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Ludwig, Wolfgang, Johann Sebastian, Richard, Franz, Antonio... Basta solo il nome, la memoria richiama il cognome in automatico e le note delle loro più famose melodie risuonano facilmente nella nostra mente. Sono alcuni dei più grandi compositori della storia della Musica occidentale e sono tutti uomini.

Per molto, moltissimo, tempo comporre musica è stata un'attività legata al mondo maschile; certo, le donne studiavano musica, potevano diventare bravissime cantanti ed eccellenti virtuose, ma erano doti finalizzate ad arricchire le doti di moglie, madre e angelo del focolare.

L'aspetto più creativo del far musica, la composizione, era riservata agli uomini; ma recenti, e tardi, studi hanno individuato nel corso dei secoli una presenza di donne compositrici. Molti nomi illustri che a causa della condizione sociale e culturale delle donne nel corso dei secoli, ancora oggi sono considerate figure minori, quasi sconosciute e dimenticate. Alcuni studiosi parlano di un "oblio delle compositrici", lasciate, soprattutto agli occhi del grande pubblico, nel più totale silenzio.

Già in alcuni documenti di epoca medievale viene riscontrato un ruolo attivo della donna legata al servizio religioso, non solo come interprete, ma anche come autrice. Tra le tante spicca il nome della tedesca Hildegard von Bingen (Santa Ildegarda) (1098-1179), badessa benedettina dell'abbazia di Rupertsberg. Figura di alto prestigio spirituale, politico e letterario, raccolse le proprie composizioni in una raccolta dal titolo " Symphonia armonie celestium revelationum", 77 brani a formare un ciclo liturgico completo; compose anche il dramma morale " Ordo virtutum ".

Dal XII secolo risultano attive donne compositrici anche nella sfera della musica profana. Nella cerchia dell'alta società ritroviamo nobildonne che condividono il codice maschile dell'amor cortese e scrivono secondo le convenzioni del genere, come Blanche de Castile, regina di Francia e troviera.

Non mancano anche compositrici di classi inferiori, in questo caso le ritroviamo nel ruolo di " menestrelle" itineranti di cui è documentata l'attività di esecutrici e anche improvvisatrici presso le corti. Sarà poi lo sviluppo della polifonia che escluse del tutto le donne dalla composizione professionale poiché lo studio delle tecniche compositive era ad uso esclusivo del clero.

RINASCIMENTO

Nel Quattrocento il modello di educazione umanistica delle famiglie aristocratiche comprendeva anche l'istruzione musicale, ma era una pratica finalizzata ad arricchire le doti della futura sposa. La composizione per le donne era considerata una forma di otium aristocratico, non aveva sbocchi professionali.

Dal Cinquecento si cominciano a registrare le prime eccezioni: nelle corti si affermò la figura delle cantanti professioniste e questo diede la possibilità alle donne di intraprendere una carriera musicale e sfruttare professionalmente il proprio talento. Anche se per la maggior parte non erano compositrici, ma virtuose del canto o di uno o più strumenti.

Tra le donne compositrici dell'epoca un nome importante è quello di Maddalena Casulana, la cui fama da compositrice superò quella di cantante. Alcune sue musiche arrivarono anche alla corte di Guglielmo di Baviera che le scelse per accompagnare i festeggiamenti del suo matrimonio. Nata a Vicenza intorno al 1540 fu liutista, cantante e compositrice; arrivò alla Corte dei Medici a Firenze dove Isabella de' Medici le fece da protettrice e le commissionò "Il primo libro de' madrigali a quattro voci". Il testo si apre con una dedica rivolta aIsabella de' Medici ( forse una della prime rivendicazioni del ruolo della donna in ambito professionale) in cui la Casualana dichiara:

"...dimostrare al mondo il
vanitoso errore degli uomini di
possedere essi loro doti
intellettuali, e di non credere
possibile che possano esserne
dotate anche le donne..."
Maddalena Casulana

SEICENTO

Nel Seicento le donne compositrici si dedicarono con successo a forme e generi diversi: dalla musica strumentale alla monodia accompagnata, da madrigali, canzonette e balli a raccolte di musica sacra e profana. Molto spesso provenivano da famiglie di musicisti e letterati, come Francesca Caccini (1587-1640), figlia d'arte del più celebre Giulio; fu cantante, compositrice, strumentista e si esibì nelle maggiori corte europee. Fu una delle musiciste che più contribuì alla fioritura della musica barocca e la prima compositrice della storia a scrivere un'opera: "La liberazione di Ruggiero".

Cammeo con ritratto di Francesca Caccini

Una fervente attività la si ritrova anche nei conventi femminili italiani che favorirono le ambizioni di alcune monache di estrazione aristocratica. Qui ritroviamo, ad esempio, Raffaella Aleotti (1570-1646) priora del convento di San Vito di Ferrara, autrice della prima raccolta di musica sacra pubblicata da una donna dal titolo "Sacrae cantiones".

Al di fuori dell'Italia troviamo Elizabeth-Calude Jacquet de la Guerre (1666-1729) compositrice e clavicembalista francese, protetta da Luigi XIV si esibì spesso alla corte di Versailles e dedicò molte delle sue composizioni al Re Sole. In Germania spicca il nome di Amalia Catharina, contessa di Erbach, poetessa e compositrice, autrice di numerose liriche spirituali con basso continuo.

SETTECENTO

Nel Settecento furono proprio Francia e Germania a registrare un maggior incremento di donne compositrici; e come non citare Anna Maria Mozart, sorella del molto più famoso Wolfgang Amadeus. Conosciuta con il soprannome di Nannerl come suo fratello minore aveva un grande talento musicale, sia come eccellente pianista, sia come compositrice, ma nessuno dei suoi lavori è giunto a noi.

Italiana invece è la prima donna della storia ad ottenere nel 1774 il titolo di "maestro di cappella". È , ma tale incarico non le fu mai conferito. La sua è una storia che scatenò violente polemiche, che con il tempo sollevarono su di lei antipatie, egoismi, invidie e la condanneranno lentamente, ma inesorabilmente, all'oblio. Nessuno stampò la sua musica e le composizioni che inviò ai regnanti dell'epoca e personaggi illustri le valsero soltanto grandi elogi e attestazioni di stima e ammirazione. Non avrebbe mai potuto dirigere una sua composizione davanti a un pubblico, come era normale tra i suoi colleghi, e alla Coccia non restò che adattarsi a incarichi di insegnamento privato.

Maria Rosa Coccia

OTTOCENTO

Nell'Ottocento l'istituzione di conservatori aperti alle donneconsentì ufficialmente alle compositrici la possibilità di una carriera pubblica. Il primo conservatorio di musica negli Stati Uniti, la Music Vale Academy, fu fondato nel 1835 allo scopo di insegnare musica alle donne.

Ora cominciano ad essere più numerose le donne che compongono musica e molte sono figlie, mogli o sorelle di più celebri musicisti. La più famosa è sicuramente Clara Wieck, moglie di Schumann, una delle poche donne ricordate nei libri di storia della musica. Bambina prodigio, debuttò a soli nove anni diventando in poco tempo una delle concertiste più acclamate e stimate in Europa. Molto giovane si innamorò di Robert Schumann che sposò raggiunta la maggiore età nel 1840. Fu sua fedele compagna per tutta la vita e musa ispiratrice. Musicalmente la sua tecnica pianista era straordinaria ed impeccabile, insegnò al Conservatorio di Francoforte dal 1878 al 1892. Fu anche una prolifica compositrice sin dalla tenera età: ha scritto opere di successo per pianoforte solo, per orchestra, musica da camera e Lieder, quest'ultimi ancora poco conosciuti e causa della loro frequente erronea attribuzione al marito.

Una volta credevo di avere talento, ma sto cambiando idea; una donna non dovrebbe desiderare di comporre, mai una è stata capace di farlo, dovrei essere io quell'una? Sarebbe arrogante crederlo. Le donne tradiscono sé stesse nelle loro composizioni, questo vale per me come per altre. Che sia Robert a creare, sempre! Questo solo deve rendermi felice
Clara Wieck

Clara Wieck Schumann

Un talento osteggiato fu quello di Fanny Mendelssohn (1805-1847), sorella maggiore del compositore tedesco Felix Mendelssohn-Barthodly. Fu autrice di molti Lieder, musica strumentale, cantate, oratori; musiche rimaste manoscritte per la resistenza impostale dal padre e dal fratello a riconoscerle il diritto ad una carriera pubblica di compositrice.

NOVECENTO

L'americana Clara Baur fu l a prima donna a fondare un conservatorio, l'Università di Cincinnati College-Conservatory of Music, nel 1867. Il Novecento segna per le donne un maggior riconoscimento pubblico sia nel concertismo sia nella composizione.

In chiusura a questa breve e non esaustiva rassegna, un ricordo delle sorelleBoulanger. Nadia Boulanger (Parigi, 1887-1979) è stata un'importante compositrice, insegnate e direttore d'orchestra ed esercitò una grande influenza sui giovani compositori, soprattutto americani. Mentre la sorella Lilli Boulanger morì giovanissima nel 1918 lasciando pregevoli composizioni nel campo della musica corale, e fu la prima donna ad ottenere il prestigioso Prix de Rome.

Lilli Boulanger

Storie di donne che scardinando le costrizioni sociali e culturali hanno saputo dare un importante contributo alla musica e che, ancora oggi, non trovano il giusto spazio nella memoria collettiva.

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L'oblio delle compositrici - La donna nella storia della musica - Musicologica

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Ludwig, Wolfgang, Johann Sebastian, Richard, Franz, Antonio... Basta solo il nome, la memoria richiama il cognome in automatico e le note delle loro più famose melodie risuonano facilmente nella nostra mente. Sono alcuni dei più grandi compositori della storia della Musica occidentale e sono tutti uomini.

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Piccola e veloce ripetizione sull' 800' musicale

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Romanticismo in musica: caratteri e autori

Nel Romanticismo la musica è l'arte per eccellenza, perché è ritenuta capace di esprimere sentimenti e tensioni in modo immediato e comprensibile a tutti.

Nell'Ottocentola musica è apprezzata da un pubblico sempre più numeroso, per il quale si costruiscono teatri e sale da concerto sempre più vasti. Nelle più importanti città europee (Vienna, Parigi, Londra) si formano orchestre stabili che svolgono regolari attività. A Vienna, verso il 1860, nasce l'Orchestra Filarmonica, attiva ancora oggi.

In Italia, è il teatro d'opera che occupa un ruolo centrale nella vita culturale e sociale, sia nelle grandi città sia nelle cittadine di provincia; alla fine dell'Ottocento si contano in Italia più di mille fra teatri lirici e di prosa.

Il comportamento del pubblico che assiste cambia. Se in passato era abitudine chiacchierare e addirittura consumare cibi e bevande durante le esecuzioni, ora si diffonde l'abitudine di ascoltare la musica in silenzio, per meglio comprenderla e apprezzarla.

La musica vive anche una dimensione più intima e raccolta. Nei salotti delle ricche famiglie borghesi, si organizzano piacevoli serate nelle quali i musicisti (e anche un sempre maggiore numero di dilettanti) suonano per un numero limitato di ascoltatori.

Nell'Ottocento si diffonde il gusto per la danza e in tutta Europa nascono le prime sale da ballo. Il valzer è la danza più in voga. A Parigi hanno grande successo i caffé concerto, locali che offrono, insieme alla consumazione, uno spettacolo musicale.

L' istruzione musicale diventa pubblica e i conservatori nascono un po' ovunque in Europa.

Cresce l'interesse per il canto e per la musica popolare e i grandi musicisti fondano le scuole nazionali, ciascuna con proprie caratteristiche particolari.

Nel Romanticismo nasce il desiderio di riscoprire la musica antica, dimenticata nei manoscritti polverosi, custoditi negli archivi e nelle biblioteche. Si scrivono le prime biografie sui grandi musicisti del passato.

Cresce il commercio di strumenti musicali. Il pianoforte è lo strumento più importante: notevoli perfezionamenti tecnici, come la costruzione del telaio in ghisa e l'adozione di corde a maggiore tensione, portano lo strumento alla sua struttura definitiva, quella che conosciamo oggi. Generalmente legata al pianoforte, si afferma la forma breve del notturno, una composizione strumentale dal carattere intimo e raccolto, ispirata alla notte.

La chitarra gode di buona fama: soprattutto in Spagna, Parigi e Vienna i chitarristi hanno grande successo.

Le dimensioni delle sale da concerto aumentano: perciò i costruttori di strumenti tendono in generale a incrementare la potenza sonora. Si aumenta l' estensione degli strumenti sia nel grave sia nell'acuto per assecondare i compositori, che prediligono un'orchestra sempre più ricca.

I musicisti romantici impiegano molto il corno inglese (un oboe dal suono più grave), il clarinetto basso, il controfagotto, il trombone e la tuba. In questo periodo compaiono anche nuovi strumenti: la fisarmonica verso il 1830; il sassofono nel 1846; la celesta nel 1886.

E così l' orchestra aumenta il numero degli esecutori: dall'orchestra classica di circa 30 elementi si passa nel Romanticismo a un'orchestra di oltre 60 strumenti, in cui la famiglia dei fiati ha un ruolo più importante che in passato. L'aumento del numero degli strumentisti determina il ruolo sempre più rilevante della figura del direttore d'orchestra.

Le regole e i rigidi schemi formali del passato sono a poco a poco abbandonati a favore di una creatività più libera e spontanea. Alle frasi musicali regolari e simmetriche del Classicismo si sostituiscono frasi e melodie più lunghe e sciolte. Il ritmo diventa più libero e ricco di variazioni di velocità; molto utilizzata è la tecnica del rubato, che consiste nel ritardare leggermente l'attacco di una nota o di un motivo per aumentarne l'attesa.
Si impiega l'intera gradazione delle intensità con crescendi e diminuendi e decisi contrasti di sonorità.

Il Romanticismo è l'epoca dei grandi virtuosi: il pubblico richiede un'abilità strumentale sempre maggiore, che spesso si accompagna alla teatralità e al modo di atteggiarsi al pubblico; l'aspetto "demoniaco" di Niccolò Paganini, grande virtuoso del violino, e lo stravagante abbigliamento del pianista Franz Liszt, sono i due esempi più eclatanti di questo fenomeno.

Nei Paesi di lingua tedesca la musica strumentale diventa la musica per eccellenza. Si afferma il Lied, composizione per canto e pianoforte dal carattere intimo e poetico; Franz Schubert è il massimo esponente di questa forma musicale.

In Italia ha particolare successo il melodramma: vicende drammatiche e sentimentali; ritmo incalzante dell'azione; interesse per la storia e patriottismo sono le sue caratteristiche principali.

In Francia il melodramma si esprime nella forma spettacolare del grand-opéra: un melodramma in quattro o cinque atti in cui delle vicende storiche sono rappresentate in modo spettacolare, con diversi personaggi protagonisti, grandiose scenografie, scene corali di massa e presenza di parti danzate.

Tra i musicisti più rappresentativi e importanti del Romanticismo:

Fryderyk Chopin (Varsavia, 1810 - Parigi, 1849), uno dei pianisti più acclamati e famosi. Molte sue composizioni, come le mazurche e le polacche, sono pervase da ritmi e melodie tipiche della musica popolare della sua terra. Altre, come i preludi e i notturni, hanno un carattere più intimo e personale. Famosi sono anche gli studi e i valzer (sempre per pianoforte) e i due concerti per pianoforte e orchestra.

Niccolò Paganini (Genova, 1782 - Nizza, 1840), grande violinista. Sostanzialmente autodidatta, comincia lo studio del violino in tenera età e a 15 anni inizia la carriera concertistica. Si dedica anche alla chitarra, di cui è un eccellente virtuoso; incanta gli ascoltatori con la sua tecnica prodigiosa e la sua bravura all'improvvisazione. Grandi pianisti come Chopin e Liszt cercano di trasferire sul pianoforte alcune delle sue scoperte tecniche al violino. Tra le sue opere ricordiamo i 24 capricci e i 6 concerti per violino e orchestra, tutti pezzi di difficilissima esecuzione. Notevoli sono anche i brani per chitarra sola, le sonate per violino e chitarra e i quartetti per violino, viola, violoncella e chitarra.

Richard Wagner (Lipsia, 1813 - Venezia, 1883), si accosta alla musica da autodidatta. È il compositore più importante del melodramma tedesco. Personaggi e vicende sono abbinati a melodie ricorrenti (leitmotiv), inserite in una cornice sonora potente e suggestiva. I melodrammi di Wagner si ispirano a personaggi storici, come I maestri cantori di Norimberga, o mitologici, come L'anello del Nibelungo tetralogia (ciclo di quattro melodrammi) formato da: L'oro del Reno, La valchiria, Sigfrido e Il crepuscolo degli dèi. Molto importanti sono anche Tannhäuser, Lohengrin, Tristano e Isotta e Parsifal.

Franz Schubert (Vienna, 1797 - 1828), compositore e pianista. Trascorre tutta la sua breve vita a Vienna, tranne qualche sporadico soggiorno in Ungheria. Pur godendo di una buona reputazione nell'ambiente musicale viennese, non conosce il successo in vita. Schubert è il massimo esponente del Lied - composizione per canto e pianoforte dal carattere intimo e poetico - ne ha composte oltre seicento. Schubert è anche autore di otto sinfonie (tra le quali la famosa Incompiuta), di opere teatrali, messe, trii, quartetti, quintetti, sonate e fantasie per pianoforte.

Pëtr ll'ic Ciaikovski (Votkinsk, 1840 - San Pietroburgo 1893) compositore e direttore d'orchestra. La sua produzione non risente molto degli influssi nazionali legati al canto e alle tradizioni popolari, che caratterizzavano la maggior parte della musica russa nel Romanticismo, ma ha un'impronta più cosmopolita, vicina alla cultura musicale europea. Compone 6 sinfonie, concerti, poemi sinfonici e musica da camera. Si dedica alla musica per balletto scrivendo 3 capolavori: Il lago dei cigni, La bella addormentata e Lo schiaccianoci. È anche autore di melodrammi fra i quali ricordiamo Eugenio Onieghin e La dama di picche.

Gioacchino Rossini (Pesaro, 1792 - Parigi, 1868), compositore. Dal 1810 al 1823 fa rappresentare 30 melodrammi (in maggiornaza opere buffe) fra cui Il barbiere di Siviglia, La Cenerentola, la Gazza ladra, Semiramide, dominando incontrastato la scena italiana. Dopo brevi soggiorni a Vienna e a Londra, si stabilisce definitivamente a Parigi. Qui compone melodrammi di grandi proporzioni, nel gusto francese per il grand-opéra e con caratteristiche più romantiche, fra cui il capolavoro Guglielmo Tell. A 37 anni, all'apice della notorietà, si ritira dalla carriera teatrale e scrive composizioni per lo più sacre, fra cui lo Stabat Mater e la Piccola Messa solenne. Rossini è fra i primi compositori a scrivere personalmente i vocalizzi che arricchiscono le melodie, non lasciandoli più all'improvvisazione dei cantanti. Fra le caratteristiche della sua musica, di grande effetto sono i famosi crescendo: si tratta di una tecnica che consiste nel suonare più volte lo stesso passaggio, ogni volta con un'intensità maggiore dovuta all'aggiunta di nuovi strumenti.

Giuseppe Verdi - Musicista del Risorgimento

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Romanticismo in musica: caratteri e autori - Riassunti - Studia Rapido

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Romanticismo in musica: caratteri e autori. Nel Romanticismo la musica è l'arte per eccellenza, perché è ritenuta capace di esprimere sentimenti e tensioni