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Mi nombre es nicolle valeria y con mi equipo greisy anfer Brayan y Luis Carlos buscamos en nuestro corregimiento partes llamativas con arte ya sea arte grafiti o arte arquitectónica buscando resaltar algunas zonas que no son apreciadas o no se tiene muy presentes en norte de santander, saliendo en busca de ellas a nuestras calles. 

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Yo junto a mi equipo de trabajo recorrimos el corregimiento de agua clara y sus alrededores, y capturas algunos lugares que representen nuestra cultura logrando resaltar la belleza de ella.

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Con mis compañeros de grupo, recorrimos las calles de agua clara y sus alrededores buscando captar algunos lugares llamativos, con el fin de enseñar la belleza de nuestro corregimiento.

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Hola mi nombre es Luis Carlos collazos y tuve el placer de hacer el recorrido de mi hermoso corregimiento Este collage refleja el recorrido que realizaste por tu querido corregimiento de Agua Clara, mostrando con orgullo sus rincones más representativos, sus expresiones culturales y la belleza de su entorno.En la parte superior izquierda se observa una imagen de la Virgen pintada sobre una pared, rodeada de flores, símbolo de fe y devoción muy arraigada en la comunidad. A su lado, en el centro, aparece una calle adornada con un dibujo navideño en el suelo que dice “Feliz Navidad”, representando las celebraciones tradicionales y la alegría de sus habitantes. En la parte superior derecha, se distingue un monumento religioso techado, un espacio de oración y encuentro espiritual que enmarca el paisaje abierto de Agua Clara.En la zona inferior izquierda, se ve una fachada humilde con dibujos en la pared, ejemplo del arte popular y espontáneo que también hace parte de la identidad cultural. Más abajo, un mural con el nombre “Plazas de Cúcuta” acompañado de una canasta de productos agrícolas y frutas pintadas, resalta el valor campesino y la riqueza de la tierra.Finalmente, en la parte inferior derecha, el collage muestra un bello paisaje natural con una vaca pastando en un prado verde, bajo un cielo azul despejado: una imagen que transmite paz, vida rural y la esencia agrícola del corregimiento.En conjunto, esta composición captura la esencia de Agua Clara, un lugar donde conviven la fe, la tradición, el arte comunitario y la riqueza natural. Tu recorrido, Luis Carlos, no solo resalta la belleza de sus calles y monumentos, sino también el orgullo de pertenecer a una tierra llena de historia, cultura y esperanza. 🌿✨

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    *CAMINOS DE MIGRACIÓN*                                                                       “Caminos de migración busca visibilizar la fragilidad y la fuerza de quienes parten. Los periódicos muestran cómo se habla de ellos, pero la maleta recuerda lo que realmente cargan: familia, raíces y la esperanza de encontrar un lugar donde la vida recupere sentido.” 🗺️♻️♻️🌱🕊️🕊️

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Obra: Ciudad Cerámica.                          Artista(s): Galaor Carbonell y escultores del Tejar Santa Teresa                                              Año de creación: 1986.                            Ubicación: Avenida Los Libertadores, Cúcuta, Norte de Santander Descripción de la obra.     El conjunto escultórico de Ciudad Cerámica se ubica en el malecón de Cúcuta, a orillas del río Pamplonita. Es un homenaje al núcleo familiar y a los trabajadores de la cerámica, un oficio de gran tradición en la región.La obra está compuesta por cinco figuras humanas de cerámica que representan a una familia. La pieza central es un padre que sostiene en sus brazos a un niño mientras camina junto a la madre y sus otros hijos. La escultura simboliza la unidad y el esfuerzo de la familia trabajadora, y su material, la cerámica, rinde tributo a un sector clave para la economía y la cultura de la ciudad

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La filigrana tiene múltiples significados: es unatécnica de orfebreria que usa hilos de metal (oro,plata) para crear intrincados diseños de joyeriatambién es una técnica de manualidades con papel(en inglés, quilling) que consiste en enrollar tiras depapel para formar figuras decorativas, y se refiere auna marca de agua o señal visible al trasluz hechaen el papel durante su fabricación para identificarsu origen y calidad.

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La Cerámica de Ráquira es la tradicional producción de objetos en barro y arcilla que se realiza en el municipio de Ráquira, Boyacá, Colombia. Esta actividad artesanal es una herencia Muisca que significa "Pueblo de Ollas" y se caracteriza por la utilización de arcilla local para crear una gran variedad de vasijas, figuras y otros elementos decorativos y utilitarios, que son exportados a diferentes partes del mundo. 

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Obra de Olinda Silvano Inuma (Reshinjabe, que significa “colibrí que resplandece” en shipibo-konibo).Nacimiento: 1969, en la comunidad indígena de Paoyhan, región Ucayali, Amazonía peruana.Origen: Perteneciente al pueblo Shipibo-Konibo, portador de una de las tradiciones culturales más ricas de la Amazonía peruana.TrayectoriaSe trasladó a Lima debido a la violencia política y se instaló en Cantagallo, comunidad shipibo asentada en la capital.Comenzó su carrera pintando y enseñando kené, el arte ancestral shipibo-konibo caracterizado por sus diseños geométricos que representan visiones espirituales y cosmogónicas.Se convirtió en una de las principales difusoras del arte shipibo en el Perú y en el extranjero, trabajando tanto en murales como en lienzos y textiles.EstiloSus obras combinan visiones chamánicas, espiritualidad amazónica y colores vibrantes, representando la conexión con la naturaleza, los espíritus y el universo.Usa motivos del kené y los adapta a composiciones contemporáneas, sin perder la raíz ancestral.ReconocimientosHa expuesto en importantes museos y galerías, como el Museo de Arte de Lima (MALI), la Bienal de Arte de Lima y espacios internacionales.Es considerada guardiana del kené y una voz activa en la defensa de la identidad shipibo-konibo, especialmente en contextos urbanos.

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La persona que aparece en la foto es Rember Yahuarcani?No, perdón — te aclaro: la artista que creó estas obras es Olinda Silvano (Reshinjabe), artista indígena shipibo-konibo del Perú.---Biografía de Olinda Silvano (Reshinjabe)Nombre: Olinda Silvano Inuma (Reshinjabe, que significa “colibrí que resplandece” en shipibo-konibo).Nacimiento: 1969, en la comunidad indígena de Paoyhan, región Ucayali, Amazonía peruana.Origen: Perteneciente al pueblo Shipibo-Konibo, portador de una de las tradiciones culturales más ricas de la Amazonía peruana.TrayectoriaSe trasladó a Lima debido a la violencia política y se instaló en Cantagallo, comunidad shipibo asentada en la capital.Comenzó su carrera pintando y enseñando kené, el arte ancestral shipibo-konibo caracterizado por sus diseños geométricos que representan visiones espirituales y cosmogónicas.Se convirtió en una de las principales difusoras del arte shipibo en el Perú y en el extranjero, trabajando tanto en murales como en lienzos y textiles.EstiloSus obras combinan visiones chamánicas, espiritualidad amazónica y colores vibrantes, representando la conexión con la naturaleza, los espíritus y el universo.Usa motivos del kené y los adapta a composiciones contemporáneas, sin perder la raíz ancestral.ReconocimientosHa expuesto en importantes museos y galerías, como el Museo de Arte de Lima (MALI), la Bienal de Arte de Lima y espacios internacionales.Es considerada guardiana del kené y una voz activa en la defensa de la identidad shipibo-konibo, especialmente en contextos urbanos.-  En la foto se la ve rodeada de sus obras, donde mezcla figuras humanas, naturaleza y patrones cósmicos, plasmando la espiritualidad amazónica.

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La  obra de la artista Fanny Rabel (1922–2008), una pintora, muralista y grabadora polaca-mexicana.Biografía de Fanny RabelNombre real: Fanny Rabinovich.Nacimiento: 27 de agosto de 1922, en Polonia.Fallecimiento: 25 de noviembre de 2008, Ciudad de México.Infancia y formación Emigró con su familia a México en 1938 huyendo de la persecución nazi.Estudió en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos y más tarde fue alumna de Frida Kahlo, quien la integró al grupo conocido como Los Fridos (jóvenes discípulos de Kahlo).Trayectoria artística Fue la única mujer integrante del círculo cercano de muralistas encabezados por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco.Participó como asistente en murales de Diego Rivera y desarrolló un estilo propio, centrado en la condición humana, la mujer, la infancia y las injusticias sociales.Su obra combina influencias del muralismo mexicano con un lenguaje más íntimo y lírico.Obras destacadas“Ronda en el tiempo” (mural en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México).Pinturas y series dedicadas a la niñez, la maternidad y la vida cotidiana de las mujeres mexicanas.ReconocimientosFue reconocida como una de las pioneras del arte feminista en México.Su trabajo se exhibió en galerías de México, Estados Unidos, Francia e Israel.👉ñ La obra que muestras refleja justamente su estilo: figuras femeninas estilizadas, tonos cálidos, disposición en grupos y un aire de lirismo y denuncia social.

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Óscar Rodríguez Naranjo — Ficha del Artista origen: Nació en El Socorro, Santander (1907) y falleció en Bucaramanga en 2006. Formación: Estudió en la Escuela Nacional de Bellas Artes de Bogotá; recibió becas para la Académie Julian y la Académie de la Grande Chaumière en París, regresando a Colombia durante la Segunda Guerra Mundial. Estilo y reconocimiento: Conocido como el “Velázquez sudamericano”, fue admirado por su dominio del claroscuro y del glasis, y su gran habilidad como colorista y anatomista. ---Obras destacadas con fechas y Contexto patio en Zipaquirá (1935)Óleo sobre lienzo (37 × 28 cm). Firmado y fechado en 1935. Danza (tríptico, 1946)Ubicado en el Club de Comercio de Bucaramanga. Esta obra ayudó a levantar el veto sobre la exaltación del desnudo femenino en la época. Valle de Floridablanca (1947) / Paisaje de cámbalos y Río Manco (1947)Óleos sobre lienzo que reflejan su conexión con los paisajes regionales. La Asunción y La Eucaristía (1965)Grandes formatos realizados para la catedral de la Sagrada Familia. ---Esculturas emblemáticas José Antonio Galán (1953)Estatua ubicada en el parque principal del Socorro. Antonia Santos (1957)Escultura instalada en la plaza principal de San Gil. ---Temáticas y legado Artístico su obra abarca retratos, desnudos, paisajes, temas religiosos y bodegones. Realizó murales para la catedral de la Sagrada Familia y otros espacios públicos. Fue maestro en claroscuro y glasis, con una obra rica en colorido y técnica pictórica refinada. ---Exposiciones y colecciones Públicas año	Exposición / Colección1929	Casa del Estudiante, Bogotá1931	I Salón de Artistas Colombianos, Bogotá1933	Centro de Historia de Santander, Bucaramanga1938	Académie Julian, París1943–1945	Academia de Bellas Artes, Bucaramanga1951	Museo de Antioquia, Medellín1959	Exposición de Artistas Santandereanos, Bucaramanga1963	Banco de la República, Bucaramanga1975	Museo de Arte Moderno (MAM), Bogotá1981–2006	Varias retrospectivas y antologías en Bucaramanga y Bogotá ---Interpretación del legado Óscar Rodríguez Naranjo sobresale por su refinada técnica pictórica y su visión académica que integró influencias europeas con identidad regional. Sus retratos y paisajes reflejan la riqueza cultural y natural del país, mientras que sus esculturas monumentales refuerzan su presencia en el espacio público. Su papel en la educación artística como director y docente en Bucaramanga lo consolida como figura central del arte colombiano del siglo XX.

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Ceramista y pintora de Norte de Santander (Pamplona, 1927 - Cali, 1968). Beatriz Daza González estudió arte y decoración en la Universidad Javeriana y luego recibió diversos cursos en Estados Unidos, Barcelona, Roma y París. A su regreso al país, en 1958, comenzó a figurar como ceramista, un oficio que había aprendido en la Escuela Libre de Bertrand, en París. Su primera exposición individual tuvo lugar en 1959, en la Sociedad Económica de Amigos del País. Sus primeras piezas eran figurativas y se destacaban por la sencillez y la voluntad de síntesis.

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Eduardo Ramírez Villamizar (pamplona) fue un pintor y escultor colombiano. Fue pionero del arte abstracto y minimalista en su país y su obra tuvo un impacto continental.​ Ocupó el primer lugar del Salón Nacional de Artistas de Colombia en 1959, 1962, 1964 y 1966.​ 

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PINTURA REGIONAL                                                                         “El Dorado No. 2” (1957)Autor: Eduardo Ramírez Villamizar (Pamplona, Norte de Santander, 1922–2004) Composición abstracta hecha con líneas rectas y curvas que forman planos y ritmos geométricos. El color está organizado en contrastes equilibrados, resultado de la reflexión del artista sobre el mundo prehispánico inspirado por sus estudios de la colección del Museo del Oro, Es una de las primeras obras donde Ramírez Villamizar integra geometría moderna con referencias precolombinas, un sello clave de su producción posterior.

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OBRA ARQUITECTÓNICA                                                               El Complejo Histórico de la Gran Convención es una construcción colonial ubicada en Ocaña, Norte de Santander. Está constituido por el templo de San Francisco, el convento adyacente y la plazoleta de la Gran Convención. Su construcción comenzó en 1584 por la orden religiosa de los franciscanos. En el complejo tuvo lugar la Gran Convención de 1828, en el que se reunieron los partidarios de Simón Bolívar, el presidente interino Francisco de Paula Santander, y otros próceres de la independencia con el fin de reformar la constitución de 1821.

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El "Pensador" en Cúcuta fue donado por el escultor Carlos Ortiz Báez y es una obra del famoso artista francés Auguste Rodin, el creador original de la escultura "El Pensador". 

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La historia de Ocaña, Colombia, más allá del arte autor implica entender su fundación por Francisco Fernández de Contreras en 1570

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📖 Carlos Duque – El Pórtico: Tiempo Resucitado       El Pórtico: Tiempo Resucitado es un libro artístico y literario de Carlos Duque, reconocido fotógrafo y creador visual colombiano. Esta obra combina fotografía y palabra escrita para recuperar fragmentos de la memoria histórica y cultural a través de imágenes de puertas, muros y detalles arquitectónicos cargados de huella del tiempo. El objetivo es “resucitar” lo olvidado y darle nueva vida a lo que el tiempo desgasta, mostrando cómo en los objetos y en la arquitectura antigua habita todavía un relato profundo. El libro fue publicado por la editorial Ojo por Hoja en la primera década del siglo XXI (no se tiene un año exacto confirmado, pero se ubica en ese periodo). Se creó con la intención de invitar al lector a reflexionar sobre el paso del tiempo, la historia y la belleza escondida en lo cotidiano, uniendo arte visual y literatura como una misma experiencia.

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📖 Jorge Gaitán Durán – Poesía al oído del lector “Poesía al oído del lector” no es un libro como tal, sino una iniciativa cultural y académica creada para difundir y acercar la obra poética de Jorge Gaitán Durán a nuevas generaciones. Este espacio se centra en la lectura y divulgación de su poesía con el propósito de que el público no solo lea, sino que “escuche” la poesía como una experiencia íntima y reflexiva. La idea nace de la importancia de Gaitán Durán en la poesía colombiana moderna y de la necesidad de mantener vivo su legado después de su muerte en 1962. Aunque no existe una fecha exacta de creación de este proyecto, se ha venido realizando en bibliotecas, escuelas y escenarios culturales dentro de programas de promoción de lectura en Colombia, especialmente desde inicios del siglo XXI. En resumen, se creó para mantener vigente la voz del poeta, su tono existencial, erótico y social, y para acercar la poesía a los lectores de una manera más humana y cercana.

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"El Libertino y la Revolución" (1962) - Jorge Gaitán DuránDatos de la obra:Autor: Jorge Gaitán Durán (1924-1962)Año: 1962Género: Ensayo crítico-filosóficoLugar de origen: Pamplona (Norte de Santander)  (TikTok)Contexto: Sade. Textos escogidos y precedidos por un ensayo: El libertino y la revolución  (Cultura Genial)Descripción de la obra:Es un ensayo crítico que interpreta la compleja figura humana y literaria del marqués de Sade a través de la indagación de índole sociológica o, más concretamente, el del análisis de unas motivaciones fundamentalmente basadas en lo que podría llamarse la filosofía del erotismo  (Wikipedia)Significado e interpretación:1. Revolución intelectual y social: Más que un texto sobre el autor francés sería una revolución  (LatAm ARTE) ideológica. Contrario a Marx, Gaitán quiso ser el líder intelectual de la transformación de los suyos, el lúcido pero arrogante profeta de una revolución invisible  (LatAm ARTE)2. Exploración de la condición humana: Volcado hacia los infiernos de la intimidad, en el momento en que la vida y la muerte se trenzan en los cuerpos, sacrifica la comunicación efectiva con los suyos, racional y cotidiana, para tratar de salvar el misterio que nos ronda  (LatAm ARTE)3. Filosofía del erotismo: La obra representa una profunda reflexión sobre la naturaleza humana a través del análisis de las transgresiones morales y sociales, utilizando la figura de Sade como pretexto para explorar los límites de la libertad individual y la revolución social.4. Posición del intelectual comprometido: "Jamás el intelectual es víctima de cierto estado de cosas. El intelectual es siempre cómplice. No puede excusarse con la fe. Tiene la culpabilidad original de la conciencia"  (Paralelo 28)Contexto biográfico:La mejor parte de su producción literaria fue la última, en 1959, cuando escribió textos que se entrecruzaron con «El Libertino y la Revolución» y «Amantes»  (Arquitectura y Diseño)Esta obra representa el pensamiento maduro de Gaitán Durán como intelectual del Norte de Santander, combinando la crítica literaria con la filosofía política y social, estableciéndolo como una de las voces más lúcidas del pensamiento colombiano del siglo XX.

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La obra «Horizontes» del artista colombiano Francisco Antonio Cano Cardona es una pintura al óleo de 1913 que representa una familia (padre, madre e hijo) sobre un acantilado, mirando hacia un horizonte prometedor. La obra simboliza la colonización y el poblamiento de Antioquia, haciendo referencia visual a la «Creación de Adán» de Miguel Ángel en el gesto del hombre. Es una de las obras más emblemáticas del artista y forma parte de la colección del Museo de Antioquia en Medellín. 

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Las esculturas de Fernando Botero en Medellín, exhibidas en la Plaza Botero y el Parque Berrío, destacan por sus figuras voluminosas y redondeadas, un sello distintivo del artista. Estas obras de bronce exploran temas de la vida, historia y cultura colombiana, incluyendo esculturas como el "Torso de Mujer", "Hombre a Caballo" y la "Paloma de la Paz". La Plaza Botero alberga 23 de estas esculturas, mientras que otras, como "El Pájaro Herido", reflejan la violencia y la esperanza en la ciudad.

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"El Grito" (1893) - Edvard MunchDatos de la obra:Artista: Edvard Munch (1863-1944)Año: 1893  (SciELO)Técnica: Óleo, témpera y pastel sobre cartónDimensiones: 91 cm × 73.5 cmUbicación: Galería Nacional de Oslo, NoruegaDescripción visual:En ella, un personaje solitario se encuentra en un puente con un paisaje oscuro y retorcido detrás. Su rostro es una máscara de  (SciELO) desesperación, con las manos llevadas a los lados de la cabeza mientras emite un grito silencioso que parece resonar a través del paisaje ondulante.Significado e interpretación:1. Angustia existencial moderna: En esta pintura se ha solido reconocer la angustia existencial del hombre moderno en la transición del siglo XIX, de grandes avances tecnológicos, al siglo XX; su sentimiento de soledad y desaliento, su desesperación  (ELLE Decor)2. Mensaje universal: Todos podemos sentirnos identificados con su mensaje: el humano moderno en un momento de profunda angustia y desesperación existencial. Es un mensaje universal, que trasciende de sexos, razas y nacionalidades  (Citaliarestauro)3. Contexto original de la serie: El cuadro fue expuesto por primera vez en 1893, formando parte de un conjunto de seis piezas titulado Amor. La idea de Munch era la de representar las distintas fases de un idilio, desde el enamoramiento inicial a una ruptura dramática. El grito representaba la última etapa, envuelta en angustia  (Reprodart)4. Inspiración en momia peruana: El gesto de las manos en la cabeza y el grito silencioso para expresar la angustia incontrolable ante un hecho irreversible aparecen también en otras pinturas, como en El niño y la muerte (1899) o La madre muerta y su hija (1887-1889). Munch tomó ese gesto de una momia peruana que había  (Cultura Colectiva) visto en una exposición.5. Icono del arte moderno: Munch's The Scream is an icon of modern art, the Mona Lisa for our time. As Leonardo da Vinci evoked a Renaissance ideal of serenity and self-control, Munch defined how we see our own age - wracked with anxiety and uncertainty  (Esdesign Barcelona)6. Conexión con el entorno: "El Grito" no solo representa un momento de angustia, sino también una conexión entre el individuo y el entorno  (1st Art Gallery)Esta obra se ha convertido en el símbolo más reconocible de la ansiedad y la alienación del hombre moderno, siendo una de las imágenes más reproducidas y parodiadas del arte occidental.

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"La persistencia de la memoria" (1931) - Salvador DalíDatos de la obra:Artista: Salvador Dalí (1881-1989)Año: 1931Técnica: Óleo sobre lienzoUbicación: Se conserva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA), donde llegó en 1934  (Reprodart)Descripción visual:La obra presenta un paisaje onírico con relojes blandos derretidos colgando de un árbol seco, sobre una plataforma y en el suelo. Son relojes muy realistas que siguen marcando la hora (más o menos las 6 PM). La técnica de Dalí era muy académica y sus cuadros parecen sueños de verdad. Sabía hacer lo que él llamó "fotografías de sueños pintadas a mano"  (Cultura Genial)Significado e interpretación:1. Visión subjetiva del tiempo: La persistencia de la memoria es una visión subjetiva de la temporalidad y de sus implicaciones, sea en la propia obra de arte o en los recuerdos. Es también un homenaje al tiempo interior del inconsciente, que tiene su propia forma de contarse y que huye de la racionalidad superficial  (ELLE Decor)2. El tiempo como memoria personal: Dalí decía que el tiempo es personal. Para Dalí, los relojes representan la memoria que en algún momento de tu vida se acaba. Si no cuidas de tu memoria y simplemente la sigues calentando con los constantes recuerdos del pasado, en algún momento se acabará... se derretirá  (Esdesign Barcelona)3. Relatividad temporal y onírica: La persistencia de la memoria nos desafía a repensar nuestra relación con el tiempo. No se trata solo de relojes que pierden su estructura; es una declaración profunda sobre la relatividad del tiempo, la fluidez de los momentos y el intricado baile entre la realidad y los sueños  (SciELO)4. Poder del subconsciente: Para Dalí, la pintura fue una manifestación de su creencia en el poder de la mente subconsciente y la importancia de la imaginación y la creatividad en la experiencia humana  (1st Art Gallery)Esta obra maestra del surrealismo continúa siendo un testimonio de su genio artístico y su habilidad para visualizar lo que trasciende la realidad palpable  (Cultura Colectiva) , convirtiéndose en una de las imágenes más reconocibles del arte del siglo XX.La obra puedes encontrarla fácilmente buscando "La persistencia de la memoria Dalí" en cualquier motor de búsqueda de imágenes, ya que es una de las pinturas más reproducidas y reconocidas del mundo.

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Nombre de la obra: Paso del Ejército Libertador por el Páramo de Pisba.                                 Autor: Francisco Antonio Cano Cardona (1865–1935).                                                              Fecha: 1922.                                          Significado: Esta pintura simboliza la epopeya de la Campaña Libertadora, retratando el cruce heroico del ejército patriota por el inhóspito páramo de Pisba entre el 1 y 7 de julio de 1819. Simón Bolívar aparece en el centro, preocupado por sus tropas que enfrentan condiciones extremas: fríos intensos, niebla, granizo y terreno difícil. La obra subraya el sacrificio, la resistencia y la voluntad de libertad que guiaron la independencia de Colombia.

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🖼Obra: Horizontes                                            (1913)Autor: Francisco Antonio Cano Cardona (1865–1935).                                                   Fecha: 1913                            Significado:Representa a una familia campesina que mira al futuro con esperanza. El padre señala el horizonte como símbolo de la colonización antioqueña, el trabajo y el progreso, mientras la madre y el hijo reflejan la fe y la continuidad de la vida. La obra se convirtió en un ícono de la identidad y el espíritu de superación del pueblo colombiano.

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Obra "Violencia" de Alejandro Obregón, pintada en 1962, denuncia la violencia bipartidista que destruyó a Colombia en las décadas de 1950 y 1960.

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Obra "El pájaro" de Fernando Botero. Fue destruida parcialmente por un atentado con explosivos en 1995, en lugar de ser reparada el artista decidio dejar los restos como un monumento a la violencia y donó una escultura igual a la original como símbolo de paz.