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INTERSECÇÃO ENTRE POP SURREALISMO E COLAGEM

O aspecto mais interessante nos projetos do artista é, sem dúvida, a criação de imagens pop surrealistas utilizando a colagem como técnica. O resultado é sempre algo coeso e conectado, mas com elementos que podem claramente ser classificados como surrealistas ou fora do comum.

NOTE: As criações/imagens do pop surrealismo NÃO precisam, necessariamente, ser pinturas. As obras desse artista em particular quebraram esse paradigma para mim.

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ANIMAIS COMO COMPONENTES FREQUENTES

Na grande maioria de suas composições o artista insere figuras de animais - tanto como um todo quanto em partes (como a cabeça). Algumas vezes os membros dos animais substituem os membros humanos, causando estranheza e singularidade.

Assim como a botânica e tudo aquilo que envolve a biologia, os animais são de meu particular interesse e por esse motivo eu fiquei especialmente interessada no trabalho do artista.

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TEMÁTICA DEFINIDA

Robots & Donuts: esses são os dois temas centrais das criações de Eric. O artista foi capaz de transformar duas coisas das quais gosta muito e tem apreço no seu objeto de trabalho, retirando a carga de desprazer que é depositada sobre o ofício.

Há uma diferença entre ter temas centrais e centrar seu trabalho nesses temas. Robôs e rosquinhas são, sim, os elementos centrais mas o trabalho do artista não gira em torno disso, como ele mesmo explica:

"Although I like them and other things, my work does not center on them. It's what they are doing and the places that I put them that I find interesting."

NOTE: A criatividade não precisa necessariamente ser sobre criar muitas coisas diferentes sobre temas completamente diferentes. É possível ter uma temática central e ser criativa(o) no desenrolar desse tema e no explorar das diferentes composições sobre um mesmo assunto.

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RECORTES CINEMATOGRÁFICOS

A maneira com que Joyner posiciona os elementos e trabalha com os tamanhos e com a perspectiva é tão impecável que suas pinturas parecem literalmente recortes fotográficos de um filme animado.

Tive essa particular sensação de que as obras eram como cenas e isso me remeteu à fotografia, que é um assunto que sempre teve um certo nível de relevância para mim.

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SENSAÇÃO DE INFINITUDE

Eu não me recordo, nem uma vez se quer, de ter visto uma fotografia de paisagem natural que me traduzisse a mesma sensação de estar vivenciando e observando aquela paisagem ao vivo - até olhar as capturas desse fotógrafo.

Ele, além de conseguir nos emocionar de verdade como também parece faz fotografias que não tem fim, que parecem que estão fazendo muito ESFORÇO para caber na nossa tela.

Grandioso e indescritível!

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TIPOGRAFIA CRIATIVA E ORIGINAL

“I like things that are handmade and I like to see people’s hand in the world [...] And in my own work, I do everything by hand.”

O primeiro aspecto que me chama atenção no trabalho da artista é traduzido nas palavras ditas por ela própria: uma tipografia característica, feita à mão, diferente de qualquer outra que eu já vi.

Paralelo à pintura, ao grafite e à música, Margaret também estudava tipografia e impressão tipográfica nos diferentes materiais da Biblioteca, percorrendo desde os manuscritos medievais até a tipografia vitoriana. Seu estilo refletia uma variedade de influências como a da arte folclórica americana, dos artistas do sudoeste mexicano (o que, talvez, solidificou sua paleta de cores) e a dos letreiros escritos à mão, em geral.

NOTE: Ao fazer um trabalho “handmade”, ele se torna exclusivamente seu, ninguém mais pode ter um traço (e um olhar) que são seus.

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A BOTÂNICA COMO UM TEMA RECORRENTE

Ao percorrer algumas das obras de Margaret em seu livro “In the Sweet Bye & Bye”, é extremamente perceptível a existência de temas recorrentes, dentre eles, a botânica. Há uma variedade de desenhos e pinturas de folhas, árvores e flores, algumas se aproximando mais da realidade e outras mais da abstração.

Esse “tema” em especial me passa um conforto imensurável, não só por eu ser uma amante da biologia, mas também pelo fato de a artista usar uma paleta de cores que - ao meu ver - acalenta.

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FORTE INFLUÊNCIA FEMINISTA

Margaret foi particularmente inspirada por um grupo de artistas latinas que pintavam ao ar livre, as Mujeres Muralistas - que ilustravam retratos de mulheres que estavam ao seu redor (como mães, avós, filhas e trabalhadoras cotidianas), com o objetivo de dar voz à quem sempre foi muito pouco ouvida.

Em seu trabalho, a artista retira a figura da mulher de um ambiente naturalizado (como o doméstico, por exemplo) e troca os papéis ao colocá-la fazendo coisas como beber, fumar, brigar, surfar e andar de bicicleta. “Steady”, “Pride” e “Slaughter” são algumas das palavras que dividem espaço com essa figura despadronizada, enfatizando sua presença.

NOTE: A arte é um dos meios pelo qual podemos dar palco e voz pra tantas pessoas que foram ignoradas, invisibilizadas e esquecidas.

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O TRAÇO EM SUA FORMA ELEMENTAR

“I became interested in artists like Joan Miro and Paul Klee and their child-like approach to painting.”

Apesar de Davis ter tido uma formação de excelência em diversas escolas de artes e de ter se tornado muito habilidoso em renderização realista, quando chegou a hora de criar um portfólio profissional, escolheu desenhar “como uma criança” - o que foi aprovado, por alguns de seus professores, como um retorno necessário e fascinante à forma elementar.

Algo próximo à simplicidade e do minimalismo caracteriza o traço do artista, que defende que o design precisa de mais desenho e menos componentes computacionais - “It’s a poluent and boring”, diz ele.

NOTE: O seu estilo não tem necessariamente a ver com o nível de evolução que você alcançou em certas habilidades.

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CRITICISMO E COMICIDADE

Eventos do cotidiano, estratégias do capitalismo, angústias do ser humano e temas gerais como política, economia e relações interpessoais: nada disso foge das críticas de Paul Davis. Quase sempre contendo uma parcela de comicidade, os desenhos do artista são o tipo de coisa que gostamos de ver para descontrair depois de um dia exaustivo.

Um bom exemplo é o seu projeto “Tired of London, tired of life”, no qual o artista aborda as características da cidade e a vida cotidiana de quem nela vive de uma forma não romantizada (como a maioria dos livros que falam sobre Londres), ou seja: de uma forma crítica e cômica.

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TIPOGRAFIA COMO FORMA E CONTEÚDO

“I found it natural and enjoyable to make images that also incorporated type forms, sometimes as direct communication [...] but also sometimes as pictorials elements with a purely abstract visual function.”

Inspirado pelo trabalho de artistas como Dieter Roth, Henrik Werkman, Joseph Beuys, Antoni Tapies, Kurt Schwitters e Robert Rauschenberg, Dan Fern combinou a ilustração e o design gráfico em um momento no qual ambos eram duas atividades bem distintas (não realizadas pela mesma pessoa).

Uma de suas práticas mais comuns é a de fazer uma espécie de composição e depois adicionar algum elemento tipográfico a ela. Como ele mesmo explica, nem sempre o objetivo é estabelecer uma comunicação direta - como em uma capa de livro ou um pôster - mas simplesmente fazer algo “visualmente agradável”.

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COMPOSIÇÃO ABSTRATA

A beleza da arte abstrata se encontra no explorar e no alcançar os limites da nossa imaginação. Nela se encontra o potencial de podermos criar algo único no mundo e o de expressarmos o modo com que enxergamos ele.

Na obra de Dan Fern o abstracionismo encontra outros elementos como cores, linhas e estampas, formando composições bem interessantes. O "objetivo final" desse encontro de novos componentes pode ser explicado pelas palavras do próprio artista:

"In my own work, I've tried to develop a graphic language that enables me to move easily between illustrations and graphics [...] So the notion of "communication arts" as a broad spectrum of activity is one that I'm very much at home with."

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SUBVERSÃO SUTIL

"In a way, my whole life has been working and fighting for causes. [...] I've been fighting fasciscm and violence, but with the same technique, wich is just power. I mean, a poster has to hit you. [...] It's the same with visuals, because even if a poster goes by on a bus, it has to stay in your mind."

Logo no início de sua infância, Tomi entra em contato com a pressão nacionalista da guerra após a ocupação da Alsácia, quando passa a ter uma doutrinação nazista na escola. Essa exposição sofrida pelo artista quando criança pode ser considerada o principal gatilho para o início de seu processo de criação, e seus primeiros desenhos retratavam essas experiências de guerra.

Campanhas publicitárias icônicas, pôsteres contendo crítica política, engajamento com as causas sociais e humanitárias: apesar de seu trabalho não se reduzir somente a isso, são características marcantes tanto do lado pessoal quanto profissional de Tomi.

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ETERNIZADO PELOS PÔSTERES

O trabalho de Tomi não se reduz aos pôsteres: é igualmente, se não mais reconhecido por suas ilustrações e  de livros infantis, por exemplo. Apesar disso, é preciso dar o devido reconhecimento às suas criações de pôsteres  - não só pela qualidade da arte mas principalmente pela comunicação direta efetiva com o leitor.

Angelina Lippert, em sua matéria “Remembering Tomi Ungerer” pro site posterhouse, diz:

“I have often said that I thought that Tomi Ungerer was the greatest living poster artist.”

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USO DE ILUSIONISMOS

I believe that in design 30% dignity, 20% beauty and 50% absurdity are necessary. Rather than catering to the design sensitivity of the general public, there's advancement in design if people are left to feel satisfied with their own superiority, by entrapping them with visual illusion."

Na década de 60, Fukuda estava profundamente interessado pelo ilusionismo, chegando a escrever colunas, em jornais, sobre magia visual. Seu interesse foi tanto, que o colocou na posição de um designer expert em ilusão visual.

Ilustrações minimalistas, alinhadas e repetidas e o emprego de cores contrastantes são as principais "técnicas" notadas nos pôsteres do artista.

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MINIMALISMO COMO UM IMPULSIONADOR

Fukuda era especialista em passar mensagens anti-guerra e pró meio ambiente de uma forma muito clara - principalmente por conta dos gráficos mínimos com quais ele trabalhava.

Eu tomei a liberdade de aproximar esse minimalismo do design, que não pode ser desligado da função de comunicar. Além de comunicar, é preciso que a comunicação seja clara, de fácil entendimento. Dessa forma, se o objetivo final for transmitir uma mensagem, talvez seja uma boa opção aplicar uma pitada de design à sua arte.

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INSERÇÃO DE PERSONAGENS CONHECIDOS EM OUTRO CONTEXTO

Há um choque de realidade e uma sensação de estranheza ao olhar algumas criações de Todd onde personagens que sustentaram a minha infância - como os da Disney de forma geral - são colocados em um outro contexto, um outro cenário, totalmente oposto à magia e inocência originais.

Somente essa "inversão de valores" trazida algumas vezes pelo artista sozinha já seria o suficiente para classificá-lo como um completo pop surrealista. Entretanto, cada informação adicionada torna suas obras cada vez mais absurdas e irreais.

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OS MENORES DETALHES NÃO SÃO ESQUECIDOS

Desde que fui apresentada às artes do pop surrealismo/low brow, o que me mais me desperta interesse é a riqueza e a quantidade de detalhes que existe em uma obra. Me deslumbra imaginar o quanto de esforço e tempo o artista precisou depositar naquilo.

Nas criações de Todd Schorr é exatamente assim: uma infinidade de detalhes que não foram simplesmente jogados lá, mas que foram devidamente trabalhados como qualquer outra parte "maior" ou mais visível. Um trabalho impecável.

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PINTURAS QUE APARENTAM FOTOGRAFIAS

Particularmente, o mais admirável no trabalho dessa artista, excluindo o espectro técnico, é a proximidade que suas pinturas têm com a realidade, dando a leve impressão de que elas são, na verdade, fotografias/retratos - apresentam um background ou cenário elaborados com a perspectiva bem trabalhada e, quase sempre, um modelo humano.

Apesar dessa aproximação do mundo real, é perceptível uma sutil oscilação entre o verdadeiro e o utópico, característica permitida pelo estilo do traço que a artista tem e algumas vezes pelos elementos inseridos nas suas pinturas.

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COR, LUZ E SOMBRA

Já olhando pro lado técnico de suas criações, o que torna suas pinturas tão especiais são as paletas de cores vívidas e saturadas - se aproximando das "candy colors", além do uso singular do espectro de luz e sombra. Tais elementos trazem vida às suas telas e permitem-na direcionar e transitar entre os temas que tiver vontade de trabalhar.

"All of my solo shows and the feeling of creating complete bodies of work. Looking back at them , sometimes I can’t believe how they evolved from start to finish. I never know what the final paintings will look like. My original idea gets formed through research, photo shoots for reference, and getting into the zone of painting for hours on end. It is fun and exciting and a ton of work, but well worth it."

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APARENTA SER EXTREMAMENTE "GRÁFICO"

Da mesma forma que me impressiona tudo o que aparenta ser feito a mão , ou "imperfeito", também me interessa o que parece não ter sido, ou o que é "extremamente gráfico". Assim acontece nos trabalhos de Fairey, onde são claramente perceptíveis os elementos que trazem esse efeito: simetria, contorno muito bem definido, cores sólidas e marcantes e as imagens dando a impressão de terem sido feitas com um estêncil.

De fato a criação de estênceis faz parte das técnicas do artista, onde ele usará para fins serigráficos ou para servir de molde para pintura com spray. As diferentes cores nas obras são criadas fazendo camadas de tinta e alguns retoques são realizados com um tipo de lápis muito pigmentado - de qualquer forma o resultado final realmente me impressiona.

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Days #1 to #15:

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Days #16 to #30:

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Notes and perceptions:

• Trabalhar no DYB concretizou a ideia de que se você faz uma mesma coisa várias vezes, algumas sairão conforme o esperado e algumas não - e isso te dá abertura pra selecionar um trabalho ou outro no meio de 30. Talvez não acontecesse o mesmo se tivessem apenas 5.

• Tive a possibilidade de testar vários materiais. Usei lápis de cor, tinta, pintei com a própria bebida, canetinha, grafite, giz de cera e fiz colagem também. Mesmo assim, me mostrou que se eu quisesse trabalhar apenas com uma técnica, eu poderia.

• Foi um grande medidor de temperamento, pelos desenhos eu consigo claramente distinguir se no dia eu estava disposta ou indisposta, preocupada ou despreocupada e etc. Tinha dias que eu só queria tirar o desenho da frente e isso combinado com um mau temperamento resultava num desenho bem mais simples.

• Sem dúvidas a coisa que mais gostei foi poder misturar a colagem com o desenho ou usá-la como o próprio desenho, adorei os efeitos e se eu tivesse que selecionar um desenho ou outro dentro dos que fiz, seriam as que utilizei colagem sem dúvidas.

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The main idea: até agora penso que meu desenho final será de uma cena de um sonho que tive na semana passada.

The dream: meus sonhos sempre são a união de vários acontecimentos e quase nunca o desenrolar é coeso. Uma hora eu apareço em um lugar fazendo uma coisa e no momento seguinte estou em outro lugar completamente diferente fazendo uma coisa também diferente. A cena que penso em desenvolver é a de um momento onde eu me deparava com uma fila de pessoas e eu ia cortando a parte da frente do rosto delas e ia sobrepondo numa cabeça semelhante a de uma estátua. O que mais me recordo era a agonia que eu sentia ao tocar a parte de dentro (de carne) das "máscaras vivas".

[ A estátua com as máscaras sobrepostas seriam o meu desenho ]

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Notes and perceptions:

• É um dos projetos no qual estou tendo mais dificuldade em desenvolver por não ter uma habilidade muito baixa com o desenho. Tenho a ideia principal mas não sei como desenvolvê-la/não sei por onde começar.

• Aprendi que as ideias realmente vem quando paramos de tentar forçá-las a aparecer. Eu estava há dias reclamando que eu não conseguia pensar em um tema pro desenho surrealista e que nem meu subconsciente me ajudava com algum sonho interessante. Até que desencanei e tive esse sonho que achei que poderia dar um desenho interessante.

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Conclusion:

• A ideia principal era a de cima, mas o que saiu foi uma colagem surrealista que fiz no photoshop:

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Notes and perceptions:

• Fiquei bem impressionada com os resultados que tem como obter se começarmos a desenhar de forma solta e despretensiosa, mesmo que sejam apenas esboços.

• Por eu ter essa dificuldade em desenhar, que é relacionada com a preocupação de finalizar algo da forma correta ou de uma forma visualmente agradável, os exercícios de desprendimento e foco me ajudaram muito.

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3.1 Pareidolia

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Tive dificuldade em criar rostos com partes aleatórias, sempre buscava algum elemento que já lembrasse a parte do rosto que eu queria, como é o caso dos olhos e nariz de torneira. De qualquer forma foi interessante porque comecei a ver rostos em coisas que não veria antes de estar procurando por isso.

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3.2 Type and Image

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3.3 Icosahedron

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Nesse exercício resolvi brincar com as cores, pra cada icosaedro eu usei tons diferentes de uma mesma cor. Eu particularmente gosto muito de coisas monocromáticas e/ou minimalistas e de coisas que são organizadas visualmente, então foi até terapêutico trabalhar nele.

Enquanto eu trabalhava em um, me vinha na cabeça vários outros padrões que eu podia desenvolver: um somente com pele de animais, outro somente de flores e folhas, etc. Foi legal perceber as ideias surgindo na cabeça.

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3.4 Water

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Notes and perceptions:

• Desde que fiz o primeiro contato com a colagem no curso, fiquei fascinada. É sem duvida uma das coisas que mais me interessou até agora e pretendo continuar estudando e criando novos projetos com essa técnica.

• O que me frustra no momento é não ter uma variedade de papéis e imagens diferentes pra utilizar na colagem. E não poder sair de casa pra ir atrás de colecionáveis (nesse momento específico) também está me desmotivando um pouco.

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4.1 Grid

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Esse exercício em especial não me prendeu muito a atenção, não tive vontade de dar continuidade ou de criar algo partindo dele. Mas reconheço o quão desafiador foi tentar encaixar todas as letras dentro desse mesmo formato (fino e comprido) que eu escolhi. Além disso, ele foi essencial no exercício seguinte de tipografia freestyle no sentido de me dar uma guia, muito provavelmente se eu tivesse feito o freestyle antes do grid teria tido muito mais dificuldade.

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4.2 Freestyle

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Notes and perceptions:

• Fiquei bem mais confortável em fazer o exercício de tipografia freestyle. No começo tive dúvidas quanto a maneira e o estilo que eu gostaria de criar então resolvi usar o primeiro exercício (grid) como auxiliador. O resultado foi uma letra achatada e larga.

• Fiz um "cartaz" no sketchbook para utilizar a tipografia nova e resolvi usar de tema a botânica. Escrevi nomes de plantas e folhas diversas com tons diferentes de verde sob o pretexto de entrar em contato com o meu lado biólogo de ser.

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Notes and perceptions:

• Um dos meus maiores interesses e passatempos são filmes, séries e documentários de investigação criminal. Sendo assim, pensei em organizar a minha The List no formato de um painel de investigação.

• Os suspeitos são os artistas que escolhi - cantores, escritores, fotógrafos, ilustradores, etc. Todos estão conectados ao elemento central [meu cérebro].

• Queria fazer algo em uma escala maior, então comprei placas de cortiça para se aproximar ao máximo de algo real.

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6.1 Mouse Photographer

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PARECE SER "DE OUTRO MUNDO"

Usando a mesma explicação dada na publicação de cima, que eu me recorde, nenhuma fotografia conseguiu me deixar "boquiaberta" - mas em compensação todas as paisagens que já vi a olho nu me deixaram realmente emocionada.

O que eu achei muito curioso quando vi pela primeira vez o trabalho desse artista foi que eu tive exatamente a mesma reação inicial de quando eu vejo uma paisagem ao vivo, que é perguntando:

"Is this real? Is this the Earth?"

NOTE-THOUGHT: Acho que é assim que acontece quando um artista faz um bom trabalho.

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A ARTE COMO COMUNICAÇÃO

"I do think that it can change minds (visual communication). [...]
The thing about good art and design is that they can impact people emotionally and get past the barriers of their pre-existing biases."

O design está intrinsecamente conectado à comunicação, ele é comunicação. A compreensão de uma mensagem pode ser extremamente melhorada se a parte visual for bem trabalhada - ela pode inclusive depender disso.

Nesse sentido Fairey consegue impactar absurdamente o público com suas mensagens anti-guerra, anti-preconceitos e de crítica política - através do desenvolvimento do visual e da arte unida com o design gráfico.

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Notes and perceptions:

• Achei interessante como o tamanho dos objetos é aumentado quando a foto é tirada num ângulo de baixo para cima, por exemplo.

• Além do tamanho, outra observação relevante é o foco. Algumas outras fotos que não foram colocadas aqui e tinham vários objetos, o foco ficou estranho ao mudar o ângulo ou encostar a câmera no chão.

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6.2 Triptych

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8.1 My drawing

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What my friend delivered

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8.2 My friend’s drawing

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What I delivered

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Notes and perceptions:

• Eu e minha dupla fizemos o contato por mensagem de voz no whatsapp, passando os comandos como se fosse uma batalha naval.

• No final das contas não houve diferença entre o meu desenho e o da minha dupla, apenas diferença na intensidade da cor por eu colocar muita força no lápis - o que eu já imaginava. Gostaria que tivesse acontecido alguma falha na comunicação para sair algo diferente.

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10.1 Real Alphabet

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Para esse exercício peguei letras provenientes de livros, revistas ou de estampas de camisetas. Senti maior dificuldade em achar estilos diferentes nas letras menos usadas (exemplo: K).

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10.2 Found Alphabet

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10.3 Invented Alphabet

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O meu alfabeto inventado foi feito com glitter - eu jogava um pouco sobre uma folha de canson e desenhava a letra com o dedo.