuanto más pequeño sea el instrumento más alto será el sonido; y cuanto más larga sea la longitud de la tubería, mayor será el tamaño del sonido.
Por la versatilidad de su sonido, esta puede estar muy presente en casi cualquier género musical, desde géneros tropicales; como la salsa y el merengue, a la música clásica.

El sonido de la trompeta es sumamente hermoso, muy apropiado para hacer papeles de solista, de hecho en la mayoría de orquesta, filarmónicas y bandas, esta es su principal función, a continuación disfrutaremos de un video en el cual se aprecia el sonido de la trompeta en una orquesta de música clásica.

►Video recomendado: Trumpet Concerto.

Trompeta y salsa:

Quién no ha escuchado hablar de la salsa, ese género caribeño lleno de sabor, proveniente de cuba y puerto rico. Y la trompeta cumple un papel fundamental en este género, tanto así que "salsa sin trompeta no es salsa". Este instrumento es imprescindible en las orquestas de salsa contemporáneas, ya que esta le regala vida y color a este género musical, por eso te invito a ver el siguiente video...

►Video recomendado: Solos De Trompeta En Salsa.
https://www.youtube.com/watch?v=h6eQY4Nvv2A
¿Cuanto puede costar una trompeta?

Bien, como al hablar de trompetas prácticamente se habla de la trompeta en si bemol, comencemos con ella.
Las trompetas en Sib (si bemol) son las más comunes y las más fabricadas de toda la familia de trompetas. Para los principiantes, se pueden encontrar una selección enorme de trompeta desde $200 a $10,000!, el precio varia depende de la calidad de la trompeta, la marca del fabricante, y el material con el cual este hecho.

Las trompetas de nivel intermedio, ya son instrumentos un poco más decentes con los que se puede llegar muy lejos. Están fabricados con materiales resistentes. Estas cuentan con un orificio más pequeño para una manipulación más articulada del tono en comparación con el instrumento principiante. Las trompetas intermedias en Sib comienzan en torno a los $1.000, llegando incluso a los $25.000.

Las trompetas de nivel profesional pueden fácilmente costarte mucho dinero. Ya que están fabricadas con materiales de primera calidad. Tienen un sistema de tuberías de plomo intercambiables para satisfacer las diferentes necesidades de cada músico. Esto permite a los músicos equipar sus instrumentos con las piezas que prefieran. Estas pueden fácilmente pasar los $25.000.

Top de las mejores 8 trompetas:

A decir verdad, cuando se trata de comprar un instrumento profesional, el nombre del fabricante no es el mejor factor que determinará la eficacia y calidad del instrumento. Sin embargo, por experiencia, algunas marcas han demostrado ser extremadamente fiables y han consolidado su lugar en el "Salón de la Fama" musical.

Por lo tanto, es posible que desees tener en cuenta marcas como Yamaha, que cuenta con una calidad excepcional de construcción y consistencia en conjunto, y Bach, una de las marcas más famosa por fabricar las trompetas de nivel profesional más populares en el mercado. También puede considerar otras marcas como Jupiter, Getzen, Conn, Coxier y Cecilio por sus excelentes contribuciones a la mejor serie profesional de trompetas, aquí abajo te dejo las mejores 8 trompetas que hay actualmente en el mercado.

1) Blessing BTRML1 Artist Series Professional Trumpet Lacquered Brass:

Aunque el nombre blessing puede no ser una marca popular en el mercado de instrumentos musicales, encontramos que la trompeta profesional de la serie de artistas BTRML1 Blessing es algo que vale la pena considerar debido a las características únicas que incorpora en este diseño.

El cerebro detrás del diseño de esta trompeta, incluyen las aportaciones y la artesanía de trompetistas populares y profesionales como Robert Dorer, Buff Dillard y Dominic Farinacci. Esta trompeta fue específicamente hecha a mano en la innovadora y popular fábrica Blessing ubicada en Elkhart, Indiana. Cuenta con un cuerpo de latón lacado con una excelente capacidad de manejo y muy fácil de tocar para el músico profesional. Está diseñada para uso profesional y al aire libre, la serie de trompetistas Blessing, es adecuada para la interpretación en escenarios y conciertos. Mientras que el diámetro medio-grande mide 460 pulgadas, los pistones Monel y el primer gancho de cierre de válvula contribuyen a la creación de un sonido más rico, cálido y brillante. También incluye una abrazadera deslizante de afinación doble y una tercera válvula de cierre para mejorar la calidad del sonido y el control del tono.

2) Bach LR180S-43 Stradivarius expert Bb Trumpet:

Esta trompeta es una trompeta clásica de nivel avanzado que tiene todas las características por las que las trompetas populares de ese estilo son conocidas. Por ejemplo, esta trompeta presenta la tonalidad de la afinación en Si Bemol con una excelente calidad de construcción de la carrocería en oro y plata. La trompeta también tiene un diseño ligero, lo que la hace ideal para ser tocada por expertos. Cuenta con 43 notas y un calibre medio-grande que se combinan para proyectar un excelente sonido rico y cálido.

Además, la Stradivarius de Bach, incluye una boquilla inversa de 25LR, incluyendo válvulas de Monel, las cuales también contribuyen a la proyección de sonido superior y a la potencia del tono que proporciona el instrumento. En general, la acción es magnífica e increíble, tan fácil de manejar que se puede golpear un doble C. El acabado del diseño en plata es impresionante, y con una Bach Stradivarius 43 en las manos, puedes ir a cualquier lugar como profesional.

3) Getzen 900S Eterna Bb Trumpet:

Con un cuerpo de campana de latón amarillo, la Getzen 900S Eterna, es una opción elegante con características de alta calidad que se adapta a las necesidades de juego y la carrera del trompetista profesional de la serie. La trompeta tiene un diámetro interior de 460 pulgadas, lo que significa que es capaz de mostrar tonos más grandes y oscuros, además, posee características de soplido libre y la entonación es simplemente genial.

Diseñada como una llave de Sib, esta trompeta tiene una boquilla de níquel plateado, que incluye un deslizador interior que ofrece al trompetista la capacidad de controlar tanto el flujo de aire como el nivel de proyección del sonido. Mientras que el primer ajuste de la corredera de la válvula permite la calidad y el control del sonido, el tercer cierre de ajuste de la corredera, mejora la precisión de la entonación.

En general, la Getzen 900S tiene un buen equilibrio y peso. La corredera de sintonía funciona a la perfección y las válvulas son rápidas y suaves. Esta trompeta proporciona una flexibilidad y un estilo perfectos.

4) Jupiter Professional XO Series Bb Trumpet with Reverse Lead:

Hasta ahora, no hemos visto los diseños de trompeta de Júpiter, ¿Que ofrece esta trompeta de Sib Jupiter Professional XO Series?. La trompeta presenta un diseño de calibre medio-grande que mide 459 pulgadas de tamaño. La campana es hecha a mano y mide 4.8 pulgadas mientras que ofrece un diseño de latón rosado.

El tubo de plomo de este instrumento también cuenta con un diseño estándar de latón rosa, y en la parte superior se encuentran los pistones Monel, con una carcasa de válvula de 2 piezas. Todo esto se combina para dar un sonido glorioso y único que se espera que ofrezcan estos instrumentos profesionales. La afinación perfecta está garantizada por los deslizamientos de afinación elíptica y redondeada, mientras que los botones metálicos y las incrustaciones de perlas proporcionan una sensación cómoda y fácil de tocar. Con tantas otras características, una vez que hayas tocado este instrumento, sabrás que es lo que has estado buscando.

El brazo de esta trompeta tiene mucho núcleo y es muy sensible. Se ilumina cuando lo empujas y puede ser suave y agradable si quieres que lo sea. Las válvulas son silenciosas y suaves. La entonación y el sonido general son bastante impecables.

5) Getzen 590S-S Trumpet-Standard Chrome:

La siguiente trompeta en nuestra lista es la Getzen 590S-S Trumpet, de la marca Getzen, en esta oportunidad la marca regresa con otra trompeta de nivel profesional de calidad, y ésta tiene funciones similares a las de su versión hermana, la Getzen 900S.

Diseñada por Capri, la Getzen 590S-S Trumpet es el tipo de trompeta que se construye para satisfacer las necesidades de los grandes instrumentistas de la próxima generación. Esta trompeta se caracteriza por su fácil manejo y su diseño clásico de calidad que la convierte en un instrumento excepcional para tocar. Por ejemplo, el tamaño del agujero de esta trompeta es de 460 pulgadas, lo que implica que la calidad de sonido de este instrumento será excelente, cálida y rica, especialmente con el acabado cromado. Además de ser muy asequible y fiable, esta línea de instrumentos Capri cuenta con una boquilla de 7C de una construcción sólida de níquel y plata lapeada a mano, otra fuente de sonido y tono cálido, rico y más brillante.

La primera y la tercera función de control deslizante ajustable certifican aún más la fiabilidad de este impresionante producto. Y con una garantía de por vida, el cielo es el límite para que los jugadores profesionales prosperen mientras tocan.

6) Yamaha YTR-8310Z Bobby Shew Custom Series Bb Trumpet Lacquer:

Como continuación de la serie YTR, Yamaha lleva a este instrumento a la vanguardia de la trompeta profesional. Y con características únicas como sus versiones hermanas, este instrumento tiene un diseño de campana sobresaliente: una campana de una sola pieza soldada con láser y martillada.

El tubo de plomo de la Yamaha YTR-8310Z Bobby, tiene una construcción de latón dorado de una sola pieza que ofrece una excelente respuesta, entonación y una resistencia fiable al aire. La diapositiva de afinación de gran calibre y la gran bengala de campana permiten que esta trompeta, que tiene un calibre medio, produzca un sonido extremadamente grande sin hacer mucho esfuerzo. Este modelo también cuenta con pistones Monel que mejoran la suavidad de la acción, mantienen un ajuste preciso y son altamente resistentes a la corrosión. Por lo general, hacen que el instrumento dure muchos años. En general, esta trompeta es buena y el sonido es excelente. Tiene la capacidad de aumentar el alcance del trompetista al mismo tiempo que hace que sus notas suenen más claras y fáciles de tocar.

7) Allora AATR-125 Series Classic Bb trumpet AATR125 Silver:

Diseñada para el estudiante de perfeccionamiento que se está convirtiendo en un profesional, esta trompeta viene con una campana cónica de tamaño mediano y un diámetro de 460 pulgadas que puede adaptarse adecuadamente a cualquier tipo de música, desde jazz hasta conciertos. A todos los músicos de nivel profesional se les ofrece la posibilidad de adquirir algo que tenga la mejor calidad y un precio asequible.

La trompeta Allora AATR-125 Series Classic Sib, también cuenta con un control de primera válvula para facilitar la afinación del sonido y la respuesta, mientras que la tercera válvula cuenta con un anillo de dedo fijo que incluye un deslizador central de afinación de doble abrazadera que define lo mejor de la entonación. El instrumento viene con una boquilla y un estuche duradero con acabado en plata. En general, el plateado es impecable, un instrumento bien equilibrado que ofrece una buena sensación tanto como parece. Esta trompeta es capaz de realizar cualquier cosa que otros modelos sobrevaluados no podrían hacer.

8) Cecilio 4Series TT-480 Intermediate/Advanced Double Braced Bb Trumpet:

Este es uno de los paquetes de trompeta más completos y sólidos del mercado. La marca Cecilio es famosa por su enfoque práctico para proporcionar el mejor y más fiable instrumento del mercado. Este modelo tiene un diseño robusto, muy asequible y la calidad de sonido es excelente.

La Cecilio 4 Series TT-480, es una hermosa trompeta que toca un sonido fabuloso y una entonación impresionante. El instrumento presenta un orificio de tamaño medio-grande, con un diseño de doble abrazadera. El tubo de plomo del instrumento presenta una construcción de latón rosado, incluyendo la campana, que se combinan para producir un tono claro y un sonido pleno y cálido. Para que el reproductor logre un sonido de respuesta total, la Cecilio Serie 4 TT-480 está equipada con pistones de Monel, mientras que el bloqueo de la tercera diapositiva, totalmente ajustable, proporciona una entonación precisa.

Por último, esta trompeta Cecilio Serie 4 TT-480 de Sib Intermedia/Avanzada de Doble Arriostramiento viene con una carcasa de válvula de 2 piezas que garantiza la mejor y más pura acción del pistón que es posible lograr. El modelo viene con un estuche, una correa de mochila, bolsillo con cremallera, paño para pulir y un par de guantes blancos.

Conclusión:

Acabamos de conocer un poco más sobre la trompeta, un instrumento maravilloso y lleno de talento, esta es un instrumento musical de viento-metal que suena gracias a la vibración de los labios contra una boquilla. Conocimos su origen, hablamos de manera detallada sobre cada una de sus partes y vimos de manera completa todas sus características.
Y por supuesto conocimos las mejores siete trompetas disponibles en el mercado.

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Trompeta: Que es, Origen, Tipos, Partes, Características Y Marcas

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En el siguiente post hablaremos sobre la trompeta, instrumento de viento-metal, conoceremos sus partes, características, tipos, y mas. Sigue leyendo...

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El trombón es un instrumento musical aerófono perteneciente a la familia de viento-metal que suena por vibración labial contra una boquilla de copa. Tiene una corredera extensible que puede aumentar la longitud de la tubería del instrumento. De este modo, la corredera realiza la función de las válvulas en otros instrumentos de latón.

El nombre trombón proviene del italiano y significa trompeta grande. Es muy similar a una trompeta, excepto que la persona que lo toca empuja y tira de la diapositiva para cambiar la longitud del tubo, produciendo así las notas musicales. Junto con las vibraciones de los labios del músico, el trombón puede tocar una amplia gama de notas. Suena más profundo que una trompeta y es uno de los instrumentos pertenecientes a la clave de fa.

La música para este instrumento se escribe normalmente en la clave de fa, pero algunas partes altas se pueden escribir en clave de tenor. A la persona que toca el trombón se le llama trombonista. Algunos trombones tienen una válvula que aumenta la gama de notas disponibles. Los trombones casi siempre están hechos de latón pero también pueden estar hechos de plástico.

Origen y evolución del Trombón:

El trombón que conocemos hoy, fue inventado a fines del siglo XV, por fabricantes de instrumentos flamencos enBorgoña, una región de la Francia moderna, su creación fue realizada cuando se buscaba una mejora de la trompeta de varas de ese tiempo.

Es importante resaltar que el antecesor más antiguo del trombón es la Buccina romana que con la evolución del trombón fue perdiendo importancia. Y hasta aproximadamente 1700 era conocido con el nombre de (sackbut). Como una trompeta, tiene un agujero cilíndrico ensanchado hasta la campana. Su boquilla es más grande, sin embargo, adecuada para su registro musical más profundo, y es parabólica en sección transversal, como una corneta.

El cuerpo está compuesto por dos tubos interiores paralelos y fijos, engrosados en sus extremos inferiores, y dos tubos exteriores móviles. Los dos juegos de tubos son telescópicos hacia adentro y hacia afuera por medio de una varilla cruzada manipulada por la mano derecha del jugador. La otra mitad del trombón, la campana, pasa por encima del hombro izquierdo del instrumentista, contrarrestando el peso del tobogán. Su curva suele incorporar un tobogán de afinación.

Los primeros trombones:

La moda de mediados del siglo XX de los primeros trombones como instrumentos virtuosos en la música de baile se asocia principalmente con un instrumento tenor de mediano y gran calibre, pero la mayoría de las grandes orquestas de danza y jazz incluyen un trombón bajo en la sección. Los trombones del siglo XVI se diferencian de los modelos del siglo XX por sus pequeñas pero estrechas campanas y sus detalles artesanales.

Fueron ampliamente utilizados en música polifónica (muchas voces) y fueron construidos en tamaños alto, tenor y bajo, siendo la parte de los agudos suministrada por la corneta, un instrumento de madera, vibrado por los labios y con orificios para los dedos. El viejo arreglo sobrevive en el trío de trombones de orquestación clásica, cuyas partes están escritas en las viejas claves vocales de contralto, tenor y bajo. En las bandas de metal el trombón tenor está escrito en la clave de sol para que suene una octava más baja.

Su vínculo religioso:

Los trombones se utilizaban en una gran variedad de situaciones, incluyendo las cortes de aristócratas, iglesias y bandas militares. Sin embargo, a partir del siglo XVIII, el instrumento se utilizó muy poco en la música secular. En cambio, se usaba mucho más a menudo en situaciones religiosas como en la iglesia. Los trombones tienen un alcance similar al de la voz humana y son capaces de producir armonías impresionantes durante los conciertos, por lo que empezaron a ser tratados como "instrumentos divinos". Por lo tanto, se dice que los compositores se han abstenido de utilizar trombones en la música fuera de las misas, los oratorios u otra música religiosa.

El trombón y la salsa:

Desde ese momento hasta la actualidad los trombones han sido protagonistas en muchos géneros musicales contemporáneos como el jazz, bing band, la salsa, etc. Pero hablemos de el papel que juega este en este género musical latinoamericano, "la salsa".

Sin ninguna duda este instrumento llega a la salsa para marcar un antes y un después en ella. Este se introduce en la salsa a finales del siglo XX en cuba, cuando los intérpretes de la salsa lo introducen buscando darle más grosor y consistencia a la melodía de su género, y desde allí el trombón ha sido "protagonista" en este género caribeño.

Tipos de Trombones:

Los seis tipos más comunes de trombones son, el soprano, el (también conocido como tenor en do o accesorio en do) y los trombones altos. Los trombones tenores, los trombones bajos , los trombones contrabajos y los trombones de Buccin, los cuales son los tipos de trombón menos comunes.

Los sopranos:

El pequeño trombón soprano se parece mucho a su nombre alternativo, la trompeta de diapositivas. Es de origen alemán y a veces se utiliza en escenarios de jazz. Es menos común hoy en día, con sus funciones musicales a menudo interpretadas por instrumentos de viento de madera o por la trompeta.

Son los trombones comunes más pequeños, que comienzan en el siglo XVI hasta el XVIII como la voz más alta en la sección de trombones. Lanzado en Mi bemol (cuarto más alto) que el trombón tenor estándar, este instrumento ha revivido recientemente, especialmente en el sector de la educación. Este tipo de instrumento es cada vez más popular debido a que es más corto y ligero que el trombón tenor normal, ya que permite que los niños más pequeños tomen el trombón.

Hoy en día, Los trombones altos se encuentran principalmente en escenarios orquestales y se utiliza a menudo para solistas. Aunque el tono es más alto que el del trombón tenor, gran parte de su alcance puede ser cubierto por el instrumento tenor.

Los tenores:

Los tenores son los más sencillos, sin tubos dentro de la sección principal. El trombón do-tenor, tiene un tubo extra dentro del brazo principal. Es un trombón recto hasta que este tubo se activa con un gatillo. Esto hace que la trompa sea más larga, cambiando su afinación de si bemol a Fa.

Estos son más grande que el trombón tenor con el accesorio de la válvula. Tiene la campana más grande de la familia de trombones comunes que va desde 9,5 pulgadas de diámetro hasta 11. También presenta el mayor diámetro interior de los trombones comunes. Los trombones de bajo pueden variar en el número de válvulas conectadas a ellos.

Algunos trombones bajos todavía sólo tienen la válvula 1 como el trombón tenor o ahora se encuentran más comúnmente con el 2. El instrumento en sí es más grande para ayudar a la proyección y lo fuerte que se puede tocar, especialmente cuando se toca bajo. Hay algunas razones por las que la gente toca un trombón de bajo de una sola válvula con el peso de dos válvulas siendo la principal.

Los contrabajos:

Los trombones de contrabajo tienen los sonidos más bajos de todos los trombones que se usan hoy en día. A menudo tienen diapositivas dobles en lugar de las normales, lo que significa que la diapositiva se envuelve dos veces en lugar de una, como ocurre con los trombones tenor.

Los trombones de contrabajo suelen estar en la tonalidad de Do o en la tonalidad de Si bemol. Están afinados una octava por debajo del trombón tenor y pueden venir con o sin válvulas. Además, algunos también tienen una doble corredera para que las posiciones de la corredera sean las mismas que las del trombón tenor.

Trombón Cimbasso:

Con un sonido cálido que puede ir de brillante a suave, el trombón cimbasso tiene de tres a seis válvulas, ya sea de pistón o rotativo, y por lo general está inclinado en Mi bemol , Do o Si. Su rango es el mismo que el de una tuba o un trombón de contrabajo. No siempre se encuentra en bandas u orquestas regulares, pero se ha utilizado en varias óperas, desde Aída hasta Oberto. También se escucha a menudo en las bandas sonoras de las principales películas.

En los primeros años, el trombón cimbasso estaba erguido y tenía un agujero más estrecho que ahora. Excepto por una campana de latón. Sigue siendo un instrumento de forma cónica y se puede encontrar en algunas bandas de lengüeta y bandas de militares. También tiene un alcance muy bajo y un sonido muy similar al del trombón de contrabajo. El trombón cimbasso original fue desarrollado por los compositores Verdi y Pelitti, en parte porque no pudieron encontrar un trombón que tuviera un sonido que quisieran usar en sus composiciones.

Los trombones Buccin:

Los trombones de buccin son trombones visualmente distintivos popularizado en bandas militares en Francia entre 1810 y 1845 que posteriormente se desvaneció en el olvido. No debe confundirse con otro instrumento del mismo nombre, revivido en Francia en 1791 y modelado a partir de la antigua buccina romana que sólo podía entregar cuatro notas distintas. "Una forma de trombón con una campana que termina en una cabeza de serpiente o de dragón estilizada, a menudo con una lengua de metal que sobresale".

Trombones de válvula:

El trombón de válvula viene en muchos tamaños, aunque el tenor es el más común. En muchas partes de Europa, Sudamérica e India, es más popular que el trombón de deslizamiento. Las válvulas le permiten tocar tempos rápidos con más facilidad y precisión que el trombón de deslizamiento.

Características de un trombón:

Este es un instrumento que pertenece a familia viento-metal.

Está hecho particularmente de metal con algunos de sus componente en latón y plásticos.

El del instrumento del trombón puede llegar a presentar una longitud de hasta 6.50 metros de largo.

Los sonido que produce el trombón se producen por medio de vibraciones.

Su altura sonora puede llegar a medir hasta dos octavas y media.

Posee la capacidad de reproducir sonidos penetrantes y potentes al oído del ser humano.

El sonido de este instrumento está relacionado con la majestuosidad o solemnidad.

Se necesita poseer una buena respiración y administración de aire para poder tocar el instrumento.

Partes del trombón y sus funciones:
La campana:
Esta es una de la piezas más esenciales del instrumento ,dado que la campana es el lugar donde las ondas sonoras emergen del trombón, razón por la cual es ampliamente acampanada. Ya que la campana es donde se producen las notas musicales del trombón, también es donde están situadas las sordinas. (Por si no sabes qué son las sordillas), éstas no son más que unos accesorios que reducen el sonido producido por el instrumento en forma considerable haciéndolo un poco más silencioso para el instrumentista.

Se debe tener cuidado de no ponerlo nunca en el suelo o dejarlo equilibrado en el borde de una mesa. La superficie pulida de la campana se raya con bastante facilidad, y un cuerno dejado en el suelo es una receta para el desastre. Con el tiempo, notará que el metal de la campana puede acumular suciedad, polvo y huellas dactilares. Para mantener su instrumento en forma, limpie la campana con un paño sin pelusa después que utilices.

La Boquilla:

La boquilla también (al igual que la campana), es una de las partes más primordiales del trombón. Se trata de un accesorio en forma de copa que se encuentra frente al largo tobogán del instrumento y que se introduce soplado para producir un sonido. Compuesto por un borde, una copa y una garganta, las variaciones en cada una de estas partes pueden alterar el tono del instrumento.

Por esta razón, la mayoría de los trombonistas poseen diferentes tipos de boquillas y descubren que deben experimentar antes de encontrar la boquilla adecuada para ellos. Puesto que la boquilla del trombón es grande y profunda, muchos músicos encuentran que el trombón es uno de los instrumentos de viento más fáciles para producir un tono, incluso como estudiante principiante.

Brazo de la bomba de afinación:

Utilizadas para hacer ajustes de micro-tuning al trombón durante la reproducción, las diapositivas de afinación se encuentra en el talón del trombón. Se pueden cambiar de ubicación, hacia adentro y hacia afuera con una poca cantidad de presión, proporcionando al trombonista los ajustes en la afinación según sea necesario. De forma similar a las corredera de las válvulas, las correderas de ajuste deben lubricarse de vez en cuando con una pequeña cantidad de grasa de deslizamiento.

Debido a que el tobogán está situado detrás de la línea de visión del trombonista, este siempre debe comprobar detrás de ellos antes de levantar el trombón para tocar. Acostúmbrate a mirar ocasionalmente por encima de su hombro cada vez que toques y la práctica para asegurarse de que no hay nada detrás de usted con lo que su trombón pueda chocar accidentalmente.

La llave de desagüe:

Al igual que la tuba, este instrumento también posee esta pieza que puede llegar a sonar muy asqueroso, pero sin embargo el papel de esta es fundamental a la hora de tocar, ya que cuando el instrumentista sopla se van acumulando pequeñas cantidades de saliva en el tobogán principal del trombón. Y allí es donde entra en juego la llave del agua. Esta es una pequeña palanca que está hecha de metal, y se ubica en el tobogán principal del trombón.

La palanca se presiona para abrir un pequeño agujero en la diapositiva que permite que la saliva salga del trombón. En resumen, se puede eliminar la humedad pulsando la tecla y soplando fuertemente en la boquilla del trombón hasta que se haya vaciado la saliva. La llave de desagüe tiene un pequeño disco redondo que sella el agujero cuando la llave de saliva está cerrada.Cuando estés haciendo el mantenimiento y la limpieza de rutina, inspecciona el disco y asegúrate de que esté limpia y bien sellada.

El contrapeso:

Este es un pequeño disco de hockey o dispositivo en forma de barra que se sujeta a la abrazadera situada más atrás del trombonista. Debido a la longitud considerable del trombón, su parte delantera puede llegar a ser pesada y requerir una medida de fuerza para sostenerse consistentemente mientras se toca. De hecho, puede ser incómodo sostener y tocar durante largos períodos a menos que el contrapeso esté sujeto.

Los instrumentistas difieren en sus opiniones sobre si se debe usar o no el contrapeso, ya que algunos ensalzan las virtudes de una experiencia de toque más fácil, mientras que otros dicen que el peso no es necesario. La necesidad puede ser más o menos evidente dependiendo de la edad, marca y tipo de trombón. Sin embargo, en general tiende a enfocar y oscurecer ligeramente el sonido a medida que el instrumento reacciona a la masa adicional que proporciona el contrapeso.

El instrumento tiene secciones cilíndricas y cónicas que transportan las ondas sonoras de la boquilla a la campana. El tubo es generalmente de latón y mediría más de 2 metros si se colocara de punta a punta. Las ondas sonoras se originan en la boquilla, que se coloca en el receptor de la boquilla. La vibración de los labios del jugador y el flujo de aire vibra dentro de la tubería para producir diferentes tonos. Los labios del trombonista (en la boquilla) y los dedos (presionando los pistones de la válvula) trabajan en combinación para tocar cada tono. El tubo termina con una campana ensanchada.

Se pueden utilizar los silencios con una campana de trombón para cambiar el sonido general. Fieles a su nombre, estos dispositivos eliminan en su mayoría el volumen y ciertas frecuencias a medida que las ondas sonoras pasan por encima de ellos, cambiando el timbre del instrumento.

La mayoría de las veces, se mantienen en su lugar sólo con empuñaduras de corcho. La trompa ha sido meticulosamente diseñada para producir el mejor tono y volumen, por lo que incluso un ligero cambio en la forma del metal puede afectar al sonido. Guarde el trombón de forma segura en su funda cuando no esté en sus manos.

Los pistones de las válvulas:

Estos también se mueven de las carcasas, cambiando la longitud de la tubería y produciéndose así el sonido. El trombonista utiliza los dedos para presionar los pistones de la válvula en varios patrones, lo que cambia ligeramente la ruta de aire dentro del trombón para producir un tono diferente.

Cada pistón tiene orificios que lo atraviesan, de modo que a medida que el pistón se desliza hacia abajo dentro de la carcasa, el flujo de aire cambia. Mientras que cada pistón tiene sólo una posición oficial de subida y bajada, algunos músicos han experimentado con la depresión de los pistones sólo en parte para producir diferentes efectos de sonido y notas del instrumento.

En cuanto al cambio de paso, los pistones de las válvulas realizan las mismas tareas que otros instrumentos con válvula. La primera válvula baja el tono un paso, la segunda lo baja medio paso, y la tercera baja el tono 1 paso y medio. Los pistones de las válvulas se pueden limpiar con un paño suave y sin pelusas y se pueden tratar ligeramente con aceite para válvulas para mantenerlos funcionando en su forma óptima.

Asegúrate de inspeccionarlos regularmente para evitar que la arena raye el pistón. Tenga en cuenta que si retira un pistón de la carcasa, es imperativo que vuelva a colocar cada pistón en la carcasa adecuada para que la bocina funcione correctamente. Si el pistón de una válvula se atasca por cualquier razón, llévelo a un técnico experto en instrumentos para que lo arregle. Forzar el pistón de la válvula podría doblarlo o rayarlo.

¿Cómo suena el Trombón?

Personalmente me encantan los trombones, y el protagonismo que cumplen en las bandas musicales como el jazz, la salsa, las bing bans, etc. Pero no todos suenan de la misma manera, sin embargo, generan un sonido casi imperceptible para algunas personas, al escuchar un buen trombonista tocando, se pueden apreciar sus matices de sonido, tan limpios y suaves que enamoraría a cualquiera persona. Su sonido es algo complicado de explicar, es por eso que te recomiendo que veas el siguiente vídeo:

►Vídeo recomendado: Ed Sheeran - Shape of You.

Precio estimado de un Trombón:

El costo de un trombón nuevo,siempre va a depender realmente de la condición, la marca y el tipo del instrumento que estas buscando comprar. En promedio, los precios de un buen trombón pueden variar desde $300 para una versión para estudiantes hasta $9,000 para una marca profesional.

Por ejemplo, los trombones altos pueden venderse por $300 a $4,000 mientras que un trombón tenor de diámetro pequeño puede costar $700 a $3,500 nuevos. Por otro lado, los trombones de calibre mediano o grande pueden venderse al por menor entre 1.500 y 5.500 dólares.

Rango aproximado de precios:

Tenor: $1,400 a $5,000
Alto: $300 a $3,000
Tenor de calibre mediano: $2,000 a $5,000
Bajo: 2.500 a 6.000 dólares
Barroco: $4,000 a $8,000
Tenor de pequeño calibre: $800 a $3,300.
En cuanto a las marcas, hay una gran cantidad de marcas populares en el mercado, incluyendo Holton, Yamaha, Bach, King, entre otros. Aca abajo te muestro el precio en promedio de un trombón nuevo de una de estas marcas:

Allora: $150 a $300 dólares
Amati: $1,000 a $2,000 dólares
Antoine Courtois Paris: $3,000 a $5,000 dólares
Bach: 2.800 a 5.000 dólares
Conectar: $2,000 a $3,500 dólares
Getzen: 2.000 a 4.000 dólares
Holton: 2.500 a 3.500 dólares
Júpiter: 1.000 a 1.800 dólares
Kanstul: $2,200 a $3,900 dólares
Rey: $2,000 a $2,500 dólares
XO: $1,800 a $3,500 dólares.

Donde comprar un trombón:

La pregunta que todos los nuevos aspirantes a instrumentistas se hacen es ¿dónde comprar un trombón de buena calidad?. Aquí la respuesta, lo primero que te recomiendo (si eres un principiante) es que adquieras uno de un valor no tan alto. Hay muchos que vienen a un precio muy razonable pero que poseen una calidad maravillosa y una funcionalidad excelente. Ahora bien, lo mejor que podrías hacer es ubicar una casa de música en tu ciudad o bien, comprarlo por Internet también podría ser una opción.

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Trombón: Definición, Origen, Tipos, Características, Partes Y Más.

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En el siguiente post hablaremos del trombon, su origen, sus y partes, tipos de trombon, sus caracteristicas, marcas y mucho mas. Sigue leyendo...

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La tuba, como todos sabemos, es un gran instrumento. La tuba es el instrumento con el tono mas grave más y profundo en un latón orquestal normal. La palabra "tuba" significa trompa o trompeta en latín. Esta construida a base de latón de tono profundo con válvulas y orificio cónico ancho. Esta al igual que el resto de los instrumentos de metal, requiere que el músico o instrumentista haga sonar una nota poniendo la boquilla a los labios, presionándolos, y soplando aire por el medio para vibrar o "zumbar" de ellos. La tuba tiene válvulas, que producen diferentes notas cuando se presiona. Proporciona las notas de bajo para la sección de vientos en una orquesta y también se toca en bandas de música y jazz.

La palabra tuba originalmente era el nombre de una trompeta romana de construcción recta y era la palabra latina medieval para trompeta. El tema de la tuba, según resulta, es aún más grande. Todo comienza con un instrumento medieval de aspecto peculiar hecho de madera y cuero que fue rediseñada varias veces, primero ganando llaves, un cuerpo de madera o metal enderezado en dos secciones y aún más llaves, una configuración vertical de tubos y válvulas elegantes y enrollados, un diseño circular que se asemeja una vez más a una serpiente, y que finalmente culmina en el gigante de compensación plana de 4 válvulas BB que todos conocemos y amamos hoy.

La primera tuba fue inventada por Edme Guillaume en 1590. Estaba hecha de madera y cuero. La tuba moderna es la creación de Wilhelm Wieprecht y Johann Gottfried Moritz en 1835, la tuba fue creada como una forma de añadir un elemento de graves profundos a los grupos musicales. El diseño del instrumento pasó por varias encarnaciones a medida que los inventores lo rediseñaron para satisfacer las demandas de compositores y orquestas.

Las observaciones de Héctor Berlioz sobre la serpiente y el están bien documentadas y son uniformemente poco elogiosas. Para hacer justicia a estos instrumentos, sin embargo, , que amaba un exuberante paladar tonificado, escribió pasajes de apoyo para la serpiente, y la demanda del fue tal que duró hasta principios del siglo XX.
Las tubas se encuentran en varias afinaciones, más comúnmente en F, E, CC, o BB en la afinación de "brass band". La corneta principal de BB, las tubas tienen aproximadamente 18 pies de largo, mientras que las tubas comunes tienen sólo 16 pies, tubas en E♭ 13 pies, y tubas en F 12 pies de largo sin añadir ninguna rama de válvula.

Se considera que las tubas tienen forma cónica, ya que, a partir de sus agujeros cónicos, su diámetro aumenta constantemente a lo largo de su longitud. Ya en 1829 se mencionan los instrumentos de metal con válvulas para bandas, pero ahora se sabe muy poco sobre ellos. A finales de los años 1835 Wilhelm Wieprecht y Johann Gottfried Moritz de Berlín patentaron comprometidamente la tuba baja en Fa, con cinco válvulas. Los diseños posteriores fueron influenciados considerablemente por el saxofón contrabajo francés.

La influencia militar en el desarrollo de las tubas:

Las modernas tubas militares y de bandas de música son de dos tamaños usados juntos: "el bajo bombardon" y el bajo común, un cuarto más bajo. Cuando estas tubas tienen tres válvulas, sus notas más bajas son, respectivamente, la A por debajo del pentagrama de graves y la E por debajo de éste. El bajo generalmente tiene una cuarta válvula que baja la afinación básica en una cuarta a BB, permitiendo que el instrumento (con el uso de válvulas) produzca la E baja, por debajo de la cual la brújula puede ser continuada hacia abajo en fundamentales (nota más baja producible por una longitud de tubo), E, D, y así sucesivamente. Estos bajos se enrollan verticalmente y se mantienen en posición vertical, inclinados hacia el cuerpo del instrumentista, con la campana apuntando hacia la derecha;

En los Estados Unidos, la campana puede girarse hacia adelante. Los diseños alternativos, también en E y BB pero rodeando el cuerpo, incluyen el bajo circular, o helicón, con la campana apoyada sobre un hombro, y el americano, con una campana extremadamente ancha levantada por encima de la cabeza del músico.

Este es un desarrollo de seis válvulas del saxofón bajo francés. El de la banda militar sirve normalmente como tuba tenor. Las partes de la tuba se escriben en la afinación real, excepto en las bandas de metal, donde la notación transpuesta permite que las partes se lean con la digitación de la corneta. La tuba es el más grande de los instrumentos de bajo metal y es una de las adiciones más recientes a la orquesta sinfónica moderna, que apareció por primera vez a mediados del siglo XIX, cuando reemplazó en gran medida al Figle.

Las tubas orquestales varían de un país a otro. Las tubas más grandes en BB o un tono más arriba, en C, se utilizan en partes de Europa y los Estados Unidos. (Con válvulas rotativas en lugar de válvulas de pistón) en Alemania. Y el tono original de F (un tono mas arriba del bajo E) se prefiere en Gran Bretaña. Todos tienen la cuarta válvula y a menudo una quinta válvula sintonizada a un semitono ancho para facilitar una buena entonación en ciertas digitaciones. Las orquestas francesas utilizan una pequeña tuba en Do que se sitúa una quinta parte por encima de la tuba en Fa.

Las tubas en la orquesta:

La tuba de hoy está hecha de metal lo que le aporta un profundo sonido a las orquestas. Una orquesta clásica suele tener una sola tuba (aunque no es raro tener 2 o 3), que sirve como bajo de la sección de metales, aunque su versatilidad permite que pueda servir como refuerzo para las cuerdas y las maderas, o cada vez más como instrumento solista. Varios conciertos han sido escritos para la tuba por numerosos compositores notables, incluyendo a Ralph Vaughan Williams, Edward Gregson, John Williams, y Bruce Broughton. Las tubas también se utilizan en bandas de viento y de concierto y en bandas de metal de estilo británico; en este último caso se utilizan tanto tubas E como BB y normalmente se denominan bajos.

Una tuba con su tubo envuelto para colocar el instrumento en el regazo del músico se suele llamar tuba o tuba de concierto. Algunos tienen una campana apuntando hacia adelante en lugar de hacia arriba, que a menudo se llaman tubas de grabación debido a su popularidad en los primeros días de la música grabada, ya que su sonido podría dirigirse más fácilmente hacia el instrumento de grabación. Cuando se envuelve para rodear el cuerpo para marchar, se le conoce tradicionalmente como un helicón. El moderno Sousáfono es un helicón con una campana apuntando hacia arriba, y luego curvada para apuntar hacia adelante.

La importancia de la clave de fa:

La música de clave de fa para la tuba suele ser de tono de concierto, por lo que los tubistas deben conocer las digitaciones correctas para su instrumento específico. Sin embargo, las partes tradicionales de la banda de metal para la tuba se encuentran en la clave de sol, generalmente una novena por encima de la nota sonora, para facilitar la intercambiabilidad de los dedos con otros instrumentos de la banda de metal. En consecuencia, la tuba se trata generalmente como un instrumento de transposición cuando se escribe en la clave de sol, pero no en la clave de fa.

Partes de la tuba y su función:

El cuerpo de la tuba está compuesto por seis partes fundamentales como lo son la boquilla, el tubo de plomo, La válvula de escupir, las válvulas, dispositivas de sintonía y la campana.

Esta es la parte más importante del instrumento, así que es algo que deberías poder identificar y conocer fácilmente. Esta a su vez es muy parecida a un cono y permite que el sonido se amplifique a partir del instrumento. Dependiendo del tipo de tuba, la posición de la campana también suele variar, apuntando directamente hacia arriba o hacia adelante.

Dado que es la zona del instrumento por la que sale el sonido, también es la zona de la tuba por la que se colocan las sordillas. Con el tiempo, tu puedes notar que las huellas digitales, el polvo y otros desechos se acumulan en la campana de tu tuba disminuyen en forma considerable la calidad del sonido. Por esta razón, es importante limpiarla con un paño sin pelusas después de cada uso

¿Qué son las sordillas?

Si no estás familiarizado, las sordillas son pequeños dispositivos que hacen que el sonido de la tuba sea más silencioso; es probable que necesites comprar uno en algún momento.

La boquilla:

Para hacer un sonido en la tuba, el instrumentista debe colocar sus labios contra la boquilla y soplar. Para muchos instrumentistas, la boquilla es una de las partes más importante del instrumento, porque allí es el punto de unión entre el instrumentista y la tuba.

Dependiendo del tamaño, de la forma del borde o del tamaño de la copa, puede existir una diferencia muy notoria en el sonido producido por la boquilla. Hay tres partes básicas de la boquilla (caña, copa y aro) y cada una de ellas juega un papel vital en la producción del sonido. Debido a la gran variedad de boquillas (y la variación en los sonidos que producen) no es raro que un tocador de tuba tenga una docena o más en su colección. Pero, al principio, la mayoría de los músicos se quedan con uno o dos.

Tubo de plomo:

El tubo de plomo es el área de la tuba donde se inserta la boquilla. La abertura del tubo de derivación a menudo se refuerza, ya que cualquier desviación de su forma original puede provocar fugas de aire entre el tubo de derivación y el vástago de la boquilla, lo que repercute negativamente en la producción de sonido. Al igual que la campana, es importante mantener la tubería lo más limpia posible, ya que la acumulación de saliva y suciedad puede afectar la calidad del sonido que produce la tuba. Tu profesor debería ser capaz de explicarte cómo limpiar tu tuba.

La válvula de escupir:

Tengo que admitir que esto puede llegar a sonar asqueroso, pero esta pieza es muy importante en el correcto funcionamiento, ya que es muy común que se acumulen pequeñas cantidades de asiento en el tobogán principal de la tuba durante el uso de esta. Aquí es donde entra en juego la llave del agua. La llave de agua es una pequeña palanca que se encuentra en el tobogán principal de la tuba y se utiliza para extraer el agua (o mejor dicho, para extraer la saliva) del instrumento. Simplemente presiona la palanca, sopla bruscamente dentro de la tuba y espera hasta que el agua se haya vaciado.

La llave de agua tiene un pequeño disco redondo que sella el orificio cuando la llave de agua está cerrada, pero no es raro que este disco necesite reparación o reemplazo. Durante el mantenimiento y la limpieza de rutina, asegúrate de inspeccionar el disco y de que esté bien sellado. Si crees que necesita ser reemplazada, lleva tu tuba a un técnico de reparación calificado de inmediato.

Las Válvulas:

Aunque existen una amplia variedad de diseños de válvulas, prácticamente todas las válvulas funcionan de la misma forma, ya que estas son capaces de abrirse o cerrarse para cambiar la longitud de la columna de aire que vibra dentro de la tuba, lo que en última instancia cambia la entonación. Las tubas hechas para principiantes suelen contar con solo tres válvulas, mientras que las diseñadas para instrumentistas experimentados pueden tener entre seis y siete.

Algunas tubas tienen válvulas rotativas mientras que otras tienen pistones - la diferencia entre las dos es la forma en que se usan y mantienen. Las válvulas de pistón deslizan el cilindro verticalmente dentro de la carcasa y requieren lubricación regular, y las válvulas rotativas giran. Aunque las válvulas rotativas tienen un diseño más complejo, en realidad son la opción más popular y requieren mucho menos mantenimiento en general.

Diapositivas de sintonía:

Cada instrumento de metal, incluida la tuba, tiene una serie de diapositivas que se utilizan para pequeños ajustes de la longitud de la columna de aire que, a su vez, afectan al sonido. Al igual que las válvulas, la corredera de sintonía debe lubricarse de vez en cuando con una pequeña cantidad de grasa de deslizamiento. Algunos expertos recomiendan engrasar los portaobjetos de la tuba aproximadamente una vez al mes, pero el horario recomendado puede variar dependiendo de la frecuencia con la que se utilice. Si los portaobjetos no están bien engrasados y se atascan, generalmente se requiere una costosa reparación y un baño de ácido para que vuelvan a moverse.

Tipos de tubas:

Las tubas están hechas en diferentes medidas, formas y tamaños. Las tubas más comunes son la tuba vertical, la tuba de marcha (convertible) y el Sousafon. La tuba vertical es la más típica en una banda y en un entorno orquestal. Las tubas de marcha están "cableadas" de forma ligeramente diferente para permitir el movimiento mientras se toca.

Tuba de marcha:

Existen numerosos tipos de tubas, y las fabricadas específicamente para marchar suelen tener un tubo de plomo que se atornilla manualmente justo al lado de las válvulas. El instrumento se apoya en el hombro izquierdo, aunque algunos pueden encajar en el derecho, y la campana mira directamente al frente del músico. Las tubas de marcha se utilizan sólo para marchar y normalmente no se pueden convertir en una tuba de concierto.

La mayoría de las tubas son tubas verticales, porque sus campanas están orientadas hacia afuera del instrumentista y porque se colocan en el regazo del mismo. Incluso las tubas más pesadas, que pueden pesar más de 25 kilos, se colocan fácilmente en el regazo del jugador, y su diseño vertical las hace fáciles de llevar incluso en el campo de toque. Debido a que las teclas están orientadas hacia afuera, son fáciles de presionar mientras se toca, haciendo de la tuba vertical un instrumento fácil de llevar y muy fácil de maniobrar.

A veces llamado sólo un barítono, el cuerno del barítono es bajo en tono. Tiene válvulas de pistón y un diámetro mayoritariamente cónico, similar a la trompa de contralto y al Fliscorno Su boquilla tiene forma de copa y un borde ancho, al igual que el eufonio y el trombón. Además, el cuerno de barítono se considera un instrumento de transposición y otro de no transposición. La tuba de barítono tiene esencialmente la misma longitud de tubo que el trombón, con la única diferencia de que su diseño tiene la forma de una tuba pequeña. Por lo tanto, su alcance es el mismo que el de un trombón, pero su sonido es mucho más suave.

Esta tuba baja suele estar en la tonalidad de Mi bemol o Fa, siendo la tuba de Fa la más común en Europa. Así mismo, ella está afinada en mi Mi bemol suele tocar una octava más alta que la tuba de contrabajo cuando se la incluye en una banda de metal, mientras que la tuba F es utilizada por músicos profesionales para solos y varios conjuntos. La tuba Mi bemol también es más común en los Estados Unidos, y ambos tipos de tubas bajas pueden complementarse con las tubas CC o BBb siempre que sea necesario.

La mayor parte de la música del siglo XIX está escrita para la tuba baja, una versión más pequeña de la tuba estándar, y el instrumento es también la primera tuba que se utiliza. La mayoría de los músicos profesionales de la tuba poseen una tuba de bajo y otra de contrabajo porque la mayoría de las composiciones tienen partes para uno o ambos instrumentos. Dicho esto, la tuba del bajo es cada vez más rara en las bandas de hoy en día, aunque todavía se pueden encontrar en muchas orquestas.

Las tubas de contrabajo son las de tono más bajo de todos los instrumentos de la sección de tuba. En las orquestas, la tuba de CC es la más utilizada. En países como Rusia, Alemania y Austria, las tubas de BBb son las más comunes, y ésta también es una tuba común utilizada en los Estados Unidos en las escuelas y por músicos aficionados.

Las tubas CC tienen una afinación fundamental de 32 Hz, mientras que la tuba BBb es de 29 Hz. Hay por lo menos cinco tipos diferentes de tubas de contrabajo, la mayoría de las cuales están afinadas en BBBb, y suenan una octava completa más baja que la tuba de contrabajo básica de BBb. La mayoría de la música para este instrumento está escrita en clave de fa.

También conocido como bombardino, este es bastante grande, tiene agujeros de forma cónica y toma su nombre de la palabra griega para "bien sonar" o "voz dulce". Es un instrumento de latón que se encuentra principalmente con válvulas de pistón, aunque hay modelos que tienen válvulas rotativas acopladas. Si se toca como un instrumento no transpositor, el eufonio se toca normalmente en clave de fa. También se puede tocar en clave de sol cuando se utiliza como instrumento de transposición. En Gran Bretaña, normalmente se trata como un instrumento de triple clave, mientras que en los Estados Unidos puede ser un instrumento de triple clave o un instrumento de bajo. Hay cuatro tipos diferentes de eufonios:

Eufonio de compensación:

Muy utilizado por los profesionales, el eufonio compensador tiene tres válvulas verticales y una lateral, utilizando un sistema de tres más uno. También tiene tubos adicionales para producir un cierto sonido. No todos los eufonios con cuatro válvulas están compensando, sin embargo, porque sólo los que tienen el tubo adicional en ellos caen dentro de esta categoría.

Eufonio de doble campana:

Estos contienen una segunda campana más pequeña además de la campana principal. Los jugadores podían alternar fácilmente entre las campanas utilizando una pequeña palanca accionada por la mano izquierda. El eufonio de doble campana suena mucho como un trombón y por lo tanto, se cree que se usaban cuando no había un trombón disponible. Se crearon a finales de la década de 1880 y son prácticamente inexistentes en la actualidad, siendo muy poco conocidos por los instrumentista más jóvenes.

Eufonio de cinco válvulas:

De todos los eufonios existentes, estos son los más raros y valiosos. Además de las tres válvulas de pistón principal, también tiene dos válvulas adicionales en su lado. No hay que confundirlos con los eufonios de doble campana que tienen cinco válvulas, como algunos de ellos, porque se tocan de manera diferente y tienen funciones diferentes.

Eufonio de marcha:

Debido a que los instrumentos de metal pueden ser bastante pesados, algunos de ellos -incluido el eufonio- también se fabrican en versiones más pequeñas y ligeras para que sea más fácil caminar con ellos. Hay dos tipos principales de eufonios de marcha, y son lo suficientemente ligeros como para llevarlos cómodamente en el campo de marcha. Uno de estos dos tipos se denomina eufonio convertible y suele ser fabricado por empresas como Yamaha o Júpiter.

El eufonio también se llama tuba tenor, y se toca en si bemol. Cuando se escucha el término "tenor tuba", normalmente se refiere a las tubas con válvula rotativa de Si bemol que se encuentran en la misma octava que los eufonios. También hay una "pequeña tuba suiza en Do", que es una tuba tenor en Do y que tiene seis válvulas para acomodar las notas bajas de una pieza musical.

La tuba de helicón:

La mayoría de las tubas de helicón están en la tonalidad de Si bemol, pero también pueden estar en los tamaños Mi bemol, F y tenor. El sousáfono es en realidad una versión especializada de la tuba de la helicón, y cuando se fabricaron por primera vez tenían una campana vertical, lo que les valió el nombre de "receptor de lluvia". En las versiones posteriores se realizaron dos cambios principales.

Primero, la campana hacia adelante con una bengala más grande y un diámetro de hasta 28 pulgadas; y segundo, un tubo de plomo que tiene una forma de "cuello de ganso" fue añadido. Este último proporciona una mejor regulación de la posición de la boquilla, y tanto las tubas de helicón como los sousáfonos se llevan en el hombro y tienen formas circulares.

El saxhorno:

Desarrollado por Adolphe Sax, el saxhorno tiene agujeros de forma cónica y boquillas profundas y con forma de copa. El sonido del saxofón es suave y se mezcla muy bien con otros instrumentos de viento. También tiene válvulas como muchos otros instrumentos de metal. Los saxhoronos van desde el soprano hasta el contrabajo, y fueron desarrollados usando la corneta como modelo para el resultado final. Abajo hay algunos tipos de saxhorno:

1 .Bb saxhorno soprano -el fliscorno.

2 .Eb saxhorno alto/tenor - el cuerno alto/tenor.

3 .Bb saxhorno barítono - el cuerno del barítono o eufonio.

4 .Los saxhornos de contrabajo en mib, sib y son los mismos que los de la tuba moderna, la tuba de contrabajo en mib y la tuba de contrabajo en mib, respectivamente

La tuba sousafon:

También conocido como sousafono, fue desarrollado en 1893 bajo la dirección del director de orquesta estadounidense John Philip Sousa, fue diseñado para que sea más fácil de tocar que una tuba de concierto normal, ya sea que el músico esté sentado o de pie. También se hizo para llevar su sonido por encima de las cabezas del resto de los miembros de la banda. A diferencia de la tuba, que se lleva delante del reproductor, el sousáfono es circular y se ajusta al cuerpo del reproductor. En la actualidad, se pueden encontrar tanto sousafones de fibra de vidrio como de latón, y se utilizan ampliamente en la mayoría de las bandas de música. Aunque algunas personas confunden el sousáfono con una tuba, es fácil notar la diferencia entre los dos instrumentos una vez que se sabe cómo es cada uno de ellos.

La tuba Subcontrabaja:

Aunque es extremadamente rara, la tuba subcontrabaja, lanzada en Si bemol. Hay cuatro versiones separadas de la tuba subcontrabaja; Dos están en BBBb, una octava por debajo de la tuba de contrabajo de BBb; una tuba lanzada en FFF que se desarrolló a principios del siglo XX y estuvo en la Exposición Mundial de Nueva York en 1913; y una tuba subcontrabaja en EEEb, que se utiliza principalmente en festivales de música cómica. Para la tuba subcontrabaja de la FFF se necesitan dos instrumentistas: uno toca las válvulas y otro sopla en la boquilla.

Hoy en día un profesor de música de la Universidad de Harvard posee una. La tuba se utiliza incluso periódicamente para conciertos. La mayoría de las tubas subcontrabajas fueron originalmente afinadas en Do o Si bemol, y ambas tienen excelentes entonaciones y sonidos. Irónicamente, se recomienda no tocar este instrumento por encima de la nota media de Do, ya que las notas pueden sonar tensas y delgadas. Después de todo, los instrumentos de viento de bajo nivel están destinados a sonar bajo, y si eliges un instrumento de tuba con más de tres válvulas, puedes tocar notas aún más bajas que si tuvieras una tuba con sólo tres válvulas.

La tuba de Wagner:

O como también se conoce, tuba wagneriana se utiliza poco hoy en día, y tiene características tanto del trombón como de la trompa francesa. También pueden ser llamados cuernos de Wagner, tubas de Bayreuth, o simplemente tuben. Muchas de las partituras publicadas de Wagner se refieren a estos instrumentos como Tuben, que es el plural de tuba. La tuba de Wagner suele tener una de dos teclas - F (bajo) y Mib (tenor) - y suelen tener válvulas rotativas. Algunos se combinan, sin embargo, y pueden configurarse en cualquier tecla. Algunos expertos musicales piensan que el nombre "Wagner tuba" no se ajusta al instrumento, ya que en realidad son trompas modificadas y no tubas.

La tuba de Wagner utiliza una boquilla como la boquilla de un cuerno, y puede considerarse un instrumento híbrido porque tiene características tanto de la tuba como de la trompa; de hecho, es tocada por trompetistas tradicionales. Tiene un repertorio limitado, por lo que si un trompetista francés toca la parte de la tuba de Wagner, a veces puede dar lugar a problemas de entonación. Sin embargo, el instrumento tiene un sonido digno y noble, proporcionando una gran adición al sonido de cualquier orquesta o banda.

Características de las tubas

Entre las características más notorias de las tubas tenemos las siguientes:

●La tuba se considera como el bajo de la familia de los metales, y ademas es un instrumento no transponente.

● Es un instrumento de agujero cónico que posee 18 pies de largo cuando la tubería se desenreda.

● La misma utiliza una boquilla en forma de copa, lo que permite la profundidad del sonido.

● El tamaño de la tuba puede variar más que cualquier otro instrumento de latón.

● La longitud de la campana varía de 14 a 20 pulgadas de diámetro y el grosor del agujero de la campana oscila entre 0,630 y 0,850 pulgadas de diámetro, el agujero más grande creará un sonido más oscuro, más lleno.

● Lo que muchos consideran, especialmente para principiantes y personas más pequeñas en general es de gran tamaño del instrumento, sin embargo, no es necesario ser una persona grande para tocarla.

● Está construida para responder y refinar y su construcción está hecha principalmente de latón fundido.

● Más fácil de tocar con las teclas afinadas en Mi bemol.

● Populares en las bandas de música europeas, también se utiliza en tipos de interpretación de cámara o en solitario.

¿Pueden las personas mas pequeñas tocar la tuba?

Es posible que hayas escuchado que la tuba no es adecuada para personas más pequeñas o con una capacidad pulmonar menos robusta. Sin embargo, esto no es necesariamente cierto. Sin duda, la tuba requiere más capacidad pulmonar que un clarinete o una trompeta, pero palidece en comparación con la flauta. Hay mujeres de baja estatura física que son tubistas profesionales. Se recomienda que cualquier persona con capacidad pulmonar normal lo intente.

La capacidad pulmonar se puede aumentar a través de la respiración profunda. No se puede negar que tener una mayor capacidad pulmonar es una ventaja para tocar tubas más grandes. Dedicar algo de tiempo al entrenamiento diario puede ayudar a aumentar su capacidad pulmonar.

El enfoque ideal sería adoptar un hábito de ejercicio como la natación o el jogging. Si esto no es factible, puede intentar practicar la respiración profunda llamada "respiración abdominal". Si tu practicas la respiración usando sus músculos abdominales para exhalar completamente hacia la parte inferior de tu abdomen, aumentarás tu capacidad pulmonar al mismo tiempo que aumenta el control de tu respiración.

¿Como se toca la tuba?

La tuba (al igual que el resto de los instrumentos de viento), es un instrumento que requiere de mucha constancia. Y el camino de aprendizaje puede llegar a ser largo y un poco difícil gracias a la estructura física del instrumento y su peso. Pero como siempre digo en cada uno de mis artículos.. "Lo único imposible es aquello que no se intenta", y con mucha constancia y dedicación nada es imposible, pero a continuación te brindaremos los mejores consejos que te pueden ser de mucha ayuda en el aprendizaje de este instrumento.

Primeramente asegúrate de que la tuba que hayas escogido se ajuste a tu cuerpo

Esto es primordial, ya que para poder interpretar este instrumento tienes que dominarlo y para dominarlo primero tienes que conocerlo muy a fondo.

Existen una amplia gama de diferencias boquillas , así que debes asegurarte de encontrar la que mejor se adapte a ti y a tus necesidades. La mayoría de las veces, las buenas boquillas suelen estar echas hechas de fibra de vidrio o metal compuesto. Recuerda que una buena boquilla es la clave fundamental de la calidad de sonido que te pueda brindar la tuba.

Si compras una tuba usada, o alquilas una, asegúrate de tener su propia boquilla nueva. Una boquilla de buena calidad es importante para desarrollar la técnica adecuada de zumbido y soporte respiratorio.
Una boquilla que este construida a base de fibra de vidrio a veces suele ser utilizada como una buena alternativa,ya que la temperatura no afecta en nada su entonación tanto como suele pasar con las boquillas de metal. Las que están hechas de fibra de vidrio pueden funcionar mucho mejor y a la vez son más económicas, pero debes tener en cuenta que perderás algo de calidad en cuanto al sonido y a cuadros armónicos.

Busca una silla apropiada

Las tubas generalmente no se tocan de pie, a menos que usted esté tocando un sousáfono, el cual está diseñado para ser usado en una banda de marcha. Para que comiences a practicar, vas a necesitar una buena silla, la cual te brinde una postura correcta y el equilibrio suficiente para fortalecer tus habilidades las cuales

mantendrán tus notas puras. Busca una silla básica con respaldo duro, sin apoyabrazos o un taburete también puede funcionar, pero recuerda que también debes estar cómodo. Lo que te recomiendo es evitar a toda costa practicar en el sofá, en un sillón que recline, o en otras condiciones que no sean de pie. Ya que si lo intentas hacer así, probablemente no conseguirás el apoyo respiratorio necesario para ejecutar el instrumento correctamente, y a la vez crearás malos hábitos en tu rutina de práctica.

Siéntate en el borde de tu asiento y relájate

La espalda debe estar recta, y la cabeza debe estar levantada cómodamente, de modo que mire hacia adelante al conductor, si lo hay, o hacia adelante si está jugando solo. La espalda no debe tocar el respaldo de la silla, los pies planos sobre el piso.

Descansa el instrumento sobre tu regazo

Dependiendo de su altura, puede ser apropiado apoyarla en la silla, entre las piernas o sostenla en tu regazo suavemente en la parte superior de los muslos. Si se trata de una tuba de tamaño completo, es posible que necesites obtener un soporte para colocarla.

Es muy importante que la coloques de una manera tal, en la que no tengas que agacharte para alcanzar la boquilla. Trae el cuerno hacia ti, no lo dobles. Cuando intentes llenar el cuerno con aire, notarás una gran diferencia.

Utiliza la posición correcta de la mano

Con tu mano derecha, inclina la tuba ligeramente hacia la izquierda, usando tu mano izquierda para apoyar la inclinación. Posiciona tu mano derecha sobre las válvulas, bien sea en la parte mas ancha de la almohadilla o con la punta de los dedos en el centro de las válvulas de la tuba.

Respira desde el diafragma

Recuerda, como este es un instrumento muy grande, tu aire necesita ser abundante y rápido para obtener el sonido de la bocina. Respira profundamente dentro de tu diafragma, no en lo alto de su garganta. Ese aire tiene un largo camino por recorrer, así que empiece desde un lugar de poder.

A excepción, que estés tocando un Sousafon en una banda, el objetivo no es soltar todo el aire a través de la bocina de una sola vez, sino que debes mantener tu diafragma burlado para tratar de administrar el aire lo mayor posible. Tensa los músculos de tu abdomen mientras tocas y mientras soplas.

Coloca tus labios en la boquilla tus labios

Mientras soplas, cierra los labios hasta que vibren en la boquilla. Sigue soplando y vibrando tus labios para que el sonido salga de la tuba. Como esta echa de un latón grande, trata de soplar con mucha fuerza en la boquilla. Una vez que hayas calculado el tiempo de las notas, comienza practicando con sonidos vocales para llevar el tiempo musical, diciendo "ta" o "da" en la boquilla, dependiendo de cómo quieras articular la nota musical.

Presione las válvulas correctamente:

Una vez que hayas comenzado a sentir el registro del instrumento, comienza a experimentar con las distintas digitaciones. Presiona las teclas musicales y práctica haciéndolo a un tiempo determinado con las notas que toques. Ya sea que estés aprendiendo con un libro o recibiendo lecciones por parte de un profesor, comienza a practicar la digitación completa de las teclas musicales y a tocar las notas claras con las válvulas ya presionadas.

Busca una buena escuela

Hoy en día existen una gran cantidad de formas de aprender a tocar un instrumento, mas en Internet, pero sin embargo el mejor consejo que te prodria dar, es que busque una buena escuela o academia de música, en donde hayan algunos buenos catedráticos de este instrumento, con la ayuda de un buen profesor aprenderás mucho mas rápido.

¿Como se afina la tuba?

Las tubas están disponibles en cinco afinaciones diferentes, incluyendo la doble si bemol, la doble do bemol, la mi bemol, la fa y la corneta de contrabajo con la doble sol.
Entonces, de acuerdo con tu tipo de tuba, afinarla, es crucial para poder explotar de una excelente manera todo su potencial, porque simplemente no podemos tocar con un instrumento desafinado. Es por eso que para asegurar que tu trompa esté siempre preparada para una excelente interpretación la afinación es crucial.

La mayoría de los deslizamientos de afinación de una tuba se deben a las válvulas. Aunque muchas tubas tienen tendencias diferentes, la regla general se aplica de manera similar a la mayoría de los instrumentos de metal. Cuando un instrumento de latón está afinado de manera distinta, y se desafinan cuando la manguera se alarga tirando de ella hacia afuera.

Esto reducirá la inclinación general. Por el contrario, si la tuba es plana, se ajusta, se empuja y se acorta la cantidad de tubos de la bocina. Aunque estos son esquemas generales, es importante que aprendas las tendencias y hábitos de tu tuba, en todos los registros del instrumento. Ahora sigue estos consejos para afinar tu instrumento(con ayuda de un afinador de bolsillo).

1. Sintoniza la diapositiva principal del concierto en Si bemol.

2. Después sintoniza la corredera de la 2ª válvula con el concierto A según el sintonizador.

3. Sintoniza 1ª válvula para concierto Ab.

4. Comprueba la sintonía de G (1 y 2), si G es aguda, ajuste primero la válvula, luego vuelva a comprobar su Ab. Puede que tengas que conformarte con que Ab sea un poco plano y G un poco afilado.

5. Sintoniza la tercera corredera de la válvula. Sintoniza Gb para estar en sintonía ajustando el deslizamiento de la tercera válvula (tocando 2 y 3). Esto se debe a que raramente uso la tercera válvula sola, pero la uso mucho en conjunción con la segunda válvula, así que tienes que afinarla para saber cómo vas a usarla.

¿Cuanto mide una tuba?

No existen medidas exactas para cada tipo de tubas, ya que eso solo depende del el gusto de los fabricantes, los tamaños varían, estos van desde la mas grande como la tuba en si bemol que mide 5.5 m. sin doblar. (Ya que este el instrumento más grande de la familia viento-metal. Y pesa tanto que se han ideado varias maneras de colocarla en los hombros del instrumentista.)
Hasta la mas chica como latuba sousafon que sin doblar mide aproximadamente 1. 5o m.

Mejores boquillas para tubas:

1) Boquill a Estándar para Tuba 120 Conn-Selmer, 120S :

Esta es una boquilla estándar que es excelente para principiantes e instrumentistas experimentados que quieren tener un mejor manejo al tocar. El precio es un poco alto, teniendo en cuenta que se puede encontrar una gran variedad de boquillas a precios mucho menores, pero la calidad es excelente. Chapada en plata, esta boquilla proporciona un excelente volumen y un tono excepcional.

2) Boquill a plateada para tuba Bach 7 33.25mm:

Las piezas musicales hechas por la marca Bach nunca decepcionan, así que si quieres una boquilla de tuba en la que confiar cada vez que quieres tocar el instrumento, esta es una opción que vale la pena considerar. El ancho medio de esta boquilla la hace adecuada para cualquier tipo de estilo musical que puedas estar tocando.

Si estás buscando una boquilla de metal asequible, entonces esta es la adecuada. Pero debido a que el precio no siempre es el reflejo más exacto de la calidad, el bajo precio de este producto no significa que no sea confiable. De hecho, para la fabricación del producto se utiliza latón de gran calibre, lo que significa que es lo suficientemente resistente como para soportar un uso repetido. Está, por supuesto, chapado en plata, para un uso seguro y un fácil mantenimiento. El borde semiplano favorece un buen agarre, mientras que la generosa copa proporciona sonidos redondos y llenos.

4) Boquill a para Tuba Perantucci Pt50:

Esta boquilla está disponible en opciones de plateado y dorado, la boquilla de Perantucci está fabricada teniendo muy en cuenta la calidad. Fabricado con equipos de primera calidad y de manera profesional, es menos probable que una boquilla de este tipo decepcione a un instrumentista. En otras palabras, la boquilla está muy bien equilibrada, tiene la forma del embudo y la profundidad hecha con moderación. Esto la hace versátil y capaz de producir una amplia gama de tonos y notas. No importa qué canciones necesites interpretar, esta boquilla te ayudará a dar lo mejor de ti.

5) Boquill a para Tuba 18, Silver Plateada:

Cuando uno no está seguro de qué boquilla conseguir para su actuación, una de tamaño medio puede ser la mejor opción. Una boquilla mediana como ésta, fabricada por la marca Bach, te va a permitir producir sonidos que no son ni demasiado altos ni demasiado bajos. El timbre es excelente y hará que tocar la tuba sea un proceso fácil. Recubierta con plata, esta boquilla mantiene alejados a los gérmenes, aunque puede necesitar algo de atención y pulido con un paño especial de vez en cuando, para mantener su apariencia.

Algunos de los más famosos y experimentados músicos dejaron su huella en el modelo de esta boquilla, asegurándose de que sus características son exactamente las que busca un músico. Pero, a pesar de este aspecto, esta boquilla tiene un precio más que accesible, por lo que cualquiera podrá permitírselo. Blessing es una marca muy conocida en lo que se refiere a instrumentos de metal, lo que debería darle la seguridad de comprar un producto fiable. Una parte de estos productos se fabrican en Florida, EE.UU., Mientras que algunos de ellos se fabrican en Alemania, en el viejo continente, ambos estuches con boquillas de tuba de alta calidad.

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Tuba | Que es, Origen, Tipos, Partes, Características Y Más.

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En el siguiente post hablaremos sabre la tuba, su origen, sus y partes, tipos de tuba, sus características, y mucho mas. Sigue leyendo

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Un timbal o tímpano (en plural italiano: timpani) es un instrumento musical membranófono de sonoridad grave, que puede producir golpes secos o resonantes. Se le utiliza golpeando los parches con un palillo o baqueta especial llamada "baqueta de timbal". Está formado principalmente con un caldero de cobre, cubierto por una membrana.

La palabra "timbal" proviene de un cruce entre raíces latinas y árabes:​

Por un lado, "tímpano",​ que proviene del latín basado en la raíz griega τύμπω ( tumpo, 'golpear'​), que produce τύμπανον ( túmpanon).

"[...] Laudate Eum in tympano et choro, laudate Eum in chordis et órgano ('Alabadle con timbales y coro, alabadle con cuerdas y órgano') [...]"

"[...] llevaréys por instrumentos,
por trompetas y atambores
mis verdaderos amores [...]"

Del lado árabe, la raíz at-tabol ('redoblar', 'tocar el tambor'), llevó a atabal​ ('tambor'; en castellano, "atambor"), que por cruce con "tímpano" y pérdida o aféresis de la primera vocal culmina en timbal.

Ilustración del s. XVII de un intérprete militar de kettle drum (a la izquierda), tambor precursor a los timbales.

Distintos modelos de tambores y tamboriles se usaron desde las civilizaciones antiguas, en especial para propósitos ceremoniales y militares.

Durante los siglos siguientes, se hicieron varias mejoras técnicas en los timbales. Originariamente el parche era tensado directamente sobre la caja de resonancia, pero en el , comenzó a utilizarse un aro sobre el que se tensaba el cuero y que se encajaba luego en el cuerpo del instrumento. A principios del la fijación comenzó a realizarse con tornillos, que permitían variar la tensión del parche, convirtiendo al timbal en un instrumento con posibilidades de afinación.

La utilización del timbal como "arma emocional" en batallas y desfiles se mantuvo hasta bien avanzado el . Napoleón Bonaparte organizó sus bandas a la manera otomana, y se dice que el sonido majestuoso de címbalos y timbales de las fanfarrias francesas tuvo no poca influencia en la victoria de Austerlitz.

Jean-Baptiste Lully fue el primer compositor de relevancia que incluyó partes orquestales de timbal para su ópera Teseo en 1675. Pronto lo imitaron otros compositores del siglo XVII . En la música de esta época el timbal agudo se afinaba en la tonalidad de la composición, y el timbal grave en la dominante. Es interesante notar que frecuentemente el timbal es tratado como un instrumento de transposición, con la tonalidad indicada al comienzo de la partitura: por ejemplo Timbal en La-Re.

Luego, ya avanzado el período barroco, Johann Sebastian Bach escribió una cantata secular titulada Tönet, ihr Pauken! Erschallet, Trompeten!​ donde los timbales aparecen en primer plano. La pieza comienza con un solo de timbal y luego coro y timbal recrean la melodía en diferentes combinaciones. Bach usó posteriormente este material en su oratorio de Navidad Jauchzet, frohlocket! ​

Ludwig van Beethoven revolucionó la música de timbal a principios del siglo XIX. No solo escribió para instrumentos afinados en intervalos distintos de cuartas o quintas, sino que le dio la relevancia de una voz independiente sobre la base de Tönet, ihr Pauken! Por ejemplo, su Concierto para Violín de 1806 se inicia con cinco golpes de timbal, y el scherzo de su novena sinfonía (1824) muestra al timbal en un contrapunto con la orquesta.

El siguiente innovador fue Hector Berlioz, primer compositor en indicar las baquetas exactas a utilizar (madera, cobertura de fieltro, etc). En muchas de sus obras, por ejemplo su Sinfonía fantástica (1830), requirió la actuación de varios timbales simultáneos.

Hasta fines del siglo XIX los timbales se afinaron manualmente, es decir, mediante una serie de tornillos denominados "llaves", que alteraban la tensión del parche al ser girados por el intérprete. Dado que esta operación era relativamente lenta, los compositores debían prever un tiempo razonable para que se pudiera cambiar la afinación durante el desarrollo de una obra.

El primer pedal de afinación se diseñó en Dresde en la década de 1870, con lo que los instrumentos resultantes pasaron a ser llamados "timbales de Dresde". Sin embargo, mientras los parches se construyeron en pergamino, la afinación automática resultaba difícil, ya que no podía predecirse la exacta variación de tensión en el material. Esto se podía compensar mediante la afinación manual, pero no con un pedal.

Los mecanismos y materiales continuaron mejorando durante el .

Evolución del tamaño

Ilustración de comienzos del s. XVIII, donde se muestra un intérprete militar de kettle drum.

Al mismo tiempo que fueron modificándose tecnológicamente, los timbales sufrieron diversos cambios de tamaño. En el siglo XVII y comienzos del XVIII, los timbales eran considerablemente más pequeños y menos profundos que los contemporáneos. Esto era debido a la influencia de su uso como instrumentos de caballería, donde, colgados en pares a lomos de los caballos, estaban limitados por las capacidades del animal de carga, por lo que tenían que ser necesariamente más pequeños y ligeros. A principios del barroco, si bien no existía un estándar sobre las medidas correctas del instrumento, un par típico contaba con 18 y 20 pulgadas de diámetro y entre 11 y 15 pulgadas de profundidad. Mersenne escribió en 1616 que los timbales rondaban los dos pies de diámetro.​ Michael Praetorius, en su obra De organographia, proporcionó también por esa época los diámetros de un par de timbales de 17½ y 20½ pulgadas.​ Estos instrumentos, capaces de menos resonancia y volumen sonoro, eran sin embargo adecuados para las agrupaciones musicales de la época, bastante más pequeñas, y en donde los timbaleros eran requeridos para tocar en interiores con unas dinámicas menos fuertes y más articulación. Otras obras más recientes, del siglo XVIII, indican medidas de aproximadamente 22½ y 24 ³/ ₈ pulgadas de diámetro. En el siglo XIX era habitual para los intérpretes transponer la nota más baja una octava alta para así adecuarse al rango natural de los timbales.​

Sony Greer, baterista de Duke Ellington, en 1943, con un set-up que incluía un timbal de orquesta.

Más tarde, otros conjuntos de música instrumental como las bandas de concierto, adoptaron también al timbal. En la década de 1970 muchas de estas bandas comenzaron a incluir al instrumento. Cada intérprete lleva un timbal simple, afinado por llaves de mano. Estos modelos son difíciles e incómodos para tocar, ya que el parche queda en general a la altura del pecho del intérprete. Frecuentemente, durante pasajes difíciles, debe bajarse el instrumento al suelo sobre patas extensibles, para permitir una ejecución convencional. A principios de la década de 1980, la compañía DCI​ desarrolló timbales y otros instrumentos de percusión para permanecer apoyados en forma continua. Este fue el comienzo del fin para las bandas de desfile, generalizándose la introducción de grupos separados y estables para los instrumentos pesados, mientras el resto de la banda ingresa o efectúa una presentación dinámica.

Cuando las bandas de rock and roll comenzaron la búsqueda para diversificar su sonido, los timbales encontraron su camino a los estudios de grabación. A partir de la década de 1960, la percusión para conciertos de alto nivel de grupos como The Beatles, Led Zeppelin, The Beach Boys, y Queen incorporó al instrumento.

Butch Trucks baterista de The Allman Brothers Band utiliza a menudo un conjunto de timbales en sus conciertos en vivo; el timbal se destaca especialmente en la obertura de la canción "Mountain Jam". En el rock progresivo, es famoso el uso que hizo Carl Palmer de dos timbales al comienzo de la Fanfarria para el hombre común,​ recreada por Emerson, Lake & Palmer. El mismo conjunto adaptó así mismo el primer concierto de piano de Ginastera, con la utilización de timbales.

Los músicos de jazz también han experimentado con timbales. Sun Ra los ha usado ocasionalmente en su Arkestra, por ejemplo con el percusionista Jim Herndon en las canciones "Reflection in Blue" y "El Viktor", ambas grabadas en 1957.

En 1964 Elvin Jones incorporó timbales en su conjunto de percusión para interpretar la obra en cuatro partes A Love Supreme, de John Coltrane.

El timbal básico consiste en un parche estirado sobre la abertura superior de una caja de resonancia construida por lo general de cobre, o -en modelos más económicos- de fibra de vidrio o aluminio. En el sistema de clasificación de instrumentos musicales es considerado un membranófono.

La membrana se fija a un aro, que rodea a la caja de boca circular sujetado por otro aro que a su vez se fija mediante una serie de tornillos o llaves llamados "varillas de tensión", ubicados regularmente en el perímetro de la circunferencia. La tensión del parche varía al ajustar o desajustar estas llaves. La mayoría de los timbales tienen de seis a ocho llaves de tensión.

La forma de la caja de resonancia -como un tazón o caldero- contribuye a la calidad del sonido. Los timbales de caja semiesférica producen sonidos más brillantes, mientras que los de forma parabólica dan sonidos más oscuros. Otro factor que afecta al timbre es la calidad de la superficie del tazón. Los construidos en cobre pueden tener una superficie muy lisa, pulida a máquina, o bien presentar un gofrado muy pequeño.

Los timbales se construyen en una variedad de tamaños, desde 84 cm (centímetros) de diámetro, hasta el "timbal pícolo" de 30 cm o menos. Un timbal de 84 cm puede afinar al Do inferior de la clave de Fa, y los pícolos tienen el rango de escritura soprano.

En el ballet La creación del mundo (1923) de Darius Milhaud deben afinar al grave de la clave de fa.

Cada timbal tiene un rango de afinación de hasta una sexta menor con posibilidades de extender su rango medio tono más o incluso hasta una octava.

Cambiar la afinación de un timbal ajustando cada llave de tensión es un proceso laborioso. A fines del siglo XIX se desarrollaron sistemas mecánicos para cambiar la tensión de todo el parche de una vez. Cualquier timbal equipado con tal sistema puede ser llamado "timbal mecánico", si bien el nombre se usa más bien para designar a instrumentos que tienen un control único de afinación conectado a un mecanismo de ajuste en formas de "patas de araña" rodeando el tazón.

Timbal a pedal

Este tipo de timbal es -por mucho- el más utilizado, ya que permite variar la tensión del parche mediante un mecanismo centralizado, y que no requiere el uso de las manos, ocupadas con las baquetas.

Existen tres tipos de mecanismos de pedalera:

El de embrague usa un mecanismo de trinquete para mantener el pedal en su sitio. El intérprete debe primero desembragar el mecanismo para poder mover el pedal de afinación. Cuando se obtiene el tono deseado, debe volverse a embragar el sistema.

El de acción balanceada utiliza un resorte o un cilindro hidráulico para balancear la tensión en el parche de forma que el pedal se mantenga en posición y la membrana se mantenga afinada. En este sistema, el pedal es llamado "flotante", ya que ninguna traba lo mantiene en su lugar.

El de fricción usa una traba que se mueve a lo largo de un eje. Desembragando la traba el pedal se libera del eje, permitiendo moverlo sin restricciones.

Todo timbal a pedal que use el sistema de varillas en forma de "patas de araña" puede ser llamado "timbal de Dresde", si bien ello se usa particularmente para los instrumentos con un mecanismo de pedal idéntico al inventado en esa ciudad alemana. Hablando estrictamente, un timbal de Dresde tiene el pedal fijado al costado del instrumento, y el intérprete puede tener dificultades para moverlo. Un timbal berlinés, en cambio, tiene el pedal fijado por medio de un largo brazo hasta el lado opuesto del timbal, con lo que el intérprete puede usar toda la fuerza de su pierna para moverlo.

Los percusionistas profesionales suelen utilizar sin embargo el timbal de Dresde, generalmente con un pedal de acción balanceada o de fricción. La mayoría de las orquestas y bandas de nivel universitario o inferior, usan instrumentos más económicos y durables, en los que todo el mecanismo móvil está contenido dentro de la estructura que soporta al tazón. El mecanismo del pedal puede ser cualquiera de los enunciados, aunque el de acción balanceada suele ser el más común. Muchos profesionales utilizan también este tipo de timbales para giras o audiciones al aire libre.

Timbal a cadena

En este tipo de timbal, las llaves están conectadas por una cadena muy parecida a la que llevan las bicicletas, si bien algunos fabricantes utilizan otros materiales, incluido un sistema de cables. El mecanismo permite ajustar todas las clavijas al mismo tiempo desde un único comando.

Aunque es mucho menos utilizado que el timbal a pedal, este sistema tiene aplicaciones prácticas. En ocasiones un intérprete tiene que ubicar un timbal entre otros dos, de manera que no puede manejar a todos con su pie. Los intérpretes profesionales pueden llegar a usar timbales de este tipo, sea de tamaños más grandes o más pequeños que los habituales, para lograr notas excepcionalmente graves o agudas.

Otros mecanismos de afinación

Existe un mecanismo que permite afinar el parche rotando el cuerpo del timbal. Un sistema similar se usa en los "rototoms" de Jenco, un fabricante conocido por sus instrumentos de percusión a mazo.

A principios del siglo XX Hans Schnellar, timbalero de la Orquesta Filarmónica de Viena desarrolló un mecanismo de afinación en el que el tazón se mueve respecto de la estructura, dejando aro y parche fijos. Este modelo se conoce como "timbal e Viena" o "timbal de Schnellar", y ha sido producido comercialmente por la fábrica Adams, que desarrolló un instrumento a pedal con este sistema.

Como la mayoría de los instrumentos de percusión, los timbales pueden llevar parches naturales o sintéticos. Los parches naturales son generalmente de piel de novillo o de cabra, mientras que los sintéticos se fabrican en PET.

Los sintéticos son durables, resistentes al agua y más económicos; a pesar de ello, muchos intérpretes profesionales prefieren los parches de piel, porque sienten que producen un sonido más cálido y de mejor calidad.

Los timbaleros usan una amplia variedad de baquetas o mazos, ya que cada uno produce un timbre distinto.

Para golpear el parche se utiliza en pares un tipo especial de baqueta o mazo, en diferentes materiales y modelos, tanto en la varilla como en el cabezal. La varilla se construye por lo general en madera, que puede ser de bambú, abedul, arce, cerezo, pecán o palosanto. También los hay de aluminio o grafito.

El cabezal puede hacerse de varios materiales; el más usual es un bolilla de madera revestida de fieltro o también de corcho o cuero. Ocasionalmente se usan baquetas con cabezal de madera desnuda, por ejemplo para efectos especiales en música barroca.

Si bien no es común indicarlo en la partitura, los intérpretes suelen cambiar de baqueta varias veces incluso durante una misma obra musical. Esta elección es generalmente subjetiva y depende del gusto del timbalero, o -en ocasiones- de las sugerencias del director de orquesta.

Por esta razón los timbaleros coleccionan una gran cantidad de baquetas. El peso del mazo, la forma y tamaño del cabezal y los materiales utilizados, contribuyen a obtener diferentes timbres musicales.

Hasta principios del siglo XX solían utilizarse baquetas de hueso de ballena, con cabezales de madera revestidos en esponja: los compositores de esa época a menudo especificaban cabezales de esponja en pasajes que los intérpretes actuales interpretan como baquetas estándar revestidas en fieltro.

Un conjunto estándar de timbales está constituido por cuatro unidades de diámetro diferente: 32 pulgadas (81 cm), 29 pulgadas (74 cm), 26 pulgadas (66 cm) y 23 pulgadas (58 cm), que permiten alcanzar una tesitura aproximada entre y cubriendo los requerimientos de la mayoría del repertorio.

Sin embargo, Leonard Bernstein para la interpretación de la obertura de Cándida​ requiere un rango tonal algo mayor, que se logra agregando un quinto instrumento de 51 cm (centímetros) de diámetro, denominado "pícolo". Este mismo instrumento es el especificado por Stravinsky para su Consagración de la primavera y el que requiere L'Enfant et les Sortilèges de Ravel.

Según Walter Piston,​ [...] este pequeño timbal, incluso cuando se encuentra disponible en una orquesta, ciertamente no permite alcanzar la sonoridad característica de un timbal de tamaño estándar.

Más allá de este conjunto ampliado de cinco timbales, la adición de otros tamaños resulta excepcional. Muchas orquestas profesionales poseen conjuntos de múltiples timbales de pedal y de cadena, lo que les permite ejecutar música que requiere formaciones especiales.

Varios conjuntos y orquestas escolares que no pueden absorber el costo de un equipamiento regular, utilizan un conjunto reducido de tres instrumentos. Desde la segunda mitad del siglo XX esta disposición se ha vuelto casi estándar, comprendiendo timbales de 75, 66 y 61 cm. La tesitura de este grupo tiene su límite inferior en la nota fa.

El grupo de timbales se dispone en forma de arco o herradura rodeando al timbalero. En Estados Unidos se utilizó tradicionalmente una disposición en la que el timbal mayor se ubica a la izquierda, y el más agudo a la derecha. En Alemania y Austria, en cambio, la disposición solía ser al revés.

A lo largo de su formación los timbaleros se entrenan como percusionistas, y aprenden a tocar todos los instrumentos de la familia junto con los timbales. Sin embargo, cuando un timbalero es nombrado como tal en una orquesta profesional, no interpretará otros instrumentos de percusión. En su libro Anatomía de la orquesta, ​ Norman del Mar escribe que el timbalero es "el rey de su propio territorio", y que "un buen timbalero establece realmente el estándar de calidad de la orquesta completa".

La mayoría de las obras musicales requieren un único timbalero tocando un conjunto de timbales. En algunas ocasiones los compositores necesitan una textura más fina o una paleta mayor de tonos, por lo que deben emplearse varios timbaleros tocando sobre uno o más conjuntos de instrumentos.

Gustav Mahler compuso seis de sus sinfonías para dos timbaleros. Gustav Holst utiliza también dos intérpretes para lograr el rango de tonos necesario para el contrapunto del tema principal en Júpiter, de la suite Los Planetas.

El requerimiento de dos timbaleros es relativamente habitual en las composiciones para grandes orquestas de la música romántica tardía o de la música clásica del siglo XX, si bien un compositor de la primera etapa del romanticismo, como Hector Berlioz, empleó múltiples intérpretes en su (1837), que requiere ocho pares de timbales ejecutados por diez timpanistas.

Para un toque normal, el intérprete golpeará el parche aproximadamente a 10 cm (centímetros) del borde, produciendo el sonido resonante y redondo asociado comúnmente al timbal.

Un "redoble" se logra golpeando rápidamente el parche en forma alternativa con la baqueta izquierda y derecha. En general esta técnica es muy habitual.

La calidad tonal del timbal puede alterarse cambiando de baqueta o ajustando la afinación. Por ejemplo, golpeando más o menos cerca de los bordes, el sonido se hace más o menos "brillante". Un sonido staccato se llega a lograr golpeando el parche con un movimiento rápido. En un redoble, se suele intentar mantener las baquetas lo más cercanas posible entre ellas para lograr un sonido estable y uniforme.

Existen muchas variantes en la técnica que los intérpretes pueden aplicar para crear diferencias de timbre.

Ocasionalmente lo compositores especifican la forma en que los timbaleros deben golpear al instrumento. Béla Bartók escribió un pasaje "a ser tocado en el borde del parche" en su Concierto para violín.

Antes de una interpretación, el timbalero debe "limpiar" los parches para ecualizar la tensión en cada tornillo de afinación.

Esto se hace para lograr que cada punto del parche quede afinado exactamente a la misma nota. Cuando la membrana está correctamente tensada, el timbal producirá un sonido bello y afinado. De otra forma, la afinación tenderá a bajar después de cada impacto, y el parche producirá distintas notas según el nivel dinámico de la música.

Durante una interpretación, la afinación se logra mediante un método llamado "intervalo de afinación". Los timbaleros que no poseen oído absoluto deben ayudarse con un diapasón o incluso con una nota emitida por otro instrumento durante la misma obra. Con esta referencia, usa los intervalos musicales para llegar al tono deseado. Por ejemplo, para afinar los timbales a sol y do, el timbalero deberá tocar un la con el diapasón, luego entonar (o pensar) una tercera menor sobre el la para afinar el do, y una quinta perfecta sobre el do para lograr el sol. Por este motivo, se requiere que los intérpretes tengan muy desarrollado su oído relativo.

Algunos timbales están equipados con calibres de afinación, que proveen una indicación visual de su estado. Estos mecanismos están conectados físicamente al marco del parche, en cuyo caso miden el movimiento de la membrana, o al pedal, indicando su posición.

Aunque estos calibres pueden ser útiles, cada vez que se mueve al instrumento el tono absoluto del parche se modifica, por lo que la afinación debe ser controlada sobre el calibre antes de cada interpretación. Son especialmente útiles para interpretar música que implique rápidos cambios de afinación, de manera que no permitan al intérprete escuchar el nuevo tono antes de utilizarlo. Muchos timbaleros profesionales prefieren afinar de oído, y confían en los calibres solo si es absolutamente necesario.

Como deben hacer cambios de afinación en la mitad de una obra musical, los timbaleros deben lograr el desarrollo de técnicas de afinación indetectables y seguras mientras continúa la pieza.

En ocasiones, los intérpretes usan los pedales para re-afinar un parche mientras lo tocan. El efecto portamento se logra cambiando la afinación del sonido mientras todavía no ha finalizado. Esto se denomina aunque el uso del término no es estrictamente correcto. Los glissando más efectivos son aquellos que van de notas graves a agudas, y mejor aún si se hacen mediante redoble. Uno de los primeros compositores en requerir este efecto fue Carl Nielsen, utilizando dos conjuntos de timbales, ambos tocando glissando al mismo tiempo en su Sinfonía n.º 4, La inextinguible.

El uso de "pedal" es -entre los intérpretes- prácticamente un sinónimo de "afinar", pero en particular se refiere a aquellos pasajes donde el timbalero debe cambiar la afinación de un timbal durante una ejecución: por ejemplo para tocar dos notas consecutivas de distinta altura en el mismo instrumento. En Meditación de Medea y danza de la venganza de Samuel Barber el intérprete debe tocar - si-- re en semicorcheas. No hay forma de hacerlo con un conjunto estándar de timbales, así que los intérpretes deben de usar los pedales para cambiar la afinación mientras tocan. El Nocturno de Benjamin Britten contiene un pasaje cromático aun más largo utilizando esta misma técnica.

Amortiguar el sonido es una acción implícita en la técnica del timbal. El intérprete debe amortiguar o silenciar los sonidos para que su duración coincida con la indicada por el compositor. De todas formas, los timbales primitivos no resonaban como los actuales, de manera que los compositores escribían una nota indicando cuando debía tocarse y -en consecuencia- no existía mayor preocupación por la duración. Con los modernos timbales, el intérprete debe atender a la partitura y usar su oído para determinar cuando debe cesar una nota.

El método normal para silenciar un sonido es colocar las yemas de los dedos sobre el parche, sosteniendo la baqueta entre el índice y el pulgar. Los intérpretes deben desarrollar una técnica que les permita hacer esto sin producir ningún tipo de ruido.

La amortiguación puede mencionarse como " sordina ", aunque el uso correcto de este término se aplica a la interpretación con dispositivos agregados para disminuir el volumen.

Algunos compositores requieren la colocación de un platillo invertido sobre el parche

Lo normal es un golpe simultáneo por timbal, pero ocasionalmente algunas composiciones requieren producir dos notas al mismo tiempo. Esta técnica se llama "doble golpe", y fue utilizada por Beethoven en el movimiento lento de su novena sinfonía.

Aunque los timbaleros solo tienen dos manos, es posible tocar más de dos timbales a la vez. Una forma de hacerlo es sosteniendo dos baquetas en una mano como lo haría un intérprete de marimba. Otra es agregar las manos de más timbaleros. Hector Berlioz en su Requiem (Gran misa de difuntos; Sinfonía Fantástica) logra un efecto polifónico empleando ocho timbaleros, cada uno de los cuales toca sobre dos timbales.

Cuando el timbal se golpea directamente en el centro del parche, el timbal produce un sonido carente de afinación y resonancia. George Gershwin usa este efecto en Un americano en París.

Es muy frecuente que -cuando se golpea uno de los timbales- otro vibre en resonancia. En la ejecución orquestal los timbaleros deben evitar activamente este efecto, pero algunos compositores lo han explotado, como Elliot Carter en Las (Ocho piezas de Eliot Carter) Cuatro piezas para cuatro timbales.

Algunas veces los compositores especifican que los timbales deben ser ejecutados "con sordina". Las sordinas para timbal son pequeñas piezas de cuero o fieltro. El nivel de sordina puede graduarse modificando la posición del elemento sobre el parche. Un uso secundario de las sordinas es amortiguar la vibración simpática generada por factores externos, como por ejemplo el sonido de otros instrumentos.

En ocasiones, los compositores especifican que el timbal debe ser golpeado con elementos distintos de una baqueta o mazo. En estudios o solos para timbal es frecuente utilizar las manos o dedos del intérprete. Leonard Bernstein especifica maracas para golpear los timbales en su sinfonía Jeremiah y en las danzas sinfónicas de West Side Story. Edward Elgar intentó imitar el ruido del océano en sus Variaciones Enigma especificando baquetas de caja: sin embargo, tales baquetas tienden a producir un sonido demasiado fuerte por lo que, desde el estreno de la obra, el pasaje en cuestión se interpreta usando el borde de monedas.

En Cantos de marineros y del mar de Robert W. Smith se especifica un "canto de ballenas" sobre el timbal mayor, que se logra humedeciendo el parche y raspándolo desde el centro hacia los bordes.

Otra técnica utilizada en obras solistas es golpear el tazón de cobre del timbal. Se usa por ejemplo en el primer movimiento de la Sonata para Timbal de John Beck. Los timbaleros prefieren no utilizar esta técnica con niveles altos de sonido o baquetas duras, ya que el cobre puede abollarse fácilmente.

Algunos compositores requieren la colocación de un platillo invertido sobre el parche, generalmente para un efecto de glissando. Joseph Schwantner utiliza esta técnica en From A Dark Millennium para banda de metales.

Referencias

1. Atabal(a), tambor y sus derivados; estudio etimológico y perfil organográfico

2. Nótese el carácter onomatopéyico del término

3. El término atabales aparece en el Libro de buen amor, del Arcipreste de Hita (siglo XIV), por ejemplo, en la cuaderna 1234, que se inicia con el verso siguiente:

Tronpas e añafiles salen con atanbales [...]

4. Tönet, ihr Pauken! Erschallet, Trompeten!; 'Callen los timbales, toquen las trompetas', (BWV 214), escrita para el cumpleaños de la electora María Josefa.

5. Jauchzet, frohlocket, auf, preiset die Tage (BWV 248/I).

6. Bowles, Edmund A. (agosto de 1991). "The double beat of the thundering drum: the timpani in early music". Early Music (Oxford University Press) XIX. . doi:10.1093/earlyj/XIX.3.419. ISSN online 1741-7260.

7. Fanfare for the Common Man, obra de Aaron Copland, compuesta en 1942.

8. Opereta Cándida, Leonard Berstein, estrenada el 26 de junio de 1957.

9. Walter Piston, (1894-1976) compositor y teórico musical norteamericano.

10. Norman del Mar, Anatomy of the Orchestra, 1984, A1Books, ISBN 0-520-05062-2.

Adler, Samuel. The Study of Orchestration. W. W. Norton & Company, 3.ª edición, 2002. ISBN 0-393-97572-X.

Del Mar, Norman. Anatomy of the Orchestra. University of California Press, 1984. ISBN 0-520-05062-2.

Montagu, Jeremy. Timpany & Percussion. Yale University Press, 2002. ISBN 0-300-09337-3.

Peters, Mitchell. Fundamental Method for Timpani. Alfred Publishing Co., 1993. ISBN 0-7390-2051-X.

VV.AA. John H. Beck, ed. Encyclopedia of Percussion (en inglés). Nueva York. .

Enlaces externos

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Timbal de concierto - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Un timbal o tímpano (en plural italiano: timpani ) es un instrumento musical membranófono de sonoridad grave, que puede producir golpes secos o resonantes. Se le utiliza golpeando los parches con un palillo o baqueta especial llamada "baqueta de timbal". Está formado principalmente con un caldero de cobre, cubierto por una membrana.

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La marimba es un instrumento del tipo de los idiófonos, pero con mayor resonancia y una tesitura de tonalidad más baja que el xilófono; consistente de un grupo de barras de madera, que se percuten con mazos de fieltro o de caucho, para producir diversos sonidos musicales. Posee también tubos o cajas resonadoras debajo de las barras, para amplificar el sonido.

Las barras de una marimba cromática están dispuestas como las teclas de un piano, con grupos de dos o tres teclas de alteraciones, algo más elevadas, sobrepuestas a las barras de las notas naturales para permitir al instrumentista un mejor desempeño visual y físico al tocar el instrumento.

El uso moderno de la marimba incluye la ejecución de solos en ensambles de percusión viento-madera, conciertos de música académica para marimba y orquesta, jazz, bandas marciales, además de usarse en la música tradicional de muchos países de Latinoamérica como México y Guatemala.

Origen de la marimba

Se discute si la marimba tuvo su origen en áfrica o si fue creada en Centroamérica por los antiguos mayas. Sin embargo, su uso, o el de instrumentos muy parecidos de la familia de los xilófonos, es ampliamente reconocido en todo el mundo, y data de muchos siglos.

Muchos estudios han reportado que la marimba tiene su origen en áfrica. De hecho, su nombre proviene del idioma Bantú " malimba", que viene a significar "xilófono". De acuerdo a fuentes occidentales, la palabra marimba se formó de "ma" y "rimba" que significa "barra simple del xilófono", sin embargo, el uso del término marimba y otros derivados no se halla presente en ninguna otra lengua de África occidental.

La marimba en África

Se puede ver la relación entre la palabra marimba y otros instrumentos africanos semejantes, como la xilorimba, el likembre, y la ilimba, instrumentos presentes en África central y oriental. Algunas fuentes acreditan la creación de la marimba, así como el de la kalimba, a una reina llamada Marimba del pueblo Wakambi, que vivió al sur del lago Victoria.

En la lengua Shona, imba, significa canción, y kuimba corresponde a cantar. Se dice que marimba significa " madre de la canción" y creadora de todos los instrumentos musicales, incluyendo la marimba misma. Mama significa madre en Kiswahili, lo que le da sentido a que la palabra madre sea combinada con la palabra imba " correspondiente al verbo cantar no conjugado.

La marimba en América

Los xilófonos diatónicos fueron introducidos a Centroamérica entre los siglos XVI y XVII. El primer registro histórico de músicos mayas empleando marimbas con resonadores de calabazas, en Guatemala, data de 1680; es del historiador Domingo Juarros. Durante los siglos XVII a XIX el uso de la marimba se extendió por casi toda América, pero se consideraba típico de los ensambles de Mayas y ladinos. En 1821, la marimba fue proclamada como el instrumento nacional de Guatemala.

La marimba moderna

En 1850, el marimbista mejicano Manuel Bolán Cruz (1810-1963) modificó la antigua marimba cóncava, por la marimba plana, alargando sus patas para que se pudiera tocar de pie, expandiendo el teclado y reemplazando los resonadores de calabaza por cajas de madera.

En 1892, el músico mejicano Corazón de Jesús Borras moreno, expandió la marimba para incluir la escala cromática, añadiendo otra fila de barras sonoras, equivalentes a las teclas negras del piano.

El nombre de marimba fue posteriormente aplicado a los instrumentos de orquesta inspirados por estos modelos latinoamericanos. En los estados unidos, las compañías fabricantes de instrumentos adaptaron las marimbas latinas para el uso de la música académica. Se introdujeron tubos de metal como resonadores, se introdujo la afinación por rotación de discos de metal en el fondo de estos; así como tubos en forma de U, para las notas más bajas.

Las marimbas fueron usadas en un principio para la música ligera y bailable, en el vodevil y los espectáculos de comedia. Fue Clair Omar Musser el pionero del uso de la marimba en los Estados Unidos.

El compositor francés Darius Milhaud fue quien hizo la innovadora introducción de la marimba en la música académica occidental en 1947, con el Concierto para Marimba y Vibráfono. Un grupo de cuatro mazos fue empleado para tocar acordes, mejorando el sonido del instrumento.

A finales del siglo XX, los compositores modernos y contemporáneos hallaron nuevas maneras de usar la marimba. Entre ellos destacan: Orff, Hartmann, Henze, Boulez y Reich.

Tipos de marimba

Existen diferentes tipos de marimbas tradicionales en el mundo, que puedes conocerlas en el siguiente enlace, en el artículo sobre El xilófono.

Marimbas tradicionales

En las marimbas tradicionales, es común ver el teclado diatónico, consistente en un teclado único. Los resonadores suelen ser de bambú, de tubos de PVC, o incluso, de calabazas.

Marimbas modernas

Las marimbas de hoy exhiben dos teclados, el diatónico con las notas naturales, y el teclado cromático, con las alteraciones. Así pues, pueden presentarse según el rango de las octavas, lo cual determina sus dimensiones.

No existe un rango estándar para las marimbas, pero la mayoría vienen desde 4,3 a 5 octavas.

4,3 octavas: de A2 a C₇. (El ,3 se refiere a tres semitonos por debajo de la cuarta octava del instrumento). Este es el rango más común.

5 octavas: de F2 a C₇. El ,5 denota "y medio";

4,6 octavas: de E2 a C₇, un semitono por debajo de 4,5. Muy usado para tocar partes o transcripciones para guitarra.

5 octavas: de C2 a C₇, una octava completa por debajo de la cuarta octava. Útil para tocar transcripciones de violoncelo.

Rango Bajo: varia, por ejemplo, tiene rangos que van desde G1 a G3, o C₂ a F₃.

El rango de las marimbas ha sido gradualmente expandido por algunos fabricantes, con instrumentos de 5,5 octavas, o por los afinadores. Sin embargo, se ha encontrado que añadir notas más bajas resulta poco práctico, ya que las barras deben ser más pequeñas y los resonadores más largos, el instrumento debe ser más elevado y las baquetas deben ser más pesadas con el fin de producir tonos, en lugar de sólo hacer el ataque de percusión. Añadir notas más altas, también es un inconveniente, debido a la dureza que requieren los mazos para producir las notas características de una marimba, cosa que no requiere ningún otro instrumento.

Partes de la marimba

A continuación, describiremos las partes fundamentales de la marimba, a saber: Las teclas, los resonadores y las baquetas. Éstas últimas, si bien no forman parte de las marimbas, juegan un papel fundamental para la sonoridad de éstas. Hay otras partes, como la mesa (estructura o chasis que sostiene a todos los componentes); la " tela " o membrana que recubre a los resonadores para generar un sonido particular de zumbido; y las perillas ajustables para la afinación de las marimbas modernas.

Las teclas o barras de la marimba, típicamente, son de madera, pero las hay de material sintético. Suele hacerse de madera de Palo de Rosa (árboles del género Dalbergia), mientras que el Palo Rojo ( Pterocarpus soyauxii) es una alternativa muy usada. Las teclas hechas con material sintético normalmente producen un sonido más apagado que las teclas de madera, pero son más baratas, y ofrecen más durabilidad y resistencia a los cambios climáticos, favoreciendo su uso en exteriores.

Las marimbas con teclas de madera suelen ser tocadas en interiores debido a que las barras pueden cambiar el tono por los cambios de temperatura. Las teclas de madera más anchas y largas de las notas más bajas, gradualmente se encogen dando tonalidades más altas. Durante la afinación se toma la madera de la parte inferior central de la barra para bajarle el tono. Debido a esto, las teclas son también más finas en los registros de notas bajas y más compactas en los registros de notas más altas.

Resonadores o cajones

Son los componentes que permiten ampliar y enriquecer el sonido de las teclas de la marimba. Son tubos que cuelgan debajo de cada tecla. En la mayoría de las versiones tradicionales, los resonadores son de tubos de bambú, de madera o de calabazas de varios tamaños. En versiones más sofisticadas, los resonadores suelen sustituir el material natural por aluminio.

En Centroamérica y México, se hace una abertura en el fondo de la cavidad de los resonadores y está es cubierta con una fina membrana de intestino de cerdo para añadir un característico sonido de zumbido conocido como "charleo". En marimbas más contemporáneas, la madera es reemplazada por tubos de PVC. Las aberturas del fondo de los tubos son cubiertas por una lamina de papel para producir el sonido de zumbido, antes mencionado.

La longitud de los resonadores varia de acuerdo a la frecuencia que deberían producir las teclas. Las vibraciones de las teclas resuenan cuando pasan a través de la luz de los tubos, los cuales amplifican los tonos en una forma similar a como lo hace el cuerpo de una guitarra. En los instrumentos que exceden las cuatro y media octavas, la longitud de los tubos que requerirían las notas bajas, sobrepasaría la altura del instrumento, por ello, algunos fabricantes compensan esto con tubos curvos en sus extremos.

Otros fabricantes expandieron los tubos haciendo sus fondos más anchos y con forma de caja, hasta obtener la cantidad de resonancia necesaria sin tener que alargar los tubos. Otros fabricantes, rediseñaron esta alternativa haciendo resonadores con forma oval alcanzando casi 30 cm de ancho.

En algunas marimbas, se han añadido resonadores decorados, para llenar espacios del banco de resonadores de los semitonos. Adicionalmente, algunas veces, la longitud de los resonadores es alterada para exhibir un arco decorativo. Esto no afecta las propiedades resonadoras, ya que las perillas de afinación en los extremos de los resonadores permanecen en la misma longitud.

Las baquetas o mazos

El eje o mango de los mazos suele ser hecho de madera, comúnmente se usa abedul, pero pueden ser hechas de ratán o fibra de vidrio. El diámetro más común es de 8 mm. Las baquetas hechas de ratán tienen una cierta flexibilidad, mientras que las de abedul casi no la tienen. Los profesionales usan ambas, dependiendo de sus preferencias o si están tocando con dos o más baquetas por mano.

Las baquetas más apropiadas para este instrumento dependen del rango. El material del extremo del mazo casi siempre es un tipo de goma, usualmente envuelto en hilo. Las baquetas que son muy duras podrían dañar el instrumento, y las que podrían ser más apropiadas para las marimbas de amplio rango, podrían, sin embargo, dañar las notas de los rangos bajos (especialmente en las marimbas de palo de rosa y palo rojo

Algunos mazos, llamados "doble tono" o "multitonal" poseen un centro duro, suavemente forrado en hilo. Éstos fueron diseñados para articular un sonido cuando se toca una dinámica alta, y cuando se toca dinámicas bajas muy amplias.

¿Cómo se toca la marimba?

La marimba es un instrumento tan complejo como tocar el piano, por lo tanto, aquí te ofrecemos algunos puntos que debes tomar en cuenta para tocar una marimba si aun no has iniciado a tocar este instrumento, pero lo estás pensando.

La Distancia entre tú y la marimba

Debes colocarte frente a la marimba entre 15 y 25 cm.

Si eres de baja estatura debes ajustar las patas de la mesa, de manera que puedas tocar con comodidad las notas del teclado de las alteraciones.

Las Baquetas que puedes usar

Debes recordar que las baquetas tienen una cabeza de goma y están forradas con hilo de lana. Dependiendo del tipo de lana y de la cabeza, existen tres tipos de baquetas:

Baquetas suaves, que se utilizan para tocar las notas bajas.

Baquetas medias, funcionan bien en todo el instrumento.

Baquetas duras, para tocar las notas altas y los sonidos fortes.

Cómo agarrar las baquetas

Te mostramos las formas de agarre o empuñadura de las baquetas más comunes. En ningún caso son las únicas. Incluso hay músicos que innovan y crean sus propias técnicas según su comodidad o técnicas recién experimentadas.

Agarre alemán

La técnica más utilizada es el Agarre alemán, donde se sujeta una baqueta en cada mano, con el pulgar y el índice, dejando que parte del mando sobresalga, uno o dos centímetros, cerca de la muñeca.

Las técnicas modernas para tocar la marimba, exigen el uso simultáneo de entre dos o cuatro baquetas (algunas veces hasta seis y ocho), según las habilidades del instrumentista, para tocar acordes, o música con grandes amplitudes, de manera más cómoda.

Agarre de Burton

Llamado así por su creador Gary Burton, es uno de los agarres más comunes para usarlo con cuatro baquetas Una baqueta se sitúa entre el pulgar y el dedo índice y otra se coloca entre el índice y el medio. Los mangos de las baquetas se cruzan en el centro de la palma de la mano sobresalen un poco, más allá de la empuñadura.

Agarre de Musser-Stevens

Es otra de las técnicas más usadas para tocar la marimba. En esta técnica las baquetas se llevan sin apretarlas mucho, lo cual permite más libertad del movimiento. Una de las baquetas se coloca entre los dedos meñique y anular, la otra, permanece en la hendidura que queda entre la palma de la mano, la base del pulgar y la punta del dedo medio.

Agarre tradicional

Algunos marimbistas sienten que la empuñadura de Musser-Stevens es más cómoda para cambios rápidos de intervalos y para la independencia de las baquetas; mientras que la de Burton, es mejor para tocar fuerte o para cambios entre acordes o líneas melódicas de notas solas. La empuñadura tradicional, ofrece un rango dinámico más amplio, y mucha libertad al tocar.

Agarre de seis baquetas

El agarre de seis baquetas consiste en variaciones de las tres empuñaduras mencionadas. La empuñadura de seis baquetas para marimba ha sido usada por años por los marimbistas de México y Centroamérica, pero no se les considera como un estándar de la cultura occidental.

Existen otros tipos de agarres como: el de Paterson y el agarre Wolverin. Pero son muy poco usadas.

Cómo dar el golpe

La forma más apropiada de atacar las teclas de la marimba, es con el llamado Golpe de Pistón, que es una forma de golpe donde el mazo describe una línea recta y vertical en el desplazamiento del golpe. Esto hace que el sonido sea más intenso y crezca su proyección. Otras formas de golpear producen efectos de sonidos, que pueden lucir innovadores, pero antes tienes que dominar la forma básica de golpear.

Las teclas de la marimba producen su mayor sonoridad cuando son tocadas fuera del centro, mientras que, si son tocadas justo en el centro, producen notas más articuladas. En las marimbas cromáticas, si fuera necesario, las teclas de las alteraciones pueden, también, ser tocadas en el borde del extremo frontal, lejos del nudo o lugar donde las cuerdas atraviesan las barras. Tocar en el nudo, produce un sonido apagado, y es usado como técnica cuando el músico está buscando un sonido asordinado del instrumento.

Cómo se afina la marimba

Las marimbas se afinan de dos maneras. Por un lado, afinando las teclas y por el otro, afinando los resonadores.

Afinación de las teclas

Si bien hay marimbistas que consideran que las teclas suenan mejor conforme pasa el tiempo, es cierto que, muchas veces. la madera de las teclas puede perder su sonoridad original debido a su antigüedad, el uso o mal uso de la marimba, así como el hecho de tocar en interiores o exteriores.

La sonoridad original puede recuperarse, pero debe ser realizada por expertos fabricantes de marimbas. Consiste en recortar y pulir las tablas hasta obtener el sonido adecuado.

Afinación de los resonadores

La afinación de los resonadores incluye tornillos de "topes" en los tubos mismos, para compensar las condiciones de temperatura y humedad de la sala donde el instrumento sea depositado. Algunas compañías ofrecen un ajuste sólo para las octavas superiores, mientras que las otras, no tienen ningún tipo de perilla ajustable. Otras compañías ofrecen un rango ajustable de topes de afinación.

Consejos para comprar una marimba

Evalúa las octavas que deseas tocar. Esto determinará la envergadura de tu marimba. Debes tener en cuenta que debes tener un espacio amplio donde depositarla una vez que la compres.

Considera tu estatura respecto a la altura de la marimba que vayas a comprar. Si la marimba que vas a adquirir es artesanal, habla con el fabricante para que la haga a tu medida. Si, por el contrario, la comprarás de fabricación industrial, no tendrás problemas, porque éstas poseen patas ajustables para la altura.

Considera los medios en la que transportarás, frecuentemente, tu marimba.

Las mejores marimbas artesanales son las provenientes de México, Guatemala y Costa Rica. Las de manufactura industrial, las más recomendables son de marca Yamaha, Malletech and DeMorrow; y Adams.

Una marimba de 5 octavas puede costar entre 3500 y 5000 USD.

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Marimba: Qué es, Origen, Tipos, Partes, Características, Y Más.

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Todo sobre la Marimba, un instrumento popular que cada día se posiciona como un instrumento de gran uso en todo tipo de música. Sus características y más.