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Gustave Courbet nació en Ornans, cuando viajó a París descubrió que su verdadera pasión era el arte, por lo que comenzó a aprender pero no seguía las normas de la academia. Le da el nombre al movimiento realista cuando inauguro una exposición individual de sus obras que la titulo La Réalisme. Courbet no quería ser discípulo mas que de la naturaleza, no deseaba la belleza, si no la verdad.

Courbet: “Confió siempre ganarme la vida con mi arte sin tener que desviarme nunca de mis principios ni el grueso de un cabello, sin traicionar mi conciencia ni un solo instante, sin pintar siquiera lo que pueda abarcarse con una mano solo por darle gusto a alguien o por vender con mas facilidad.”

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Pintura de gran formato donde muestra un funeral, sin embargo para algunos artistas y críticos del arte fue una ofensa que un cuadro tan cotidiana fuera realizada en los formatos que se usaban para cuadros de importancia histórica. Courbet utilizo a modelos cotidianos, como vecinos familia y amigos del autor. Estos personajes eran parte de la burguesía rural. Courbet se aleja de las técnicas académicas y realiza la pintura con ayuda de pinceles, trapos, espátulas e incluso sus dedos. En la paleta predominan los colores oscuros pero también marca una luminosidad individual en cada uno de los personajes remarcando su presencia como individuos reales. La composición sigue las reglas de las costumbres en las ceremonias de este tipo y tres divisiones primero los representantes de la iglesia, los hombres y las mujeres.

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La obra representa el taller del artista y las figuras representadas son alegorías de su trayectoria artística. Un formato grande utilizado por lo general en las pinturas históricas con elementos como el retrato y bodegón.

La obra se separa en tres partes, en la zona central el pintor realiza un paisaje mientras a su espalda esta una mujer desnuda y un niño pequeño que miran la pintura, ellos representan los espectadores ideales, libres de prejuicios.

A la izquierda están unos personajes que son ajenos al arte que el mismo denomino como “los que medraban con la muerte” donde representa a sus enemigos y a personas pobres. Y en la parte de la derecha se encuentran sus amigos artistas.

La luz va de derecha a izquierda y su paleta es de tonos terrosos y hay mucha presencia del negro.

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 El mar tormentoso, también llamado ola (1870)

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 El mar tormentoso, también llamado ola (1870)

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Courbet se instala Etretat donde antes otros artistas habían ido para observar el mar. Aquel lugar le proporciono inspiración para el cuadro por los acantilados de caliza, la violencia de las tempestades y la calma de los oleajes.

Courbet construye su cuadro en tres líneas horizontales: la orilla en la que descansan dos barcas, los oleajes tratados con una gama de verde oscuro, realzado con el blanco de la espuma y el cielo cubierto por nubes.
Guy de Maupassant relata del siguiente modo la visita que hizo a Courbet durante su estancia en Etretat: "En una gran habitación vacía, un hombre grueso y sucio pegaba con un cuchillo de cocina placas de color blanco encima de un imponente lienzo vacío. De vez en cuando, iba y apoyaba su rostro en el cristal de la ventana y miraba la tempestad. El mar estaba tan cerca que parecía golpear la casa, rodeada de espuma y de ruido. El agua salada golpeaba los cristales, como granizo, y chorreaba por los muros. Encima de la chimenea, una botella de sidra junto a un vaso medio lleno. De vez en cuando, Courbet iba y bebía unos cuantos sorbos, y luego continuaba con la obra. Pero esta obra se convirtió en La ola e hizo bastante ruido por el mundo".

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Jean Francois Millet  era de una familia campesina de Normandia, muy joven tenia talento para el dibujo y estudio en varias ciudades llegando a París. Se propuso a pintar escenas de la vida de los campesinos mostrándolos tal y como eran, pintar a hombres y mujeres trabajando en el campo.

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Esta obra que le llevo mucho tiempo de realizar fue la que presento en el Salon de París y gano una medalla por el. La inspiración para realizar la obra fue un episodio del Antiguo Testamento, del libro de Ruth, trasladándolo a su propia época. Según nos cuenta la Biblia, Ruth era una joven moabita que tras quedarse viuda decidió hacerse cargo de su suegra. Para ganarse el pan, se puso a trabajar como cosechadora en los campos de un rico hacendado llamado Booz, que admirado por el buen corazón de la mujer acabó casándose con ella. En esta escena, Booz invita a la tímida Ruth a comer junto con el resto de segadores, que la miran con un cierto recelo, sin entender muy bien el favoritismo de su jefe por esta recién llegada.

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No es un cuadro anecdótico; solo son tres atareadas jornaleras sobre una llanura que se esta segando, no son hermosas ni atractivas. Estas campesinas se mueven lenta y pesadamente, entregadas de lleno a su tarea. Millet ha procurado resaltar su solida y reacia constitución y premeditados movimientos, modelándolas vigorosamente con sencillos contornos contra la llanura, a la brillante luz solar. Así sus tres campesinas adquieren una gravedad espontánea y verosímil que la de los héroes académicos. Hay un equilibrio apacible, un ritmo calculado en el movimiento y distribución de las figuras que da consistencia a todo el cuadro y que nos hace percibir que el pintor considero la labor de las espigadoras como una labor de significación noble.

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El cuadro mas importante de Millet, Salvador Dalí mencionaba que era la “obra pictórica mas íntimamente turbadora, la mas densa”.

En esta nos muestra a dos campesinos que están rezando el Angelus (una oración del catolicismo) aunque sus caras no se ven, sus gestos; cabeza agachada, sombrero en mano, manos al pecho, expresan mas información y matices poéticos que nos generan una sensación de tristeza. Con ayuda de los rayos X se sabe que Millet puso un ataúd infantil con un bebe, hijo fallecido de la pareja.

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Nacido en Marsella, Honoré Daumier se formó como dibujante según los principios de David y copiando obras maestras del Louvre, entre lo que le impactaron especialmente Rubens y Goya.
Fue caricaturista, pintor, escultor y dibujante. Un realismo tan rebuscado, que incluso muestra mucho más que la realidad. Su mordacidad y sarcasmo, los múltiples matices de su obra, el retrato exagerado, su asombroso ojo para la crítica.

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Cuadro donde se representan a dos actores protagonistas de una obra llamada "Los enredos de Scapin" que era una comedia teatral.
Daumier fue un ilustrador de temas teatrales y en este caso le gustaba bastante el juego de los artistas, sus actitudes y sus gestos melodramáticos sobre el escenario. Muestra la complicidad entre los dos integrantes criados, confundiendo al no saber si se tratan de los gestos genuinos de los artistas o de los personajes. se le considera de los iniciadores del movimiento expresionista.

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En esta obra Daumier retrata a una mujer humilde durante el segundo imperio francés, y exalta a la mujer siendo trabajadora y madre.
una mujer que acaba de terminar su jornada por la luz de la tarde del fondo y sube las escaleras dando la mano a una niña cargando piezas de tela.

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Obra donde nos muestra a los pasajeros del vagón evidentemente de clase obrera donde la mayoría tiene rostros y expresiones de cansancio de regreso de la jornada del día, los personajes principales son las dos mujeres y el niño que duerme, sin embargo no se sabe si el niño viene también de una jornada laboral como los demás personajes. Representando el viaje de la pobreza a la miseria, de la pobreza rural a la miseria de la ciudad.
Exaltando los pesares de la clase trabajadora.

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Caillebotte no fue solo pintor. También destacó como coleccionista, mecenas y comisario de exposiciones. Heredero de una fortuna familiar, pudo dedicarse plenamente al arte en todos estos ámbitos y ayudando a consagrarse a un movimiento que como sabemos empezó siendo rechazado por el arte oficial y obligado a exponer en salones independientes.
Gustave Caillebotte empezó siendo realista muy ligado a la pintura de Courbet y Millet, hasta que conoció a los impresionistas y se enamoró de este nuevo lenguaje pictórico lleno de luz y color.

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El cuadro no es tan experimental en lo formal como otras obras impresionistas, pero tanto la perspectiva (violentamente marcada) como el encuadre (influencia total de la fotografía) son de lo más revolucionario para la época, además de, evidentemente, el tema.
Los impresionistas quisieron mostrar la vida moderna parisina, que estaba en plena ebullición. La burguesía francesa, tras la guerra con los prusianos, pudo disfrutar de pronto del ocio moderno, que contaba con un ámplio abanico de posibilidades, desde la ópera o el ballet, hasta la vela, pasando por supuesto, por una ajetreada movida nocturna.

Todo salpicado de los nuevos y brillantes colores que se empezaban a fabricar en tubos.

Con ello empieza a pintarse la luz, lo realmente importante para el impresionismo, que entra por la ventana de ese apartamento burgués, en el que casi se puede oler la madera.

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staba muy influida por las estampas japonesas, como puede verse en la perspectiva diagonal de este precioso óleo, en el que captura las primeras gotas de lluvia de un chaparrón de verano. La obra está pintada en los terrenos de la casa que tenía su familia a orillas del río Yerres. La marcada diagonal de la orilla, bordeada en madera, contrasta con el dibujo de los círculos concéntricos de las gotas sobre el agua.

Por lo general, los pintores impresionistas eran bastante urbanitas, incluso los que vivían en el campo, y valoraban las comodidades y progresos de la vida moderna. En este cuadro de Caillebotte no aparece ninguna figura humana, pero intuimos su rastro en la casa y la canoa del fondo, y en el cuidado paseo de tierra del primer término. No estamos ante un paisaje agreste, sino ante la naturaleza plácida y domesticada de un jardín privado.

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Se conoce, según la familia de Caillebotte, que el realizó los primeros esbozos para este cuadro desde un ómnibus, un medio de trasporte de grandes dimensiones tirado por caballos. Ésta disposición hace que Caillebotte eligiera un ángulo visual que le permitió realizar una pintura casi geométrica.
La imagen se asemeja a una fotografía, ya que capta una instantánea de la vida cotidiana parisina, visible en el transeúnte de la derecha, de espaldas al espectador, aparece cortado su figura, como si de una fotografía se tratara, y no de una pintura concebida con minuciosidad.
a pintura muestra la realidad de los habitantes de París, pero no muestra el París alegre y social como en otras obras de ésta época y estilo; sino todo lo contrario. Los personajes que aparecen en la obra van solos y no posan, sino que discurren por las avenidas de manera rápida y cautelosa; protegiéndose de la lluvia y de los otros transeúntes.
El tratamiento de estos personajes es de lo más natural, los dispone caminando hacia el espectador, para hacernos entrar en el cuadro mediante la perspectiva y la situación cercana a los personajes.  Además, el detallismo de éstos personajes es bastante notable, ya que el resto de figuras tienen rostros difuminados por la perspectiva; por lo que podemos pensar que ambos rostros fueran retratos, aunque se desconoce de quien podría ser.
Otro detalle que no podemos dejar escapar es el relacionado con los personajes; los principales, dispuestos en primer plano, miran hacia su derecha sin que nosotros sepamos a qué o a quien. Incluso visualizando el resto de personajes, destaca que nadie mira a los demás; es decir, no hay una interrelación de personajes, son individualistas. Los personajes caminan por París pensando en sus quehaceres y caminando rápido para evitar mojarse por la lluvia.

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El Realismo fue un movimiento artístico y literario cuyo propósito fue la representación objetiva de la realidad basada en la observación de los aspectos cotidianos que brindaba la vida de la época. Esta contemporaneidad facilitó a los artistas un amplio campo de representación entre 1840 y 1880.

La aparición y desarrollo del Realismo fue fruto de la agitada situación política francesa desde la proclamación de la República, en 1848, hasta el advenimiento de la Comuna de París. Es a lo largo de estos años cuando surgen los movimientos obreros y proletarios que inspiran nuevos sentimientos sociales y nuevas ideas políticas.
El Realismo se caracterizó por su afán de veracidad, al retratar campesinos o trabajadores; su contemporaneidad, al sostener que el único tema válido para el artista era el mundo coetáneo; su compromiso social, al abordar temas que hasta entonces se habían ignorado, en estrecha conexión con la literatura y su variedad de temas: intimistas, familiares, reuniones al aire libre, paisajes rurales y urbanos.