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Mais est-ce que la danse et la technologie doivent uniquement se rencontrer dans un contexte scénique?

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"Mais le principe de toute technologie
est de montrer qu'un élément technique reste abstrait, tout à fait
indéterminé, tant qu'on ne le rapporte pas à un agencement qu'il
suppose. Ce qui est premier par rapport à l'élément technique,
c 'est la machine : non pas la machine technique qui est elle-même
un ensemble d'éléments, mais la machine sociale ou collective,
l'agencement machinique qui va déterminer ce qui est élément
technique à tel moment, quels en sont l 'usage, l'extension, la
compréhension . . . , etc."
(Deleuze, G. Guattari, F. Mille plateaux p. 495)

Une citation qui m'a beaucoup interpellé durant la session

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Voici la musique que j'écoutais pour jouer avec les organes (projet de mapping)

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Je dois avouer à priori avoir une relation assez ambiguë avec l’utilisation des nouvelles technologies dans le domaine des arts vivants. Si certes celles-ci peuvent être un outils dramaturgique et technique intéressant j’ai souvent eu l’impression, dans mon expérience de spectateur, que l’utilisation des nouvelles technologies prenait une trop grande place et venait cacher le reste du spectacle. Les différentes introductions aux utilisations qui peuvent être fait des technologies ont permis d’ouvrir un nouveau champ de compréhension de comment celles-ci pouvaient être utilisé et, amoindrir ma vison légèrement réfractaire à leur utilisation. Le plus grand apprentissage que j’ai fait durant la session est sans l’ombre d’un doute qu’en utilisant des logiciels, faire peut mais bien est souvent plus payant que faire beaucoup. Effectivement, si souvent je sentais l’envie de rajouter un maximum d’effet sur des images ou du son, ceux-ci perdaient alors beaucoup d’impact et il devenait difficile de contrôler leurs modulations. Explorer un ou deux effets en les poussant à leur plein potentiel donnait à mon avis un résultat beaucoup plus clair et était nettement plus agréable à manipuler. La session m’a permis de survoler plusieurs outils technologiques, qui désormais sans être nécessairement maitrisé à leur plein potentiel, sont accessible pour moi. Mon plus grand questionnement que j’ai eu au cours de la session est très certainement comment faire cohabiter au sein de l’espace scénique le projet chorégraphique et l’utilisation des nouvelles technologies. J’ai souvent eu l’impression au cours de la session que le projet chorégraphique devenait en quelque sorte une excuse pour l’utilisation de logiciel, qui dans un cadre pédagogique est sûrement la meilleure façon de fonctionner. Cela dit, j’ai l’impression que faire cohabiter la danse et la technologie est un énorme défi. Il est primordial qu’un dialogue, une relation, se créer entre ces matières pour que l’utilisation des technologies soit, à mon avis, pertinente sur scène.

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Je trouve l'utilisation de la technologie particulièrement intéressante dans ce spectacle. C'est du bricolage électrique, super low tech qui s'avère être un énorme défis technique.

https://vimeo.com/224258146

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Entrez nous sommes ouverts
Une création du Bureau de l'APA en coproduction avec Les productions Recto-Verso et le Festival TransAmériques et avec le soutien d'Espace Libre

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Le projet de mapping fut pour moi une occasion incroyable d’explorer certaines obsessions qui m’habitent. Étant particulièrement animé par le travail du cinéaste Chris Marker, j’ai vu l’occasion de traiter la matière vidéo comme une manière de m’inspirer du travail du réalisateur, de me frotter à son oeuvre (je vais laisser le lien Viméo pour Sans Soleil dans mon padlet, c’est long mais c’est beau). Ainsi en m’inspirant de son travail, la proposition se voulait de transformer les images, par un jeu de couleurs, jusqu’aux point ou elles ne deviennent presque plus intelligibles. Comme le disait Marker « (…) la matière électronique est la seule qui puisse traiter le sentiment, la mémoire et l’imagination. » En prenant comme matière brut, comme image de base, des animations de globules rouges et d’une chaine d’ADN et en les passant dans le filtre machinique, nous tentions de réinterpréter ces interprétations de notre corps. Effectivement, si ces images se veulent anatomiquement exactes elles ne représentent en rien les sensations de notre corporéité, comment alors s’y rattacher sans vertige, sans s’auto autopsier en quelque sorte. Le traitement de ces images devient alors vecteur sensoriel ne se rattachant plus à un désir de représenter mais bien au désir de ressentir. Une fois le projet vidéo réalisé je dois avouer avoir eu une certaine difficulté à le faire coexister avec le projet chorégraphique. Il devenait difficile de superposer un corps en mouvement et qu’il ait une place dans le projet de mapping. J’ai eu l’impression par moment que les deux projets ne formaient malheureusement pas un ensemble mais une sorte de superposition, qui par moment entrait en relation. L’utilisation de la caméra vidéo et la projection des images captées est venue pallier au manque de dialogue entre les deux propositions. Effectivement, si comme nommer plus haut, nous pouvions sentir un effet de superposition entre mouvements et images, la captation vidéo et la manipulation des images permettaient de créer un ensemble. Il va sans dire que le projet de manipulation vidéo en direct est un défi et qu’il demande une grande maitrise du logiciel, chose que j’ai peut-être appris à mes dépends. Cela dit j’ai trouvé le projet des plus intéressants et je pense être aller chercher quelques acquis en manipulation vidéo qui me seront très certainement utile à l’avenir.

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Le texte Les écritures technologiques du corps et des gestes dans l’oeuvre de Julien Prévieux nous plonge dans l’univers chorégraphique de l’artiste. Celui-ci s’étant intéressé lors de la création de l’œuvre what should we do next? au brevet entourant des gestes servants ou pouvant servir à l’utilisation de matériels technologiques. L’œuvre de l’artiste met en lumière, par le travail de répétition de gestes pouvant paraitre anodin à première vue, tout le travail mis de l’avant pour rendre le plus intuitif possible l’utilisation des nouvelles technologies, tel que les téléphones intelligents. Le texte nous fait entrer dans l’univers politique que ces gestes, meublant notre quotidien, peuvent revêtre. Si à première vue ceux-ci paraissent anodins, les autrices les décrivent comme étant prévu pour agir comme des extensions de notre corps, agissant dans un but de faire qu’un avec le matériel technologique. Ce floutage entre les limites de notre corporéité sont à la base du travail de l’artiste. Nous pouvons sentir un désir de Julien Prévieux de dénoncer la présence de ces appareils dans notre quotidien et comment ceux-ci influencent notre rapport au corps. Comme le notait le texte, « Chaque interprète poursuit minutieusement sa gestuelle dans une sorte d’isolement sensoriel et cognitif qui, tout en reproduisant la même séquence de mouvements, le sépare des autres. ». Si nous pouvons sentir un regard critique qui peut nous renvoyer à l’idée de Chorus de Michel Bernard traité dans le texte, disant que malgré l’aliénation que ces objets peuvent créer, un certain ensemble au niveau des corps s’en dégage. Si ces gestes sans la présence des appareils pour lesquels ces premiers ont été brevetés peuvent paraitre saugrenus, il va sans dire que l’exécution de ceux-ci peuvent paraitre comme une satire du post-humanisme. Effectivement, ces mouvements étant étudiés puis mis en fonction afin que les objets technologiques deviennent le plus possible une extension de notre corps entre dans une logique hyper productiviste, voulant que seul les machines, agissant alors comme prothèses, permettent d’atteindre une « humanité augmentée ». Le geste dépourvu d’objet agit alors comme un floutage entre ce qui est et n’est pas machine, que le corps machinique n’a pas besoin d’objet externe pour ce faire machine. Nous pourrions ainsi percevoir, comme le texte en fait mention, la figure Cyborg s’instaurer dans l’œuvre à l’instar d’un désir post-humaniste. En effet, si les corps s’animant sur scène sont quand même en relation avec des machines, il ne faut pas penser que ces machines sont issues d’un pantomime, ou bien de l’imagination des interprètes mais bien d’une conception machinique du corps. Par les contraintes et l’exploration de nouvelles corporéités, nous nous faisons machines, constitués en partie par des machines et par leurs interconnections devenant alors proprioception.

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"La rue américaine ne connaît peut-être pas
de moments historiques, mais elle est toujours mouvementée, vitale, cinétique, et cinématique, à l'image du pays lui-même, où la scène proprement historique et politique compte peu, mais où la virulence du changement, qu'il soit alimenté par la technologie, la différence des races, les media, est grande: c'est la violence même du mode de vie." (Jean Baudrillard, Amérique)

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C'est une grande inspiration pour moi je laisse ça ici