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Martinha do Coco

Marta Leonardo ou Mestra Martinha do Coco é artista e moradora do Paranoá há 30 anos. Nasceu em Olinda - PE, de onde migrou com sua família para a antiga Vila do Paranoá aos 17 anos de idade. Trabalhou desde então como empregada doméstica para ajudar no sustento da casa. Em uma dessas experiências de trabalho, teve contato com uma musicista que percebeu o seu talento artístico e lhe ajudou a retomar seu amor pela música. Seu primeiro experimento musical foi uma banda com instrumentos reciclados quando trabalhou como gari. Martinha teve a oportunidade de iniciar sua carreira artística cantando samba de coco no grupo de percussão da Organização Tambores do Paranoá – TAMNOÁ e é uma das fundadoras do Ponto de Cultura Tambores do Paranoá. Vem desenvolvendo um trabalho autoral com as influências culturais da terra onde nasceu e cresceu – coco, maracatu e ciranda. Em 2013, Martinha do Coco recebeu do Ministério da Cultura o título de Mestra da Cultura Popular.

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1.     Teresa Burga (Nació en Iquitos en Perú en 1935)

Fue una artista multimedia peruana. Su pieza conceptualista de los años 1960 y 1970 la posicionó como una precursora en el arte contemporáneo de su país. Teresa Burga se graduó de la Universidad Católica de Lima en 1965. Ella llegó a vincularse activamente en el Arte Pop y el Arte Experimental en Lima a través de Grupo Arte Nuevo. Su arte fue exhibido alrededor de América Latina.[1]

Hoy es considerada pionera del arte conceptual peruano. [2]

[1] https://www.arteinformado.com/guia/f/teresa-burga-38887

[2] https://elcomercio.pe/luces/arte/teresa-burga-fallecio-la-artista-inconforme-que-quiso-ser-libre-noticia/

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1.     Susana Baca (Nació en Lima en 1944)

Es una cantante, compositora, investigadora de música y educadora de profesión peruana; tres veces ganadora de los Premios Grammy Latinos fue Ministra de Cultura del Peru y fue la segunda mujer de origen afroperuano en estar al cargo de esta cartera. Figura clave en el folklore latinoamericano y en revivir la música afroperuana.

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1.       ROSA MERCEDES AYARZA[1] (Nació en Lima en 1881)

Fue una compositora y estudiosa de la música criolla peruana. Desde muy temprana edad manifestó su inclinación por la música sobresaliendo como pianista, siendo concertista en el Teatro Politeama. Fundó la Escuela Nacional de Arte Lírico[2]

Otro de los aspectos de su trayectoria incluye su función recopiladora por lo que fue designada como “Conservadora del folclor criollo”, cargo que desempeñó con ahínco y dedicación, una de sus mayores pasiones fue el rescate de la tradición popular. [3]

[1] http://www.filarmonia.org/page/Rosa-Mercedes-Ayarza-de-Morales.aspx
[2] https://tvperu.gob.pe/novedades/tvperu/rosa-mercedes-ayarza-cuatro-temas-que-debes-conocer-de-la-compositora-de-la-musica-criolla

[3] https://www.deperu.com/calendario/2060/nacimiento-de-rosa-mercedes-ayarza-de-morales

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1.     CHABUCA GRANDA (María Isabel Granda y Larco) (Nació en Apurímac -Perú, 1920)

Compuso más de un centenar de canciones, basadas en el folclore y en la historia del país. Su fama internacional, que la llevaría a dar recitales por Europa, procede del vals La flor de la canela, al que siguieron otras exitosas melodías como Fina estampa y José Antonio, entre otras. Su labor investigadora y difusora de nuestra música constituye un legado imperecedero.

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1.     CLORINDA MATTO DE TURNER ( Grimanesa Martina Mato Usandivares ) (Nació en Cuzco -Perú en 1952) [1]

Fue una destacada escritora peruana que marcó de forma radical la forma de escribir de la mujer. Clorinda no es una autora a la que se pueda asignar una sola corriente literaria. En realidad, su carrera fue pasando por diferentes estilos, además escribió novelas, artículos periodísticos, cartas, tradiciones y una obra de teatro.[2]

[1] https://www.tvperu.gob.pe/novedades/tvperu/clorinda-matto-de-turner-cinco-datos-sobre-la-reconocida-escritora-peruana

[2] https://www.canalipe.tv/noticias/television/diez-cosas-que-tienes-que-saber-sobre-clorinda-matto-una-escritora-peruana

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1.     LUCHA REYES (Lucila Justina Sarcines Reyes)         (Nació en Lima en 1936)

Es una de las intérpretes más recordadas de la música criolla peruana, a lo largo de su carrera con su música hizo retumbar una infinidad de escenarios donde fue muy aplaudida y vitoreada por sus exitosas canciones. [1]

[1] https://minedu.digital/biografia-de-lucha-reyes/

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1.       JULIA CODESIDO (Nació en Lima en 1883)

Fue parte de la primera promoción de la Escuela Nacional de Bellas Artes del Perú. Fue seguidora de la corriente plástica liderada por José Sabogal. Formó parte de los primeros colectivos feministas del Perú. Aquí presentamos el perfil de una de las primeras mujeres profesionales del arte. [1]

[1] https://elcomercio.pe/luces/julia-codesido-inspirada-por-el-indigenismo-pero-creadora-de-un-estilo-propio-nczg-noticia/

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1.       BLANCA VARELA (nació en Lima en 1926)

Fue una poeta peruana, considerada como una de las voces poéticas más importantes del género en América Latina.[1]Su trabajo poético se caracteriza por buscar la verdad a través de la irreverencia, ironía, crudeza y misticismo.

Su trabajo ha sido traducido en varios idiomas y continúa tocando a más personas. Sus obras más destacadas son Concierto animal, Canto Villano y Valses y otras confesiones. Su vida representó a muchas mujeres que se hacen una voz por su talento en el rubro artístico. ¡Blanca, presente![2]

[1] https://www.youtube.com/watch?v=lthGbszir9Y

[2] https://peru.info/es-pe/talento/noticias/6/24/blanca-varela--una-mujer-clave-en-la-poesia-peruana-para-el-mundo

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1.     OLINDA SILVANO (Nació en Ucayali en 1969)

Olinda, e s una artista de reconocimiento mundial, activista por los derechos culturales y la diversidad, difusora del arte de su herencia cultural shipibo-konibo. Ha sido reconocida como personalidad meritoria de la cultura por el Ministerio de Cultura el año 2018[1]. Asimismo, ha expuesto su trabajo en diferentes espacios como en la Galería Municipal Pancho Fierro, el Centro Culturales de Bellas Artes, el Museo Metropolitano, en el Lugar de la Memoria, la Tolerancia y la Inclusión Social, entre otros, también participó en la exposición peruana “Shipibo-konibo. Moda, identidad y cultura” en la Ciudad de México.[2]

[1] http://comandoplath.com/biografia-olinda-silvano-inuma/

[2] https://lum.cultura.pe/actividades/d%C3%ADa-internacional-de-la-mujer-ind%C3%ADgena-en-el-lum

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1.     VICTORIA EUGENIA SANTA CRUZ GAMARRA (Nació en Lima en 1922)

Fue cultora e investigadora del arte y el folclore afroperuano.  Cursó estudios de teatro y coreografía en Francia y, a su regreso, fundó la compañía Teatro y Danzas Negras del Perú. A lo largo de su carrera grabó e interpretó numerosas canciones y poemas algunos de ello, como “Me gritaron negra”, se convirtieron en auténticos himnos.
Además de ser destacada compositora e intérprete, Victoria Santa Cruz también dedicó su vida a recopilar y rescatar expresiones artísticas afroperuanas, como el Alcatraz y la Zamacueca. [1]

[1] https://www.gob.pe/institucion/cultura/noticias/46908-victoria-santa-cruz-gamarra-cultora-e-investigadora-del-arte-y-el-folclore-afroperuano

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1951 escritora, antropóloga y activista feminista argentina. Es especialmente conocida por sus investigaciones que se han orientado a las cuestiones de género en los pueblos originarios y comunidades latinoamericanas, a la violencia de género y a las relaciones entre género, racismo y colonialidad

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1956 Directora de cine, guinista y productora. Se formó en la Escuela Nacional de Experimentación y Realización Cinematográfica (ENERC) de Buenos Aires. Ha ganado decenas de premios con sus films en los más rpestigiosos festivales nacionales, regionales e internacionales

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1959 .Fabiana Cantilo es una intérprete, cantante, compositora de rock y pop y actriz argentina. Considerada una de las intérprets, cantantes y compositoras femeninas más importantes del rock argentino

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1892-1938 de origen suizo argentino, Alfonsina Storni se convierte en una de las principales poteas de referencia de las vanguardias modernistas. A los 19 años se instala Buenos Aires con objetivo de crear y producir en una ciudad que estaba abierta al mundo. En su obra destacan temáticas vinculadas al erotismo, al maro carnal y espiritual y una temprana defensa a los derechos de la mujer

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1904-2002. Fue una actriz y cantante argentina de tango y milonga. Fue una de las primeras cantantes de tango surgidas en la década de 1920 que crearon la modalidad vocal femenina en el rubro. Adquirió popularidad principalmente por sus interpretaciones de «Se dice de mí» y «La milonga y yo».

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1936. Actriz, guionista y directora de teatro argentina. Es considerada una de las más célebres actrices argentinas, y un icono cultural. Protagonizó La historia oficial (1985), la primera película argentina en ganar el Óscar a la mejor película extranjera en el año 1986, por la cual ella ganó el premio del Festival de Cannes a la mejor actriz. Por su papel en Gaby: a True Story (1989) se convirtió en la primera actriz argentina en ser nominada al Óscar

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1973. Periodista, escritora y docente argentina, parte del grupo de escritores conocidos como «nueva narrativa argentina». Sus cuentos se enmarcan dentro del género del terror y se han publicado en revistas internacionales como Granta,4 Electric Literature,5 Asymptote, McSweeney's,6 Virginia Quarterly Review y The New Yorker. Desde 2020 es la Directora de Letras del Fondo Nacional de las Artes, el organismo argentino creado en 1958 con el objetivo de financiar y apoyar el desarrollo de artistas, gestores y organizaciones culturales sin fines de lucro, además de ser subeditora del suplemento Radar del diario Página/12.

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1931-1988. Escritora y peridista argentina. La obra literaria de Gallardo fue relegada en su época por no pertenecer al canon literario de aquel entonces, hasta que, tras su muerte, pasó a ser considerada una «escritora de culto» y reeditada su obra. Esto último gracias en gran parte a su reivindicación por parte del movimiento feminista, la crítica académica y de distintos escritores y escritaras de renombre.

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1936-1972. Escritora y traductora argentina. Desarrolló una de las obras literarias más asombrosas del siglo XX. Sus versos, en constante tensión entre el automatismo surrealista y la exactitud racional, atraviesan la propia vida de la poeta, adentrándonos en su nostalgia por la infancia perdida, atracción por la muerte, profundo intimismo y deseo de ser amada y reconocida.

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1930-2011. Poeta, escritora, cantautora, dramaturga y compositora argentina. Fue famosa por sus obras infantiles,entre las que se destacan el personaje/canción Manuelita la tortuga y los libros Tutú Marambá, El reino del revés, Dailan Kifki y El Monoliso, es también autora de varias canciones populares para adultos, entre ellas Como la cigarra, Serenata para la tierra de uno y El valle y el volcán

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1890-1979. Escritora,intelectual, ensayista, traductora, editora, filántropa y mecenas. Participó desde su juventud en las primeras manifestaciones de los movimientos feministas, intelectuales y antifascistas argentinos, lo que la llevó a fundar en 1936 la Unión Argentina de Mujeres. Fundó la revista y editorial Sur en 1931, que promovió las obras literarias de autores nacionales e internacionales

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1819-1875. Escritora, traductora, periodista y maestra argentina.

Juana Paula Manso de Noronha (Buenos Aires, 26 de junho de 1819 - 24 de abril de 1875) foi uma escritora, tradutora, jornalista, professora e pioneira do feminismo na Argentina, Brasil e Uruguai.

Entre 1852 e 1854 dirigiu, no Brasil, O Jornal das Senhora s, o primeiro jornal latino-americano destinado às mulheres. Em 1854, fundou, em Buenos Aires, Álbum de Señoritas, muito semelhante a sua contraparte brasileira. Em ambos, a temática centrava-se na moda, na literatura e no teatro. Ao longo de sua vida, comprometeu-se com o projeto esclarecido de educação popular e é considerada uma iniciadora do movimento de coeducação.

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Pintora y escritora colombiana nacida en Bogotá el 9 de julio de 1919. Su obra artística se caracteriza por ser ecléctica y original, ya que se mueve dentro de las tendencias del arte naif, el muralismo mexicano, el indigenismo y el expresionismo. Esto se ve reflejado no sólo en las innumerables pinturas, ilustraciones y dibujos que creó a lo largo de su vida, sino también en sus viajes y experiencias cotidianas que definieron su estilo artístico. Su libro Memoria por Correspondencia, constituye el mejor acervo biográfico de su juventud atravesada por la pobreza, la vida en el internado femenino, la incertidumbre frente a la existencia y una constante búsqueda de sí misma, lo que la impulsaría a viajar por gran parte de Suramérica, Europa y Medio Oriente. el tema central en las pinturas de Emma Reyes es el destino; cada uno de sus monstruos, bestias y hombres que retrata está subordinado al irremediable devenir de los acontecimientos de la vida misma. Para la artista, es en el destino donde “reside la fuerza tan grande de convencimiento de la obra que por momentos se presenta fría, cruel, sin sombra de sonrisa o de misericordia y, sin embargo, es tan humana como legendaria, a la vez moderna y primitiva” (Tal, 1996). El papel que juega el destino en sus obras se combina con otros elementos inherentes a la naturaleza de sus personajes, como los son la raza, los hábitos, las tradiciones, la religión y la familia.

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Nació en Bogotá el 8 de septiembre de 1933 y murió en París el 8 de enero de 1982. Fue una artista y escultora que utilizó la chatarra de hierro y los desperdicios de acero inoxidable para realizar composiciones en diferentes escalas. Además fue parte de la primera generación de artistas colombianos en pensar la relación entre el objeto escultórico y el espacio de exhibición, práctica conocida como instalación. Estudió pintura en la Art Students League de Nueva York y escultura en la academia La Grande Chaumière en París. En los años 1960 desarrolló una gran cantidad de obras sencillas. En 1965 con la obra hecha de chatarra Mirando al norte obtuvo el primer premio de Escultura en el XVII Salón Nacional. En 1968 realizó una exposición con esculturas cinéticas. En 1971 realizó Homenaje a Gandhi, que se encuentra en la carrera 7 con calle 100, en Bogotá. En la segunda parte de los años 1970 realizó la escultura Andrómeda y el mural La última cena, compuesto por 276 paneles instalados a diferentes niveles, cada uno con un sinnúmero de cubiertos aplanados y pegados con soldadura de punto, que se encuentra en el Centro Hotelero del SENA en Bogotá. A principios de los años 1980 la situación de orden público en Colombia, fue exiliada del país por falsas acusaciones que la vinculaban a grupos al margen de la ley. Murió fuera del país y aunque se demostró su inocencia en gobierno colombiano nunca presentó una disculpa pública sobre los acontecimientos que la obligaron a solicitar asilo político en México.

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Más conocida como Ledania, es una artista plástica colombiana, nacida en Bogotá. Un referente del arte de grafiti en Latinoamérica, se ha dedicado a pintar grafitis y murales alrededor del mundo con sus ideas rebeldes y fuera de lo convencional. Su graffiti a menudo presenta animales e insectos de Tasmania, además de otros símbolos mitológicos, mágicos o autobiográficos. El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá exhibió por primera vez su obra en 2005, su trabajo se exhibió en 2019 en la calle Lynx en Bogotá. Aunque su obra artística está en su mayoría plasmada en los muros, ha ampliado su espectro diseñando objetos de decoración y prendas de vestir. Su seudónimo está inspirado en Leda, una mujer seducida por Zeus en la mitología griega que, al mezclarlo con su nombre real, dio vida a Ledania. La unión del surrealismo, el expresionismo y el cubismo son el resultado de obras que cada vez se hacen más populares y reconocidas en nuestro país. Los murales de Ledania fusionan elementos de estas tres corrientes artísticas en donde sus creaciones reflejan la fascinación por el arte e invitan a sus espectadores a dejar volar su imaginación y su creatividad.

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Nació en Bogotá en 1932, es una artista visual colombiana conocida por sus obras abstractas a gran escala hechas con fibras y cubiertas de pan de oro y/o plata. Debido a su habilidad para conciliar las preocupaciones locales con los desarrollos internacionales. Amaral se convirtió en una de las pocas artistas de Sudamérica que se dio a conocer internacionalmente por su trabajo en fibra durante los años 60 y 70. También se la considera una importante practicante en el desarrollo de la abstracción latinoamericana de posguerra, actualmente vive y trabaja en Bogotá, Colombia. En 1954 estudio textiles y diseño en Cranbrook Academy of Art, se graduó y se convirtió en una de las artistas textiles más destacadas de América. En 1973 ganó el Guggenheim Fellowship y en 1971 obtuvo el primer premio en el XXII Salón Nacional de Artistas de Colombia. Entre 1966 y 1967 funda y es la directora del Departamento de Textiles de la Universidad de los Andes, Bogotá, Colombia. Es sin duda una de las pintoras colombianas más famosas gracias a algunas de sus exposiciones permanentes en el MoMA, en el Museum of Modern Art en Tokio y en el Bellerive Museum en Zurich entre otros. Fundamentalmente utiliza el algodón y otras fibras con el objeto de renacer la artesanía femenina en la postmodernidad.

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Fundadora del ballet de Colombia, nació en Bogotá en 1928 y murió en Cartagena en el 2011, fue embajadora internacional del folclore colombiano. Además de ser coreógrafa y bailarina, también se desempeñó como diseñadora y periodista. Después de haber estudiado danza moderna en Estados Unidos, América del Sur y Europa, fundó el Ballet Nacional de Colombia, siendo pionera también en la fusión de ritmos tradicionales colombianos, junto con la danza y el teatro. Su formación en diferentes disciplinas le permitió perfeccionar las técnicas del espectáculo en Colombia. Llevó al Ballet de Colombia por más de 200 países, entre ellos Israel, China, Japón, Alemania, Rumania y Rusia

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(Bogotá; 13 de septiembre de 1965) es una cantante de rock y ceramista colombiana de la Universidad de Los Andes. Es vocalista líder y guitarrista segunda del grupo colombiano Aterciopelados, aunque ha desarrollado en paralelo su carrera musical como solista, siendo reconocida por su habilidad en composición e interpretación de diversos instrumentos como la gaita, percusión, entre otros. Ha sido ganadora de premios Grammy, MTV, Lo Nuestro, entre otros. Ha sido postulada al Latin Grammy en varias ocasiones, ya sea con Aterciopelados o por sus trabajos como solista.

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Nació en Bogotá en 1959, es una cronista, locutora, podcaster y difusora de historia colombiana que se ha especializado en los programas de divulgación histórica. Es conocida por sus programas radiales, podcasts, conferencias y sus audiolibros sobre historia universal. Estudió filosofía y letras en la Universidad de los Andes, en donde se graduó con una tesis sobre los movimientos juveniles de los años 1960.

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Norah Borges (1901-1998).

Norah Borges - irmã do famoso escritor Jorge Luis Borges e esposa do crítico e poeta espanhol Guillermo de Torre - é uma exceção rara na história da arte argentina, porque sua presença nas décadas de boom da vanguarda internacional o permitiu acompanha personagens da relevância de Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Gabriela Mistral e os jovens poetas de renovação da Espanha e Argentina, e estabelece um diálogo plástico com os movimentos artísticos daqueles anos.

Seu desenvolvimento artístico pessoal cruza as formas da modernidade com sua própria linguagem. Ao longo do século XX, em contato com a vida literária de sua época, ilustrou os primeiros livros de escritores como Borges, Victoria e Silvina Ocampo, Julio Cortázar, Adolfo Bioy Casares, Eduardo Mallea, Ricardo Molinari, Concha Méndez Cuesta e Carmen Conde. , Rafael Alberti e os chilenos Luis Enrique Délano e Humberto Díaz Casanueva. Também fez ilustrações para as revistas espanholas de vanguarda "Grecia", "Ultra" e "Baleares", e foi uma colaboradora destacada das publicações argentinas "Prisma", "Proa", "Martín Fierro" e "Evaluations", entre outras.

O roteiro do museu é baseado nos textos daqueles contemporâneos que refletiram críticas e poesias na obra de Norah Borges.

https://www.bellasartes.gob.ar/exhibiciones/norah-borges-una-mujer-en-la-vanguardia/

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La exposición, curada por el especialista Sergio Alberto Baur, reúne más de 200 pinturas, dibujos, grabados y objetos -entre documentos, manuscritos, impresos y fotografías- de la artista plástica argentina Norah Borges (1901-1998).

La muestra, que analiza toda su vida artística a través de obras de distintas épocas, provenientes de 28 colecciones públicas y privadas, se propone enlazar los mundos que vivió Borges desde su período de formación, y su destacado trabajo como ilustradora de la vanguardia española y argentina. También se exhibirá documentación personal y bibliográfica que la ubican en el escenario de los años 1920 y 1930.

Norah Borges -hermana del célebre escritor Jorge Luis Borges, y esposa del crítico y poeta español Guillermo de Torre- constituye una rara excepción dentro de la historia del arte argentino, debido a que su presencia en las décadas de auge de las vanguardias internacionales le permitió acompañar a personajes de la relevancia de Juan Ramón Jiménez, Federico García Lorca, Gabriela Mistral, y a los jóvenes poetas de renovación de España y de la Argentina, y establecer un diálogo plástico con los movimientos artísticos de esos años.

Su desarrollo artístico personal atraviesa con un lenguaje propio las formas de la modernidad. A lo largo del siglo XX, en contacto con la vida literaria de su tiempo, ilustró los primeros libros de escritores como Borges, Victoria y Silvina Ocampo, Julio Cortázar, Adolfo Bioy Casares, Eduardo Mallea, Ricardo Molinari, Concha Méndez Cuesta, Carmen Conde, Rafael Alberti, y los chilenos Luis Enrique Délano y Humberto Díaz Casanueva. También realizó ilustraciones para las revistas de vanguardia españolas "Grecia", "Ultra" y "Baleares", y fue colaboradora destacada de las publicaciones argentinas "Prisma", "Proa", "Martín Fierro" y "Valoraciones", entre otras.

El guión museográfico se basa en los textos de aquellos contemporáneos que reflexionaron desde la crítica y la poesía en la obra de Norah Borges.

Los once núcleos que organizan en sala esta gran exposición son "Infancia", "Norah, una artista ultraísta", "Norah Borges en la vanguardia" I y II, "Cartografías", "Quintas y viaje a España", "Norah ilustradora", "Españoles de tres mundos", "Salas de pintura y dibujo", "Norah por Jorge Luis Borges" y "Manuel Pinedo: Norah Borges crítica de arte en los Anales de Buenos Aires".

El redescubrimento y la puesta en valor de su obra en el mapa de las artes plásticas del siglo XX comenzó en los años 90, cuando fue incluida como protagonista en la muestra "El ultraísmo", organizada por el Instituto Valenciano de Arte Moderno. En 1994, la crítica e investigadora Patricia Artundo, con apoyo del Fondo Nacional de la Artes, publicó "Norah Borges, Obra gráfica 1920-1930", libro pionero en la sistematización y análisis de su producción.

Su involuntario olvido encuentra su reconocimiento en esta exposición, como un merecido homenaje a esta extraordinaria pintora, que, entre otras cosas, fue la mujer más relevante del ultraísmo, que exploró el expresionismo, y que se fue definiendo como artista, más allá de las tendencias y de las escuelas artísticas del siglo XX, o transitando en los márgenes de los innumerables ismos que concibió ese tiempo histórico.

Acompañando la exhibición, el Bellas Artes editará en 2020 un catálogo que incluye un texto curatorial de Baur, un artículo de Artundo y una reseña sobre la actividad de la artista entre los años 1920 y 1940, a cargo del área de Investigación del Museo, además del cuerpo de obra exhibido y un apartado documental.

"Norah Borges. Una mujer en la vanguardia" podrá visitarse hasta el 1.° de marzo de 2020 en el Pabellón de exposiciones temporarias del Museo.

El Museo Nacional de Bellas Artes, que depende del Ministerio de Cultura de la Nación, y cuenta con el apoyo de su Asociación de Amigos, abre las puertas de martes a viernes, de 11 a 20, y los sábados y domingos, de 10 a 20 (lunes: cerrado).

El público argentino o residente en el país podrá recorrer el Museo con entrada gratuita todos los días. Para los visitantes extranjeros, la entrada general al Bellas Artes tiene un valor de $200 (martes de 11 a 20, y de miércoles a domingo, de 18.45 a 20: gratis).

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Equipo de Desarrollo de la Dirección de Sistemas | Secretaría de Gobierno de Cultura

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Norah Borges. Una mujer en la vanguardia

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La exposición, curada por el especialista Sergio Alberto Baur, reúne más de 200 pinturas, dibujos, grabados y objetos -entre documentos, manuscritos, impresos y fotografías- de la artista plástica argentina Norah Borges (1901-1998).

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Gloria Gómez-Sánchez nasceu Gloria Benvenuto Reffray em 1921, na cidade de Lima - Peru. Inicialmente autodidata, em meados da década de 1950, teve aulas nos estúdios particulares dos artistas Germán Suárez-Vértiz (1897-1975), Ricardo Grau (1907-1970) e Cristina Gálvez (n. 1919). Entre março e setembro de 1958, morou em Buenos Aires e trocou visitas de estúdio com expoentes importantes do informalismo argentino como Alberto Greco (1915–1965). Gómez-Sánchez fez sua estreia em Lima em 1960, com uma exposição de pintura no Instituto de Arte Contemporânea, que apresentava uma série de intensas experiências físicas com materiais e manipulação de superfícies e distribuição do acaso. Esses trabalhos constituíram uma abordagem dramaticamente distinta da abstração, em contraste com o modelo telúrico lírico estabelecido e defendido no Peru por Fernando de Szyszlo (n. 1925). Sua segunda exposição individual, na Galería Solisol, em 1965, reuniu assembleias precárias feitas com objetos cotidianos achatados, lixo e arame metálico. Em 1966, co fundou o grupo Arte Nuevo junto com os artistas Luis Arias Vera (1932–2016), Teresa Burga (n. 1935), Jaime Dávila (n. 1937), Víctor Delfín (n. 1927), Emilio Hernández Saavedra (n. 1940), José Tang (nascido em 1941), Armando Varela (nascido em 1933) e Luis Zevallos Hetzel (nascido em 1933). Orientado e promovido pelo crítico Juan Acha, o grupo insistiu na renovação da linguagem artística, reunindo expressões apropriadas da pop art, op art e acontecimentos. Sua carreira artística profissional ativa abrange apenas uma década, entre 1960 e 1970. Durante esse período, ela realizou cinco exposições individuais em Lima, participou de quinze exposições coletivas no Peru e no exterior e testou sistematicamente os limites das mais recentes tendências artísticas experimentais.
Por volta de 1967, Gómez-Sánchez voltou-se para superfícies achatadas, uma abordagem gráfica da cor e do padrão, muitas vezes limitada às cores primárias - vermelho, amarelo, azul - e assuntos femininos figurativos com rostos colados em revistas brilhantes. Essas características evocativas da arte pop representavam representações distorcidas e sexualmente provocativas das mulheres. Em novembro de 1970, Gómez-Sánchez apresentou sua última exposição individual, na Galería Cultura y Libertad, em Lima, que sinalizou seu envolvimento com o conceitualismo e a arte participativa e, finalmente, a rejeição dos circuitos profissionais da arte. Toda a exposição consistia exclusivamente de uma placa com a frase " El espacio de esta exposición es el de tu mente. Haz de tu vida la obra" (O espaço desta exposição está em sua mente. Transforme sua vida em uma obra de arte) e uma mesa com o manifesto "¿Se acabó el arte?" (A arte acabou?). Poucos trabalhos de Gómez-Sánchez sobreviveram. A artista destruiu muitos de seus objetos e montagens durante a década de 1970. Ela morreu em 2007 em Lima.

https://www.artistaslatinas.com.br/artistas-1/gl%C3%B3ria-g%C3%B3mez-s%C3%A1nchez

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A artista estudou História da Arte na Universidad de Pisa, Itália, vindo a desenvolver um extenso trabalho, no qual revela sua concepção estética pessoal. Seu trabalho foi exibido em galerias, feiras e museus na Argentina, Estados Unidos e Itália. Como ilustradora, colaborou com o escritor Alejandro Córdoba Sosa, realizando uma série de trabalhos, utilizando diversas técnicas, inspiradas nos textos que compõem os livros Doscientos y un cuentos en miniatura, La Humanidad en el Espejo, Devocionario terrenal e La flor de plomo. Suas obras fazem parte de inúmeras coleções públicas e privadas.
Seu estilo é caracterizado pelo uso de uma linguagem visual poderosa, que explora as infinitas possibilidades da forma, combinando-a com cores, brilhantes e vibrantes, em composições dinâmicas onde a realidade é idealizada e ressignificada. Em suas obras, Valdés Sozzani dá vida a um mundo no qual materializa sua concepção de liberdade, a afirmação do humano, o poder criativo das mulheres e a força irreprimível da esperança.
Vive e trabalha em La Plata.

https://www.artistaslatinas.com.br/artistas-1/meli-vald%C3%A9s-sozzani

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Marta Minujín nasceu no bairro de San Telmo, em Buenos Aires. Estudante no Instituto Nacional de Arte Universitária, exibiu pela primeira vez seu trabalho em um show de 1959 no Teatro Agón. Uma bolsa da Fundação Nacional das Artes permitiu que ela viajasse para Paris como um dos jovens artistas argentinos apresentados em Pablo Curatella Manes e Trinta Argentinos da Nova Geração, uma exposição de 1960 organizada pelo proeminente escultor e juiz da Bienal de Paris.
Ela ganhou o Prêmio Nacional em 1964 no Instituto Torcuato di Tella de Buenos Aires, onde preparou dois eventos: Eróticos en technicolor e Revuélquese y viva interativo. Sua Cabalgata (Cavalgada) foi ao ar na televisão pública naquele ano, e envolveu cavalos com baldes de tinta amarrados às suas caudas. Esses monitores levaram-na para Montevidéu, onde organizou Sucesos no Estádio Tróccoli da capital uruguaia, com 500 galinhas, artistas de formas físicas contrastantes, motocicletas e outros elementos.
Minujín é uma das principais artistas conceituais e da performance na América Latina. Uma de suas obras mais conhecidas, Parthenon de Livros (1983), uma reprodução do Parthenon de Atenas construída com livros, foi remontada no Documenta, em 2017, em Kassel, onde a artista esteve presente nas duas cidades-sede da mostra. La Menesunda é a materialização das preocupações e interrogações de seus criadores sobre as possibilidades da linguagem artística e sua capacidade de afetar e transformar o espectador”, define Sofía Dourron, no catálogo que acompanha a remontagem da obra.
https://www.artistaslatinas.com.br/artistas-1/marta-minuj%C3%ADn

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Nascida em Buenos Aires - Argentina nos anos 1940, Delia Cancela é uma figura-chave na pop-art argentina. Inserida na interseção entre cultura popular, artes plásticas e moda, a obra da artista busca interromper a convenção, lutando com símbolos da mídia de massa, especialmente os que dizem respeito à feminilidade e ao feminismo. Formada na Escuela Superior de Bellas Artes, em Buenos Aires, Cancela começou a expor logo após a sua formatura. Entre 1962 e 1964, ela mostrou seu trabalho em prestigiadas exposições organizadas por museus como Museu Nacional de Bellas Artes, em Buenos Aires. Teve uma dupla de trabalho com Pablo Mesejean, com quem trabalhou de 1965 a 1980 criando diversas instalações e obras, morando neste período por diversas cidades, como Nova York e Londres, tendo apresentado seu trabalho nas revistas de moda Vogue e Harper's Bazaar, possuindo ainda uma etiqueta própria denominada Pablo & Delia e trabalhando como diretora de arte da Vogue.

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Hena Rodríguez Parra (1915-1997) fue una pintora y escultora bogotana. Fue una de las primeras mujeres en vestir pantalón, declarase abiertamente homosexual y recibir una beca del gobierno colombiano para estudiar arte en el exterior. Su obra se caracterizó por prescindir de consejos académicos o influencias clásicas. Fue reconocida principalmente por sus esculturas en madera que abordaron temas como el cuerpo femenino o personajes populares.

https://enciclopedia.banrepcultural.org/index.php?title=Hena_Rodr%C3%ADguez_Parra

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Carolina Cárdenas Núñez (Bogotá, 1903-1936) fue una dibujante, fotógrafa, pintora y ceramista colombiana que formó parte de la generación que introdujo el arte moderno en Colombia. Su trabajo se vio influenciado por el Art Decó durante los años veinte y treinta, y es considerada una de las primeras mujeres colombianas en ejercer como artista de profesión. ¹​ A través de su trabajo artístico (especialmente del dibujo y la cerámica), Cárdenas resaltó la función de las mujeres en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá por encima de lo que la sociedad concebía como el rol de lo "femenino".²​ A pesar de su prematura muerte, fue una mujer de suma importancia para la comunidad cultural bogotana.³​ Si bien nació en un siglo estremecido por las muertes ocasionadas por La guerra de los Mil Días y la inestabilidad política, Cárdenas vivió gran parte de su vida en Londres, Inglaterra y fue hasta finales de los años 20 (1928) que regreso a Bogotá para estudiar en la Escuela de Bellas Artes.

https://es.wikipedia.org/wiki/Carolina_C%C3%A1rdenas_N%C3%BA%C3%B1ez

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Bogotá, Colombia

Carolina Cárdenas Núñez ( Bogotá, 1903- 1936) fue una dibujante, fotógrafa, pintora y ceramista colombiana que formó parte de la generación que introdujo el arte moderno en Colombia. Su trabajo se vio influenciado por el Art Decó durante los años veinte y treinta, y es considerada una de las primeras mujeres colombianas en ejercer como artista de profesión. ​ A través de su trabajo artístico (especialmente del dibujo y la cerámica), Cárdenas resaltó la función de las mujeres en la Escuela de Bellas Artes de Bogotá por encima de lo que la sociedad concebía como el rol de lo "femenino".​ A pesar de su prematura muerte, fue una mujer de suma importancia para la comunidad cultural bogotana.​ Si bien nació en un siglo estremecido por las muertes ocasionadas por La guerra de los Mil Días y la inestabilidad política, Cárdenas vivió gran parte de su vida en Londres, Inglaterra y fue hasta finales de los años 20 ( 1928) que regreso a Bogotá para estudiar en la Escuela de Bellas Artes.

Nació en el hogar conformado por Germán Cárdenas Arboleda, oriundo de Popayán, y María Núñez Pizano, bogotana. A temprana edad fue enviada a vivir a con sus abuelos maternos a Londres, ciudad donde su abuelo José María Núñez Uricoechea se desempeñaba como cónsul de Colombia.

Después de realizar sus estudios básicos en Londres, regresa a Bogotá. En 1928 ingresa a la Escuela de Bellas Artes, dirigida por Roberto Pizano. Fue en estos años de estudio que la artista incursionó en concursos estudiantiles y empezó a ser reconocida por sus dibujos, esto en una época en la que se respiraba un aire de modernidad y desarrollo en Colombia. La capital colombiana vivía la modernización del transporte y las telecomunicaciones, la llegada del tranvía eléctrico, el cine, los automóviles, la iluminación, la presencia de las primeras compañías teatrales, los inicios de la publicidad y el diseño gráfico.

Carolina Cárdenas posó para varios artistas de su tiempo, entre ellos el profesor Francisco Antonio Cano, quien llevó para la posteridad tres magníficos retratos al óleo de la joven artista, dos que forman parte de las colecciones del Museo Nacional de Colombia, y un óleo que conserva la familia de su esposo. Junto a varios compañeros de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá, trabajó algunos dibujos y bocetos con modernos conceptos artísticos. Su atracción por las artes consideradas "menores" le atribuyó a la artista una beca de estudios en España con el fin de pulir sus conocimientos en artes decorativas y cerámica. Sin embargo, debido a su muerte, nunca pudo realizar este viaje.​

Tras la quiebra de su padre en la crisis financiera de 1929, Cárdenas ingresa a trabajar al Ministerio de Guerra, donde se desempeñó en la sección de provisiones, durante el período de la guerra de Colombia con el Perú (1932).

Fue modelo de diferentes artistas de su tiempo y musa literaria, convirtiéndose en el tema de varios cuadros de los pintores más importantes de su época.También fue portada de la revista colombiana Cromos, la cual la califica como la mujer mejor vestida del país. Así como Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse en el París de entreguerras, enloqueció a fotógrafos y pintores y se hizo retratar vestida a la moda francesa.

Contrajo matrimonio en Bogotá, en 1932, con Jaime Jaramillo Arango, reconocido médico colombiano, quien ocupó altos cargos públicos, entre otros el de Ministro de Educación, Rector de la Universidad Nacional de Colombia, y Director del Hospital San Juan de Dios y en varias oportunidades representó al país como Embajador de Colombia durante la Segunda guerra mundial en distintos países europeos.

Introdujo algunos elementos del Art déco a una serie de dibujos estilizados, de trazos seguros y definidos, en los que emplea colores oscuros y dorados con formas geométricas, generando un preámbulo para la introducción del arte abstracto en Colombia. Se destacó por realizar piezas originales en cerámica, nueva tendencia artística de la época. Por la finura de sus obras, evocadas desde el concepto de la figura elegante y finamente decorada con orlas y trazos geométricos, algunos críticos la denominaron con el sobrenombre de "Miss Déco".

Realizó la primera exposición de su obra, compuesta por teteras y jarrones, entre otras piezas, junto con Sergio Trujillo Magnenat: pintor, escultor e ilustrador, con quien compartió buena parte de su trabajo artístico. La exhibición tuvo lugar en la Sociedad Colombiana de Ingenieros, el 6 de febrero de 1936, y fue ampliamente comentada en la prensa, ya que hasta el momento la cerámica no había tenido reconocimiento en el arte colombiano, menos aún en piezas con influencia de la escuela Bauhaus. Sin embargo, en la revista Pan, Nº 7 de 1936 comentó que "Carolina Cárdenas, que hoy se nos revela como ceramista, es también pintora y dibujante de exquisita calidad, y su orgullo de verdadera artista y un desmesurado respeto en lo que al arte se refiere no permitían que se llamara la atención hacia esta actividad en la que encontró campo para la exteriorización de su sensibilidad".​

Su obra fue exhibida en la exposición Colombia en el umbral de la modernidad, realizada en el Museo de Arte Moderno de Bogotá, en 1997, así como una exposición conmemorativa conformada por 33 dibujos en el Gabinete de Dibujo y Artes Gráficas del Museo Nacional de Colombia entre mayo y septiembre de 2005. Alguna parte de su obra, dibujos y bocetos, se conservan como colección privada.

La crítica de su tiempo se refiere más a la mujer, su belleza física y el diseño de moda. Sin embargo, también se desenvolvió en otros temas como figuras esquemáticas de campesinos, cerámicas y retratos de hombres y personas comunes.​ El reconocido crítico Álvaro Medina considera y certifica que gracias a una revaluación de su trabajo en marcha desde 1990, se han encontrado nuevas virtudes y características formales de su obra que durante las primeras décadas del siglo XX pasaron desapercibidas. Además, en "El arte colombiano en los años veinte y treinta" el autor afirma que las obras de Cardenas se caracterizan por "Un trazo seguro, nítido y cortante en el papel blanco. Se diría que Carolina Cárdenas no dudaba nunca, ni siquiera al definir el valor de cada línea y calibrarla con relación a las demás. La voluptuosidad de la curva domina y crea silencios expresivos. El suyo es un procedimiento que compartió, como tantas otras experiencias de la investigación".​

Las reflexiones posteriores de la historiadora de arte Cristina Lleras, basadas en las de Álvaro Medina, son posiblemente los acercamientos más rigurosos a la incipiente y muy breve obra de bocetos y algunas cerámicas de Carolina Cárdenas. En estas reflexiones se afirma que la obra cerámica de Cárdenas ofrece un acercamiento a las artes "menores" y a las labores manuales desde las bellas artes.

Artes menores y lo femenino

Desde finales del siglo XIX, cuando las mujeres amplían su participación en certámenes artísticos, nace la concepción de lo femenino como prácticas ligadas a lo decorativo, lo superficial y lo sentimental, entre ellas el dibujo, el bordado y la música vocal.​ Se trataba de actividades que delimitaban la educación femenina y eran consideradas como quehaceres domésticas y de entretenimiento social. Para algunos críticos de arte del siglo XX la Primera Exposición Anual de la Escuela de Bellas Artes de Bogotá de 1886, (que contó con la participación de al menos 70 mujeres), no fue más que un juego doméstico, un adorno femenino y "no ejercicio vocacional ni mucho menos labor continuada de la profesión artística".​ A pesar de la contundente cantidad de mujeres que accedieron a la enseñanza artística, la historia del arte colombiano, durante el siglo XIX, no ha nombrado de manera profesional a mujeres artistas. Lo último con excepción de Margarita Holguín y Caro.​

Después de la primera exposición de Cárdenas, se empieza a reconocer el carácter artístico de la cerámica y la inclusión de la mujer en medios artísticos variados. La artista exploró de distintas formas la "feminidad" y se enfrentó a la domesticidad y el rol común de la mujer. De esta manera, por medio del dibujo hablo de la maternidad y en un trabajo publicitario que desarrollo para la marca de cigarrillos Pierrot, la artista retrato, de manera esquemática, a una mujer fumando; actividad exclusiva de la esfera privada, llevada a la esfera pública. En una obra que se une con la caricatura, la artista expone una nueva feminidad que crítica el modelo autoritario de la mujer como máquina reproductora, negándose a aceptar el rol conservador y tradicional de la mujer en la sociedad y en la familia. En este sentido, Cristina Lleras comenta que la artista incursionó en un ámbito destinado mayoritariamente a lo masculino y le otorgó un nuevo significado a las artes decorativas lejos de su concepción como tareas del hogar o educación femenina.

Su obra cerámica se compone además por estudios previos conformados por dibujo y escultura, rescatando así numerosos bocetos con composiciones geométricas y abstracciones.

Fotografía

Otra disciplina no académica que fue del interés de Carolina Cárdenas, fue la fotografía, medio que también trabajó junto a Sergio Trujillo Magnenat. En muchos casos el dibujo fue un punto de partida para la manipulación de la realidad y los arreglos de iluminación. La fotografía era un medio desligado de la tradición y de las reglas academicistas, lo que permitía mayor experimentación en procesos plásticos.

Obras de Carolina Cárdenas en las Colecciones del Banco de la República​

Estuvo muy influenciada por las vanguardias del arte Europeo, esto debido los años en los que vivió en Londres (Inglaterra).Además, artistas como Piet Mondrian, Neerlandés, así como el Arte Deco fueron fuentes de inspiración y referencias para ella, puesto que le interesaba y reconocía un fuerte potencial en las formas abstractas y orgánicas de la línea. También se relaciono con Ramón Barba y Josefina Albarracín, quienes hacían parte del movimiento artístico Bachué. Ambos ceramistas reconocidos en el mundo artístico colombiano. También fue amiga de la decoradora Elvira Martínez, la escritora Elisa Mújica y la ceramista Hena Rodríguez. Finalmente, el Art Nouveau, (estilo de fines del siglo XIX) y el Art Déco acercó a la artista a las artes "cultas" y decorativas", influyendo en la inclusión de formas geométricas y estilizadas en sus obras, al igual que la síntesis de los elementos representados.

Falleció el día 6 de abril de 1936, a los 33 años en Bogotá a causa de meningitis. Sergio Trujillo Magnenat (Manzanares-Caldas, 1911-91), pintor y amigo cercano de Cárdenas, realizó una carta de la mujer que Colombia no reconoció o no logró apreciar, en esta carta Trujillo hace una caracterización intima de los valores de la artista que probablemente, debido a su corta vida, muchos no conocieron. Además, Trujillo la describe como una mujer misteriosa, discreta, sensible, armónica y crítica, muy difícil de entender, así mismo Trujillo escribe de manera emocional como Cardenas, con una mirada sensible, logró plasmar de manera artística en sus obras las injusticias y el dolor con la sensibilidad única que siempre la caracterizaron.

Véase también

Referencias

Enlaces externos

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Carolina Cárdenas Núñez - Wikipedia, la enciclopedia libre

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Bogotá, Colombia Carolina Cárdenas Núñez ( Bogotá, 1903- 1936) fue una dibujante, fotógrafa, pintora y ceramista colombiana que formó parte de la generación que introdujo el arte moderno en Colombia. Su trabajo se vio influenciado por el Art Decó durante los años veinte y treinta, y es considerada una de las primeras mujeres colombianas en ejercer como artista de profesión.

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Líder del colectivo de las ‘Tejedoras de Mampuján’, mujeres víctimas del conflicto armado, quienes tejiendo tela sobre tela han dejado memoria de lo sucedido hace 20 años y hoy son un símbolo de la paz, la reconciliación y el perdón.

En el año 2015 se ganaron el Premio Nacional de paz, en el 2018 fueron galardonadas con la Medalla Carlos Mauro Hoyos, máximo reconocimiento que otorga la Procuraduría General de la Nación a una persona natural y son las artistas homenajeadas en el VI Salón BAT de Arte Popular.

https://www.radionacional.co/cultura/las-mujeres-del-arte-popular-12-artistas-para-explorar-en-las-regiones

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Nascida e criada na amplitude brasiliense, Cecília é Bacharel em Desenho Industrial e mestre em Artes Visuais pela Universidade de Brasília. Em seu trabalho propõe objetos e instalações que promovem a experiência de fenômenos perceptivos e imensuráveis. Sua pesquisa é direcionada pelo interesse na luz, no tempo e no espaço. Explora a materialidade como potencial para dialogar com dimensões incertas. Foi contemplada individualmente com o prêmio Funarte de Arte contemporânea 2013 e coletivamente em 2016 e já esteve em residências artísticas na Islândia e no Canadá.

https://www.premiopipa.com/artistas/cecilia-bona/

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Íris Helena é uma artista multidisciplinar nascida em João Pessoa (PB) e radicada em Brasília, graduada em Artes Visuais pela Universidade Federal da Paraíba, Mestre em Artes – Poéticas Contemporâneas e doutoranda em Métodos e Processo em Arte Contemporânea pela Universidade de Brasília. Sua pesquisa caracteriza-se pela investigação crítica, filosófica estética e poética da paisagem urbana a partir de uma abordagem dialógica entre a imagem da cidade e as superfícies/suportes escolhidos para materializá-la. Os suportes precários e ordinários são muitas vezes retirados de seu consumo cotidiano e possibilitam a (re)construção da memória atrelada ao risco, a instabilidade, sobretudo, ao desejo do apagamento.

https://www.premiopipa.com/artistas/iris-helena/

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Ketleyn Quadros (1987-)

A judoca Ketleyn Quadros, nascida na periferia do Distrito Federal, foi a primeira mulher do país a conquistar medalha em provas individuais em uma Olimpíada (Pequim, 2008). Nas Olimpíadas de Tóquio, tornou-se a terceira mulher a ser porta-bandeira do Brasil - os outros 17 atletas brasileiros a fazerem isso, ao longo das participações do país nos Jogos, eram homens.

Tema: Esportes e marcadores sociais de diferença
Referência: https://g1.globo.com/df/distrito-federal/noticia/2021/07/23/olimpiadas-em-toquio-conheca-ketleyn-quadros-judoca-de-ceilandia-que-foi-porta-bandeira-do-brasil-e-sambou-na-cerimonia-de-abertura.ghtml

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Adriana Varejão (1964)  Artista visual. A pintura constitui o campo maior de sua produção, incorporando elementos de outras linguagens, como a escultura. Mesclando elementos barrocos em diálogo com a arte contemporânea, Adriana Varejão cria pinturas e instalações que questionam as relações sociais construídas em um passado colonial. Em suas obras, os materiais estão ligados simbolicamente à história cultural brasileira.

Ao conhecer a cidade de Ouro Preto, Minas Gerais, o repertório barroco passa a marcar suas criações. A narrativa, a mescla de linguagens bi e tridimensionais e a exuberância material das obras dialogam com a visualidade barroca, em busca de uma experiência estética totalizante. Suas pinturas são influenciadas também pelo barroco cubano e pela filosofia chinesa.

Fonte: https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa17507/adriana-varejao

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Conceição Evaristo (1946), é uma das mais influentes literatas do movimento pós-modernista no Brasil, escrevendo nos gêneros da poesia, romance, conto e ensaio. Como pesquisadora-docente, seus trabalhos focavam na literatura comparada.

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Concei%C3%A7%C3%A3o_Evaristo

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Sandra Gamarra (1972) es una pintora peruana residente en España que emplea en sus obras objetos no artísticos. Reflexiona sobre la realidad a partir de las relaciones y mecanismos del mundo del arte y la apropiación. Actualmente vive y trabaja en Madrid.

Fonte: https://es.wikipedia.org/wiki/Sandra_Gamarra

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Berna Reale (1965) Artista e perita criminal. Usando símbolos universais, constrói obras que questionam a condição humana diante da desigualdade e da violência. Com diferentes meios de expressão, como a performance e a fotografia, usa seu próprio corpo como instrumento de criação, tornando-se parte da obra.

"Meu trabalho é sobre como a violência se torna uma coisa aceitável, compartilhada, naturalizada", diz. As pessoas têm um prazer mórbido com uma notícia desagradável, elas compartilham, querem ver".

Para manter a violência muito presente, suas obras são, muitas vezes, rústicas, repletas de elementos mórbidos, como as vísceras e ossos humanos. Não são feitas de sutilezas. Causam impacto sem necessitar de um trabalho intelectual prévio do público, algo cada vez mais necessário na compreensão da arte contemporânea. “Minhas obras são diretas”, define. “Meu trabalho não tenta ter uma linguagem sofisticada porque ele não tenta conquistar a classe artística ou o meio intelectual”, diz, sem nenhuma arrogância. “Eu fico muito mais feliz se tiver gente comum vendo meu trabalho. Não faço a mínima questão de o meu trabalho ser intelectualizado, dele falar de algo com códigos extremamente sofisticados ou específicos que só uma parte da sociedade entende”.

Fonte: https://enciclopedia.itaucultural.org.br/pessoa26879/berna-reale
https://brasil.elpais.com/brasil/2017/07/13/cultura/1499967146_171656.html

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Rosana Paulino (1967)  é uma artista visual brasileira, educadora e curadora, e está inserida no que tem sido chamado de “Novíssima Arte Brasileira”.

Suas obras têm como foco principal as questões sociais, de etnia e de gênero que dizem respeito à mulher negra na sociedade brasileira. Nesse sentido, sua produção busca questionar os estereótipos de beleza e comportamento que historicamente estão associados às mulheres negras e mestiças. Chamam a atenção também para a violência dirigida à população negra, intermediando uma reflexão crítica sobre a contemporaneidade e a vida da própria artista.

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Rosana_Paulino

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Jess Vieira (Brasília-DF)
Artista visual multidisciplinar, a brasiliense radicada em Salvador aborda a confluência entre consciente e inconsciente, narrando em cenários lúdicos as suas percepções sobre sua própria origem corpórea, territorial e sua espiritualidade.

https://harpersbazaar.uol.com.br/cultura/jess-vieira-cria-series-de-telas-inspiradas-pela-confluencia-do-cerrado-com-a-mata-e-o-mar/

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Gabriella Kianda (RJ)
Artista plática e jornalista, Gabriella apresenta a relação da mulher negra enquanto corpo-potência estética e decolonial na modernidade. Seus trabalhos carregam cores e formas que fazem alusão à natureza e seus elementos primordiais.

https://www.osaogoncalo.com.br/geral/91011/artista-goncalense-e-citada-pelo-museu-de-arte-moderna-de-nova-york

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Dedicada à arte com cerâmica voltada para a cultura negra, a artista Gabriela Marinho, de 27 anos, moradora do Jardim Catarina, em São Gonçalo, está ganhando notoriedade no Brasil e no mundo pelo trabalho que desenvolve em seu ateliê. "A arte sempre esteve na minha vida", conta Gabriela, que aponta a mãe, professora da educação infantil, como principal incentivadora do trabalho. Recentemente, suas obras foram apresentadas em capitais do Brasil e ela também chegou a ser citada pelo Museu de Arte Moderna de Nova York (MOMA), um dos Museus mais importantes do Mundo.

"Eu traduzo a minha vida, as coisas que eu levo, as situações que eu passo... Eu trabalho símbolos que são símbolos da minha vida, como cabelo, espadas de São Jorge, os afetos. E tudo isso tem ligação com minha ancestralidade africana e preta. Traduzo minhas vivências através da cerâmica", afirma a artista.

Neste ano, ela foi uma das oito artistas selecionadas para produzir uma capa para a plataforma Spotify para o primeiro DVD do DJ Renan da Penha. O projeto foi uma comemoração à soltura do DJ, que foi preso em março desse ano. Os artistas selecionados para produzir as capas do disco são moradores de favelas do Rio de Janeiro.

| Foto: Divulgação/Arquivo Pessoal

Gabriela também teve trabalhos projetados em prédios e galerias de várias cidades do Brasil, um deles em Belém, no Pará. A artista afirma que, com a pandemia, ela passou a expor mais os seus trabalhos nas redes sociais e isso deu uma visibilidade maior às suas artes. E foi dessa forma que o Museu de Arte Moderna de Nova York, uma referência mundial, citou a brasileira como destaque em trabalhos de arte contemporânea pelo trabalho voltado para a cultura negra.

"Depois dessa exposição, eu fui chamada para representar uma plataforma de arte, e foi quando o MOMA fez uma pesquisa sobre grupos, galerias e plataformas brasileiras de pessoas pretas que trazem essa linguagem contemporânea da arte com referências e aprendizados antigos para o atual momento. E com isso eles citaram a galeria e escolheram um dos meus trabalhos para divulgar no MOMA", conta Gabriela.

A artista afirma que essa visibilidade é uma conquista muito grande e que fica feliz em poder representar pessoas que se identificam com ela, além de levar o nome do Jardim Catarina e de São Gonçalo para o mundo.

| Foto: Divulgação/Arquivo Pessoal

"Através da arte eu consigo colocar o meu ponto de vista da vida, da minha existência, a partir de uma linguagem que desperta vários sentimentos nas pessoas, e aí não sou somente eu, represento minha cidade, meu bairro, minha família e as mulheres pretas iguais a mim. Essa visibilidade não é só minha, é de todo mundo que vem de onde eu venho, que é como eu. A gente sabe que é difícil ocupar certos espaços e ter certos reconhecimentos, principalmente dentro da arte. Então, perceber que nós estamos nesses espaços é muito importante. A gente não faz arte, a gente existe arte!", afirma.
*Estagiário sob supervisão de Thiago Soares

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Artista gonçalense é citada pelo Museu de Arte Moderna de Nova York

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Dedicada à arte com cerâmica voltada para a cultura negra, a artista Gabriela Marinho, de 27 anos, moradora do Jardim Catarina, em São Gonçalo, está ganhando notoriedade no Brasil e no mundo pelo trabalho que desenvolve em seu ateliê. "A arte sempre esteve na minha vida", conta Gabriela, que aponta a mãe, professora da educação infantil, como principal incentivadora do trabalho.

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Jamaira Pacheco (BA-SP)

A artista visual e muralista mora em São Paulo. Iniciou seus estudos na infância de maneira autodidata e, após se experimentar em técnicas de pintura, conheceu a arte urbana e o universo da cenografia onde atuou durante sete anos como aderecista, cenógrafa e escultora. Seu trabalho investiga e expressa sua busca pelo que compreende o fazer artístico: o retorno a si mesma. É co-criadora do coletivo de arte urbana DROM (2018) desenvolvendo murais e ministrando aulas de artes em Jundiaí – SP.

https://elastica.abril.com.br/especiais/mulheres-arte-women-on-walls/

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Grupo Matizes Dumont

Com origem no bordado mineiro clássico, essa família de artistas criou novas possibilidades, deu novos sentidos a esse milenar ofício. Matizes Dumont é um grupo familiar constituído por três gerações de bordadeiras que se dedicam há mais de 30 anos às artes visuais.  O grupo é formado pela mãe, Antônia Zulma Diniz Dumont, o filho Demóstenes, as filhas Ângela, Marilu, Martha e Sávia. Além de introduzir a linguagem do bordado como forma de expressão nas artes visuais e em ilustração de livros, o Grupo Matizes Dumont desenvolveu uma prática psicopedagógica chamada “Bordar o Ser”. Dessa forma, sua atuação tem sido de grande importância para a difusão do bordado livre no Brasil, como forma de promover o desenvolvimento humano e social. A família tem experiência em diferentes áreas como a Educação Ambiental, Cultura Popular, Saúde e Meio Ambiente, Processos de desenvolvimento de grupos e Planejamento Estratégico Participativo.

São telas bordadas em diferentes tamanhos e materiais que passam por complexo processo de criação, começando pela concepção do desenho, feito pelo irmão Demóstenes, artista plástico. Os tecidos são, então, escolhidos criando composições e recriando os espaços traçados por Demóstenes. As bordadeiras são as que dão vida e movimento às telas, em processo de co-criação, trazendo suas cores, texturas, formas e volumes, de forma improvisada e espontânea.

Fonte:
https://www.artesol.org.br/grupomatizesdumont

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YACUNÃ TUXÁ (BA)

Yacunã é uma ativista e artista visual indígena, da etnia Tuxá, de Rodelas, na Bahia. Graduanda em Letras na Universidade Federal da Bahia, a artista também atua como uma das lideranças em defesa da causa indígena LGBTQIA+. Suas obras, de linguagem contemporânea, se constroem em geral a partir de ferramentas digitais. Evocando a força das mulheres de seu povo, permitem um novo olhar para os indígenas que transitam entre os aldeamentos e as grandes cidades, construindo diariamente novas estratégias de resistência.
https://ims.com.br/convida/yacuna-tuxa/

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Terroristas del Amor
O coletivo formado pelas cearenses Dhiovana Barroso e Marissa Noana resgata linguagens ligadas à militância artística, num processo que revela mais sobre afetividades lésbicas, combatendo as tantas violências pelas quais são atravessadas.

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Tilsa Tsuchiya (1928-1984) pintora nipo-peruana é considerada uma das maiores artistas visuais peruanas do século 20, com uma estética mítico-surrealista, recebeu em 1970 o prestigioso Prêmio Teknoquimica de pintura.

Tsuchiya ha generado a lo largo de su trayectoria una verdadera iconografía donde se reconoce un mundo mítico, místico, lleno de luz, erótico y sublime.  Entre sus obras cumbre, destacan Cementerio (1957), Paraíso (1971), Tristán e Isolda (1974), Mito del guerrero rojo (1976), Pelícano (1978) y Mujer y mono (1979), autorretrato de carácter profundo donde se simboliza el tiempo, la enfermedad y la muerte. Asimismo, la artista experimentó con diversas técnicas, logrando una perfección pictórica y sutileza de la pincelada y las gamas cromáticas. Además, practicó con autonomía el dibujo, realizó diversas impresiones de grabados, trabajó la escultura en bronce y el pintado en piedras naturales.

Fonte: https://ensabap.edu.pe/bellasartinos-emblematicos-tilsa-tsuchiya/

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Chonon Bensho (1992) Artista indígena del pueblo shipibo-konibo (Comunidad Nativa de Santa Clara de Yarinacocha, región Ucayali, Perú), descendiente de sabios médicos tradicionales Onanya y de mujeres que han conservado las tradiciones artesanales y artísticas de sus ancestros. Fue criada en un ambiente tradicional, en su propia lengua, y curada con las plantas medicinales que utilizan las personas que quieren llegar a ser maestras de los diseños kené, una expresión artística propia de los pueblos indígenas de la familia lingüística pano. En estos patrones geométricos se expresa la visión filosófica y espiritual de las naciones indígenas que tiende siempre a la búsqueda de la belleza y del equilibrio; el arte del kené da cuenta de la profunda relación de los seres humanos con el territorio ancestral y con los mundos espirituales.

Fonte: https://siwarmayu.com/es/chonon-bensho-2/

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Yma Sumac (1922-2008) foi uma cantora lírica peruana com voz de soprano coloratura.

Nos anos 1950 teve sucesso internacional baseado no seu enorme alcance vocal que abrangia notas de baixo-barítono a soprano ultra leggero, chegando em seu auge, a 5 oitavas de acordo com o Guiness, numa época onde o alcance de um cantor de ópera variava entre 2,5 e 3 oitavas.

Seus cabelos negros e roupas extravagantes fizeram dela uma figura popular entre plateias americanas, uma fantasia musical em cores.

https://www.youtube.com/watch?v=7JWxNqyIRtk

Fonte: https://pt.wikipedia.org/wiki/Yma_Sumac

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Doris Salcedo (1958) artista colombiana, conhecida pelas suas instalações e esculturas de grandes dimensões que atuam como representações de memórias que sintetizam dor e sentimento de perda.
Uma curiosidade sobre a metodologia do trabalho artístico de Salcedo é que as suas obras demoram anos até ficarem prontas e nesse tempo, ela faz um extenso trabalho de campo e submerge completamente na experiência das vítimas, investigando o processo de perda e violência delas, com o objetivo de identificar os efeitos mais sutis e brutais da violência e suas repercussões na vida cotidiana.

Em 2019, foi a ganhadora inaugural do Nomura Art Award, de US $ 1 milhão, o maior prêmio em dinheiro dedicado à arte internacional.

Fonte: https://philoesophia.wordpress.com/2019/02/11/shibboleth-sobre-rachaduras-arte-politica-e-relacoes-de-poder/

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Bastardilla é o pseudônimo de uma grafiteira e muralista de Bogotá. Não se sabe muito sobre a artista. Nasceu em meados da década de 1980 e faz parte de um movimento de grafiteiras colombianas que surgiu no final dos anos 1990 em Bogotá, Cali e Medellín.

Prefere o anonimato, como outros artistas de rua. Seu pseudônimo faz alusão ao que é bastardo ou ilegítimo e que implica vulnerabilidade e marginalização, igualmente. Em uma das poucas entrevistas que ela fez para uma série documental de 8 partes chamada “Défense d’Afficher”, Bastardilla comenta que a ideia de anonimato é particularmente atraente “em um mundo onde todos estão promovendo sua própria imagem”.

Grande parte de seu trabalho se concentra nos temas do feminismo, pobreza, natureza, violência e os problemas das sociedades indígenas.

Um de seus trabalhos mais recentes foi um mural na Cidade do México encomendado pelo MANIFESTO, um projeto da Galeria Fifty24MX. Artistas do México, Itália, Colômbia, Argentina e Estados Unidos foram convidados a criar murais que comentassem a atual situação sociopolítica do México. A obra de Bastardilla mostra jovens armados com arcos e lápis sentados em um livro com as palavras “queremos que eles voltem vivos” rabiscadas na parte inferior. Foi criada para relembrar os 43 estudantes universitários que foram sequestrados por policiais em Iguala e posteriormente entregues a membros de gangues, que os mataram. Geralmente representa mulheres fortes e ativas na vida sociocultural e política colombiana, enquanto reivindica suas raízes indígenas. A aparência de seus personagens simboliza a natureza frágil e mortal do ser humano. Os grafites de Bastardilla costumam incluir uma crítica à globalização e ao capitalismo por suas ações contra o meio ambiente e sua conservação.

Seus murais podem ser encontrados principalmente nos bairros mais pobres de países como Colômbia, Paraguai, Portugal, Espanha, Estados Unidos da América, Holanda, Bolívia ou Reino Unido, entre outros.

É uma das artistas urbanas incluídas no documentário Défense d'afficher dirigido por Sidonie Garnier, François Le Gall e Jeanne Thibord sobre o movimento internacional de arte urbana.

Sua obra foi a primeira a ser registrada pelo STRAAT, o Museu de Arte Urbana de Amsterdãn e que visa preservar o trabalho realizado por artistas urbanos.

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Lua Nzinga (Luana Pereira Silva) é artista, grafiteira, intérprete de libras, educomunicadora e poetisa. Nascida em Planaltina, ela iniciou seu trabalho em poesia em 2013, e no grafite em 2018, acreditando no poder transformador da arte.  Trabalha a história, a ancestralidade e a luta contra o racismo ao retratar mulheres negras com traços fortes

Fonte: https://www.cultura.df.gov.br/lua-nzinga/  e https://www.agenciabrasilia.df.gov.br/2021/03/09/a-forca-feminina-no-grafite-do-df/

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Inezita Barroso, nome artístico de Ignez Magdalena Aranha de Lima (1925 -2015), foi uma cantora, atriz, instrumentista, bibliotecária, folclorista, professora, apresentadora de rádio e televisão brasileira.

Apaixonada pela cultura e principalmente pela música brasileira, é considerada uma das principais cantoras da música sertaneja brasileira e a mulher que mais popularizou este estilo pelo país. É reconhecida como a mais antiga e mais importante expressão artística da música caipira.

Ganhou o título de doutora honoris causa em folclore e arte digital pela Universidade de Lisboa e atuou também em espetáculos, álbuns, cinema, teatro e produzindo espetáculos musicais de renome nacional e internacional.

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Arissana Pataxó, (1983) é artista visual e professora. Em seu trabalho artístico utiliza de diversas técnicas e suportes para a sua produção, tendo como referência a suas vivências junto ao seu povo e a outros povos indígenas. Desde 2005 vem realizando diversas exposições individuais e coletivas, sendo a mais recente no Festival de arte indígena Rec Tyty, com curadoria de Ailton Krenak, Naine Terena, Cristine Takuá e Carlos Papá. Em 2016 foi indicada ao Prêmio PIPA e premiada com o 2º lugar no Pipa Online.

Fonte: https://mam.org.br/evento/live-moquem_surari-un-kaok-a-forca-das-mulheres-indigenas-nas-artes/

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Carolina Maria de Jesus, uma das primeiras escritoras negras do Brasil, é considerada uma das mais importantes escritoras do país.

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Carolina Maria de Jesus (1914-1977) foi uma escritora, compositora e poetisa brasileira cuja obra mais conhecida é Quarto de Despejo: diário de uma favelada (1960), o qual foi traduzido para 14 idiomas. O livro retrata o cotidiano de Carolina como catadora de papel, mãe solteira de 3 filhos e moradora da favela do Canindé.
Escreveu ainda peças, poemas e músicas (É possível ouvir no Youtube o disco em que ela canta suas próprias composições: https://www.youtube.com/watch?v=t3dzlAr4euo)

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Rita Laura Segato. É uma antropóloga e escritora argentina, nascida em Buenos Aires no ano de 1951 e que reside em Brasília. Especialmente conhecida por suas investigações sobre questões de gênero nos povos indígenas e comunidades latino-americanas, assim como questões de violência sexual e as relações entre gênero, racismo e colonialidade. Foi profesora do departamento de Antropologia da Universidade de Brasília entre 1985 e 2010, seguindo como professora dos Programas de Pós-graduação em Bioética e Direitos Humanos até 2017.

Foi co-autora da primeira proposta de cotas para estudantes negros e indígenas na educação superior do Brasil, e co-autora, com 41 mulheres indígenas, da primeira proposta de políticas públicas para mulheres indígenas (2002).

Colaborou com a FUNAI na série de oficinas realizadas entre 2003 e 2012 junto a mulheres indígenas de todo o país, assim como também com organizações de mulheres do México, El Salvador, Guatemala, Nicarágua e Honduras.
Tem uma importante pesquisa sobre homens condenados por estupro e por feminicídio. A pesquisa foi feita por ela junto ao presídio masculino de Brasília.

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Debora Diniz Rodrigues é antropóloga e professora de Direito da Universidade de Brasília, cofundadora e pesquisadora do Anis: Instituto de Bioética. Também é pesquisadora, escritora e documentarista. Seus projetos de pesquisa se concentram em bioética, feminismo, direitos humanos e saúde.

Integra a equipe do blogue Vozes da Igualdade.Dentre suas pesquisas mais relevantes, está a Pesquisa Nacional de Aborto — PNA, publicada em 2010, que mostrou que uma em cada cinco mulheres até os 40 anos já fez, pelo menos, um aborto, o que representa cerca de cinco milhões de mulheres.A PNA foi coordenada por Debora Diniz e pelo economista e sociólogo Marcelo Medeiros, que é professor da Universidade de Brasília, e pesquisador do Instituto de Pesquisa Econômica Aplicada. O estudo foi publicado em duas fases, em 2010 e em 2012, na Revista Ciência & Saúde Coletiva.

Em 2009, lançou seu sexto documentário, A Casa dos Mortos, sobre o cotidiano de pacientes internados no manicômio judiciário de Salvador. A partir do lançamento do filme, passou a se debruçar pelo tema dos manicômios judiciários. Em 2013, publicou os resultados do I Censo nos Estabelecimentos de Custódia e Tratamento Psiquiátrico do Brasil. Esta foi a primeira contagem da população vivendo em manicômios judiciários brasileiros. O estudo mostrou que um em cada quatro indivíduos não deveria estar internado.

Até 2016, Diniz havia recebido cerca de 90 prêmios, incluindo prêmios científicos e acadêmicos por seus filmes em festivais, incluindo o Fred L. Soper Award for Excellence in Public Health Literature, da Organização Pan-Americana da Saúde, em 2012, pela publicação de seu National Pesquisa de aborto. Em 2020, ela foi homenageada com o Prêmio Dan David.

Em março de 2022, ela estava entre as 151 feministas internacionais que assinaram Resistência Feminista Contra a Guerra: Um Manifesto, em solidariedade com a Resistência Feminista Anti-Guerra iniciada por feministas russas após a invasão russa da Ucrânia.

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Anitta Malfatti (1889-1964)
Anitta Malfatti foi uma pintoria, desenhista, gravadora, ilustradora e professora brasileira nascida em São Paulo.
Iniciou-se na pintura através de sua mãe, Betty Krug, pintora norte-americana de origem alemã.
Malfatti foi pioneira da pintura modernista no Brasil. Em 1910, passou a estudar em Berlim com o pintor Fritz Burger, com quem teve seu primeiro contato com a pintura expressionista, a qual a influenciou fortemente em sua carreira.
Em 1917, de volta ao Brasil, Malfatti realizou sua segunda exposição individual com 53 obras. A elite conservadora de São Paulo reagiu violentamente contra suas inovações artísticas.
Muitos devolveram os quadros comprados. Essa reação negativa foi em grande parte motivada pelo artigo "Paranoia ou mistificação", publicado pelo escritor e crítico de arte Monteiro Lobato. Nesse texto sexista, Lobato associou o predomínio do expressionismo nas obras de Malfatti aos transtornos mentais, em uma defesa virulenta da arte acadêmica contra as vanguardas artísticas europeias.
Em parte, foi a reação a Lobato que gerou o esforço de se realizar a Semana de Arte Moderna de 1922, da qual Malfatti participou com a exposição de 22 trabalhos.
Ela tinha uma deficiência motora congênita em seu braço direito, o que não a impediu de pintar e expor suas obras em Paris em 1926.
Além disso, Malfatti também era professora. Em 1932, voltou-se ao ensino na Escola Normal Americana e na Escola Normal da Universidade Mackenzie, em São Paulo. Faleceu em São Paulo em 1964.
A biografia de Anita Malfatti suscita três temas sociais para reflexão:
1) A introdução do Modernismo no Brasil e o papel da Semana de Arte Moderna na cultura brasileira;
2) A superação do sexismo e a importância das mulheres na pintura brasileira;
3) A superação da deficiência física por meio da arte.
Autor: Luciano da Rosa Muñoz

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Marianne Peretti  (1927-2022)
Única mulher a fazer parte da equipe de artistas de Oscar Niemeyer na construção de Brasília, a vitralista Marianne Peretti nasceu em Paris, onde iniciou os estudos em Artes e ilustrou livros como La Grèce e o Almanach de Saint-German-des-Près. Mudou-se para o Brasil no início da década de 1950, indo morar em São Paulo. Nos anos 1970, ficou impressionada com o trabalho de Oscar Niemeyer e decidiu se apresentar para ele. Tempos depois, recebeu do arquiteto propostas de trabalho em Brasília, a qual já havia sido inaugurada mas que ainda estava em processo de construção. Marianne Peretti foi responsável pelos vitrais na Catedral, na Câmara dos Deputados, no Senado Federal, no Teatro Nacional, no Superior Tribunal de Justiça, entre outros. A artista também criou pinturas, desenhos e esculturas.
Um tema suscitado por suas obras é a liberdade, ora representada por pássaros, ora inferida da leveza -em contraste com o concreto-, simbolizando os anseios de um país em tempos de ditadura.

Referências
Documentário "Uma mulher e uma cidade". Disponível em: https://www.camara.leg.br/noticias/870224-veja-documentario-sobre-a-vida-e-obra-da-artista-marianne-peretti-que-morreu-nesta-semana/
Obras da única mulher na equipe de Niemeyer em Brasília marcam a capita. Disponível em https://g1.globo.com/distrito-federal/noticia/2015/04/obras-da-unica-mulher-na-equipe-de-niemeyer-em-brasilia-marcam-capital.html
Marianne Peretti: a mentora dos vitrais de Brasília. Disponível em: https://www.turismo.df.gov.br/marianne-peretti-a-mentora-dos-vitrais-de-brasilia/
Marianne Peretti: Araguaia. Disponível em https://www2.camara.leg.br/a-camara/visiteacamara/cultura-na-camara/museu/acervo/obras-de-arte/marianne-peretti-1/copy2_of_marianne-peretti

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Bertha Lutz

Bertha Lutz é conhecida como a maior líder na luta pelos direitos políticos das mulheres brasileiras.

Zoóloga de profissão, Bertha Maria Júlia Lutz é conhecida como a maior líder na luta pelos direitos políticos das mulheres brasileiras. Ela se empenhou pela aprovação da legislação que outorgou o direito às mulheres de votar e de serem votadas.
Voltou ao Brasil em 1918 e ingressou por concurso público como bióloga no Museu Nacional, sendo a segunda mulher a entrar no serviço público brasileiro. Ao lado de outras pioneiras, empenhou-se na luta pelo voto feminino e criou, em 1919, a Liga para a Emancipação Intelectual da Mulher, que foi o embrião da Federação Brasileira pelo Progresso Feminino (FBPF).

Em 1922, Bertha representou as brasileiras na Assembleia-Geral da Liga das Mulheres Eleitoras, nos Estados Unidos, sendo eleita vice-presidente da Sociedade Pan-Americana. Somente dez anos depois do ingresso das brasileiras na Liga das Mulheres Eleitoras, em 1932, por decreto-lei do presidente Getúlio Vargas, foi estabelecido o direito de voto feminino.
Com o regime do Estado Novo implantado em 1937 e o fechamento das casas legislativas, Bertha permaneceu ocupando importantes cargos públicos, entre os quais a chefia do setor de Botânica do Museu Nacional, cargo no qual se aposentou em 1964. No ano de 1975, Ano Internacional da Mulher, estabelecido pela ONU, Bertha foi convidada pelo governo brasileiro a integrar a delegação do país no primeiro Congresso Internacional da Mulher, realizado na capital do México. Foi seu último ato público em defesa da condição feminina. Bertha Lutz faleceu no Rio de Janeiro em 16 de setembro de 1976, aos 84 anos.

Fonte: Agência Senado - https://www12.senado.leg.br/noticias/entenda-o-assunto/bertha-lutz

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Uma singela homenagem, comparando com o Barão do Rio Branco, Santiago Dantas e Ruy Barbosa que também marcaram a diplomacia mas que ganharam bustos e salas.

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Maria José de Castro Rebello Mendes: Primeira Mulher Diplomata do Brasil
Ao tomar conhecimento do concurso para o Itamaraty por meio de um primo, Maria decidiu inscrever-se para concorrer à vaga de terceira escriturária. Como já possuía conhecimento aprofundado nas línguas estrangeiras, ela se empenhou nos estudos das matérias que não tinha tanta familiaridade. Passou a frequentar a Escola de Comércio para se aperfeiçoar em Datilografia, Contabilidade e Economia e estudou por conta própria as matérias de Direito. No entanto, apesar de todo esse esforço, seu pedido de inscrição no processo seletivo não foi aceito pelo Ministério das Relações Exteriores (MRE).

A futura diplomata, porém, não se deixou desanimar. Para ajudá-la, seus familiares pediram auxílio ao jurista Rui Barbosa para examinar a recusa atenciosamente, à luz da legislação da época, e o caso ganhou repercussão em todo o Brasil.

No dia 27 de setembro de 1918, a baiana Maria José de Castro Rebello Mendes, foi empossada pela então Secretaria de Estado das Relações Exteriores. Há 103 anos, o Ministério das Relações Exteriores oficializava o cargo da primeira mulher diplomata da história do Itamaraty.

Conforme a Agência Brasil, a inscrição de Maria José no concurso chegou a ser contestada por setores da opinião pública e virou polêmica na imprensa da época. Seu ingresso na carreira diplomática só foi possível a partir da intercessão do jurista Ruy Barbosa junto ao então ministro das Relações Exteriores, Nilo Peçanha.

https://obarao.damasio.com.br/baronesa-do-mes-maria-jose-de-castro-rebello-mendes/

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Ana Maria Primavesi (1920-2020), engenheira agrônoma, principal pesquisadora e divulgadora da  agroecologia e agricultura orgânica no Brasil. Defensora da necessidade de conjugar agricultura, proteção do meio ambiente e alimentação saudável, sempre demonstrou um amor radical à terra mas também às camponesas e camponeses, colocando-se como defensora do campesinato, dos povos indígenas, dos quilombolas, das comunidades tradicionais camponesas e reforma agrária.

Pioneira da Agroecologia no Brasil e referência internacional em seu campo, Primavesi revolucionou a visão sobre a agricultura ao considerar o solo enquanto um organismo vivo e desenvolveu práticas inovadoras agricultura em regiões tropicais desafiando a lógica do capital na agricultura.
Uma de suas frases:  “Não há vida que continue sem terra, sem agricultura.”
Ela foi, ainda, uma das pioneiras nas técnicas de preservação do solo e recuperação de áreas degradadas no país.

Grandes temas: Proteção do solo e do meio ambiente; Soberania alimentar e alimentação saudável; Agroecologia e agricultura orgânica.

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Nise da Silveira (1905-1999)

Lutou pela humanização da saúde mental e pela urgente necessidade de rever padrões sociais. Desejou substituir doentes dopados e tratamentos alienantes por pessoas assistidas e integradas. À sua época, era comum a utilização de recursos violentos e invasivos como lobotomia e eletrochoque e grande quantidade de remédios. Em vez de choques, adotou as artes como método de tratamento, a “Emoção de Lidar”. Pensava a substituição do encarceramento pela liberdade.

Grandes temas: 1. Humanização do tratamento da saúde mental; 2. Toda arte é política; 3. A revolução será feminista, ou não será.