# data[].attributes.body
Reseña de "Abstract: The art of Design".

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Cuando salió el tráiler de esta serie creada por Scott Dadich, muchos nos imaginamos que se trataría de una serie, y sólo para resumir, como Chef's Table pero de diseñadores. Sin embargo, Abstract: the Art of Design a pesar de tener grandes momentos, carece de lo cercanos y palpables que llegan a ser los chefs protagonistas de la serie con la que se le equiparaba.

El pasado 10 de febrero se estrenó la primera temporada de esta ambiciosa serie dedicada al diseño para todos los suscriptores de . Se trata de 8 episodios, cada uno dedicado a un diseñador y área del vasto universo del diseño. Los episodios son:

Episodio 1. Christoph Niemann: Ilustración

Episodio 2. Tinker Hatfield: Diseño de calzado

Episodio 3. Es Devlin: Diseño de escenarios

Episodio 4. Bjarke Ingels: Arquitectura

Episodio 5. Ralph Gilles: Diseño automotriz

Episodio 6. Paula Scher: Diseño gráfico

Episodio 7. Platon: Fotografía

Episodio 8. Ilse Crawford: Diseño de interiores

Los protagonistas de cada capítulo son referencias obligadas en las áreas a las que se dedican. No están ahí por casualidad y tienen mucho que compartirnos. La serie utiliza muchos recursos técnicos para narrar las historias de los artistas. No podría ser de otra forma si se trata de una serie dedicada al diseño. Su creador, Scott Dadich es alguien que sabe bien lo que hace y se nota su trabajo detrás de este ambicioso proyecto.

Si bien los trabajos de cada uno de los artistas que vemos en pantalla son dignos de conocer y, sobre todo, es la oportunidad de ver de cerca sus procesos creativos y los elementos esenciales con los que desarrollan sus obras, la serie nos queda a deber un tanto en esto. Algunos capítulos son mucho más ilustrativos que otros, como el de Tinker Hatfield y el de Paula Scher, sin embargo, otros se diluyen en el formato no del todo definido del documental.

Los protagonistas de cada capítulo son referencias obligadas en las áreas a las que se dedican

Y es que, cometería una injusticia si dijera que la serie misma no es bellísima estéticamente. Sin embargo, pareciera que entre tantos recursos visuales y momentos en las narraciones el testimonio de estos artistas se diluye un tanto. Después de todo el documental está dedicado a ellos y a su proceso de creación y el impacto de sus obras en el público, al menos eso es lo que se entiende en el tráiler. Pero al terminarse los episodios no sabe uno si vio una retrospectiva, un testimonio o una clase de diseño en un empaque precioso.

Ahora bien, sí hay mucho qué apreciar en los episodios. Sobre todo si tu profesión, pasión o vocación es el diseño. Aquí me vuelvo a detener para preguntar si la serie está hecha "para diseñadores" o para el público en general. Lo cierto es que intenta cumplir con ambos públicos pero no lo consigue del todo. Es injusto compararlo con Chef's Table porque esta no es intachable, pero sí vale la comparación para decir que la serie dedicada a los mejores chefs del mundo se centran en ellos y su filosofía, su formación, su crecimiento; es decir nos lleva a un terreno en donde todos nos sentimos identificados aunque no nos dediquemos a la cocina.

Pese a lo anterior. Abstract: The Art of Design es una serie que vale la pena y se disfruta mucho. Eso sí, hay que verla con calma porque no es una serie que invite a los largos maratones, se toma su tiempo. Esto no es una queja, solo una pequeña nota al margen. Los capítulos imprescindibles, lo vuelvo a repetir, son los de diseñador estrella y legendario de Nike, Tinker Hatfield y el de la impresionante diseñadora Paula Scher.

# data[].attributes.attachment_link.title
Abstract: The Art of Design, la (casi genial) serie de Netflix sobre diseño

# data[].attributes.attachment_link.description
Cuando salió el tráiler de esta serie creada por Scott Dadich, muchos nos imaginamos que se trataría de una serie, y sólo para resumir, como Chef's Table pero de diseñadores. Sin embargo, Abstract: the Art of Design a pesar de tener grandes momentos, carece de lo cercanos y palpables que llegan a ser los chefs protagonistas de la serie con la que se le equiparaba.

# data[].attributes.body
Reseña "Primera temporada de Riverdale"
https://1lectoralibre.wordpress.com/2017/06/28/resena-de-riverdale/

# data[].attributes.body
Reseña de la pelicula "Cargo"

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Título original: 'Cargo'

Países: Australia

Duración: 105 minutos

Año: 2017

Género: Terror

Hay algo en Australia que dirige a sus cineastas a los argumentos apocalípticos. O quizá sea justo lo contrario: que, al menos en el interior del país, no haya nada. 'Cargo' puede no ser un clásico a la altura de 'La última ola', o el primer 'Mad Max', o 'Wake in fright', pero es una estupenda adición al legado del cine sobre el fin de los tiempos hecho en las antípodas.

Esta primera película Netflix hecha en Australia arranca 'in medias res', con un matrimonio ( Martin Freeman y Susie Porter) y su pequeña hija bajando por un río australiano a bordo de una casa flotante. La muerte está en el aire. Por las tensas conversaciones ("no podemos poner un pie en la orilla"), se entiende que está cerca el fin del mundo tal y como lo conocemos, si es que no se ha producido ya. Llegada una terrible tragedia, padre e hija ponen pie en la orilla para recorrer las llanuras en busca de señales de vida y, a ser posible, vida amable.

No será fácil, porque casi todos los que no han mutado en zombi han perdido la empatía o las ganas de vivir. Pero aún quedan resquicios de esperanza, la mayoría concentrados en el espíritu bondadoso de una joven aborigen, Thoomi (Simone Landers), que ha preferido mantener a su padre como zombi con correa antes que hacer una pira con él.

Desarrollada por Ben Howling y Yolanda Ramke a partir de su corto viral (en todos los sentidos) del 2013, 'Cargo' cuenta con esta perspectiva indígena como principal rasgo diferencial con respecto a otros 'thrillers' de supervivencia sobre infectados. Curioso híbrido de 'The walking dead' con 'Generación robada' de Phillip Noyce, invierte parte de su bien medido metraje en lanzar dardos a una sociedad que se cree con derecho a la división y segregación de las personas.

El cine zombi melancólico ya no es ninguna novedad, pero 'Cargo' alcanza, por momentos, cotas de inusual majestuosidad, con tomas aéreas que subrayan la soledad extrema de sus héroes. Como en la también australiana 'Wolf Creek', de Greg McLean, la belleza de los grandes espacios contrasta con la tensión y virulencia de algunas tremendas situaciones.

# data[].attributes.attachment_link.title
CRÍTICA | 'Cargo': un emotivo drama zombi en el desierto australiano

# data[].attributes.attachment_link.description
Título original: 'Cargo' Países: Australia Duración: 105 minutos Año: 2017 Género: Terror Hay algo en Australia que dirige a sus cineastas a los argumentos apocalípticos. O quizá sea justo lo contrario: que, al menos en el interior del país, no haya nada.

# data[].attributes.body
Reseña de "The book of Eli"
https://www.cinevistablog.com/el-libro-de-los-secretos-the-book-of-eli-resena/

# data[].attributes.body
Reseña de la serie “You”

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Hemos visto You, el nuevo thriller de Netflix en el que un chico de mirada encantadora resulta tener más peligro que un tren que vaya de Extremadura a Madrid. Bienvenidos a la historia del ciberacosador Joe.

Justo antes de que acabara 2018, Netflix nos presentaba otra de sus apuestas más comentadas de la temporada. Se trata de la serie You, basada en la novela homónima de Caroline Kepnes. Este nuevo thriller nos presenta la historia de Joe Goldberg, el encargado de una librería que un día recibe en su tienda a Beck, una chica atractiva, inteligente y con carácter. La chispa salta al momento y Joe comienza a obsesionarse con la muchacha de una forma bastante tóxica: la stalkea por las redes sociales, la sigue en la vida real... Hasta llega a hacerse con su terminal móvil y es capaz de bucear en todos sus contactos y conversaciones. Joe está tan deseoso de conocerla y protegerla que está dispuesto a secuestrar y matar si hace falta...
Consigue You, la novela original de Caroline Kepnes
No os preocupéis, apenas os hemos contado los primeros compases de la, que se compone de 10 episodios de unos 45 minutos de duración, cada uno. El arranque y el tono general son los propios de una película o serie de suspense, pero lo cierto es que también hay bastantes momentos de drama y de romance. Como en casi todo momento estamos viendo los acontecimientos desde la óptica de Joe (el cual narra con monólogos interiores lo que sucede y lo que siente, al estilo de otras obras del género), esos momentos de romance son idílicos en ocasiones, pero también hay momentos de peleas y reconciliaciones... Demasiados momentos, en nuestra opinión.

Y es que, aunque uno podría esperar que la historia va a girar en torno a las inquinas, las muertes y los tejemanejes en la sombra de Joe para acabar con todos los obstáculos en su camino, lo cierto es que hay un hincapié excesivo en las dinámicas de la relación de Joe y Beck (las discusiones, la rutina, la melancolía cuando no se ven), en detrimento de esas partes más propias del thriller.

Y no es por falta de secundarios interesantes. Peach, le mejor amiga de Beck, es una pija con mucho carácter y una mente casi tan retorcida como la de Joe, por lo que parece destinada a convertirse en su enemiga natural. A pesar de ello, no acaba de sacársele todo el partido, al igual que otros personajes que podrían poner en apuros al protagonista, pero solo aparecen en momentos muy contados y sin la fuerza necesaria. Llegados a este punto, es inevitable acordarse de otras propuestas propias de los thrillers sobre acosadores, como la magistral Mientras duermes y la serie Dexter (que sí, acabó flojeando, pero al principio molaba mucho), en las que la tensión porque los protagonistas fueran descubiertos era tan interesante como los enrevesados planes que urdían o sus conflictos morales.

You tiene todo eso, pero en dosis demasiado diluidas y a través de tramas que a veces no llegan a ningún lado (el capítulo entero dedicado al padre de Beck no aporta nada al conjunto, por ejemplo), pero hay que reconocer que tanto el par de capítulos iniciales como el último sí están a la altura de un thriller de este tipo, cuando todo parece implosionar. El problema es que, entre medias, tenemos demasiada paja (y no penséis mal).

Estas son las mejores series que veremos en Netflix en 2019

Otro de los aspectos que hacen que se pierda parte del interés en esta serie de Netflix residen en que los dos personajes protagonistas son un tanto anodinos. Joe sí acaba volviéndose interesante al final, cuando descubrimos por qué es como es, pero tardamos demasiados capítulos en descubrirlo. ¿No habría sido mejor contarlo al principio, como en Dexter? Por su parte, Beck da la sensación de ser una chica muy superficial, cuyos mayores problemas residen en que no sabe inspirarse para escribir poemas y le preocupa que sus amigas pijas no la critiquen a la espalda. Así cuesta empatizar con ella, la verdad... Quizá, si la serie hubiera sido más corta (¡qué manía de hacer las temporadas tan largas!), se hubiera sabido concentrar mejor la acción, pero reconocemos que, de no ser porque nos tocaba analizarla, en muchos casos habríamos podido optar por pasar de seguir viéndola.

Pero al César lo que es del César. Tanto Penn Badgley (Joe) como Elizabeth Lail (Beck) defienden muy bien sus papeles, especialmente en el caso de un Ben que pone cara de perrito bueno o de enajenado cuando toca. Sus actuaciones y ciertos recursos visuales, como la constante referencia a las conversaciones por redes sociales o menús de ordenadores (recursos ya vistos en otras propuestas, sí, pero usados aquí con mucha agilidad), dan un buen empujón a la narración, así como los momentos más sórdidos en los que Joe da rienda suelta a su lado más salvaje.

Es una pena que la serie You no haya sabido derivarse más hacia esa vertiente, aunque quizá no es tarde para remediarlo. El final de temporada nos deja ver que hay margen para que esta serie de Netflix siga creciendo en el futuro. Y, desde luego, tras propuestas como Élite o A ciegas, parece claro que Netflix sigue apostando a tope por el thriller. Mientras esa futurible segunda temporada llega, recordad cambiar los passwords de vuestros móviles y ordenadores de vez en cuando. Nunca se sabe quién puede estar observando...

Valoración

Tiene buenos ingredientes sobre la mesa y a veces parece encauzarlos, pero está alargada innecesariamente. ¡Debería haberse centrado más en la "chicha" propia del thriller!

# data[].attributes.attachment_link.title
Crítica de You, el thriller sobre un ciberacosador en Netflix

# data[].attributes.attachment_link.description
Hemos visto You, el nuevo thriller de Netflix en el que un chico de mirada encantadora resulta tener más peligro que un tren que vaya de Extremadura a Madrid. Bienvenidos a la historia del ciberacosador Joe. Justo antes de que acabara 2018, Netflix nos presentaba otra de sus apuestas más comentadas de la temporada.

# data[].attributes.body
Reseña de "Un Sueño Posible"
https://www.cinevistablog.com/un-sueno-posible-the-blind-side-resena/

# data[].attributes.body
Reseña del documental "Residente"
https://www.ambulante.org/2018/03/residente-una-celebracion-de-la-unidad-humana/

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Al escuchar las noticias del día (las controversias, los conflictos) es fácil creer que hay más que nos separa que de lo que nos podría unir. René Juan Pérez Joglar, mejor conocido en los últimos diez años como Residente, la voz de la banda puertorriqueña ganadora del Grammy, Calle 13, ahora se presenta como artista solista. Sin embargo, su creatividad impulsiva y audaz no puede contenerse en un solo medio. Residente ahora ha entrado en el mundo del cine con un documental homónimo en el que, después de secuenciar su genoma, se va por todo el mundo para encontrar las tierras y los pueblos que son parte de él. Al escuchar atentamente sus historias y canciones, se embarca en un viaje de colaboración musical y emocional, culminando con su último álbum: Residente, una crítica autoproclamada de la industria de la música contemporánea.

Lo que al principio podría parecer una odisea arrogante o egoísta, rápidamente se convierte en un gesto de compasión.

Residente comparte su plataforma con comunidades devastadas por la guerra, sofocadas por la contaminación y el costo humano de la sobreproducción, despojadas del poder por la colonización y, en general, descuidadas por la gran parte del mundo. Lo que inicialmente se siente como si fuera una hora y media de apropiación y exotismo, resulta ser una serie de colaboraciones poderosas, una celebración de la unidad humana (quizás incluso de la identidad esencial) a través de la música. Una amplia variedad de sonidos, estilos e historias se combinan de manera sucinta en el esquema de los genes de un solo hombre. El éxito emocional y empático de esta composición, como película y como álbum, dice mucho de Residente. René es reconocido por su preocupación por los derechos humanos y por estar dispuesto a arriesgar su carrera para darle voz a los no escuchados, incluso recibió un premio de la Cumbre Mundial de los Premios Nobel de la Paz en 2015.

Residente concluye la película equilibrando de manera espléndida su exploración de los lugares del mundo que le resultan extraños y nuevos, con un relato bastante completo y emotivo de la historia y la evolución de su isla natal, Puerto Rico. Los paralelismos entre los abusos sufridos por Puerto Rico bajo los colonizadores, tanto en el pasado como ahora, y los lugares que visita, enfatizan su conexión con todas las personas a lo largo de su viaje para llegar al álbum. Al regresar a su hogar en Puerto Rico, René también regresa a su hogar en la industria de la música, otra máquina de explotación que intenta exponer. Esta vez, sin embargo, lo hará en su lengua materna artística: la música y la letra. Residente te da la bienvenida a la apasionada perspectiva de René Juan Pérez Joglar y te deja con ganas de ver el cambio que fomenta en el mundo. Afortunadamente, para empezar, lo que tienes que hacer es escuchar su nuevo álbum. Residente practica lo que predica: todos los artistas del mundo están recibiendo regalías por su premiado trabajo.
Ver ficha documental "Residente"

# data[].attributes.attachment_link.title
Reseña de Residente. Una celebración de la unidad humana

# data[].attributes.attachment_link.description
Residente, ex vocalista de la banda puertorriqueña Calle 13, ahora ha entrado en el mundo del cine con un documental homónimo en el que, después de secuenciar su genoma, se va por todo el mundo para encontrar las tierras y los pueblos que son parte de él.

# data[].attributes.body
Reseña Black Panther

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Black Panther marca el inicio de una nueva generación de héroes marvelitas en la pantalla grande.

Llegué al cine sin la mayor expectativa sobre esta película. La única vez que vi a Black Panther en acción fue en el cómic de Civil War y en el de Marvel Zombies, pero nada más. La primera vez que vimos a T'Challa enfundado en el traje de Black Panther en el cine fue precisamente en la adaptación al cine del arco argumental de Civil War, y desde allí despertó el interés de la audiencia por los secretos que él y su reino de Wakanda podrían ocultar.

Sin embargo, debo confesar que al sentarme en la sala para ver Black Panther no tenía un gran interés en esta historia ni en lo que sucediera en Wakanda, ni en lo que podría pasar con sus habitantes, pero cuando la proyección acabó, hizo algo que ni Thor: Ragnarok (por mucho, una de mis películas preferidas del Universo Cinematográfico Marvel) logró con todos sus chistes y colores: involucrarme.

La historia de un rey

Black Panther se situa en el reino africano ficticio de Wakanda, en donde nos cuentan la historia del príncipe T'Challa (Chadwick Boseman) en uno de los puntos más importantes de su vida: la muerte de su padre y rey, T'Chaka.

Con la enorme responsabilidad de defender y administrar su gran reino secreto enclavado en el corazón de África, T'Challa debe descubrirse a sí mismo, demostrar al resto de los wakandianos que es digno de llevar la corona y lidiar con algunos episodios vergonzosos del pasado de su familia.

La trama se centra en un drama familiar que toma justo el tiempo necesario para desarrollarse y sentirse cercano al espectador. En ningún momento la película se hace lenta, pero tampoco se apresura más de la cuenta para avanzar en la trama. En pocas palabras, el argumento toma su ritmo y no le molesta explicar lo necesario para que te sientas interesado en lo que sucede.

Aquí la historia no es contaminada por la presencia de Hulk, Tony Stark o el Capitán América, sino que se desarrolla y resuelve de manera local y contenida. Y es que Black Panther bien podría funcionar como una película fuera del Universo Cinematográfico Marvel (MCU), ya que tiene una personalidad muy característica que la aleja de la del resto de las películas filmes de este ecosistema.

El trabajo en equipo como un todo

El encargado de llevar a la gran pantalla la historia de Black Panther es Ryan Coogler, un joven director relativamente nuevo en la industria del cine de altos presupuestos. Ryan es un director de formación independiente, que lo ha llevado a ponerse a la cabeza de proyectos como Creed y Fruitvale Station, y es justo esa frescura la que le otorga a Black Panther un ritmo diferente y muy atractivo.

Esa personalidad distintiva también es consecuencia de la banda sonora producida por Kendrick Lamar, que excede las expectativas de cualquier fanático de las cintas de Marvel, no sólo por su potencia, sino por su energía única que la vuelve un acento importante para las escenas clave.

Por años el soundtrack ha sido un punto flojo en las películas de los superhéroes de Marvel y a excepción de las dos cintas de Guardians of the Galaxy y Thor: Ragnarok, podría considerarse mediocre. Sin embargo, en Black Panther esto no pasa gracias a que se aprovecha cada ritmo tribal, contemporáneo y orquestal de su música.

En el aspecto del reparto este también es digno de mencionar, ya que es robusto y balanceado. El cast se compone de un 95% de actores de origen africano y cada uno de los personajes que interpretan tiene una personalidad y formas de ver Wakanda que realmente le añaden peso al mundo que se intenta construir.

Esto crea una sinergia única que hace que la región que posee la reserva de Vibranio, la sustancia más resistente conocida en el universo Marvel, viva por sí sola sin depender del resto de los arcos argumentales de Avengers, Iron Man o Thor.

Un mundo vivo

Hablar del mundo en el que se desarrolla esta historia resulta tan fascinante como evaluar las actuaciones de cada personaje de la película, pues a diferencia del soso Asgard que conocimos en las tres películas de Thor, Wakanda se siente real, viva, con importancia y una historia propia.

Cuando conocemos el pasad de un pueblo ficticio necesitamos interesarnos en sus costumbres y en su gente. Coogler se tomó el tiempo suficiente para sumergirnos en la historia de Wakanda, y hacernos sentir que el destino de este reino que acabamos de conocer es relevante.

En Thor: Ragnarok se esforzaron más en hacer chistes que en contarle a la audiencia porqué debía interesarse por la lucha del hijo de Odín para preservar el futuro de su pueblo, y por eso la amenaza que Hela representó para Asgard se sintió superficial e incluso cómica.

En cambio, en Black Panther se tomaron el tiempo necesario para explicar el origen, las costumbres y dinámicas sociales del pueblo wakandiano. Y ese es uno de los puntos más fuertes que tiene esta película sobre los mundos que se nos han presentado en todo el MCU.

En este mundo hay facciones diferentes, cada una con una forma distinta de ver la vida y dentro de ellas hay familias con motivaciones diferentes: unas buscan la modernidad, otras la tradición y unas incluso son antitecnológicas, como los Jabari liderados por M'Baku (Winston Duke), un terrateniente brutal pero justo que parece ser el único con ganas de retar a T'Challa por la corona de Wakanda.

Dinámica familiar

T'Challa no es solo el nuevo rey de Wakanda, sino que también es un joven guerrero conflictuado por los diferentes puntos de vista de cada miembro de su propia familia.

Del lado de los tradicionalistas que buscan mantener el status quo de Wakanda como estado oculto, independiente y superavanzado, están la Reina Madre Ramonda y Okoye, la generala de las fuerzas de élite del ejército wakandiano, las Dora Milaje.

Y por la parte de los modernistas que buscan apertura al mundo exterior, están Nakia (Lupita Nyong'o) y la Princesa Shuri (Letitia Wright), que es como la Tony Stark de Wakanda.

Encontrarse sumergido entre estos dos puntos de vistan hacen que T'Challa tenga que elegir entre dos opciones: ser un rey que sigue ciegamente sus tradiciones, o un monarca que abre las puertas de su nación para ayudar al resto de los africanos que viven en otros países.

Esto también pondrá en conflicto al personaje principal con su enemigo, Killmonger (Michael B. Jordan), que se alió al villano que conocimos en Civil War, Ulysses Klaw (Andy Serkis), para traficar con el poco vibranio que han logrado sacar de Wakanda.

Los villanos

Los villanos de Black Panther tienen una dinámica interesante, pero el que se siente más flojo es, sin duda, el interpretado por Serkis, pues a pesar de haber sido anunciado como "el gran enemigo de Wakanda", acaba siendo un personaje segundón que no hace más que allanar el camino para la verdadera amenaza de la película: Killmonger.

Este personaje es interesante ya es un soldado de élite estadounidense de origen wakandiano, que no se siente parte ni de Estados Unidos ni de Wakanda. Es por eso que Killmonger puede poner en peligro el frágil equilibrio que mantiene a la sociedad wakandiana en un lugar privilegiado en el mundo, y poner en duda la legitimidad del trono en el que se sienta T'Challa.

Killmonger no es sólo un villano, es un sujeto con la clara motivación de regresar a su patria, vengar a su padre y abrir Wakanda al mundo, pero no a través del comercio o el intercambio cultural, sino por el camino de las armas, la guerra, el conflicto y la conquista.

Podría considerar al personaje interpretado por Michael B. Jordan como el Bane de T'Challa. Es un personaje inteligente, peligroso y con una motivación mucho más firme que la del propio protagonista.

Personajes empoderados

En el resto de las películas de Marvel los personajes africanos o los femeninos no son más que ayudantes de lo hombres blancos, pero en Black Panther sucede lo contrario. Debido a que la sociedad wakandiana es más vanguardista, importantes papeles de su estructura son ocupados por mujeres de distintas edades.

Nakia, el interés romántico de T'Challa, no solo es secuaz del rey, sino también es una espía con su propio punto de vista y formas de trabajar, mismas que suelen poner al protagonista en segundo plano cuando ella actúa.

Okoye también es un personaje relevante, pues bajo su mando está la guardia de élite del rey que trabaja como una sola entidad y también tiene su propia forma de ver lo que le depara a Wakanda como nación independiente.

Sobra también mencionar que aquí los personajes blancos, como los interpretado por Serkis y Martin Freema, no son los salvadores finales de Wakanda, sino que actúan como elementos secundarios que ayudan a los personajes africanos. Aquí los blancos nunca toman la batuta de la historia, ni deciden cuál será el próximo paso a seguir.

Lo bueno

El reparto es sólido, consistente y variado

La banda sonora que palpita con cada escena que acompaña

El ritmo de la película que no cansa ni trastabilla

La construcción del mundo de Wakanda

Lo malo

Hay que ceder muchas licencias (suspensión de la incredulidad) para tolerar algunas cosas

Uno que otro agujero argumental que no arruina la película pero no puede ignorarse

Hay veces que la tecnología wakandiana se pasa de la raya en cuanto a su sofisticación

La escena post-créditos que está demasiado 'meh'

Veredicto

Entré al cine a ver Black Panther sin esperar gran cosa, pero salí contento, con ganas de saber más sobre T'Challa, Okoye, Nakia y el resto de los habitantes de Wakanda que son, por mucho, más interesantes que los asgardianos genéricos que conocimos en Thor: Ragnarok. En este filme no todo es crítica social (al final hay cierta referencia a cierto presidente de cierto país que hizo que todos en la sala echaran una carcajada de complicidad), sino que las pequeñas dosis de humor y levedad están bien distribuidas para darle a cada escena justo la seriedad que necesita.

Black Panther demuestra que Marvel Studios perfeccionó un estilo visual y narrativo que le abrirá el paso a la siguiente fase del universo cinematográfico que está por terminar. Esta película es un ensayo de lo que un buen argumento puede lograr en cuanto a construcción de mundos y personajes que no dependen completamente del resto de las películas de Marvel. Es, sin duda, un paso en la dirección correcta y una probada de lo que le depara al estudio que nos ha traído tantas películas desde hace una década.

# data[].attributes.attachment_link.title
Reseña: Black Panther - El brillante inicio de un nuevo universo - Código Espagueti

# data[].attributes.attachment_link.description
Black Panther marca el inicio de una nueva generación de héroes marvelitas en la pantalla grande. Llegué al cine sin la mayor expectativa sobre esta película. La única vez que vi a Black Panther en acción fue en el cómic de Civil War y en el de Marvel Zombies, pero nada más.

# data[].attributes.body
Reseña de Black Mirror "Bandersnatch"

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El jueves último Netflix lanzó el tráiler de "Black Mirror: Bandersnatch", una película para TV de propuesta intrigante: como en un videojuego, tú puedes elegir el camino que tomará el personaje. Esto se cumple, pero la historia es consciente de sus propias limitaciones; lo cual no es un bache, sino que potencia el producto final.

Desarrollada en 1984, esta es la historia de Stefan (Fionn Whitehead), programador británico que quiere adaptar la novela " Bandersnatch", cuyo autor original sucumbió a su propia mente y mató a su mujer. Stefan, según entendemos muy pronto en la historia, perdió a su madre cuando era niño; evento que lo marcó.

Algo que también aprendemos en los primeros minutos de " Bandersnatch" es que, en el momento menos pensado, eliges el camino a seguir por el personaje. La primera opción (y no es spoiler revelarlo) implica decidir el cereal para el desayuno. Puede que hayas tomado una elección similar horas antes de leer estas líneas.

El núcleo aparente de la cinta yace en el trabajo de Stefan: desarrollar "Bandersnatch" para la empresa en la que trabaja su héroe, Colin Ritman (Will Poulter), un famoso diseñador de videojuegos.

¿Stefan es libre en sus acciones o alguien más tira de sus hilos para hacerlo hacer esto o aquello? ¿O todo lo que ve es una dificultad mental mal tratada? " Black Mirror" ofrece respuestas, pero fiel a su tradición plantea más preguntas; juega con tus expectativas de manera literal cuando Stefan, en su "peor" momento, cree que es controlado por alguien más.​

Otra cosa que notas al ver la película es que no tienes una barra de progreso. Puedes pausar, pero no adelantar. No sabes cuánto de tu tiempo vas a invertir en Stefan y su historia. Además, cuando tomas una decisión, no puedes retroceder de inmediato para cambiarla. Así, " Bandersnatch" se acerca un poco a la vida real: tus acciones traen consecuencias irreparables.

Pero esto no es la vida real, es un videojuego, y como tal tienes vidas extra. Hay momentos predeterminados donde puedes elegir una opción distinta. Y como en un juego, el conocimiento de tu error te da una nueva perspectiva. Stefan no es el mismo al cambiar su destino, pero sabe que la decisión no es enteramente suya.

¿Entonces tú, como espectador, eres culpable del destino final del personaje? No necesariamente. Stefan cree que sí, pero desconoce que tú, al comprar hacerlo comprar este vinilo u otro, este cereal o el otro, eres limitado por alguien más; en este caso Charlie Brooker, el creador de la serie, pero también por el director, David Slade, quien en 2017 dirigió el episodio "Metalhead". El episodio manipula a Stefan, pero el espectador tampoco es libre.

La película de " Black Mirror" aprovecha las posibilidades que te da elegir tu propia historia, pero también deconstruye el formato para jalar la alfombra debajo de los pies de los personajes y audiencia por igual. Si el final no te convence, eso es lo de menos. Al final " Bandersnatch" no se ve, se experimenta.

# data[].attributes.attachment_link.title
"Black Mirror: Bandersnatch": lo que pensamos de la película de Netflix

# data[].attributes.attachment_link.description
El jueves último Netflix lanzó el tráiler de "Black Mirror: Bandersnatch ", una película para TV de propuesta intrigante: como en un videojuego, tú puedes elegir el camino que tomará el personaje. Esto se cumple, pero la historia es consciente de sus propias limitaciones; lo cual no es un bache, sino que potencia el producto final.

# data[].attributes.body
Reseña "Bohemian Rhapsody"

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Con una gran selección musical, esta cinta nos lleva de paseo por los grandes hits de Queen, pero no solo somos testigos de la parte histórica y con este breve vistazo a una de las bandas de rock más importantes de la música también somos testigos de la historia detrás de esas canciones y el forjamiento del legado de esta banda londinense.

Creo que ya se había tardado, y mucho la película biográfica de Freddie Mercury, esta legendaria figura de la música, una estrella que brillo con tanta fuerza en los años setentas y ochentas, que incluso hoy muchísimos años después de su partida seguimos extrañándolo y disfrutando de sus grandes creaciones que a pesar del paso del tiempo son más vigentes que nunca.

Pero bueno, por fin la espera termino y 20th Century Fox nos trae este drama histórico biográfico lleno de música; no lo clasificaría como musical, pero tienes que saber que la discografía de Queen se funde tanto en la trama que termina siendo un personaje protagónico más en esta historia.

El aspecto musical, o el hecho que, la música termina con tanto protagonismo es algo que se agradece, porque finalmente Queen y Freddie Mercury no pueden separarse de esa música vibrante y llena de pasión que los puso en la historia no solo musical, sino en la historia de la humanidad.

La película Bohemian Rhapsody es muy entretenida, sin importar que dura más de dos horas te la pasarás atento mientras descubres la historia, un poco más detallada de Mercury, un hombre misterioso que paso toda su vida guardando su vida privada del ojo del público.

Así que, si quieres conocer más sobre este gran músico, debo recomendarte la película Bohemian Rhapsody: La Historia de Freddie Mercury, es entretenida con soundtracks sublimes, además Bryan Singer nos entrega una cinta inspiradora que se enfoca más en la música y su valga la redundancia la inspiración, más que en detalles oscuros y sombríos de los integrantes de Queen.

Debo decir que tenía mis dudas con esta cinta, ya que las críticas realizadas en otros países no eran muy favorecedoras, pero después de ver la película Bohemian Rhapsody: La Historia de Freddie Mercury debo decir que esta buena, es entretenida, la música le da una nueva dimensión además cuenta con buenas actuaciones.

Sinopsis de la película Bohemian Rhapsody: La Historia de Freddie Mercury

¿De qué trata?, obviamente es la película de Freddie Mercury (Rami Malek) y cómo surge Queen en la década de los setentas.

Esta cinta nos lleva de los humildes comienzos en bares a los vuelos de grandes alturas que tomo esta agrupación gracias al talento musical de Freddie, así como su poderosa voz.

Pero además de conocer la historia de cómo se creó Queen, este movie da un vistazo breve y rápido a la parte personal del músico, pero finalmente se enfoca más en la parte musical, los éxitos, las giras, los conflictos y como se creó la música.

El Reparto de la película Bohemian Rhapsody: La Historia de Freddie Mercury

Otra gran incógnita de esta cita era Rami Malek, qué es un muy buen actor, pero la pregunta hasta antes de esta cinta era ¿está preparado para un gran protagónico?, pues con la película Bohemian Rhapsody: La Historia de Freddie Mercury lo deja claro, está listo para interpretar cual rol y soportar toda una trama compleja; además de que se ve muy bien en escenario por un momento olvidas que es el actor y crees estar viendo a Mercury en pantalla, realmente una actuación soberbia e impresionante.

En escena le acompaña Lucy Boynton, Ben Hardy, Aidan Gillen y hasta Mike Myers.

# data[].attributes.attachment_link.title
Reseña de la película Bohemian Rhapsody: La Historia de Freddie Mercury - Bohemian Rhapsody (2018) - El Blog de Yes

# data[].attributes.attachment_link.description
Con una gran selección musical, esta cinta nos lleva de paseo por los grandes hits de Queen, pero no solo somos testigos de la parte histórica y con este breve vistazo a una de las bandas de rock más importantes de la música también somos testigos de la historia detrás de esas canciones y el forjamiento del legado de esta banda londinense.

# data[].attributes.body
Reseña de " no se aceptan devoluciones"
https://www.espinof.com/criticas/no-se-aceptan-devoluciones-entranable-y-emotiva

# data[].attributes.body
Reseña"Élite"
https://www.cnet.com/es/noticias/elite-de-netflix-resena-de-serie-para-adolescentes-estilo-telenovela/

# data[].attributes.body
Reseña "Room"
https://www.efeeme.com/la-habitacion-de-lenny-abrahamson/

# data[].attributes.body
Reseña "La casa de papel"
https://www.radionica.rocks/series/resena-la-casa-de-papel-como-conseguir-2400-millones-de-euros-sin-robarselos-a-nadie

# data[].attributes.body
Reseña ¨Atrapado sin salida¨
http://filosofiaconcartulina.blogspot.com/2017/02/atrapado-sin-salida-resena.html

# data[].attributes.body
Reseña "Secretos de una obsesión"
https://vos.lavoz.com.ar/cine/razones-para-ver-secretos-de-una-obsesion-drama-inspirado-en-el-secreto-de-sus-ojos

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
El detalle navideño, sutil, en contraste con la revelación del rostro criminal en la pantalla de la computadora, señala el comienzo de Secretos de una obsesión, la película de Billy Ray basada libremente en el guion de El secreto de sus ojos. Plantear la comparación no sólo es una pérdida de tiempo, sino un obstáculo para disfrutar el thriller que mantiene los hallazgos de la historia original y recicla el contexto, las circunstancias y el punto de vista con respecto a la modalidad de trabajo de la justicia y la policía en Estados Unidos.

Pensada para el público global, la película gira en torno a tres actores notables: Julia Roberts, Chiwetwl Ejiofor y Nicole Kidman, en los roles de agentes del FBI y la fiscal de distrito, respectivamente. A Jess, Ray y Claire los une el espanto: descubren que la hija adolescente de Jess ha sido brutalmente asesinada.

Julia Roberts comentó que la impactó El secreto de sus ojos, por el silencio y el melodrama. Con esas coordenadas la actriz compone una madre doliente, que conoce los límites autoimpuestos de la justicia y la política en seguridad para la que trabaja. Excelente trabajo de Chiwetwl Ejiofor como Ray, el oficial desclasado que lleva adelante la obsesión por encontrar al asesino de Carolyn, la adolescente que vio crecer, y buena performance de Kidman, en su rol distante y contenido, que expresa la lucha interior del corazón que late en el lugar equivocado.

La anécdota central se desarrolla en dos tiempos: en 2002, momento del asesinato al lado de la mezquita, y en el presente. El guion abusa de los saltos temporales que exigen mucha concentración. Los detalles de la puesta y el diseño ayudan al espectador a reconstruir las implicancias del rol del asesino Anzor Marzin en el entramado político.

La escena del hallazgo del cadáver es una obra de arte, con Jess (Julia Roberts) desgarrada de dolor. La emoción atraviesa los momentos clave del relato, liderados por la frase que se escucha un par de veces: "las pasiones son como mapas". El amor, la amistad incondicional, la pérdida, la impotencia van cruzando el cuerpo de los personajes. Hay en la película violencia institucional y física, con un tratamiento poco jugado, aunque logra transmitir desesperación y tristeza.

Kidman se luce en la escena que pone a Claire cara a cara con el asesino (Joe Cole). En la segunda línea, muy efectivos Michael Kelly (Reg Siefert), Dean Norris (como Bumpy Willis) y Alfred Molina (Martin Morales).

El tema de la justicia dirigido al sistema político hace explícita la orden que convierte a un violador en ciudadano intocable, si tiene buena información para el FBI. El contexto de la paranoia posterior al atentado de las Torres Gemelas sobrevuela la historia pequeña y única de la madre que ha perdido a su hija.

Una foto, la intuición de Ray, la búsqueda y la sorpresa final son datos que a los conocedores de El secreto de sus ojos les traen recuerdos. Al mismo tiempo que, para el espectador sin información previa, esos hallazgos hacen de Secretos de una obsesión, un thriller policial que rinde honores al melodrama desde las herramientas actorales que concibe Hollywood para su público.
Secretos de una obsesión
Thriller

Guion y dirección: Billy Ray. Basada en la película de Juan José Campanella ( El secreto de sus ojos) y Eduardo Sacheri. Música: Emilio Kauderer. Fotografía: Daniel Moder. Edición: Jim Page. Intérpretes: Julia Roberts, Nicole Kidman, Chiwetel Ejiofor, Michael Kelly, Dean Norris y Alfred Molina. Para mayores de 13 años. Duración: 101 minutos. Complejidad: moderada. Sexo: nulo. Violencia: alta.

# data[].attributes.attachment_link.title
Razones para ver "Secretos de una obsesión", drama inspirado en "El secreto de sus ojos" | VOS

# data[].attributes.attachment_link.description
El detalle navideño, sutil, en contraste con la revelación del rostro criminal en la pantalla de la computadora, señala el comienzo de Secretos de una obsesión, la película de Billy Ray basada libremente en el guion de El secreto de sus ojos .

# data[].attributes.body
Reseña de "La tumba de las luciérnagas"

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Por Carmen Elizabeth Luna Martínez y Juan Francisco Andrade Andrade.

Es fácil encontrar en el séptimo arte muchas representaciones de acontecimientos históricos, y no cabe duda que la Segunda Guerra Mundial es uno de los temas que con más frecuencia se han llevado a los libros y a la pantalla grande, siendo regularmente ilustrada una perspectiva unilateral, que mira con ojos críticos y de desaprobación-con mucha razón- a los países del Eje. Sin embargo, quizá olvidamos, al tomar una postura parcial, que en una guerra nadie gana. Dejamos de lado los estragos que, sin importar quiénes son los países "victoriosos" y quiénes se llevan la derrota, los conflictos bélicos causan a la población civil, física, psicológica y materialmente, y la forma en que se ven afectadas las personas directamente involucradas en estos: la carne de cañón.

Studio Ghibli viene a conmovernos con un drama animado que nos muestra, de una manera cruda y a la vez emotiva, la devastación de la población civil japonesa en el ocaso de la Segunda Guerra Mundial. Isao Takahata, aclamado director de la mundialmente reconocida caricatura Heidi, la niña de los Alpes, y cofundador, junto con Hayao Miyazaki, de dicho estudio de animación, adapta al cine la novela Hotaru no Haka (火垂るの墓) de Akiyuki Nosaka, donde nos presenta la historia de Seita, un muchacho de 14 años hijo de un oficial de la Armada Imperial Japonesa, quien queda a cargo de su hermana Setsuko, de 5 años de edad, después la muerte de su madre en el bombardeo a manos americanas de la ciudad de Kobe, en el cual, su casa fue reducida a cenizas.

"El 21 de septiembre de 1945, yo morí..." es la frase con que inicia La Tumba de las Luciérnagas, y en ella nos advierte el tipo de película que veremos. Hambre y falta de recursos, destrucción de viviendas, la amenaza latente de ser bombardeados en cualquier momento, el menosprecio de aquellas personas que no participan directa o indirectamente en la defensa del país, son sólo algunos de los demonios con los que el protagonista tiene que luchar mientras, al mismo tiempo, protege como dé lugar la burbuja de inocencia de su pequeña hermana, quien representa en el filme una ventana hacia las cosas hermosas con profundo significado que prevalecen a pesar del caos: el canto de las ranas, las olas en la arena, el andar de un cangrejo o la sublime luz de una luciérnaga. La actitud de Seita recuerda a la de Guido, en La Vida es Bella -película rodada casi diez años después-, buscando a toda costa mantener la integridad física y mental, y la ingenuidad de su pequeño hijo dentro de las atrocidades que acontecen en un campo de concentración, valiéndose de la imaginación de éste y de la propia. Ambos personajes, Seita y Guido, revelan un valor humano de gran importancia en tiempos tan adversos: la esperanza. Depositan su entero ser en el afán de proteger a esa pequeña personita, y encuentran en ella inspiración y fortaleza para aguantar el hambre propia, golpizas despiadadas, tormentos psicológicos, con el fin último de que su ser amado sobreviva.

De manera implícita, existe en el desarrollo de la historia un punto medular en el que se dejan entrever ciertos rasgos característicos de la cultura japonesa, impregnados profundamente en su sociedad: el perdón, el honor y el orgullo. En un momento clave del largometraje, el personaje protagonista se ve en la necesidad de tomar una decisión. La tía de Seita y Setsuko, quien abrió las puertas de su casa para recibirles y les alimentó tras la destrucción de su ciudad natal, comienza con el tiempo a sentirse incómoda por la presencia de sus sobrinos, recriminando al mayor su "holgazanería", instándolo a pensar en el futuro, a convertirse en soldado para servir a su país, y su comportamiento se ve acompañado de episodios de violencia psicológica y sugestión que, evidentemente, hacen que ambos niños deseen huir a cualquier otro lugar. Dada la situación tan complicada que se respira en esos momentos y las pocas alternativas viables que tienen, lo más sensato sería aguantar el mal trato de su tía, o darle la razón y disculparse cediendo a su voluntad, pero el orgullo le impide a Seita pensar siquiera en la idea de pedir disculpas por algo con lo que está en desacuerdo. Termina tomando la decisión de utilizar los últimos recursos que tiene, obtenidos al vender las pocas prendas de su madre que logró rescatar entre los escombros, para comprar víveres y utensilios, y marcharse con su hermana a otro lugar menos protegido, a merced de los inclementes monzones que azotaban por esos tiempos la costa japonesa, pero donde al menos serían libres de hacer lo que quisieran.

En su larga trayectoria, Studio Ghibli nos ha demostrado que la animación no es, en absoluto, una categoría fílmica reservada exclusivamente para niños y niñas, y La Tumba de las Luciérnagas no es la excepción. Por el contrario, las fuertes escenas y el desarrollo mismo de la película que nos mantiene en vilo, con un nudo en la garganta y los ojos anegados en lágrimas, nos sugiere reservarnos de darle una clasificación menor de B.
La Tumba de las Luciérnagas es sin duda una obra sublime que se suma a El Pianista de Roman Polański, La Lista de Schindler de Steven Spielberg o la antes mencionada de Roberto Benigni, para dibujar un panorama más humano y sensible respecto a la catastrófica segunda gran guerra, que incita a que nos cuestionemos si el fin justifica los medios, y a darnos cuenta de que hay cosas más importantes que a veces no se perciben a simple vista.
Referencias

Hara, T. (productor) y Takahata, I. (director). (1988). Hotaru no Haka [cinta cinematográfica]. Japón: Studio Ghibli.

# data[].attributes.attachment_link.title
Reseña de La Tumba de las Luciérnagas, de Isao Takahata

# data[].attributes.attachment_link.description
Por Carmen Elizabeth Luna Martínez y Juan Francisco Andrade Andrade. Es fácil encontrar en el séptimo arte muchas representaciones de acontecimientos históricos, y no cabe duda que la Segunda Guerra Mundial es uno de los temas que con más frecuencia se han llevado a los libros y a la pantalla grande, siendo regularmente ilustrada una perspectiva unilateral, que mira con ojos críticos y de desaprobación-con mucha razón- a los países del Eje.

# data[].attributes.body
http://www.elespectadorimaginario.com/juego-de-tronos/

# data[].attributes.body
Reseña Breakfast at Tiffany's

# data[].attributes.attachment_link.readable_text
Acaricia nuestro oído la bella e inconfundible melodía Moon River de Johnny Mercer dando apertura a la icónica escena de la joven de cabello recogido, gafas de sol, collar de perlas, largos guantes y vestido negros, desayunando un croissant frente a la joyería Tiffany's. Así empieza la película Breakfast at Tiffany's, comedia romántica del año 1961 escrita por George Axelrod, holgadamente inspirada en la novela del mismo título del escritor Truman Capote.

Los colores, la música, el vestuario, los peinados y el cuidado que se nota en la creación de cada uno de los personajes hace de esta película una joya. En cuanto a la actuación, Audrey Hepburn representando a Holly Golightly desempeña un magnífico trabajo, haciendo que te encariñes con la traviesa chica de la ciudad y el apuesto George Peppard representando a Paul Valjack enamora a cualquier espectador con su caballerosidad.

Una chica aparentemente confundida, pero que en el fondo sabe lo que quiere. De sentimientos que parecieran superficiales, pero en realidad tan profundos que es difícil ver lo auténtico que son estos. Graciosa, refinada, curiosa, espontánea y auténtica, así es Holly Golightly.

Holly lleva una vida de fiesta y lujos, enredada en relaciones superficiales con hombres que la buscan por su encanto físico y su radiante personalidad, pero hombres que a ella no le agradan y por esto mismo termina viéndose en la incómoda situación de evadirlos a toda costa. La llegada de un apuesto escritor al mismo edificio donde Holly vive, le da un nuevo sabor a la vida tanto de Holly como del joven. Entre ellos se crea una gran amistad sincera.

Juntos viven divertidas experiencias y así van descubriendo el lazo que hay entre los dos.

Texto e ilustración por Fátima Müggenburg

# data[].attributes.attachment_link.description
Acaricia nuestro oído la bella e inconfundible melodía Moon River de Johnny Mercer dando apertura a la icónica escena de la joven de cabello recogido, gafas de sol, collar de perlas, largos guantes y vestido negros, desayunando un croissant frente a la joyería Tiffany's.

# data[].attributes.body
Reseña Sex Education
https://www.fotogramas.es/series-tv-noticias/a25901608/sex-education-serie-netflix-analisis/