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Entre pincelada y pincelada, Richard Dadd (pintor victoriano) concibió la inquietante idea de que su padre era la reencarnación de un diablo. Durante un paseo estival por el campo en 1843 lo mató a cuchilladas. Se fugó. Poco después la policía lo apresaba en Francia. Harto de reivindicar sin que nadie le hiciera el menor caso que él, en realidad, era San Pablo, a principios de 1790 John Frith intentó agredir al rey George III de Inglaterra con una piedra. La última gota de energía que quedaba en las venas de Eliza Josolyne se congeló en el invierno de 1857. Única sirvienta en una casa con una veintena de cuartos, Josolyne (de 23 años) tenía que encargarse de que todos los rincones estuvieran limpios y ordenados. Cuando en enero le ordenaron además que mantuviese vivos los 20 fuegos que calentaban su débil equilibrio saltó por los aires.
Las historias de Richard, John y Eliza tienen personajes, escenarios y fechas distintos, pero comparten el mismo final: el Bethlem Royal Hospital, uno de los psiquiátricos más famoso del mundo y el que más ha contribuido a crear el mito del manicomio de pesadilla. También uno de los más antiguos. Desde su fundación, en el siglo XIII, y hasta que entre el XVIII y XIX empezaron a modernizarse sus terapias, el sanatorio londinense dejó capítulos funestos.

Durante años más que un hospital fue casi un "zoo humano", una galería a donde los ricos de Londres acudían en tropel para (previo pago de un chelín por entrada) disfrutar del espectáculo de los "locos". En 1681 los gobernantes se referían sin sonrojo a los pacientes como "lunatickes", una mezcla de "lunático" y "tickets". A la humillación pública se sumaban un trato cruel y condiciones deplorables.

La leyenda negra del Bethlem se ha replicado mil veces en la literatura y en 1946 inspiró a Mack Robson para su película Bedlam, Hospital Psiquiátrico. Hoy es un centro respetado en Reino Unido, pero aún no ha conseguido sacudirse del todo ese pasado funesto.

De vez en cuando asoma desde la esquina más insospechada. Hace cinco años los obreros que trabajaban en el Crossrail de Londres (un tren subterráneo para mejorar la comunicación de la City) se toparon con una sorpresa poco agradable: huesos. Un montón de huesos humanos. Al investigar se descubrió que pertenecían al antiguo cementerio del psiquiátrico. Entre las fosas comunes con internos del Bethlem y los cadáveres que dejó la peste negra se calcula que podría haber 4.000 esqueletos.

Bethelem, el remoto origen de todo

El origen del psiquiátrico se remonta a 1247. Simon FitzMary, antiguo alguacil de Londres, donó un terreno en Bishopsgate para levantar un asilo al que se bautizó Priory of St. Mary of Bethlehem. De ese nombre derivaron las abreviaturas Bethlem y Bedlam, hoy sinónimo de alboroto y caos. En esa ubicación se alza ahora la estación de Liverpool Street. Décadas después el centro ya aparece citado como hospital y hacia 1400 acogía pacientes internos. En 1547 Enrique VII tomó la decisión de entregarlo a la ciudad de Londres para que acogiese a sus enfermos mentales.

A lo largo de los siglos y a medida que su actividad aumentaba, el psiquiátrico fue cambiando de lugar. Cuando en 1676 el antiguo edifico medieval se quedó pequeño, el hospital se mudó a uno nuevo y opulento situado en Moorfields. Su creador, Robert Hooke, quiso que fuera el Versalles de Londres y tiró la casa por la ventana: proyectó una fachada de 165 metros de largo, columnas corintias, torre con cúpula, jardines... "Era un contraste: esa grandiosa fachada y lo sombrío de su interior", explicaba en 2017 a la BBC Mike Jay, autor de This Way Madness Lies.

Grandioso, pero una ruina total. La pesada fachada no tardó en resquebrajarse y el hospital sufrió graves filtraciones. Escritores como Thomas Browne dudaban de si los "locos" eran los internos o los responsables de aquel despropósito.

El psiquiátrico se trasladaría aún dos veces más. En 1815, a St. George´s Fields, en Southwark, a un inmueble que desde 1936 ocupa el Imperial War Museum. Y en 1930 a Beckenham, su ubicación aún hoy. Durante su periplo pasó por todo tipo de manos. Hacia finales del siglo XVI, Jaime I puso al frente del hospital a su médico Helkiah Crooke. Se sospecha que el galeno era tan bueno con el bisturí como con la saca. En 1632, una década después de asumir el cargo, fue retirado entre acusaciones de corrupción y de descuidar sus obligaciones.

Bethlem no es recordado sin embargo por el estridente proyecto de Hooke o las corruptelas de sus responsables. Lo es por las cadenas, encierros y castigos que padecían los pacientes. No siempre del mismo modo. Hacia finales del siglo XIX entre sus paredes se "recetaba" la terapia de rotación, una práctica supuestamente inspirada en las teorías de Erasmus Darwin, abuelo del famoso naturalista autor de El origen de las especies: sentar al paciente en una silla suspendida en alto para que girase y girase durante largas sesiones.

A lo largo del XVIII tampoco eran extraños los baños fríos o grilletes. De Edward Wakefield (pionero en la colonización de Nueva Zelanda) se cuenta que hablaba horrorizado de los hombres desnudos, hambrientos y encadenados a las paredes que se topó durante una visita a Bedlam en 1814.

Atracción de feria para la burguesía

Por un chelín los visitantes podían recorrer el psiquiátrico como si de un zoo se tratara. Durante al menos un período, los internos se exponían al público. Tampoco era inusual que se les permitiese azuzarlos. "En aquella época (1610) no había nada extraño en animar tal espectáculo: visitar Bethlem era visto como algo edificante por las mismas razones por las que lo era asistir a los ahorcamientos", explica a la BBC Jonathan Andrews, autor de The History of Bethlem. La tradición asegura que por los pasillos del funesto sanatorio llegaron a pasar hasta 96.000 visitantes en un solo año.

Por el psiquiátrico pasaron también diferentes personalidades. En 1732 el pintor William Hogart empezó una serie de ocho lienzos que terminaría dos años después y en los que se puede seguir el declive de Tom Rakewll, un bon vivant que dilapidó la abultada herencia de su padre en el juego, prostitutas y una vida lujosa. La serie termina con Tom consumido y desesperado en una lúgubre sala de Bedlam.

Los magnicidas (todos frustrados) Edward Oxford y Margaret Nicholson fueron recluidos igualmente en el sanatorio. El centro "alojó" incluso a artistas reconocidos, como Dadd, Louis Wain o Jonathan Martin. Durante varios años fue el hogar del dramaturgo Nathaniel Lee.

Con el paso del tiempo las prácticas en Bedlam fueron modernizándose. En 1684 el brillante médico y anatomista Edward Tyson asumió su dirección y decidió aplicar mejoras: contrató enfermeras y creó un fondo para ayudar a los pacientes más pobres, que no tenían ni para ropa. En 1852 la llegada del doctor William Charles Hood fue igualmente decisiva para el cambio de rumbo. Durante diez años trabajó con intensidad con el fin de mejorar las condiciones del psiquiátrico y, en especial, para que se segregase a los criminales dementes.

Sus orígenes en el siglo XIII convierten a Bedlam en uno de los psiquiátricos más antiguos del mundo. Algunos autores consideran que es el pionero, aunque esa afirmación está lejos de suscitar unanimidad. El catedrático de Psiquiatría J.J. López-Ibor sostien e, por ejemplo, que ese honor lo ostenta un hospital fundado por el padre Jofré en Valencia en 1410. La clave, explica, es que tras sus paredes "los internos eran considerados enfermos y sus actividades estaban destinadas a aliviarlos y, cuando eso era posible, curarlos".

Aunque St. Mary de Bethlehem se puso en marcha en 1247 y albergaba personas con patologías mentales ya desde 1377, no sería hasta 1473 cuando se les empieza a dar "asistencia propiamente médica". Si fue siempre de calidad o humanitaria hasta el XVIII... Esa es otra cuestión.

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La infausta historia de Bethlem, el psiquiátrico que exponía a los enfermos mentales como un zoo

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Entre pincelada y pincelada, Richard Dadd (pintor victoriano) concibió la inquietante idea de que su padre era la reencarnación de un diablo. Durante un paseo estival por el campo en 1843 lo mató a cuchilladas. Se fugó. Poco después la policía lo apresaba en Francia.

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Quadro do pintor Tony Robert-Fleury (1837-1912), retratando Philippe Pinel desacorrentando pacientes no Hospital de Salpetriere, em Paris. O ato de Pinel representou um marco na história da psiquiatria, quando loucos passaram a ser tratados como pacientes e não mais como vagabundos e m arginalizados. Nascia a psiquiatria enquanto especialidade médica, a mais antiga das especialidades clínicas.

Notabilizou-se por ter considerado que os seres humanos que sofriam de perturbações mentais eram doentes e que ao contrário do que acontecia na época, deviam ser tratados como doentes e não de forma violenta. Foi o primeiro médico a tentar descrever e classificar algumas perturbações mentais.

"Eu não posso evitar de dar aqui o meu voto mais decidido em favor das qualidades morais de maníacos. Eu não tenho onde conheceu, com exceção de romances, com os maridos fonder, os pais mais afetuosos, mais apaixonada ... que no manicômio, durante seus intervalos de calma e razão. "

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Philippe Pinel desacorrentando pacientes no Hospital de Salpetriere, em Paris

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Quadro do pintor Tony Robert-Fleury (1837-1912), retratando Philippe Pinel desacorrentando pacientes no Hospital de Salpetriere, em Paris. O ato de Pinel representou um marco na história da psiquiatria, quando loucos passaram a ser tratados como pacientes e não mais como vagabundos e m arginalizados. Nascia a psiquiatria enquanto especialidade médica, a mais antiga das especialidades clínicas.

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Navio dos loucos ou nau dos insensatos, é uma antiga alegoria que começa a aparecer na cultura ocidental nas artes visuais e na literatura, entre os séculos XV e XVI, que descreve passageiros loucos num navio, que não sabem e nem se importam para onde vão.

Segundo o filósofo francês, Michel Foucault (1926-1984), em seu livro 'História da Loucura na Idade Clássica' (1961), o navio dos insensatos seria um símbolo da consciência viva do pecado e do mal na mentalidade medieval e nas paisagens imaginativas da Renascença, quando a loucura começa a assombrar a imaginação do homem ocidental.

Essa temática pode ser encontrada em diversas obras deste período, como nas pinturas ' Navio dos loucos' de Hieronymus Bosch (~1490) e ' Margot a louca' de Pieter Brueghel (1564), e as obras literárias ' Stultifera Navis' de Sebastian Brant (1494) e ' Elogio da loucura ' de Erasmo de Roterdã (1509).

A pintura ' Navio dos Loucos', do artista holandês Hieronymus Bosch (1450-1516), feita em óleo sobre madeira, por volta de 1495, apresenta uma crítica, de forma alegórica, sobre os costumes da sociedade da época: a devassidão e a profanidade, inclusive no clero, o jogo e o álcool. Entre os protagonistas estão uma monja franciscana e um clérigo pobre e transgressor, que se encontram distraídos. Esta pintura foi feita num período de grande crise religiosa e social.

O livro ' A nau dos insensatos' (Stultifera Navis ou Narrenschiff), escrito por Sebastian Brant em 1494, apresenta críticas e ironiza a sociedade de seu tempo sob a forma de um longo poema satírico, revelando um panorama dos costumes do final do século XV: os seresteiros noturnos sendo repelidos da janela com o conteúdo dos pinicos, a falsificação de dinheiro e a adulteração do vinho, o mensageiro bêbado que não consegue se lembrar da notícia a ser transmitida, os fiéis que levam para a igreja seus cães perdigueiros e gaviões de caça, a mania de falar ofensas e lançar maldições, entre outros.

Na obra de Brant, um grupo de loucos embarca em uma nave para Narragonien, a terra prometida dos insanos, e, antes do naufrágio, chegam a Schlaraffenland, a terra da riqueza. A obra possui diversas ilustrações em xilogravura, numa delas se vê escrito "A nau dos insensatos - Rumo à Insensatolândia! - Sejamos todos alegres - Segui por aqui - A bordo! A bordo, irmãos! Vamos partir! Vamos partir!".

Esta foi uma das primeiras obras ricamente ilustradas a ser impressa em língua alemã no século XV e uma das mais populares. Após sua primeira edição, impressa em 1494, a sátira de Brant sobre a insensatez humana tornou-se um "best-seller" europeu. Em 1574, mais de 40 edições do texto haviam sido feitas, incluindo traduções para o latim, o francês, o inglês, o holandês e o baixo-alemão.

O texto descreve uma viagem fictícia por mar de 112 insensatos, cada um representando um certo tipo de conduta humana, para a terra prometida de "Narragônia". A sucessão de insensatos é liderada pelo leitor tolo: convencido de sua aprendizagem, ele está empenhado em espantar as moscas que zumbem em torno de sua mesa abarrotada de livros que ele não abre para ler.

Brant não critica tanto a insensatez, mas o fato de permanecer insensato por não reconhecer as próprias falhas. Uma das razões para o grande sucesso da obra foi, sem dúvida, as xilogravuras de alta qualidade que introduzem e complementam o texto. Entre os artistas que colaboraram com Brant nesta obra está o pintor e ilustrador Albrecht Dürer (1471-1528).

Nesta sua nave simbólica, o autor acolhe os loucos de todas as categorias e promove um desfile das fraquezas humanas. Uma das estrofes diz: "É melhor seguir sendo laico do que comportar-se mal dentro das ordens". Há muitas semelhanças entre o livro e a pintura de Bosch, e é bem possível que o pintor se tenha baseado no poema.

A nave dos loucos era tanto um tema pictórico como também uma prática social, onde os loucos eram retirados dos centros urbanos e embarcados para navegar sem rumo. A água era tida como meio de purificação da animalidade de uma natureza secreta do ser humano.

A água e a navegação têm realmente esse papel. Fechado no navio, de onde não se escapa, o louco é entregue ao rio de mil braços, ao mar de mil caminhos, a essa grande incerteza exterior a tudo. É um prisioneiro no meio da mais livre, da mais aberta das estradas: solidamente acorrentado à infinita encruzilhada. É o Passageiro por excelência, isto é, o prisioneiro da passagem. E a terra à qual aportará não é conhecida, assim como não se sabe, quando desembarca, de que terra vem. Sua única verdade e sua única pátria são essa extensão estéril entre duas terras que não lhe podem pertencer.
(Michel Foucault, em 'História da loucura na Idade Clássica')

Por Bruno Carrasco.

Referências:
BRANT, Sebastian. A Nau dos Insensatos. São Paulo: Octavo, 2010.
FOUCAULT, Michel. História da Loucura na Idade Clássica. Gallimard, 1972.
FRAYZE-PEREIRA, João. O que é Loucura. São Paulo: Brasiliense, 2002.

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Navio dos loucos ou nau dos insensatos, é uma antiga alegoria que começa a aparecer na cultura ocidental nas artes visuais e na literatura, entre os séculos XV e XVI, que descreve passageiros loucos num navio, que não sabem e nem se importam para onde vão.

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(G7) PARA UM OLHAR CRITERIOSO - DEMASIADO JUÍZO: A MAIS SEVERA LOUCURA

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(G7) PARA UM OLHAR CRITERIOSO - DEMASIADO JUÍZO: A MAIS SEVERA LOUCURA

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Social crusader? Or just another artist trying to paint away his demons? In this case, Goya gives us little of both.

The Madhouse is one of two paintings by Goya set in the bowels of an asylum. His earlier painting, Yard with Lunatics was created sometime between 1793 and 1794, about a year after he had taken ill with the mysterious (possibly STI related) disease that left him isolated and incapacitated for months and essentially deaf for the rest of his life. Obviously the dude had some stuff on his mind (like lots of new voices and sounds), madness understandably being one of them.

It is estimated that he painted The Madhouse between 1812 and 1819. Poor Goya still hadn't, and never would, escape the melancholy fear of madness that his earlier illness brought about. In this scene, as in his earlier depiction in the yard, we see a variety of figures meant to represent everyday characters left to wallow in insanity. There is a soldier (or at least someone who thinks he's a soldier) and even a nice clergyman blessing the viewer. We can understand that no matter who you are, you too can be deemed crazy and thrown in the snake pit. This was one of Goya's biggest fears. The dude was obsessed with the grotesque side of human nature because he was scared s@*#less that he would wind up like the people he painted. And trust me, he had good reason to fear asylums.

In 1790, just a few years before Goya painted Yard with Lunatics the French National Assembly proposed The Declaration of the Rights of Man and Citizen which, despite the freedom it's title may imply, essentially deemed anyone thought to be mad a criminal. Thusly, people with mental illnesses were locked away, often chained to walls in communal rooms where they were left to their own devices or beaten into submission. Goya's familiarity with such scenes was drawn from childhood visits to the local asylum (fun for the whole family!) and later inspections of the madhouse in Saragossa. The asylum in Saragossa was thought to be extremely humane because it didn't forcibly constrain its occupants on a 24 hour-a-day basis. What gentle patient care. It can be assumed that Goya therefore painted these images in order to draw attention to the horrific treatment of mental patients...and in hopes that he wouldn't end up like them.

The Madhouse ( Casa de locos) or Asylum ( Manicomio) is an oil-on-panel painting by Francisco Goya. He produced it between 1812 and 1819. It shows a mental asylum, with its inhabitants in many different poses.

Marked by Piranesian and claustrophobic architecture, the painting's only light source is a barred window high up on the wall, clearly meant to repress the figures below. These figures are distinct characters, all engaged in grotesque and pitiable behaviour - one wears what seems to be a wild-feathered headdress, another is fighting in a tricorne hat, another makes a gesture of blessing to the viewer, whilst many of the others are naked.

The subject of psychiatric institutions was a hot topic in the salons of the Spanish Enlightenment and so this painting could be meant as a denunciation of then-current practice in that area. Even if it is not, Goya was always attracted to representing madness, deformity or perversion. Some of the figures can also be interpreted allegorically, as a gallery of parodies of powerful figures in society, such as the clergy or the army (the man in the tricorne). It develops the topic of 'the world of dreams' ('mundo al revés') and is related to Goya's engravings series Los disparates.

Goya had already touched on the issue in his 1793 painting Yard with Lunatics, but The Madhouse shows greater variety, with less mad, less picturesque, more individualised and more characterised figures, shown more humanity and clearly marked as poor victims of marginalisation and rejection.

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The Madhouse is one of two paintings by Goya set in the bowels of an asylum. His earlier painting, Yard with Lunatics was created sometime between 1793 and 1794, about a year after he had taken ill with the mysterious (possibly STI related) disease that left him isolated and incapacitated for months and essentially deaf for the rest of his life.

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(G9) SEDATION - PSICOFÁRMACOS: SOLUÇÃO OU NOVO PROBLEMA?

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(G9) SEDATION - PSICOFÁRMACOS: SOLUÇÃO OU NOVO PROBLEMA?

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Jacob Lawrence's Sedation is an eerily honest view of the harsh reality of a psych ward and the patients that reside within it.

Lawrence was the African American artist with the most clout during the early to mid-20th century. He was that dude. He reached heights of popularity that other African American artists had yet to reach, and he did so while lifting others up. His most well-known work, the Migration Series, is a collection of paintings portraying the great migration of African Americans from the south to the north and midwest. No matter what he was working on, he made it a point to paint people that were otherwise underrepresented, often black and brown people. His unique style included vibrant colors and vivid scenes in an effort to convey the experiences of these voices in ways that were fresh and new.

That's what makes Sedation such a standout in Lawrence's work. It's not vibrant and it's not black and brown people. But it is still giving a voice to the type of person who is often ignored: people with mental illness. Sedation is a subdued & raw look into what living inside a mental asylum looks and feels like. Jacob Lawrence spent almost a year inside the Hillside Hospital in Queens when he checked himself in for depression in 1949. So although this sticks out in regards to the rest of his works, this still very much came from the same perspective.

Sedation incorporates a familiar Lawrence aesthetic with it's abstract feel and it's incorporation of Social Realism within its themes. But the overall vibe is glaringly lacking his signature Lawrence liveliness. As I'm sure you can see, the subjects of this scene are psychiatric patients, who've been bogged down mentally and physically by the overbearing routine of their everyday lives. They've all got the same expression as well, which I'm sure was done on purpose. The hunched backs and matted hair coupled with the dull, emotionless drawn out faces are just one of the ways to convey the sorrow and drudgery of life in this facility.

Sedation poses an important question: is it mental illness, or the treatment of mental illness that truly subdues you? These patients look like they've been through it. They look like they've been in this vicious cycle for a while now. And they gather around their enclosed pills with both a willingness and a reluctance to take them. It's a sad dichotomy. We don't see what choice they end up making, but it's important to note that the pills are not as accessible as they'd be if they were sitting in a bottle on the table. The pills residing behind glass represent a barrier that these patients have to cross if they choose to take the pills. If they don't take them, they might be locked up in a room in a straight jacket due to erratic behavior. They'd be mentally a lot freer. But physically not so much. And if they take the pills, they might get to have time outside their rooms, playing board games, watching television, or just simply interacting with other humans. But there'd be a lingering fogginess, impossible to shake, until the next time it was time to decide whether they want to take their pills.

When you really look at it, Sedation isn't all that different than Jacob Lawrence's other work. It just looks different. Lawrence painted from a particular perspective, and it was always in an effort to let people in on other points of view.

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Lawrence was the African American artist with the most clout during the early to mid-20th century. He was that dude. He reached heights of popularity that other African American artists had yet to reach, and he did so while lifting others up.

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(G3) A persistência da memória- o surrealismo e a psicanálise

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(G3) A persistência da memória- o surrealismo e a psicanálise

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Salvador Dali and Surrealism - The KAZoART Contemporary Art Blog in 2020 | Salvador dali paintings, Dali paintings, Famous art paintings

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Jan 10, 2020 - KAZoART explores Salvador Dali and the Surrealists movement on contemporary painting and KAZoART artists in particular

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G6 - “A pedra da loucura só está na cabeça do outro?”

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G6 - “A pedra da loucura só está na cabeça do outro?”

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En el centro de una superficie rectangular el Bosco trazó un círculo en cuyo interior representó la escena de la Extracción de la piedra de la locura. El pintor creó un espejo en el que se pudiera ver la necedad y la locura humana y lo situó en el mundo rural, opuesto al de la nobleza y la vida urbana; de ahí que ambiente la escena en el campo, en medio de un paisaje. Como se hacía en las miniaturas, dispuso alrededor del círculo una decoración de lazos dorados sobre fondo negro y una inscripción en letras góticas, también doradas, en la parte superior: Meester snijt die keye ras (Maestro, quítame pronto esta piedra); y en la parte inferior: Myne name is lubbert das (Mi nombre es Lubbert Das).

La tradición popular asociaba la locura a una piedra alojada en el cerebro. Tomando la metáfora en sentido estricto, los más ingenuos trataban de librarse de esa supuesta piedra haciendo que se la extirparan. El Bosco representa la escena al aire libre, sobre un pequeño promontorio que se alza sobre una llanura con dos ciudades en la lejanía. Muestra al paciente, un campesino, viejo, gordo y desprovisto de sus zuecos, atado a un sillón. El charlatán o falso cirujano que hace la operación lleva un embudo invertido en la cabeza. Es el símbolo del engaño, que pone al descubierto que no es un sabio, sino un estafador. En lugar de bolso, lleva colgado del cinturón una jarra, del tipo de las de gres vidriado de Aachen o Raeren que tantas veces representó el Bosco en sus obras. Lo que extrae de la cabeza del paciente no es una piedra sino un tulipán de lago, una especie de nenúfar como el que está depositado en la mesa, resto de una operación anterior. Aunque generalmente se juzga como un símbolo del dinero que va a obtener el charlatán del incauto, al tratarse de una flor algunos lo han interpretado en clave sexual, como hizo Arias Bonel. En ese caso, lo que haría el cirujano, más que curarle la locura al paciente, es castrarle, anular su deseo sexual -la lujuria- y, por tanto, devolverle a los cauces de la sociedad y de la moral cristiana. Contribuye también a reforzar esta idea el nombre del paciente, Lubbert Das, que algunos traducen como tejón castrado. El tejón ( das) se considera perezoso, al ser una criatura nocturna que duerme de día. Lubbert es un nombre masculino que se usa también como apodo para una persona gorda, perezosa y estúpida, mientras que el verbo lubben significa castrar. Además, también el bolso que cuelga de la silla, atravesado por una daga, tiene un significado erótico, sexual.

Con esta obra el Bosco obtiene un nuevo logro al transformar un dicho popular en una imagen. Además, al disponer en torno a ella el texto caligráfico y los elementos decorativos que lo enlazan -y que algunos denominan lazos de amor-, la convierte en un juego visual y verbal. Ese juego de palabras e imágenes -que se complementan mutuamente- se hace más complejo al constatar que lo que se extrae del paciente es una flor, con su consiguiente alusión a la lujuria. La novedad de la concepción de esta obra, con ese juego de palabras e imágenes, y la forma de materializarla, con elementos formales inspirados en la miniatura y en los escudos de armas ceremoniales, no dejan lugar a duda de que fue ideada por el Bosco.

El comitente de este ejemplar del Prado fue Felipe de Borgoña (1464-1524), hijo ilegítimo del duque Felipe el Bueno, que fundó la orden del Toisón de Oro, a la que el bastardo de Borgoña perteneció desde el capítulo decimosexto celebrado en Bruselas en 1501. Todo apunta a que debió ser él quien mandó hacer al Bosco una obra en la que se evocaran los escudos de armas de la orden de la que no solo era miembro, sino el hijo del fundador. Más aún, es más que probable que diera al Bosco algunas especificaciones, distintas a las habituales, respecto a cómo debía hacer la pintura y que justificarían el modo en que el artista la llevó a cabo, como que la superficie fuera lisa, sin textura pictórica ni empastes, como la de los escudos.

Por lo que afecta a su datación, la información que proporciona la dendrocronología confirma que la tabla pudo hacerse a partir de 1488. No obstante, a juzgar por su estilo, y teniendo en cuenta que Felipe de Borgoña ingresó en la orden del Toisón de Oro en 1501, lo más probable es que el Bosco la realizara entre ese año y 1505. El Bosco utilizó para el soporte madera de roble del Báltico, y sobre él dispuso el aparejo de creta habitual tanto en la pintura flamenca como en el resto de sus obras. El dibujo subyacente se hizo en una primera fase con un material seco ligeramente graso, con la pretensión de que no trepara a la superficie, como sucedía cuando se utilizaba un medio líquido. Todo parece apuntar a que el Bosco actuó así porque su objetivo era que no se percibiera a través de ella el dibujo subyacente, como sucede con los escudos de armas de la orden del Toisón de Oro que estaba evocando. En una segunda fase del dibujo subyacente el artista utilizó un medio líquido para reforzar contornos, plegados y trazos de modelado. Sin embargo, en lugar de valerse del negro grisáceo habitual, empleó en cada caso el color que iba a aplicar en las capas pictóricas. Al no llevar negro, estos trazos no se pueden ver en el dibujo subyacente y tampoco deberían apreciarse en superficie si no fuera por el desgaste de la capa pictórica.

En conclusión, podemos afirmar que existen continuos ajustes en la composición realizados en el dibujo subyacente en dos fases, una primera en seco y otra posterior con un medio líquido. Tampoco faltan divergencias entre la fase de dibujo y la de color, aunque sean menores que en otras obras. Es evidente que la superficie es más lisa de lo habitual, pero, respecto al paisaje, no se producen variaciones. El modo de hacer las lejanías coincide con el de otras obras del Bosco, como se puede apreciar en el fondo de la tabla central del tríptico del Carro de heno ( P02052). Estas variaciones responden a la forma con la que el pintor hizo frente al reto que se le planteaba. Para ello no dudó en emplear un material seco para el primer dibujo y luego uno líquido y con el color de la capa pictórica para el segundo, a fin de lograr que no trepara a la superficie, que en origen fue más esmaltada de lo que se muestra en la actualidad a causa de los desgastes (Texto extractado de Silva, P.: El Bosco. La Exposición del V Centenario, Museo Nacional del Prado, 2016, pp. 356-363).

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La extracción de la piedra de la locura - Colección

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En el centro de una superficie rectangular el Bosco trazó un círculo en cuyo interior representó la escena de la Extracción de la piedra de la locura.

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(G2) Hospital ou cárcere? - Emygdio de Barros e o legado de Nise da Silveira

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(G2) Hospital ou cárcere? - Emygdio de Barros e o legado de Nise da Silveira

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Litografia imperial de Eduardo Rensburg, de 1856, mostra a fachada do Hospício de Pedro II.
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Navio dos Loucos, 1490 - 1500 - Hieronymus Bosch - WikiArt.org

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(G10) Torrente de Loucos: o retrato do Holocausto Brasileiro

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(G10) Torrente de Loucos: o retrato do Holocausto Brasileiro

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Composition in black and white. Dark and contour lines areas. Composition representing eight faces spread over the entire area of ​​support. All are set for coarse and schematic facial features, finding himself very wide eyes, noses represented by a triangle and almost all mouths ajar and thick lips. In front are four faces, three front and one profile to the left; further back are four more, this part covered by the front, seeing-especially the eyes. Areas with intersecting lines and areas of small squares suggest the clothes of the people.

Explore museums and play with Art Transfer, Pocket Galleries, Art Selfie, and more

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Torrent of Lunatics - Candido Portinari - Google Arts & Culture

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(G1)  "Dementis convitia nihil facias"  (A palavras loucas, orelhas moucas) - pintura de Maurício Takiguthi.

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(G1)  "Dementis convitia nihil facias"  (A palavras loucas, orelhas moucas) - pintura de Maurício Takiguthi.

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(G5) A Noite Estrelada - Vincent van Gogh 

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(G5) A Noite Estrelada - Vincent van Gogh 

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Vincent van Gogh. The Starry Night. Saint Rémy, June 1889 | MoMA

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Vincent van Gogh. The Starry Night. Saint Rémy, June 1889. Oil on canvas. 29 x 36 1/4″ (73.7 x 92.1 cm). Acquired through the Lillie P. Bliss Bequest (by exchange). 472.1941. Painting & Sculpture

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FRIDA KAHLO: PARA QUE PÉS, SE TENHO ASAS PARA VOAR?

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FRIDA KAHLO: PARA QUE PÉS, SE TENHO ASAS PARA VOAR?

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Frida Kahlo, pintora y poetisa mexicana, pareja del famoso muralista, Diego Rivera, sufrió enormes dolores durante su corta vida, quien a pesar de ser considerada una de las mujeres más adelantadas a su tiempo en cuanto a la consideración del arte, tuvo que sobrellevar los estragos de una horrible enfermedad actualmente conocida como fibromialgia.

¿Te imaginas vivir con dolor y fatiga durante toda tu vida sin saber a ciencia cierta que es lo padeces? A Kahlo le ofrecieron un sin fin de diagnósticos, como la tuberculosis o la sífilis, entre muchos otros, ya que en su tiempo la fibromialgia no era conocida por la mayoría de los médicos.
El terrible accidente que marco la vida de Kahlo
A los 18 años, Frida regresaba de la escuela cuando un tranvía arrolló y destruyó por completo el autobús donde viajaba; Kahlo yacía en la plataforma del camión llena de sangre en donde un trozo de hierro atravesaba su espalda.

De acuerdo con el diagnóstico de los médicos, el accidente propició que la columna de Frida se partiera en 3 lugares de la región lumbar, dos costillas rotas, su pierna derecha tuvo once fracturas, su hombro izquierdo dislocado, su pelvis rota, su pie derecho dislocado y aplastado también; además, hubo algo peor, el pasamanos del autobús se ensartó a nivel de su abdomen. Después del accidente, la pintora se sometió alrededor de 30 cirugías para reparar su columna.
El doloroso proceso de "recuperación"
Tras diversas cirugías ortopédicas en la columna vertebral, Frida utilizó por largos periodos de tiempo un corsé de yeso o metal con el fin de reparar su espalda, a raíz de ello y postrada en cama, se pasaba horas estudiando libros de arte, fue en este punto de su vida donde decidió dedicarse a la pintura.

De hecho, en su diario se encontró un dibujo donde la pintora mexicana se mostraba así misma desnuda con 11 flechas distintas en diferentes partes de su cuerpo donde señalaba las zonas de dolor anatómicamente llamados "puntos sensibles" dentro del diagnóstico de la fibromialgia.

Investigadores encontraron sorprendente que Frida tuviera la gran habilidad de recuperarse y caminar después de varias intervenciones. Además de los periodos de dolor y fatiga que sufrió durante toda su vida, hay que agregar los cambios emocionales característicos de esta enfermedad, como la tristeza, ansiedad y la depresión. Todo ello se puede observar en sus autoretratos "La columna rota" y "El venado herido".
Su inigualable forma de vivir con dolor
A pesar de su trágico destino y su tormentosa relación con su esposo Diego Rivera, Kahlo siempre supo como sobrellevar todo lo que le pasaba, tanto es así que cambió su ritual de vestimenta y su arreglo personal por una ceremonia que le permitía ocultar su cuerpo tras el accidente.

La pintora mexicana nunca se puso límites y se dedicó a hacer lo que quería, tuvo una excelente vida social, de hecho, líderes mundiales y artistas como Piccaso llegaron a alabar sus obras.

Frida kahlo encontró la manera de expresar cada uno de sus sentimientos y transmitirlos mediante la pintura. Nunca se vio así misma como una persona enferma ni se dio por vencida ante lo que le deparó la vida, en vez de ello, nos dejó un gran legado en el arte mexicano: su inspiración a través del dolor. (dejenmevivir)

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Frida Kahlo: Enfermedad, sentimiento y arte en su obra

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Frida Kahlo, pintora y poetisa mexicana, pareja del famoso muralista, Diego Rivera, sufrió enormes dolores durante su corta vida, quien a pesar de ser considerada una de las mujeres más adelantadas a su tiempo en cuanto a la consideración del arte, tuvo que sobrellevar los estragos de una horrible enfermedad actualmente conocida como fibromialgia.

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O quadro " O Grito" é um dos mais famosos do mundo. Foi produzido por Edvard Munch (1863 -1944), um dos artistas mais importantes do modernismo. Considerado um dos pioneiros da arte expressionista de 1900 em diante, esteve ativo por mais de sessenta anos, sempre disposto a experimentar novas técnicas e ampliar seu domínio sobre pintura, arte gráfica, desenho, escultura e litografia. Munch nasceu na Noruega e passou grande parte de sua infância acamado, à beira da morte. Sem ter o que fazer durantes aqueles invernos rigorosos, começou a desenhar compulsivamente. Adoro a frase que ele escreveu em seu diário aos dezessete anos: "É minha a decisão de me tornar um pintor".

"O Grito" é tão importante para o mundo da arte como outras obras-primas, incluindo "Mona Lisa", de Leonardo da Vinci, "Noite Estrelada", de Van Gogh, "Les Demoiselles d'Avignon", de Picasso, e "Estúdio Vermelho" de Matisse. Mostra uma figura andrógina, de olhos aterrorizados, segurando o rosto em uma pose de medo e pavor. O personagem está em uma ponte precária, com água em formato de redemoinho, demonstrando desespero existencial e de profunda angústia. Ao fundo, mostra uma das docas de Oslo ao pôr-do-Sol.

Munch pintou quatro versões de "O Grito", conforme ia vendendo as obras. O original de 1893 (91 x 73,5 cm), criado com tinta a óleo e pastel sobre cartão, encontra-se na Galeria Nacional de Oslo. O segundo quadro (83 x 66 cm), feito em têmpera sobre cartão, estava no Museu Munch de Oslo até o seu roubo em 2004. A terceira obra pertence ao mesmo museu e a quarta era de um colecionador particular que a leiloou, com a ajuda da Sotheby's, por 120 milhões de dólares, em 2012.

A primeira aparição pública foi em 1903, como parte de um conjunto de seis peças, intitulado "Amor". A ideia inicial de Munch era representar as várias fases de um caso amoroso, desde o encantamento inicial o término traumático. "O Grito" representava a última etapa, envolta em sensações de angústia. Os críticos de arte da época foram ferozes, classificando "Amor" como uma série demente e perturbadora.

A trajetória artística Edvard Munch tem um pouco de sua história de vida. Sua mãe morreu de tuberculose quando ele tinha apenas cinco anos. A doença mental de seu pai impactou profundamente sua vida, gerando uma série de emoções reprimidas à medida que crescia. Depois, sua irmã mais velha, Sophie, assumiu a função de criação, mas ela também morreu. Seu único irmão faleceu de pneumonia e sua irmã mais nova, Laura, ficou grande parte de sua vida em uma instituição mental. Aliás, o próprio artista passou parte do ano de 1908 em um sanatório, após um colapso físico e psicológico que teve quando era criança.

Em 1885, Edvard Munch viajou para Paris e foi influenciado por artistas que despontavam na época como Vincent van Gogh, Paul Cézanne, Toulouse-Lautrec e Paul Gauguin. Retornou para a Noruega impactado pelo estilo artístico desses pintores e incluiu mais cores em suas produções, deixando, temporariamente, o tom sombrio e pessimista que estava anteriormente presente em seus quadros. Os ares franceses fizeram bem para ele, que dizia que era importante registrar imagens internas da alma em suas obras. Essa visão do interior das pessoas ficou conhecida como simbolismo para refletir uma emoção ou ideia, abandonando a representação fiel d o mundo real. Pode-se dizer que, na pintura, o simbolismo representou a síntese da forma e do sentimento, e da realidade e da subjetividade interior dos artistas.

Ansiedade, medo, saudade, desejo, melancolia e ciúme estão em vários de seus trabalhos como " The Sick Child" e " Death in the Sickroom ". Para produzir "O Grito", sua pintura mais famosa, não se sabe se ele se inspirou em uma pessoa real que passava pela ponte, se foi o pôr do sol avermelhado que chamou sua atenção ou se foi a lembrança da irmã no hospital psiquiátrico.

Muitas das obras de Munch retratam estados de espírito com cenas de vida e morte, de amor e terror, por exemplo. Essas emoções foram representadas por linhas contrastantes, tons sombrios e uma forma concisa e exagerada para retratar o lado mais escuro da arte que ele projetava. Como Van Gogh, sua mente tinha vários segredos e sua arte falava muito mais do que palavras sobre suas tristes experiências da infância.

As obras de Munch projetam sentimentos de uma maneira subliminar e, talvez, de uma forma mais tímida do que a indicada em estudos, livros e, em especial, biografias sobre ele, que exploraram teorias sobre a psicanálise, a questão racial de seu tempo e sua própria representação. Essas suposições ajudaram a criar um mito mundial em torno de sua obra e de sua história pessoal. Sim, é fato. Ele teve problemas na infância, era boêmio, rebelde, solitário e cheio de ansiedade. Mas era também um tipão: loiro, com cabelo ondulado, nariz e boca bem formados, testa arredondada e olhos azuis acinzentados. Andava sempre de cabeça erguida e adorava frequentar um bar. Por ser bastante inacessível e reservado, é muito difícil traçar um perfil completo sobre suas expressões artísticas. Isso gerou e ainda gera muita especulação.

O historiador Toft-Eriksen, que estudou o 'mito Munch', destaca que as pessoas tentam transformar o artista em um herói e um exemplo de superação. Bastou ele morrer para uma biografia intitulada 'Edvard Munch: Close-up de um Gênio' ser publicada e iniciar uma longa série de análises que buscam criar um significado ainda maior de sua arte relacionada a estudos do subconsciente. Notamos isso inclusive nos tempos atuais. Com o Covid-19, especialistas de vários países recorreram à obra de Munch para falar dos impactos psicológicos que a pandemia gera na população mundial.

Edvard Munch faleceu em 1944 e mais de 1.000 pinturas, 15.400 impressões e 4.500 desenhos com diversas técnicas artísticas foram doados para Governo da Noruega, que acabou criando o Museu de Arte Munch para homenageá-lo como artista. O local, inclusive, já foi assaltado e os bandidos levaram a obra agradecendo a falta de segurança. Felizmente, a polícia recuperou o trabalho.

"O Grito" é um dos quadros mais reproduzidos do mundo em uma infinidade de situações e superfícies, como pôsteres, canecas, canetas, camisetas. A obra também foi usada em filmes, séries de TV, desenhos como Os Simpsons, em releituras de outros artistas e em capas de revistas internacionais como a Time. Todas essas reproduções foram feitas a partir de uma litografia produzida pelo artista em 1900. Para preocupação de todos, os pigmentos da obra estão perdendo a cor. Por exemplo, cores que eram uma mistura de amarelo e laranja agora estão brancas e especialistas ainda estão tentando descobrir como resolver esse problema.

Em uma pintura tardia, " Autorretrato: Entre o Relógio e a Cama", Munch sombreou os olhos, dando um efeito de apagamento diante do tempo e da natureza. Isso está de acordo com sua crença sobre toda a matéria do universo. Dizia: "do meu corpo apodrecido, florescerão e eu estou nelas: isso é a eternidade". Se alguém desejar compartilhar uma boa história sobre o mundo da arte, estou também no Instagram Keka Consiglio, Facebook ou no Twitter.

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O Grito: a obra perfeita para os tempos atuais - ISTOÉ Independente

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O quadro " O Grito" é um dos mais famosos do mundo. Foi produzido por Edvard Munch (1863 -1944), um dos artistas mais importantes do modernismo. Considerado um dos pioneiros da arte expressionista de 1900 em diante, esteve ativo por mais de sessenta anos, sempre disposto a experimentar novas técnicas e ampliar seu domínio sobre pintura, arte gráfica, desenho, escultura e litografia.