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Esta semana tenemos una actividad más teórica. Primero, ver los vídeos de Jaime Altozano referentes a la escala y a la tonalidad. Algunas de las cosas que explica ya las conocéis, pero no es fácil dominar este tema por completo.

A continuación, veremos el vídeo "Actividad 1" y siguiendo el mismo método que explica, haremos las escalas de La Mayor, Si Mayor y Fa#M. Me mandáis una foto a irmafernandez81@gmail.com.

Para ampliar información, podéis visitar el enlace "Ampliación"

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A partir desta sinxela secuencia harmónica, o alumnado desenvolveu os acordes correspondentes, liñas de percusión e unha ou dúas melodías paralelas utilizando notas reais e extrañas.

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Esta semana faremos música incidental, o que coñecemos como "música de fondo". Neste caso un documental. Partindo desta base harmónica tan sinxela e cunha estrutura INTRO-DESENVOLVEMENTO-CODA, aí vos deixamos as nosas producións.

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MÚSICA PARA UN DOCUMENTAL by Anonimous V

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MÚSICA PARA UN DOCUMENTAL by Anonimous V

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Esta semana traballaremos sobre unha plantilla con estrutura de RONDÓ con introdución e coda. Vede no arquivo as instrucións.

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Tercera semana de confinamento_plantilla e instrucciones

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ESTAMOS DE ESTREA: VISITA O NOSO SOUNDCLOUD

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ESTAMOS DE ESTREA: VISITA O NOSO SOUNDCLOUD

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A partir de agora, podedes ver as novas composicións no noso Soudcloud. Agardamos que vos guste!

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Stream Rondós Confinados, a playlist by Poleiro Music from desktop or your mobile device

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SEMANAS DEL 14 AL 24 DE ABRIL: PUNTO DE PARTIDA

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SEMANAS DEL 14 AL 24 DE ABRIL: PUNTO DE PARTIDA

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Buenas! No sé si habéis descansado algo en estas vacaciones tan raras, pero bueno... Es lo que nos toca.

Ya os imaginaréis que si os doy dos semanas para hacer el próximo trabajo, os lo voy a poner difícil...

Allá vamos:

Os envío una plantilla con la línea de bajo de Negra Sombra. En la plantilla hay también tres modelos-ejemplos de acompañamiento, es decir, que he figurado los acordes en tres tipos de acompañamiento (podría haber cientos!).

1.- Lo primero que tenéis que hacer es una línea de acordes enlazados sobre el bajo que os doy. Tened en cuenta dos cosas:

- La nota que tiene un asterisco (*) significa que no hay que ponerle un acorde especial, es una nota de paso en el bajo.

- Las notas que llevan un sostenido (#) significa que la tercera de ese acorde ha de llevar esa alteración, el sostenido. Eso se refiere a lo que os expliqué en el ejercicio anterior,

" El modo menor tiene, además, una peculiaridad: cuando utilizamos el acorde de V (sobre MI, MI-SOL-SI), el SOL puede O NO aparecer sostenido, es decir, podemos elegir si utilizarlo natural o sostenido. Tened en cuenta que si en el acorde el SOL va sostenido, en la melodía también tendrá que ir. "

Veréis que algunas veces la melodía de Negra Sombra lleva sostenido el sol cuando aparece el V, y otras no. Atentos a eso! En el compás 26, el LA lleva un # debajo. Pues quiere decir que su tercera (do) TIENE que ser sostenido.

2.- Lo segundo, en otra pista, elegir o inventar un patrón de acompañamiento y escribirlo también. Podéis usar en ambas pistas los instrumentos que queráis

3.- Lo tercero, y ahora viene lo bueno: Repasar Negra Sombra con la melódica y cuando esté listo el acompañamiento, tocarla acompañándoos de vuestra propia composición en musescore... Podéis ponerla más lenta si queréis.

Qué me tenéis que entregar? Un musescore con el acompañamiento y un vídeo vuestro tocando acompañados del musescore. El vídeo igual os es más práctico mandármelo al whatsapp.

Consejo: Mandadme primero el musescore, por si hay que hacer alguna corrección. Cuando yo le dé el visto bueno, ya os grabáis tocando y me mandáis el vídeo.

Organizad el tiempo como queráis: por ejemplo esta semana el musescore y la que viene el vídeo... no sé cómo se os pondrá mejor a cada uno. Creo que no tiene por qué ser especialmente fastidioso o agobiante hacerlo. Si lo es, decídmelo. Todos estamos aprendiendo a hacer clases online.

Como siempre, dudas, ruegos y preguntas, por aquí o por el whatsapp.

Adelante, ánimo!

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Varias aclaraciones sobre el trabajo para estas semanas:

- El primer compás de silencio sirve para que cuando os grabéis os dé la entrada.

-Tiene que haber básicamente 3 lineas: la de bajo, la de acordes y la de acordes figurados.

Podéis basaros en los modelos uqe os di en la plantilla o inventaros otros.

- En el compás 21 hay una dificultad añadida: durante los dos primeros tiempos TODOS los SOL deben ser sostenidos (así está indicado) , pero en el último tiempo, cuando el acorde cambia a SOL, TODOS LOS SOLES tienen que ser NATURALES, así que en algunos casos tendréis que poner BECUADROS. Atentos a eso!

Preguntadme TODO lo que necesitéis. No es fácil explicar estas cosas por escrito, así que insistid hasta que logre hacerme entender, vale? (Eso sí, leed las instrucciones con detenimiento, porfa).

Que trabajéis bien!

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Si ya has leído los otros artículos de la serie Piano Fácil, sabrás que para tocar el piano con más facilidad te estoy explicando una serie herramientas que te servirán para tocar cualquier canción en estilos como el pop, rock, bandas sonoras, o piezas de piano contemporáneo como las de Yiruma o Einaudi.

Una vez conoces los acordes y progresiones más utilizadas, el siguiente paso es convertirlas en un acompañamiento un poco más elaborado.

Si te aprendes tres o cuatro patrones diferentes, de tal manera que puedes tocarlos casi sin pensar, tendrás más libertad para centrarte en la parte bonita y reconocible de cualquier pieza musical: la melodía.

Ya sea para interpretar piezas conocidas, o para improvisar las tuyas, conviene que puedas centrar tu atención en tu mano derecha.

ACORDES EN BLOQUE
(Vivo por ella, Everything I do I do it for you, Angels)

Sencillo, ¿no?

Vamos a hacerlo un poco más interesante acentuando el primer tiempo de cada compás. Te propongo algunas variantes.

O podemos darle la vuelta y acentuar el último tiempo, convirtiendo la última negra en dos corcheas.

A lo largo del artículo utilizaré la misma canción para ponerte los ejemplos. Así puedes ver cómo utilizar uno u otro patrón cambia el sentimiento de la canción. He elegido para ello la canción " Vivo Por ella"

ROMPIENDO EL ACORDE EN DOS: EL BALANCÍN
( Imagine)
En el primer ejemplo los cuatro tiempos sonaban igual (salvo pequeñas modificaciones en tempo o matiz). En este caso hay una clara diferenciación entre el primer y el tercer tiempo, y el segundo y el cuarto de cada compás.
El nombre "el balancín" es uno que me he inventado para que podamos referirnos a este tipo de acompañamiento con menos palabras. No es un nombre oficial, la gente no te entenderá si te refieres a él de esta manera. El nombre hace referencia a la manera de tocarlo, que parece que va y viene.

Y como en el ejemplo anterior, vamos a ver un par de variantes.

A LA MANERA "CLÁSICA"

Este tipo de acompañamiento ya da pie a muchísimas variantes:

(The one that got Away)

ACOMPAÑAMIENTO ARPEGIADO

El acompañamiento para piano por excelencia. Cualquier canción de cualquier estilo puede acompañarse de esta manera y sonará fluida, elegante y delicada.

Ojo, que subiéndole la velocidad y/o la fuerza puede dar lugar a interpretaciones muy épicas.

La versión básica es muy sencilla porque no hay cruces de dedos y la mano casi no se mueve. Puede ser un buen truquito cuando necesites un acompañamiento rápido, con muchas notas, pero no quieras complicarte.

Si con el tipo clásico ya había variantes, imagina con este. Te propongo unas cuantas.

El cruce del dedo recomiendo que lo hagas con el dedo corazón (3) y no con el índice (2).

Si en algún momento, quieres continuar el arpegio hacia notas más agudas, debes hacerlo con el corazón. Así que es mejor que te acostumbres a hacerlo siempre con el mismo dedo para que sea algo automático, y no tengas que estar pensando "ahora sí, ahora no".

Una variante que le da un toque bastante potente es sustituir el segundo par de corcheas por una blanca. Esto te permite subir la velocidad sin aumentar la dificultad.

En algunas canciones puedes encontrarte este acompañamiento en forma de tresillo. ( Unchained Melody, What a wonderful wordl)

EXTRAS

A todos los ejemplos que te acabo de dar, se les puede sazonar con lo que llamo "extras". Te nombro aquí algunos de los más útiles

Octava baja

Síncopas

Novenas

Notas pasantes

Pasando a la acción

Para cumplir el objetivo de poder "copiar y pegar" estos patrones en cualquier canción, no vale con conocer la teoría. Tienen que salirte sin pensar. Solo cuando la mano izquierda tiene vida propia, es cuando la mano derecha puede concentrarse en tocar melodías cada vez más elaboradas.

Mi consejo es tocar siempre en la tonalidad de Do Mayor, (y su relativa La menor), y así llegar a dominarla lo antes posible. La dificultad técnica para tocar cualquiera de estos patrones se va multiplicando conforme más alteraciones tiene la armadura, como ocurre con el resto de tonalidades.

Ya llegará el momento de aprender cada vez más tonalidades. Ahora lo que interesa es que te puedas aprender nuevas canciones con menos esfuerzo y más rapidez. E ir saltando de tonalidad en tonalidad supone demasiado esfuerzo extra en este momento.

Tú esfuerzo ahora tiene que enfocarse a construir un repertorio lo más rápido posible, para poder tocar con libertad y sin miedo en cualquier situación. Y para eso no merece la pena complicarse con otras tonalidades porque "Your Song" de (Elton John, por decir una) suena igual de bien en Do Mayor que en Re Mayor.

Por supuesto, tocar en Do Mayor no solo facilita el acompañamiento. También hace que acordes, melodías y embellecimientos se simplifiquen.

Si tocar en Do Mayor simplifica a la mitad, acordes, y simplifica a la mitad melodías, y más de lo mismo en acompañamientos y embellecimientos... Una cuenta rápida nos dice que ¿Te imaginas aprendiendo canciones 8 veces más deprisa?

Otros artículos de la serie "Para tocar piano fácil"...

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Qué acompañamientos practicar para tocar el piano con más soltura

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Si ya has leído los otros artículos de la serie Piano Fácil, sabrás que para tocar el piano con más facilidad te estoy explicando una serie herramientas que te servirán para tocar cualquier canción en estilos como el pop, rock, bandas sonoras, o piezas de piano contemporáneo como las de Yiruma o Einaudi.

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Qué es una ESCALA MUSICAL. La Explicación Definitiva. | Jaime Altozano

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Qué son las TONALIDADES. Tonalidad mayor y menor. | Jaime Altozano

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Como formar escalas mayores con sostenidos.Escalas de Sol Mayor, Re Mayor y La Mayor. Curso Piano 16

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Existen muchas confusiones entre tonos, modos y escalas. Que si tonalidad es lo mismo que modalidad, que si escala y modo son lo mismo, dudas sobre para qué sirve realmente el círculo de quintas... Y no es de extrañar porque Internet está plagado de ejemplos donde se emplean las nomenclaturas de manera errónea, falsos usos sobre ellos, o explicaciones que no aclaran nada. Incluso en las aulas de los conservatorios encontramos alumnos que saben lo que es el círculo de quintas pero no tiene ni idea de cómo utilizarlo o para qué sirve. Y lo mismo con las diferentes escalas, modos, tipos de modulaciones, acordes pivote, etc.

Por eso en Maldito Piano hemos preparado este vídeo y este artículo en el que tratamos de explicarte de forma breve pero sobre todo efectiva, detallada y comprensible, la diferencia entre estos confusos conceptos y su aplicación. Puedes empezar con el vídeo para entrar en materia y luego leer el post para profundizar.

Eso que llaman tonalidad

Comenzamos por el principio. ¿Qué es la tonalidad? ¿Y es o no lo mismo que una escala? ¿Hablamos de lo mismo cuando decimos tonalidad y modalidad? Para dar respuesta a esto y hacerlo de la manera más rigurosa posible, comenzamos consultando una de las fuentes más fiables que existen en la música: El Diccionario Harvard de la Música.

Tonalidad: " Son las relaciones de altura que establece una nota como centro tonal o tónica, con respecto a la cual las notas restantes tienen funciones subordinadas. Existen dos tipos o modos de tonalidad: mayor y menor, y cualquiera de las doce notas puede servir de tónica. Así, existen en principio 24 tonalidades diferentes ". La definición continúa de manera muy extensa y detallada. De hecho en el diccionario Harvard hay ni más ni menos que 3 caras escritas con letras enanas dedicadas a definir la tonalidad.

Por decirlo de una manera más sencilla, la tonalidad es una serie o un conjunto de sonidos que se sostienen de una misma y única nota/sonido principal, que es lo que llamamos tónica. Esa tónica, a su vez, también es la primera nota de la escala relacionada o vinculada a esa tonalidad. El por qué de esto radica en que las sucesiones de notas que se hacen a partir de esa jerarquía que es la tonalidad, le llamamos escala, y todas esas notas deben guardar consonancia con la tónica (la nota más característica de la tonalidad). Pero va a haber diferentes formas de escalas, según cómo se ordenen esos sonidos pertenecientes a la tonalidad.

Diferenciando tonalidad y escala

La principal diferencia entre tonalidad y escala es que la escala, por definición, es una progresión de sonidos ordenados y consecutivos (lo que en el ámbito musical se conoce como grados conjuntos). Por la contra, en la tonalidad importa la relación entre los sonidos, pero estos no tienen por qué aparecer en ningún orden, como sucede con la escala.

Además, cada tonalidad tiene una serie de alteraciones características que la definen para remarcar el orden y las distancias de tonos y semitonos. Esas alteraciones que la hacen única, se conocen como armadura. Así, do mayor no tiene ninguna alteración en su armadura, pero re mayor cuenta con dos sostenidos en su armadura, fa mayor tiene un bemol, sol mayor cuenta con un sostenido, etc.

Una tonalidad tiene siempre dos modos (mayor y menor), esto es que partiendo de la tónica y creando la escala característica de esa tonalidad, se pueden dar dos opciones. La primera de ellas es que entre la primera y la tercera nota de esa escala tengamos un intervalo de tercera mayor (2 tonos) y por tanto estaremos en modo mayor; la segunda opción es que entre esas mismas notas tengamos una tercera menor (un tono y medio), entonces sería el modo menor. También se puede comprobar atendiendo a dónde va colocado el semitono. Si el semitono se localiza entre las notas 3-4 y 7-8, la tonalidad será mayor, mientras que si se encuentra entre las notas 2-3 y 5-6, será menor. Por tendencia, se suele decir que los modos mayores son más alegres y los menores, tristes.

Para mezclarlo todo aún un poco más, cada tonalidad mayor tiene su relativo menor y viceversa. Esto significa que cada tonalidad en modo mayor por naturaleza está firmemente vinculada a una tonalidad en modo menor, con la que comparte la misma armadura. Para averiguarlo, solo debemos restar una tercera. Es decir, si estamos en Do Mayor y descendemos una tercera, llegamos a la (do-si-la) y por tanto su relativo menor sería la menor, que al igual que Do Mayor, no tiene ninguna alteración en la armadura. Lo mismo sucede con re mayor-si menor (2 sostenidos), fa mayor-re menor (1bemol), la mayor-fa #menor (3 sostenidos), etc. No obstante, la cosa no termina ahí. Y es que hay otro concepto al que también llamamos modo y que crea una doble confusión: tonalidad-modalidad y modo-escala.

No es lo mismo tonalidad que modalidad y tampoco es lo mismo un modo que una escala, de la misma forma que modo tampoco es lo mismo que grado.

Según el diccionario Harvard de la música, la modalidad " es un sistema musical basado en la utilización de un modo o modos, en contraposición especialmente a la tonalidad". La definición en el diccionario continúa pero básicamente nos tenemos que quedar con que la diferencia entre tonalidad y modalidad es que mientras que la tonalidad depende directamente de las relaciones existentes entre los sonidos, la modalidad es independiente de estas relaciones y se basa en la distribución o sucesión de los intervalos (distancias entre las notas basada en tonos y semitonos). Justo esta dependencia de la colocación de los intervalos y sonidos siguiendo un orden concreto, es lo que hace que un modo pueda parecer ser lo mismo que una escala, pero de nuevo, habrá que matizarlo, y para eso necesitamos comenzar por explicar lo que son los grados.

Y así, llegamos a los grados

Los grados son cada una de las notas que conforman una escala y se representan con números romanos. Este símbolo es fácil de reconocer porque es simplemente saber qué puesto ocupa en la escala la nota (llamada grado) en la que nos estamos fijando y numerarla con un número romano. Por ejemplo: Supongamos que tenemos la escala de Do Mayor, cuyas notas son do, re, mi, fa, sol, la, si (y si consideramos la octava, tendríamos de nuevo el do). El primer grado es la nota do y se representaría con "I", el segundo grado o "II" sería re, mi es el III, fa el IV, sol el V, la el VI y si es el VII. En el caso de repetir la nota do al llegar al final de la escala, no se pondría VIII, sino I de nuevo, ya que es el mismo grado.

Pero todos estos grados, simbolizados con números romanos también poseen otra nomenclatura y nos servirán a su vez para crear acordes y una "especie diferente de escalas". Dicha nomenclatura es:

I = Tónica

II = Supertónica

III = Mediante o Modal

IV = Subdominante

V = Dominante

VI = Superdominante

VII = Sensible o Subtónica

Cabe recalcar que en el caso del VII grado, que existan dos nombres se debe a que puede tener dos posibilidades de aparecer con dos funciones diferentes. La primera de ellas es que aparezca a distancia de un tono de la Tónica (I grado) y esto sucede principalmente en escalas diatónicas menores. Aquí no hay esa sensación de tensión ni se percibe la necesidad de que se resuelva ese sonido y por eso se llama Subtónica. En cambio, cuando el VII actúa como sensible (y se llama sensible en lugar de subtónica), es porque se sitúa a un semitono (medio tono) de la tónica (I grado) y esa distancia y ese sonido genera una necesidad de resolver y que el siguiente sonido que se escuche sea una tónica. Es decir, genera cierta tensión musical. Esto suele darse principalmente en las escalas mayores.

Dentro de estos grados se va a generar una división en dos grupos en función de la importancia que tengan para la tonalidad o la escala a la que pertenezcan. Recordemos lo que expusimos antes de que todo funcionaba como una jerarquía y si resulta más o menos consonante.

Tipos de grados y su papel a la hora de crear acordes y escalas.

Así tendremos dos bloques: el de los grados tonales y el de los grados modales. La diferencia entre unos y otros es similar a la diferencia entre tonalidad y modalidad, de ahí precisamente que se llamen así.

Los grados tonales son los que por su consonancia sonora musical sirven de base y asientan/definen el sonido de la tonalidad. Y por eso son los más importantes. Tan solo son 3: Tónica (I), Subdominante (IV) y Dominante (V). Y he aquí la progresión que marcó la creación de miles de canciones a lo largo de la historia de la música en todos los estilos que se te puedan ocurrir. ¿Casualidad? No.

En cambio, los grados modales son los que siguen la importancia interválica que explicamos en la modalidad y que no definen el sonido de la tonalidad ni lo refuerzan como sí que lo hacen los grados tonales. Pero precisamente por este motivo son los que nos ayudan a definir el tipo de escala que tendremos delante y no qué tonalidad. Ya que como explicamos antes, para ver en qué modo nos encontramos, veíamos la distancia (intervalo) entre unas notas determinadas, que son justo éstas. Los grados Mediante (III), Superdominante (VI) y Sensible o Subtónica (VII).

Justamente si a partir de estos grados formamos acordes, tendremos la armonía que necesitamos para componer. Los acordes se formarían seleccionando la nota de un grado y superponiéndole terceras, que podrán ser mayores o menores, en función de si el intervalo que conforman tiene 2 tonos o 1 tono y medio. Así, si estamos en la tonalidad de Re Mayor (2 sostenidos en su armadura) y queremos crear los acordes que definan y sostengan la sonoridad característica de su tonalidad, crearemos acordes utilizando como base las notas correspondientes a los grados I-IV-V, que son las notas re-sol-la. Sobre cada una de estas notas superponemos terceras para crear acordes triada y obtenemos re-fa#-la, sol-si-re, y la-do#-mi. Así, ya tenemos las notas del acompañamiento (llamado progresión o secuencia) que más se empleó durante siglos en miles de canciones.

Pero con los grados no solo podemos crear acordes. Y es que a partir de cada una de las notas que conforman una escala, podemos construir un nuevo tipo de escala pero que mantiene las alteraciones de la armadura de la tonalidad original.

¿Escalas o modos?

Para que se vea de manera sencilla la diferencia:

Estamos en Do Mayor, que no tiene ninguna alteración en la armadura y su escala correspondiente es do-re-mi-fa-sol-la-si-do. Pues se puede crear una nueva escala partiendo de re (re-mi-fa-sol-la-si-do-re), que sigue sin tener ninguna alteración. Y ahí ya obtenemos una escala que empieza por re, pero que no es la vinculada a la tonalidad de re mayor, porque no posee los dos sostenidos que tiene Re Mayor. ¿Por qué? Pues aquí tienes la otra diferencia que faltaba por ver: Estamos creando modos y no escalas. En algunos lugares, es lo que se conoce también como escalas modales. De la misma manera que hemos hecho con el re, podemos hacerlo también partiendo de mi (III grado de Do mayor), o de fa, etc. Siempre que mantengamos las alteraciones de la tonalidad originaria, tendremos un modo o escala modal. Y esta diferencia la tienen especialmente presente los músicos de Jazz.

Podríamos extendernos mucho más hablando de los antiguos modos griegos (Dórico, Lidio, etc.) que luego en la Edad Media se retomaron y se transformaron, pasando de ser descendentes a ascendentes, se agruparon en dos subgrupos, y se modificaron algunas relaciones interválicas creando las nomenclaturas conocidas hoy en día de Dórico, Jónico, Frigio, Lidio, Mixolidio, Locrio... Pero estas explicaciones si estás comenzando, te confundirían aún más. Es precisamente por estos parecidos o por las relaciones entre unos conceptos y otros, que la armonía suele ser una de las asignaturas musicales en la que más le cuesta comenzar a los alumnos y alumnas.

Para facilitar todo un poco más, queremos compartir estas imágenes en las que puedes ver todos los posibles acordes que se pueden formar a partir de cada nota y tonalidad, los pasos y las relaciones interválicas existentes para crear las distintas escalas, y cómo no, el famoso círculo de quintas, fundamental para conocer las tonalidades (con sus alteraciones), crear acordes y las relaciones que existen entre unas y otras junto con sus modulaciones (comúnmente conocido como relaciones de tonos vecinos). No te preocupes si esto no te suena, tienes todo explicado detalladamente más abajo, junto a su fotografía.

Visualizando los acordes

Estas son las imágenes que representan los acordes que podemos formar en cada una de las tonalidades existentes. En ellas puedes ver su representación gráfica en la partitura, en cifrado americano, y las notas que se tocarían en el piano o teclado.

El ABC de las escalas y modos

Y lo mismo con la formación de escalas y modos. En las dos tablas tenemos el nombre de la escala, la progresión de tonos (1) y semitonos (1/2) que la forman y el nombre de las notas en cifrado americano. No obstante, en este caso no están escritas en todas las tonalidades y solo verás un ejemplo de cada una. Pero al tener el patrón de cómo crearlas, te será muy sencillo realizarlas en cualquier tonalidad. Por ejemplo: Si la escala menor natural sigue la progresión de Tono, medio tono, tono, tono, medio tono, tono y tono. Podemos partir de re y contar un tono, que sería mi, luego medio tono, que es fa, un tono que es sol, otro tono la, etc. Partiendo de fa: fa-sol# (T)-la(1/2)-si (T)- do# (T), etc.

Segunda tabla de escalas y modos:

El círculo de quintas y sus utilidades

En el círculo de quintas puedes ver que cada quesito de color tiene una tonalidad mayor con su relativa menor, en cifrado americano y con las alteraciones correspondientes de cada armadura. Ojo a que en el círculo se dan dos vueltas y por eso ves dos colores con dos tonalidades y dos modos en cada uno.

Para no liarse, es seguir una progresión de quintas (de ahí su nombre) y que coincide con el orden de los sostenidos (fa do sol re la mi si). Así tenemos el orden del círculo de quintas hacia la derecha. Si girásemos hacia la izquierda, serían cuartas en vez de quintas, y obtendríamos el orden de los bemoles (si mi la re sol do fa). Por esta razón, en jazz suelen referirse a él como círculo de cuartas en vez de círculo de quintas. Pero no te confundas, es el mismo círculo solo que cambiando la dirección en la que se mira.

Si en vez de parar ahí continuásemos girando, llegaríamos a las tonalidades que más temen nuestros alumnos. Estas son las que tienen un número elevado de alteraciones. fa-do-sol-re-la-mi-si-fa#-do#-sol#-re#-la#-mi#-si# (si#=Do). Para facilitarlo, aquí podemos explicar que en música existen las enarmonías. Esto son notas que se llaman de distinta manera, pero que producen el mismo sonido. Es decir, en vez de verlo como si#, podemos decir do, o en vez de do# podemos verlo como re bemol si nos es más cómodo.

Pero ¡sorpresa! el círculo de quintas tiene otra utilidad y no está hecho solo para recordarnos qué alteraciones tiene cada tonalidad o que la menor es el relativo de do mayor. Puedes valerte del círculo de quintas para construir acordes de manera sencilla y sin tener que pensar en las reglas de armonía y contar tonos y semitonos para hacer terceras mayores y quintas justas (en algunos países se llaman perfectas).

Recuerda que el círculo está hecho siguiendo una progresión de quintas justas. Eso es lo primero que necesitas para crear tu acorde: una quinta justa. Así, selecciona la nota base que quieras y mira el siguiente quesito del círculo (recuerda que giramos hacia la derecha): ya tienes tu quinta justa (do-sol, re-la, mi-si..... la que quieras). Ahora solo te falta la tercera para tener tu acorde completo. Si quieres hacer un acorde mayor, la tercera debe ser mayor (2 tonos) y ¿cómo la localizas? moviéndote en diagonal desde tu quinta, es decir, el quesito más pequeño que está debajo de la quinta. Si nuestra quinta era sol, y te fijas en el quesito que está justo debajo, ya tienes el mi. Por tanto, ya tenemos el acorde completo de Do Mayor (DO_MI_SOL).

Si quieres que el acorde sea menor y por tanto con una tercera menor, debes mirar un poco más abajo que para la tercera mayor y partir de la nota tónica en vez de la quinta. Por ejemplo, si partimos de la tónica do, (recuerda que el quesito de al lado ya es la quinta-sol) tenemos que bajar al quesito inferior y vemos el mi bemol o re sostenido si consideramos las enarmonías. Así, ya tendríamos el acorde do-mib-sol.

Pero las utilidades del círculo no terminan ahí. Imagina que ya sabes las tonalidades, las inversiones y los relativos, los acordes... ¿qué te falta para componer? Las modulaciones. ¿Y te acuerdas lo que hablábamos al principio de todo de las consonancias? Pues aquí todo vuelve a estar relacionado.

Dicho de forma rápida y fácil, el círculo te permite saber a qué tonalidades puedes modular y que te suenen siempre bien, es decir, que sean consonantes con tu tonalidad inicial. ¿Cómo? fácil. Cuanto más cerca esté el quesito de la tonalidad a la que quieres ir con el de la tonalidad de la que partes, mejor sonará. Es lo que se conoce como tonos vecinos o tonalidades vecinas. Así, si estamos en Do Mayor, sus tonalidades vecinas (y que mejor sonarán a la hora de modular) serán Sol Mayor y Fa Mayor, que son los quesitos que están justo a su derecha y justo a su izquierda. Además, cuanto más te alejes, menos alteraciones tendrán en común tus tonalidades.

Si te mueves entre tonalidades cercanas, no solo tendrás muy pocas alteraciones de diferencia, sino que obtendrás acordes con notas comunes entre las dos tonalidades y también acordes pivote, que son los que puedes utilizar en ambas tonalidades y te vendrán estupendamente para cambiar de una a otra (por ejemplo: el acorde de V de Do Mayor, es el mismo acorde que el de I de Sol Mayor). Esto es lo que en armonía se conoce como modulaciones diatónicas.

Si te alejases más, ya no tendrías estos acordes pivote o comunes y necesitarás utilizar ciertas transformaciones y cromatismos. Justo por esto, a este tipo de modulaciones se las conoce como modulaciones cromáticas.

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Conceptos musicales: Tonalidad, modalidad, escalas y círculo de quintas.

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Existen muchas confusiones entre tonos, modos y escalas. Que si tonalidad es lo mismo que modalidad, que si escala y modo son lo mismo, dudas sobre para qué sirve realmente el círculo de quintas... Y no es de extrañar porque Internet está plagado de ejemplos donde se emplean las nomenclaturas de manera errónea, falsos usos sobre ellos, o explicaciones que no aclaran nada.

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¿Alguna vez te has encontrado en una situación en la que no te entiendes con el resto de la banda a la hora de indicar una sección de una canción, una parte en concreto, o te indican que empieces a tocar directamente desde el preestribillo y te suena a chino? Pues ésto tiene fácil solución. Lo único que necesitas para tener las nociones básicas para poder referirte a cualquier parte de una canción por su nombre, es conocerlo. En este artículo pretendo enseñarte las nociones básicas y esenciales que te harán la comunicación mucho más fácil con tus compañeros de grupo.

En primer lugar quiero dejar claro que en ciertas ocasiones hay varias posibilidades a la hora de etiquetar una sección concreta, en estas situaciones el resultado definitivo va a ser la conclusión de establecer unas prioridades basadas en la utilidad de dicha sección dentro del contexto de la canción. Quiero añadir, además, que este artículo está enfocado a las canciones y no a piezas instrumentales.

Vamos a familiarizarnos con un primer grupo, el cual podríamos catalogarlo como Las secciones esenciales y básicas de una canción, aunque podríamos añadir algunas más, el resto las dejaremos para un segundo grupo:

1. Introducción / Intro

2. Estrofa / Verse

3. PreEstribillo / PreChorus

4. Estribillo / Chorus

5. Puente / Bridge

6. Solo

7. Final / Outro / Coda

Definiciones:

La I ntroducción de una canción es el elemento con el que se comienza y suele utilizarse para captar la atención del oyente, anticipar algún elemento que posteriormente podremos volver a oír, ser un elemento utilizado para generar un ambiente concreto, o simplemente ofrecer un elemento contrastante. Hay muchas canciones que carecen de Introducción, ya que pueden empezar directamente por una estrofa, un estribillo, o cualquier otro elemento. Por lo que se podría decir que la Introducción no es un elemento obligatorio y no se encuentra en todas las canciones.

La E strofa, generalmente mal llamada verso, ya que el término en sí se utiliza en literatura, para hacer referencia a un conjunto de palabras que forman una frase, y el conjunto de versos formarían la estrofa. Posiblemente este problema tenga la raíz en un mal uso del término en inglés verse, donde podríamos confundirlo por su parecido a la palabra verso en español (False Friends). La E strofa suele presentar un texto cambiante a lo largo de cada aparición en la canción, generalmente suele ser una sección más suave que la del estribillo, a la vez que suele presentar sonoridades más tranquilas y normalmente una menor instrumentación y dinámicas más suaves. Es el elemento principal de una canción. Podríamos señalarlo como el pilar básico para poder catalogar una composición como canción, y existen canciones, donde su estructura está formada únicamente por versos. Un ejemplo podrían ser los cantos trovadorescos o de juglares, en donde se narraban hazañas e historias que se trasladaban contándolas de ciudad en ciudad.

El PreEstribillo es un elemento que no tiene porque estar presente en una canción, pero como su nombre indica, si aparece en las canciones, suele estar antes del Estribillo. Generalmente podríamos reconocerlo por ayudar a "crecer" a la Estrofa y llevarla hasta su punto fuerte en el Estribillo. Puede estar cantado o ser instrumental, aunque generalmente tiene texto y al igual que en los Estribillos, este texto suele repetirse en cada aparición de la sección.

El Estribillo es la parte más pegadiza, fuerte, reconocible y lo primero que nos solemos aprender cuando escuchamos una canción. El texto en esta sección suele repetirse en cada aparición. Generalmente su dinámica es la más fuerte de la canción, suele presentar un ritmo más marcado y una instrumentación más completa o con mayor relleno. Pero, aunque sus características son muy difundidas en la gran mayoría de las canciones, podríamos encontrarnos con casos "diferentes" en donde las estrofas son las "partes fuertes" y rítmicas, y los estribillos ser más melódicos y "suaves", ejemplo de ésto podríamos escucharlo en la canción Chop Suey! de la banda System Of A Down. El Estribillo no es un elemento obligatorio, pero en la música moderna es casi imprescindible su uso, además de recomendable. Al igual que en la Estrofa, el Estribillo suele confundirse con la palabra Coro, y ésto también podría tener su origen en un (False Friends), ya que al Estribillo en inglés se le llama Chorus.

El Puente presenta un "respiro" a la canción, suele ser un elemento que aparece una única vez, y pretende romper con las progresiones armónicas, ritmo y/o tonalidad de la canción para generar un contraste que pueda dar fuerza al regresar a secciones reconocibles o simplemente evitar la monotonía. También suele utilizarse como elemento que unifica secciones que aparecen una o pocas veces en la canción, un ejemplo de ésto último podría ser para dar paso a un Solo tras una Estrofa o un Estribillo. Podrían existir dos o más puentes en una misma canción, pero no tendría sentido que aparecieran siempre de la misma forma. Si ocurriera ésto, deberíamos estudiar su función y la utilidad dentro de la composición en cuanto a su funcionamiento estructural, y valorar si deberían etiquetarse de otra forma.

El Solo suele indicar una sección donde un instrumento coge el protagonismo, puede ser cualquiera de los instrumentos de la banda, ya sea la guitarra, el bajo, la batería, el teclado,... Aunque normalmente suele ser una sección instrumental, podría darse el caso de que el Solo fuera vocal, aunque normalmente esta sección se suele utilizar para dejar reposo al cantante y hacer que un instrumento se luzca, a nivel de expresividad o virtuosismo generalmente.

El Final, Coda u Outro, suele ser la parte de la canción que aparece como último elemento para concluir y cerrar con una cadencia. Aunque para la interpretación en vivo y para el directo se establece como una sección necesaria, no todas las canciones tienen un Final, ya que en ocasiones se reutiliza el Estribillo o un Solo para concluir, y en muchos discos se realizaba un fundido, también conocido como "Fade Out", el cuál consiste en ir bajando el sonido/volumen hasta que desaparezca. El Final debe contener algún elemento nuevo que ayude a generar una tensión extra, añadir fuerza, generar un clímax,... muchas veces se suele utilizar el Estribillo en una tonalidad diferente (generalmente subiendo un Tono), o añadiendo nuevos instrumentos, o incorporando un coro junto a la voz principal.

Aunque las secciones mencionadas anteriormente son las más utilizadas, existen muchas canciones que rompen con un uso básico de las secciones estructurales, y llegan a presentar diferentes tipos de Estrofas, Estribillos,... En estas ocasiones podríamos señalar la diferencia añadiendo un número o una letra que nos sirve para localizar las similitudes, evitando confundirlo con numerar cada estrofa cada vez que aparezca en la canción.

En un segundo grupo podríamos incluir elementos que no son tan habitualmente utilizados o incluso elementos que no se suelen etiquetar por la dificultad a la hora de entender su funcionalidad estructural. En este grupo podríamos incluir secciones estructurales como las siguientes:

En realidad podríamos incluir cualquier elemento que consideráramos lo suficientemente independiente, pero con identidad propia y sentido estructural sólido, aunque no conociéramos un nombre estandarizado.

También tenemos ejemplos en canciones en los que previo a las Estrofas aparece un elemento instrumental o independiente a la estrofa en sí misma. A este elemento, dada su posición podríamos etiquetarlo de PreEstrofa, aunque no es un nombre que se suela utilizar, pero tiene su lógica si lo comparamos con el PreEstribillo. También podrían haber elementos posteriores a la Estrofa y al Estribillo que ocuparan siempre esa misma posición, podríamos etiquetarlos de PostEstrofa o PostEstribillo.

En algunas canciones, además, podemos encontrarnos con punteos o Riff que aparecen reiteradamente, en ocasiones como elemento rítmico con la suficiente fuerza como para valorar si llamarlo Estribillo, ejemplo Smoke On The Water de Deep Purple, y en ciertas ocasiones como elemento estructural de refuerzo o predecesor a otras secciones como podría servir de ejemplo el punteo que precede a todas las Estrofas en la canción Zombie de The Cranberries. En estas ocasiones debemos poner en un balance si es prioritario el Riff como elemento estructural de importancia, o si por el contrario, verlo como elemento complementario.

Una duda que se suele presentar cuando aparece una frase instrumental que se repite a lo largo de la canción en posiciones concretas, es cómo catalogarlas, ya que en ocasiones, el punteo con el que se establece la Introducción de la canción, puede reutilizarse antes de cada Estrofa o Estribillo. Sin embargo, este punteo no es un elemento lo suficientemente importante como para llamarlo Solo, ya que en muchas ocasiones el Solo se suele asociar a una sección con elementos improvisados o con una identidad propia que no suele repetirse de la misma manera a lo largo de una misma canción. En esta situación, podemos llegar a ver cómo en muchos análisis estructurales "modernos" se suele indicar que reaparece una Intro a mitad de la canción, pero al no tener la sustancia de elemento de introducción, no tendría sentido darle este nombre, aunque pudiera servir de ayuda al intérprete al facilitar su reconocimiento. Para tomar una decisión definitiva podríamos valorar si el enfoque del análisis es para ayudar al intérprete, en donde podríamos ver como positivo el etiquetarlo de Intro, o si por el contrario debemos darle una funcionalidad más concreta. Aunque no hay nada establecido para estas situaciones, dada su peculiaridad, podríamos etiquetar estas secciones de "punteo" o darle un sentido asociado a su posición en la canción.

Seguramente puede haber diferencias según la formación musical que haya adquirido cada músico, pero lo aquí expuesto es algo que podríamos señalar como universal, y que podría presentar diferencias en el enfoque o la visión que el propio músico pueda tener a la hora de etiquetar cada sección. Si dos músicos no se ponen deacuerdo en cómo se debe llamar una sección, simplemente debemos buscar la forma de llegar a un consenso y etiquetarlo de cualquier forma que nos permita entendernos, por ello, en muchas ocasiones se suele utilizar lo que se conoce como "Letras de ensayo" o "Números de ensayo", que nos facilitarán el reconocimiento de una sección concreta sin necesidad de ponerle un nombre definido.

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Lo que debes saber sobre las estructuras de las canciones

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¿Alguna vez te has encontrado en una situación en la que no te entiendes con el resto de la banda a la hora de indicar una sección de una canción, una parte en concreto, o te indican que empieces a tocar directamente desde el preestribillo y te suena a chino?

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COMO COMPONER UNA CANCION | Jaime Altozano

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TUTORIAL SENCILLO PARA HACER RITMOS EN MUSESCORE

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TUTORIAL SENCILLO PARA HACER RITMOS EN MUSESCORE

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RHYTHM
Create a rhythm using MuseScore. Requirements: It must have...
- A title and the name of the composers.
- Eight bars.
- A 4/4 time signature.
- A melody (you can use the melody you created in the 1st term).
- A rhythm consisting of a two bar pattern that repeats itself until the end.

RITMO
Cread un ritmo en MuseScore. Requisitos: Debe tener...
- Un título y el nombre de los compositores.
- Ocho compases.
- Una indicación de compás de 4/4.
- Una melodía (podéis usar la melodía que creasteis en el 1er trimestre).
- Un ritmo consistente en un patrón de dos compases que se repite hasta el final.

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RHYTHM Create a rhythm using MuseScore. Requirements: It must have... - A title and the name of the composers. - Eight bars. - A 4/4 time signature. - A melody (you can use the melody you created in the 1st term). - A rhythm consisting of a two bar pattern that repeats itself until the end.

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Versión - homenaxe á obra Negra Sombra, un texto de Rosalía de Castro ao que Xoán Montes puxo música. Sobre a base harmónica da obra o alumnado de Linguaxe e Práctica Musical do IES Celanova Celso Emilio Ferreiro elaborou arranxos e nova melodía.

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Homenaxe a Negra Sombra by Bibliopoleiro

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Versión - homenaxe á obra Negra Sombra, un texto de Rosalía de Castro ao que Xoán Montes puxo música. Sobre a base harmónica da obra o alumnado de Linguaxe e Práctica Musical do IES Celanova Celso Emilio Ferreiro elaborou arranxos e nova melodía.