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Biographie

Fabienne Verdier est née en France en 1962. Depuis ses études aux Beaux-Arts, son parcours artistique est jalonné de confrontations avec des systèmes de pensée issus de cultures et d'époques différentes. Son processus créatif se nourrit d'une hybridation des savoirs et se manifeste au moyen d'inventions techniques (pinceaux immenses, alliages de glacis, esquisses filmiques). Après ses études aux Beaux-Arts, elle se forme en Chine de 1983 à 1992, aux côtés de grands maîtres. Elle s'immerge ensuite plusieurs années dans les oeuvres de peintres expressionnistes abstraits pour réaliser une série de tableaux pour la Fondation H. Looser à Zurich. Elle se confronte, de 2009 à 2013, aux tableaux de primitifs flamands (Van Eyck, Memling, Van der Weyden) et crée une exposition avec le musée Groeninge à Bruges. En 2014, elle installe un atelier au sein de la Juilliard School (New York) qui accepte, pour la première fois, un laboratoire de recherche sur les ondes sonores et picturales. De 2015 à 2017, elle collabore avec Alain Rey pour l'édition du cinquantenaire du Petit Robert et réalise 22 tableaux célébrant l'énergie créatrice du langage. En 2019, le Musée Granet d'Aix-en-Provence lui consacre une exposition rétrospective, retraçant le parcours de l'artiste depuis son retour de Chine, jusqu'à ses dernières oeuvres créées dans les carrières de Bibémus, face à la Montagne Sainte-Victoire. Cette même année, suite à la réalisation d'une série de douze oeuvres, une de ses peintures est choisie par La Poste française pour la réalisation d'un timbre. Fabienne Verdier expose souvent en Europe et en Asie. Ses oeuvres figurent dans de nombreuses collections, le MNAM Centre Pompidou (Paris), le Musée Granet (Ai-en-Provence), la Bayerische Staatsgemäldesammlungen (Munich), ou encore la Fondation Hubert Looser et le Kunsthaus à Zurich.

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Fabienne Verdier - artiste - Galerie Lelong & Co.

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Fabienne Verdier est née en France en 1962. Depuis ses études aux Beaux-Arts, son parcours artistique est jalonné de confrontations avec des systèmes de pensée issus de cultures et d'époques différentes. Son processus créatif se nourrit d'une hybridation des savoirs et se manifeste au moyen d'inventions techniques (pinceaux immenses, alliages de glacis, esquisses filmiques).

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Rebecca HORN - née le 24 mars 1944 à Michelstadt (Allemagne). Vit et travaille à Berlin (Allemagne) et Paris (France).
Rebecca Horn est une artiste contemporaine allemande dont la pratique inclut sculpture, installation, dessin, performance, vidéo, photographie... Au fil de son œuvre, Rebecca Horn aura scruté le corps dans ses rapports à l'environnement, par son mouvement, ses extensions. La performance Einhorn [Licorne] (1970) inaugure en un sens cette dynamique. Dans un champ, de profil, nue mais cintrée de bandes blanches, la tête coiffée d'une longue corne, Rebecca Horn marche. Ailes de tissu, doigts prolongés de longs et fins bâtons, visage hérissé de crayons... Au fil des œuvres, les prothèses et extensions corporelles de Rebecca Horn se sont autonomisées en sculptures cinétiques. Glissant de la figure d'Icare à celle de Dédale. Actuellement, le travail de Rebecca Horn est représenté par la Sean Kelly Gallery (New York), la Galerie Thomas Modern (Munich), la Galeria Pelaires (Palma de Mallorca), notamment.

Rebecca Horn : performances, extensions corporelles et prothèses (coton, bandage, plumes, tissu...)

Destinée à étudier l'économie pour reprendre l'entreprise textile familiale, Rebecca Horn bifurque au bout de six mois. Pour étudier, à la place, l'art à la Hochschule für bildende Künste de Hambourg (1963-1969). Travaillant d'abord la sculpture (fibre de verre et résine), mais sans masque, un empoisonnement lui vaut une année en sanatorium. Suite à cette maladie respiratoire, la pratique de Rebecca Horn évolue vers des matériaux plus organiques : coton, bandages, plumes... Et des pratiques comme la performance. Ses premières œuvres consistent ainsi en prothèses et extensions corporelles. Einhorn (1970), Handschuhfinger [Gants de doigts] (1972), Weisser Körperfächer [Éventail corporel blanc] (1972)... Une bourse du DAAD lui permet également de passer une année au Central Saint Martins College of Art and Design de Londres (1971). En 1972, elle participe à la Documenta, dont le curateur est alors Harald Szeemann. La même année, elle s'installe à New York.

Sculptures cinétiques et installations cathartiques : l'art pour panser les blessures, les sculptures animées

Durant les années 1980-1990, le travail de Rebecca Horn prend les traits de grandes installations, dans des lieux historiquement chargés. Ses sculptures cinétiques ont alors vocation à panser les blessures. En 1994, Turm der Namenlosen [La tour des sans-nom], à Vienne, tient lieu de monument éphémère, en hommage aux réfugiés fuyant les guerres balkaniques. La tour est composée d'un assemblage précaire, dont des violons, jouant via un dispositif mécanique. En 1999, pour " Weimar, capitale européenne de la culture ", elle propose le Konzert für Buchenwald [Concert pour Buchenwald]. Dans un ancien dépot de tramways, derrière deux parois en verre de quarante mètres de long, sont répandues des cendres. Tandis que de l'autre côté, sont empilés instruments de musique et étuis. Un chariot sur rail circule bruyamment dans l'installation, par ailleurs muette. En 2014, Vulkan Metamorphose / Volcano Metamorphosis se compose d'un papillon ( Morpho deidamia) mécaniquement animé, sur une roche volcanique.

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Rebecca Horn : extensions corporelles et sculptures animées

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Rebecca HORN - née le 24 mars 1944 à Michelstadt (Allemagne). Vit et travaille à Berlin (Allemagne) et Paris (France). Rebecca Horn est une artiste contemporaine allemande dont la pratique inclut sculpture, installation, dessin, performance, vidéo, photographie... Au fil de son œuvre, Rebecca Horn aura scruté le corps dans ses rapports à l'environnement, par son mouvement, ses extensions.

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Notre bâtiment Nos chefs-d'œuvre Arts plastiques Dessins Photographies Design et prospective industrielle Architecture Films et Nouveaux médias L'Atelier Brancusi La Bibliothèque Kandinsky Plan du Musée

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Rebecca Horn / ‘Pencil Mask’ (‘Bleistiftmaske’) 1972

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Rebecca Horn - Flying Books Under Black Rain Painting

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Exosquelette est un robot à six pattes, s'apparentant par sa forme à une araignée géante. Lors des performances, Stelarc se tient debout au centre, sur le dessus de la machine. Elle rentre en action grâce aux mouvements de ses bras, la manipulation de manettes, et un système pneumatique.

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This is the official website of STELARC. Stelarc is a performance artist who has visually probed and acoustically amplified his body. Between 1976-1988 he completed 25 body suspension performances with hooks into his skin. He has used medical instruments, prosthetics, robotics, Virtual Reality systems, the Internet and biotechnology to explore alternate, intimate and involuntary interfaces with the body.

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La dernière rétrospective dans un musée français datant de 1969, il était important de redonner à Hans Hartung (1904-1989) toute la visibilité qu'il mérite. L'exposition porte un nouveau regard sur l'ensemble de l'oeuvre de cet artiste majeur du XXe siècle et sur son rôle essentiel dans l'histoire de l'art. Hans Hartung fut un précurseur de l'une des inventions artistiques les plus marquantes de son temps : l'abstraction.

Acteur d'un siècle de peinture, qu'il traverse avec une soif de liberté à la mesure des phénomènes qui viennent l'entraver - de la montée du fascisme dans son pays d'origine l'Allemagne à la précarité de l'après-guerre en France et à ses conséquences physiques et morales - jamais, il ne cessera de peindre.

Le parcours de la rétrospective comprend une sélection resserrée d'environ trois cents oeuvres, provenant de collections publiques et particulières françaises et internationales et pour une grande part de la Fondation Hartung-Bergman. Cet hommage fait suite à l'acquisition du musée en 2017 d'un ensemble de quatre oeuvres de l'artiste.

L'exposition donne à voir la grande diversité des supports, la richesse des innovations techniques et la panoplie d'outils utilisés durant six décennies de production. Hans Hartung, qui place l'expérimentation au coeur de son travail, incarne aussi une modernité sans compromis, à la dimension conceptuelle. Les essais sur la couleur et le format érigés en méthode rigoureuse d'atelier, le cadrage, la photographie, l'agrandissement, la répétition, et plus surprenant encore, la reproduction à l'identique de nombre de ses oeuvres, sont autant de recherches menées sur l'original et l'authentique, qui résonnent aujourd'hui dans toute leur contemporanéité. Hans Hartung a ouvert la voie à certains de ses congénères, à l'instar de Pierre Soulages qui a toujours admis cette filiation.

L'exposition est construite comme une succession de séquences chronologiques sous la forme de quatre sections principales. Composée non seulement de peintures, elle comprend également des photographies, témoignant de cette pratique qui a accompagné l'ensemble de sa recherche artistique. Des ensembles d'oeuvres graphiques, des éditions limitées illustrées, des expérimentations sur céramique, ainsi qu'une sélection de galets peints complètent la présentation et retracent son itinéraire singulier.

Afin de mettre en relief le parcours d'Hans Hartung, en même temps que son rapport à l'histoire de son temps, cette exposition propose des documents d'archives, livres, correspondances, carnets, esquisses, journal de jeunesse, catalogues, cartons d'invitations, affiches, photographies, films documentaires, etc.

Figure incontournable de l'abstraction au XXe siècle, Hans Hartung ne se laisse pas pour autant circonscrire dans ce rôle de précurseur historique, car sa vision d'un art tourné vers l'avenir, vers le progrès humain et technologique, vient nous questionner aujourd'hui encore. Le parcours met en tension et en dialogue ces deux aspects complémentaires qui constituent le fil rouge de cette exposition.

Un catalogue comprenant une quinzaine d'essais et une anthologie de textes est publié aux Éditions Paris Musées.

Commissaire : Odile Burluraux
Assistante : Julie Sissia
Retrouvez également sur le site du musée la captation vidéo de la conférence " Qu'est-ce que la peinture abstraite aujourd'hui ? " organisée en lien avec l'exposition.
Avec le soutien de :

Hans Hartung, T1973-E12, 1973
© Fondation Gandur pour l'Art, Genève
© ADAGP, Paris, 2019
Photo : Sandra Pointet

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La dernière rétrospective dans un musée français datant de 1969, il était important de redonner à Hans Hartung (1904-1989) toute la visibilité qu'il mérite. L'exposition porte un nouveau regard sur l'ensemble de l'oeuvre de cet artiste majeur du XXe siècle et sur son rôle essentiel dans l'histoire de l'art.

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Au cœur des vastes espaces du musée d'Art moderne de la ville de Paris se tiendra jusqu'au 1er mars 2020 la plus grande rétrospective française consacrée à Hans Hartung depuis plus de 50 ans. L'occasion de revenir sur l'important travail de ce plasticien franco-allemand, figure majeure de l'abstraction lyrique au XXème siècle et explorateur infatigable de nombreuses techniques picturales. Retour sur trois de ses instruments les plus singuliers.

On le connait comme peintre gestuel, artiste informel, mais Hans Hartung est avant tout un plasticien technique. Né dans l'Allemagne sévère du début du XXe siècle, l'artiste n'est guidé que par son besoin de liberté : une liberté d'esprit, d'action et de geste. Celle-ci s'exprime dans la peinture, support d'expression qu'il n'abandonnera que le jour de sa mort en 1989. Véritable hyperactif artistique, Hartung change de procédés picturaux dès qu'il en est passé maître, cultivant la fraicheur et la spontanéité de ses actions esthétiques. De ses taches de couleur abstraites aux griffures nerveuses en passant par la sensibilité de ses atmosphères édulcorées ou de ses peintures psychédéliques, Hans Hartung n'a cessé d'expérimenter, pratiquer, et tester ce que la peinture avait à lui offrir. Il soumet alors un abstractionnisme lyrique - art abstrait aux formes aléatoires - éclatant, s'adaptant et évoluant au fil des décennies.

Car Hans Hartung s'ennuie rapidement des pinceaux. S'affranchissant des codes, il intègre les objets du quotidien tels que le balai, le râteau ou même la brosse dans ses instruments de création favoris. Les outils du monde de l'industrie tels que l'aérosol, le pistolet à air comprimé, et la tyrolienne de maçon viennent également parfaire cette panoplie singulière qui lui devient rapidement indissociable. De son vivant, il interdira d'ailleurs aux visiteurs de son atelier de dévoiler le moindre de ses instruments au grand public. Focus sur trois de ses outils les plus étonnants.

1. Le pistolet à air comprimé

Septembre 1939 : la guerre éclate. Alors qu'Hans Hartung vit à Paris et expose déjà dans plusieurs galeries, il se voit obligé d'intégrer la Légion étrangère en tant que citoyen d'une nation ennemie. Envoyé à l'hiver au front de Belfort, le jeune peintre reçoit un éclat d'obus et est amputé d'une partie de sa jambe droite. Cette blessure déterminante poussera l'artiste allemand à renouveler sans cesse ses outils et ses méthodes dans l'optique de contrecarrer son handicap. Son besoin intense de renouvellement plastique l'amène notamment à imaginer un moyen de projeter de la peinture sur une toile. En vrai bricoleur, il inverse la fonction de son aspirateur, le remplit de peinture à l'huile et souffle sur ses tableaux. Atmosphérique et onirique, le rendu le passionne : l'artiste s'attache alors à partir des années 60 à expérimenter cette technique de diffusion par particules de couleur et se procure du matériel de chantier.

Un pistolet à air comprimé de carrossiers qu'il investit d'acrylique lui permet de projeter fonds et traînées de poudre colorée sur ses toiles, lorsque les minuscules gouttelettes de peinture se déposent sans contact direct avec le tableau. C'est ce qu'on appelle la phase des "Nuages" : au milieu des années 60, Hans Hartung utilise toutes sortes de pulvérisateurs afin de créer de vastes surfaces sombres et vaporeuses, transpercées généralement d'un halo lumineux. À la fin des années 80, le peintre dans son fauteuil roulant travaille à la tyrolienne - un appareil de maçon servant à réaliser le crépi sur les murs- et au pulvérisateur agricole, approfondissant ainsi les diverses possibilités de projection de peinture sur très grand format. Cette façon de peindre sans même frôler la toile enthousiasme profondément l'artiste allemand jusqu'à ses derniers jours.

2. Le râteau de jardinage

Hans Hartung, P1973-B71, 1973

Le tracé de lignes parfaitement équidistantes est une autre particularité du travail d'Hartung. Tels des griffures, ces sillons créent d'éclatantes lignes de vide là où tout n'est que couleur. S'intéressant aux outils tranchants qui permettent de soustraire la peinture à la toile, le peintre réunit stylets, peignes métalliques et râteaux de jardinage pour lacérer la matière. Ces outils saugrenus et tranchants ne sont utilisés que dans un mouvement vertical : il raye, gratte et écorche les aplats colorés avec énergie et précision. Hartung travaille également avec le "multipinceau", un outil bricolé lui permettant de strier la toile par dépôt ou retrait de peinture. Centré sur la gestuelle et la souplesse des mouvements, ce style pictural fait ainsi de son attirail incongru une réelle prolongation de son propre corps.

3. La branche d'un arbuste

À la fin des années 70, Hans Hartung bricole des pinceaux avec des végétaux, photographie et met en scène des galets, peint sur d'autres pierres aux formes épurées ou expérimente le tracé à l'aide de tiges de bambou ou de branches d'olivier : les matériaux naturels deviennent ainsi à la fois son mode et son support d'expression. L'artiste décide rapidement d'exploiter de grandes branches de genêt, arbrisseau aux fleurs ocre, qu'il coupe dans son jardin d'Antibes le matin. Réunies telles la brosse d'un balai, les branches sont inondées de peinture sombre puis frappées sur la toile déjà colorée. Les déplacements en béquille du peintre depuis de nombreuses années lui avaient permis d'acquérir une force musculaire impressionnante, qui donne à ces séances de peintures des allures d'entraînement samouraï. Cette tension constante entre contrôle et chaos devient alors caractéristique de la pratique d'Hans Hartung, et marquera son œuvre tout au long de sa vie.

Hans Hartung. La fabrique du geste, du 11 octobre 2019 au 1er mars 2020 au musée d'Art moderne de la ville de Paris, Paris 16e.

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Hans Hartung, l'artiste qui peignait au pistolet ou au râteau

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Au cœur des vastes espaces du musée d'Art moderne de la ville de Paris se tiendra jusqu'au 1er mars 2020 la plus grande rétrospective française consacrée à Hans Hartung depuis plus de 50 ans. L'occasion de revenir sur l'important travail de ce plasticien franco-allemand, figure majeure de l'abstraction lyrique au XXème siècle et explorateur infatigable de nombreuses techniques picturales.

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Tree Drawing par Tim Knowles - Journal du Design

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Tim Knowles est un artiste pluridisciplinaire britannique. Même s'il se défend d'être obsédé par le vent, cet élément a beaucoup inspiré son travail, il

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La collection du Musée Tinguely

La collection comprend des travaux et groupes de travaux représentant toutes les phases artistiques dans la carrière de Jean Tinguely. Avec des prêts temporaires en provenance d'autres collections, cela permet aux visiteurs du musée d'avoir un large aperçu de l'œuvre de l'artiste. La collection compte non seulement des sculptures, mais aussi un grand nombre de dessins et de lettres-dessins, de documents, d'affiches d'expositions, de catalogues et de photos. Dans la mesure du possible, tout l'œuvre est accessible au musée dans l'espace des collections permanentes, quoique certaines sculptures peuvent être prêtées temporairement à des expositions à travers le monde.

La collection a vu le jour grâce à une généreuse donation faite par la veuve de l'artiste, Niki de Saint Phalle, à l'occasion de la fondation du Musée. A cela s'ajoute le don d'œuvres des collections de Roche, ainsi que d'autres dons plus ou moins importants et des achats.

>> Biographie Jean Tinguely

>> L'histoire de la collection en détail

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Collection des oeuvres de Jean Tinguely | Museum Tinguely Basel

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Zur Hauptnavigation springen Skip to main content La collection comprend des travaux et groupes de travaux représentant toutes les phases artistiques dans la carrière de Jean Tinguely. Avec des prêts temporaires en provenance d'autres collections, cela permet aux visiteurs du musée d'avoir un large aperçu de l'œuvre de l'artiste.

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🇨🇭 Sculpteur Jean Tinguely et le mouvement, les Méta Matics, Méta-Art

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tim knowles - Tim Knowles “Tree Drawing - Acer Olivaceum #1,” 2011

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Tim Knowles “Tree Drawing - Acer Olivaceum #1,” 2011 Ink on paper, HD video Drawing: 37 x 54 in / 94 x 137.2 cm Video: 37 x 64 in / 94 x 162.6 cm 9…