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Isadora Duncan est une danseuse et chorégraphe américaine. Elle cherche à se détacher du ballet classique et de ses codes en prônant une danse libre.

Pièces marquantes : "Prélude" (1900), "La Mère" (1921)

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Féministe convaincue, sexualité libérée, Isadora Duncan est une femme qui a influencé les chorégraphes de son époque. Elle a inspiré les artistes, qui l'ont sculptée ou dessinée comme Rodin ou Bourdelle. Alors que les danseuses de son époque étaient dans les music hall, ou sur scène en portant tutu et pointes, elle, préférait danser pieds nus, voire toute nue.

Revenons aujourd'hui sur l'histoire de cette danseuse qui n'a jamais voulu être filmée, non pas parce qu'elle ne voulait pas rester dans l'histoire, mais parce qu'elle préférait rester dans les mémoires comme une légende. Une femme qui se voulait libre, libre des hommes, libre de porter ce qu'elle voulait, libre de danser comme elle l'entendait, libre de créer comme ça lui venait.
" Ma première idée du mouvement de la danse vient du rythme des vagues "
"Je passais des journées et des nuits entières dans l'atelier, à rechercher une danse qui fût, par les mouvements du coprs, l'expression divine de l'esprit humain" (Isadora Duncan)

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Jérôme Bel - Isadora Duncan, un portrait dansé

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Pionnière de la danse moderne, Isadora Duncan a bousculé les codes du ballet classique et ouvert la voie à une danse libérée des conventions. Retour sur la vie tragique et excentrique de la danseuse américaine aux pieds nus.

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Martha Graham est une danseuse et chorégraphe américaine et figure importante de la danse moderne. Elle développe son propre langage chorégraphique fondée sur la respiration.

Pièces marquantes : "Lamentation" (1930), "Chronicle" (1936)

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Martha Graham, danser avec l'âme en replay

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Danseuse puis chorégraphe de génie, Martha Graham a révolutionné le monde de la danse grâce à son écriture...

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Merce Cunningham est un danseur et chorégraphe américain, souvent qualifié de « père de la danse contemporaine ». Il dissocie musique et danse et s’appuie sur le hasard dans son processus de création.

Pièces marquantes : "Summerspace" (1958), "Scenario" (1997)

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La Minute du spectateur (2018) : Merce Cunningham • Numeridanse

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La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire,…

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Le mot "ballet" vient du terme balleto qui signifie en italien petit bal. On appelle "ballet" une troupe de danseur.se.s. Aujourd’hui on retrouve des ballets permanents au sein de 8 maisons d’Opéra.

Le terme "ballet" est également utilisé pour décrire les spectacles chorégraphiques effectués par plusieurs danseur.se.s.

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En solo, en duo, ensemble. En toge, en tutu, de l'Opéra au Macumba, dansons ! Passepied, bourrée, danses traditionnelles ou valse et tango, danses scandaleuses, qu'est-ce que la danse ? Quel est le rythme de son histoire ? Bougeons notre corps dans Le Cours de l'histoire : alors on danse ?

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Une histoire de la danse - série de podcasts à écouter - France Culture

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En solo, en duo, ensemble. En toge, en tutu, de l'Opéra au Macumba, dansons ! Passepied, bourrée, danses traditionnelles ou valse et tango, danses scandaleuses, qu'est-ce que la danse ? Quel est le rythme de son histoire ? Bougeons notre corps dans Le Cours de l'histoire : alors on danse ?

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Maurice Béjart est un danseur et chorégraphe français mais aussi un metteur en scène pour le théâtre et l’opéra, un dramaturge et écrivain. Son écriture chorégraphique mêle classique et expressivité avec des gestes puissants qui donnent beaucoup d’intensité à ses spectacles.

Pièces marquantes : "Symphonie pour un homme seul" (1955), "Boléro" (1960)

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Portrait du chorégraphe Maurice Béjart en 1983 ©Getty - Jack Mitchell

Des Ballets de l'Etoile à Paris en 1953 à la création en 1987 du Béjart Ballet de Lausanne, le chorégraphe Maurice Béjart a marqué à jamais l'univers de la danse.

Maurice Béjart veut faire de la danse un art populaire en la sortant des traditionnelles salles d'Opéra. On l'aura parfois critiqué pour cela, lui reprochant d'être sensationnaliste. Pourtant, chacune de ses chorégraphies est un chef d'œuvre.
Artiste à part entière, au-delà de la danse, il s'intéresse aussi à la philosophie, à la culture iranienne ou encore à la poésie.

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Programmation musicale

Cigales au bord de la rivière, Cévennes

Album Bruitage ambiance effet sonore / vol 2 (2010)

Symphonie n°9 en ré min op 125 : Finale : Presto ma non troppo

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Maurice Béjart : Figure incontournable de l'histoire de la danse !

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Des Ballets de l'Etoile à Paris en 1953 à la création en 1987 du Béjart Ballet de Lausanne, le chorégraphe Maurice Béjart a marqué à jamais l'univers de la danse.

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L’opéra-ballet est un genre français qui mêle danse, chant lyrique et musique d’orchestre. Il est apparu au XVIIème siècle sous l’impulsion des compositeurs Jean-Baptiste Lully et  Jean-Philippe Rameau, tous deux proches de la cour de Louis XIV.

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Une histoire de la danse – série de podcasts à écouter – France Culture

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Une histoire de la danse. Une série de podcasts par France Culture. Découvrez toutes les séries audio, documentaires et fictions à écouter gratuitement en ligne.

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Alvin Ailey, danseur et chorégraphe américain, a porté la culture afro-américaine sur les grandes scènes de danse. Ces œuvres mêlent danse moderne, jazz, blues et une grande théâtralité.

Pièces marquantes : "Revelations"(1960), "Cry" (1971)

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La Minute du spectateur (2018) : Alvin Ailey • Numeridanse

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Pionnier de la danse moderne afro-américaine, Alvin Ailey créé à la fin des années 50 l’une des compagnies les plus importantes des Etats-Unis. Chorégraphe…

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Trisha Brown est une danseuse et chorégraphe américaine reconnue comme la pionnière de la danse postmoderne. Son écriture chorégraphique se caractérise par une gestuelle fluide, basée sur l’improvisation et une utilisation innovante de l’espace urbain.

Pièces marquantes : "roof piece" (1971), "Glacial Decoy" (1979)

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Avec Diane Madden, danseuse et directrice artistique associée de la Trisha Brown Dance Company, et Philippe Noisette, critique spécialiste en danse contemporaine.

Philippe Noisette : "Dans l'histoire de la danse, la postmodern dance arrive après une série de petites révolutions comme la modern dance. Il y a une filiation et une rupture. Dans les années 1960-1970, elle n'est pas toujours très bien accueillie et commence à se pratiquer sur les toits, dans les cours. La danse de Trisha Brown ne raconte pas d'histoire, mais on peut trouver dans l'abstraction des histoires que l'on se raconte."

Diane Madden : "Trisha et d'autres artistes ont brisé certaines règles pour innover. Pour elle, la danse n'était pas la simple illustration d'une pièce musicale : il s'agissait aussi de jouer avec la scène. Le spectateur a une impression de facilité devant les performances, mais les chorégraphies sont très difficiles à reprendre pour les autres. L'une des difficultés, c'est la parfaite transparence du spectacle. Elle n'a pas pour ambition de raconter une histoire, mais elle se fixe pour tâche d'accomplir des figures chorégraphiques qui sont là pour révéler le caractère des danseurs. Pour les danseurs, il faut beaucoup de courage et de confiance pour réussir à exécuter les chorégraphies."

Dans le cadre du Festival d'Automne à Paris, vous pouvez assister jusqu'au 26 octobre au Théâtre de la Ville à un premier programme de la Trisha Brown Dance Company, avant de découvrir une nouvelle série de chorégraphies du 28 octobre au 1er novembre, toujours au Théâtre de la Ville.

C'est une Petite minute consacrée au cinéma que nous présente aujourd'hui Thibaut Sardier : ce mercredi 30 octobre, zoom sur la sortie en salles d' Heimat écrit et réalisé par Edgar Reitz.

Pour poursuivre la discussion, retrouvez ci-dessous les principaux documents et ouvrages évoqués dans l'émission, ou rendez-vous sur la page Facebook et le compte Twitter de La Grande Table.

Poursuivez avec la Grande table pour la seconde partie de l'émission avec Patrick Boucheron, auteur de *Conjurer la peur - Sienne, 1338. Essai sur la force politique des images * (Seuil), en cliquant ici.

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Hommage à la chorégraphe Trisha brown à l'occasion de deux programmes de danse que donne la Trisha Brown Dance Company dans le cadre du Festival d'Automne au Théâtre de la Ville.

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Rudolf Noureev est un danseur étoile et chorégraphe russe, considéré comme l’un des plus grands danseurs classiques du XXème siècle. Il a été directeur de la danse de l’Opéra de Paris entre 1983 et 1989.

Pièces marquantes : "Don Quichotte" (1970), "Le lac des cygnes" (1984)

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Á la fois puissant, magnétique, fauve, puis bouillonnant et capricieux, Rudolf Noureev reste la plus grande star de ballet de tous les temps. Ce danseur exalté a révolutionné l’art de la danse du 20ème siècle.

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"La danse est le           premier-né des arts."

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"La danse est le           premier-né des arts."

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Curt Sachs, ethnomusicologue (1881-1959)

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Ballet classique au théâtre de la Chapelle (Capella) à Saint-Pétersbourg (Russie)

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Elle voit le jour au sein de la cour d’Italie lors de la Renaissance italienne au XVème siècle. Par la suite elle s’étend à l’ensemble des cours des monarchies européennes.

La danse classique est connue pour la discipline et la rigueur qu’elle demande. Elle se caractérise notamment par des positions codifiées et l’usage de pointes chez les femmes.

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La danse contemporaine apparaît pour rompre avec les codes rigides de la danse classique. Elle en reprend certains mouvements, les modifie et les réinvente. En constante évolution, elle prône la liberté de mouvement et l’exploration des limites du corps.

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo

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Introduction

La danse contemporaine française apparue au début des années 80 a entraîné un mouvement de fond artistique qui a essaimé avec une vitalité unique dans le monde entier. Des noms désormais connus à l'international comme Philippe Decouflé, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta, Joëlle Bouvier et Régis Obadia...ont contribué à construire et faire évoluer un paysage chorégraphique en perpétuel questionnement.

Plus de cinq cents compagnies de danse sont actuellement répertoriées en France. Dix-neuf centres chorégraphiques nationaux sont dirigés par des artistes et participent à l'effervescence d'une scène parmi les plus pointues du spectacle vivant. Le Centre national de la danse, à Pantin, est devenu un haut lieu de soutien et de promotion de la danse sous toutes ses formes.

Le boum des années 80

On date la naissance de la danse contemporaine française du début des années 80. On lui fait brandir l'étendard d'un geste neuf et original qui fait table rase du passé et de la danse classique. On lui accorde une liberté ravageuse et une invention en rapport. On lui donne une couleur politique avec l'avènement de François Mitterrand et la nomination de Jack Lang au poste de Ministre de la Culture qui va soutenir et solidifier ce mouvement artistique en ouvrant les centres chorégraphiques nationaux et en subventionnant les chorégraphes.

Exception française, la danse contemporaine surgit en même temps que des artistes comme Dominique Bagouet, Jean-Claude Gallotta, Régine Chopinot, Daniel Larrieu, Angelin Preljocaj...Explosion de mouvements, de sensations, de désirs, de couleurs, de musiques... Ces auteurs chorégraphiques imposent sur le plateau des univers, des obsessions, des thèmes et une écriture singulière qui les distingue. Si la plupart d'entre eux a peu ou prou suivi des cours de danse classique ou moderne, certains viennent aussi des arts plastiques comme Gallotta, ou de l'architecture comme François Verret. A 16 ans, Daniel Larrieu préparait un BEP jardins et espaces verts. Le point commun de ces personnalités atypiques : inventer une gestuelle qui ne doit rien qu'à eux et la formidable énergie des années 80.

Identité

Parmi les pièces-phares apparues au début des années 80, il faut citer celles de Dominique Bagouet (1951-1992), dont l'écriture insolite et subtile, mixant les pas classiques à ceux de danses populaires, est un régal de fantaisie fine. Dès 1976, avec Chansons de nuit (1976), interprétée par Bagouet lui-même, accompagnée à l'accordéon par Eliane Lencot, il remporte le Concours de Bagnolet. C'est en 1981 que Régine Chopinot, qui a fondé sa compagnie en 1978, décroche le prix de Bagnolet avec Halley's Comet, bombe d'énergie. Jean-Claude Gallotta lance sa compagnie, le Groupe Emile Dubois, en 1979 avec des amis de tous bords dont la danseuse Mathilde Altaraz. Il impose son talent en 1981 avec Ulysse, " ballet blanc " croisant et décroisant les fils d'élans juvéniles...

Tous jettent sur scène des volées de danseurs urgents, débordants d'électricité et d'appétit... tous différents. Les interprètes contemporains se distinguent des classiques, profilés et impeccables. Il y a des grands, des gros, de petits, des moyens... Certains ne possèdent aucune technique, ni savoir-faire. Aucune importance. Seuls comptent le désir, la sincérité d'un geste, porté par chacun tel qu'en lui-même. C'est la vie qui mène le jeu et la danse.

Les chorégraphes laissent de côté le livret du ballet pour oser d'autres histoires plus explosées, abstraites parfois, quotidiennes aussi, toujours sculptées à même le corps en mouvement. Ils cherchent à dire quelque chose d'inconnu et en trouvent les moyens dans le secret de leur studio de travail.

Le mouvement revendiqué surgit du plus profond des corps et du psychisme des artistes. La danse contemporaine est un art de l'inconscient qui dialogue avec l'inconscient des spectateurs. Conflictuelle, toujours ouverte aux évènements du monde, elle s'en fait le réceptacle et en relance les enjeux sur le plateau.

Le concours de Bagnolet

En 1968, le danseur Jaque Chaurand lance le Concours de Bagnolet. Il veut soutenir les chorégraphes dans un contexte peu propice à la création et à la diffusion. Il donne rendez-vous dans un gymnase à toutes les compagnies qui ont envie de montrer leur travail. Peu à peu, l'affaire prend et s'envole au milieu des années 70. Dès 1976, Dominique Bagouet, Jean-Claude Gallotta, puis Maguy Marin, sont sur les rangs et décrochent des prix. De plus en plus suivi, dans une ambiance haute en couleurs, le Concours de Bagnolet va devenir la plaque-tournante de la jeune création chorégraphique et le tremplin de ce que l'on appellera la danse contemporaine française.

Tous y défileront, de François Verret à Régine Chopinot, de Joëlle Bouvier et Régis Obadia à Claude Brumachon... En 2009, grâce à l'initiative et la passion du danseur et chorégraphe Emilio Calcagno, et l'accord de Jaque Chaurand, une soirée de pièces intitulée " Nouvelle Vague-Génération Bagnolet " voit le jour. Avec l'accord des artistes, quatre pièces courtes emblématiques signées Bagouet, Gallotta, Larrieu et Preljocaj, sont remontées et transmises à de jeunes danseurs.

Les pionniers des années 70

La danse contemporaine, qui prétendait faire table rase du passé, a évidemment profité du travail et du succès de nombre d'artistes. Les filiations sont nombreuses qui permettent de fixer une photo de famille riche et complexe.

Béjart et Cunningham

Deux figure paternelles ont marqué les danseurs. Côté européen, Maurice Béjart, personnalité contestée parfois par les jeunes contemporains mais imparable, est de plus en plus reconnue. Celui qui a fait de la danse un art populaire a mis en scène des pièces inoubliables comme Symphonie pour un homme seul (1955), Le Sacre du printemps (1959) ou encore Boléro ( 1961). Il a osé le métissage des cultures et des musiques, les hommes en jeans, le théâtre total, l'érotisme et la philosophie... Il a ouvert en 1970 une école Mudra, à Bruxelles, qui accueillera jusqu'en 1987 quelques-uns des chorégraphes les plus en vue comme Anne Teresa de Keersmaeker, Catherine Diverrès, Bernardo Montet, Hervé Robbe, Michèle Noiret et bien d'autres. Avec lui entrent en scène la narration, le théâtre, le spectaculaire, le mélange des genres...

De l'autre côté de l'Atlantique, Merce Cunningham (1909-2009 ), dans le studio duquel nombre de danseurs et chorégraphes viendront chercher des outils de travail au début des années 80, attire pour sa modernité, son talent pour l'abstraction, sa revendication du mouvement pour le mouvement...

L'école américaine

Les artistes français filent aussi faire leurs apprentissages et se doter d'outils de travail auprès d'Alwin Nikolais (1910-1993), qui sera directeur du Centre national de danse contemporaine d'Angers de 1978 à 1981. Parmi ses élèves, Philippe Decouflé, Dominique Boivin, Marcia Barcellos, Maria Donata d'Urso et bien d'autres, aujourd'hui chorégraphes reconnus.

L'influence américaine sur la danse contemporaine est très forte.

Ex-interprètes de Nikolais, Susan Buirge et Carolyn Carlson s'installent à Paris au milieu des années 70 et rassemblent autour d'elles nombre de jeunes artistes en rupture de ban. Invitée par le directeur de l'Opéra de Paris Rolf Lieberman, Carlson ouvre le Groupe de recherches théâtrales de l'Opéra de Paris ( GRTOP) en 1975 et donne des ateliers pendant cinq ans dans la Rotonde des abonnés.

Côté allemand

Du côté allemand, l'influence est moindre, même si l'impact de la chorégraphe allemande Pina Bausch (1940-2009), directrice du Tanztheater Wuppertal depuis le milieu des années 70, se fait sentir sur le milieu de la danse et du théâtre. Des personnalités comme Françoise et Dominique Dupuy, collaborateur du chorégraphe allemand Jean Weidt dans les années 40, ont créé leur compagnie en 1955 et perpétuent un geste chorégraphique enraciné dans l'urgence intérieure. En 1969, ils ont ouvert les Rencontres Internationales de Danse Contemporaine, au sein desquelles un institut de formation partagé avec Jacqueline Robinson formera nombre de jeunes artistes. La danseuse Karin Waehner (1926-1999), complice de Mary Wigman ( 1886-1973) dans les années 40 à Leipzig, enseigne à la Schola Cantorum à Paris et transmet une pensée de la danse ancrée dans l'expression de la personnalité de chacun. Elle y aura comme élève Angelin Preljocaj qui ira aussi à New-York travailler chez Cunningham.

Le clash des années 90

Au milieu des années 90, d'anciens interprètes de Régine Chopinot, Philippe Decouflé, Jean-Claude Gallotta... se rebellent contre la belle danse des années 80, celle qui abat du mouvement au kilomètre pour le seul plaisir d'additionner des gestes les uns aux autres. Ils se dressent aussi contre le spectaculaire, la virtuosité, le luxe de certaines productions...Ce qu'on va appeler " la non-danse ", la " danse conceptuelle " ou " plasticienne " apparaît et brise les codes en vigueur. Les noms de Jérome Bel, Boris Charmatz, Emmanuelle Huynh, Alain Buffard, Christian Rizzo... grimpent en haut de l'affiche. Ils disent " non " !

" Non " à la gratuité du geste, aux décors, aux costumes, aux effets de lumière, à la musique... Le spectacle Jérôme Bel en 1995, sur le plateau du Théâtre de la Bastille, à Paris, se lit comme un manifeste. Deux danseurs nus, une chanteuse dans le même appareil qui ose un Sacre du Printemps a capella, une petite ampoule pour tout éclairage. Ils épellent leurs codes vitaux (nom, prénom, mensurations, compte bancaire, montant d'argent à disposition...) tout en triturant leur corps. Avec Jérôme Bel, Jérôme Bel affirme haut et fort son impossibilité de lever la jambe, d'enfiler des mouvements comme des perles... Il pose aussi sur le plateau l'un de ses thèmes de prédilection, celui de l'identité.

Cette remise en question de tous les paramètres du spectacle de danse, comme il faut s'y attendre, va opérer un bouleversement sur les plateaux. L'obscurité envahit la scène - Emmanuelle Huynh crée Mua (1994), un solo plongé dans le noir - ; le mouvement se fige. Les spectacles chorégraphiques se rapprochent d'installations plastiques ou de performances.

Boris Charmatz, nommé directeur du Centre chorégraphique national de Rennes en 2008, a choisi de le rebaptiser Musée de la danse. Au carrefour de la danse, de l'écriture, des arts plastiques, de la pédagogie, il revendique ce lieu comme " une idée nomade, qui peut se déplacer, abriter du temps, du vide, des discours, des nus, du politique, des discussions, des œuvres et des fantasmes... ".

Le grand mix des années 2000

La non-danse a considérablement changé la donne chorégraphique et permis à des formes inédites de voir le jour. Elle a aussi parfois figé l'invention du mouvement au risque de le paralyser. Parallèlement, les spectacles chorégraphiques sont devenus les plaques-tournantes de multiples pratiques, accueillant le texte, les arts plastiques, la vidéo, le cirque, les marionnettes... Au risque parfois de devenir un fourre-tout et de ne plus ressembler du tout à ce qu'on peut appeler une pièce de danse. Des expressions sont apparues comme, par exemple, " la danse dansée " ou " une proposition dansée dansée "* ! Symptômes presque comiques d'une situation artistique telle que le seul mot " danse " ne signifie pas tout à fait ce que l'on croit.

La danse devient un laboratoire très excitant qui ose tout jusqu'à faire disparaître les danseurs dans l'obscurité ou les remplacer par des robots. Le " grand mix " est devenu monnaie courante sur scène. Les spectacles multimédia, pluridisciplinaire, hybrides, transdisciplinaires... fleurissent. En 2009, l'Association régionale pour la création artistique et la diffusion en Ile-de-France (Arcadi) a fait disparaître son département " danse " : il est désormais englobé dans un pôle " arts de la scène ". Il n'empêche que de nouveaux noms, tous passionnants, tous différents, surgissent encore et toujours, affirmant la puissance de la danse comme Olivier Dubois, Alban Richard, David Wampach... L'éclectisme du paysage chorégraphique s'affirme avec vigueur.

Le revival des années 80

Le chambardement de la danse conceptuelle a cependant entraîné une désertion d'une partie du public. Asséner un art déceptif, pourquoi pas, mais le retour de bâton s'appelle parfois pour certains spectateurs " déception, frustration et arnaque ". Cela explique-t-il le retour depuis la fin des années 2000 de pièces des années 80 ? Sans doute. Pudique acide/Extasis (1984), remontés en 2011 par Mathilde Monnier et Jean-François Duroure, Daphnis et Chloé, remis en selle par Jean-Claude Gallotta, connaissent un succès sans précédent depuis 2011. Le plaisir et la liberté de danser, l'invention chorégraphique, la nécessité profonde de chaque mouvement, a suscité une adhésion franche du public. L'optimisme aussi, la foi dans l'avenir et l'amour de l'autre qui irriguent les spectacles des années 80 ont aussi touché les spectateurs dans un contexte de crise et d'individualisme. Jaque Chaurand, le fondateur du Concours de Bagnolet, explique ce succès en ces termes : " Y en a marre de la tristesse et des prises de tête philosophiques dans la danse. Alors que dans les années 80, les chorégraphes critiquaient la danse classique pour son élitisme, ils créent aujourd'hui des pièces réservées à une autre élite. Ce retour aux années 80 signale selon moi un désir profond de retrouver la simplicité, la spontanéité de cette époque. Pour quelles raisons la danse contemporaine a-t-elle eu autant de succès ? Parce qu'elle était proche du public, de la vie de tous les jours et des problèmes de tout un chacun... " Ces pièces sont devenues, selon l'expression de Jean Ripahette, directeur de projets au Centre chorégraphique national de Grenoble dirigé par Jean-Claude Gallotta, des " produits d'appel ", renouant avec ce que certains considèrent comme l'âge d'or de la danse contemporaine française.

Pour aller plus loin

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En scènes : le spectacle vivant en vidéo - La danse contemporaine française - Ina.fr

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La danse contemporaine française apparue au début des années 80 a entraîné un mouvement de fond artistique qui a essaimé avec une vitalité unique dans le monde entier. Des noms désormais connus à l'international comme Philippe Decouflé, Angelin Preljocaj, Jean-Claude Gallotta, Joëlle Bouvier et Régis Obadia...ont contribué à construire et faire évoluer un paysage chorégraphique en perpétuel questionnement.

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La danse jazz naît officiellement au début du XXème siècle des différents courants de la culture afro-américaine. Elle est très présente dans les cabarets dans les années 1920 et dans les comédies musicales.

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Aujourd'hui, la danse jazz s'ancre peu à peu, avec des pas et une terminologie précise. Ce style s'est même institutionnalisé, en France par exemple, avec un diplôme délivré par le ministère de la culture.

Dans ce premier épisode nous évoquerons les origines de la danse jazz et d'autres styles de danse qui en découlent comme le Charleston, le swing... Nous vous expliquerons aussi comment les claquettes ont fait leur apparition !

Pour retracer l'histoire de la danse jazz, il nous faut remonter quelques siècles en arrière, à l'époque de la traite transatlantique des esclaves. Ces hommes déportés en Amérique vont alors importer leur propre style de musique et de danse. Une danse tournée vers le sol : les genoux sont pliés, les pieds tapent la terre, les mains sont frappées les unes contre les autres. Les mouvements sont accompagnés de chant...

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Nous parlerons, au cours de 2 épisodes de la danse jazz, un style de danse difficile à définir tant il en existe de multiples formes. Mais aujourd'hui, la danse jazz s'ancre peu à peu, avec des pas et une terminologie précise. En France, ce style s'est institutionnalisé avec un diplôme d'Etat.

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Le tap dance (ou claquettes américaines) naît dans les années 1830 de la fusion des danses irlandaises et de l’african shuffle. Grâce à des fers sous leurs chaussures, les danseur.se.s deviennent aussi des percussionnistes ! Cet art est étroitement lié à l’univers des comédies musicales.

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Tendez l’oreille ! L’histoire des claquettes en cinq minutes

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Petite plongée de cinq minutes dans une histoire de la musique un peu particulière : depuis quand faisons-nous de la musique avec les pieds ? Qu’obtenons-nous lorsque nous mélangeons gigue irlandaise et shuffle africain dans un quartier de New York au XIXe siècle ?

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Les Indes Galantes (1735) de Rameau est l'opéra-ballet le plus célèbre.

En 2017, Clément Cogitore adapte un extrait de cette œuvre phare avec les chorégraphes Bintou Dembélé, Brahim Rachiki et Igor Caruge. Ensemble, ils intègrent le krump, danse issue du mouvement hip-hop, pour revisiter l’œuvre baroque.

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Les Indes galantes by J-P. Rameau : "Forêts paisibles" (Sabine Devieilhe & Florian Sempey)

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La danse hip-hop apparaît dans les années 70 dans les quartiers défavorisés de New-York. Sous l’appellation « danse hip-hop », on retrouve un grand nombre de courants différents. À l’origine dansé dans les rues, le hip-hop a rapidement conquis les salles de spectacles.

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Le hip hop, un mouvement populaire • Numeridanse

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Découvrez l’histoire du hip-hop, un mouvement culturel captivant qui a révolutionné l’art de la danse et touche tous les publics.

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"Dansez, dansez, sinon nous sommes perdus"

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"Dansez, dansez, sinon nous sommes perdus"

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Pina Bausch, danseuse et chorégraphe (1940-2009)

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Pina Bausch est une danseuse et chorégraphe allemande connue pour avoir un style unique mêlant danse, émotions, théâtre et parole, appelé tanztheater (théâtre dansé).

Pièces marquantes : "Le sacre du Printemps" (1975), "Café MULLER" (1978).

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" A vous de trouver " répondait-elle lorsqu'on l'interrogeait sur le sens de ses spectacles. Disparue le 30 juin 2009, Pina Bausch a été l'une des plus importantes figures artistiques du XXe siècle, ambassadrice de la danse-théâtre dont les chorégraphies ont exploré les diverses émotions humaines, les relations amoureuses et sociales.

Lorsqu'on évoque le nom de Pina Bausch, on pense aussitôt à ces femmes qui se meuvent en robes longues sur scène, à ces hommes en costumes noir qui répètent inlassablement les mêmes gestes, à ces scènes de rires, de cris et de larmes, miroir grossissant de notre vie quotidienne. Derrière ces spectacles intenses : une chorégraphe discrète et mystérieuse, Pina Bausch, qui n'a jamais rien laissé paraître de ses opinions ou de sa vie privée.

" Avec son air aristocratique, tendre et cruel à la fois, mystérieux et familier " (Federico Fellini)

" Alors commence la danse "

Il faut imaginer Pina Bausch observant ses danseurs pendant leurs répétitions. Elle fume constamment, a les cheveux bruns coiffés en queue de cheval basse, et porte toujours un même uniforme neutre, androgyne.

Calme, avec autant de tendresse que de pudeur, Pina Bausch crée une nouvelle forme de ballet, forme dans laquelle les danseurs parlent, crient, interpellent le public, dans laquelle les morphologies ne respectent aucune norme, si ce n'est la diversité.

" Certaines choses peuvent être dites avec des mots, d'autres avec des mouvements, dira-t-elle en 1999, alors qu'elle vient d'être nommée Docteure honoris causa de l'Université de Bologne. Mais il y a aussi des moments où les mots nous manquent, [...] Alors commence la danse. "

Philippina

Philippina Bausch naît le 27 juillet 1940 à Solingen, une ville de l'Ouest de l'Allemagne. Ses parents tiennent un café-restaurant et l'une des activités favorites de Philippina est d'observer les clients, d'écouter leurs conversations, cachée sous une table.

Après des études de danse en Allemagne auprès de Kurt Joos (figure de la danse expressionniste), Philippina Bausch obtient une bourse pour aller étudier à la Juilliard School de New-York. Là, au sein de l'effervescente mégapole américaine, elle découvre une diversité culturelle qui la stimule, l'inspire, et qu'elle aura ensuite à coeur de reproduire au sein-même de sa compagnie en recrutant des danseurs venus des quatre coins du monde.

Bienvenue à Wuppertal

Au début des années 1970, Pina Bausch est déjà une danseuse accomplie : elle s'est produite sur la scène du Metropolitan Opera de New York, a collaboré avec des grands chorégraphes internationaux tels que Paul Taylor, enseigne la danse moderne...

Mais en 1973, un important virage s'opère dans sa carrière. Pina Bausch est sollicitée par Arno Wüstenhöfer, le directeur du centre artistique de Wuppertal, ville moyenne de l'Ouest de l'Allemagne, près de Cologne. Wüstenhöfer lui donne carte blanche : elle peut diriger sa troupe de danse, recruter elle-même ses interprètes, et créer ses propres oeuvres.

Premiers pas vers la création

Entre 1974 et 1978, Pina Bausch monte deux à trois spectacles par an : certains inspirés de son travail avec Kurt Joos, d'autres créés de toute pièce, ou d'autres encore construits sur des oeuvres préexistantes. Avec Iphigénie en Tauride (1974) et Orphée et Eurydice (1975) de Gluck, elle donne ainsi naissance à un nouveau genre : l'opéra-dansé, dans lequel chant et mouvement se complètent, se répondent.

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Mais le cap de la création n'a pas été franchi sans angoisse, sans crainte, et la stratégie de Pina Bausch sera de diriger sans direction : " J'ai simplement osé aller... là où je ne connaissais pas le résultat " explique-t-elle en 2006 face à la caméra de la journaliste Anne Linsel.

La méthode Pina

Au début d'une production, Pina Bausch pose des questions à ses danseurs, leur lance des défis : quelles sont les différentes manières de s'asseoir ? Comment danser l'amour ? La souffrance ? Puis elle les laisse improviser, les observe en silence, et choisit un ou plusieurs éléments pour sa chorégraphie.

Cristiana Morganti, danseuse, chorégraphe, et membre du TanzTheater Pina Bausch entre 1993 et 2014, raconte : " J'adorais cette phase, on était vraiment libres de faire tout ce que l'on voulait. Il y avait pleins de vêtements, d'objets à disposition... À certains moments, on était comme des enfants, on s'amusait, on rigolait comme des fous. "

" Mais il fallait en revanche développer une conscience totale de ce que l'on faisait, donner un sens à chacun de nos mouvements, poursuit Cristiana Morganti. Parfois on proposait quelque chose, et Pina nous demandait 5 mois plus tard de refaire exactement la même chose, avec les mêmes détails, la même robe, la même coiffure. "

Essuyer les critiques

Alors qu'une véritable famille est en train de se former côté coulisses, la réception des oeuvres de Pina Bausch, elle, s'avère plus contrastée. Dans les années 1970, à Wuppertal, peu de spectateurs apprécient d'assister à des scènes de silence, de violence, de douleur ou de transe collective. Beaucoup sont ainsi scandalisés par cette forme nouvelle qu'est la danse-théâtre (TanzTheater), laboratoire des émotions humaines.

" Quand elle a commencé à faire du TanzTheater à Wuppertal, raconte Cristiana Morganti, le public était en colère. Elle devait parfois rester enfermée jusqu'à 3 heures du matin dans le théâtre, avec le directeur et le scénographe, parce que certains spectateurs furieux l'attendaient dehors ! Ils détestaient, ils avaient honte de ce qu'elle faisait. Et Pina en souffrait beaucoup. "

La reconnaissance

" Au début des années 1980, Pina a commencé à aller à l'étranger où elle a eu ce succès phénoménal, retrace Cristiana Morganti. Et là, à Wuppertal, ils ont commencé à se dire que peut-être ils avaient une artiste un peu spéciale ! Maintenant, elle est adorée à Wuppertal. "

C'est au-delà des frontières allemandes, et notamment à Paris, au Théâtre de la Ville, que Pina Bausch rencontre ses premiers succès critiques, reçoit ses premières éloges. Les spectacles se jouent à guichet fermé, les invitations se multiplient, et des oeuvres telles que Le Sacre du Printemps (1975), Café Müller (1978), Kontakthof (1978) ou Nelken (1982) font définitivement date dans l'histoire de la danse.

Entre deux extrêmes

" Quand on entrait dans la compagnie de Pina, se souvient Cristiana Morganti, on sentait assez vite que l'on faisait partie de quelque chose de spécial. Qu'on était en train de vivre quelque chose d'unique... Mais à un certain prix ! Pina travaillait avec des horaires impossibles, elle nous demandait d'aller au-delà de nos limites... Et elle était souvent imprévisible ! "

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L'oeuvre de Pina Bausch repose sur la tension, l'oscillation permanente entre banalité et exceptionnel, entre tendresse et violence. Sur scène, la chorégraphe veut montrer des personnes 'normales', tout en révélant leur plus profonde intimité, leurs souffrances et combats intérieurs.

" Les choses les plus belles sont dans la plupart des cas entièrement cachées, disait Pina Bausch dans son discours donné à l'Université de Bologne, en 1999. C'est pourquoi j'aime travailler avec des danseurs qui ont une certaine timidité, de la pudeur, et qui ne s'exposent pas facilement. [...] La pudeur garantit que si quelqu'un montre quelque chose de très petit, cela est vraiment quelque chose de spécial et qu'on le perçoive comme tel. "

Perpétuelles interrogations

Pina Bausch répond aux questions par des questions, y compris au sujet de ses oeuvres. Ainsi lorsqu'on l'interroge sur le sens de Café Müller ou de Kontakthof, elle affirme ne pas à avoir de message à délivrer, encourage la subjectivité des spectateurs.

Au fur et à mesure des années, elle élargit cependant son spectre de questionnements, quitte la sphère des émotions intimes pour celle de la culture, de la société. Ses spectacles se font plus lumineux, et ses voyages l'encouragent à mettre en scène d'autres décors, d'autres traditions : la Sicile dans Palermo Palermo (1989), la Turquie dans Nefés (2003), le Japon dans Ten Shi (2004),la Chine dans Le Laveur de Vitres (2000) ...

" Elle a beaucoup changé, se souvient Cristiana Morganti. A la fin, elle nous disait que les gens souffraient déjà assez dans la vie, et qu'ils n'avaient pas besoin de souffrir, en plus, en allant au théâtre ! " Aussi lorsque Pina Bausch et sa compagnie s'installent au Théâtre de la Ville de Paris en 2007 pour y recréer Bandonéon, une pièce particulièrement étirée en longueur, la chorégraphe remet en cause le rythme du spectacle qu'elle avait créé 27 ans plus tôt.

" En 2007, elle sentait que le spectacle avait des faiblesses. Elle-même ne supportait plus certains timings extrêmement longs. Elle hésitait à changer certains éléments, elle avait ce conflit intérieur, mais Dominique Mercy [ndrl : danseur emblématique de la compagnie] l'a encouragé à garder le spectacle tel quel, fidèle à sa première version... "

Nouveaux horizons

Tout au long des années 1980 à 2000, Pina Bausch et sa quarantaine de danseurs multiplient les résidences artistiques à travers le monde : Budapest, Palerme, Hong-Kong, Istanbul, Tokyo, Madrid, Séoul, Calcutta... Et c'est une artiste soucieuse d'éviter les provocations qui se révèle à travers ces voyages : " Quand on a fait des coproductions en Asie, en Inde par exemple, elle était très attentive à la manière dont nous étions habillés pour ne pas manquer de respect à la culture, à la religion " fait remarquer Cristiana Morganti.

Car Pina Bausch n'a jamais été habitée par la volonté de déranger ou de mettre mal à l'aise. Elle cherche avant tout à mettre en scène le monde qui l'entoure : " Il ne s'agit pas d'un art, ni même d'un simple savoir-faire. Il s'agit de la vie, et donc de trouver un langage pour la vie ", explique-t-elle, en 1999, à l'Université de Bologne.

Dix ans après sa mort, sa compagnie TanzTheater Wuppertal lui subsiste, et continue à jouer ses oeuvres. " Par moment, je sais que ce n'est plus la même chose sans elle, sans sa direction, reconnaît Cristiana Morganti, qui ne danse plus avec la compagnie depuis 2014. Mais c'est vrai que la plupart des spectacles ont une telle force, leur construction est tellement géniale, que je me dis qu'il faut quand même continuer à faire ces spectacles. "

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Pina Bausch, raconter l'humain par la danse

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Il y a 80 ans naissait Pina Bausch, l'une des plus importantes danseuses et chorégraphes du XXe siècle.

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Carolyn Carlson est une danseuse, chorégraphe, poète et calligraphe franco-américaine. Son travail chorégraphique repose sur la fluidité du mouvement et une grande attention à l’espace et aux lignes du corps. On la retrouve pour "The tree" lors de la saison 2024-2025 de l’Opéra de Reims.

Pièces marquantes : "Density 21.5" (1973), "Blue Lady" (1983)

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La Minute du spectateur (2021) : Carolyn Carlson • Numeridanse

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Soliste admirable, chorégraphe prolixe, pédagogue hors-pair, poète et même calligraphe, Carolyn Carlson se définit elle-même comme « a woman of many faces »,…

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Les danses de salon se pratiquent en couple, souvent en bals ou en compétition. Elles regroupent une grande variété de style comme la valse ou le cha-cha-cha par exemple.

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Cet article a initialement paru sur le site nationalgeographic.com en langue anglaise.

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Découvrez l’histoire de la danse de salon, cette pratique autrefois réservée aux élites | National Geographic

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Angelin Preljocaj est un danseur et chorégraphe français contemporain. Au sein de son répertoire, on trouve des adaptations de contes et de ballets classiques revisités sous un angle moderne. Il présente lors de la saison 2024-2025 "Le lac des cygnes" à l’Opéra de Reims.

Pièces marquantes : "Le parc" (1994), "La Stravaganza" (1997)

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Après avoir parcouru le monde avec ses spectacles, Angelin Preljocaj fête les trente ans de sa compagnie en 2015. Tant public que médiatique, le succès est toujours au rendez-vous pour cette figure phare de la danse contemporaine française.

La Minute du Spectateur, un rendez-vous vidéo à visionner avant chaque spectacle pour découvrir en deux minutes un chorégraphe, sa compagnie, son vocabulaire, son œuvre.

Une collection présentée par Dominique Hervieu, produite par la Maison de la Danse de Lyon et réalisée par Fabien Plasson.
© Maison de la Danse de Lyon

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La Minute du spectateur (2022) : Angelin Preljocaj * Numeridanse

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Après avoir parcouru le monde avec ses spectacles, Angelin Preljocaj fête les trente ans de sa compagnie en 2015. Tant public que médiatique, le succès est...

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"La danse est le langage caché de l’âme."

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"La danse est le langage caché de l’âme."

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Martha Graham, danseuse et chorégraphe (1894-1991)

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"Mon vocabulaire est celui du corps, ma grammaire celle de la danse et mon papier est un tapis de scène"

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"Mon vocabulaire est celui du corps, ma grammaire celle de la danse et mon papier est un tapis de scène"

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Maurice Béjart, danseur et chorégraphe (1927-2007)

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Simonide de Céos, poète grec (-556 - -467)

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Myriam Simon, première danseuse aux Grands Ballets et professeure aux Studios GB à Montréal nous enseigne quelques pas de danse classique.

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Créatifs et spectaculaires, les spectacles de danse produits par Les Grands Ballets éblouissent depuis plus de 60 ans avec de grands classiques du ballet et des créations de danse contemporaine.

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Blanca Li est une chorégraphe, danseuse et réalisatrice franco-espagnole, connue pour ses créations mêlant flamenco, danse contemporaine et hip-hop. En 2024, elle devient présidente de la Grande Halle de la Villette à Paris.

Pièces marquantes : ROBOT (2013), Casse-Noisette (2022)

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Blanca Li : “Pour moi, la danse doit raconter son temps”

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L’une renouvelle le spectacle vivant par la réalité augmentée, l’autre investigue ce que l’intelligence artificielle fait justement à la création. Entre potentiel et menace, la chorégraphe et danseuse Blanca Li et la chercheuse Diana Mangalagiu se penchent ensemble sur la relation entre Art et IA.

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Les mots de la danse : décrypter les codes du ballet classique

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Une danseuse en tutu, hissée sur les pointes et droite comme un i, les bras souples comme des lianes : c’est l’image d’Epinal du ballet classique. Décryptage de la danse probablement la plus codée de toutes, du chignon au sommet du crâne, jusqu’à la pointe des pieds.

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Mourad Merzouki est un danseur et chorégraphe français qui mêle danse hip-hop, cirque, arts martiaux et danse contemporaine dans ses spectacles. Chorégraphe de la compagnie Käfig depuis 1996, il a également été à la tête du CCN de Créteil et du Val-de-Marne entre 2009 et 2022.

Pièces marquantes: "Pixel" (2014), "Vertikal" (2018)

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La Minute du spectateur (2021) : Mourad Merzouki • Numeridanse

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Créateur de la compagnie Käfig et directeur du CCN de Créteil et du Val de Marne depuis 2009, Mourad Merzouki est aujourd’hui l’un des chorégraphes les plus…

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Kader Attou est un danseur et chorégraphe français, figure majeure de la danse hip-hop contemporaine. Entre 2008 et 2021, il est à la direction du CCN de La Rochelle, premier artiste hip-hop à occuper ce poste en France.

Pièces marquantes : "The roots" (2013), "Allegria" (2017)

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La Minute du spectateur (2020) : Kader Attou • Numeridanse

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Son univers peut être lyrique ou burlesque, il est toujours acrobatique et poétique. Kader Attou est parvenu à sortir le hip hop de ses clichés, à sublimer…

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Maud le Pladec est une danseuse et chorégraphe française, elle a dirigé le CCN d’Orléans de 2017 à 2024 et a été nommée directrice du CCN Ballet de Lorraine en janvier 2025. Ses pièces mettent en lumière les rapports entre le corps et la musique.

Pièces marquantes : "Static Shot" (2020), "Silent Legacy" (2022)

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Maud Le Pladec, chorégraphe : “La danse est l’art le plus vivant du monde”

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La chorégraphe Maud Le Pladec reprend sa création “Static Shot”, interprétée par les danseurs du Ballet de Lorraine. Un spectacle pensé à partir d’images cinématographiques, à la fois pop et abstrait, qui joue avec le son, l’espace et le temps, dans un crescendo permanent.

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Créé en 1998, il est situé à Pantin et dispose également d'une antenne à Lyon. Il a pour mission d’accompagner les professionnels de la danse et de favoriser le développement de la culture chorégraphique. Il conserve les archives tout en participant à la recherche chorégraphique. Il est également un lieu de résidences et de diffusion de la danse.

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Fermeture annuelle
du 24.07 au 21.08

↷ toutes les infos

Programmation
Automne 2023

en ligne le 1.09

CN D magazine

Corps extrêmes : le regard du photographe

Un lieu ressource

Fil d'info pros, Résidences, Formations, Coworking, Fiches pratiques, Auditions et offres d'emploi, Répertoire des compagnies, Élan, Appels à projets, Entretiens individuels, Reconversion, Santé, Développement durable, FAQ ...

Un lieu de recherche

Médiathèque et collections, Médiathèque numérique, Aides à la recherche, Danse en amateur et répertoire, Exposés de recherche et de notation, Atelier des doctorants ...

Un lieu de découverte

Spectacles, Assemblé, Canal, Spectacles, 1km de danse, Expositions, Projections, Camping, Parcours pour tous, Numéridanse, Éditions ...

Un lieu à traverser

Horaires et accès, Bâtiments, Coworking, Médiathèque, Location d'espaces, Services publics +, Restaurant ...

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Événements publics, patrimoine, audiovisuel, éditions, formations, services et ressources aux professionnels, éducation artistique et culturelle.

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Les Centres Chorégraphiques Nationaux (CCN)

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Les Centres Chorégraphiques Nationaux (CCN)

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Créent en 1984, ils structurent la création chorégraphique en France et son influence à l’étranger. Ils permettent de mettre un lieu et des moyens à disposition d’un.e chorégraphe directeur.rice qui propose un projet ou une volonté qui animera le CCN pendant tout son mandat. Aujourd’hui, on en compte 19 en France.

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Le label CCN met des lieux de travail et des moyens à disposition des chorégraphes directeur·rice·s des 19 CCN, afin d’assurer leur développement artistique et la diffusion de leurs œuvres.

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Les Centres de Développement Chorégraphiques Nationaux (CDCN)

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Les Centres de Développement Chorégraphiques Nationaux (CDCN)

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Le premier CDCN est créé en 1995, aujourd’hui on en compte 15. Ils sont aussi dirigés par des chorégraphes directeur.rice.s et ont pour missions : Soutien aux artistes, diffusion de spectacle, mise en place d’actions culturelles, développement de partenariats locaux, formation des professionnel.le.s de la danse.

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QU'EST-CE QU'UN CDCN ?

Histoire

Au début des années 80, à la faveur de l'explosion de la Nouvelle Danse Française, le ministère de la Culture met en place une politique volontaire et ambitieuse pour la danse. En découle notamment la création des Centres chorégraphiques nationaux. À cette même époque, des initiatives de terrain pour la danse se créent à Paris (Val-de-Marne) et en région (Avignon et Lille) et donnent lieu à des festivals qui soutiennent ce mouvement émergent.

En 1995, une structure nouvelle naît à Toulouse et prend pour la première fois le nom de Centre de Développement Chorégraphique. A l'orée des années 2000, les structures pionnières (La Biennale du Val-de-Marne devenue La Briqueterie, Les Hivernales et Danse à Lille devenue Le Gymnase) et d'autres créées par la suite (Art Danse devenue Art Danse Bourgogne-Franche-Comté et Uzès Danse devenue La Maison Danse) se constituent alors en réseau, travaillent à des projets communs et militent pour leur reconnaissance institutionnelle dans le cadre d'un label.

Un label national

En 2009, à l'issue d'une concertation nationale plus connue sous le nom d'Entretiens de Valois, les services du ministère de la Culture et de la Communication souhaitant clarifier la situation des établissements du réseau culturel national consacré au spectacle vivant élaborent un ensemble de textes administratifs dont un consacré entièrement aux CDC leur permettant de figurer dans le réseau national des établissements culturels soutenus par l'État. En mars 2017, conformément au décret relatif aux labels et au conventionnement dans les domaines du spectacle vivant et des arts plastiques, les CDC deviennent les Centres de développement chorégraphique nationaux / CDCN.

Missions

Formidables outils installés sur l'ensemble du territoire, soutenus par l'État et les collectivités territoriales, les CDCN poursuivent les missions suivantes :

Soutien à la création et à la recherche, repérage et accompagnement des artistes émergent·e·s;

Diffusion de spectacles de danse en concertation avec les scènes et les théâtres présents sur le territoire;

Action culturelle et éducative, relations avec les publics et les populations;

Développement de partenariats de proximité et d'une politique de réseau;

Formation et insertion des professionnel·le·s de la danse.

Il existe aujourd'hui 15 Centres de développement chorégraphique nationaux.

Ces 15 centres se sont constitués en association. L'Association des Centres de développement chorégraphique nationaux (A-CDCN) a pour objectif d'organiser des échanges et des débats entre les équipes des CDCN, autour des missions qui leur sont confiées par l'État et de susciter entre ces CDCN des réflexions, des actions et des travaux, propres à promouvoir et à dynamiser leur réseau.

Ces réflexions sont mises en perspectives avec le champ des politiques publiques en faveur du spectacle vivant, et nourrissent des dialogues avec un grand nombre d'acteur·rice·s de la vie culturelle.

Bureau de l'A-CDCN Président
Vincent Jean, Chorège | CDCN Falaise Normandie
Vice-président
Laurent Meheust, Le Gymnase CDCN Roubaix - Hauts-de-France
Trésorière
Sandra Neuveut, La Briqueterie CDCN du Val-de-Marne
Secrétariat général Secrétaire général
Thomas Da Silva Antunes
Chargée de coordination
Carla Philippe

ARTISTES ASSOCIÉ·E·S

Les Centres de développement chorégraphique nationaux sont des acteurs territoriaux de référence nationale en faveur de la danse, un soutien efficace aux équipes artistiques indépendantes et des outils d'ouverture et d'actions envers les publics. Ces trois points, essentiels, viennent soutenir la proposition des CDCN d'associer à chacune de leur structure, un artiste. Cette mesure annoncée par le ministère de la Culture et de la Communication permet à la fois d'apporter aux compagnies un soutien et un accompagnement complet sur une longue période, aux CDCN de nourrir leur programme artistique, pédagogique et de médiation à travers une relation soutenue, et aux territoires d'être irrigués plus largement en cohérence avec un programme au long cours. Ce projet répond ainsi à un triple enjeu, celui du soutien aux compagnies indépendantes et l'accompagnement du parcours des chorégraphes, celui du maillage du secteur chorégraphique et du renforcement de structures qui participent à ce maillage mais manquent encore de moyens, et celui de la décentralisation et de l'irrigation des territoires.

COPRODUCTIONS COMMUNES

Coproductions

Chaque année, l'Association des CDCN soutient un·e chorégraphe pour la création, la production et la diffusion d'un spectacle : résidence de recherche et d'écriture, résidence technique (création lumières, scénographie, etc), promotion auprès des médias et des réseaux professionnels, tournée dans les CDCN, et bien sûr apport financier. Depuis 2005, les artistes qui ont bénéficié de ce dispositif sont : Julia Cima, Thomas Lebrun, Foofwa d'Imobilité (Suisse), David Wampach, collectif Peeping Tom (Belgique), Nelisiwe Xaba (Afrique du Sud), Hélène Iratchet, Radhouane El Meddeb (Tunisie), Pierre-Yohann Suc et Magali Pobel, Ambra Senatore (Italie), Emmanuel Eggermont, Danya Hammoud (Liban), Aude Lachaise, Marlene Monteiro Freitas (Cap-Vert), Alexandre Roccoli, Meytal Blanaru (Israël), Aina Alegre, Christos Papadopoulos (Grèce), Marta Izquierdo Muñoz, Ruth Childs (Suisse) et Flora Détraz.

La danse en grande forme

Issu d'une volonté de répondre à deux grands enjeux du spectacle vivant : dynamiser la production de grandes formes chorégraphiques (au minimum 10 interprètes) et leur permettre de rencontrer des nouveaux publics, le projet biennal La Danse en grande forme réunit, dans une mutualisation inédite, 12 structures des deux labels chorégraphiques nationaux (CCN et CDCN) et deux Scènes nationales*.

L'objectif est également de travailler la diffusion de la création soutenue dans chacun des territoires des structures prenant part à La Danse en grande forme (dans un esprit de partenariat avec d'autres structures).

A la suite d'un appel à projet, une soixantaine de dossiers a été reçue et étudiée par les membres du dispositif.

La Nuée de Nacera Belaza a été selectionnée à l'issue d'une rencontre avec les artistes pré-sélectionné·e·s.

Cette pièce se verra dotée d'un apport en production de 84 000€ (7 000€ par structure). Des temps de résidence pourront être organisés, selon les besoins et les possibilités, dans partie des structures partenaires.
* le Cndc - Angers, le Malandain Ballet Biarritz, le CCN de Caen en Normandie, Boom'Structur, la Comédie de Clermont-Ferrand, le CCN de Grenoble, la MC2 : Grenoble, la Briqueterie - CDCN du Val de Marne, le CCN - Ballet national de Marseille, le CCN - Ballet de Lorraine, Le Gymnase CDCN Roubaix - Hauts-de-France et La Place de La Danse - CDCN Toulouse - Occitanie.

OUTILS DE MÉDIATION / ÉDUCATION ARTISTIQUE ET CULTURELLE

Parallèlement à la coproduction annuelle, l'Association des CDCN mène des projets communs. Le réseau des CDCN a pensé et conçu des outils communs au réseau, qui, quotidiennement, viennent soutenir la politique volontaire d'éducation artistique et culturelle que les équipes de médiateurs et médiatrices des CDCN mènent. Ces outils, au nombre de 8 aujourd'hui, sont extrêmement divers dans leurs formes et leurs supports : extraits de films et de pièces du répertoire [La danse en 10 dates (1896-1992), Une histoire de la danse contemporaine en 10 titres (1978-2006)], conférence dansée [Tour du monde danses urbaines en 10 villes], outils numériques [Danses sans visa, Data-Danse et Application à Danser], formation [Le parcours chorégraphique en 10 principes] ou encore jeu de cartes [Danse tout terrain : comment les lieux nous font danser ].

LA DANSE EN 10 DATES (1896-1992)

La danse en 10 dates présente, sans pour autant être exhaustive, 10 moments clefs dans l'histoire de la danse révélant les dimensions sociales, politiques et esthétiques traversées par la danse, comme la naissance du cinéma, puis de la vidéo, ou l'invention de la notation chorégraphique. Ces extraits filmés, de Loïe Fuller à Michael Jackson en passant par Nijinski et Béjart, ont acquis avec le temps le statut de document et, à ce titre, ils témoignent de l'évolution de la danse en relation avec les technologies.

UNE HISTOIRE DE LA DANSE CONTEMPORAINE EN 10 TITRES (1978-2006)

Faisant suite à La danse en 10 dates, Une histoire de La danse contemporaine en 10 titres offre un panorama de la danse contemporaine dans la multiplicité de ses écritures, de Merce Cunningham à Pina Bausch ou Anne Teresa De Keersmaeker. Chaque extrait vidéo permet une incursion dans l'univers de 10 chorégraphes emblématiques des années 80 à aujourd'hui. Sont également évoquées de grandes notions telles que la danse-théâtre, l'abstraction, la déconstruction ou le croisement avec les danses urbaines...

TOUR DU MONDE DES DANSES URBAINES EN 10 VILLES

Format spectaculaire, cette conférence dansée suivie d'un échange, conçue par Ana Pi, François Chaignaud et Cecilia Bengolea, est pensée comme un tour d'horizon des danses de rue à travers le monde. Krump à Los Angeles, kuduro en Angola, dancehall à Kingston, voguing à New York... À travers l'évocation du contexte géographique, social et culturel de leur émergence et les caractéristiques propres à chaque mouvement artistique dans lequel s'inscrivent chacune de ces danses, Ana Pi propose une forme " live " qui combine projections vidéo documentées et extraits dansés.

DANSES SANS VISA

En libre accès sur internet, d'utilisation intuitive et autonome, Danses sans visa propose, à partir d'une sélection de documents visuels issus des archives de l'INA (Institut national de l'audiovisuel), une exploration de l'histoire des danses sociales selon la circulation des peuples à travers le monde. Menées sous forme d'enquête, les investigations des spécialistes de danse, qui ont extrait de ce fond soixante vidéos, analysent, selon les mouvements de populations, le parcours et l'évolution de danses emblématiques. Ainsi, on peut (re)découvrir la valse ou le haka, le tango, le flamenco ou encore la salsa mais aussi le hip-hop et les danses afro-pop actuelles.
fresques.ina.fr/danses-sans-visa
DATA-DANSE

En libre accès sur internet, Data-danse est une plateforme numérique dédiée à la découverte de la danse. Intuitive et ludique, elle aborde cet univers dans son ensemble : les lieux, les corps, les métiers, le vocabulaire, les repères et guide le·la spectateur·rice dans le récit de son exploration. À partir des éléments qu'il·elle aura récoltés, celui·celle-ci pourra même créer la Une de son propre journal. Lisible et structuré, ce dispositif numérique permet une utilisation à plusieurs niveaux : autonome pour des enfants ou des spectateur·rice·s non spécialistes, accompagné pour des groupes ou des classes ou à usage structurant dans le domaine réservé aux acteur·rice·s culturel·le·s.

data-danse.numeridanse.tv
APPLICATION À DANSER

Application à Danser est un dispositif nomade conçu pour amener chacun·e à construire sa danse à partir de gestes du quotidien. Elle invite ses utilisateurs et utilisatrices à se mettre en mouvement. Equipé·e·s d'un smartphone et d'écouteurs, les participant·e·s reçoivent des consignes audio-guidées qui les transportent dans des situations familières où leurs mouvements sont peu à peu détournés du contexte d'origine. Les gestes ordinaires sont transformés, décalés, réinventés pour créer une danse à la fois personnelle et collective.

LE PARCOURS CHORÉGRAPHIQUE EN 10 PRINCIPES

Sous la forme d'un module pédagogique, cette formation est conçue autour d'un parcours chorégraphique reprenant les trois piliers de l'éducation artistique et culturelle. Les participant·e·s vont vivre trois temps forts : une pièce chorégraphique, Faire soi·e de Bérénice Legrand, un atelier de pratique artistique autour de ce spectacle et un temps de réflexions et d'échanges sur l'enjeu des parcours chorégraphiques autour de dix principes portés par un·e médiateur·rice et un·e référent·e de l'Éducation nationale. Ces dix principes ont été formalisés afin de donner des fondamentaux que chacun·e pourra décliner pour concevoir un projet en cohérence avec sa pratique, son contexte et ses opportunités de rencontres.

DANSE TOUT TERRAIN, COMMENT LES LIEUX NOUS FONT DANSER

Danse tout terrain : comment les lieux nous font danser est un jeu de 108 cartes contenues dans leur écrin de bois pour appréhender la danse dite " située ". Ces cartes permettent d'explorer des contextes, de créer des danses et de combiner les possibles. Elles invitent à porter une attention sensorielle à notre environnement et à le redécouvrir à travers le mouvement et l'imaginaire. En adoptant des gestes et des postures parfois inhabituelles et parfois historiques, on pratique autrement la danse. Les cartes invitent aussi à observer les situations de manière active et à collecter des traces sensibles.

N'importe quel espace peut être considéré comme un lieu de danse. Il y a mille et une façons de danser tout terrain !

RÉSIDENCES D'ARTISTES

Les résidences d'artistes, font partie des missions des CDCN. Sous l'appellation " Accueil-studio ", elles sont un dispositif de soutien à la recherche et à la création. Simultanément, elles contribuent à renforcer la présence des artistes sur un territoire en favorisant la rencontre entre leurs projets et les publics ainsi que les actions artistiques. Ces résidences de courte durée, d'une à deux semaines, permettent d'accueillir chaque saison de nombreuses équipes qui stimulent les lieux qui les accompagnent dans leur réflexion et leurs actions.

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L'Association des Centres de développement chorégraphique nationaux (A-CDCN) a pour objectif d'organiser des échanges et des débats entre les équipes des CDCN, autour des missions qui leur sont confiées par l'État et de susciter entre ces CDCN des réflexions, des actions et des travaux, propres à promouvoir et à dynamiser leur réseau.

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Construit en 1937, il est situé sur la place du Trocadéro à Paris. Il est l’un des six théâtres nationaux français. Depuis 2021, il est dirigé par Rachid Ouramdane qui articule son projet autour de trois axes : un théâtre de diversité, l’hybridation des formes et l’art du lien.

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Accéder au contenu Menu principal du site Menu secondaire du site Page d'accueil

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Crée en 1980, la maison de la danse se situe à Lyon. En plus de ses activités de création, de diffusion et de médiation, elle co-coordonne avec le CND la plateforme Numeridanse qui donne accès à des œuvres et contenus autour de la danse. Elle est dirigée depuis 2022 par Tiago Guedes.

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Maison de la Danse | Spectacle de danse - Sortir à Lyon

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La Maison de la Danse défend la danse comme un élément essentiel de nos identités humaines. Vecteur d'expression et de création puissant, capable de créer du lien social, l'art chorégraphique apporte des changements positifs dans nos sociétés. Choisir de soutenir la danse à travers notre institution culturelle, c'est choisir de soutenir les artistes qui lui donnent vie avec passion, excellence, et parfois fragilité.

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Crée en 1984, la Biennale de la Danse de Lyon est un festival de la danse contemporaine. Il se déroule pendant trois semaines pendant le mois de septembre. Son emblématique défilé ouvre le festival où amateurs et professionnels se retrouvent pour animer les rues de la ville.

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Au cœur de cette 17e édition de la Biennale de Lyon, les relations humaines sont envisagées dans leurs enjeux contemporains, leur pluralité, leur amplitude et leurs rituels, afin d'explorer et d'étendre les pratiques d'hospitalité.

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Rendez-vous de septembre 2022 à janvier 2023 pour la 16e Biennale d'art contemporain de Lyon !

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Le Festival Montpellier Danse est un événement annuel de danse contemporaine fondé en 1981. Depuis 2025, il est dirigé par quatre co-directeurs. Il est l’un des festivals les plus importants d'Europe. Il se déroule de mi-juin à mi-juillet.

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Pour cette 41ème édition, le festival Montpellier Danse accueille cinq propositions signées par Daïna Ashbee : Serpentine, Unrelated, Pour, Laborious Song et When the ice melts, will we drink the water ? L'artiste québécoise et ses interprètes...

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Pour cette 41ème édition, le festival Montpellier Danse accueille cinq propositions signées par Daïna Ashbee : Serpentine, Unrelated, Pour, Laborious Song et When the ice melts, will we drink the water ? L'artiste québécoise et ses interprètes...

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Créé en 2013 par Mourad Merzouki, le festival Kalypso a lieu en oovembre pendant plus d’un mois dans toute l’Île-de-France. Il met en avant la danse hip-hop, des compagnies reconnues et des émergentes. Son jumeau le festival Karavel se déroule également tous les ans, mais à Lyon et en octobre.

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Avec cette première pièce chorégraphique, Mounia Nassangar – figure incontournable du waacking en France – dévoile autrement ce mouvement, en explorant la capacité de la danse à prendre le relais d’une parole défaillante. Au plateau, chacune des cinq interprètes incarne la mémoire vivante d’une danse d’urgence et d’expression née d’une oppression.
Réservation et information :
Direction des Affaires Culturelles
Tél. 01 41 17 48 12 – Mail.…