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El debate abre la reflexión entorno a estas y otras cuestiones, de profunda complejidad, para analizarlas desde distintos puntos de vista. 

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El debate abre la reflexión entorno a estas y otras cuestiones, de profunda complejidad, para analizarlas desde distintos puntos de vista. 

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Lee el  artículo de la revista Historia de National Geographic :

MUJERES PIONERAS

Durante la década de 1930, Brico dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín y la Filarmónica de Nueva York, desafiando los prejuicios de una sociedad machista que impedía a las mujeres alzarse con la batuta.

Fuente: Antonia Brico, la primera directora de orquesta (nationalgeographic.com.es)

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Cuando Antonia Louisa Brico nació, el 26 de junio de 1902, ya existían el teléfono y el cinematógrafo, ya se viajaba en coche y se bebía Coca-Cola. Aquel año se estrenó Viaje a la Luna, la primera película de ciencia ficción, y se celebró la segunda edición de los novedosos Premios Nobel. Sin embargo, las oportunidades no estaban al alcance de todos. Mientras unos dirigían y diseñaban los inventos que determinarían el siglo XX, otros estaban relegados a un lugar secundario.

En el mundo de la música, por ejemplo, todavía no había habido ninguna mujer directora de orquesta. Las batutas estaban reservadas para los hombres, que consideraban una idea escandalosa el que una mujer pudiera llegar a dirigir a un grupo de músicos. Afortunadamente, eso estaba a punto de cambiar.

Para saber más

Una vocación musical temprana

Se sabe muy poco sobre la infancia de Antonia Brico, apenas dos datos que marcaron el resto de su vida: el primero, que a los pocos días de nacer fue adoptada por el matrimonio de los Wolthis, que le cambiaron el nombre a Wilhelmina; el segundo, que nació en Róterdam, pero a los cinco años emigró a Los Ángeles, en Estados Unidos, donde pasó gran parte de su infancia y juventud.

Desde pequeña, Antonia Brico sintió una gran pasión por la música, por eso decidió compaginar sus estudios en la Escuela Secundaria de Oklahoma con clases de piano. Cuando se graduó, en 1919, la joven de diecisiete años ya era una pianista consumada y empezaba a encaminarse hacia el que siempre había sido su gran sueño: dirigir una orquesta.

Antonia Brico se trasladó a Nueva York tras finalizar la carrera para adentrarse en el mundo musical.

Aquel mismo año en el que sus aspiraciones empezaban a coger forma, Brico descubrió que había sido adoptada y decidió romper lazos con su familia. Recuperando su nombre original, se matriculó en la Universidad de Berkeley, en California, donde estudió artes liberales. Además, durante los años universitarios, la joven trabajó como asistente de director en la Ópera de San Francisco. Una vez terminada la carrera, Antonia Brico decidió trasladarse a Nueva York, ansiando encontrar allí el mundo musical del que quería formar parte.

Antonia Brico

Antonia Brico dirigiendo la Orquesta Filarmónica de Berlín.

Primera directora en las orquestas de berlín y nueva york

En Nueva York, la intérprete persistió en su carrera para convertirse en directora de orquesta, pese a la falta de apoyo y las burlas que recibía de su entorno. Pero la vida en la Gran Manzana duró poco, ya que en 1926 viajó a Hamburgo para convertirse en alumna de Karl Muck, el director de la Orquesta Filarmónica de Hamburgo, que fue uno de sus grandes maestros.

Al poco tiempo, la imparable Antonia Brico ingresó en la Academia Estatal de Música de Berlín, donde fue la primera mujer estadounidense en graduarse de aquel centro. Asentada en la capital alemana, la joven avanzó en su carrera y en 1930 debutó como directora en la prestigiosa Orquesta Filarmónica de Berlín, siendo la primera mujer en ocupar ese cargo. Con su impecable y aplaudida actuación, Antonia Brico demostró tanto a los críticos como al público que ser un buen o una buena directora de orquesta no tenía nada que ver con la condición de ser hombre o mujer.

A partir de entonces, su carrera despegó y Antonia Brico fue invitada a dirigir algunas de las orquestas más importantes del momento, entre ellas la Sinfónica de Los Ángeles, la Sinfónica de San Francisco y la Filarmónica de Hamburgo. En 1933, batió otro record al ser la primera mujer en dirigir la famosa Orquesta Sinfónica de Músicos de Nueva York. Sin embargo, pese al éxito de aquellos años, Brico jamás recibió todo el reconocimiento que merecía: fueron muchos quienes la llamaron para actuar como directora invitada, pero nadie le ofreció un puesto como directora titular en ninguna orquesta.

Para saber más

Una orquesta de mujeres

En 1934, cansada de aguantar los desaires y comentarios machistas de los músicos y empresarios con los que tenía que tratar, Antonia Brico fundó la New York Women's Symphony, una orquesta formada única y exclusivamente por mujeres. Este proyecto fue apoyado por Eleanor Roosvelt, la por aquel entonces primera dama de los Estados Unidos, y progresó de manera exitosa durante cuatro años.

Tras aquel éxito, Brico decidió abrirse y empezó a admitir hombres en su orquesta, que pasó a llamarse Orquesta Sinfónica de Brico. A partir de entonces, el proyecto inició su declive y la directora decidió aventurarse por otros caminos, más allá de Nueva York.

Antonia Brico realizó un sinfín de audiciones, pero nunca consiguió que la contrataran como directora titular en una orquesta.

Durante la década de 1940, Antonia Brico viajó por todo el mundo y realizó una gira en la que actuó como directora y como pianista. Fue invitada a dirigir decenas de orquestas, entre las que destacan la Orquesta Sinfónica de Helsinki, a la que la introdujo el famoso compositor Jean Sibelius, y la Japan Women's Sinfonia.

Al mismo tiempo, realizó un sinfín de audiciones, tratando de encontrar un puesto fijo en alguna de las orquestas. Pero, pese a su innegable talento, Brico siempre recibió un no por respuesta. Al parecer, a muchos les pesaba más el hecho de que fuera mujer que sus extraordinarias cualidades musicales.

Brooklyn Bridge NYC

Puente de Brooklyn, 1927.

Reconocimiento mundial tardío

Cansada de luchar contra aquel prejuicio, en 1947 se trasladó a Denver, donde fundó la Sociedad de Bach, el Conjunto de Cuerda de Mujeres y la Orquesta de Hombres de Negocios de Denver. Su ímpetu y vocación por la música la llevaron a dirigir muchas otras prqueñas orquestas y a desarrollar diversos proyectos musicales, hasta su jubilación en 1985.

Durante aquellos años en Denver, la fama de Antonia Brico se fue diluyendo y su importante carrera se asomó al abismo del olvido. Pero, afortunadamente, en 1974, su nombre volvió a estar en boca de todos a raíz del estreno de Antonia: Portrait of a Woman, una película documental basada en su vida que dirigieron la cineasta Jill Godmilow y la cantante folkórica Judy Collins, antigua alumna de Brico.

Gracias a esto, Antonia Brico obtuvo el reconocimiento mundial que merecía y pasó a la historia como una directora de orquesta pionera que abrió camino para las futuras generaciones. De todos modos, el legado de Brico tardaría un tiempo en dar fruto, ya que cuando la música falleció, el 3 de agosto de 1989, todavía no existía ninguna mujer directora de orquesta con puesto fijo en todo el mundo.

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Antonia Brico, la mujer que luchó por ser la primera directora de orquesta

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Durante la década de 1930, Antonia Brico dirigió la Orquesta Filarmónica de Berlín y la Filarmónica de Nueva York, desafiando los prejuicios de una sociedad machista que impedía a las mujeres alzarse con la batuta.

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Intenta responder  a las siguientes preguntas:

1. ¿Eres capaz de nombrar 5 directores de orquesta?

2. ¿Eres capaz de nombrar algún director de orquesta español?

3. ¿Conoces algún concierto para instrumento solista?

4. ¿Qué instrumentos hacen normalmente las funciones de solista en la Orquesta?

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Hasta 1750 aproximadamente, las orquestas estaban compuestas, sobre todo, de instrumentos de cuerda. de madera (flautas, oboes, cornos..), de trompas, trompetas, dos timbales y un bajo continuo (clavecín con viola da gamba o violonchelo).
A mediados del siglo XVIII se inicia lo que podríamos llamar proceso de «estandarización» de la orquesta. De manera
paulatina, los instrumentos van siendo anotados explícitamente en la partitura, con lo que se deja de lado, cada vez en mayor medida, la tendencia a la accidentalidad de las épocas anteriores. Aproximadamente entre 1750 y 1800 se asiste a la consolidación de la orquesta sinfónica; a partir de entonces este conjunto, con bases específicas en cuanto a su constitución, se desarrollará tanto cuantitativa como cualitativamente (mejoras técnicas y, por lo tanto, cambios relevantes en el sonido de los instrumentos), proporcionando la total variedad de giros orquestales conocidos en el siglo XIX y en el XX.

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Beethoven: el inicio de la orquesta romántica

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Beethoven dio un papel más importante a los instrumentos de viento en metal y a los timbales. El creciente individualismo del romanticismo, la búsqueda de una descripción realista en la música de programa y en el drama musical, impusieron numerosos nuevos instrumentos a la orquesta clásica (sobre todo, entre los instrumentos de viento en metal y los de percusión, apareciendo igualmente el arpa).

El gran renovador de la orquesta romántica fue Berlioz. El aumento del grupo de instrumentos de viento en madera y en metal hizo necesario el aumento del grupo de cuerda e hizo que la sonoridad de la orquesta fuera más rica e imponente (Wagner, Bruckner). Esta sonoridad masiva de la orquesta posromántica de un R. Strauss o de un Mahler, dejó lugar en Debussy a una diferenciación de la paleta orquestal en el sentido de la sobriedad y del refinamiento.

La búsqueda de cierta objetividad, unida a causas de tipo económico, hizo que el volumen de la orquesta se redujera considerablemente después de la Primera Guerra Mundial (Stravinsky, Schoemberg, Webern, Milhaud, Hindemith).

El grupo de cuerda, al que había sido confiada generalmente la melodía, cedieron paso a la batería (ritmo), a los instrumentos de viento en metal, en tanto que los instrumentos de música electrónica y eléctricos
(Vibráfono, Ondas Martenot, Theremine y otros), hicieron su aparición en la orquesta.

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Las orquestas de cuerda: Están compuestas de 11 a 20 violines, violas, violonchelos y contrabajos.

Las orquestas sinfónicas: Compuestas por numerosos instrumentos de viento en madera y en metal, instrumentos de percusión y un grupo de cuerda.

Las bandas de música: Compuestas de instrumentos de viento en metal, saxofones e instrumentos de percusión y con frecuencia un contrabajo.

Las orquestas de armonía: Compuestas de los citados instrumentos por grupos de tres, más instrumentos de madera, sobre todo clarinetes.

Orquestas de cámara: Compuestas de instrumentos de cuerda, aumentadas por algunos instrumentos de viento madera y metal.

Las orquestas de uso especial: La composición de estas orquestas es variable: orquesta de jazz, de salón, de mandolinas, de balalaicas, etc.

Orquesta tradicionales no occidentales: Gamelan, gagaku.

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Orchestral Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: III. Sarbande

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Orchestral Suite No. 2 in B Minor, BWV 1067: III. Sarbande

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La palabra orquesta procede del griego orchêstra  y significa "lugar para danzar". Esto nos retrotrae alrededor del siglo V a. J. cuando las representaciones se efectuaban en
teatros al aire libre (anfiteatros).

Al frente del área principal de actuación había un espacio para los cantantes, danzarines e instrumentos. Este espacio era llamado orquesta. Hoy en día, orquesta se refiere a un grupo numeroso de músicos tocando juntos, el número exacto depende del tipo de música.

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Antes de comenzar a estudiar la Orquesta y los diferentes instrumentos que la componen deberías repasar los siguientes conceptos:

¿Sabes lo que es una Orquesta?

¿Cuántos tipos de orquestas conoces?

¿Qué es una Orquesta de música clásica y que tipo de música interpreta?

¿Qué instrumentos forman la orquesta?

¿Cómo se clasifican los instrumentos?

¿Cuáles son las diferentes familias instrumentales?¿Cómo suenan las diferentes familias?

¿Qué es un luthier?

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Gagaku - Música de la Corte Imperial de Japón

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Gagaku - Música de la Corte Imperial de Japón

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El Gagaku tiene un gran valor histórico al ser la tradición viva más antigua de música orquestal en el mundo con más de 1300 años de vida. Es considerada Propiedad Cultural Inmaterial de Japón y al mismo tiempo los músicos de la corte son reconocidos como "Propiedades Culturales Intangibles Importantes", que es una designación comúnmente conocida como "Tesoro Nacional Viviente".
Al ser tan diferente en su forma y su instrumentación en comparación con la música occidental, ha ganado gran reconocimiento artístico. Su esquema de armonía y sistema de tonos tan altamente artístico ha contribuido en gran medida a la creación y desarrollo de la música contemporánea.
Fuente: https://royumi.com/blogs/blog-de-japon/gagaku-musica-de-la-corte-imperial-de-japon

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El término puede aplicarse a cualquier tipo de agrupación instrumental, sea cual sea su origen, desde la orquesta gagaku del Japón a las orquestas gamelan de Indonesia y Bali.
En la música culta occidental, hace generalmente referencia a la orquesta sinfónica, un conjunto integrado por numerosos instrumentos de cuerda más una selección de instrumentos de viento-madera, metal y percusión.

En la Edad Media el término pasó a hacer referencia al propio escenario. A partir de finales del siglo XVII, se usó para denominar el conjunto de intérpretes, al igual que en la actualidad. Sin embargo, el término aún denota también el conjunto de asientos colocados a nivel del suelo enfrente del escenario en los teatros y salas de concierto.

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El cuestionario que te propone el siguiente enlace te puede servir como actividad inicial para recordar lo que ya has aprendido en otras unidades.

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Ficha online de La orquesta sinfónica para 1º A 6º. Puedes hacer los ejercicios online o descargar la ficha como pdf.

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Los orígenes de la Orquestapor Klaus Warkentin

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Los orígenes de la Orquesta
por Klaus Warkentin

Lee detenidamente el texto de  y contesta las siguientes cuestiones:

¿Crees que es importante la figura del Director de Orquesta?

¿Qué funciones realiza un Director en la Orquesta?

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Despertamos cada día en un mundo que poco nos sorprende. La cotidianeidad ha hecho que todo lo que nos rodea sea obvio y simplemente parte de lo que somos. Las fantasías escasean, los colores poco duran y los cuentos ya no se improvisan antes de ir a dormir. Pareciera que todo ha estado ahí por siempre y que el pasado simplemente ha servido para eso, para que todo este ahí. Del futuro es mejor no hablar porque aunque sepamos todos que cada día el tiempo nos va tomando ventaja, queremos creer, eso si, siempre agarrados de la mano de nuestra arrogancia, que todo lo que viene dependerá de lo que decidamos hoy. Han sido este sentimiento y un cuento lo que me ha motivado a redactar este ensayo...La orquesta sinfónica es un instrumento por si sola. Una amalgama de colores que invita y somete, que contagia para crear sentido, que genera fantasías y vuelve a improvisar cuentos...

Narrar los hechos del pasado nos da la gran libertad de hacer de ellos lo que nos venga en gana. Reconozco que mi narración carece por completo de datos históricos fehacientes, pero mi intención no es recopilar información para hacer alarde de cultura. Lo que pretendo es plantear la verdad y esta es que nuestra realidad esta compuesta de historias, errores, procesos de pensamiento y de sentimientos, intenciones... simplemente de vida que engendra vida.
Esto es lo que define a la orquesta sinfónica. En un escenario vemos, en su máximo esplendor, a la música de occidente. Aquel que simplemente vea a muchos buenos músicos tocando juntos, no será capaz de vibrar con el sentimiento que esto provoca. Pero aquel que vea, en un solo instante, reunida la historia, la vida, los sueños, los triunfos y derrotas de una gran parte de la humanidad, sabrá contagiarse de la emoción de mis palabras. Basta con sentarse en silencio y mirar como el violín lucha por mantener su estatus de líder mientras que los demás de su misma especie lo acompañan en una danza perfecta, casi hipnótica. Los metales jamás pierden conciencia de su función y disfrutan cautivándonos con la belleza de su timbre. El contrabajo calla y acompaña, pero cuidado porque ha decidido hablar y en tan solo un par de segundos ha expuesto, acompañado de una flauta solitaria, un poderoso y único discurso. Y que me dicen de los músicos... con inconsciente devoción y absoluto respeto someten su entero existir a largas horas de ensayos y practicas para dominar a la perfección las técnicas que lograran hacer sonar de la manera mas pura la inspiración caprichosa de los compositores.
La Orquesta Barroca

Resulta que hace mucho tiempo existió un reino prospero en el que todo era alegría y felicidad. El monarca, persona instruida en el arte y las armas, gozaba enormemente de la música. Dentro de esta no muy compleja estructura social habitaba un personaje de estatura mediana y complexión robusta que se beneficiaba enormemente del cariño desinteresada que el rey sentía por el y que además, desempeñaba las funciones de "marca tiempos". Este oficio no podía ser ejercido por cualquiera. Antes de una presentación, había que vestirse con un traje muy especial (parecido al de los arlequines) y armarse de un enorme bastón. Una vez colocados los músicos, salía el "marca tiempos" y se colocaba sobre una pequeña tarima de madera ubicada a un costado del escenario. De manera solemne y precisa comenzaba a golpear su bastón contra el escenario, marcando el tiempo y el compás hasta el final de la interpretación.

Cierto día nuestro amigo perdió la solemnidad y mientras su atención se enfocaba vaya Dios a saber en que, aquel enorme y puntiagudo bastón fue a clavarse profundamente en su empeine que tanto resaltaba cubierto con esas blancas medias de seda y enfundado en esos relucientes zapatos de tacón. La lesión fue tan fuerte que al cabo de un par de semanas perdió la vida. El rey desconsolado dicto una nueva ley..."a partir de hoy queda prohibido el uso de los marca tiempos".

Había que hacer algo y créanme, probaron de todo. Hubo quien quiso marcar el tiempo con la voz, pero se enfrento a que debía de hacerlo de manera afinada y acababa perdiéndose en la estructura armónica de la obra y entre la intensidad de la misma. Intentaron tocar sin indicación de tiempo y aunque en algunos casos se logro, por lo general la orquesta acababa perdiéndose a la mitad de la obra. Intentaron hasta marcar el tiempo moviendo aquel enorme bastón por los aires. El resultado no era malo, pero los músicos acababan preocupándose mas por que el bastón no saliera volando y les pegara, que por interpretar la obra... El tiempo, testarudo y sabio como siempre, siguió su curso y fue así como se llego a lo que hoy conocemos como "la batuta del director".

Aunque no ahondaré mucho en el tema, es importante tener clara conciencia de los aspectos sociales, políticos y económicos de cada uno de los periodos que vamos a recorrer. Musicalmente hablando la orquesta barroca siempre estuvo muy "protegida" (aunque me gustaría mas usar la palabra "sometida") por ciertas reglas que se encargaban de su calidad sonora y por circunstancias externas que se encargaban de someterla a sus caprichos.Para poder explicar esto a fondo, es importante hacer un paréntesis y hablar, antes que nada, de cómo estaba conformada la orquesta. Echémosle un vistazo a una de las obras características del periodo... el
concierto Brandenburgo No. 3 en G Mayor de Johann Sebastian Bach. La interpretación esta en manos de tres violines (I, II, III), tres violas (I, II, III),tres violonchelos (I, II, III), un violone y un cembalo. Esta dotación nos sirve de ejemplo para definir la formación, la orquesta barroca estaba conformada por mínimo ocho y máximo quince músicos. La razón del porque de un margen tan amplio es que nunca se sabia a la hora de la hora que instrumentos y que cantidad de músicos se iban a tener a mano. El concierto Brandenburgo No. 3 en G Mayor usa once interpretes y en su mayoría son cuerdas, pero por desgracia no podemos utilizar esto ultimo como una verdad absoluta. Una obra estrenada podía ser interpretada una semana después con una formación notablemente reducida o con instrumentos totalmente diferentes. Para cuidar esto se estableció una regla, siempre debía haber presente un continuo y alguno de los miembros de la familia de las cuerdas. El barroco se basaba en una manera de pensar muy definida...

La belleza de la música radica en las líneas melódicas, no en sus dinámicas.

Pero vayamos mas allá y adentrémonos en el análisis. A lo largo y ancho del concierto Brandenburgo No.3 en G Mayor no encontramos una sola dinámica ni una sola agógica y si nos fijamos en el contrabajo, veremos que siempre esta doblando al violonchelo hasta que este toma la melodía, momento en el que el contrabajo deja de hacer lo mismo e interpreta una nota pedal. Estos dos aspectos que a simple vista parecen no tener nada en común, están en realidad estrechamente vinculados en su porque. Como ya lo había comentado, el barroco se basa en la belleza de las líneas melódicas. Si el contrabajo tomara la melodía o tratara de doblar al violonchelo en los momentos en que este toma la voz principal, obtendríamos un sonido pastoso y poco claro. Esto se debe a los armónicos de los instrumentos y el choque que se produciría por sus respectivos registros. Sabemos que, por naturaleza, el contrabajo tarda en responder a la hora de tratar de hacerlo sonar. Si aun así nos empeñamos en que siga al cello provocaríamos un efecto sonoro poco deseado (Delay).Estos aspectos técnicos no son mas que un reflejo de una clara conciencia del desarrollo instrumental provocada por la necesidad de pertenecer a un estilo que además de todo, demandaba y exigía la presencia de un pulso constante. La combinación de ideas y recursos acababa por ser tan compleja que los compositores se apegaban al principio elemental de las dinámicas poniendo o quitando instrumentos... quiero
Esta manera de pensar justifica la regla recién mencionada. Un continuo y un instrumento de cuerda obligarán la interpretación sonora e instrumental de las dinámicas naturales implícitas en la melodía y como acabamos de mencionar, esto resulta vital para el periodo barroco.
forte, que toquen todos... quiero piano, callo a todos y dejo al violín. En este mismo orden de ideas encontramos en el barroco el principio de las dinámicas opuestas. Esto es simple, si un pasaje se repite y fue interpretado en piano, se hace un cambio abrupto de dinámica y se interpreta lo mismo pero ahora en forte... por que no.

Un aspecto importante en el análisis del concierto Brandenburgo No. 3 son las ya mencionadas duplicaciones. Además del juego entre el contrabajo y el violonchelo encontramos que cuando el fagote aparece, duplica al unísono la línea del violonchelo. Con esto deducimos que aunque escasas, las duplicaciones son un recurso característico del periodo barroco. Las cuerdas en el barroco juegan un papel importante y sin duda son técnicamente el instrumento mas avanzado. Encontramos una serie de indicaciones de arcadas dentro de las cuales predominan el detachè (arcadas alternadas hacia arriba y hacia abajo),La Orquesta Clásica legato ( parejo y suave, sin interrupción entre las notas). Además encontramos que todo es interpretado alla corda (a la cuerda).

La orquesta barroca... sonido de pulso constante, protegido por reglas que se encargan de su calidad sonora, integrada por un mínimo de ocho y un máximo de quince músicos. Su rasgos mas característicos son el continuo y una cuerda que, junto a los demás instrumentos, presentaran dinámicas naturales implícitas en la melodía, que es la esencia del barroco... donde radica la belleza.

La orquesta clásica presenta una serie de cambios importantes con respecto al periodo barroco. Encontramos una dotación instrumental mucho mas compleja y que acabara seccionándose para poder así cumplir con sus funciones. Son ahora 25 músicos los encargados de interpretar la música.

No podemos iniciar nuestro análisis sin comparar la función de los instrumentos en cada uno de sus entornos. La sección de cuerdas se divide en ocho violines primeros, seis violines segundos, cinco violas, cuatro violonchelos y dos contrabajos, siendo este ultimo el único que sigue manteniendo la misma función de apoyo que había venido desarrollando. Los demás realmente han cambiado. El violín es básicamente el instrumento que mas evoluciona. Los encontramos ahora interpretando acordes de dobles, triples y hasta cuádruples cuerdas? acompañados de toda una nueva gama de arcadas. Aparece frecuentemente el legato (ligado) y aunque en menor proporción si de manera considerable el pizzicato (cuerdas pulsadas con los dedos) y el staccato (indicación que obliga a reducir el valor de las notas a mas de la mitad del su valor real y que genera un sonido fragmentado) con técnica de spicato (utilizando la mitad del arco, tipo detachè). Aunque no tan drástico, las violas sufren un cambio parecido al del violín incorporando la ejecución de acordes.

Al analizar la sinfonía #41 de Wolfgang Amadeus Mozart encontramos indicaciones de dinámicas que antes no había... Allegro vivace, Alegreto, Molto Allegro, etc. También los instrumentos presentan nuevos aspectos técnicos como el trino, bassi (todos los bajos), Arco (anula el pizzicato y vuelve al uso del arco), etc.

Aunque reconocemos que los alientos metal no tienen una función estelar, si desempeñan un papel de marcada importancia. Sigue siendo las cuerdas quienes mantienen el monopolio de la interpretación melódica, pero en ciertos momentos ceden sus derechos y dejan que los metales prueben, a lo largo de un par de compases, de este suculento manjar. La manera de sonar de los metales es curiosa. Usan únicamente las notas de la escala de armónicos naturales y resulta que logran los cambios alterando la dureza de los labios. El corno tiene una boquilla con una cavidad triangular y es el mas largo de todos los alientos (desenrollado mediría aprox. 7m). Su tubo se va ensanchando desde el principio a diferencia del de la trompeta que mantiene un ducto recto de principio a fin y que tiene una boquilla con cavidad circular. Para que los metales pudieran cambiar su tónica y así genera otra notas se utilizaba un implemento llamado " crook". Esta eran una serie de extensiones de metal que se colocaban entre la boquilla y el instrumento (aunque ahora nos resulte poco útil, debe considerarse un enorme logro que daba un sinfín de nuevas posibilidades). El rango de todos los metales es del G3 al C16. Cabe destacar que los alientos, por lo general, no producen el armónico uno y sus notas son puras (sin resonancia de armónicos).

La orquesta clásica recluta a nuevos miembros entre sus filas. Aparecen los timbales que por lo general, se escriben en C y en G aunque en realidad suene la tónica y la dominante. Acaba siendo un instrumento transpositor como todos los alientos metal. Por ultimo mencionaremos la función de las familias dentro de la orquesta clásica. Las cuerdas tienen una función melódica (tema principal) y otra armónica. Los alientos madera cumplen con la ornamentación tímbrico-melódica y, al igual que los alientos metal y las percusiones, desarrollan una función rítmica, melódica y como recurso de fuerza.

Para poder comprender los grandes cambios que presenta la orquesta Beethoveniana es importante echar un vistazo a lo que pasaba en la Europa de aquellos tiempos. A grandes rasgos podemos decir que se vivía una época de transición. El poder político, social y económico que hasta ahora había estado en manos de la monarquía, pasa a manos del pueblo gracias a la revolución francesa. Los cambios fueron drásticos. El poder, la educación y la cultura servían ahora a un nuevo señor. Ya no eran la ideas rígida y meticulosamente calculadas de la monarquía quienes dictaban los caminos de lo hermoso. Era una nueva visión, una nueva perspectiva la que se encargaba de los cánones. La visión del pueblo... No pretendo con estas líneas dejar un resumen completo de uno de los periodos mas importantes de la historia de la humanidad, solo intento crear un antecedente para facilitar la comprensión de la evolución de la orquesta.

Los cambios llegaron también a la música. En la sinfonía No.3 ( Eroica) de Ludwig van Beethoven se reflejan muchos de estos dramas político-sociales. Uno de los grandes cambios fue la perdida del poder de los violines. Hasta Beethoven el violín había sido el instrumento mas importante. A partir de este momento la orquesta deja de ser un algo compuesto por elementos y se convierte en un todo donde cualquier instrumento (excepto trompeta y timbal por sus limitaciones) puede y debe ser capaz de cumplir con una función melódica. Este cambio llega a ser tan evidente en la sinfonía No.3 (Eroica) de Ludwig van Beethoven que, en cierto momento, la melodía principal es interpretada por los bajos.

No se entienda con esto que los violines pasaron de ser rey a ser nadie. A partir de este momento es evidentemente que deberán compartir su lugar con los demás miembros de la orquesta, pero la evolución continua. Los violines jamás dieron un paso atrás, por el contrario, siguieron evolucionando y obligaron el desarrollo técnico de los demás instrumentos. Quiero creer que Beethoven ve nuevas posibilidades en el instrumento y le permite experimentar con atmósferas. Le permite crear ambientes que se logran incorporando nuevas técnicas de interpretación que, en combinación con las anteriores, elevan el nivel del instrumento. No creo equivocarme al decir que todos los instrumentos se enfrentaban a partituras mucho mas complicadas con dinámicas que antes jamás hubiesen imaginado. Beethoven siempre busco que la orquesta sonara como su idea original y fue esto lo que propicio el incremento en las técnicas de interpretación de prácticamente todos los miembros de la orquesta.

En este afán de darle a la orquesta el sonido que el quería podemos ver como plantea la disposición de los acordes de manera distinta, casi de compás a compás. La finalidad de esto era generar la atmósfera que buscaba, ya sea tensión o relajamiento, angustia o esperanza... los resultados fueron asombrosos. Para marcar aun mas estos logros de intención, reforzaba sus ideas con dinámicas muy marcadas y exageradas de un fortísimo a un súbito pianísimo.

El corno resulta un caso particular y peculiar dentro de la orquesta Beethoveniana. Al analizar su partitura encontramos notas que no pertenecen a la escala de armónicos naturales de la fundamental del instrumento. Esto puede dar pie a que uno piense que los metales comenzaban a utilizar pistones... pero no es así. De manera casual alguien descubrió que metiendo la mano al resonador del corno podía no solo alterar el timbre del instrumento, sino que también podía alterar la altura de la nota. Esto le dio nuevos horizontes al instrumento y a los compositores.

La orquesta Beethoveniana resulta el parte aguas entre el antes y el después. A partir de aquí nada volvería a ser igual. No solamente se plantearon nuevos caminos, también se abrieron puertas a posibilidades que hoy en día muchos seguimos explorando. El fruto de estas ideas se vive aun en las grandes salas de concierto y aunque es verdad que el tiempo sigue y la evolución continua, la esencia permanece y no desaparecerá jamás.

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Despertamos cada día en un mundo que poco nos sorprende. La cotidianeidad ha hecho que todo lo que nos rodea sea obvio y simplemente parte de lo que somos. Las fantasías escasean, los colores poco duran y los cuentos ya no se improvisan antes de ir a dormir.

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Una orquesta es el conjunto de músicos e instrumentistas que interpretan obras musicales siguiendo las pautas de un director. Por su parte, la orquesta sinfónica es un tipo de orquesta que está formada por unos cien músicos con instrumentos de cuerda, madera, metal y percusión. Pero, ¿Dónde y cómo surge este tipo de formación musical?

Para entender el origen de la orquesta sinfónica, debemos remontarnos a la formación de las primeras agrupaciones musicales durante la época medieval. En aquel momento, la música en general estaba más enfocada a lo vocal y no tanto a lo instrumental, por lo que carecía de popularidad. Sin embargo, con la llegada del Barroco surgen los primeros grandes constructores de instrumentos y, con ellos, la importancia de la música instrumental.

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Os presento mi publicación sobre "LA ORQUESTA"

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Joscyl - Orfeón  Don Manolito - Ensalada madrileña

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¿Cómo preparar y participar en el debate?

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¿Cómo preparar y participar en el debate?

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Escucha atentamente el audio en el que se van a explicar de manera detallada las consignas del debate.

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Orquestas tradicionales no occidentales
En grupos de cuatro, realizad una labor de documentación y búsqueda de audiciones o vídeos sobre las diferentes agrupaciones instrumentales o tipos de orquestas que se nombran en el texto y no pertenecen a la música occidental culta. Realizad una puesta en común en el aula para tener una idea global de la enorme riqueza tímbrica e instrumental  de los tipos de orquesta que no pertenecen a nuestra cultura.

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Indonesia

Inscrito en 2021 ( 16.COM) en la Lista Representativa del Patrimonio Cultural Inmaterial de la Humanidad

© Directorate of Heritage and Cultural Diplomacy, Indonesia, 2019

Gamelán es el nombre que se da a la orquesta de música tradicional indonesia y a su instrumental, constituido primordialmente por metalófonos muy peculiares (gangsas) hechos a mano y ornamentados, así como por gongs, carillones de gongs, xilófonos, címbalos y tambores. Todas esas percusiones van acompañadas por instrumentos de cuerda y flautas de bambú. La música de esta orquesta se ajusta a reglas y técnicas muy precisas en materia de tono, estructura, ritmo, métrica y ejecución. Por ejemplo, la melodía la toca simultáneamente un grupo de instrumentos y muchos otros pueden interpretar partes relacionadas entre sí para crear un mismo ritmo. Las piezas musicales son interpretadas por mujeres, hombres y niños de todas las edades con motivo de la celebración de rituales religiosos, ceremonias públicas, obras de teatro tradicionales, fiestas y conciertos. Utilizada como terapia, esta música no sólo se considera un medio para poner en contacto a los seres humanos con el universo, sino que además constituye una expresión de la identidad cultural indonesia desde muchos siglos atrás. En efecto, los bajorrelieves del templo de Borobudur -construido entre los siglos VIII y X- son una prueba arqueológica de la vigencia de este género musical en tiempos ya muy remotos. Los practicantes y depositarios de este elemento del patrimonio cultural inmaterial, auténtico motivo de orgullo nacional, son los músicos y cantantes, así como los fabricantes y afinadores de instrumentos, que lo siguen transmitiendo mediante sistemas de enseñanza formal e informal, especialmente en los centros docentes y durante las actividades extraescolares.

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Gamelán es el nombre que se da a la orquesta de música tradicional indonesia y a su instrumental, constituido primordialmente por metalófonos muy peculiares (gangsas) hechos a mano y ornamentados, así como por gongs, carillones de gongs, xilófonos, címbalos y tambores. Todas esas percusiones van acompañadas por instrumentos de cuerda y flautas de bambú.

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1. Lee el siguiente artículo extraído de un artículo de Internet.

2. Elabora una lista cronológica de los compositores que se nombran.
3. Elabora un listado con los instrumentos que formaban parte de cada una de las orquestas para las que componían su música, clasificándolos por la familia instrumental a la que pertenecen.

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La evolución de la Orquesta Clásica a la Orquesta Romántica

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 Grabación de pantalla:  Entrevista a Benjamín Zander

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¿Qué puede enseñarnos un director de orquesta?

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¿Qué puede enseñarnos un director de orquesta?

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Cuestiones para argumentar durante el debate:

¿Qué lugares han ocupado las mujeres en las canciones, en las bandas, en los festivales, en las portadas…?

¿Dónde están las mujeres compositoras, bateristas o trompetistas?

¿Cuál diríais que es la situación de las mujeres en la música?

A menudo vemos que se repiten patrones que reproducen los roles de género establecidos. Las mujeres músicas, y especialmente aquellas que se colocan en la cima de la industria son guapísimas, femeninas, tienen cuerpazos y explotan su sexualidad como parte de su personalidad artística. Nos preguntamos si es difícil salirse de estos cánones tan marcados.

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Debate: metodología para preparar y realizar un debate

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Dirige un conjunto orquestal en una audición o concierto. Ayuda a los intérpretes a dar inicio, a mantener el tiempo y el ritmo de una pieza musical.

Ejecuta su misión, permitiendo que el conjunto de los instrumentos de la orquesta transmita lo más fielmente posible aquello que el compositor quería expresar.

El/la director/a es la figura de autoridad, es decir, quién tiene que coordinar toda la orquesta.

Escucha y reacciona para equilibrar el sonido que produce la orquesta, lleva el tempo, indica la entrada de cada instrumento, marca los acentos dinámicos y agógicos y lleva a cabo cualquier otra instrucción relevante dejada a la partitura por el compositor/a.

Utilizar las manos y/o la batuta para comunicarse con los músicos, como elemento de dirección y como expresividad física para transmitir su interpretación -con movimientos, miradas, e incluso con todo el cuerpo- a los músicos y a la audiencia.

Imprime su carácter a la interpretación, representándola, y es responsable de velar por un conjunto interpretativo dentro de la orquesta. Con su personalidad, también define el estilo y el carácter de toda la orquesta y de sus interpretaciones musicales.

Se encarga de organizar y planear los ensayos y de elegir el repertorio, además del orden en que este será tocado, unificando la idea musical.