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Paleolítico (4,000,000 A.C.), Mesolítico (70000.30000 A.C), Neolítico (30000-9500 A.C)

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Escultura representativa de este período, venus esteatopigeas, probablemente eran amuletos para la fertilidad.

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Pintura representativa de esté período, caracterizados por sus formas más estilizadas, colores rojo y negro básicamente.

escenas de recolección y danza, cacería.

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La construcción de Stonehenge surge a finales de esta época, hacia el 3,100 a.c., se ubica en el megalitismo, construcción con grandes bloques de piedra.

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Pirámide escalonada e Zoser, perteneciente a la tercera dinastía del antiguo Egipto (2650 a.C.) edificada por Imhotep, prototipo de las otras pirámides. Localizada al suroeste de Menfis,

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El faraón que conquisto Nubia, reinado (1878-1839 a.C.) Imperio medio de Egipto.

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Imperio Nuevo, (1342-1325 a.C) último monarca de su familia real, hijo de Akenatón, perteneciente a la dinastía XVIII de Egipto.

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Esposa de AKenatón, nació en Tebas (1500-1070 a.C) conocida por reformar la política religiosa estatal junto con su marido, promovieron la forma más antigua del monoteísmo, el atonismo, centrado en el culto del disco solar (Atón)

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Se distingue por su estilo plano, figuras contorneadas representadas de forma esquemática y estilizada, la misma paleta de colores, rojo, ocre, azul y negro, personajes de perfil, mirada de frente, perspectiva jerárquica.

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(El sublime de los sublimes) se localiza en el complejo de Deir el Bahari, sobre la franja occidental del rio Nilo, Egipto, construido en honor a Amon-Ra, dios del sol.

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Se desarrolla entre 900 a.C y el 31 a.C, originada en el cercano oriente y alcanzando un alto nivel de arte, se divide en cuatro estilos, geométrico, corintio, ateniense de figuras negras y ateniense de figuras rojas. No solo es artística, también nos narra información crucial sobre la vida y cultura de los antiguos griegos.

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En la antigua Grecia, un Kouros era una escultura de un joven desnudo que representaba la belleza y la perfección física masculina. Estas esculturas eran comunes en el período Arcaico y se utilizaban principalmente como ofrendas votivas en los santuarios religiosos.

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Los Paneles o tablillas de Pitsa son un grupo de tablillas de madera pintadas encontradas cerca de Pitsa, en las proximidades de Sición; esta fue una antigua ciudad de Grecia.

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1.	El Discóbolo de Mirón es una escultura griega clásica creada alrededor del 450 A.C. Representa a un atleta en el momento de lanzar un disco.

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Las cariátides de la Acrópolis son seis esculturas en forma de mujer que sostienen el techo del falso pórtico sur del Erecteion, un antiguo templo griego dedicado a Atenea y Poseidón, construido entre el 421 y el 406 a.C. 

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Victoria de samotracia. Museo de Louvre, París, Francia; la estatua se denomina Níke, Diosa de la victoria, es una escultura perteneciente a la escuela rodia del período helenístico.

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victoria de samocrecia paris museo de louvre

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Está es una de las obras más relevantes del período helenístico. Atribuida a Agesandro (o Hagesandro), Arenorodo y Polidoro de Rodas, probablemente se esculpió entre 170 y 150 a.C. La escena está inspirada en la mitología grecolatina, y está narrada en la Eneida de Virgilio.

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Levantado sobre tres gradas, las dimensiones aproximadas del edificio son de 69,5 metros de longitud, por 30,9 de anchura, con columnas que alcanzan los 10,93 metros de altura haciendo que el Partenón mida un total de 14 metros de altura. Fue construido entre los años 447 a. C. y 438 a. C. en la Acrópolis de Atenas. Es el templo griego más conocido del mundo.

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Columnas dóricas, jónicas y corintias, El estilo dórico, no tiene basa. Las columnas comienzan desde el pedestal directamente por el fuste, lo más característico de las columnas jónicas es su capitel, fácilmente reconocible por sus volutas a ambos lados de la columna; El corintio es el más ornamentado y elegante de los tres órdenes griegos existentes.

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El mapa y extensión del Imperio Romano cubrió numerosos pueblos europeos, los cuales fueron sometidos a un profundo proceso de romanización.

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Ara Pacis Augustæ es un altar y monumento dedicado a la diosa romana Pax erigido por el senado romano para celebrar las victoriosas campañas de Augusto en Galia e Hispania y la paz impuesta luego de su retorno triunfal. Construido entre el año 13 a. C. y el año 9 a. C

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El Cista Ficoroni es un cofre o joyero datado aproximadamente entre los años 350 a.C. y 330 a.C., perteneciente al arte etrusco. Fue hallada en el año 1.738 d.C. por el anticuario Francesco de Ficoroni en la necrópolis de Praenestre.

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El Hipogeo dei Volumni es una antigua tumba hipogea etrusca que data de la segunda mitad del siglo II a.C. Se encuentra a 5 km al sureste del centro de Perugia, en via Assisana, Ponte San Giovanni. Este lugar histórico ofrece una visión única de las prácticas funerarias de la antigua civilización etrusca.

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Los romanos querían más naturalidad en sus esculturas, los escultores griegos que venían se adaptaban a ellos, usaban el mármol como elemento plástico para sus piezas, por los atributos que tiene la piedra.

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En la cuestión de pinturas, básicamente se encontraron murales, que había en casa de personas pudientes, pero también en casas de familias no adineradas, esté mural hallado en Pompeya demuestra la belleza y habilidades de los artistas de la época.

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Casa de Neptuno y Anfítrite, se encuentra en la ciudad de Erlocano, este mosaico es rico en su diseño, en la perfección de trabajar, cortar y colocar los vidrios, se usaba el mosaico por garantizar su duración y belleza.

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El Coliseo Romano, también conocido como Anfiteatro Flavio, es un emblemático anfiteatro de la antigua Roma, construido entre los años 70 y 80 d.C., y es considerado una de las maravillas arquitectónicas del mundo.

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Monumentos arquitectónicos. El Coliseo Romano

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Monumentos arquitectónicos. El Coliseo Romano

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Monumentos arquitectónicos. El Coliseo Romano

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El emperador Augusto alardeaba que dejo la ciudad hecha de mármol, los emperadores crearon circos, foros y anfiteatros para entretener a la gente, los caldarium fueron introducidos para mantener el agua caliente, había hornos debajo de cada tema, calentados por esclavos.

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El Panteón de Agripa o Panteón de Roma es un antiguo templo romano —en la actualidad, consagrado como iglesia católica—, situado en la ciudad de Roma, Italia, en el lugar de un anterior templo encargado por Marco Agripa durante el gobierno de Augusto. 

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Arquitectura, civilización del Caral entre 3000 al 2000 a.C., está cultura se asentó en la actual provincia de Barranca, Perú, considerada la más antigua de América.

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civilización del caral, se asentó en la actual provincia de Barraca, Perú 

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El arte olmeca son las manifestaciones culturales y plásticas producidas por la civilización olmeca durante el período Preclásico en los territorios mesoamericanos. Algunos autores consideran que los olmecas fueron la cultura madre de todas las civilizaciones mesoamericanas, ya que le dieron origen al estilo artístico empleado por estas culturas durante su desarrollo.

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El Códice de Dresde o Códice Dresde, también conocido como Codex Dresdensis, es un libro maya originario de la región de Chichén Itzá en México que data del siglo XIII, aproximadamente entre el año 1200 al 1250. El códice contiene una gran cantidad de registros astronómicos avanzados que incluye tablas calendáricas de eclipses, ciclos solares, ciclos lunares, el ciclo de Venus y profecías además de información astrológica relacionada con deidades de la mitología maya. Se cree que este libro, o códice maya, es la copia de un texto original que lo precede unos trescientos o cuatrocientos años.​

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Los murales de Bonampak son una serie de extensas pinturas murales mayas consideradas una de las obras pictóricas más representativas y las mejor conservadas pertenecientes a la cultura maya, plasmadas en las paredes del Templo de los Murales en la Estructura I de Bonampak.

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El calendario azteca es el sistema de calendario que fue utilizado por los aztecas, así como otros pueblos precolombinos de México Central. Es uno de los calendarios mesoamericanos, que comparte la estructura básica de los calendarios de la antigua Mesoamérica.

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Los murales son un conjunto de sincretismos del estilo zapoteca y Maya, con ello se sabe que parte de la élite maya vivió en Teotihuacan.

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El epiclásico se caracteriza por ser un periodo de violencia y caos social a raíz del ocaso Teotihuacano, producto de ello fue la formación de asentamientos como Xochicalco, el Tepozteco y Teopanzolco.

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El arte precolombino o arte prehispánico comprende el conjunto de obras artísticas e intelectuales, tales como escultura, arquitectura, arte rupestre, cerámica, textil, metalista y pintura realizadas por los oriundos del continente americano durante el período previo.

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La Basílica original fue demolida y reconstruida por iniciativa del Papa Benedicto XIV, obra de Ferdinando Fuga (1699-1782), arquitecto de edificios eclesiásticos. Hoy en día es un ejemplo típico de la transición barroco-neoclásica. 

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Cuando Constantino decide fundar en 324 Constantinopla sobre lo que era la antigua Bizancio, una colonia fundada por los colonos griegos de Megara, unos diez siglos antes, y que con el tiempo se había transformado en ciudad imperial romana, tal vez no imaginara que ponía la piedra basal de un edificio que tomó como tradición sentirse el centro del Universo y que muchas veces cuando estaba por caer se volvía a levantar con la fuerza de un coloso.

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La construcción de esta basílica, que en un principio se había dedicado a san Martín, se acomete a comienzos de la década de 490, después de la erección de San Apolinar  bajo el mando del rey ostrogodo Teodorico.

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A pesar de llamarse la edad oscura, la edad media nos da pautas importantes para el arte en la actualidad nacieron en la edad media, el gobierno parlamentario, el derecho consuetudinario, lenguas actuales y estados nacionales modernos.

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La caída de Roma se considera el comienzo del período medieval, marcado por conflictos, guerra abierta y migraciones de extranjeros en tierras antes controladas por los romanos, la dinastía Carolingia fue fundada y sobrevivió menos de 150 años, en este periodo se estimulo un interés en el aprendizaje las artes.

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Carlomagno, también conocido como Carlos I el Grande, fue una de las figuras más influyentes de la Edad Media. Nacido alrededor del año 742, su reinado marcó un antes y un después en la historia europea, sentando las bases de lo que más tarde se convertiría en el Sacro Imperio Romano Germánico. Su importancia radica no solo en sus conquistas militares, que expandieron su reino hasta abarcar gran parte de Europa Occidental, sino también en sus reformas políticas, culturales y religiosas, que impulsaron el Renacimiento Carolingio. 

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Estructura Jerárquica: El feudalismo se basaba en una jerarquía social donde el rey otorgaba tierras (feudos) a los nobles a cambio de lealtad y apoyo militar. Estos nobles, a su vez, distribuían porciones de sus tierras a vasallos menores, como caballeros, quienes juraban servirles. Las relaciones de lealtad y protección eran fundamentales. Los vasallos recibían tierras y protección a cambio de su servicio militar y tributos. En la base de la pirámide social estaban los campesinos, quienes trabajaban la tierra y estaban sujetos a la autoridad de los señores feudales. Muchos eran siervos, lo que significaba que no eran libres de abandonar el feudo, el sistema feudal acaba en la baja edad media.

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Muchos manuscritos medievales eran de naturaleza religiosa. Los libros de horas eran particularmente ornamentados. Estos libros designaban un ciclo de oración para el propietario, establecido por días y horas. Cada oración iba acompañada de ilustraciones que representaban escenas religiosas, así como las actividades mundanas del día. 

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Arte triunfal de la arquitectura medieval, comienza alrededor dl siglo XII y duró hasta finales del XV, se le atribuye el nombre Gótico por los godos que habían provocado la caída de Roma, este estilo caracteriza por el uso del arco ojival o apuntado, se utilizaba en cúpulas, portales y ventanales, la incorporación de nuevas técnicas arquitectónicas, como los arbotantes y las bóvedas de crucería, que permitieron construir edificios más altos, con muros delgados y amplias superficies vidriadas, presencia de formas ornamentales complejas tanto en la escultura como en la decoración arquitectónica.

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Las gárgolas son tallas de piedra que se ven en iglesias góticas y que sirven como desagües y soportes estructurales. Además, simbolizan la lucha entre el bien y el mal y la relación entre la humanidad y lo divino.

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El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Giovanna Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas (hoy Bélgica), entre 1420 y 1472. Al día de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor.

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Filippo Brunelleschi fue un genio del Renacimiento cuyo enfoque innovador y su perfeccionismo técnico revolucionaron la arquitectura de su tiempo y dejaron un legado duradero en la historia del arte.

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Filippo Brunelleschi, Catedral de Florencia.

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Filippo Brunelleschi, Catedral de Florencia.

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El cuadro La aparición de Cristo en el lago Tiberíades es una obra del reconocido pintor italiano Duccio di Buoninsegna. Esta pintura se destaca por su representación detallada y emotiva de un pasaje bíblico en el que Jesucristo aparece a sus discípulos mientras pescan en el lago.

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Una de las pinturas más famosas del Renacimiento italiano, que representa la llegada de la diosa del amor a la tierra sobre una concha marina. Autor: Sandro Botticelli (1445-1510) Nombre de la obra: "Nacimiento de Venus" Fecha: 1485. Técnicas y materiales: Témpera sobre lienzo.

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La escultura de Moisés de Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564) fue tallada en mármol, entre los años 1513 y 1515, en la época del Cinquecento del Renacimiento italiano, y se encuentra actualmente en la basílica de San Pietro in Vincoli en Roma, Italia. 

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Alto Renecimiento, Moisés de Miguel Angel Bounaroti

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Alto Renecimiento, Moisés de Miguel Angel Bounaroti

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Alto Renecimiento, Moisés de Miguel Angel Bounaroti

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Nos situamos en 1498 en Roma, en pleno apogeo del Renacimiento. El cardenal Saint Denis encarga al escultor florentino, Miguel Ángel, que realice una Piedad. Se trata de la actual Piedad del Vaticano, creada en mármol de Carrara y localizada en la capilla del Crucifijo de la Basílica de San Pedro. La Piedad representa el dolor de la Virgen María al sostener en brazos el cadáver de su hijo Jesús cuando desciende de la cruz. El grupo escultórico forma un triángulo equilátero sobre una base elíptica, que otorga equilibrio y estabilidad a la imagen. Es notable la influencia neoplatónica sobre el escultor, que da como resultado el idealismo renacentista que hace que la belleza predomine sobre el sufrimiento.

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Cuatro años se pasó Miguel Ángel esculpiendo la obra. A las pocas semanas de comenzar, el escultor pidió que levantaran cuatro muros alrededor del bloque, para poder protegerlo de los curiosos. Y claro, la expectación era máxima. Poco se sabe de como fue naciendo la escultura. Miguel Ángel era un tipo que apreciaba el secretismo en el trabajo. No le gustaba nada que le observaran mientras trabajaba, quizás porque los curiosos y los críticos le ponían nervioso, o quizás porque quería mantener en secreto su método de tallar. El caso es que cuando al fin se mostró la pieza, se derribaron los muros como en un gran espectáculo, y la gente quedó estupefacta.

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La Mona Lisa y La última cena, así como El hombre de Vitruvio son las pinturas y el dibujo más conocidos en el mundo occidental. Y las tres son las obras más famosas, mas no las únicas, de Leonardo da Vinci, quien en popularidad y reputación ocupa el primer lugar, seguido del también pintor y escultor Miguel Ángel. Hay múltiples interpretaciones del dibujo y entre ellas una supone que el italiano tenía un método para cuadrar el círculo, que junto con la duplicación del cubo y la triplicación del ángulo son los tres llamados problemas matemáticos clásicos de los griegos. El título original de la otra obra es Retrato de Lisa Gherardini, esposa de Francesco del Giocondo, y fue pintada entre los años 1503 y 1519. 

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Leonardo Da´Vinci Hombre de Vitruvio y Mona Lisa.

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Leonardo Da´Vinci Hombre de Vitruvio y Mona Lisa.

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Leonardo Da´Vinci Hombre de Vitruvio y Mona Lisa.

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Madonna dell´impannata Autor Raffaello Sanzio Fecha 1516. Estilo, Renacimiento Italiano. Material: Óleo sobre tabla Dimensiones 160 x 127 cm. Museo Galería Palatina

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Alberto Durero (en alemán Albrecht Dürer; Núremberg, 21 de mayo de 1471-Núremberg, 6 de abril de 1528) es el artista más famoso del Renacimiento alemán, conocido en todo el mundo por sus pinturas, dibujos, grabados y escritos teóricos sobre arte. Ejerció una decisiva influencia en los artistas del siglo XVI, tanto alemanes como de los Países Bajos, y llegó a ser admirado por maestros italianos como Rafael Sanzio. Sus grabados alcanzaron gran difusión e inspiraron a múltiples artistas posteriores, incluyendo los nazarenos del siglo XIX y los expresionistas alemanes de principios del siglo XX.

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Durante la última cena, Cristo se levanta y se pone a lavar los pies de sus apóstoles (el primero debe ser Pedro, calvo y con barba). Esa escena del Evangelio de Juan es la excusa de Tintoretto para pintar este espléndido cuadro de más de 5 metros que podemos contemplar en el Prado de Madrid. No hay jerarquías. Para Tintoretto todo vale igual. Al fondo, hasta se puede observar la última cena en la penumbra, una cena dentro de la cena, pintada casi como un esbozo, pero llena de fuerza frente a esa luz fría que ilumina toda la escena y da una sensación de irrealidad.

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El Greco pinta entre los años 1586 y 1588 este inmenso lienzo que representa el milagro acaecido en el año 1323, cuando San Esteban y San Agustín de Hipona bajan del Cielo para enterrar personalmente a Gonzalo Ruiz de Toledo. Señor de Orgaz. Así de bueno era el conde (aunque en realidad Gonzalo no era conde: Orgaz no fue condado hasta más tarde).Cierto es que el noble fue el que construyó la iglesia y que pasaron dos siglos hasta que no lo pintó el Greco, pero ahí queda esta obra para inmortalizarlo para siempre. ​Museo: Iglesia de Santo Tomé, Toledo (España) Técnica: Óleo (480 x 360 cm.) Escrito por: Miguel Calvo Santos

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La muerte del conde de Orgaz. El Greco

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La muerte del conde de Orgaz. El Greco

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el entierro del conde de Orgaz. El Greco

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 Es una iglesia construida entre 1638 y 1641 en la ciudad de Roma. Diseñada por Francesco Borromini (1599-1667), es una de las piezas maestras de la arquitectura barroca. Forma parte de un conjunto de edificios monásticos instalados sobre el Monte Quirinal, fue un encargo de la Orden de los Trinitarios Descalzos, dedicados a la liberación de esclavos cristianos, en la vía Quattro Fontane en 1634. Está consagrada a Carlo Borromeo y fue encargada bajo el patronazgo del Cardenal Francesco Barberini, quien vivía en un palacio cercano.

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Borromini, Roma Italia, Iglesia San Carlo alle cuatro fontane.

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Borromini, Roma Italia, Iglesia San Carlo alle cuatro fontane.

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Borromini, Roma Italia, Iglesia San Carlo alle cuatro fontane.

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La Fontana de Trevi (Fontana di Trevi) es una fuente del siglo XVIII situada en el barrio de Trevi en Roma, diseñada por Nicola Salvi y completada por Giuseppe Pannini en 1762 y varios otros. Con 26,3 metros de alto y 49,15 metros de ancho, es la fuente barroca más grande de la ciudad. El tema de toda la composición es el mar. Está situado en una gran piscina rectangular con esquinas redondeadas, rodeada por una pasarela que la recorre de un lado a otro, que a su vez está cerrada por una corta escalinata justo debajo del nivel de la calle de la plaza.

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Nicola Salvi y guisepe panini. Fontana di Trevi, Roma Italia.

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Nicola Salvi y guisepe panini. Fontana di Trevi, Roma Italia.

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Nicola Salvi y guisepe panini. Fontana di Trevi, Roma Italia.

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Bernini creó uno de los grupos escultóricos más espectaculares del barroco, este éxtasis de Santa Teresa que muestra el momento en el que Santa Teresa de Ávila recibe el don místico de la transverberación (tal como describe en su Libro de la Vida). La transverberación viene a ser una “unión íntima” con el mismísimo Dios y por lo tanto es más que un orgasmo, es como sentir “traspasado el corazón por un fuego sobrenatural”. Y como buen barroco, Bernini no escatimó en intensidad dramática y fuerza dinámica, además -por supuesto- de su habitual y exquisito tratamiento del mármol. El “éxtasis” une arquitectura, escultura y pintura, para que el espectador se quede ojiplático al ver tamaña obra maestra.

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Éxtasis de Sta Teresa, Bernini. Roma Italia.

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Éxtasis de Sta Teresa, Bernini. Roma Italia.

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El Éxtasis de Santa Teresa es una escultura de mármol realizada por Bernini entre 1647-1652. Representa el momento en que un ángel traspasa el corazón de Santa Teresa con un dardo, causándole a la vez dolor y deleite místico. La obra se encuentra en la Capilla Cornaro de la Iglesia de Santa María de la Victoria de Roma, y forma parte de un conjunto escenográfico diseñado por Bernini para despertar la devoción en los fieles. - Download as a PDF or view online for free

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La Conversión de San Pablo camino a Damasco es una obra que el pintor Caravaggio recibe como encargo entre 1600 y 1601 para la capilla de Tiberio Cerasi en la iglesia de Santa María del Popolo, sin embargo, se coloca hasta 1605, dos años después de la muerte de Tiberio. 

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Título: Judit decapitando a Holofernes Autor: Artemisia Gentileschi Cronología: c. 1613Estilo: Barroco Materiales: Óleo, lienzo Ubicación: Galería Uffizi, Florencia Dimensiones: 158,8 cm × 125,5 cm.  Se produce una constante entre las escasas mujeres que pueden acceder a la actividad artística: ser hijas de artista. En su caso, su padre es Orazio Gentileschi, representante de la escuela de Caravaggio. Gracias a él aprende a desarrollar el dibujo. Estamos ante la que es considerada como su obra cumbre. La figura de Judit se presenta como la de una heroína activa, que salva al pueblo de Israel de las manos de Holofernes. Logra seducirle, y en su encuentro, Holofernes bebe hasta caer desmayado; Judit aprovecha este momento para decapitarle.

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La Elevación de la Cruz es una famosa pintura realizada por el artista flamenco Peter Paul Rubens. En esta obra, el artista representa el momento en que Jesucristo es elevado en la cruz para ser crucificado, rodeado de soldados y diferentes personajes históricos.

La composición de la obra es dinámica y llena de movimiento, con una notable influencia del arte barroco. Rubens logra captar la emoción y el dramatismo de la escena a través de su uso del color y la luz, creando una atmósfera intensa y conmovedora. La Elevación de la Cruz de Peter Paul Rubens fue pintada en el año 1610.

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Frans Hals (c. 1582 – 1666) fue capaz de destacar en pleno Siglo de Oro Holandés, lo hizo gracias a su inmenso talento como retratista, tan grande que no solo es una figura del arte de su país, sino que gracias a obras como Los regentes del Hospital de Santa Isabel de Haarlem o La gitana hay que considerarlo como uno de los grandes pintores de todo el arte Barroco europeo.

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Durante siglos se pensó que en La ronda de noche era lógicamente de noche. Pues no. El título original del cuadro era La compañía militar del capitán Frans Banninck Cocq y el teniente Willem van Ruytenburgh, pero reconozcamos que no era un título muy pegadizo por lo que desde el XIX popularmente se empezó a conocer con el carismático nombre de Night Watch. El barroco era una vanguardia en la época: claroscuros, movimiento, contrastes, dramatismo… y Rembrandt se convirtió uno de sus máximos exponentes cuando tenía 34 años.

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La Carta de amor es una de las obras más famosas del pintor holandés Jan Vermeer. En esta pintura, Vermeer representa a una mujer joven leyendo una carta, mientras un caballero observa atentamente. La escena se desarrolla en una habitación tranquila y llena de detalles que muestran la habilidad del artista para capturar la luz y las texturas.

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La carta (Vermeer) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Judith Leyster, la gran pintora cuyas obras se apropió Frans Hals y el Louvre negó su autoría En 1893, en una limpieza, se supo que una pintura admirada como obra de Hals en realidad había sido pintada por Leyster. Durante dos siglos sus obras fueron erróneamente atribuidas a él, a sus compañeros de trabajo e incluso a su marido.

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El trío alegre es una pintura al óleo de Judith Leyster en una colección privada.[1]​ Fue considerado un trabajo de Frans Hals hasta 1903.

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El cuadro Las meninas de Diego de Velázquez fue pintado en el año 1656 y retrata a la infanta Margarita, hija del rey Felipe IV, en el taller del pintor situado en el Palacio Real Alcázar de Madrid. Actualmente se encuentra en el Museo del Prado en Madrid, España. Esta pieza forma parte del estilo barroco que contrasta la formalidad de la familia real y su entorno con la vida cotidiana común a todos. Originalmente se titulaba Retrato de la señora emperatriz con sus damas y una enana. Tras un incendio en el siglo XVIII, pasó a llamarse La familia del Señor rey Phelipe Quarto. Más tarde se titula La familia. El contraste de luces y sombras junto con el juego de perspectivas conseguido mediante el espejo del fondo y las miradas de los personajes, pintados en escala natural, genera la ilusión de estar dentro del cuadro.

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El Palacio de Versalles es un magnífico ejemplo de la arquitectura barroca francesa, caracterizado por su grandiosidad, simetría y opulencia. Estilo Barroco.  construido entre 1624 y 1715, es un ícono del estilo barroco, que se caracteriza por su extravagancia y ornamentación. Este estilo se manifiesta en la multiplicación de elementos decorativos, como doraduras, arabescos de estuco y bóvedas pintadas. La estructura del palacio está organizada en torno a la figura del rey, con los aposentos reales situados en el centro del edificio, lo que refleja la centralidad del monarca en la vida política y social.

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El columpio, también conocido como Los felices azares del columpio, es una obra de estilo rococó realizada en óleo sobre lienzo por el artista francés Jean Honoré Fragonard (1732-1806). La formación de Fragonard comienza como discípulo de Chardin y Boucher, de ellos adquiere el luminismo y como discípulo de Boucher llegó a realizar una gran cantidad de copias de su obra. Más adelante su viaje a Italia le permite conocer la obra de Tiépolo de la que queda prendado, allí también pudo inspirarse en las fuentes, jardines y villas renacentistas para recrear los ambientes de sus cuadros.

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Pintor italiano, nacido en Milán hacia 1571 y fallecido en Porto Ércole en 1610. Fue el impulsor y representante más destacado del tenebrismo. Destacó por el descarnado realismo de sus escenas, el interés en el dramatismo, la exploración emocional y psicológica de sus personajes y el gran dominio de la anatomía. La enfermera atenta | Jean-Baptiste Simeon Chardin

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La enfermera atenta | Jean-Baptiste Simeon Chardin

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La enfermera atenta | Jean-Baptiste Simeon Chardin Comprar como una impresión de arte.

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Saturno devorando a su hijo" es una de las obras más impactantes de Francisco de Goya, que representa al titán mitológico Saturno en el acto de devorar a uno de sus hijos, simbolizando el paso del tiempo y la desesperación. Contexto de la Obra; La pintura fue creada entre 1820 y 1823 y forma parte de la serie conocida como "Pinturas Negras", que Goya pintó en las paredes de su casa de campo, la Quinta del Sordo, cerca de Madrid. Esta serie se caracteriza por el uso de pigmentos oscuros y temáticas sombrías, reflejando el estado emocional y las inquietudes del artista en sus últimos años. 

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Saturno devorando a su hijo, Francisco de Goya.

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Saturno devorando a su hijo, Francisco de Goya.

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Saturno devorando a su hijo, Francisco de Goya.

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La consagración de Napoleón (en francés Le Sacre de Napoléon) es una pintura de Jacques-Louis David, pintor oficial de Napoleón Bonaparte realizada entre 1805 y 1808. El cuadro tiene unas impresionantes dimensiones de 629 x 979 cm y se conserva en el Museo del Louvre de París, Francia, si bien existe una réplica posterior en el Palacio de Versalles. La coronación y la consagración tuvieron lugar en Notre Dame de París, una manera para Napoleón de poner de manifiesto que era un hijo de la Revolución: designaba la capital como el centro político, administrativo y cultural de Francia.

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Neoclasico,La consagración de Napoleón Jean Louis David

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Neoclasico,La consagración de Napoleón Jean Louis David

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Neoclasico,La consagración de Napoleón Jean Louis David

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Para que una mujer llegara a convertirse en pintora de la corte en el siglo XVIII es porque tenía un talento superlativo. Vigée-Lebrun lo tenía. Y así se convertiría en la pintora favorita de la reina, a quien pintaría 25 veces mientras retrataba a mismo tiempo, con toda la elegancia y la sofisticación del rococó, a esa clase social que disfrutaba los placeres de la vida cortesana sin darse cuenta de que le estaba llegando la Revolución Francesa.Vigée Le Brun y el retrato escandaloso que condenó a María Antonieta

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Vigée Le Brun y el retrato escandaloso que condenó a María Antonieta

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La pintora Élisabeth Vigée Le Brun debutó como miembro de la Academia con un polémico retrato de la reina de Francia que tendría consecuencias

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“Amor y Psique”, 1787-1793, mármol, 155cm x 168cm; Museo del Lovre, París Amor y Psique, Antonio Canoba, 1787-1793El artista realizó la obra por encargo del coronel inglés John Campbell (Lord Lawdor), el modelo fue comenzado en 1787, no terminándose la obra hasta 1793; en 1800 fue adquirida por el marchante y coleccionista holandés Henry Hoppe; acabando finalmente en manos de Joaquín Murat, mariscal de Napoleón, quien la hizo transportar hasta su castillo, donde parece que fue admirada por el propio Napoleón, hecho que influirá posteriormente en la vida del artista.

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La balsa de la Medusa" es considerado el cuadro insigne del movimiento romántico francés y es una de las estrellas en el Museo del Louvre. Principalmente, se destaca por representar la tragedia de forma visceral y alejarse de los cánones de belleza clásica. Su autor, Théodore Géricault (1791 - 1824), responde al ideal romántico de genio torturado, pues no gozó de fama en vida. Sólo llegó a exponer cuatro cuadros en el curso de su carrera y una muerte temprana impidió que pudiera desarrollar más su pintura. Sin embargo, el tiempo logró la validación que tanto deseaba.

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Hacia finales del siglo XVIII, surgió un nuevo movimiento artístico llamado Romanticismo. Este extenso período cultural celebró el lado espiritual de la humanidad, la sublimidad de la naturaleza y el individualismo a través de pinturas dramáticas a gran escala. A la vanguardia de este notable estilo estuvo el artista francés Eugène Delacroix. El color estaba en el corazón del estilo pictórico de Delacroix, creó paletas reflexivas que realzaban el tema de sus pinturas. En particular, empleó la armonía de colores (combinación de dos o más colores) y los colores contrastantes (colores que se encuentran en extremos opuestos de la rueda de colores) para enriquecer sus composiciones. Pinceladas expresivas El enfoque de Delacroix hacia la pintura es a menudo visto como un precursor de los impresionistas. 

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Delacroix, La libertad guiando al pueblo.

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Delacroix, La libertad guiando al pueblo.

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Joseph Mallord William Turner es un pintor romántico que vivió entre los años 1775 y 1851. Pero pese a esas lejanas fechas, se trata de un verdadero revolucionario en el arte de la pintura que se adelantó enormemente a su tiempo, y en algunas de sus obras se ven elementos que se anticiparon décadas e incluso un siglo a corrientes posteriores como el Impresionismo o la Pintura Abstracta.

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Gustave Courbet (1819-1877) fue un influyente pintor francés y figura destacada del movimiento artístico del Realismo del siglo XIX. Nacido el 10 de junio de 1819 en Ornans, Francia, Courbet creció en el seno de una familia acomodada. Mostró un talento temprano para el arte y, a los 20 años, se trasladó a París para estudiar pintura en la Escuela de Bellas Artes. Courbet desafiaba las convenciones artísticas de su tiempo al centrarse en representar la vida cotidiana y escenas realistas. A menudo pintaba paisajes, retratos y escenas rurales.

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El ferrocarril Datos principales: Aliasen la estación Autor Eduoard Manet Fecha: 1872-73 Estilo impresionismo Material: Óleo sobre lienzo Dimensiones93´3 x 114´5 cm. Museo National Gallery (Washington) La atracción hacia los temas de la vida moderna llevó a Manet a tomar como protagonista de este lienzo a la estación de Saint-Lazare, anticipándose en algunos años a la obra de Monet. Las modelos empleadas fueron Victorine Meurent y Suzanne, la hija del pintor Alphonse Hirsch, en cuyo jardín fue realizada la obra.

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El ferrocarril (Manet) - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Lo pintó Monet y con él revolucionó la historia del arte. Había nacido el impresionismo. Teniendo en cuenta que si eras pintor en la Francia, sólo podías exponer en el Salón de París, es normal que se creara el Salón de los rechazados, donde el arte podía seguir su curso lejos de los acartonamientos de la academia. En 1874, unas 3500 personas acudieron a la primera exposición impresionista y se quedaron con la boca abierta… Todo era demasiado moderno. Las burlas fueron generalizadas y el crítico Louis Leroy escribió: Al contemplar la obra pensé que mis gafas estaban sucias. ¿Qué representa esta tela?…, el cuadro no tenía derecho ni revés…, ¡Impresión!, desde luego produce impresión…, el papel pintado en estado embrionario está más hecho que esta marina…

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Museo: Museo d’Orsay, París (Francia) Técnica: Óleo (131 × 175 cm.) De la obra en cuestión, que supuso una de las atracciones principales de la tercera exposición impresionista, celebrada en 1877 en Paris, manan las ideas de este movimiento pictórico y en particular, la manera que tuvo Renoir de interpretar sus técnicas y conceptos. Renoir fue el impresionista de la figura humana. Frente a la predilección por el paisaje, tanto urbano como natural, que marcó a este grupo artístico, Renoir le puso cara al impresionismo al situar a las personas en el centro de sus composiciones. Expuestas, protagonistas, vivas. Como buen impresionista, Renoir plasmó in situ uno de los bailes que se celebraban frecuentemente en el Moulin de la Galette, situado en el barrio parisino de Montmartre.

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Calle de París; día lluvioso (en francés: Rue de Paris, temps de pluie) es una gran pintura al óleo de 1877 del artista francés Gustave Caillebotte (1848-1894), y es su obra más conocida. Muestra a varias personas caminando por la Place de Dublín, entonces conocida como Carrefour de Moscú, en una intersección al este de la Gare Saint-Lazare en el norte de París. Aunque Caillebotte era amigo y mecenas de muchos de los pintores impresionistas, y esta obra forma parte de esa escuela, se diferencia en su realismo y en su dependencia de la línea en lugar de las pinceladas amplias.

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Calle de París día lluvioso, Caillebotte

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Calle de París día lluvioso, Caillebotte

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Calle de París día lluvioso, Caillebotte

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Edgar Degas (1834 - 1917) Degas acudía con asiduidad a la Ópera de París, como espectador, pero también entre bastidores, a la sala de la danza, donde lo introdujo un amigo músico de orquesta. En dicha época todavía se trataba del edificio de la calle Le Peletier y no de la Ópera diseñada por Garnier, que pronto la sustituirá. A partir de comienzos de los años 1870 y hasta su muerte, las bailarinas ejerciendo durante los ensayos o en reposo, se convierten en el tema de predilección de Degas, incansablemente recuperado con numerosas variaciones en las poses y los gestos.

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El visionario pintor francés Paul Cézanne (1839-1906) fue probablemente el artista más influyente de su época. Es ampliamente considerado como el padre del arte moderno, el primer posimpresionista y un precursor clave del cubismo. Dentro de la variada producción artística de Cézanne, los paisajes de su Provenza natal son los más abundantes, pero sus numerosos bodegones son quizás aún más interesantes. Estos arreglos intencionalmente inacabados de frutas y vajillas demuestran el enfoque único del artista para retratar la forma. 

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Paul Cézanne, el padre de la pintura moderna - Grandes momentos de la historia del arte

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Título original: De sterrennacht La noche estrellada es una obra realizada por Vincent van Gogh en junio de 1889, durante su estancia voluntaria en el hospital psiquiátrico de Saint-Rémy-de-Provence, en el sur de Francia. Este cuadro se encuadra dentro del movimiento Postimpresionista, surgido en la última parte del siglo XIX como una evolución del Impresionismo, con mayor carga simbólica y expresiva. Se trata de un óleo sobre lienzo de dimensiones medias (73,7 × 92,1 cm), y se conserva actualmente en el Museum of Modern Art (MoMA) de Nueva York. Esta pintura es uno de los iconos universales del arte moderno.

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Repasamos la intensa biografía de Gauguin, incansable perseguidor de la naturaleza pura y pionero en la abstracción caliente postimpresionista. En 1848 nació el genio francés amante de Oceanía "Gauguin" es la necesidad de huida de la civilización eurocéntrica, es la búsqueda de la pureza -vital y artística-, es el sueño de hacer por fin algo grandioso, de cambiarlo todo sin mirar atrás, de saltar al vacío sin red. 

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Paul Gauguin - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Eugène Henri Paul Gauguin ( París, 7 de junio de 1848- Atuona, Islas Marquesas, 8 de mayo de 1903) fue un pintor posimpresionista reconocido después de su fallecimiento. El uso experimental del color y su estilo sintetista, fueron elementos claves para su distinción respecto al impresionismo.

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El puntillismo es una técnica artística que consiste en crear imágenes mediante el uso de diminutos puntos de color. Esta técnica se originó en Francia a finales del siglo XIX, específicamente en 1884, y está asociada con el movimiento neoimpresionista, siendo Georges Seurat uno de sus principales exponentes. Los artistas que utilizan el puntillismo aplican los puntos de manera estratégica para representar la luz y los colores, logrando que, al observarse desde cierta distancia, se compongan figuras y paisajes bien definidos. 

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El Art Nouveau es un estilo estético que se extendió por gran parte de Europa y América a partir de fines del siglo XIX. Este estilo, que forma parte de los movimientos modernistas de la época, asumió particularidades regionales y recibió distintos nombres: Dependiendo del país se conoció como Art Nouveau (Bélgica y Francia), Jugendstil (Alemania y países nórdicos), Sezession (Austria), Modern Style (Reino Unido), Nieuwe Kunst (Países Bajos), Liberty o Floreale (Italia) y Modernismo (España).Todas hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, joven, libre y moderno.

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 El Art Nouveau (del francés “arte nuevo”) fue un movimiento artístico renovador que apareció en Europa durante el período de fin de siglo (fin de siècle en francés) y la belle époque (que significa “la bella época”), es decir, entre finales del siglo XIX y principios del siglo XX, y se manifestó en pintura, escultura, arquitectura, artes gráficas, artes decorativas y todo tipo de diseño (diseño interior, de moda y demás). El parque fue diseñado por el arquitecto Antoni Gaudí, máximo exponente del modernismo catalán, por encargo del empresario Eusebi Güell. Construido entre 1900 y 1914, fue inaugurado como parque público en 1926.El parque Güell es un reflejo de la plenitud artística de Gaudí: pertenece a su etapa naturalista (primera década del siglo XX), período en que el arquitecto perfeccionó su estilo personal, a través de la inspiración en las formas orgánicas de la naturaleza, para lo que puso en práctica toda una serie de nuevas soluciones estructurales originadas en sus profundos análisis de la geometría.

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Art nouveau, arquitectura, el parque Güell 

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Art nouveau, arquitectura, el parque Güell 

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Art nouveau, arquitectura, el parque Güell

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El beso (original en alemán: Der Kuss) es una obra del pintor austríaco Gustav Klimt y probablemente su obra más conocida. Es un óleo con laminillas de oro y estaño sobre lienzo de 180 x 180 centímetros, realizado entre 1907 y 1908. ​Esta obra, que sigue los cánones del Simbolismo, es una tela con decoraciones y mosaicos sobre un fondo dorado. Está expuesta en la Österreichische Galerie Belvedere de Viena. Normalmente las obras de Klimt creaban escándalos y eran criticadas como "pornografía" y por ser "excesivamente pervertidas". Las obras pusieron a Klimt como un "enfant terrible" por sus opiniones antiautoritarias y antipopulistas sobre el arte. Él escribió: "Si no se puede complacer a todo el mundo con sus obras y su arte, por favor complace a unos pocos". Por el contrario, El beso fue recibida con entusiasmo.

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La Sagrada Familia es una basílica católica de Barcelona, diseñada por el arquitecto Antoni Gaudí. Iniciada en 1882, aún está en construcción con más de 140 años desde su primera piedra, Gaudí desarrolló su propio estilo, componiendo sus obras con yuxtaposiciones de masas orgánicas y animando las superficies con ladrillos o piedras estampadas, azulejos cerámica brillante, metalistería floral.

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El fauvismo se caracteriza por el uso intenso y arbitrario del color, la simplificación de formas y una fuerte expresión emocional en las obras.

Contexto Histórico

El fauvismo surgió en Francia a principios del siglo XX, siendo reconocido oficialmente en el Salón de Otoño de 1905. El término "fauvismo" fue acuñado por el crítico de arte Louis Vauxcelles, quien se refirió a los artistas como "fauves" o "bestias salvajes" debido a su uso audaz del color. Henri Matisse es considerado el líder del movimiento, junto a otros artistas destacados como André Derain y Maurice de Vlaminck.
El fauvismo, aunque breve, tuvo un impacto significativo en el desarrollo de movimientos artísticos posteriores, como el cubismo y el expresionismo, al sentar las bases para nuevas formas de expresión en el arte moderno.

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Lienzo enorme encargado a Matisse por un millonario ruso.

El artista simplifica las formas y satura los colores, que son tan intensos que llaman la atención. Es uno de los rasgos característicos del pintor: el uso libre del color, además de ese vigor expresivo. No olvidemos que Matisse fue una de las cabezas visibles del

Matisse pinta uno de sus temas fetiche: el regreso a la mítica Edad de Oro, donde los seres humanos éramos felices bailando y cantando sin preocupaciones.

Se puede ver su fascinación de por el arte primitivo, y consigue a la perfección su objetivo de transmitir el dinamismo de la danza.

HA! siempre será gratis, pero si crees que es útil para ti y para el mundo entero, te animamos a que nos apoyes. O si lo prefieres, puedes apoyar a Miguel Calvo Santos para que siga escribiendo cosas como esta.

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Regreso a la época mítica donde los humanos bailábamos sin preocupaciones.

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  Pintor: Georges Rouault Título: “El viejo rey” Técnica: Óleo sobre tela Año de realización: 1916-1938 Medidas: 76 X 54 y Pintura. Esta obra hace parte de los cuadros más famosos de la pintura universal La obra se encuentra en: MUSEUM OF ART, INSTITUTO CARNEGIE, PITTSBURGHEl. Fue pintada durante un período de veinte años, entre 1916 y 1938. Sus fragmentos expansivos de color brillante se combinan con la grave dignidad de la piedad medieval, y un halo de luz creado por Rouault merced a un devoto y reiterado regreso a sus terrenos de color evocativo. 

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La siguiente sala en la que entré, nada más abandonar el claustro o patio, estaba dedicada a un pintor y artesanal realizador de vidrieras, un francés del siglo XX llamado Georges Rouault — así nos…

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Inquietante, expresionista y vívido, El Grito es una de las  obras de arte más icónicas que se han producido. Con El Grito, Edvard Munch capturó la ansiedad del hombre moderno.Considerado uno de los primeros ejemplos del movimiento expresionista, El Grito ha tenido un impacto en la cultura popular casi sin precedentes. Aunque disfrutó del éxito tras la serie Friso de la vida, que incluía El grito, lamentablemente Munch se vio afectado por su exceso de alcohol y su estado mental desquiciado. Ingresó en un sanatorio privado en 1908, y aunque salió en la primavera de 1909, su capacidad artística nunca se recuperó del todo. Vivió el resto de su vida aislado en su finca de Ekely, y murió en 1944.

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ERNEST LUDWING KIRCHNER, la máxima expresión.I 

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Kirschner marchará a Berlín en 1911 y es allí dónde va a realizar las obras que harán de él uno de los más grandes exponentes del expresionismo alemán. ROJA RIBERA 1912.

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ERNEST LUDWING KIRCHNER, la máxima expresión.I

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Corría el año 1905 cuando un grupo de estudiantes de arquitectura entre los que se encontraba Ernest Kirchner (Aschaffenburg, Alemania,…

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Máscara Naturaleza Muerta III Autor: Emil Nolde Datación de la obra: 1911 Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 74 x 78 cm. Localización: Atkins-Museum. Kansas City. Nolde sólo quería homenajear a su gran ídolo James Ensor, y pintar a la gente por lo que era: un grupo de máscaras. En ese sentido no se equivocaba… después de todo la palabra «persona» significa en latín «mascara».

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Emil Nolde, Naturaleza muerta de máscaras.

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Emil Nolde, Naturaleza muerta de máscaras.