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En 1947, participa en una importante exposición: Cuarenta y cinco autorretratos de pintores mexicanos. Siglos XVIII al XX en el Palacio de Bellas Artes. Este mismo año pinta uno de sus cuadros mas conocidos, un extraño lienzo titulado posteriormente Sueño y presentimiento.

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Autorretrato con flor roja, 1922, pastel sobre papel, 39 x 29 cm. Colección de Artes Visuales del Instituto de Estudios Brasileños - USP, São Paulo, SP.

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Autorretrato con flor roja, 1922, pastel sobre papel, 39 x 29 cm. Colección de Artes Visuales del Instituto de Estudios Brasileños - USP, São Paulo, SP.

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La construcción de la modernidad y de la identidad nacional, en los países de América Latina, son las caras de una misma moneda. En este sentido, Tarsila do Amaral comienza a pensar en la necesidad de volver hacia sus raíces, indagando acerca del concepto de la “brasilidad”.

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En 1931 viajó a la Unión Soviética, vivir la realidad del marxismo llevado a la práctica influencio que, a su vuelta, participe activamente en el Partido Comunista Brasileiro y sus cuadros se empaparan de temáticas políticas y problemáticas sociales.

La artista plasma aquí la industrialización que estaba viviendo Brasil (hasta ahora una nación agrícola y exportadora, dominada por una aristocracia rural), que atraía trabajadores de todo el mundo y que traía como consecuencia también la marginalización y la explotación de la nueva clase social y el crecimiento de grandes metrópolis como São Paulo y Rio de Janeiro. Por ello, sería encarcelada durante un mes, por ser simpatizante comunista (e ir contra el dictador Getúlio Vargas).

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Sólo la Antropofagia nos une. Socialmente. Económicamente. Filosóficamente. Única ley del mundo. Expresión enmascarada de todos los individualismos, de todos los colectivismos. De todas las religiones. De todos los tratados de paz. Tupí, or not tupí, that is the question. Contra todas las catequesis. Y contra la madre de los Gracos. Sólo me interesa lo que no es mío. Ley del hombre, ley del antropófago

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El 19 de febrero de 1945 María Izquierdo firma un contrato con el jefe del Departamento del Distrito Federal para pintar unos frescos y decorar los muros y plafones correspondientes a la escalera central del antiguo Palacio del Departamento del Distrito Federal situado en el Zócalo de la Ciudad de México. María empieza a trabajar en los bocetos. Al conocer este proyecto David Alfaro Siqueiros y Diego Rivera la boicotean, y abundan los pretextos para no llevar a cabo la realización, hasta que en octubre, por una orden superior es cancelada definitivamente la obra. María hace declaraciones en la prensa en contra del monopolio de los “tres grandes” (Rivera, Siqueiros y Orozco). Al cancelarle el contrato invitan a la pintora a realizar otro mural en un edificio menor, propuesta que María percibe como un insulto y que rechaza categóricamente .
De los nueve bocetos que componían el proyecto, María pinta sólo dos tableros transportables: La música (2.50 x 1.73)
y La tragedia (2.40 x 1.70) abajo. ''Hice estos muros para demostrar que soy capaz de pintar al fresco y con proporciones monumentales, y que se me trató injustamente al rescindir mi contrato''.

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En 1936 conoce a Antonin Artaud estableciendo una estrecha amistad. Este encuentro enriquecedor para ambos, María lo refleja en su pintura donde vemos que introduce una serie de detalles: esferas, lunas, estrellas y otros símbolos que iluminan los cielos de sus cuadros.

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En 1937 como miembro de la sección femenil de Artes Plásticas del Departamento de Bellas Artes de la Secretaría de Educación Pública, organizó una subasta de arte mexicano para contribuir al pago de la deuda petrolera y participó en una exposición de propaganda política. Exhibió la ilustración para un cartel de contenido social, en el cual incluyó la leyenda: “proletario destruye a tus enemigos de clase”. En este contexto, declaró que la mujer debía dejar de ser un objeto de lujo y transformarse en un factor participativo dentro de la lucha de clases.

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A María Izquierdo la pintura le sirve como medio de revelación y camino de emancipación. Concretiza sus dotes artísticas a la vez que determina su independencia. María se separa de su marido.

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En 1910, cuando iniciaba la Revolución en la provincia, Justo Sierra, funda la Universidad Nacional de México y convierte a la Escuela Preparatoria, fundada en 1868, en parte integrante de la misma. En los años veinte, la Escuela Preparatoria, considerada como el centro escolar de más alto nivel en el país, empieza a admitir mujeres dentro de sus aulas, Frida Kahlo y Aurora Reyes son dos de las 35 alumnas dentro de un estudiantado de unos dos mil alumnos. Aunque se empezaban a admitir mujeres en algunos ámbitos, la sociedad mexicana seguía siendo convencional con respecto al lugar que la mujer debía ocupar, las funciones y los valores que debía preservar

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Las artistas representadas mayormente eran feminidades. Además de personajes como bailarinas, desnudos femeninos y el circo,  representa caballos, vacas, gallos, perros y otros animales como también, personajes de pueblo, niños, objetos y tradiciones populares. Todos estos actores  están cargados de  fuerza en sus composiciones, generando atmosferas místicas melancólicas, desoladas e intimas.  El paisaje rural mexicano se hace visible en sus obras.

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"(…)todas las posturas periféricas asumidas en torno a la modernidad
implican diversos grados de traducción, de traición, del ideario moderno. Al ser sus figuras y sus
discursos diferidos o reapropiados, sufre la modernidad tergiversaciones importantes. Tanto, que
llegan a comprometer las notas esenciales de su concepto y estorbar a veces la posibilidad de
hablar de la modernidad de ciertas formas de arte. Pero este equívoco configura el punto central
de cualquier teoría acerca de la diferencia en el arte. La distorsión, el destiempo, la infidelidad
del trasunto abren posibilidades para lo propio. El desacople producido por el diferimiento, ya se
sabe, habilita un margen para la inscripción de la diferencia." (Escobar, Las otras modernidades pág.. 7, 1998)

Notamos que ambas artistas toman aspectos del modernismo pero, existe un nuevo diálogo, donde aparecen sus relaciones con la realidad en la que conviven, junto a la transformación de los discursos modernos. Desarrollando una nueva perspectiva que se encuentra en intercambio con el contexto cercano/inmediato y el mundo mas externo inmerso en una progresiva globalización.

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Cuadro realizado por Tarsila en París, de rasgos cubistas. Es una obra previa a el Movimiento Antropofágico

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Tarsila nombra al cuadro Abaporu, que viene del tupí-guariní aba/poru, significa "hombre que come".
La elección de ese término para designar el nombre del cuadro viene del Manifiesto Antopográfico publicado en 1928 por Oswaldo de Andrade

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"Adan y Eva" / "Antropofagia"

A partir de una primera mirada, vemos que ambas obras cuentan con dos figuras principales y muestran en ellas la presencia de la naturaleza.

Podemos notar la búsqueda de  nuevas formas de representación pictórica. Ya sea en el escenario de la obra de Izquierdo, quien muestra objetos de una cultura mejicana religiosa, desde una cita bíblica " Adán y Eva" el primer pecado original,  la fruta como símbolo del pecado con otros elementos como, el árbol y el ángel, construyen un nuevo relato metafórico, reapropiado.

En Antropofagia, observamos la síntesis con que se caracteriza la artista, ambas figuras cercanas abrazadas entre si, entrelazadas con las piernas, inmensas, exageradas, como por salirse del  soporte donde están realizadas. Todas las figuras son grandes, no hay micro detalles, la escena es explicita.

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Las obras de Tarsila tienen una temática selvática,  con fauna y flora.  Ilustrando un paisaje rural y urbano, pero también pone en evidencia la urbanización, que va en crecimiento, el "mundo del progreso".
Estas descripciones realizadas por las artistas se salen de los esquemas convencionales, abre posibilidades entre las temáticas preestablecidas, creando mundos imaginarios.

Maria Izquierdo  retrata  su cotidiano cercano, simbólico, con temas costumbristas,  desde altares, naturaleza autóctona , enfatiza la figura de la mujer, en contraste al  arte mejicano tradicionalista y nacionalista del momento. Construye un relato distinto al que proponían el muralismo mexicano nacionalista y sus referentes varones, quienes marcaban la tendencia y  las formas de hacer arte.
Su decision de tomar una

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Las iconografías de ambas artistas , María Izquierdo y Társila do Amaral, son  innovadoras y  transformadoras para el contexto moderno de cada una culturalmente en su territorio.  Desarrollan un nuevo lenguaje pictórico y plantan las bases de una producción autónoma encabezada por mujeres. Si bien son evidentes las diferencias de clase, ambas resaltan y se apropian de aspectos originarios, vinculados al territorio que habitaban y a las problemáticas vigentes.

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En la obra de  Izquierdo, podemos ver la representación  de una cita bíblica, que corresponde  al primer pecado original, en donde la serpiente incita a Eva a morder la "manzana prohibida", ella la muerde y le convida a Adán para que también lo haga. De fondo  los ángeles como espectadores de la acción al igual que la paloma (representación divina católica del espíritu santo) y la gallina parte del escenario bíblico. Podemos decir que esta obra es una reconfiguración de esa escena bíblica pero, reinterpretada con los recursos pictóricos de la artista, utilizando colores estridentes y terrosos en las formas de las  figuras, así como la incorporación de un fruto autóctono de la cultura mexicana, ella se apropia desde lo simbólico, generando un nuevo discurso.

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Izquierdo revierte la iconografía postrevolucionaria tan instaurada en el pais, como el discurso tradicional sobre el nacionalismo artístico,  mostrando en sus producciones  una realidad más existencial, emotiva y sensible, logra captar la esencia de la mexicanidad a partir de  metáforas poéticas. El rol de la mujer es un personaje central en sus obras y lo incorpora dándole un significado social y metafísico.

En 1932 empezó una serie de pinturas con temática circenses, durante veinte años pintó más de cincuenta imágenes del ámbito del circo convirtiéndolas en el tema más representado a lo largo su carrera.

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Al igual que otras vanguardias artisticas e intelectuales, realizan una materiales teóricos y archivos. Dónde desarrollan y generan nuevos pensamientos sobre el arte que se gesta en aquel momento

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El movimiento Pau-Brasil reúne una parte vertebral (inicial) del modernismo brasileño (1922-26), conjugando literatura y pintura: Oswald de Andrade, Mário de Andrade y Tarsila e incluye al propio Cendrars. Da inicio con un viaje a las localidades del barroco en Minas Gerais (1924) que ese grupo de intelectuales denominó "caravana del Descubrimiento del Brasil".

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En la obra Antropofagia de Tarsila, vemos dos figuras en el centro del lienzo, ambas en posición de descanso que están rodeadas de naturaleza. Estas figuras antropomorfas del cuadro guardan relación con dos obras representativas para de Andrade; La negra y Abapuru donde ambas figuras están superpuestas. Como característica observamos que las figuras están fuera de los esquemas canónicos de representación de cuerpo humano (cabezas pequeñas, brazos delgados, largos y piernas exageradamente grandes). Tarsila construye una propia estética, imagineria y utilización de la síntesis. No utiliza una figuración de tipo realista, pero bien podrían leerse como una selva donde existen cactus, plantas y el sol circular se asemeja también a una naranja.

foto del boceto de la obra

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En febrero de 1922, artistas e intelectuales de distintas ramas convocan a repensar el arte brasilero por fuera de los canones estetico europeo. Los cinco amigos organizaron la Semana de Arte Moderno, un hecho histórico fundamental en el desarrollo del modernismo en Brasil.

Amaral y sus colegas querían cambiar el arte establecido de Brasil, demasiado conservador para un país tan complejo, tan rico en culturas, tan moderno en otros aspectos.

http://miguelrojasmix.com/la-semana-de-arte-moderno-o-los-origenes-de-la-cultura-contemporanea-en-brasil/

Foto :Portada del catálogo de la semana de arte brasiler ilustrada por Emiliano di Cavalcanti

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Compuesto por artistas plásticos, poetas y filósofos entre ellos Mário de Andrade, Anita Malfatti, Menotti Del Picchia, Tarsila do Amaral e Oswald de Andrade

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Tarsila do Amaral nace en 1886 en la hacienda San Bernardo, municipio de Capivari, interior del estado de San Pablo. Comienza sus estudios en la ciudad de San Pablo y en 1902 viaja a Barcelona, donde completa su formación. De regreso en el Brasil, en 1904 contrae matrimonio con Andre Texeira Pinto, con quien tiene su única hija.. En 1920 viaja a París, donde perfecciona sus estudios en la Academia Julian. En 1922, la artista regresa al Brasil e integra el llamado Grupo de los Cinco, junto a Mario de Andrade, Oswald de Andrade, Menotti del Picchia y Anita Malfatti, quienes habían participado de la Semana de Arte Moderno en el Teatro Municipal de San Pablo. En 1923, nuevamente en París, frecuenta el taller de los cubistas André Lhote, Albert Gleizes y Fernand Léger. En 1924, la artista y Oswald de Andrade, entre otros, acompañan al poeta surrealista Blaise Cendrars en un viaje por las ciudades históricas de Minas Gerais (Brasil). De este viaje surge el período Pau Brasil de Tarsila y el manifiesto escrito por Oswald de Andrade. En 1926, la artista expone su muestra individual Pau Brasil en la galería Percier en París y, en este mismo año, Oswald y Tarsila oficializan su unión. En 1930 el matrimonio se separa, y un año más tarde Tarsila emprende un viaje a Rusia. Este suceso influirá notablemente en su obra, la cual adquiere un impulso de carácter social. Entre 1936 y 1952 colabora como cronista de arte en el periódico Diario de São Paulo, a la vez que continúa pintando. En 1951 participa de la Primera Bienal de San Pablo. En 1964 interviene en la Bienal de Venecia. Tarsila do Amaral muere San Pablo en 1973

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Oswald de Andrade. Revista de Antropofagia, Año 1, No.​1, mayo 1928.

El manifiesto escrito por Andrade propone una búsqueda artística  en la que la información de la modernidad europea es procesada, masticada y transformada por la cultura local. Antropofagia hace alusión metafórica al canibalismo; propone devorar los modelos impuestos provenientes de la colonia y la modernidad, estos al ser deglutidos por andamiajes locales, crean una nueva visión. Proponen ir indagando y dando mayor entidad a las culturas que habitaban en la zona, buscando desde las maneras de existir, a una interpretación distinta sobre la vida y el arte. Inspirado por Amaral, Andrade escribe su Manifiesto Antropofágico, que literalmente llamó a los brasileños a devorar los estilos europeos, librarse de todas las influencias directas y crear su propio estilo y cultura. En lugar de ser devorados por Europa, devorarían a Europa ellos mismos.
En su lenguaje metafórico, repleto de ironía y humor, se entretejen innumerables referencias culturales modernas europeas junto a emblemas culturales y símbolos míticos de la historia del Brasil.

http://www.ccgsm.gob.ar/areas/educacion/cepa/manifiesto_antropofago.pdf

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Su nombre era María Cenobia Izquierdo de Posadas. Nació en San Juan de los Lagos, Jalisco. A la edad de 14 años, su familia la casa con un militar. En 1923 el matrimonio se va a vivir a la ciudad de México.
En 1927 se inscribe en la Escuela Nacional de Bellas Artes dirigida por el pintor Diego Rivera. Allí tuvo maestros como Germán Gedovius y Manuel Toussaint. No terminó sus estudios pece a la violencia de sus compañeros. A finales de 1928 conoce a Rufino Tamayo, con quien mantiene una relación de 4 años. En noviembre de 1930 expone en el Art Center de Nueva York. En 1933, ingresa a la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios (LEAR) como jefa de la Sección de Artes Plásticas. Funda la Casa de los Artistas en América. Fue maestra de dibujo y pintura en diversas instituciones, dictó conferencias y se convirtió en una figura icónica en el medio cultural mexicano. Falleció en la pobreza a causa de una embolia el 2 de diciembre de 1955 en Ciudad de México. Sus restos se depositaron en la Rotonda de las Personas Ilustres, en el Panteón Civil de Dolores, el 22 de noviembre de 2012.

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Año |  1929
Autor |  Tarsila do Amaral
Técnica |  Óleo sobre lienzo
Tamaño |  1.26 cm x 1.42 cm
Localización |  Acervo Fundação José e Paulina Nemirovsky (São Paulo, SP)

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Autora: María Izquierdo
Año: 1945
Técnica: Óleo sobre tela

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Durante los años treinta, al igual que muchas mujeres de su época, participó en distintas agrupaciones que luchaban en contra del fascismo y el imperialismo, asimismo se dedicó a expresar sus ideas con respecto al papel de la mujer en la sociedad contemporánea, en donde encontramos el sentido de su estética.

En 1935 dirige la exposición:  itinerante Carteles Revolucionarios Femeninos, organizada por  Departamento de Bellas Artes y patrocinada por el Partido Nacional Revolucionario. María exhibió, junto con Lola Álvarez Bravo, Regina Pardo, Gloria Urrieta, Esperanza Muñoz, Celia Arredondo y otras maestras miembros de la LEAR, el cartel, Pulquería "El Atorón" una xilografía que sirvió de propaganda para la campaña presidencial de Lázaro Cárdenas.